คำจำกัดความของแนวดนตรีในประวัติศาสตร์คืออะไร แนวดนตรี แนวเพลงร็อค

ดนตรีถือกำเนิดขึ้นในสมัยโบราณโดยเป็นหนึ่งในวิธีแสดงความรู้สึกของมนุษย์ทางศิลปะ การพัฒนามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับความต้องการของสังคมมนุษย์มาโดยตลอด ในตอนแรก ดนตรียังไม่ค่อยดีนักและไร้ความหมาย แต่ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา ดนตรีได้กลายเป็นหนึ่งในศิลปะที่ซับซ้อนและแสดงออกมากที่สุด โดยมีพลังพิเศษในการมีอิทธิพลต่อผู้คน

ดนตรีคลาสสิกอุดมไปด้วยผลงานหลายประเภท ซึ่งแต่ละงานมีลักษณะเฉพาะ เนื้อหา และจุดประสงค์ของตัวเอง ผลงานดนตรีประเภทต่างๆ เช่น เพลง การเต้นรำ การทาบทาม ซิมโฟนี และอื่นๆ เรียกว่าแนวเพลง

แนวดนตรีประกอบด้วยสองกลุ่มใหญ่ แตกต่างกันตามวิธีการแสดง: เสียงร้อง และ เครื่องมือ

ดนตรีแกนนำมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับข้อความบทกวีและคำพูด แนวเพลง - เพลง, โรแมนติก, คอรัส, เพลงโอเปร่า - เป็นผลงานที่เข้าถึงได้และเป็นที่นิยมมากที่สุดสำหรับผู้ฟังทุกคน ดำเนินการโดยนักร้องพร้อมด้วยเครื่องดนตรี และมักแสดงเพลงและคณะนักร้องประสานเสียงโดยไม่มีนักดนตรีร่วมด้วย

เพลงพื้นบ้านเป็นรูปแบบศิลปะดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่มีต้นกำเนิด นานก่อนที่ดนตรีมืออาชีพจะพัฒนาขึ้น ภาพทางดนตรีและบทกวีที่สดใสก็ปรากฏอยู่ในเพลงพื้นบ้าน ซึ่งสะท้อนชีวิตของผู้คนได้อย่างน่าเชื่อถือและมีเชิงศิลปะ สิ่งนี้ยังปรากฏให้เห็นในลักษณะของเพลงด้วยความคิดริเริ่มอันสดใสของโครงสร้างอันไพเราะ ด้วยเหตุนี้นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่จึงให้ความสำคัญกับเพลงพื้นบ้านเป็นที่มาของการพัฒนาศิลปะดนตรีของชาติ “เราไม่ได้สร้าง แต่เป็นคนที่สร้าง” M. I. Glinka ผู้ก่อตั้งโอเปร่าและดนตรีไพเราะของรัสเซียกล่าว “แต่เราจัดเตรียมเท่านั้น” (กระบวนการ)

คุณลักษณะที่สำคัญของเพลงใดๆ คือการทำซ้ำทำนองซ้ำด้วยคำที่ต่างกัน ในเวลาเดียวกันทำนองหลักของเพลงยังคงอยู่ในรูปแบบเดิม แต่ทุกครั้งที่ข้อความบทกวีที่เปลี่ยนแปลงเล็กน้อยจะทำให้มีเฉดสีที่แสดงออกใหม่

แม้แต่ดนตรีประกอบที่ง่ายที่สุด - ดนตรีประกอบ - ช่วยเพิ่มการแสดงออกทางอารมณ์ของทำนองเพลง ให้ความสมบูรณ์และสีสันเป็นพิเศษแก่เสียงของมัน และ "เติมเต็ม" ด้วยความช่วยเหลือของดนตรีบรรเลง รูปภาพของข้อความบทกวีที่ไม่สามารถถ่ายทอดในทำนองเพลงได้ ดังนั้นการเล่นเปียโนประกอบในเพลงโรแมนติกอันโด่งดังของ Glinka "Night Zephyr" และ "The Blues Fell Asleep" จึงสร้างการเคลื่อนไหวของคลื่นที่กลิ้งเป็นจังหวะและในเพลง "Lark" ของเขา - เสียงร้องของนก สำหรับการร้องเพลงบัลลาดของ Franz Schubert เรื่อง "The King of the Forest" เราจะได้ยินเสียงควบม้าอย่างบ้าคลั่ง

ในผลงานของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 19 นอกจากเพลงแล้ว ความโรแมนติกก็กลายเป็นแนวเพลงยอดนิยมอีกด้วย เป็นบทเพลงสั้นพร้อมดนตรีประกอบ

ความรักมักจะซับซ้อนกว่าเพลงมาก ท่วงทำนองโรแมนติกไม่เพียงแต่เป็นเพลงประเภทกว้างเท่านั้น แต่ยังเป็นประเภทที่ไพเราะและประจบประแจง (“ฉันไม่โกรธ” โดย Robert Schumann) ในความรักคุณจะพบการเปรียบเทียบภาพดนตรีที่ตัดกัน (“ Night Zephyr” โดย M. I. Glinka และ A. S. Dargomyzhsky, “ The Sleeping Princess” โดย A. P. Borodin) และการพัฒนาละครที่เข้มข้น (“ ฉันจำช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยม” โดย Glinka บน Pushkin's บทกวี)

แนวเพลงร้องบางประเภทมีไว้สำหรับกลุ่มนักแสดง: ดูเอต (นักร้องสองคน), ทรีโอ (สามคน), ควอร์เตต (สี่), ควินเตต (ห้า) ฯลฯ และนอกจากนี้ - นักร้องประสานเสียง (กลุ่มร้องเพลงขนาดใหญ่) แนวเพลงประสานเสียงอาจเป็นอิสระหรือเป็นส่วนหนึ่งของงานดนตรีและละครขนาดใหญ่ เช่น โอเปร่า ออราโตริโอ แคนทาตา นั่นคือการประพันธ์เพลงของคีตกวีชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Georg Friedrich Handel และ Johann Sebastian Bach คณะนักร้องประสานเสียงในโอเปร่าที่กล้าหาญของ Christophe Gluck ในมหากาพย์อันยิ่งใหญ่และโอเปร่าดราม่าที่กล้าหาญของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย M. I. Glinka, A. N. Serov, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, S. I. Taneyev การร้องเพลงประสานเสียงตอนจบอันโด่งดังของซิมโฟนีที่เก้าของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เชิดชูอิสรภาพ (ตามคำพูดของบทกวี To Joy ของฟรีดริช ชิลเลอร์) จำลองภาพการเฉลิมฉลองอันยิ่งใหญ่ของผู้คนนับล้าน ("Embrace, Millions")

นักร้องประสานเสียงที่ยอดเยี่ยมถูกสร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงชาวโซเวียต D. D. Shostakovich, M. V. Koval, A. A. Davidenko คณะนักร้องประสานเสียงของ Davidenko“ ห่างจากเมืองหลวงสิบไมล์” อุทิศให้กับเหยื่อของการประหารชีวิตเมื่อวันที่ 9 มกราคม พ.ศ. 2448 นักร้องประสานเสียงอื่น ๆ ของเขาที่เต็มไปด้วยความกระตือรือร้น "The Street is Excited" แสดงให้เห็นถึงความชื่นชมยินดีของผู้คนที่โค่นล้มระบอบเผด็จการในปี 2460

Oratorio เป็นงานสำคัญของคณะนักร้องประสานเสียง นักร้องเดี่ยว และวงซิมโฟนีออร์เคสตรา มันดูคล้ายกับโอเปร่า แต่แสดงในคอนเสิร์ตที่ไม่มีฉาก เครื่องแต่งกาย และการแสดงบนเวที (บทเพลง "On Guard of the World" โดยนักแต่งเพลงชาวโซเวียต S. S. Prokofiev)

แคนทาทามีเนื้อหาง่ายกว่าและมีขนาดเล็กกว่าออราทอริโอ มีบทเพลงโคลงสั้น ๆ เคร่งขรึมต้อนรับและแสดงความยินดีที่สร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่วันครบรอบหรืองานสาธารณะ (เช่น "Cantata สำหรับการเปิดนิทรรศการโพลีเทคนิค" โดย Tchaikovsky) นักแต่งเพลงชาวโซเวียตหันมาใช้แนวเพลงนี้เช่นกัน โดยสร้างบทเพลงในธีมสมัยใหม่และประวัติศาสตร์ (“The Sun Shines Over Our Motherland” โดย Shostakovich, “Alexander Nevsky” โดย Prokofiev)

แนวเพลงร้องที่เข้มข้นและซับซ้อนที่สุดคือโอเปร่า โดยผสมผสานบทกวีและการแสดงละคร เสียงร้องและเครื่องดนตรี การแสดงออกทางสีหน้า ท่าทาง การเต้นรำ การวาดภาพ และเอฟเฟกต์แสงเข้าไว้ด้วยกัน แต่ทั้งหมดนี้อยู่ภายใต้หลักการทางดนตรีในโอเปร่า

บทบาทของภาษาพูดธรรมดาในละครโอเปร่าส่วนใหญ่จะเล่นโดยการร้องเพลงหรือท่องบท ในประเภทโอเปร่าเช่นโอเปร่าละครเพลงและละครการ์ตูนการร้องเพลงสลับกับภาษาพูดธรรมดา (“ White Acacia” โดย I. O. Dunaevsky, “ Arshin Mal Alan” โดย Uzeir Gadzhibekov, “ The Tales of Hoffmann” โดย Jacques Offenbach)

การแสดงโอเปร่าเปิดเผยในฉากร้องเป็นหลัก: อาเรีย คาวาตินา เพลง วงดนตรี และคณะนักร้องประสานเสียง ในเพลงเดี่ยวพร้อมด้วยเสียงอันทรงพลังของวงซิมโฟนีออร์เคสตราเฉดสีที่ละเอียดอ่อนที่สุดของประสบการณ์ทางอารมณ์ของฮีโร่หรือลักษณะแนวตั้งของพวกเขาจะถูกทำซ้ำ (ตัวอย่างเช่นเพลงของ Ruslan ในโอเปร่า "Ruslan และ Lyudmila" โดย Glinka เพลงของ Igor และ Konchak ใน "เจ้าชายอิกอร์" โดย Borodin) การปะทะกันทางผลประโยชน์ของตัวละครแต่ละตัวถูกเปิดเผยในวงดนตรี - ร้องคู่, terzets, วงสี่ (เพลงคู่ของ Yaroslavna และ Galitsky ในโอเปร่า "Prince Igor" โดย Borodin)

ในโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียเราพบตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของวงดนตรี: การแสดงละครของนาตาชาและเจ้าชาย (จากการแสดงครั้งแรกของโอเปร่า "Rusalka" โดย Dargomyzhsky) ทั้งสามผู้เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ "Don't Tomi, Darling" (จาก โอเปร่า "Ivan Susanin" โดย Glinka) คณะนักร้องประสานเสียงผู้ยิ่งใหญ่ในโอเปร่าของ Glinka, Mussorgsky, Borodin สร้างภาพลักษณ์ของฝูงชนขึ้นมาใหม่ตามความเป็นจริง

ตอนที่บรรเลงมีความสำคัญอย่างมากในโอเปร่า: การเดินขบวน การเต้นรำ และบางครั้งฉากดนตรีทั้งหมด มักจะอยู่ระหว่างการแสดง ตัวอย่างเช่นในโอเปร่าของ Rimsky-Korsakov เรื่อง "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" มีการแสดงภาพไพเราะของการสู้รบของกองทัพรัสเซียเก่ากับฝูงตาตาร์ - มองโกล ("The Battle of Kerzhenets") เกือบทุกโอเปร่าเริ่มต้นด้วยการทาบทาม - บทนำไพเราะซึ่งโดยทั่วไปจะเปิดเผยเนื้อหาของการแสดงละครของโอเปร่า

ดนตรีบรรเลงที่พัฒนาบนพื้นฐานของดนตรีร้อง มันเติบโตมาจากการร้องเพลงและการเต้น ดนตรีบรรเลงที่เก่าแก่ที่สุดรูปแบบหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับศิลปะพื้นบ้านคือ แก่นเรื่องและรูปแบบต่างๆ

บทละครดังกล่าวสร้างขึ้นจากการพัฒนาและดัดแปลงแนวคิดทางดนตรีหลัก - ธีม ในเวลาเดียวกัน การเปลี่ยนทำนอง การร้อง จังหวะ และลักษณะของดนตรีประกอบแต่ละเพลงจะเปลี่ยนไป (หลากหลาย) ให้เรานึกถึงรูปแบบเปียโนในธีมของเพลงรัสเซีย "ฉันจะออกไปที่แม่น้ำ" โดยนักดนตรีชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18 I. E. Khandoshkina (ดูบทความ "ดนตรี Gussian แห่งศตวรรษที่ 18") ในแฟนตาซีไพเราะของ Glinka "Kamarinskaya" เพลงแรกในงานแต่งงานที่ไหลลื่นอันงดงาม "เพราะภูเขา ภูเขาสูง" แตกต่างกันไป จากนั้นเพลงเต้นรำเร็ว "Kamarinskaya"

ดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดอีกรูปแบบหนึ่งคือชุด ซึ่งเป็นการสลับการเต้นรำและการแสดงต่างๆ ในห้องเต้นรำโบราณแห่งศตวรรษที่ 17 การเต้นรำที่มีตัวละคร จังหวะ และจังหวะตรงกันข้ามกัน: ช้าปานกลาง (อัลเลมองด์ของเยอรมัน) เร็ว (เสียงระฆังฝรั่งเศส) ช้ามาก เคร่งขรึม (Sarabande ของสเปน) และรวดเร็ว (Giga เป็นที่รู้จักในหลายประเทศ) ในศตวรรษที่ 18 ระหว่าง sarabande และ gigue มีการแทรกการเต้นรำตลก ๆ เช่น gavotte, bourrée, minuet และอื่น ๆ นักแต่งเพลงบางคน (เช่น Bach) มักจะเปิดห้องสวีทที่มีท่อนเกริ่นนำที่ไม่มีรูปแบบการเต้นรำ: โหมโรง, การทาบทาม

ผลงานดนตรีที่ต่อเนื่องกันเป็นชุดเดียวเรียกว่าวงจร ให้เรานึกถึงวงจรเพลงของ Schubert เรื่อง "The Miller's Love" และ "Winter Reise" ซึ่งเป็นวงจรเสียงร้องของ Schumann เรื่อง "The Poet's Love" ไปจนถึงคำพูดของ Heinrich Heine แนวเครื่องดนตรีหลายประเภท ได้แก่ วงรอบ: รูปแบบต่างๆ ชุดเพลงเซเรเนด ซิมโฟนี โซนาตา คอนแชร์โต

ในตอนแรก คำว่า โซนาตา (จากภาษาอิตาลี "ถึงเสียง") หมายถึงเครื่องดนตรีใดๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 เท่านั้น ในผลงานของนักไวโอลินชาวอิตาลี Corelli ได้มีการพัฒนาแนวโซนาต้าที่เป็นเอกลักษณ์ของการเคลื่อนไหว 4-6 ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ตัวอย่างคลาสสิกของโซนาตาของการเคลื่อนไหวสองหรือสามการเคลื่อนไหวในศตวรรษที่ 18 สร้างโดยนักแต่งเพลง Carl Philipp Emmanuel Bach (ลูกชายของ J. S. Bach), Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, I. E. Handoshkin โซนาต้าของพวกเขาประกอบด้วยหลายส่วน ต่างกันในรูปดนตรี ท่อนแรกที่เต็มไปด้วยพลังและดำเนินไปอย่างรวดเร็ว มักจะสร้างขึ้นจากการผสมผสานระหว่างธีมดนตรีสองธีมที่ตัดกัน ถูกแทนที่ด้วยส่วนที่สองซึ่งเป็นท่อนโคลงสั้น ๆ ที่ไพเราะและช้า โซนาต้าจบลงด้วยตอนจบ - ดนตรีในจังหวะเร็ว แต่มีบุคลิกที่แตกต่างจากการเคลื่อนไหวครั้งแรก บางครั้งส่วนที่ช้าก็ถูกแทนที่ด้วยท่อนเต้นรำ - เพลงประกอบ บีโธเฟน นักแต่งเพลงชาวเยอรมันได้เขียนโซนาตาของเขาหลายบทในสี่การเคลื่อนไหว โดยวางระหว่างการเคลื่อนไหวช้าๆ และตอนจบซึ่งเป็นท่อนที่มีลักษณะมีชีวิตชีวา - มินูเอตหรือเชอร์โซ (จาก "เรื่องตลก" ของอิตาลี)

