อะไรที่ทำให้ศิลปะสมัยใหม่แตกต่างจากคลาสสิก? ความแตกต่างระหว่างศิลปะและงานฝีมือคืออะไร?

จัสมิน, นักร้องเพลงป๊อปชาวรัสเซีย, พิธีกรรายการโทรทัศน์:

ทุกอย่างขึ้นอยู่กับแนวทางและทัศนคติของบุคคลต่อสิ่งที่เขาสร้างขึ้น งานฝีมือสามารถยกระดับเป็นศิลปะชั้นสูงได้หากผลงานแต่ละชิ้นถูกสร้างขึ้นด้วยจิตวิญญาณและความรัก ศิลปะและงานฝีมือล้วนเหมือนกัน กระบวนการสร้างสรรค์ต่างกันเพียงขนาดเท่านั้น และจะเกิดอะไรขึ้นในท้ายที่สุด - งานศิลปะหรืออะไรธรรมดา ๆ - ขึ้นอยู่กับว่าใครเป็นคนสร้างมันขึ้นมา งานฝีมือและศิลปะอาจมีขนาด สีผิว และชาติพันธุ์ที่แตกต่างกัน โหลดความหมายแต่ในความคิดของฉัน ความเข้าใจเรื่องความงามคือสิ่งที่รวมแนวคิดทั้งสองนี้เข้าด้วยกัน

ไอเรนา โปนารอชคู, พิธีกรรายการโทรทัศน์ , วีเจ :

ปัจจุบันผู้คนจำนวนมากมีส่วนร่วมในงานศิลปะ แต่คุณจะไม่พบช่างฝีมือดีในตอนกลางวันที่มีไฟ ผู้ที่สามารถพบได้จะถูกเรียกเก็บเงินจำนวนมากสำหรับงานของพวกเขา ดังนั้นผมจึงอยากแนะนำให้ทุกคนไปทำงานหัตถกรรมและอยู่ห่างจากงานศิลปะ เพราะสถานการณ์ที่นั่นตอนนี้ก็เหมือนกับการนั่งรถไฟใต้ดินในชั่วโมงเร่งด่วน มีคนมากมายและทุกคนก็หายใจไม่ออก ฝูงชนเดินขบวนภายใต้ธงของศิลปะร่วมสมัย โดยไม่รู้ว่าจะไปที่ไหน และนี่เกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ยานมีความน่าเชื่อถือและเป็นที่ต้องการมากขึ้น

วลาดิมีร์ คาปาเยฟผู้อำนวยการวงดนตรีคอซแซค "Krinitsa":

ศิลปะคือเมื่อคุณขนลุก บางทีบางสิ่งบางอย่างอาจไม่เสร็จสมบูรณ์ มันไม่สอดคล้องกัน มันไม่สอดคล้องกัน แต่สัมผัสได้ถึงจิตวิญญาณ แค่นั้นเอง อนิจจาตอนนี้เส้นแบ่งระหว่างแนวคิดทั้งสองนี้พร่ามัวและมักจะไม่ได้จับมือกันมากนัก แต่มีเป้าหมายเดียวกันนั่นคือสร้างรายได้ ศิลปะเต็มไปด้วยจิตวิญญาณและอารมณ์ มันดึงดูดคุณถึงแก่นแท้ ยานลำนี้มีความติดดินมากกว่าและตามกฎแล้วใช้งานได้จริง

อเล็กซานเดอร์ ร็อดเนียนสกี้, ผู้ผลิตภาพยนตร์:

ประการแรก ผลรวมของทักษะ ถ้าเราพูดถึงงานฝีมือค่ะ ทรงกลมทางวัฒนธรรมดังนั้นทักษะในการสื่อสารจึงมีความสำคัญที่นี่ และศิลปะคือการแปลความหมายผ่านปริซึมแห่งความเข้าใจของแต่ละบุคคล สมมติว่าศิลปะเป็นไปไม่ได้หากไม่ใช้งานฝีมือ แต่ไม่จำเป็นต้องใช้ลำดับย้อนกลับ - การมีอยู่ของงานฝีมือไม่ได้รับประกันว่าจะมีงานศิลปะอยู่

เซมยอน เลสคอฟ, ผู้ฝึกสอนธุรกิจ:

โดยทั่วไปแล้ว เหรียญเหล่านี้เป็นสองด้านของเหรียญเดียวกัน แม้ว่าในช่วงร้อยปีที่ผ่านมาพวกเขาจะห่างเหินกันมากก็ตาม งานฝีมือบ่งบอกถึงผลลัพธ์บางอย่าง ในขณะที่ศิลปะนั้นเป็นนามธรรมมากกว่า ช่างยากที่จะเอ่ยนาม คนที่มีความคิดสร้างสรรค์. แม้ว่ามันจะแตกต่างกันไป ฉันมาที่ตัวแทนจำหน่ายรถยนต์เพื่อซ่อมรถ และช่างซ่อมรถก็มองมาที่ฉันด้วยสายตาที่หวาดกลัว เขาสตาร์ทรถและคุณต้องเห็นหน้าเขาเมื่อเขาเริ่มฟังเสียงเครื่องยนต์ นายก็ฟังเขาด้วย ปิดตาราวกับว่าเป็นซิมโฟนีที่ 5 ของเบโธเฟน จากนั้น เมื่อเติมแก๊สเข้าไป การได้ยินของเขาก็คมชัดมากจนหูของเขาเริ่มขยับด้วยซ้ำ หลังจากฟังจบ พนักงานตัวแทนจำหน่ายรถยนต์จะวินิจฉัยปัญหารถยนต์ได้อย่างแม่นยำ ระดับสูงความเชี่ยวชาญสามารถเปลี่ยนงานใดๆ ให้เป็นงานศิลปะได้

ศิลปะในระบบวัฒนธรรม

“ศิลปะเป็นรูปแบบหนึ่งของวัฒนธรรมที่เกี่ยวข้องกับความสามารถของวัตถุในการควบคุมโลกแห่งชีวิตในเชิงสุนทรีย์ ทำซ้ำในลักษณะที่เป็นรูปเป็นร่างและเป็นสัญลักษณ์ โดยอาศัยทรัพยากร จินตนาการที่สร้างสรรค์» .