บทเพลงสำหรับเครื่องดนตรีโซโล (โซนาต้า เวอรชั่น สวีท โหมโรง ทันควัน น็อคเทิร์น) ร่วมกับวงดนตรีต่างๆ (ทรีโอ ควอเต็ต) ถือเป็นสาขาดนตรีแชมเบอร์ (แปลว่า "ดนตรีเฮาส์") ซึ่งออกแบบมาเพื่อการแสดงต่อหน้าวงดนตรีที่มีขนาดค่อนข้างเล็ก แวดวงผู้ฟัง ในชุดแชมเบอร์ออร์ม ชิ้นส่วนของเครื่องดนตรีทั้งหมดมีความสำคัญเท่าเทียมกัน และต้องมีการตกแต่งอย่างระมัดระวังเป็นพิเศษจากผู้แต่ง

ดนตรีไพเราะเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่สดใสที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีโลก ผลงานที่ดีที่สุดสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรานั้นโดดเด่นด้วยความลึกและความสมบูรณ์ของการสะท้อนความเป็นจริง ความยิ่งใหญ่ของขนาด และในขณะเดียวกัน ความเรียบง่ายและการเข้าถึงของภาษาดนตรี ซึ่งบางครั้งได้รับการแสดงออกและสีสันของภาพ ภาพ ผลงานไพเราะที่ยอดเยี่ยมของนักแต่งเพลง Haydn, Mozart, Beethoven, Liszt, Glinka, Balakirev, Borodin, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky และคนอื่น ๆ ถูกสร้างขึ้นเพื่อผู้ชมที่เป็นประชาธิปไตยจำนวนมากในคอนเสิร์ตฮอลล์ขนาดใหญ่

แนวเพลงไพเราะที่สำคัญคือการทาบทาม (เช่น การทาบทามของเบโธเฟนต่อโศกนาฏกรรม "Egmont" โดยเกอเธ่) จินตนาการไพเราะ ("Francesca da Rimini" โดย Tchaikovsky) บทกวีไพเราะ ("Tamara" โดย Balakirev) ห้องสวีทไพเราะ (" Scheherazade" โดย Rimsky-Korsakov) และซิมโฟนี

ซิมโฟนีก็เหมือนกับโซนาตาที่ประกอบด้วยการเคลื่อนไหวที่แตกต่างกันอย่างชัดเจนหลายอย่าง ซึ่งโดยปกติจะมี 4 การเคลื่อนไหว สามารถเปรียบเทียบได้กับการแสดงละครแต่ละบทหรือบทของนวนิยาย ในการผสมผสานภาพดนตรีที่หลากหลายอย่างไม่สิ้นสุดและการสลับการเคลื่อนไหวที่ตัดกัน - รวดเร็ว ช้า การเต้นรำเบา ๆ และอีกครั้งอย่างรวดเร็ว - ผู้แต่งสร้างแง่มุมต่าง ๆ ของความเป็นจริงขึ้นมาใหม่

นักแต่งเพลงซิมโฟนีสะท้อนถึงดนตรีของพวกเขาถึงธรรมชาติที่กระตือรือร้นและกระตือรือร้นของมนุษย์ การต่อสู้กับความทุกข์ยากและอุปสรรคในชีวิต ความรู้สึกที่สดใส ความฝันถึงความสุขและความทรงจำที่น่าเศร้า ความงามอันน่าหลงใหลของธรรมชาติ และควบคู่ไปกับสิ่งนี้ - ขบวนการปลดปล่อยอันทรงพลังของ มวลชน ภาพวิถีชีวิตชาวบ้าน และเทศกาลพื้นบ้าน

คอนเสิร์ตบรรเลงในรูปแบบคล้ายกับซิมโฟนีและโซนาต้า นี่เป็นการเรียบเรียงที่ซับซ้อนมากสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยว (เปียโน ไวโอลิน คลาริเน็ต ฯลฯ) พร้อมวงดนตรีออเคสตรา ดูเหมือนว่านักร้องเดี่ยวและวงออเคสตราจะแข่งขันกันเอง วงออเคสตราเงียบงัน หลงใหลในความรู้สึกและความสง่างามของรูปแบบเสียงในส่วนของเครื่องดนตรีเดี่ยว หรือขัดจังหวะเขา โต้เถียงกับเขา หรือหยิบยกอย่างทรงพลัง เพิ่มธีมของเขา

คอนแชร์โตประพันธ์โดยนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นหลายคนในศตวรรษที่ 17 และ 18 (คอเรลลี่, วิวัลดี, ฮันเดล, บาค, ไฮเดิน) อย่างไรก็ตาม ผู้สร้างคอนแชร์โตคลาสสิกคือโมซาร์ท นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ คอนแชร์โตที่ยอดเยี่ยมสำหรับเครื่องดนตรีต่าง ๆ (ส่วนใหญ่ใช้สำหรับเปียโนหรือไวโอลิน) เขียนโดย Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Tchaikovsky, Glazunov, Rachmaninov และนักแต่งเพลงชาวโซเวียต A. Khachaturian, D. Kabalevsky

ประวัติศาสตร์ดนตรีที่มีอายุหลายศตวรรษบอกเราว่ารูปแบบและแนวเพลงต่างๆ เกิดขึ้นและพัฒนาได้อย่างไรตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา บางส่วนดำรงอยู่ในช่วงเวลาอันสั้น บางส่วนยืนหยัดผ่านการทดสอบของเวลา ตัวอย่างเช่น ในประเทศค่ายสังคมนิยม แนวเพลงของคริสตจักรกำลังจะหมดไป แต่ผู้แต่งในประเทศเหล่านี้สร้างแนวเพลงใหม่เช่นเพลงผู้บุกเบิกและเพลง Komsomol เพลงเดินขบวนของนักสู้สันติภาพ

ดนตรีเป็นส่วนสำคัญในชีวิตของคนส่วนใหญ่ มีการฟังผลงานดนตรีจากทั่วทุกมุมโลก แม้แต่ในที่ห่างไกลที่สุดก็ตาม แม้จะได้รับความนิยมและความสำคัญอย่างมากในทิศทางศิลปะนี้ แต่หลายคนก็ไม่คิดว่างานศิลปะประเภทใดที่มีอยู่ สไตล์และแนวเพลง. บทความนี้จะตรวจสอบเทรนด์ดนตรี 10 อันดับแรกที่ยังไม่สูญเสียความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้

เนื่องจากแนวเพลงมีหลากหลาย หลายท่านจึงสงสัยว่ามีดนตรีประเภทใดบ้าง? เราพยายามตอบคำถามของคุณและจัดแนวเพลงหลักออกเป็นรายการแยกต่างหาก ซึ่งตามที่ผู้เชี่ยวชาญระบุว่าจะได้รับความนิยมเสมอแม้จะเป็นเวลาหลายปีก็ตาม

1 เพลงป๊อบ

สไตล์นี้มีความทันสมัย ทิศทางของดนตรี. แนวเพลงนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความเรียบง่าย ส่วนเครื่องดนตรีที่น่าสนใจ และสัมผัสของจังหวะ ในขณะที่เสียงร้องไม่ใช่จุดสนใจหลัก การเรียบเรียงดนตรีหลักและเกือบจะเป็นรูปแบบเดียวคือเพลง “ป๊อป” รวมถึงคุณลักษณะเฉพาะของยูโรป๊อป ละติน ซินธ์ป็อป ดนตรีแดนซ์ ฯลฯ

ผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีเน้นย้ำถึงคุณสมบัติของเพลงป๊อปดังต่อไปนี้:

• โครงการสร้างเพลงอนุรักษ์นิยม "ข้อ + คอรัส";
• ความเรียบง่ายและความสะดวกในการรับรู้ท่วงทำนอง
• เครื่องดนตรีหลักคือเสียงของมนุษย์ ดนตรีประกอบมีบทบาทรอง
• โครงสร้างจังหวะมีบทบาทสำคัญ: การแต่งเพลงส่วนใหญ่เขียนขึ้นเพื่อการเต้นดังนั้นจึงโดดเด่นด้วยจังหวะที่ชัดเจนและไม่เปลี่ยนแปลง
• โดยเฉลี่ยแล้วความยาวของเพลงอยู่ที่ 3 ถึง 5 นาทีซึ่งสอดคล้องกับรูปแบบของสถานีวิทยุสมัยใหม่อย่างสมบูรณ์
• เนื้อเพลงมักจะเน้นไปที่อารมณ์และประสบการณ์ส่วนตัว (ความรัก ความเศร้า ความสุข ฯลฯ)
• การนำเสนอผลงานด้วยภาพมีความสำคัญอย่างยิ่ง

2 หิน

ตามชื่อที่แนะนำ (ร็อค – “ปั๊ม”) สิ่งนี้ ประเภทของดนตรีโดดเด่นด้วยความรู้สึกเป็นจังหวะที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวบางอย่าง คุณสมบัติบางประการของการแต่งเพลงร็อค (เครื่องดนตรีไฟฟ้า ความพอเพียงอย่างสร้างสรรค์ ฯลฯ) เป็นเรื่องรอง ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้หลายๆ คน สไตล์ดนตรีเข้าใจผิดคิดว่าเป็นหิน วัฒนธรรมย่อยต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับทิศทางดนตรีนี้: พังก์, ฮิปปี้, เมทัลเฮด, อีโม, ชาวเยอรมัน ฯลฯ

ร็อกแบ่งออกเป็นหลายแนวหรือหลายสไตล์ ตั้งแต่ผลงาน "เบา" ของแดนซ์ร็อกแอนด์โรล ป๊อปร็อกและบริตป็อป ไปจนถึงเดธเมทัลที่ดุดันและดุดันและกรินคอร์ ประเภทนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วย "การแสดงออกทางดนตรี" โดยเฉพาะอย่างยิ่งการเพิ่มไดนามิก (ความดัง) ของการแสดง (การเรียบเรียงบางส่วนดำเนินการที่ 120-155 dB)

วงดนตรีร็อคโดยทั่วไปประกอบด้วยนักร้องนำ นักกีตาร์ (ผู้เล่นกีตาร์ไฟฟ้า) มือเบส และมือกลอง (บางครั้งก็เป็นผู้เล่นคีย์บอร์ด) ส่วนจังหวะประกอบด้วย กีตาร์เบส กลอง และกีตาร์จังหวะ (ไม่เสมอไป)

3 ฮิพฮอพ

นี้ ทิศทางดนตรีประกอบด้วยหลายประเภท: ตั้งแต่สไตล์ "เบา" (ป๊อปแร็พ) ไปจนถึงสไตล์ก้าวร้าว (ฮาร์ดคอร์, สยองขวัญ) เนื้อเพลงของเพลงอาจมีเนื้อหาที่แตกต่างกันตั้งแต่เพลงเบา ๆ และไม่เป็นทางการ (ความทรงจำในวัยเด็ก เยาวชน ฯลฯ) ไปจนถึงปัญหาสังคมที่ซับซ้อน

ฮิปฮอปมีพื้นฐานมาจากสไตล์ต่างๆ เช่น ฟังค์ แจ๊ส เร้กเก้ โซล ริทึม และบลูส์ บ่อยครั้งที่ฮิปฮอปสับสนกับการแร็พ ซึ่งเป็นความผิดโดยพื้นฐาน RAP เป็นการแสดงการบรรยายของการเรียบเรียงดนตรี ในขณะที่ฮิปฮอปอาจไม่มีการบรรยายเลย ในสหภาพโซเวียตนี้ สไตล์ดนตรี ปรากฏตัวในช่วงปี 1980.

มีประเภทย่อยของฮิปฮอปดังต่อไปนี้:

• โรงเรียนเก่า: การบรรยายที่ค่อนข้างง่าย บรรทัดที่มีระยะเวลาเท่ากัน ทิศทางของจังหวะและจังหวะคงที่
• โรงเรียนใหม่: เพลงที่ค่อนข้างสั้น, แรงจูงใจที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณมากขึ้น (ไปในทิศทางของดนตรีป๊อป);
• อันธพาลแร็พ: เพลงเกี่ยวกับชีวิตที่ยากลำบาก การทำลายล้าง อาชญากรรม ฯลฯ ;
• ฮิปฮอปทางการเมือง: เนื้อเพลงเรียกร้องให้มีกิจกรรมต่อต้านสังคม การรวมสังคมเพื่อแก้ไขภัยคุกคามทั้งภายในและภายนอก
• อัลเทอร์เนทีฟฮิปฮอป: ทิศทางนี้มีพื้นฐานมาจากสไตล์ฟังค์ แจ๊ส ป๊อปร็อค โซล และการเรียบเรียงเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีกับการบรรยาย
• g-funk: สไตล์นี้ผสมผสานท่วงทำนองของ g-funk และเบสฟังก์ลึก (การเติมซินธิไซเซอร์ เสียงฟลุตที่ละเอียดอ่อน และการบรรยาย) เจือจางด้วยเสียงร้องสนับสนุนของชายหรือหญิง
• Horrorcore: ทิศทางนี้โดดเด่นด้วย "ความแข็งแกร่ง" และความโหดร้ายของแทร็กที่ยิ่งใหญ่ที่สุด
• ฮิปฮอปตอนใต้: สไตล์นี้มีลวดลายทางใต้จากประเทศในแอฟริกาและละตินอเมริกา
• Grime: โดดเด่นด้วยบรรยากาศอันมืดมิดของแทร็ก เบสที่ดังกระหึ่ม และการแร็ปที่รวดเร็วดุดัน

4 แร็พ

RAP เป็นการอ่านตามจังหวะ ซึ่งปกติแล้วจะอ่านตามจังหวะ นักแสดงของการเรียบเรียงดังกล่าวคือแร็ปเปอร์หรือพิธีกร RAP เป็นหนึ่งในองค์ประกอบหลักของฮิปฮอป แต่สไตล์นี้ยังใช้ในแนวอื่นๆ ด้วย (กลองและเบส เพลงป๊อป ร็อค แร็ปคอร์ นูเมทัล ฯลฯ)

ที่มาของคำว่า REP มาจากภาษาอังกฤษว่า "rap" (บีท, เคาะ) และ "to rap" (พูด)

เพลง RAP ค่อนข้างหลากหลาย การเรียบเรียงอาจเรียบง่าย แต่ในขณะเดียวกันก็น่าสนใจและไพเราะ ขึ้นอยู่กับจังหวะ - จังหวะของเพลง บ่อยครั้งที่ทุกจังหวะจะมีการเน้นเสียงตบมือ (ตบมือ) บ่วง (จังหวะกลองที่ชัดเจนและสั้น) เครื่องเคาะจังหวะ (นกหวีด โซ่ ฯลฯ) หรือกลองเบส

คีย์บอร์ด เครื่องลม และเสียงคอมพิวเตอร์มักใช้เป็นเครื่องดนตรี

5 อาร์แอนด์บี

R&B (จังหวะและบลูส์) หมายถึงเพลงและการเต้น ประเภทของดนตรี. สไตล์นี้มีพื้นฐานมาจากเทรนด์บลูส์และแจ๊สในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ลักษณะเด่นของประเภทนี้คือลวดลายการเต้นที่กระตุ้นให้ผู้ฟังเต้นอย่างควบคุมไม่ได้

สไตล์อาร์แอนด์บีโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่ร่าเริงซึ่งไม่มีธีมทางปรัชญาหรือความคิดพิเศษใดๆ

ผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีหลายคนเชื่อมโยงจังหวะและบลูส์กับคนผิวดำ เนื่องจากมีพื้นฐานมาจากแนวเพลง "ผิวดำ" ทั้งหมด ยกเว้นลวดลายคลาสสิกและศาสนา

6

การเคลื่อนไหวทางดนตรีนี้เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ในสหรัฐอเมริกา ดนตรีสไตล์นี้ผสมผสานวัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรปเข้าด้วยกัน

ลักษณะเด่นของทิศทางนี้คือการแสดงด้นสด จังหวะที่ซับซ้อน (ตัวเลขที่ประสานกัน) และเทคนิคเฉพาะของพื้นผิวที่เป็นจังหวะ

แจ๊สยังหมายถึงดนตรีเต้นรำด้วย องค์ประกอบมีความร่าเริง มีชีวิตชีวา และอารมณ์ดี แต่ท่วงทำนองแจ๊สนั้นแตกต่างจาก R&B ตรงที่สงบกว่า

7 เพลงบรรเลง

องค์ประกอบของสิ่งนี้ สไตล์ดนตรีจะแสดงโดยใช้เครื่องดนตรี และเสียงของมนุษย์ไม่ได้มีส่วนร่วมใดๆ ในการแสดงนี้ IM สามารถเล่นเดี่ยว วงดนตรี และวงดนตรีออเคสตราได้

ดนตรีบรรเลงเป็นหนึ่งในสไตล์พื้นหลังที่ดีที่สุด ท่วงทำนองที่มาจากเครื่องดนตรีสดและเพลงฮิตสมัยใหม่เหมาะสำหรับสถานีวิทยุที่เงียบสงบ และการฟังจะทำให้มีความสามัคคีในขณะที่ทำงานและผ่อนคลาย

8 ดนตรีพื้นบ้าน

ดนตรีพื้นบ้านซึ่งเป็นของดนตรีพื้นบ้านก็เป็นสไตล์ที่ได้รับความนิยมเช่นกัน บทประพันธ์แสดงถึงความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและบทกวีของผู้คนซึ่งส่งต่อจากรุ่นสู่รุ่น ท่วงทำนองแบบดั้งเดิมมักสร้างขึ้นโดยประชากรในชนบท นี้ ทิศทางดนตรีความแตกต่างอย่างมีนัยสำคัญกับการร้องเพลงยอดนิยมและเชิงวิชาการ

ตำรามีพื้นฐานมาจากแรงจูงใจต่าง ๆ ตั้งแต่ความสัมพันธ์รักอันอบอุ่นไปจนถึงเหตุการณ์ทางทหารที่เลวร้ายและเลวร้าย

9 อิเล็กโทร

ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เป็นแนวเพลงที่ค่อนข้างกว้าง ทำนองที่สร้างขึ้นโดยใช้เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์และเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ สไตล์นี้มีทิศทางที่หลากหลายตั้งแต่เพลงเชิงวิชาการเชิงทดลองไปจนถึงเพลงเต้นรำอิเล็กทรอนิกส์ยอดนิยม

ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เป็นการผสมผสานเสียงที่สร้างโดยเทคโนโลยีอิเล็กทรอนิกส์และเครื่องดนตรีระบบเครื่องกลไฟฟ้า (เทลฮาร์โมเนียม ออร์แกนแฮมมอนด์ กีตาร์ไฟฟ้า เทเรมิน และซินธิไซเซอร์)

10 เพลงทรานซ์

แทรนซ์เป็นดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ประเภทหนึ่งที่มีลักษณะเฉพาะด้วยเสียงสังเคราะห์ เน้นในส่วนฮาร์มอนิกและจังหวะ และมีจังหวะที่ค่อนข้างเร็ว (120 ถึง 150 ครั้งต่อนาที) โดยปกติแล้ว Trance จะใช้สำหรับงานเต้นรำต่างๆ

หากเราเริ่มดำเนินการรายการนี้ต่อ มันจะไม่มีที่สิ้นสุดเนื่องจากมีสไตล์และสไตล์ย่อยที่แตกต่างกันนับร้อยปรากฏขึ้นทุกปี เรายังต้องการทราบด้วยว่ารายการของเราไม่ได้รวมแนวเพลงเช่น:

• ดิสโก้
• เทคโน
• ประเทศ
• ห้องนั่งเล่น
• ความมึนงง

เรายินดีเป็นอย่างยิ่งหากคุณแสดงความคิดเห็นและเพิ่มลงในรายการที่นำเสนอ!

แนวดนตรี

แนวดนตรี- แนวคิดที่มีคุณค่าหลากหลายซึ่งแสดงถึงความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทและประเภทต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับต้นกำเนิด ตลอดจนวิธีการและเงื่อนไขของการแสดงและการรับรู้ แนวคิดของแนวดนตรีสะท้อนให้เห็นถึงปัญหาหลักของดนตรีวิทยาและสุนทรียภาพทางดนตรี - ความสัมพันธ์ระหว่างปัจจัยทางดนตรีพิเศษของความคิดสร้างสรรค์และลักษณะทางดนตรีล้วนๆ แนวดนตรีเป็นหนึ่งในวิธีการที่สำคัญที่สุดในการระบุตัวตนทางศิลปะ

แนวคิดของแนวดนตรีสามารถพิจารณาได้กว้างและแคบลง ในประเภทที่กว้างกว่า พวกเขาพูดถึงโอเปร่า ซิมโฟนิก ประเภทแชมเบอร์ ฯลฯ ในประเภทที่แคบกว่า พวกเขาแยกความแตกต่างระหว่างประเภทของโคลงสั้น ๆ และโอเปร่าการ์ตูน ซิมโฟนีและซิมโฟนีตส์; อาเรียส, อาริโอโซ, คาวาติน่า ฯลฯ

นักวิจัยจำนวนหนึ่ง (โดยเฉพาะ V. Tsukerman) แยกแยะความแตกต่างระหว่างแนวดนตรีระดับประถมศึกษาและมัธยมศึกษา หลักเกี่ยวข้องโดยตรงกับสภาพการดำรงอยู่ของพวกเขาและ รองแนวเพลงถูกสร้างขึ้นภายใต้เงื่อนไขของการแสดงคอนเสิร์ต

E. Nazaykinsky ระบุรูปแบบทางประวัติศาสตร์ของการทำงานของแนวเพลงสามรูปแบบ ได้แก่ การผสมผสาน สุนทรียภาพ และเสมือนจริง ใน ซินครีติกรูปแบบซึ่งโดดเด่นด้วยความบังเอิญของความคิดสร้างสรรค์และการรับรู้ แนวดนตรีทำหน้าที่เป็นหลักเป็นหลักซึ่งช่วยให้มั่นใจได้ว่าการสร้างสถานการณ์ที่สอดคล้องกับประเพณีบางอย่าง ใน เกี่ยวกับความงามรูปแบบซึ่งปรากฏขึ้นพร้อมกับการแพร่กระจายของโน้ตดนตรี ดนตรีกลายเป็นปรากฏการณ์ทางสุนทรียศาสตร์และฟังก์ชันทางความหมายปรากฏขึ้นเบื้องหน้า ใน เสมือนรูปแบบซึ่งต้องขอบคุณการแพร่กระจายของการบันทึกเสียงโดดเด่นด้วยความสามารถในการรับรู้ดนตรีในสภาวะต่าง ๆ ฟังก์ชั่นการสร้างโครงสร้างของแนวเพลงมาก่อนซึ่งมักจะนำไปสู่ความสับสนระหว่างเงื่อนไขของแนวดนตรีและสไตล์ โดยเฉพาะในเพลงยอดนิยม

ดูสิ่งนี้ด้วย

• รายชื่อแนวดนตรีและการเคลื่อนไหว

วรรณกรรม

• ต. เชเรดนิเชนโกแนวดนตรี // บทความในพจนานุกรมสารานุกรมดนตรี "สารานุกรมโซเวียต" 2533
• อี.วี. นาเซคินสกี- สไตล์และแนวเพลง - ม., 2546
• M.K. Mikhailov - สไตล์ดนตรี - M. , 1981

มูลนิธิวิกิมีเดีย 2010.

ดูว่า "แนวดนตรี" ในพจนานุกรมอื่นคืออะไร:

บทความนี้เกี่ยวกับฮิปฮอปเป็นแนวดนตรี หากคุณกำลังมองหาบทความเกี่ยวกับวัฒนธรรมย่อย ดูที่ ฮิปฮอป (วัฒนธรรมย่อย) ขบวนการฮิปฮอป: เพลงยอดนิยม ต้นกำเนิด: ฟังก์ ดิสโก้ โซล เร้กเก้ คำพูด สถานที่และเวลากำเนิด... Wikipedia

MARCH แนวดนตรีที่มีจังหวะที่วัดอย่างเคร่งครัด (ดู TEMPO (ในดนตรี)) จังหวะที่ชัดเจน (ดู RHYTHM) และตัวละครที่ร่าเริง กล้าหาญ และกล้าหาญ ให้การเคลื่อนไหวแบบซิงโครนัสของผู้คนจำนวนมาก การเดินทัพของทหารมีไว้เพื่อ... ... พจนานุกรมสารานุกรม

คำนี้มีความหมายอื่น ดูที่ 8 บิต 8 บิต (ภาษาอังกฤษ 8 บิต) เป็นแนวดนตรีที่มีลักษณะเป็นเสียงอิเล็กทรอนิกส์ซึ่งชวนให้นึกถึงเสียงที่ใช้ในเกมคอนโซล (Dendy, NES, Sega Master System ฯลฯ ) หรือ ... ... Wikipedia

ประเภทขององค์ประกอบทางเคมีมีอธิบายไว้ในบทความเรื่องโลหะ ทิศทางโลหะ: ร็อค ต้นกำเนิด: ฮาร์ดร็อค โปรเกรสซีฟร็อค สถานที่และเวลากำเนิด: ต้นปี 1970 ... Wikipedia

คำนี้มีความหมายอื่นดูที่โรงรถ (ความหมาย) ทิศทางโรงรถนิวยอร์ก: บ้าน ต้นกำเนิด: บ้าน วิญญาณ พระกิตติคุณ ดิสโก้ สถานที่และเวลากำเนิด: ต้นทศวรรษ 1980 ... Wikipedia

ดนตรีประเภทตัวละครเศร้าเคลื่อนไหวช้าๆ El é giaque เป็นศัพท์ดนตรีที่ต้องใช้การแสดงอันสง่างาม... พจนานุกรมสารานุกรม F.A. บร็อคเฮาส์ และ ไอ.เอ. เอฟรอน

ทิศทางความมึนงง: ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ต้นกำเนิด: เทคโนเฮาส์ Ambient Industrial ดนตรีคลาสสิกยุคใหม่ ซินธ์ป๊อป สถานที่และเวลากำเนิด: ยุคต้น ... Wikipedia

ทิศทางของเฮาส์: ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ต้นกำเนิด: ดิสโก้ โซล สถานที่และเวลากำเนิด: ต้นทศวรรษ 1980 ชิคาโกรุ่งเรือง: 90s ของศตวรรษที่ XX ประเภทย่อย ... Wikipedia

- ... วิกิพีเดีย

คำนี้มีความหมายอื่น ดูที่ Passion Passion (passion; German Passion จากภาษาลาติน passioความทุกข์) เป็นผลงานละครที่เน้นเสียงที่อุทิศให้กับเหตุการณ์ในสัปดาห์ศักดิ์สิทธิ์ (Passion of Christ) โดยมีพื้นฐานมาจาก ... ... Wikipedia

หนังสือ

• สไตล์และแนวดนตรีประวัติศาสตร์และความทันสมัย ​​M. Lobanova หนังสือของ M. Lobanova อุทิศให้กับปัญหาของสไตล์ดนตรีและแนวเพลงในฐานะปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมประวัติศาสตร์และทางทฤษฎี ครั้งแรกกับการก่อตัวของแนวคิด “มิกซ์...

คุณพบว่าตัวเองอยู่ในส่วนแนวเพลงซึ่งเราจะทำความคุ้นเคยกับทิศทางดนตรีแต่ละอย่างโดยละเอียดมากขึ้น เราจะอธิบายว่ามันคืออะไร เหตุใดจึงจำเป็น และมีคุณสมบัติอะไรบ้าง นอกจากนี้ในตอนท้ายสุดจะมีบทความในส่วนนี้ที่จะอธิบายแต่ละทิศทางโดยละเอียดยิ่งขึ้น

แนวเพลงคืออะไร

ก่อนที่จะพูดถึงประเภทของดนตรี ควรกล่าวถึงสิ่งต่อไปนี้ เราจำเป็นต้องมีระบบพิกัดที่แน่นอนเพื่อที่เราจะสามารถใส่ปรากฏการณ์ทั้งหมดลงไปได้ ระดับที่ร้ายแรงและเป็นสากลที่สุดในระบบพิกัดนี้คือแนวคิดของสไตล์หรือระบบประวัติศาสตร์ศิลปะ

มีสไตล์ตั้งแต่ยุคกลาง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บาโรก หรือแนวจินตนิยม ยิ่งไปกว่านั้น ในแต่ละยุคสมัย แนวคิดนี้ครอบคลุมถึงศิลปะทุกแขนง (วรรณกรรม ดนตรี จิตรกรรม และอื่นๆ)

อย่างไรก็ตาม ดนตรีก็มีหมวดหมู่ของตัวเองในแต่ละสไตล์ มีระบบแนวเพลง รูปแบบดนตรี และวิธีการแสดงออก

แนวเพลงคืออะไร?

แต่ละยุคสมัยจะทำให้นักดนตรีและผู้ฟังมีสถานที่แสดงบนเวทีที่แน่นอน นอกจากนี้แต่ละไซต์ยังมีกฎของเกมของตัวเอง ไซต์เหล่านี้อาจหายไปเมื่อเวลาผ่านไปหรือคงอยู่เป็นระยะเวลาหนึ่ง

กลุ่มผู้ฟังใหม่ที่มีความสนใจใหม่กำลังเกิดขึ้น - เวทีใหม่กำลังเกิดขึ้น แนวเพลงใหม่กำลังเกิดขึ้น

สมมติว่าในยุคของยุคกลางของยุโรปจนถึงประมาณปลายศตวรรษที่ 11 เวทีเดียวสำหรับนักดนตรีมืออาชีพคือโบสถ์ เวลาและสถานที่สักการะ

นี่คือจุดที่แนวเพลงของคริสตจักรเป็นรูปเป็นร่าง และสิ่งสำคัญที่สุด (มิสซาและคณิตศาสตร์) จะไปไกลถึงอนาคต

หากเราเข้าสู่ยุคกลางตอนปลาย ยุคของสงครามครูเสด เวทีใหม่ก็จะปรากฏขึ้น - ปราสาทศักดินา ลานศักดินาของขุนนาง วันหยุดของศาล หรือเพียงสถานที่พักผ่อน

และนี่คือแนวเพลงฆราวาสเกิดขึ้น

ตัวอย่างเช่นศตวรรษที่ 17 ระเบิดพลุดนตรีแนวใหม่อย่างแท้จริง สิ่งต่างๆ เกิดขึ้นที่นี่ซึ่งดำเนินไปไกลกว่าสมัยของเราและจะยังคงตามเรามา

ตัวอย่างเช่น โอเปร่า ออราโตริโอ หรือแคนตาตา ในดนตรีบรรเลง นี่คือบรรเลงคอนแชร์โต แม้แต่คำเช่นซิมโฟนีก็ปรากฏ แม้ว่ามันอาจจะถูกสร้างขึ้นแตกต่างไปจากตอนนี้เล็กน้อยก็ตาม

ประเภทของดนตรีแชมเบอร์เกิดขึ้น และเบื้องหลังทั้งหมดนั้นก็คือการเกิดขึ้นของสถานที่จัดเวทีแห่งใหม่ ตัวอย่างเช่น โรงละครโอเปร่า คอนเสิร์ตฮอลล์ หรือร้านเสริมสวยที่ตกแต่งอย่างหรูหราของบ้านชนชั้นสูงในเมือง

ก่อนที่คุณจะเริ่มต้น อย่าลืมเริ่มสำรวจเส้นทางต่างๆ สิ่งนี้แปลได้ดีมากในทางปฏิบัติ มันจะมีประโยชน์อย่างยิ่งเมื่อสร้างสิ่งใหม่!