แต่เราสามารถพูดได้ว่าคำจำกัดความนี้เพียงพอที่จะแสดงถึงความหมายที่หลากหลายทั้งหมดที่มีอยู่ในงานศิลปะเพื่อจับความเฉพาะเจาะจงเฉพาะของปรากฏการณ์นี้... แน่นอนว่าคำตอบจะเป็นเชิงลบ โดยหลักการแล้วไม่มีคำจำกัดความใดที่สามารถตอบสนองทุกคนได้เนื่องจากแต่ละคนมีแนวคิดเกี่ยวกับศิลปะคุณค่าและวัตถุประสงค์เป็นของตัวเอง ความพยายามที่จะพูดถึงว่าศิลปะคืออะไรจะเป็นการแสดงออกถึงมุมมองที่เป็นอัตนัยอย่างยิ่ง และนี่คือหนึ่งในความแตกต่างที่สำคัญที่สุดระหว่างศิลปะกับปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมอื่นๆ ศิลปะแม้จะมีความไม่แน่นอนและเป็นส่วนตัวของการรับรู้ แต่เมื่อเข้ามาในชีวิตของบุคคลและไม่เคยทิ้งเขาไป จากศตวรรษสู่ศตวรรษ แม้ว่ามนุษย์จะนิยมปฏิบัตินิยมมากขึ้น แต่ความงามที่ไม่เห็นแก่ตัวของภาพวาดหรือดนตรียังคงน่าตื่นเต้น

วันนี้เป็นไปไม่ได้ที่จะตอบคำถามว่าทำไมคนถึงต้องการงานศิลปะอย่างแจ่มชัด บางคนแย้งว่าศิลปะมีอยู่เพื่อประดับประดาชีวิต - คนเหล่านี้พยายามอย่างต่อเนื่องเพื่อค้นพบความงามในฐานะกฎแห่งการดำรงอยู่ชั่วนิรันดร์ แท้จริงแล้ว ความงามเป็นกังวลกับผู้ชาย: เขาพยายามจับมันในธรรมชาติ ในผู้คนรอบตัวเขา ระบุเกณฑ์บางอย่าง แล้วบันทึกมัน ในประวัติศาสตร์ของศิลปะ เราสามารถพบ "พยาน" นับพันล้านคน (ภาพวาด ประติมากรรม ภาพขนาดย่อ บทกวี เพลง) ของการเผชิญหน้ากับความงามดังกล่าว บางคนเชื่อว่าศิลปะควรให้ความรู้แก่บุคคล - พวกเขามองหาความดี ผลประโยชน์ และความยุติธรรมในผลงาน และยังมีคนอื่นๆ ที่เชื่อว่าศิลปะเป็นหนทางหนึ่งในการทำความเข้าใจโลก ดังนั้นเป้าหมายของพวกเขาในงานศิลปะคือการค้นพบและการบันทึกความจริง ปรากฎว่าศิลปะสามารถตอบสนองความสนใจที่หลากหลายได้

อะไรคือความแตกต่างระหว่างศิลปะกับปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมอื่น ๆ ที่ทำให้บุคคลมีโอกาสตระหนักถึงความต้องการของตนเอง? คำตอบสำหรับคำถามนี้ควรหาได้จากความเชื่อมโยงที่แยกไม่ออกระหว่างศิลปะกับความเป็นจริง ชีวิตมนุษย์เต็มไปด้วยความแปรปรวน: คน ๆ หนึ่งพบว่าตัวเองถูกดึงดูดเข้าสู่การเปลี่ยนแปลงชั่วนิรันดร์ในความเป็นจริงภายนอกและโลกภายใน บุคคลสามารถมองหาวิธีปรับตัวหรือเอาชนะความแปรปรวนนี้ได้ ด้วยการสะสมและประยุกต์ความรู้ เขาสร้างโลกแห่งวัฒนธรรมรอบตัวเขา ปกป้องเขาจากธรรมชาติที่คาดเดาไม่ได้ ดังนั้นกิจกรรมของมนุษย์จึงกลายเป็นการต่อสู้เพื่อความอยู่รอด แต่มนุษย์ได้ค้นพบวิถีชีวิตที่แตกต่างออกไป ไม่ใช่เพื่อปรับตัวและต่อสู้กับความเป็นจริงที่อยู่รอบๆ แต่เพื่อเล่นกับมัน บุคคลเริ่มใช้ความสามารถในการเล่นซึ่งมีอยู่ในสัตว์ ไม่เพียงแต่เป็นวิธีการสอนบางสิ่งบางอย่างหรือถ่ายทอดความรู้ ฯลฯ แต่เป็นวิธีการอยู่ร่วมกันที่เป็นสากลของบุคคลกับโลกและผู้อื่น

ศิลปะเป็นรูปแบบสากลของโลกทัศน์ที่มีลักษณะเฉพาะของมนุษย์ ดังนั้นเราจึงสามารถกล่าวได้ว่าศิลปะเป็นวิธีหนึ่งที่มีเอกลักษณ์ในการแสดงออกถึงการดำรงอยู่ของมนุษย์ ความเฉพาะเจาะจงของวิธีการรับรู้ถึงบุคคลนี้คืออะไรที่เราจะพยายามค้นหา

เกณฑ์ในการกำหนดศิลปะนั้นแตกต่างกัน ขึ้นอยู่กับลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมที่ศิลปินสร้างขึ้น สถานที่และเวลาของการสร้างสรรค์และการรับรู้ของผลงาน

ในความหมายกว้างๆ แนวคิดของ “ศิลปะ” ใช้ในสองความหมาย:

1. ศิลปะ คือ ทักษะ ทักษะ ทักษะ ความชำนาญ การประเมินความสามารถในการปฏิบัติงานใดๆ ในระดับสูง นี่เป็นวิธีที่พวกเขาประเมินบุคคลที่ไม่เพียงแต่ทำงานอย่างมืออาชีพเท่านั้น แต่ยังทำงานอย่างสวยงาม ง่ายดาย หรือด้วยวิธีที่ได้รับแรงบันดาลใจเป็นพิเศษอีกด้วย ดังนั้นภารโรงที่โปรยใบไม้สามารถรู้สึกถึงตัวเองหรือถูกคนอื่นมองว่าเป็นกวี

2. ศิลปะเป็นกิจกรรมสร้างสรรค์ที่มุ่งสร้างสรรค์ผลงานศิลปะและรูปแบบที่แสดงออกทางสุนทรียศาสตร์

หากคุณรวมสองค่านี้เข้าด้วยกัน คุณจะได้คำจำกัดความต่อไปนี้:

ศิลปะเป็นกิจกรรมทางศิลปะที่อาศัยทักษะและทักษะ

ประเพณีของการทำความเข้าใจศิลปะในฐานะทักษะและทักษะที่พัฒนาขึ้นมาในสมัยโบราณ เมื่อมีการกำหนดแนวคิดพื้นฐานเช่น Poesis, Mimesis, Techne

แนวคิดแรก Poesis หมายถึง การกระทำที่สร้างสรรค์โดยอาศัยแรงบันดาลใจ เงื่อนไขที่สำคัญที่สุดในการสร้างสรรค์หรือรับรู้งานศิลปะคือ เงื่อนไขพิเศษ. ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่โครงเรื่องของกวีหรือศิลปินที่มาเยี่ยมชม Muse ซึ่งเป็นภาพสัญลักษณ์แห่งแรงบันดาลใจนั้นเป็นเรื่องธรรมดาในวัฒนธรรมศิลปะโลก:

ข้าพเจ้าตั้งใจฟังบทเรียนของหญิงสาวผู้เป็นความลับ

และทำให้ฉันดีใจด้วยรางวัลสุ่ม

ปัดลอนออกจากคิ้วน่ารัก

เธอเอาท่อไปจากมือของฉัน:

ต้นกกฟื้นคืนชีพด้วยลมหายใจอันศักดิ์สิทธิ์

และเติมเสน่ห์ศักดิ์สิทธิ์ให้ใจฉัน

A. S. Pushkin "Muse" ดังนั้นสถานะของแรงบันดาลใจที่มีประสบการณ์ในลักษณะที่ "ไม่มีที่ไหนเลย" ของสิ่งใหม่นั้นโดดเด่นด้วยการเปิดกว้างเป็นพิเศษต่อโลกและความพร้อมสำหรับการสนทนาที่สร้างสรรค์ทั้งกับความเป็นจริงและด้วยความรู้สึกของตัวเอง ความเป็นจริงนี้

ลักษณะเชิงโต้ตอบของศิลปะยังแสดงออกมาในแนวคิดที่สองด้วย Mimesis แปลว่า "การเลียนแบบธรรมชาติ" ตามความเชื่อของชาวกรีกโบราณ มนุษย์ไม่สามารถประดิษฐ์สิ่งที่ไม่มีอยู่ในธรรมชาติได้ ดังนั้นในงานศิลปะเขาทำได้เพียงเลียนแบบเท่านั้น

แนวคิดที่สาม Techne คือ งานฝีมือ วิทยาศาสตร์ ความชำนาญ ความประณีต ความสมบูรณ์ ความคิดจะค้นพบการแสดงออกและรูปลักษณ์เฉพาะเมื่อปรมาจารย์รวบรวมมันไว้ในวัสดุและทุ่มเทความพยายามในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ

ดังนั้น ศิลปะจึงถูกมองว่าเป็นการกลับคืนสู่ธรรมชาติอย่างต่อเนื่อง ซึ่งเป็นบทสนทนากับโลกที่ศิลปินอาศัยอยู่:

ต่อมาศิลปะเริ่มถูกเข้าใจว่าเป็นกิจกรรมสร้างสรรค์ที่มุ่งทำความเข้าใจและเปลี่ยนแปลงโลกโดยรอบตามกฎแห่งความงาม ดูเหมือนว่าคำว่า "ตามกฎแห่งความงาม" จะแยกแยะศิลปะออกจากความคิดสร้างสรรค์ประเภทอื่น ตัวอย่างเช่น ในทางวิทยาศาสตร์ ความคิดสร้างสรรค์เกิดขึ้นตามกฎแห่งตรรกะและเหตุผล แต่ในวัฒนธรรมประเพณีที่แตกต่างกัน แนวคิดเรื่องความงามมีการกำหนดไว้แตกต่างกัน: สิ่งที่ดูสวยงามสำหรับคนในศตวรรษที่ 17 นั้นดูน่าเกลียดสำหรับคนสมัยใหม่ นอกจากนี้บ่อยครั้งที่ศิลปินจงใจไม่หันไปหาสิ่งที่ "สวยงาม" แต่แสดงทัศนคติต่อโลกผ่าน "ความน่าเกลียด" ดังนั้นหากเรามองว่าศิลปะเป็นช่องทางในการเก็บภาพความงาม ศิลปะก็ไม่มีความหมายใดๆ ทั้งสิ้น

เป็นไปไม่ได้เช่นกันที่จะนิยามศิลปะว่าเป็นการแสดงออกถึงทัศนคติส่วนบุคคลของศิลปินเท่านั้น ท้ายที่สุดมีหลายครั้งที่ศิลปินเป็นตัวแทนของโลกทัศน์ที่ไม่ใช่ส่วนตัว แต่เป็นโลกทัศน์สาธารณะ: มันก็เพียงพอแล้วที่จะระลึกถึงวัดยุคกลางที่สวยงามที่สร้างขึ้นตามศีลบางอันไอคอนที่เคยเป็นและยังคงถูกวาดตามศีลที่ยึดถือ หรือ "ภาพเหมือน" ของฟาโรห์ในอียิปต์โบราณทั่วไป ประการแรก ศิลปะดังกล่าวเป็นศิลปะแห่งประเพณี และประการที่สอง ศิลปะแห่งความริเริ่มสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล วิธีการและเทคนิคทั้งหมดของศิลปะรัสเซียโบราณหรืออียิปต์โบราณได้รับการออกแบบมาเพื่อแสดงความเป็นนิรันดร์และไม่เปลี่ยนแปลงของสิ่งที่เกิดขึ้นและพรรณนา นี่เป็นยุคของศีลที่ยิ่งใหญ่! ยุคสมัยที่ไม่ได้นำชื่อศิลปินหรือสถาปนิกมาให้เราเลย สถาปนิกคนหนึ่งที่วางชื่อของเขาไว้ที่ใดที่หนึ่งบนหลังคาอาสนวิหารเสี่ยงต่อการถูกไฟไหม้จากการสืบสวน ยุคสมัยเปลี่ยนไป ทุกวันนี้จะไม่มีใครส่งศิลปินไปร่วมลงนามเพื่อขอลายเซ็น อย่างไรก็ตาม ประเพณีนี้ยังคงดำเนินต่อไปจนถึงทุกวันนี้: เราจะไม่สามารถค้นหาชื่อหรือเวลาในการสร้างไอคอนที่มาจากเวิร์คช็อปการวาดภาพไอคอนของอาราม Novotikhvinsky ใน Yekaterinburg หรืออารามอื่น ๆ ในรัสเซีย - หลังจากนั้น ไอคอนไม่ได้ถูกสร้างขึ้นโดยมนุษย์ แต่โดยพระเจ้าด้วยมือของมนุษย์ ศีลที่ผ่านความเข้าใจของแต่ละบุคคลไม่อดกลั้น แต่นำทางศิลปินไปตามเส้นทางแห่งการแสดงอุดมคติสากลหรือความรู้นิรันดร์แนวคิดเกี่ยวกับโลกและมนุษย์

เนื่องจากประสิทธิผลของวิธีการถ่ายทอดความคิดในฐานะศิลปะ ในเวลาที่แตกต่างกัน มีคนพยายามนำศิลปะมาใช้เพื่อประโยชน์ของตน เป็นเวลานานมากแล้วที่ศิลปะได้พิสูจน์สิทธิในความเป็นอิสระจากการเมือง ศีลธรรม วรรณกรรม และอื่นๆ อย่างไรก็ตาม ไม่มีปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมใดในรายการที่สามารถพิชิตศิลปะได้อย่างสมบูรณ์ ธรรมชาติของศิลปะไม่อนุญาตให้ใช้ภาษาเพื่อสื่อถึงปรัชญา ศาสนา หรือศิลปะสำเร็จรูป ความคิดทางการเมือง. แนวความคิดเหล่านี้ยังคงเปลี่ยนแปลงไปในขอบเขตของศิลปะไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ได้รับการตีความ และถูกระบายสีทางอารมณ์โดยขึ้นอยู่กับศิลปิน