แบบฟอร์มดนตรี

ระดับต่อไปคือรูปแบบดนตรี สินค้ามีกี่ชิ้นคะ? แต่ละส่วนมีการจัดระเบียบอย่างไร มีกี่ส่วน และเชื่อมโยงถึงกันอย่างไร นี่คือสิ่งที่เราหมายถึงโดยแนวคิดของรูปแบบดนตรี

สมมติว่าโอเปร่าเป็นแนวเพลง แต่โอเปร่าเรื่องหนึ่งสามารถมีได้สององก์ อีกเรื่องหนึ่งในสาม และยังมีโอเปร่าห้าองก์ด้วย

หรือซิมโฟนี

ซิมโฟนีของยุโรปที่คุ้นเคยส่วนใหญ่ประกอบด้วยสี่การเคลื่อนไหว แต่สมมติว่าซิมโฟนี Fantastique ของ Berlioz มี 5 การเคลื่อนไหว

หมายถึงการแสดงออก

ระดับต่อไปคือระบบการแสดงออกทางดนตรี ทำนองที่กลมกลืนกับจังหวะ

จังหวะคือพลังการจัดระเบียบที่ลึกซึ้งของเสียงดนตรีทั้งหมด มันรองรับการมีอยู่ของดนตรี เพราะผ่านจังหวะ ชีวิตมนุษย์เชื่อมโยงกับความเป็นจริงกับจักรวาล

การเคลื่อนไหวของแรงงานหลายอย่างเป็นจังหวะ โดยเฉพาะในด้านการเกษตร ในกระบวนการแปรรูปหินและโลหะมีจังหวะเป็นส่วนใหญ่

บางทีจังหวะอาจปรากฏขึ้นก่อนทำนอง เราสามารถพูดได้ว่าจังหวะเป็นเรื่องทั่วไป และทำนองก็ทำให้เป็นรายบุคคล

ความรู้สึกของจังหวะเช่นเดียวกับเวทมนตร์บางอย่างเกิดขึ้นในช่วงแรกของอารยธรรม และต่อมาในยุคสมัยโบราณความรู้สึกดังกล่าวได้รับการยอมรับว่าเป็นแนวคิดเกี่ยวกับการเชื่อมโยงปรากฏการณ์ที่เป็นสากลซึ่งเป็นจังหวะ

จังหวะสัมพันธ์กับตัวเลข และสำหรับชาวกรีก ตัวเลขถือเป็นแนวคิดที่สำคัญอย่างยิ่งเกี่ยวกับระเบียบโลก และความคิดเรื่องจังหวะทั้งหมดนี้ติดอยู่เป็นเวลานานมาก

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 Michael Pritorius นักแต่งเพลงชาวเยอรมันพูดถึงการทดลองโอเปร่าของชาวอิตาลีในยุคแรก ๆ (ไม่มีจังหวะที่เป็นระเบียบ):“ เพลงนี้ไม่มีการเชื่อมโยงและวัดผล เธอดูหมิ่นคำสั่งของพระเจ้า!”

ลักษณะของการเคลื่อนไหวมีความรวดเร็ว รวดเร็ว ปานกลาง และสงบ พวกเขายังกำหนดโทนสำหรับโครงสร้างส่วนบนที่ทำขึ้นมาด้วย ที่นี่ยังมีความรู้สึกถึงความเชื่อมโยงที่เป็นสากลอีกด้วย ตัวละครการเคลื่อนไหว 4 ด้าน 4 ทิศทางที่สำคัญ 4 อารมณ์

หากเราลงรายละเอียดให้มากขึ้น นี่คือเสียงหรือสีของเสียง หรือสมมุติว่าทำนองนั้นออกเสียงอย่างไร แยกส่วนหรือสอดคล้องกันอย่างชัดเจน

ทำนอง จังหวะ และทุกสิ่งทุกอย่างปรากฏเป็นการตอบสนองทางอารมณ์โดยตรงต่อความเป็นจริง และสิ่งเหล่านี้ก่อตัวขึ้นในช่วงเวลาอันห่างไกลอันไร้ขอบเขตในระบบชุมชนดึกดำบรรพ์ เมื่อบุคคลยังไม่ตระหนักรู้ถึงตัวตนของตนเองเมื่อเปรียบเทียบกับตัวตนอื่นหรือกับธรรมชาติ

แต่ทันทีที่สังคมชนชั้นปรากฏขึ้น ระยะห่างระหว่างตนเองกับบุคคลอื่น ระหว่างตนเองกับธรรมชาติก็เกิดขึ้น จากนั้นแนวเพลง รูปแบบดนตรี และสไตล์ก็เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง

ประเภทของแชมเบอร์มิวสิค

ก่อนจะพูดถึงแนวเพลงแชมเบอร์เรามาทำความเข้าใจทิศทางกันก่อน แชมเบอร์มิวสิคเป็นเพลงที่ขับร้องโดยนักแสดงจำนวนน้อยสำหรับผู้ฟังจำนวนไม่มาก

ก่อนหน้านี้เพลงดังกล่าวมักแสดงที่บ้านมาก เช่น กับครอบครัว. นี่คือที่มาของห้องชื่อ จากภาษาลาติน แปลว่า ห้อง นั่นก็คือเพลงเล็กๆ ในบ้านหรือในห้อง

นอกจากนี้ยังมีสิ่งที่เรียกว่าแชมเบอร์ออร์เคสตรา นี่เป็นเวอร์ชันที่เล็กกว่า (โดยปกติจะมีคนไม่เกิน 10 คน) ของวงออเคสตราทั่วไป ก็มีคนฟังไม่มากนักเช่นกัน โดยปกติจะเป็นญาติ คนรู้จัก และเพื่อนฝูง

เพลงพื้นบ้าน- แนวเพลงแชมเบอร์ที่ง่ายและแพร่หลายที่สุด ก่อนหน้านี้ปู่ย่าตายายหลายคนมักร้องเพลงพื้นบ้านต่างๆ ให้ลูกๆ หลานฟัง เพลงเดียวกันอาจร้องด้วยคำที่ต่างกัน ราวกับเพิ่มอะไรบางอย่างของคุณเอง

อย่างไรก็ตาม ทำนองโดยทั่วไปยังคงไม่เปลี่ยนแปลง มีเพียงเนื้อร้องของเพลงลูกทุ่งเท่านั้นที่เปลี่ยนแปลงและปรับปรุง

ของโปรดของหลายๆคน ความรัก- นี่เป็นประเภทของดนตรีแชมเบอร์ด้วย โดยปกติแล้วพวกเขาจะแสดงท่อนร้องเล็กๆ ปกติจะมีกีตาร์มาด้วย นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมเราถึงชอบเพลงที่ไพเราะพร้อมกีตาร์จริงๆ หลายๆ คนคงทราบเรื่องนี้และเคยได้ยินมามากกว่าหนึ่งครั้งแล้ว

บัลลาด- นี่เป็นการเล่าเรื่องเกี่ยวกับการหาประโยชน์หรือละครต่างๆ เพลงบัลลาดมักแสดงในร้านเหล้า ตามกฎแล้วพวกเขายกย่องการหาประโยชน์ของฮีโร่ต่างๆ บางครั้งมีการใช้เพลงบัลลาดก่อนการต่อสู้ที่กำลังจะมาถึงเพื่อปลุกขวัญกำลังใจของผู้คน

แน่นอนว่าบางช่วงเวลาในเพลงดังกล่าวมักได้รับการประดับประดา แต่โดยพื้นฐานแล้วหากไม่มีจินตนาการเพิ่มเติม ความสำคัญของเพลงบัลลาดก็จะลดลง

บังสุกุล- นี่คือพิธีมิสซา การร้องเพลงประสานเสียงเพื่อไว้ทุกข์ประเภทนี้ดำเนินการในโบสถ์คาทอลิก ในประเทศของเรามักใช้บังสุกุลเป็นเครื่องบรรณาการให้ความทรงจำของวีรบุรุษพื้นบ้าน

- เพลงที่ไม่มีคำพูด โดยปกติมีไว้สำหรับนักร้องคนเดียวเพื่อฝึกซ้อม เช่น พัฒนาเสียงร้องของนักร้อง

เซเรเนด- ประเภทของดนตรีแชมเบอร์ที่แสดงเพื่อคนที่รัก โดยปกติแล้วผู้ชายจะแสดงไว้ใต้หน้าต่างของผู้หญิงและเด็กผู้หญิงที่พวกเขารัก ตามกฎแล้วเพลงดังกล่าวยกย่องความงามของเพศที่ยุติธรรม

ประเภทของดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง

ด้านล่างนี้คุณจะได้พบกับแนวเพลงหลักๆ ของดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง สำหรับแต่ละทิศทางฉันจะให้คำอธิบายสั้น ๆ แก่คุณ เรามาเจาะลึกความหมายพื้นฐานของดนตรีแต่ละประเภทกันอีกสักหน่อย

ประเภทของเพลงร้อง

ดนตรีร้องมีหลายประเภท เป็นเรื่องที่ควรค่าแก่การกล่าวว่าทิศทางนั้นเก่าแก่ที่สุดในประวัติศาสตร์การพัฒนาดนตรี ท้ายที่สุดแล้วมันเป็นกุญแจสำคัญในการเปลี่ยนวรรณกรรมเป็นดนตรี นั่นคือคำวรรณกรรมเริ่มถูกนำมาใช้ในรูปแบบดนตรี

แน่นอนว่าคำเหล่านี้ได้รับบทบาทหลัก ด้วยเหตุนี้ดนตรีดังกล่าวจึงเริ่มถูกเรียกว่าแกนนำ หลังจากนั้นไม่นาน ดนตรีบรรเลงก็ปรากฏขึ้น

ในเพลงร้อง นอกจากเสียงร้องแล้ว ยังสามารถใช้เครื่องดนตรีต่างๆ ได้อีกด้วย อย่างไรก็ตาม ในทิศทางนี้ บทบาทของพวกเขาจึงถูกผลักไสให้อยู่ด้านหลัง

ต่อไปนี้เป็นรายการแนวเพลงหลักๆ:

• ออราทอริโอ- งานที่ยิ่งใหญ่มากสำหรับศิลปินเดี่ยว วงออเคสตรา หรือคณะนักร้องประสานเสียง โดยปกติแล้วงานดังกล่าวเกี่ยวข้องกับปัญหาด้านศาสนา หลังจากนั้นไม่นานนักปราศรัยทางโลกก็ปรากฏตัวขึ้น
• โอเปร่า- ผลงานละครขนาดใหญ่ที่ผสมผสานประเภทของดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง การออกแบบท่าเต้น และการวาดภาพ บทบาทพิเศษนี้มอบให้กับเพลงโซโลต่างๆ (เพลง บทพูดคนเดียว และอื่นๆ)
• แชมเบอร์มิวสิค- มันถูกกล่าวถึงข้างต้น

ประเภทของดนตรีบรรเลง

เพลงบรรเลง- สิ่งเหล่านี้เป็นการเรียบเรียงที่ดำเนินการโดยไม่ต้องมีส่วนร่วมของนักร้อง จึงเป็นที่มาของชื่อเครื่องดนตรี นั่นคือทำได้ด้วยความช่วยเหลือของเครื่องมือเท่านั้น

บ่อยครั้งที่ศิลปินหลายคนในอัลบั้มใช้เพลงบรรเลงเป็นโบนัสแทร็กในอัลบั้ม นั่นคือสามารถเลือกการแต่งเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดหลายเพลงได้ จากนั้นจึงบันทึกเสียงเวอร์ชันที่ไม่มีเสียงร้องได้

หรือสามารถเลือกเพลงทั้งหมดในอัลบั้มได้ ในกรณีนี้ อัลบั้มจะออกทั้งหมด 2 เวอร์ชัน โดยปกติจะทำเพื่อเพิ่มมูลค่าของผลิตภัณฑ์และเพิ่มราคา

มีรายการดนตรีบรรเลงบางประเภท:

• เพลงแดนซ์- มักเป็นเพลงเต้นรำง่ายๆ
• โซนาต้า– ใช้เป็นเพลงเดี่ยวหรือร้องคู่สำหรับแชมเบอร์มิวสิค
• ซิมโฟนี- เสียงที่กลมกลืนกันสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

ประเภทของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย

เรามาพูดถึงแนวเพลงพื้นบ้านของรัสเซียกันดีกว่า พวกเขาสะท้อนถึงเสน่ห์แห่งจิตวิญญาณของชาวรัสเซีย โดยปกติแล้วผลงานดนตรีดังกล่าวจะยกย่องธรรมชาติของแผ่นดินเกิด วีรบุรุษ และคนงานธรรมดา ยังกล่าวถึงความสุขและความทุกข์ยากของชาวรัสเซียด้วย

นี่คือรายการประเภทหลักของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย:

• เพลงแรงงาน- สวดมนต์ขณะทำงานเพื่ออำนวยความสะดวกในการงานของบุคคล นั่นคือด้วยเพลงดังกล่าวคนงานจึงทำงานได้ง่ายขึ้นมาก พวกเขากำหนดจังหวะของการทำงาน ผลงานดนตรีดังกล่าวสะท้อนถึงชีวิตพื้นฐานของชนชั้นแรงงาน เสียงตะโกนของแรงงานมักใช้ในการทำงาน
• ดิตตีส์- แนวเพลงพื้นบ้านที่พบบ่อยมาก ตามกฎแล้วนี่คือควอเทรนสั้นที่มีทำนองซ้ำ Chatushki มีความหมายที่ดีของคำภาษารัสเซีย พวกเขาแสดงอารมณ์พื้นฐานของผู้คน
• เพลงปฏิทิน- ใช้ในวันหยุดตามปฏิทินต่างๆ เช่น ในวันคริสต์มาสหรือวันส่งท้ายปีเก่า แนวดนตรีนี้ยังใช้สำหรับการทำนายดวงชะตาหรือในช่วงฤดูกาลที่เปลี่ยนแปลงได้ดีอีกด้วย
• เพลงกล่อมเด็ก- เพลงอ่อนโยน เรียบง่าย และเสน่หาที่แม่ร้องให้ลูกฟัง ตามกฎแล้วในเพลงดังกล่าวคุณแม่แนะนำให้ลูก ๆ รู้จักกับโลกรอบตัว
• เพลงครอบครัว- ใช้ในวันหยุดของครอบครัวต่างๆ แนวเพลงนี้สะท้อนให้เห็นได้ดีมากในงานแต่งงาน นอกจากนี้ยังใช้เมื่อคลอดบุตร เมื่อลูกชายถูกส่งเข้ากองทัพ และอื่นๆ เป็นเรื่องที่คุ้มที่จะบอกว่าเพลงดังกล่าวมาพร้อมกับพิธีกรรมบางอย่าง ทั้งหมดนี้ช่วยปกป้องจากพลังความมืดและปัญหาต่างๆ
• บทประพันธ์โคลงสั้น ๆ— ในงานดังกล่าวมีการกล่าวถึงชาวรัสเซียจำนวนมาก ตัวอย่างเช่นชีวิตที่ยากลำบากของผู้หญิงและชีวิตที่ยากลำบากของชาวนาธรรมดามักถูกกล่าวถึงบ่อยมาก

ประเภทของดนตรีสมัยใหม่

ตอนนี้เรามาพูดถึงแนวเพลงสมัยใหม่กันดีกว่า มีค่อนข้างมาก อย่างไรก็ตาม พวกเขาต่างแยกจากสามทิศทางหลักในดนตรีสมัยใหม่ ดังนั้นเราจะพูดถึงพวกเขาเล็กน้อย

หิน

ร็อคเป็นที่นิยมในปัจจุบัน อาจไม่เหมือนเดิมแต่ในยุคของเรากลับกลายเป็นที่ยึดที่มั่น ดังนั้นจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงมัน และทิศทางเองก็เป็นแรงผลักดันให้เกิดหลายประเภท นี่คือบางส่วนของพวกเขา:

• โฟล์คร็อค- มีการใช้องค์ประกอบของเพลงพื้นบ้านอย่างดี
• ป๊อปร็อค- เพลงสำหรับผู้ชมในวงกว้าง
• ฮาร์ดร็อค- เพลงที่หนักกว่าพร้อมเสียงที่หนักแน่น

โผล่

เพลงยอดนิยมยังครอบคลุมหลายประเภทที่มักใช้ในดนตรีสมัยใหม่:

• บ้าน- ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ที่แสดงบนซินธิไซเซอร์
• ความมึนงง- ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ที่มีท่วงทำนองเศร้าและจักรวาลเด่น
• ดิสโก้– เพลงเต้นรำพร้อมจังหวะกลองและเบสมากมาย

แร็พ

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา การแร็พได้รับแรงผลักดันค่อนข้างดี ที่จริงแล้วทิศทางนี้แทบไม่มีเสียงร้องเลย โดยพื้นฐานแล้วพวกเขาไม่ได้ร้องเพลงที่นี่ แต่อ่านมากกว่า นี่คือที่มาของวลีแร็พ นี่คือรายการบางประเภท:

• แร็พคอร์- ส่วนผสมของเพลงแร็พและเพลงหนักๆ
• อัลเทอร์เนทีฟแร็พ- เป็นการผสมผสานระหว่างแร็พแบบดั้งเดิมกับแนวอื่นๆ
• แจ๊สแร็พ- ส่วนผสมของแร็พและแจ๊ส

แนวดนตรีอิเล็กทรอนิกส์

มาดูแนวเพลงอิเล็กทรอนิกส์หลักๆ กันสักหน่อย แน่นอนว่าเราจะไม่แตะต้องทุกสิ่งที่นี่ อย่างไรก็ตาม เราจะวิเคราะห์บางส่วน นี่คือรายการ:

• บ้าน(บ้าน) - ปรากฏในยุค 80 ของศตวรรษที่ผ่านมา มีต้นกำเนิดมาจากดิสโก้ในยุค 70 ต้องขอบคุณการทดลองของดีเจ คุณสมบัติหลัก: จังหวะจังหวะซ้ำ ลายเซ็นเวลา 4x4 และการสุ่มตัวอย่าง
• บ้านลึก(บ้านลึก) - เพลงบรรยากาศเบากว่าพร้อมเสียงที่ลึกและหนาแน่น รวมถึงองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สและบรรยากาศโดยรอบ การผลิตใช้คีย์บอร์ดเดี่ยว ออร์แกนไฟฟ้า เปียโน และเสียงร้องของผู้หญิง (ส่วนใหญ่) พัฒนามาตั้งแต่ช่วงปลายยุค 80 เสียงร้องประเภทนี้มักเกิดขึ้นเป็นรองเสมอ อันแรกประกอบด้วยท่วงทำนองและเสียงที่สื่อถึงอารมณ์
• โรงรถ(โรงจอดรถ) - เช่นเดียวกับบ้านลึก มีเพียงเสียงร้องเท่านั้นที่มีบทบาทหลัก
• ดิสโก้ใหม่(นูดิสโก้) เป็นแนวดนตรีสมัยใหม่ที่มีพื้นฐานมาจากความสนใจในดนตรีดิสโก้ที่กลับมาใหม่ เป็นที่นิยมมากในขณะนี้เพื่อกลับไปสู่รากเหง้าของคุณ ดังนั้นแนวเพลงนี้จึงมีพื้นฐานมาจากดนตรีในยุค 70 และ 80 ประเภทนี้ปรากฏในช่วงต้นทศวรรษ 2000 เสียงสังเคราะห์ที่คล้ายกับเสียงเครื่องดนตรีจริงใช้เพื่อสร้างดิสโก้ในยุค 70 และ 80
• วิญญาณเต็มบ้าน(บ้านแห่งจิตวิญญาณ) - พื้นฐานนำมาจากบ้านด้วยรูปแบบจังหวะ 4x4 เช่นเดียวกับเสียงร้อง (เต็มหรือในรูปแบบของตัวอย่าง) เสียงร้องที่นี่ส่วนใหญ่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณและไพเราะมาก บวกกับการใช้เครื่องดนตรีหลากหลายชนิด การมีเครื่องดนตรีมากมายทำให้ดนตรีแนวนี้มีชีวิตชีวาได้เป็นอย่างดี

แนวเพลงแร็พ

มาดูแนวเพลงหลักของแร็พกันดีกว่า ทิศทางนี้ก็กำลังพัฒนาอย่างแข็งขันเช่นกัน ดังนั้นจึงเป็นการดีที่จะได้สัมผัสมันเช่นกัน นี่คือรายการประเภทเล็กๆ น้อยๆ:

• ตลกแร็พ- เพลงที่ชาญฉลาดและตลกเพื่อความบันเทิง มีการผสมผสานระหว่างฮิปฮอปที่แท้จริงและอารมณ์ขันเป็นประจำ แร็พตลกเกิดขึ้นในยุค 80
• แร็พสกปรก- แร็พสกปรกโดดเด่นด้วยเสียงเบสที่หนักแน่นเด่นชัด โดยพื้นฐานแล้วเพลงนี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อสร้างความตื่นเต้นให้กับผู้ฟังในงานปาร์ตี้ต่างๆ
• อันธพาลแร็พ- เพลงที่มีเสียงที่หนักแน่นมาก แนวเพลงปรากฏในช่วงปลายยุค 80 องค์ประกอบจากการแร็พฮาร์ดคอร์ถูกนำมาใช้เป็นพื้นฐานของเทรนด์นี้
• แร็พฮาร์ดคอร์— เพลงก้าวร้าวพร้อมตัวอย่างที่มีเสียงดังและจังหวะหนักๆ ปรากฏตัวในช่วงปลายยุค 80

ประเภทของดนตรีคลาสสิก

มีผลงานแบ่งออกเป็นหลายประเภทของดนตรีคลาสสิก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในศตวรรษที่ 18 นี่คือรายการจุดหมายปลายทางบางส่วน:

• การทาบทาม- การแนะนำเครื่องดนตรีสั้น ๆ เกี่ยวกับการแสดง บทละคร หรือผลงาน
• โซนาต้า- งานสำหรับนักแสดงแชมเบอร์ ซึ่งใช้เป็นการแสดงเดี่ยวหรือร้องคู่ ประกอบด้วยสามส่วนที่เชื่อมต่อถึงกัน
• อีทูดี้- เครื่องดนตรีชิ้นเล็กๆ ที่ออกแบบมาเพื่อฝึกฝนเทคนิคการแสดงดนตรี
• เชอร์โซ- จุดเริ่มต้นของดนตรีด้วยจังหวะที่มีชีวิตชีวาและรวดเร็ว สื่อถึงช่วงเวลาที่ตลกขบขันและไม่คาดคิดในงานเป็นหลัก
• โอเปร่า, ซิมโฟนี, ออราโตริโอ- พวกเขาถูกกล่าวถึงข้างต้น

แนวเพลงร็อค

ตอนนี้เรามาดูแนวเพลงร็อคบางประเภทนอกเหนือจากที่กล่าวไปแล้วข้างต้น นี่คือรายการสั้นๆ พร้อมคำอธิบาย:

• ร็อคกอธิค- ดนตรีร็อคที่มีทิศทางกอธิคและมืดมน ปรากฏตัวในช่วงต้นทศวรรษ 1980
• กรันจ์- เพลงที่มีเสียงกีต้าร์ที่หนักแน่นและเนื้อเพลงเศร้าสร้อย ปรากฏที่ไหนสักแห่งในช่วงกลางทศวรรษ 1980
• โฟล์คร็อค— เกิดจากการผสมผสานดนตรีร็อคเข้ากับดนตรีพื้นบ้าน ปรากฏตัวในช่วงกลางทศวรรษ 1960
• ไวกิ้งร็อค- พังก์ร็อกที่มีองค์ประกอบของดนตรีพื้นบ้าน ผลงานดังกล่าวเผยให้เห็นประวัติศาสตร์ของสแกนดิเนเวียและพวกไวกิ้งเอง
• ถังขยะ- ฮาร์ดคอร์เร็วขึ้น ผลงานมักจะมีขนาดเล็ก

ประเภทของดนตรีศักดิ์สิทธิ์และฆราวาส

เรามาดูแนวเพลงศักดิ์สิทธิ์และเพลงฆราวาสบางประเภทกัน ขั้นแรก เรามากำหนดทิศทางทั้งสองนี้กันก่อน คุณจะพบว่ามันคืออะไรและความแตกต่างคืออะไร หลังจากนั้นเราจะพูดถึงหลายประเภท

ดนตรีแห่งจิตวิญญาณ

ดนตรีแห่งจิตวิญญาณมีจุดมุ่งหมายเพื่อรักษาจิตวิญญาณ งานดังกล่าวใช้เพื่อการบริการในคริสตจักรเป็นหลัก นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมบางคนถึงเรียกมันว่าดนตรีของคริสตจักร นี่คือรายการสั้น ๆ ของประเภท:

• พิธีสวด- บริการอีสเตอร์หรือคริสต์มาส ดำเนินการโดยคณะนักร้องประสานเสียง และอาจมีศิลปินเดี่ยวเพิ่มเติมด้วย ตามกฎแล้ว ฉากต่างๆ ของเหตุการณ์จากพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์จะถูกแทรกเข้าไปในละครพิธีกรรม มักใช้องค์ประกอบของการแสดงละคร
• แอนติฟอน- ดนตรีซ้ำ ๆ โดยสลับกลุ่มร้องประสานเสียงหลายกลุ่ม เช่น บทเดียวกันสามารถแสดงสลับกันสองหน้าได้ Antiphons มีหลายประเภท ตัวอย่างเช่น วันหยุด (ในวันหยุด) ความผ่อนคลาย (วันอาทิตย์) ทุกวัน และอื่นๆ
• รอนเดล- ถูกสร้างขึ้นเป็นทำนองดั้งเดิมในรูปแบบพิเศษพร้อมการแนะนำเสียงร้องครั้งต่อไปด้วยจุดประสงค์เดียวกัน
• โพรพรีม- ส่วนหนึ่งของพิธีมิสซาที่แตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับปฏิทินของคริสตจักร
• ออร์ดินาเรียม- ส่วนหนึ่งของมวลที่ไม่เปลี่ยนแปลง

เพลงฆราวาส

ดนตรีฆราวาสได้รับการยอมรับเพื่อแสดงลักษณะประจำชาติของวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน ส่วนใหญ่จะอธิบายภาพหลักและชีวิตของคนทั่วไป ดนตรีประเภทนี้พบได้ทั่วไปในหมู่นักดนตรีเดินทางในยุคกลาง

การเคลื่อนไหวของอารมณ์

ละครเพลง

สไตล์ดนตรี

แบบฟอร์มดนตรี

4) เป็นลำดับสุนทรียภาพในการประพันธ์ดนตรีซึ่งแสดงออกว่าเป็นรูปแบบหรือไม่มีรูปแบบ

5) เป็นหนึ่งในสาขาวิชาวิทยาศาสตร์ทฤษฎีดนตรี

ดังนั้นจึงพิจารณารูปแบบดนตรีสองประเภท:

ก) ในความหมายกว้าง ๆ ของคำ - เป็นวิธีการรวบรวมเนื้อหา

b) อย่างใกล้ชิด - เป็นแผนสำหรับการปรับใช้ส่วนและส่วนของงานดนตรีที่แตกต่างกันตามหน้าที่ซึ่งรวมเข้าด้วยกันเป็นองค์ประกอบแบบองค์รวม ไม่งั้นก็เรียกว่า. รูปแบบขององค์ประกอบหรือแผนผังองค์ประกอบ

รูปแบบขององค์ประกอบมีสองด้าน:

*) ภายนอก เกี่ยวข้องกับเนื้อหาดนตรี ประเภทและธีม ตลอดจนรูปแบบการดำรงอยู่ของดนตรี ซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับแนวเพลงหลัก

*) ภายในที่เกี่ยวข้องกับการเปิดเผยองค์กรภายในด้านข้างองค์ประกอบ

ฟังก์ชั่นองค์ประกอบ:

1) ความหมายที่กำหนดโดยเนื้อหาของงาน

2) การสื่อสารมุ่งเป้าไปที่การจัดการการรับรู้ของผู้ฟัง

วิธีการวิเคราะห์และรูปแบบ

ปัญหาหลักของการวิเคราะห์คือความสัมพันธ์ระหว่างรูปแบบและเนื้อหา งานวิเคราะห์:

ก) กำหนดความรู้สึกและอารมณ์ที่ดนตรีแสดงออก

b) ใช้วิธีการใดสำหรับสิ่งนี้;

ค) เชื่อมโยงเนื้อหากับยุคที่ก่อให้เกิดสไตล์ แนวเพลง และความคิดสร้างสรรค์ของผู้แต่ง ประเด็นข้างต้นถือได้ว่าเป็นการวิเคราะห์แยกกันและแยกออกเป็นรูปแบบอิสระ

รูปแบบของการวิเคราะห์(อ้างอิงจาก Yu. Kholopov) :

1) การวิเคราะห์เป็นสุนทรียศาสตร์เชิงปฏิบัติ ประกอบด้วยการติดตามรูปแบบของดนตรีและการประเมิน การรับรู้และประสบการณ์สุนทรียภาพของปรากฏการณ์ทางดนตรีที่รวมอยู่ในการวิเคราะห์ทำให้ส่วนหนึ่งของการวิเคราะห์มีลักษณะเฉพาะของการศึกษาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ที่เป็นรูปธรรม สุนทรียศาสตร์เชิงปฏิบัติ

2) คำอธิบายการวิเคราะห์ สัตว์ชนิดนี้มีคุณค่าทางวิทยาศาสตร์เมื่อมีการอธิบายปรากฏการณ์ใหม่เท่านั้น คำอธิบายคือการบอกเล่าข้อความดนตรีในรูปแบบที่รู้จักกันโดยทั่วไป

3) แบบองค์รวม หรือ การวิเคราะห์ที่ซับซ้อน วิธีการของ V. Zuckerman ประกอบด้วยการวิเคราะห์ข้อมูลที่หลากหลายที่เกี่ยวข้องกับเรียงความ เนื้อหาและรูปแบบถือเป็นความสามัคคีที่แยกไม่ออก ซักเกอร์แมน: “การวิเคราะห์เป็นการสังเคราะห์วิทยาศาสตร์และศิลปะ เนื่องจากไม่เพียงแต่ต้องอาศัยความรู้เท่านั้น แต่ยังต้องมีความอ่อนไหวด้วย”

4) การวิเคราะห์เชิงปริมาณและการวัดผล นี่คือการวิเคราะห์ตามความหมายที่แท้จริงของคำ กล่าวคือ การแบ่งส่วนทั้งหมดออกเป็นองค์ประกอบต่างๆ ปัญหาเกิดขึ้นที่นี่เนื่องจากวัตถุหลักของการวัดไม่แม่นยำ