ดังนั้น หลักเกณฑ์สากลเดียวที่กำหนดความเฉพาะเจาะจงของศิลปะในฐานะรูปแบบของวัฒนธรรมก็คือ ความคิดใดๆ ก็ตาม โดยไม่คำนึงถึงเนื้อหา จะถูกแสดงออกผ่านภาพลักษณ์ทางศิลปะและด้วยวิธีทางศิลปะ ด้วยเหตุนี้เองที่งานศิลปะกลายเป็นกิจกรรมเฉพาะ แตกต่างจากกิจกรรมทางวัฒนธรรมรูปแบบอื่นๆ

ศิลปะสร้างขึ้นหรือรับรู้โดยใครและที่ไหนก็ตาม ล้วนสร้างพื้นที่พิเศษขึ้นมา แท้จริงแล้วรูปลักษณ์และการดำรงอยู่ของศิลปะที่พบได้บ่อยที่สุดอย่างหนึ่งคือเวอร์ชันของศิลปะที่เป็นการตกแต่งของชีวิต: ความเป็นจริงในชีวิตประจำวันสีเทาจะเปลี่ยนไปทันทีที่เราได้ยินเพลงโปรดของเรา และรั้วคอนกรีตสีเทาพอ ๆ กันก็ทำให้ตาพอใจเมื่อ แทนที่จะเป็นเสื่อ ภาพวาดกราฟฟิตีของจริงก็ปรากฏบนนั้น หนังสือของ Lewis Carroll เรื่อง "Alice's Adventures in Wonderland" เป็นการยืนยันเวอร์ชันนี้: นางเอกเข้าสู่โลกมหัศจรรย์ที่วัตถุเปลี่ยนขนาดและฟังก์ชั่นตามปกติผ่าน หลุมกระต่ายได้เอาชนะขอบเขตบางอย่างที่แยกความเป็นจริงสองอย่างออกจากกัน

พื้นที่ทางศิลปะเต็มไปด้วยขอบเขตต่างๆ เช่น เวทีละคร กรอบรูป จอโทรทัศน์ หน้าแรกของหนังสือ และอื่นๆ ทั้งหมดนี้ ตัวแปรที่แตกต่างกันขอบเขตของตัวละครและ โลกแห่งความจริง. ดังนั้นเราจึงสามารถพูดคุยเกี่ยวกับการมีอยู่ของความหมายหลายประการของแนวคิดเรื่อง "การกำหนดเขต" ของสถานที่ซึ่งมีศิลปะอยู่ ให้เราพิจารณาขอบเขตเหล่านี้โดยใช้ตัวอย่างของโรงละครเป็นพื้นที่พิเศษซึ่งมีขอบเขตพันกันจำนวนสูงสุดที่เป็นไปได้

สิ่งแรกคือ "การแบ่งเขต" ที่แท้จริง: โรงละครในฐานะอาคารซึ่งเป็นชุดของวัตถุฉาก สถานที่ให้บริการ และห้องโถง เป็นสถานที่ที่มีขอบเขตที่แท้จริงที่แยกสถานที่นี้ออกจากที่อื่น

ประการที่สองคือ "การแบ่งเขต" ทางวัฒนธรรม: บุคคลที่มาโรงละครโดยมองว่าเป็นสถาบันทางวัฒนธรรมที่บังคับใช้กฎหมายบางประการ แบบเหมารวมด้านพฤติกรรม และประเพณี บรรทัดฐานและแบบแผนของพฤติกรรมทั้งหมดนี้ได้รับการออกแบบมาเพื่อปกป้องความเป็นจริงทางศิลปะจากความเป็นจริงของ "ผู้มีมารยาทไม่ดี" หอประชุมจากผู้ชมที่กำลังคุยโทรศัพท์ ห่อขนมที่ส่งเสียงกรอบแกรบ แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้น และอื่นๆ โรงละครใน ในกรณีนี้ทำหน้าที่เป็นพื้นที่วัฒนธรรมปิดพิเศษพร้อมระบบกฎเกณฑ์การปฏิบัติภายใน ในกระบวนการของการศึกษา บุคคลเรียนรู้ที่จะปรับพฤติกรรมของเขา ขึ้นอยู่กับว่าเขาอยู่ที่ไหนในคอนเสิร์ตร็อคหรือรายการวาไรตี้ ในละครสัตว์หรือในโรงละคร

ประการที่สามคือ "การแบ่งเขต" ทางศิลปะ: โรงละครเป็นสถานที่ซึ่ง "ชีวิตถือกำเนิด" ในรูปแบบของการแสดง ตลอดระยะเวลาของการแสดงกลับกลายเป็น "แบ่งเขตจากส่วนอื่น ๆ ของโลก" เนื่องจากประสบการณ์ ของภาพศิลปะในพื้นที่ศิลปะของผู้ชมและนักแสดง ดังนั้น การแบ่งเขตในโรงละครทำให้สามารถทำงานพร้อมกันในฐานะพื้นที่ทางสถาปัตยกรรมที่แท้จริง และพื้นที่วัฒนธรรมที่มีโครงสร้างแบบลำดับชั้น และพื้นที่ทางศิลปะ - และโดยทั่วไปเป็นพื้นที่ที่จัดโครงสร้าง การดำรงอยู่ของมนุษย์ในวัฒนธรรม

ขอบเขตที่มีอยู่ทั้งหมดที่บุคคลเอาชนะก่อนที่จะพบกับงานศิลปะ (ไม่ว่าจะเป็นการแสดง ภาพวาด โครงสร้างทางสถาปัตยกรรม หรือหนังสือ) มีวัตถุประสงค์ไม่เพียงแต่เพื่อแยกแยะการปฏิบัติทางศิลปะของบุคคลว่าแยกจากกิจกรรมประจำวันของเขาเท่านั้น แต่ยังเพื่อเตรียมความพร้อมด้วย สำหรับกิจกรรมพิเศษประเภทนี้ แต่หากมาชมละครและปฏิบัติตามกฎกติกาการเข้าชมละครก็ไม่ใช่เรื่องยากสำหรับผู้มีประสบการณ์ชมละครมากพอแล้วจึงเจาะลึกถึง “ความเป็นจริง” ของการแสดงและงานศิลปะใดๆ อย่างแท้จริง สิ่งที่ยากที่สุดสำหรับบุคคลโดยไม่คำนึงถึงอายุหรือประสบการณ์ บ่อยครั้งที่ประสบการณ์หลายปีอาจรบกวนเมื่อบุคคลไม่สามารถรับรู้งานศิลปะชิ้นใดชิ้นหนึ่งได้โดยตรงเหมือนเด็กซึ่งส่งผลต่อปริมาณความสุขที่ได้รับ

ความสามารถในการเอาชนะขอบเขตระหว่างการรับรู้โลกกับการรับรู้ของศิลปินนั้นเกี่ยวข้องโดยตรงกับความคล่องตัวของโลกภายในของบุคคล กับความสามารถของเขาในการตอบสนองต่ออิทธิพลและการเปลี่ยนแปลงภายนอก การเปลี่ยนแปลงไม่เพียงแต่เกี่ยวกับงาน ผู้แต่ง หรือสไตล์เท่านั้น แต่ยังเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมโดยรวมด้วย ดังนั้น "การกำหนดเขต" จึงเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับกระบวนการของการเอาชนะขอบเขต: บุคคลที่เข้าสู่พื้นที่ของการดำรงอยู่ของศิลปะทำการเปลี่ยนแปลงการปฏิบัติทางจิตวิญญาณและทางกายภาพในชีวิตประจำวันซึ่งจำเป็นอย่างยิ่งสำหรับการพัฒนาพื้นที่ใหม่และระดับของวัฒนธรรม และเป็นผลให้บุคคลนั้นได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น

อย่างไรก็ตาม ไม่สามารถเอาชนะเขตแดนที่แบ่งระหว่างโลกแห่งจินตนาการและโลกแห่งความจริงได้อย่างสมบูรณ์ ไม่เช่นนั้นจะนำไปสู่การละเมิดพื้นที่ทางศิลปะและการสูญหายของศิลปะ เป็นสิ่งสำคัญมากสำหรับผู้บริโภคผลิตภัณฑ์ที่มีวัฒนธรรมทางศิลปะที่จะเข้าใจว่าผลิตภัณฑ์นี้ไม่ใช่ความเป็นจริง แต่เป็นเพียงวิสัยทัศน์ของความเป็นจริงของผู้เขียนเท่านั้น ผู้ชมที่ไม่รู้วิธีทำงานกับขอบเขตนี้อาจเข้าใจผิดว่าเกมคือความเป็นจริงและมีปฏิกิริยาที่ไม่เหมาะสมกับงานศิลปะ เช่น ขว้างบางสิ่งใส่นักแสดงที่เล่นเป็นตัวละครเชิงลบ หรือขว้างกรดไปที่ภาพ

ความสามารถในการทำงานอย่างมีประสิทธิภาพกับขอบเขตทุกประเภทที่อธิบายไว้เป็นตัวบ่งชี้ระดับ วัฒนธรรมทางศิลปะบุคลิกภาพความสามารถในการเข้าสู่บทสนทนาทางศิลปะ และนี่ก็เป็นอย่างมาก ด้านที่สำคัญหัวข้อนี้เนื่องจากศิลปะเป็นการสื่อสารโดยธรรมชาติ ผลงานที่สร้างขึ้นจะถูกส่งถึงบุคคลหรือผู้ชมเสมอ และแม้ว่าศิลปินอาจจงใจใช้จุดยืนว่า "ฉันไม่ต้องการผู้ชม แต่ฉันสร้างเพื่อตัวเอง" แต่ก็ยังมีความหวังเสมอว่าผลงานของพวกเขาจะได้เห็นแสงสว่างของวัน ดังนั้นท่าทางดังกล่าวจึงไม่มีอะไรมากไปกว่าความเจ้าเล่ห์ งานศิลปะที่คนไม่สามารถมองเห็นได้นั้นตายไปแล้ว

การรับรู้ต่องานศิลปะมักเป็นเพียงบทสนทนา ไม่ใช่การสื่อสาร หากในกระบวนการสื่อสารข้อมูลเคลื่อนไปในทิศทางเดียวจากผู้เขียนไปยังผู้ชมและในบทสนทนาทั้งสองฝ่ายมีส่วนร่วมในการแลกเปลี่ยนความคิดเห็น

บทสนทนาทางศิลปะคือความสัมพันธ์ที่เกิดขึ้นระหว่างผู้เข้าร่วมในกระบวนการสร้างสรรค์ร่วมทางศิลปะและการรับรู้ทางศิลปะ ซึ่งเป็นบทสนทนาประเภทหนึ่งที่มีการถ่ายทอดข้อมูลทางศิลปะ ในกรณีนี้ งานศิลปะจะกลายเป็นตัวกลางระหว่างผู้เขียนและผู้ดูซึ่งเป็นผู้เขียนร่วมด้วย

การสื่อสารทางศิลปะสามารถ "โดยตรง" ได้: เมื่อผู้เขียนและผู้ดู "สื่อสาร" โดยตรง และเวลาของการสร้างสรรค์และการรับรู้ของงานเกิดขึ้นพร้อมกัน ตัวอย่างเช่น ละครเป็นศิลปะที่สร้างขึ้นต่อหน้าต่อตาผู้ชมเท่านั้น ซึ่งทุกวินาทีขึ้นอยู่กับอารมณ์ของนักแสดงและปฏิกิริยาโต้ตอบของผู้ชมในทันที ซึ่งรับประกันความ “รวดเร็ว” ของการสื่อสารทางศิลปะ ระหว่างนักแสดงและผู้ชมมีเพียงทางลาดและมีคนหลายแถวนั่งอยู่ข้างหน้าเท่านั้น และในบรรยากาศของโรงละคร เวทีเล็กทางลาดถูกทำลาย และผู้ชมจะได้รับโอกาสเข้าใกล้ให้มากที่สุด ความเป็นจริงทางศิลปะประสิทธิภาพการทำงานและแม้กระทั่งพบว่าตัวเองอยู่ข้างในนั้น เวลาของการสร้างสรรค์และการรับรู้ผลงานยังรวมอยู่ในละครสัตว์ ในคอนเสิร์ต ในการแสดงประเภทต่างๆ เมื่อผู้ชมปรากฏตัวโดยตรงในช่วงเวลาที่มีสิ่งใหม่เกิดขึ้นและสามารถมีอิทธิพลต่อกระบวนการได้

แต่การสื่อสารทางศิลปะอาจเป็นทางอ้อมมากกว่า: ผู้แต่งและผู้ดูถูกแยกออกจากกันตามเวลาและสถานที่ ตัวอย่างเช่น ไม่ว่าเราจะมีชีวิตอยู่ในศตวรรษที่ 21 แค่ไหน ก็อยากจะสื่อสารกับชายผู้บ้าคลั่งอย่าง Vincent Van Gogh มากแค่ไหน ก็เป็นไปไม่ได้!

อย่างที่คุณเห็น การสื่อสารทางศิลปะไม่ได้ถูกกำหนดโดยเวลาและพื้นที่เท่านั้น แต่ยังขึ้นอยู่กับลักษณะเฉพาะของงานศิลปะประเภทต่างๆ ด้วย ซึ่งแต่ละประเภทสื่อถึงภาษาของตัวเอง วิธีการจัดบทสนทนาและพื้นที่ของตัวเอง