จากมุมมองที่กว้างขึ้น การวิเคราะห์เช่นนี้ไม่สามารถแยกออกจากการสังเคราะห์ได้เลย เหล่านี้เป็นสองด้านของกระบวนการคิดและการรับรู้เดียว การวิเคราะห์ไม่ควรเป็นเพียงองค์รวมเท่านั้น แต่ด้วย ตามมูลค่านั่นคือจะต้องตรวจจับการมีอยู่ การเชื่อมต่อทางจิตวิญญาณการวิเคราะห์ทางดนตรีจะไม่ทิ้งเพลงไว้หาก:

*) แสดงถึงวิธีการทางเทคนิคของดนตรีในฐานะสุนทรียศาสตร์

*) รักษารูปแบบเสียงของดนตรี กล่าวคือ ใช้กับตัวอย่างดนตรี

การวิเคราะห์คุณค่าเผยให้เห็นด้านที่เป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ของดนตรีผ่านประสบการณ์ด้านสุนทรียศาสตร์ ด้วยวิธีการวิเคราะห์คุณค่า "หมายถึง" จะถูกตีความภายในกรอบของรูปแบบดนตรีเป็นหลัก ดังนั้นความหมายที่โดดเด่นของแนวคิดเรื่องรูปแบบในฐานะวัตถุแห่งการวิเคราะห์

โครงสร้างของสุนทรพจน์ทางดนตรี

รูปแบบดนตรีมีลักษณะเป็นลำดับชั้นของโครงสร้าง (การอยู่ใต้บังคับบัญชาซึ่งกันและกัน) รูปแบบดนตรีประกอบด้วยหลายส่วน ซึ่งแต่ละส่วนแบ่งออกเป็นส่วนย่อย ระยะเวลาประกอบด้วยส่วนย่อยต่อไปนี้:

1) ประโยค – ส่วนที่ใหญ่ที่สุดของระยะเวลาที่เสร็จสมบูรณ์ตามจังหวะ;

2) วลี – ส่วนหนึ่งของประโยคที่คั่นด้วย caesura;

3) แรงจูงใจ - องค์ประกอบโครงสร้างขั้นต่ำของแบบฟอร์มที่เกี่ยวข้องกับส่วนแบ่งที่แข็งแกร่ง

โครงสร้างรูปร่างเมตริก

สำหรับดนตรีที่เป็นศิลปะชั่วคราว สัดส่วน สัดส่วนของส่วนต่างๆ เป็นสิ่งสำคัญ ในรูปแบบดนตรี โครงสร้างหน่วยเมตริกต่อไปนี้จะมีความโดดเด่น ขึ้นอยู่กับจำนวนจังหวะที่หนักแน่น:

1) ความเป็นรูปสี่เหลี่ยม - "ชิ้นส่วน 4 นาฬิกา" (Sposobin) ความเป็นรูปสี่เหลี่ยมเป็นเรื่องปกติสำหรับแนวเพลงที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหว (การเต้นรำ การเดินขบวน);

2) ความไม่เป็นสี่เหลี่ยม – ละเมิดหลักการของความเป็นสี่เหลี่ยม (เล่ม 3+3; 6+6) ลักษณะของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย

แบบฟอร์มสองส่วนอย่างง่าย

รูปแบบง่าย ๆ คือรูปแบบที่ประกอบด้วย 2 หรือ 3 ส่วน ซึ่งแต่ละส่วนไม่ซับซ้อนกว่าจุด ความแตกต่างจากช่วงเวลานั้นคือการมีส่วนพัฒนาการ รูปแบบเรียบง่ายเกิดขึ้นจากเพลงหรือเพลงเต้นรำ ขอบเขตการใช้งาน: เพลง, เครื่องดนตรีย่อส่วน, แนวเพลงและดนตรีในชีวิตประจำวัน

แบบฟอร์ม 2 ส่วนอย่างง่ายเป็นรูปแบบที่ประกอบด้วยสองช่วงหรือช่วง โดยช่วงแรกเป็นการนำเสนอความคิดทางดนตรี และช่วงที่สองคือการพัฒนาและเสร็จสมบูรณ์ แบบฟอร์ม 2 ส่วนที่เรียบง่ายแบ่งออกเป็นรูปแบบที่ตัดกัน เอ+บีและพัฒนา เอ+เอ1.

1) ตัดกัน (ไม่ซ้ำ)โครงสร้างเป็นแบบนักร้องนำโดยมีลักษณะแนวเพลง (r.n.p. “Dubinushka”)

2) การพัฒนา (รีไพรซ์): aa1+va1โดยส่วนที่สองประกอบด้วยสองสิ่งก่อสร้าง: วี – การอัปเดตและพัฒนาหัวข้อที่เรียกว่า “กลาง” ก1 - การทำซ้ำประโยคที่สองของส่วนแรก

แบบฟอร์มสามส่วนอย่างง่าย

รูปแบบสามส่วนที่เรียบง่ายคือรูปแบบที่ส่วนแรกเป็นการนำเสนอความคิดทางดนตรี ส่วนที่สองคือการพัฒนาหรือการนำเสนอความคิดทางดนตรีใหม่ และส่วนที่สามเสร็จสิ้นด้วยความช่วยเหลือของการบรรเลงใหม่ . ขึ้นอยู่กับวัสดุเฉพาะเรื่องของส่วนตรงกลางมีรูปแบบ 3 ส่วนที่เรียบง่าย 2 แบบ:

1) พัฒนาการ (หนึ่งหัวข้อ) AA1Aส่วนตรงกลางมีลักษณะความไม่แน่นอนของโทนเสียง - ฮาร์โมนิก การหลีกเลี่ยงโทนิค การเบี่ยงเบน โครงสร้างเศษส่วน ลำดับ โพลีโฟไนเซชันของธีม (ไชคอฟสกี "บาร์คาโรล")

2) ABA ที่ตัดกัน (สองสีเข้ม)ส่วนตรงกลางเป็นช่วงเวลาที่ไม่อธิบายซึ่งไม่มีความสมบูรณ์ ในตอนท้ายความสามัคคีที่ไม่มั่นคงสะสม (ไชคอฟสกี ความโรแมนติก "ท่ามกลางลูกบอลที่มีเสียงดัง")

การแก้แค้นมีสองประเภท:

ก) แน่นอน (ตัวอักษร คงที่ da capo);

b) ดัดแปลง - หลากหลาย, ขยายหรือย่อให้สั้นลง (ไม่ค่อยมี)

รูปแบบของรูปแบบสามส่วนอย่างง่าย -รูปแบบสามห้าส่วน ABABA (Liszt, “ความฝันแห่งความรัก”)

รูปร่างที่ซับซ้อน

ประกอบด้วย 2 หรือ 3 ส่วน ซึ่งแต่ละส่วน (อย่างน้อย 1 ชิ้น) เป็นรูปทรงเรียบง่าย มันมีความแตกต่างอย่างเด่นชัดกับทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างตรงข้าม

รูปแบบสองส่วนที่ซับซ้อน

สาขาการใช้งาน - แชมเบอร์ร้อง, ดนตรีโอเปร่า, ไม่ค่อยบ่อย - ในดนตรีบรรเลง (Mozart, Fantasia ใน D minor) มันมาในสองสายพันธุ์:

1) ไม่เป็นที่รู้จักหรือเป็นที่ยอมรับ AA1(Bach, HTC II, โหมโรงหมายเลข 2,8,9,10,15,20; Scriabin, โหมโรง op.11 หมายเลข 3,16,21);

2) ตัดกัน เอบี ( Bach, HTC I, โหมโรงหมายเลข 3,21) ความสมบูรณ์ของแบบฟอร์มได้รับการอำนวยความสะดวกโดยความไม่เท่าเทียมกันของชิ้นส่วน:

ก) ส่วนที่ 1 - เกริ่นนำ ตอนที่ 2 - หลัก (Glinka, Cavatina และ Rondo ของ Antonida จากโอเปร่า "Ivan Susanin") หรือใน Chorus of Hunters (Weber, โอเปร่า "The Magic Shooter"): ตอนที่ 2 – คอรัส

รูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อน

ซึ่งเป็นรูปแบบที่มีชื่อเสียง ประกอบด้วย 3 ส่วน แต่ละส่วนเป็นรูปทรงเรียบง่าย แบบฟอร์มนี้ประกอบด้วยรูปภาพที่ตัดกันสองรูป ตามด้วยการแก้ไขรูปภาพแรก ประวัติความเป็นมา: ดนตรีบรรเลงและเสียงร้องของศตวรรษที่ 17 - วงจรการเต้นรำ, เพลง ดาคาโป. พื้นที่การใช้งาน: ส่วนตรงกลางของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก, งานบรรเลงเดี่ยว, ความรัก, เรียส, คณะนักร้องประสานเสียง พันธุ์:

1) เอเอสเอ 2) AA1A(เรียส ดาคาโป) 3) เอบีซีเอ(สำหรับคนโรแมนติก)

คุณสมบัติของส่วนแรก: ขาดความคมชัด - รูปแบบสีเดียว 2 หรือ 3 ส่วน

ในอดีตมีส่วนตรงกลางมีสองประเภท:

1) ส่วนตรงกลางด้วย ทรีโอ ซึ่งการนำเสนอเนื้อหาใหม่มีชัยเหนือการพัฒนา โครงสร้างนี้มีความเสถียร สมบูรณ์ในรูปแบบและโครงสร้างโทน-ฮาร์โมนิก แยกอย่างชัดเจนด้วย caesura จากส่วนด้านนอก (Rachmaninov, Prelude ใน G minor)

2) ส่วนตรงกลาง – ตอน ซึ่งการพัฒนามีชัยเหนือการนำเสนอ โครงสร้างนี้ไม่เสถียรทั้งด้านโทนเสียง ฮาร์โมนิก และโครงสร้าง โดยมีการเปลี่ยนแปลงไปสู่การบรรเลงอย่างราบรื่น (ไชคอฟสกี "กุมภาพันธ์")

สำหรับแนวโรแมนติก ความแตกต่างระหว่างไตรลักษณ์และตอนหนึ่งไม่ชัดเจน

ประเภทการบรรเลงซ้ำ:

1) แน่นอน (Mozart, Symphony ใน G minor, การเคลื่อนไหวที่ 3)

2) หลากหลาย (โชแปง, น็อคเทิร์นใน D-flat major)

3) ไดนามิกซึ่งประกอบด้วยการคิดใหม่เป็นรูปเป็นร่างของเนื้อหาเฉพาะเรื่องของส่วนแรกและความแตกต่างเชิงเป็นรูปเป็นร่างใหม่ (โชแปง, น็อคเทิร์นใน C minor)

รหัส– การพัฒนาเพิ่มเติมหลังการบรรเลงใหม่ ทำหน้าที่สังเคราะห์ขั้นสุดท้าย คุณสมบัติหลัก: จุดยาชูกำลังอวัยวะ, การเปลี่ยน Plagal

แบบฟอร์มการเปลี่ยนแปลง

รูปแบบรูปแบบคือรูปแบบที่ขึ้นอยู่กับการนำเสนอธีมและการทำซ้ำในรูปแบบที่แก้ไข: AA1A2…ไม่จำกัดจำนวนชิ้นส่วน ความหมายคือการเปิดเผยสถานะที่เป็นรูปเป็นร่างต่างๆ ที่มีอยู่ในหัวข้อ

แหล่งกำเนิด – เชื่อมโยงกับประเพณีการแสดงพื้นบ้าน พื้นที่ใช้งาน: งานอิสระ ส่วนของวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก

จำเป็นต้องแยกแยะระหว่างความผันแปร (นี่คือวิธีในการพัฒนาแก่นเรื่อง) และความแปรผัน ซึ่งก็คือ รูปแบบความแปรผัน

ประเภทการเปลี่ยนแปลงในอดีต:

1) รูปแบบวินเทจ(ศตวรรษที่ 16 – 17) ความหลากหลายของ Basso ostinato 2 ประเภท:

ก) พาสคาเกลีย– รูปแบบขนาดใหญ่ Maestoso ธีมคงที่ของเสียงเบสจะแตกต่างกันไป

ข) ชาคอนน์– ห้องโคลงสั้น ๆ มักจะรวมอยู่ในรูปแบบขนาดใหญ่ สูตรฮาร์มอนิกที่ไม่เปลี่ยนแปลงจะแตกต่างกันไป

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ความแตกต่างระหว่าง passacaglia และ chaconne ถูกลบ (Bach, Chaconne ใน D minor; Handel, Passacaglia จาก G minor suite, หมายเลข 7)

2) รูปแบบที่เข้มงวดความหลากหลายของ VKSh รูปแบบที่เป็นรูปเป็นร่างประดับ

คุณสมบัติของธีม:

1) เรจิสเตอร์ระดับกลาง 2) จังหวะปานกลาง 3) เนื้อคอร์ด

4) ฟังก์ชั่นที่ชัดเจนของธีม 5) ลักษณะเพลงและการเต้นของธีม

6) รูปแบบ – สองส่วนง่าย ๆ น้อยกว่า – สามส่วนหรือบ่อยน้อยกว่า – ช่วง

หลักการแปรผัน:การสร้างธีมโดยรวมให้สมบูรณ์ยิ่งขึ้นด้วยรายละเอียด

หัวข้อการเปลี่ยนแปลง:รูปแบบทำนอง จังหวะ เนื้อสัมผัส จังหวะ ฯลฯ

สิ่งต่อไปนี้ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง:แผนฮาร์มอนิกแบบฟอร์ม , โทนเสียง (สามารถแทนที่ได้ครั้งเดียวด้วยชื่อเดียวกันหรือขนานกัน)

เทคนิคในการพัฒนาทำนอง: ก)การตกแต่ง, ข)สวดมนต์, วี)การเปลี่ยนแปลงตัวแปร (โมซาร์ท, โซนาต้าใน A Major, หมายเลข 11, การเคลื่อนไหวที่ 1)

3) รูปแบบฟรีพวกเขาก่อตั้งตัวเองขึ้นมาจากผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 รูปแบบลักษณะประเภท แต่ละรูปแบบก็เหมือนกับการเล่นอิสระตามธีม ธีมนี้เป็นเพียงข้ออ้างในการสร้างภาพที่ตัดกัน หลักการของการเปลี่ยนแปลง: องค์ประกอบของธีมเป็นเป้าหมายของการพัฒนาที่เป็นอิสระ (Rachmaninov, "Rhapsody on a Theme of Paganini")

รูปแบบสองเท่า

สิ่งเหล่านี้เป็นรูปแบบที่แตกต่างกันในสองธีม หัวข้ออาจแตกต่างกันไปทีละหัวข้อหรือทีละหัวข้อ (Glinka, “Kamarinskaya”)

รูปแบบของกลินกา(โซปราโนออสตินาโต)

ธีมยังคงเหมือนเดิม ดนตรีประกอบเปลี่ยนไป (Glinka, คณะนักร้องประสานเสียงเปอร์เซียจากโอเปร่า "Ruslan และ Lyudmila")

แบบฟอร์มโซนาต้า

รูปแบบโซนาต้าเป็นรูปแบบที่ส่วนที่ 1 (นิทรรศการ) ขึ้นอยู่กับความแตกต่างของโทนเสียงของสองธีมหลัก ส่วนที่ 2 (การพัฒนา) พัฒนาอย่างเข้มข้น ส่วนที่ 3 (บรรเลงใหม่) นำธีมต่างๆ เข้าสู่ความสามัคคีของโทนเสียง

รูปแบบโซนาตาเป็นรูปแบบที่สูงที่สุดในบรรดารูปแบบโฮโมโฟนิกแบบเครื่องดนตรี โดยซึมซับลักษณะของรูปแบบอื่นๆ ทั้งหมด ด้วยโครงสร้างที่ซับซ้อน รูปแบบโซนาต้าจึงสามารถสะท้อนความแตกต่างที่เป็นรูปเป็นร่างที่สดใส รวบรวมเนื้อหาที่ซับซ้อนในการพัฒนา และแสดงการเปลี่ยนแปลงเชิงคุณภาพในภาพ