ภายในงานศิลปะประเภทต่างๆ เช่น สถาปัตยกรรม ประติมากรรม ภาพยนตร์ จิตรกรรม ภาพทางศิลปะได้รับการแก้ไขอย่างเข้มงวดในวัสดุ และที่นี่คุณสามารถสังเกตทั้งข้อดีและข้อเสียของการแนบกับวัสดุดังกล่าวได้ ในด้านหนึ่ง ยิ่งงานศิลปะขึ้นอยู่กับวัสดุมากเท่าใด การเปลี่ยนแปลงก็จะน้อยลงเท่านั้น เป็นไปไม่ได้ที่จะเสนอให้ผู้กำกับ Andrei Tarkovsky เปลี่ยนแปลงบางสิ่งในภาพยนตร์ของเขาเพื่อโต้แย้งกับเขา ไม่เพียงเพราะผู้กำกับคนนี้ไม่ได้มีชีวิตอยู่อีกต่อไป แต่ยังเป็นเพราะภาพยนตร์ได้รับการแก้ไขและฟังแล้ว อีกทั้งเราไม่สามารถเรียกร้องให้เปลี่ยนสัดส่วนของหุ่นวีนัส เดอ มิโล ได้ “เนื่องจากมาตรฐานความงามที่เปลี่ยนแปลงไป ร่างกายของผู้หญิง- นั่นคงจะเป็นเรื่องไร้สาระ แต่ในทางกลับกัน การทำลายวัตถุจะนำไปสู่ความตายของวัตถุนั้นเอง ภาพศิลปะ. มีการสูญเสียที่ไม่อาจแก้ไขได้มากมายในวัฒนธรรมโลก: ภาพวาดที่สูญหายไปในความขัดแย้งทางทหารและด้วยน้ำมือของผู้ที่มีความวิกลจริต, โบสถ์ที่ถูกทำลาย, ประติมากรรมที่ถูกทำลาย ในแง่นี้ วลี “ต้นฉบับไม่ไหม้!” กลายเป็นเงื่อนไขอย่างมาก

มีงานศิลปะที่ความผูกพันกับวัสดุเฉพาะลดลงจนเกือบเหลือน้อยที่สุดซึ่งสามารถเปลี่ยนแปลงได้ขึ้นอยู่กับผู้ชม แต่พวกเขายังพบว่าตัวเองไม่สามารถต้านทานเวลาได้อีกด้วย ตัวอย่างเช่น เป็นไปได้ที่จะใส่ความหมายใหม่ลงในบทละครของเช็คสเปียร์เรื่อง "Hamlet" และตามกฎแล้ว ผู้กำกับทุกคนที่เคยสร้างละครเรื่องนี้ได้แสดงแนวคิดที่ทันสมัยและเกี่ยวข้องกับเขาในเวลาของเขา และประเทศ เขาสามารถแต่งตัวแฮมเล็ตด้วยกางเกงยีนส์ บังคับให้เขาเล่นแซกโซโฟน แต่ในขณะเดียวกัน เขาก็ไม่ได้เปลี่ยนข้อความของเช็คสเปียร์แม้แต่บรรทัดเดียว ในบทละคร แฮมเล็ตสามารถดำรงอยู่ได้ในรูปแบบข้อความที่เป็นลายลักษณ์อักษรหรือคำพูด ซึ่งสามารถรวมอยู่ในบทละครหรือภาพยนตร์ได้

ศิลปะรูปแบบหนึ่งที่ "จับต้องไม่ได้" ที่สุดคือดนตรี เสียงดังขึ้นและมันก็ไม่อยู่ที่นั่นอีกต่อไป! ดังนั้นเพลงที่ไม่ได้ถอดเสียงเป็นโน้ตจึงอาจไม่สามารถรักษาไว้ได้เมื่อเวลาผ่านไป แต่ดนตรีก็มีข้อได้เปรียบเหนืองานประติมากรรมชิ้นเดียวกัน ดังนั้นประติมากรจึงบันทึกการตีความภาพ "ครั้งเดียวและตลอดไป" ของเขาเองไว้ในวัสดุ ผู้ชมที่กำลังใคร่ครวญรูปปั้นนี้ต้องเผชิญกับภาพที่มองเห็นได้และจินตนาการของเขากลับกลายเป็นรองจากวิสัยทัศน์ของประติมากร ในเพลงชิ้นเดียวกัน ผู้ฟังสองคนสามารถได้ยินความคิดหรืออารมณ์ที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง จินตนาการของพวกเขาถูกจำกัดด้วยบุคลิกภาพของตัวเองเท่านั้น ดังนั้นดนตรีแนวนามธรรมจึงมักเข้าถึงตัวบุคคลมากกว่าภาพประติมากรรมที่มองเห็นได้สำเร็จรูป คุณสามารถยกตัวอย่างต่อไปนี้: คน ๆ หนึ่งไปดูหนังเพื่อดูหนังที่ดัดแปลงมาจากหนังสือที่เขาเพิ่งอ่านและตระหนักว่าเขาจินตนาการทุกอย่างแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ความจริงก็คือ ยิ่งงานศิลปะช่วยให้ผู้ชมได้คิดไตร่ตรองมากเท่าไร ผู้ชมก็จะยิ่งมีความสุขมากขึ้นเท่านั้น

อย่างไรก็ตาม ขอให้เรากลับมาพิจารณาถึงลักษณะเฉพาะของบทสนทนาทางศิลปะอีกครั้ง สามารถแสดงได้เป็นแผนผังดังนี้:

ภาพทางศิลปะที่ถ่ายในงานนี้ถือเป็นคำกล่าวของผู้เขียนที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อผู้ชม ดังนั้นปัญหาในการทำความเข้าใจภาษาจึงเป็นสิ่งสำคัญที่สุดประการหนึ่ง ในการสื่อสารระหว่างบุคคลปัญหาความเข้าใจผิดของอีกฝ่ายมักเกิดขึ้น: แม้ว่าผู้คนจะอยู่ใกล้ ๆ และมีเงื่อนไขที่เอื้ออำนวยที่จะเข้าใจซึ่งกันและกัน แต่ความเข้าใจก็อาจยังไม่เกิดขึ้น ในเงื่อนไขของบทสนทนาทางศิลปะ ผู้ดูสามารถพยายามทำความเข้าใจผู้เขียนผ่านงานที่เขาทิ้งไว้เท่านั้น ดังนั้นเส้นทางสู่ความเข้าใจจึงซับซ้อนมากขึ้น ผู้ที่มีประสบการณ์น้อยในการสื่อสารกับงานศิลปะเมื่อต้องเผชิญกับสิ่งใหม่ๆ ภาษาศิลปะเริ่มรับรู้ว่างานเป็นคู่ต่อสู้ของเขา การปฏิเสธสิ่งที่ไม่ทราบนั้นเป็นปฏิกิริยาทางจิตวิทยาตามธรรมชาติ “ การปกป้อง” บุคคลเริ่ม“ ต่อสู้” งานโดยรับตำแหน่ง“ ความเข้าใจผิดและไม่เต็มใจที่จะเข้าใจ” นอกจากปัจจัยของการขาดประสบการณ์ของผู้ชมแล้ว ยังมีปัจจัยในการทำความคุ้นเคยกับภาษาศิลปะด้วย ตัวอย่างเช่นในยุค 60-70 ในศตวรรษที่ 19 ศิลปินปรากฏตัวที่ไม่พอใจกับภาษาที่สมจริงอีกต่อไป พวกเขาพัฒนาสไตล์ของตัวเองและได้รับชื่อ "อิมเพรสชั่นนิสต์" - C. Monet, P. Renoir, P. Signac, E. Degas และคนอื่น ๆ อย่างไรก็ตาม ประชาชนยังไม่คุ้นเคยกับภาพวาดของตน การวิจารณ์ตกอยู่ที่นิทรรศการของพวกเขา เวลาผ่านไปหลายปีและอิมเพรสชั่นนิสต์จะขายผลงานของพวกเขาได้สำเร็จและศิลปินหน้าใหม่จะเข้ามาแทนที่ "คนนอกรีต": V. Van Gogh, J. Seurat, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec และคนอื่น ๆ

ดังนั้น วิสัยทัศน์ของผู้เขียนแต่ละคนอาจไม่ตรงกับวิสัยทัศน์ของโลกของเรา ยิ่งเป็นงานศิลปะที่น่าดึงดูดใจสำหรับเรามากขึ้นเท่านั้น ในทางกลับกันวัฒนธรรมทางศิลปะช่วยให้บุคคลเรียนรู้ที่จะเข้าใจภาษาศิลปะต่างๆ ด้วยการสะสมประสบการณ์ในการสื่อสารกับงานศิลปะ บุคคลจะค่อยๆ เชี่ยวชาญภาษาของสี เส้น ดนตรี ท่าทาง และอื่นๆ ซึ่งช่วยให้เขารับรู้งานศิลปะใหม่ๆ อย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น ดังนั้นคุณสามารถเรียนรู้ได้ ภาษาดนตรีและภาษา จิตรกรรมนามธรรมคุณสามารถเรียนรู้กระบวนการรับรู้ภาษาของผู้เขียนคนใดก็ได้ ด้วยการเรียนรู้ภาษาศิลปะ บุคคลจะเข้าสู่เส้นทางแห่งความเข้าใจซึ่งกันและกัน และไม่แยกจากผู้อื่น และด้วยเหตุนี้ การดำรงอยู่ของเขาในวัฒนธรรมจึงมีความหลากหลายมากขึ้น และการตระหนักรู้ในตนเองมีหลายแง่มุมมากขึ้น

ภายในกรอบของวัฒนธรรมทางศิลปะ บุคคลนั้นเชี่ยวชาญเทคนิคต่างๆ ในการสื่อสารทางศิลปะ และในขณะเดียวกันเขาก็พัฒนา:

1. ความจำเป็นในการสื่อสารทางศิลปะ ซึ่งเป็นนิสัยแปลก ๆ ที่ก่อให้เกิดแรงจูงใจในการสื่อสาร แรงจูงใจอาจเป็นความปรารถนาที่จะสัมผัสกับอารมณ์ใด ๆ: อันเป็นผลมาจากการตระหนักถึงความปรารถนานี้บุคคลจึงพัฒนา "สิ่งที่แนบมา" การตั้งค่าในงานศิลปะบุคคลรวบรวมภาพยนตร์เรื่องโปรดของเขาในไลบรารีโฮมวิดีโอของเขาหรือรวบรวมบันทึกเพลงที่เขาชื่นชอบ และไปดูคอนเสิร์ตใหม่ๆ ของกลุ่มนี้ทุกครั้ง แรงจูงใจไม่เพียงแต่เป็นความปรารถนาที่จะได้รับบางสิ่งบางอย่าง (อารมณ์ ความคิดใหม่) เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความปรารถนาที่จะแสดงตัวตนโดยการสร้างวัตถุทางศิลปะบางอย่างที่มีความคิดหรือความรู้สึกรวมอยู่ในนั้น และด้วยเหตุนี้จึงกำหนดตัวเองในวัฒนธรรม แรงจูงใจทั้งสองที่อธิบายไว้ทำให้ศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ที่มีอยู่ในตัวแต่ละคนเกิดขึ้นจริง

2. ทัศนคติต่อการสื่อสารที่พัฒนาขึ้นก่อนเริ่มการติดต่อทางศิลปะ ในกระบวนการเสวนาเชิงศิลปะ ฉากอาจมีบทบาทเชิงบวก โดยปรับผู้ดูให้เป็นภาษาศิลปะและวิธีการสื่อสารบางอย่าง แต่ก็อาจรบกวนได้เช่นกัน ก็เพียงพอแล้วที่จะจินตนาการถึงสถานการณ์ตามเงื่อนไขต่อไปนี้: ผู้ที่รักดนตรีคลาสสิกผู้สูงอายุไปชมคอนเสิร์ตซึ่งเป็นรายการที่สัญญาว่าจะแสดงผลงานของวากเนอร์ แต่บังเอิญเธอไปจบลงที่คอนเสิร์ตของกลุ่ม “The Untouchables” บางทีหากเธอเตรียมพร้อมสำหรับการเปลี่ยนแปลงดังกล่าวเธอคงจะสามารถรับรู้เพลงนี้ได้ แต่เนื่องจากทัศนคติที่มีต่อวากเนอร์นางเอกของเราจึงน่าจะตกใจมาก

3. ทักษะการสื่อสารซึ่งมีพื้นฐานมาจากการเรียนรู้ภาษาศิลปะ: ความสามารถในการใช้ภาษาขึ้นอยู่กับประเภทและประเภทของงานศิลปะ + ความเข้าใจในแรงจูงใจของผู้เขียน

4. ความยืดหยุ่นของจิตสำนึกและความทรงจำทางศิลปะ

5. การสร้างทัศนคติเชิงคุณค่าต่องานศิลปะ

6. ความสามารถในการสร้างความเหมือนกันของโลกฝ่ายวิญญาณและโลกของผู้เขียน

ดังนั้น ยิ่งระดับของวัฒนธรรมทางศิลปะสูงขึ้นเท่าใด บุคคลก็ยิ่งมีความสามารถในการสร้างสรรค์และสร้างสรรค์กิจกรรมร่วมกันได้มากขึ้นเท่านั้น เขาก็จะยิ่งเปิดกว้างมากขึ้นในการติดต่อโต้ตอบกับโลกของบุคคลอื่น ซึ่งแสดงออกมาใน งานศิลปะและชีวิตของแต่ละคนก็มีความหลากหลายมากขึ้น จากที่กล่าวมาข้างต้น มีความจำเป็นต้องกำหนดหน้าที่ของศิลปะในชีวิตมนุษย์และกระบวนการดำรงอยู่ของวัฒนธรรมโดยรวม

ตลอดประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก ศิลปะเป็นระบบการสะสมที่เฉพาะเจาะจง

และการถ่ายทอดประสบการณ์ในระบบภาษาพิเศษที่ใช้สี จังหวะ

รูปร่าง ปริมาตร เสียง ฯลฯ ข้อมูลถูกจัดเก็บไว้ในรูปภาพ ป้าย สัญลักษณ์ ข้อความ และสิ่งของต่างๆ

ฯลฯ มีสถาบันที่เกี่ยวข้องกับการสะสมและการอนุรักษ์ข้อมูลทางวัฒนธรรม:

พิพิธภัณฑ์ แกลเลอรี่ โรงละคร นั่นคือวัฒนธรรมทางศิลปะเป็นความทรงจำตามธรรมชาติของสังคมมนุษย์