ในที่สุดรูปแบบโซนาต้าก็ถูกสร้างขึ้นในผลงานของนักประพันธ์เพลงของ Higher School of Art School มันถูกใช้ในส่วนสุดขั้วของวงจรโซนาตา-ซิมโฟนิก เป็นรูปแบบหนึ่งของงานออเคสตราโปรแกรมการเคลื่อนไหวเดียว (การทาบทาม แฟนตาซี ภาพวาด บทกวี) เป็นรูปแบบหนึ่งของการทาบทามโอเปร่า ไม่ค่อยพบในเพลงร้อง (เพลงของ Ruslan จากโอเปร่า "Ruslan and Lyudmila" โดย Glinka)

แบบฟอร์มโซนาต้าประกอบด้วยส่วนบังคับสามส่วน: การอธิบาย การพัฒนา และตอนจบ นอกเหนือจากนั้นอาจมีเพิ่มเติม - บทนำและรหัส

นิทรรศการ

เป็นการแสดงภาพดนตรีซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของละคร ขึ้นอยู่กับความแตกต่างด้านวรรณยุกต์ (ใจความ) ของส่วนหลักและส่วนรอง จำเป็นต้องแยกแยะระหว่างแนวคิดของงานปาร์ตี้และธีม: งานปาร์ตี้เป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการหรือการบรรเลงซ้ำ ธีมคือเนื้อหาทางดนตรีที่แสดงลักษณะของภาพ

พรรคหลัก– มักมีลักษณะที่กระตือรือร้นและเอาแต่ใจ (การเคลื่อนไหวไปตามเสียงคอร์ด, จังหวะหุนหันพลันแล่น) มักประกอบด้วยความแตกต่างภายในขององค์ประกอบต่างๆ

ชุดด้านข้าง- มักมีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ โดยปกติแล้วนี่คือธีมการเต้นรำแนวไพเราะ บางครั้งส่วนด้านข้างประกอบด้วยหลายธีม (Beethoven, “Eroica” Symphony, การเคลื่อนไหวครั้งที่ 1) บ่อยครั้งที่แบทช์ด้านข้างมีการแตกหัก (กะ) - การแนะนำองค์ประกอบของแบทช์หลัก, แบทช์ที่เชื่อมต่อ สิ่งนี้ทำให้เกิดความตึงเครียดและคาดการณ์ถึงดราม่าของการพัฒนา

ความสัมพันธ์ทางวรรณยุกต์ทั่วไป:

GL.P. (ในวิชาเอก) – ย่อย (ในคีย์ของ D)

GL.P. (เล็กน้อย) – ab.p. (ในวิชาเอกคู่ขนาน)

นอกจากปาร์ตี้หลักและปาร์ตี้ด้านข้างแล้ว นิทรรศการยังประกอบด้วย ฝ่ายที่มีผลผูกพัน ซึ่งเชื่อมต่อส่วนหลักกับส่วนรองอย่างมีโทนเสียงและตามธีม จะปล่อยพลังงานที่สะสมอยู่ในส่วนหลักออกมา คุณสมบัติหลักของส่วนที่เชื่อมต่อคือความไม่เสถียรของโทนเสียง ส่วนที่เชื่อมต่ออาจแตกต่างกันตามขนาด: จากโครงสร้างที่พัฒนาแล้วไปจนถึงการเชื่อมต่อแบบสั้น (Schubert, “Unfinished” Symphony, การเคลื่อนไหวที่ 1)

เกมสุดท้าย– สรุปการแสดงออก กำหนดโทนเสียงของส่วนด้านข้าง มักสร้างขึ้นจากเนื้อหาจากธีมของนิทรรศการ แต่ไม่ค่อยสร้างจากธีมใหม่

การพัฒนา

นี่คือการพัฒนาและจุดสุดยอดของการแสดงดนตรี ความแตกต่างระหว่างธีมของนิทรรศการจะลึกซึ้งยิ่งขึ้นหรือราบรื่นยิ่งขึ้น บ่อยครั้งที่การพัฒนาขึ้นอยู่กับธีมของพรรคหลัก เนื่องจากมีความกระตือรือร้นมากกว่าและขัดแย้งกันภายใน เทคนิคพื้นฐานในการพัฒนาธีม:

1) การกระจายตัวของธีมเป็นองค์ประกอบและโทนเสียง, ฮาร์โมนิก, พื้นผิว, รีจิสเตอร์, การพัฒนาเสียง

2) การโพลีโฟไนซ์ของธีม

การพัฒนาอาจประกอบด้วยหลายส่วน โดยแต่ละส่วนมีจุดสุดยอดของตัวเอง (เรียกว่าคลื่น) ส่วนสุดท้ายเรียกว่าการสะสมพลังงานของฟังก์ชันที่ไม่เสถียร สารตั้งต้นการปรากฏตัวของหัวข้อใหม่ในการพัฒนาที่ไม่เคยได้ยินในนิทรรศการเรียกว่า ตอน(Shostakovich, "Leningrad" Symphony, ขบวนการที่ 1)

บรรเลงอีกครั้ง

นี่คือข้อไขเค้าความเรื่องของการแสดงดนตรีซึ่งประเด็นต่างๆมาบรรจบกันบนพื้นฐานของความสามัคคีของวรรณยุกต์ การบรรเลงรูปแบบโซนาต้าคือ:

1) แน่นอน (เบโธเฟน ซิมโฟนีหมายเลข 3 1 การเคลื่อนไหว)

2) ไดนามิก – การคิดใหม่เป็นรูปเป็นร่างเกี่ยวกับธีมของนิทรรศการ จุดเริ่มต้นของการบรรเลงพร้อมกับจุดสุดยอดของการพัฒนา (Shostakovich, Symphony No. 7, การเคลื่อนไหวครั้งที่ 1)

3) กระจกเงา (โชแปง, บัลเลดหมายเลข 1, จีไมเนอร์)

4) ไม่สมบูรณ์ โดยขาดส่วนหลักซึ่งปรากฏในตอนท้าย (โชแปง, โซนาต้าหมายเลข 2, B-flat minor)

รหัส

หน้าที่คือสรุปการพัฒนา นำความแตกต่างมาสู่ความสามัคคี และยืนยันแนวคิดหลัก ยิ่งคอนทราสต์ในการรับแสงแข็งแกร่งเท่าใด การพัฒนาในการพัฒนาก็จะยิ่งมีไดนามิกมากขึ้นเท่านั้น มูลค่าของโค้ดก็จะยิ่งมากขึ้นตามไปด้วย โคดารูปแบบโซนาต้าอาจคล้ายกับการพัฒนาครั้งที่สอง โดยปกติแล้วโค้ดจะถูกสร้างขึ้นจากเนื้อหาเฉพาะเรื่องของนิทรรศการ ซึ่งมักจะไม่เกี่ยวข้องกับหัวข้อใหม่

รอนโด้ โซนาต้า

นี่เป็นรูปแบบกึ่งกลางระหว่างรูปแบบรอนโดและโซนาตา โครงการ : เอวา ซี AB1A,ที่ไหน เอวา– นิทรรศการ กับ– ตอน , AB1A– บรรเลง ตอนกลาง (ตอนกลาง) สามารถแทนที่ได้ด้วยการพัฒนาธีมก่อนหน้า ตามคำจำกัดความของ V. Zuckerman “รอนโดโซนาตาเป็นประเภทของรอนโดที่มีสาม (บางครั้งสี่) ตอน ซึ่งตอนที่รุนแรงที่สุดจะมีธีมและโทนเสียงในสัดส่วนเดียวกันกับส่วนด้านข้างของการแสดงและการบรรเลงของรูปแบบโซนาตา . พันธุ์:

1) ถ้าตอนกลาง กับ– การพัฒนาธีมนิทรรศการ จากนั้นประเภทนี้จะเข้าใกล้รูปแบบโซนาต้า

2) ถ้าส่วนกลาง กับ- ตอนแล้ว - ถึง rondo

สัญญาณของรูปแบบโซนาต้า:

*) ความคมชัดของโทนสีของธีม กและ ในที่จุดเริ่มต้นและความสามัคคีของวรรณยุกต์ในตอนท้าย

*) ตอน ใน- ไม่ใช่การก่อสร้างระดับกลาง แต่ตรงกันข้ามกับ Ch. น. ในฐานะพรรคอิสระ

ความแตกต่างจากรูปแบบโซนาต้า:

*) การทำซ้ำของ ch ในตอนท้ายของนิทรรศการและบรรเลงใหม่

สัญญาณของ rondo:

*) ทำซ้ำการละเว้นอย่างน้อยสามครั้ง

*) ธีมการเต้นรำประเภท

ความแตกต่างจากรอนโด:

*) การทำซ้ำตอนใหม่ในคีย์ใหม่

ขอบเขตการใช้งาน: ตอนจบของวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก ซึ่งบางครั้งก็เป็นเพลงอิสระ การแนะนำไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับโซนาตา rondo แต่ก็เป็นไปได้ เบโธเฟน โซนาตาหมายเลข 8 ตอนจบ ตอนกลาง – ตอน โมสาร์ท โซนาตาหมายเลข 17 ตอนจบ ท่อนกลาง – พัฒนาการ)

แบบฟอร์มแบบวนรอบ

แบบฟอร์มไซคลิกคือแบบฟอร์มที่ประกอบด้วยชิ้นส่วนที่ตัดกันเสร็จสมบูรณ์หลายชิ้นรวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยการออกแบบทั่วไป

รูปแบบวงจรมีสองประเภท:

1) ชุด ซึ่งความขัดแย้งของส่วนต่างๆ ครอบงำ

2) วงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก (เสียงร้อง - ซิมโฟนิก, เสียงร้อง, เครื่องดนตรี) ซึ่งสิ่งสำคัญคือความสามัคคีของวงจร

ห้องสวีท

นี่เป็นงานที่เป็นวัฏจักรซึ่งประกอบด้วยบทละครที่แตกต่างกันจำนวนหนึ่ง ห้องสวีทประเภทประวัติศาสตร์:

1) ห้องชุดโบราณ (บางส่วน). ศตวรรษที่สิบหก-สิบแปด ประกอบด้วยการเต้นรำสี่แบบ:

ก) อัลเลมันเด(การเต้นรำแบบเยอรมัน) – จังหวะช้า 4/4 โพลีโฟนิก

ข) เสียงระฆัง(การเต้นรำแบบฝรั่งเศส) – จังหวะปานกลาง 3/4 โพลีโฟนิก

c) ซาราบันเด(การเต้นรำแบบสเปน) – จังหวะช้า 3/4 เนื้อคอร์ด;

ง) กิ๊ก(การเต้นรำแบบอังกฤษ) – จังหวะเร็ว จังหวะแฝด นอกเหนือจากการเต้นรำหลักแล้ว บางครั้งก็มีการนำการเต้นรำเพิ่มเติมเข้ามาในห้องสวีทด้วย เช่น gavotte, minuet, bure เป็นต้น ห้องสวีทเปิดด้วยโหมโรงหรือทอกกาตา (ชุดบาค, อังกฤษ, เยอรมัน, ฝรั่งเศส)

2) สวีท วีเคเอสเอช . แนวเพลงหลัก: Cassations, ความหลากหลาย, เซเรเนด (Mozart, "Little Night Serenade") มีการปฏิเสธการเต้นรำภาคบังคับและการสร้างสายสัมพันธ์กับวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก

3) ห้องชุดใหม่ (ไตรมาสที่ 2 ของศตวรรษที่ 19) คุณสมบัติ: ความสำคัญอย่างยิ่งของการเขียนโปรแกรม การรวมส่วนต่างๆ เข้ากับโครงเรื่อง การเพิ่มความคมชัดของส่วนต่างๆ (Schumann, "Carnival") ชุดสามารถประกอบด้วยตัวเลขดนตรีหลักของละคร บัลเล่ต์ หรือโอเปร่า (Grieg, Peer Gynt)

วงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก

วงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกประกอบด้วยประเภทของซิมโฟนี โซนาตา คอนแชร์โต และควอร์เตต วงจรโซนาตา-ซิมโฟนิกคลาสสิกประกอบด้วย 4 การเคลื่อนไหว รวมถึง Allegro ในรูปแบบโซนาตา การเคลื่อนไหวช้าๆ มินูเอต (ต่อมาคือเชอร์โซ) และตอนจบ ในประเภทคอนแชร์โตและโซนาตา ไมนูเอตจะหายไป ความสามัคคีเชิงองค์ประกอบของส่วนต่าง ๆ ของวงจรนั้นแสดงออกมาในการจัดจังหวะโดยรวมในการเชื่อมต่อโทนเสียง - ฮาร์มอนิก ใจความและเป็นรูปเป็นร่าง

ส่วนของวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิกนั้นเป็นขั้นตอนของการเปิดเผยแนวคิดของการแต่งเพลงโดยรวม แต่ละส่วนของวงจรมีประเภทและรูปแบบทั่วไปของตัวเอง:

1 ส่วน(โซนาตาอัลเลโกร) – รูปแบบโซนาตา

ส่วนที่ 2(อันดันเต, อาดาจิโอ) – รูปแบบที่ซับซ้อน 3 ส่วน, รูปแบบโซนาตาที่ไม่มีการพัฒนา, รูปแบบการแปรผัน, บางครั้งก็เป็น rondo

ส่วนที่ 3(Minuet) เป็นรูปแบบที่ซับซ้อน 3 ส่วน

ตอนที่ 4(ตอนจบ) – รูปแบบโซนาตาหรือรอนโด (rondo sonata)

การเชื่อมต่อโทนเสียง: ส่วนด้านนอกเขียนด้วยคีย์เดียวกันหรือคีย์เดียวกัน ส่วนที่ 2 เขียนด้วยคีย์ S ซึ่งเป็นคีย์เดียวกันหรือขนานกัน ส่วนที่ 3 อยู่ในคีย์หลัก

รูปแบบฟรีและแบบผสม

สิ่งเหล่านี้คือรูปแบบดนตรีที่ไม่เป็นวัฏจักรซึ่งไม่เข้ากับรูปแบบทั่วไปของรูปแบบดนตรีคลาสสิกและโรแมนติก หรือผสมผสานลักษณะเฉพาะของรูปแบบต่างๆ รูปแบบอิสระแตกต่างจากรูปแบบผสมตรงที่ในรูปแบบผสม รูปแบบโซนาต้าจะรวมกับรูปแบบอื่น ในรูปแบบอิสระ แบบฟอร์มชุดจะรวมกับแบบฟอร์มอื่นๆ รูปแบบฟรีเกี่ยวข้องกับประเภทของดนตรีบรรเลงเพื่อความบันเทิง (สเตราส์วอลทซ์ เมดเลย์) Rondality มักจะกลายเป็นหลักการชี้นำ ภาพดนตรีใหม่แต่ละภาพมีรูปแบบที่สมบูรณ์ แบบฟอร์มฟรีเป็นเรื่องปกติสำหรับเรียงความที่มีโปรแกรม

รูปแบบอิสระของยุคบาโรก - จินตนาการของออร์แกนและคลาเวียร์ และแนวเพลงที่เกี่ยวข้อง คุณลักษณะเฉพาะของรูปแบบอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 คือการผสมผสานระหว่างคุณสมบัติโฮโมโฟนิกและโพลีโฟนิก

ความสำคัญที่เพิ่มขึ้นของรูปแบบอิสระและแบบผสมในศตวรรษที่ 19 (เพลงบัลลาด บทกวี แรปโซดี) ถูกกำหนดโดยสุนทรียภาพของแนวโรแมนติก โดดเด่นด้วยการนำเสนอธีมที่ตัดกันอย่างละเอียด การเพิ่มความเข้มข้นของการพัฒนา การเปลี่ยนแปลงและการบรรจบกันของภาพ และการเปลี่ยนแปลงของส่วน reprise-coda

ในศตวรรษที่ 19-20 รูปแบบอิสระมีพื้นฐานมาจากแผนที่มีอิทธิพลต่อรูปแบบ (โปรแกรม) "องค์ประกอบของรูปแบบ" ส่วนบุคคลกลายเป็นหลักการขององค์ประกอบในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20

แบบฟอร์มโพลีโฟนิก

1) การจำลองตามการพัฒนาของหัวข้อเดียว

2) การไม่เลียนแบบ (ตัดกัน) ขึ้นอยู่กับการรวมกัน (ตัดกัน) ของหัวข้อต่างๆ พร้อมกัน

โพลีโฟนีถือกำเนิดขึ้นในศตวรรษที่ 14 โดยเป็นดนตรีประเภทหนึ่งในโบสถ์สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงคาเปลลา แนวโพลีโฟนิกหลัก: fugue, fuguette, ricercar, สิ่งประดิษฐ์ ฯลฯ

ความทรงจำ

Fugue เป็นรูปแบบสูงสุดของพฤกษ์เลียนแบบ องค์ประกอบองค์ประกอบหลักของความทรงจำ: แก่นเรื่อง คำตอบ ความขัดแย้ง การสลับฉาก (การสร้างระหว่างหัวข้อตามการพัฒนาองค์ประกอบของหัวข้อ) และ สเตรตต้า (การเลียนแบบการแนะนำธีมด้วยเสียงเดียวจนสิ้นสุดในอีกเสียงหนึ่ง)

Fugue มักประกอบด้วยสามส่วน:

1 ส่วน– นิทรรศการ นี่คือการป้อนเสียงตามลำดับโดยมีธีมในอัตราส่วน T-D ระหว่างการนำเสนอหัวข้อที่ 2 และ 3 รวมถึงหลังจากนิทรรศการทั้งหมดจะมีการเล่นสลับฉาก

ส่วนที่ 2– การพัฒนาขึ้นอยู่กับการดำเนินการตามธีมในคีย์รอง มีการใช้การเปลี่ยนแปลงธีมและการแสดงสลับฉาก

ส่วนที่ 3– บรรเลง เริ่มต้นด้วยการกลับมาของธีม (ในคีย์หลัก) ซึ่งดำเนินการในทุกเสียง

การบรรเลงครั้งนี้ใช้สเตรตต้าอย่างกว้างขวาง

ความทรงจำในธีมเดียวเรียกว่าเรียบง่ายในสองธีมเรียกว่าสองเท่าในสามธีมเรียกว่าทริปเปิ้ล การหลบหนีแบบ Double และ Triple มาพร้อมกับการสัมผัสแบบแยกหรือแบบร่วม Fugue สามารถมีโครงสร้างได้สองส่วน: ส่วนที่ 1 – นิทรรศการ, ส่วนที่ 2 – ฟรี

ฟูเกตต้า –ความลึกลับเล็กๆ น้อยๆ ที่มีลักษณะไม่ร้ายแรง ขึ้นอยู่กับการเลียนแบบประเภทง่าย ๆ

ลักษณะของรูปแบบในดนตรีร้องและร้องประสานเสียง

การสังเคราะห์ข้อความและดนตรีทำให้แต่ละส่วนของรูปแบบเสียงร้องมีความสมบูรณ์น้อยกว่าในรูปแบบเครื่องดนตรี ดังนั้นช่วงเริ่มต้นของรูปแบบเสียงมักจะสิ้นสุดในครึ่งจังหวะ มักพบโครงสร้างที่ไม่เป็นสี่เหลี่ยมจัตุรัสของช่วงเริ่มต้นซึ่งไม่มีโครงสร้างภายในเป็นอิสระ

คุณลักษณะอีกประการหนึ่งของรูปแบบเสียง - ความเหมาะสมต่ำสำหรับการพัฒนาเฉพาะเรื่อง - ​​เกี่ยวข้องกับเหตุผลสองประการ:

2) มีโครงสร้างเมตริกและโครงสร้างของข้อความบทกวีที่สม่ำเสมอ

นี่คือสาเหตุหนึ่งที่ทำให้มีการใช้รูปแบบโซนาต้าในเพลงร้องที่หาได้ยาก

โครงสร้างที่สม่ำเสมอของข้อความบทกวีสามารถนำไปสู่ความจริงที่ว่าในช่วงกลางโครงสร้างของโครงสร้างเชิงอธิบายนั้นได้รับการเก็บรักษาไว้ แต่ด้วยโทนสี - ฮาร์โมนิก, ไพเราะ, พื้นผิวที่แปรผัน จะเกิดสิ่งที่เรียกว่า “ตัวกลาง” ขึ้นมา

บ่อยกว่าในดนตรีบรรเลง การบรรเลงแบบต่างๆ ก็พบได้ในดนตรีร้องด้วย

รูปแบบเสียงร้องมีลักษณะเฉพาะคือการสอดแทรกหลักการต่างๆ ของรูปแบบ นำไปสู่รูปแบบสังเคราะห์

ในบรรดาดนตรีร้องรูปแบบพิเศษ มี 3 ประเภทหลักที่ได้รับการพิสูจน์แล้วว่ามีเสถียรภาพมากในอดีต:

1) แบบฟอร์มโคลงสั้น ๆ

2) รูปแบบที่หลากหลาย

3) ผ่านรูปแบบเสียง

ดนตรีเป็นรูปแบบศิลปะที่ซับซ้อนและยากต่อการเข้าใจ เพราะดนตรีต่างจากรูปแบบศิลปะอื่นๆ มุ่งไปที่การรับรู้ทางเสียงโดยเฉพาะ มีมุมมองที่แตกต่างกันเกี่ยวกับคำถามที่ว่าเนื้อหาของดนตรีประกอบด้วยอะไรบ้าง:

1) “ดนตรีเป็นสิ่งที่มีมาแต่กำเนิด เป็นภายใน โดยไม่ต้องอาศัยประสบการณ์ใดๆ ในชีวิต” (I. Goethe)

2) G. Laroche: “ดนตรีสะท้อนถึงจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย”

3) E. Hanslick: “ไม่มีเนื้อหาในดนตรี” (กล่าวคือ ไม่มีข้อมูล) “เนื้อหาทางดนตรีคือการเคลื่อนไหวของรูปแบบเสียง”

4) B. Asafiev: “Fugue เป็นราชินีแห่งตรรกะ”

5) ประการแรก ดนตรีสะท้อนถึงโลกแห่งอารมณ์ของบุคคล อารมณ์นั้นไม่มีความหมาย โลกแห่งอารมณ์นั้นเคลื่อนไหวอยู่เสมอ ดังนั้นพื้นฐานของดนตรีก็คือ การเคลื่อนไหวของอารมณ์ตามที่ L. Mazel กล่าว ดนตรีควรมีความสามัคคีของอารมณ์และความคิด นั่นคือ ต้องเข้าใจอารมณ์และความคิดที่รู้สึก

เราจดจำเนื้อหาดนตรีได้ด้วยความช่วยเหลือของการได้ยินน้ำเสียง ซึ่งเป็น "อวัยวะในการสื่อสาร" ประเภทหนึ่ง การได้ยินน้ำเสียงจะระบุสถานะทางอารมณ์ 4 ประการของคู่สนทนาทางดนตรี:

ก) โทร - อย่างรวดเร็วอย่างต่อเนื่องโดยไม่ลังเล (การเคลื่อนไหวจากน้อยไปมาก);

b) คำร้อง - คร่ำครวญ, ไม่แน่นอน (การเคลื่อนไหวลดลง);

c) การเล่น – มีชีวิตชีวาและง่ายดาย เชี่ยวชาญ (การเคลื่อนไหวของมอเตอร์);

ง) การทำสมาธิ – อย่างสงบ วัดผล (กลับสู่ความเร็วเดิม)

ละครเพลง

นี่คือระบบวิธีการและเทคนิคการแสดงออกในการรวบรวมการแสดงละครในงานประเภทละครเวทีดนตรี (โอเปร่า, บัลเล่ต์, โอเปเรตต้า) ละครเพลงมีพื้นฐานอยู่บนกฎทั่วไปของละครในฐานะหนึ่งในรูปแบบศิลปะ: การมีอยู่ของความขัดแย้งส่วนกลางที่เด่นชัด ซึ่งเผยให้เห็นในการต่อสู้ระหว่างพลังแห่งการกระทำและปฏิกิริยา ลำดับขั้นตอนที่แน่นอนในการพัฒนาแนวคิดที่น่าทึ่ง (การอธิบาย พล็อต การพัฒนา จุดไคลแม็กซ์ ข้อไขเค้าความเรื่อง) รูปแบบทั่วไปเหล่านี้พบการหักเหเฉพาะในศิลปะดนตรีและนาฏศิลป์แต่ละประเภท ตามธรรมชาติของวิธีการแสดงออก และบทบาทของดนตรีจะกำหนดคุณลักษณะหลายประการของการเรียบเรียง ซึ่งแตกต่างจากการสร้างละครวรรณกรรม

ในระหว่างการพัฒนาทางประวัติศาสตร์มีรูปแบบบางอย่างที่ทำหน้าที่รวบรวมการแสดงบนเวที: ในโอเปร่า - การบรรยาย, aria, arioso, ตระการตา, คณะนักร้องประสานเสียง บัลเล่ต์ประกอบด้วยการเต้นรำและวงดนตรีคลาสสิกและตัวละคร แบบฟอร์มเหล่านี้ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ดังนั้น ละครโอเปร่าจึงได้รับการเสริมสมรรถนะด้วยเทคนิคบางอย่างของการพัฒนาซิมโฟนิก (เพลงประกอบ ฯลฯ ) ในงานประเภทดนตรีและฉาก มีสัญญาณของการเปลี่ยนแปลง ความเหมือนรอนโด และโซนาตา

แนวคิดเรื่องละครยังนำไปใช้กับผลงานดนตรีบรรเลงด้วย ดังนั้น การแสดงละครจึงเป็นรูปแบบเฉพาะหนึ่งของลัทธิซิมโฟนิสต์ (เนื่องจากวิธีการแสดงซิมโฟนิซึมนั้นไม่มีอะไรมากไปกว่าวิธีการพัฒนาละครของลัทธิใจนิยม)

แนวดนตรีและหลักการจำแนกประเภท

บทบาทของแนวเพลงมีความสำคัญในการเปิดเผยเนื้อหาของงานดนตรี ตามกฎแล้ว แนวเพลงนี้หมายถึงบทบาททางสังคมของดนตรี สภาพความเป็นอยู่ และเงื่อนไขของปัจจัยในการแสดง แนวเพลงเป็นประเภท ประเภท ความหลากหลายของผลงานทางดนตรีที่ได้รับการยอมรับในอดีต ซึ่งนำมารวมกันและแยกความแตกต่างตามลักษณะหลายประการ

ในดนตรีวิทยาของรัสเซีย V. Zuckerman และ A. Sokhor ศึกษาปัญหาแนวเพลง Zuckerman แบ่งประเภทต่างๆ ตามลักษณะของเนื้อหา - โคลงสั้น ๆ , การเล่าเรื่อง - มหากาพย์, มอเตอร์, รูปภาพ Sokhor สร้างความแตกต่างประเภทตามเงื่อนไขของการแสดงและการดำรงอยู่ - ทุกวัน (ทุกวัน) มวลชนทุกวัน คอนเสิร์ต ละคร นี่คือการจำแนกประเภทโดยทั่วไปที่สุด โดยสามารถแบ่งประเภทได้ภายในนั้น (Bobrovsky กำหนดให้เป็น "ประเภทรอง")

ประเภทยังสามารถแบ่งออกเป็นประเภทง่ายและซับซ้อน เรียบง่าย - ร้องเพลงเต้นรำเดินขบวน พวกเขายังแบ่งออกเป็นกลุ่มเล็ก ๆ (เพลง - แรงงานโคลงสั้น ๆ ฯลฯ Marches - งานศพทหาร ฯลฯ ) ประเภทที่เรียบง่ายจะเรียกว่าประเภทในชีวิตประจำวัน ซึ่งเน้นวัตถุประสงค์ที่เป็นประโยชน์ ประเภทที่ซับซ้อนสามารถจัดระบบตามวิธีการแสดง:

1) แนวเพลงบรรเลง - ซิมโฟนิก, แชมเบอร์, ดนตรีเดี่ยว

2) แนวเสียงร้อง - การร้องประสานเสียง, ดนตรีทั้งมวล, เดี่ยวพร้อมดนตรีประกอบ

3) แนวเครื่องดนตรีและเสียงร้องแบบผสม - แคนทาทาส, oratorios

4) ประเภทละคร - โอเปร่า, บัลเล่ต์, โอเปเรตต้า ฯลฯ

สไตล์ดนตรี

สไตล์ดนตรี (จากภาษาละติน "สไตลัส" - แท่งเขียนนั่นคือวิธีการนำเสนอ) เป็นแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และประวัติศาสตร์ศิลปะที่รวบรวมความเป็นระบบของวิธีการแสดงออก ในด้านสุนทรียศาสตร์ ประเภทของสไตล์ปรากฏขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ซึ่งเกี่ยวข้องกับความแตกต่างของดนตรีมืออาชีพ ซึ่งก่อนหน้านี้เป็นดนตรีแนวลัทธิ ในศตวรรษที่ 17 สไตล์หมายถึงลักษณะของประเภทและโรงเรียนระดับชาติ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 มีการเพิ่มความหมายที่กว้างขึ้น - รูปแบบของยุคประวัติศาสตร์ (สไตล์โพลีโฟนิกและรูปแบบใหม่ - โฮโมโฟนิก - ฮาร์โมนิก) ในศตวรรษที่ 19 แนวคิดเรื่องสไตล์ได้รับความหมายแคบ ๆ นั่นคือสไตล์การเขียนของนักแต่งเพลงแต่ละคน ในศตวรรษที่ 20 เนื่องจากความแตกต่างที่ชัดเจนในบางครั้งระหว่างขั้นตอนต่างๆ ของงานของนักแต่งเพลงคนหนึ่ง สไตล์จึงเป็นตัวกำหนดช่วงระยะเวลาของงานของผู้แต่งหรืองานที่แยกจากกัน

แนวคิดของสไตล์ดนตรีมีความหมายเชิงประเมิน ซึ่งบ่งบอกถึงความสามัคคี ความสัมพันธ์เชิงอินทรีย์ของวิธีการแสดงออกของงาน ความสัมพันธ์ระหว่างแบบดั้งเดิมและนวัตกรรมในภาษาของนักแต่งเพลงแต่ละคน

แบบฟอร์มดนตรี

แนวคิดเรื่อง "รูปแบบ" ในดนตรีใช้ในความหมายหลายประการ:

1) ในฐานะหมวดหมู่สุนทรียศาสตร์และปรัชญา นั่นคือศูนย์รวมทางดนตรีของเนื้อหาหรือการจัดระเบียบแบบองค์รวมของวิธีการแสดงออกทางดนตรี (ทำนอง ความสามัคคี จังหวะ จังหวะ ฯลฯ ) ที่มุ่งเป้าไปที่การรวบรวมเนื้อหา นี่คือรูปแบบในความหมายที่กว้างที่สุดของคำ

2) เป็นแนวคิดทางดนตรีนั่นคือประเภทของการแต่งเพลงรูปแบบตาม Asafiev รูปแบบของการแต่งเพลง (เช่นรูปแบบโซนาต้าความทรงจำ ฯลฯ )

3) เป็นลักษณะเฉพาะตัวของงานดนตรี Asafiev: “ มีรูปแบบโซนาต้าเพียงรูปแบบเดียว แต่มีการสำแดงได้หลายรูปแบบพอ ๆ กับที่โซนาต้ามีรูปแบบในตัวมันเอง”