ความทรงจำส่วนรวมและความประทับใจส่วนบุคคล

ประการแรก ด้วยการแนะนำบุคคลให้รู้จักกับความทรงจำนี้ ฟังก์ชั่นการศึกษาก็จะเกิดขึ้นเช่นกัน การศึกษาด้านศิลปะเกิดขึ้นโดยอ้อม เนื่องจากการศึกษาไม่ใช่เป้าหมายของศิลปะ จึงมีความสำคัญน้อยกว่ากระบวนการ การศึกษาและการฝึกอบรมศิลปะเป็นระบบย่อยของวัฒนธรรมศิลปะ

ประการที่สอง หน้าที่ของการสะสมและถ่ายทอดประสบการณ์ยังรวมถึงหน้าที่ที่เป็นหนึ่งเดียว ซึ่งแสดงถึงการบูรณาการของสังคมผ่านงานศิลปะ

และประการที่สาม นอกเหนือจากการสั่งสมและการถ่ายทอดประสบการณ์แล้ว ศิลปะยังต่ออายุประสบการณ์อีกด้วย นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าศิลปะมีลักษณะของผู้เขียนอยู่เสมอ (แม้ว่าผู้เขียนจงใจปรากฏเป็นบุคคลที่ไม่เปิดเผยตัวตนก็ตาม) ทุกครั้งที่ศิลปินค้นพบโลกใหม่ อัพเดทความเป็นจริงอย่างต่อเนื่อง นวัตกรรมและความแปลกใหม่ปรากฏที่นี่เป็นวิธีพิเศษในการยืนยันตนเอง ด้วยการใช้วิธีการทางศิลปะ แบบจำลองของความเป็นจริงที่ศิลปินนำเสนอจะถูกนำเสนอด้วยภาพที่สดใสและสะเทือนอารมณ์ ซึ่งมีผลกระทบอย่างมากต่อผู้ชม ดังนั้น ผู้ผลิตจึงต้องรับผิดชอบต่อสิ่งที่เขาสร้างขึ้น แนวคิดที่เขาแสดงออกมา และการสร้างสรรค์ของเขามีอิทธิพลต่อผู้คนอย่างไร

ความจำเพาะของศิลปะในฐานะวิธีการส่งข้อมูลก็คือศิลปะนั้น

โต้ตอบ ดังนั้นฟังก์ชันโต้ตอบจึงเป็นหนึ่งในฟังก์ชันหลัก หากเราพิจารณาถึงศิลปะ

ในฐานะที่เป็นวิธีการสื่อสาร เราสามารถพูดได้ว่ามันรวมการเชื่อมโยงระหว่างบุคคลและวัฒนธรรมเข้าด้วยกัน

ต้องขอบคุณศิลปะที่ทำให้บุคคลไม่เพียงสามารถมีส่วนร่วมในการสนทนากับคนรุ่นราวคราวเดียวกันเท่านั้น แต่ยังสามารถเคลื่อนย้ายได้อีกด้วย

ในยุคและประเทศอื่น ๆ สื่อสารกับคนรุ่นอื่น ๆ ผู้คน (แม้กระทั่งคนสมมติ)

อย่างไรก็ตาม หน้าที่การโต้ตอบเกี่ยวข้องโดยตรงกับหน้าที่ของการฟื้นฟูวัฒนธรรม ศิลปะเป็นบทสนทนาระหว่างผู้เขียนและผู้ดูในฐานะผู้เขียนร่วม ซึ่งเป็นผลให้มีสิ่งใหม่ๆ ปรากฏขึ้น (อารมณ์ คุณค่า ความคิด วัตถุ) ดังนั้น การเผชิญหน้ากับงานศิลปะทุกครั้งจึงอาจเป็นการทดลองอย่างหนึ่ง:

“การทดลองคือประสบการณ์ ความพยายามที่จะบรรลุผลสำเร็จในทางใดทางหนึ่ง” นอกเหนือจากคำจำกัดความนี้ ควรมีความหมายที่มองว่าเป็นองค์ประกอบสำคัญของแนวคิดการทดลอง เช่น "การค้นหา" "ความพยายาม" "การค้นพบ" "ความแปลกใหม่" "การเปลี่ยนแปลงประเพณี" "การทำลายแบบเหมารวม" และอื่นๆ

“การทดลองนี้บ่งบอกถึงความพร้อมของศิลปะในการค้นหา แม้กระทั่งการทำผิดพลาดเพื่อสิ่งที่ยังไม่มีอยู่”

เป็นบทสนทนาที่กำหนดทิศทางของการทดลอง: สำหรับการเปลี่ยนแปลงเชิงคุณภาพในวัฒนธรรมทางศิลปะ (เนื้อหาและหน้าที่ของมัน) การทดลองจะต้องขยายไปถึงผู้เข้าร่วมทุกคน ไม่ใช่แค่กับผู้ชมเท่านั้น ศิลปินซึ่งเป็นผู้ริเริ่มและผู้ประสานงานการทดลองนำความพยายามทั้งหมดมาสู่ตัวเขาเองเป็นหลัก - ทำให้ตัวเองตกอยู่ในสถานการณ์ที่ต้องตัดสินใจด้วยตนเองอย่างต่อเนื่อง - และหลังจากนั้นก็หันไปหาผู้ชมเท่านั้น ดังนั้น การจัดการสถานการณ์การสนทนาจึงเป็นงานศิลปะพิเศษที่ต้องแก้ไขเพื่อให้การทดลองทางศิลปะสำเร็จลุล่วง

การทดลองทางศิลปะเป็นประสบการณ์ในการสร้างเงื่อนไขบางประการในการอัปเดตเทคนิคทางศิลปะ การเปลี่ยนแปลงผู้เข้าร่วม และระบบคุณค่าของวัฒนธรรมโดยรวม ซึ่งดำเนินการผ่านการก่อตัวของพื้นที่ความหมายศิลปะ (เกม) เดียว

ยังไม่รู้ว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแตกต่างจากศิลปะแห่งการตรัสรู้อย่างไร? คุณลืมคุณลักษณะของศิลปะสมัยใหม่และศิลปะร่วมสมัยอยู่เสมอหรือไม่? เราสร้างมาเพื่อคุณ คำแนะนำสั้น ๆในประวัติศาสตร์ศิลปะจาก ศิลปะหินสู่ศิลปะสมัยใหม่ ฟรี ดูเหมือนว่าทุกคนจะเห็นความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างศิลปะสมัยใหม่และศิลปะของศตวรรษที่ผ่านมา เรามักจะได้ยินแบบนั้น ศิลปะสมัยใหม่ถูกกล่าวหาว่าขาดสุนทรียศาสตร์ ศิลปินในยุคของเราถูกกล่าวหาว่าขาดความเป็นมืออาชีพ และขอบเขตวัฒนธรรมโดยรวมถูกนำเสนอว่าตกอยู่ในภาวะวิกฤติ แต่มันคืออะไร? บางทีนี่อาจเป็นวิวัฒนาการขั้นต่อไปในการสร้างสรรค์และการตีความโลก? เพื่อตอบคำถามนี้จำเป็นต้องมีวาทกรรมสั้น ๆ เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะ ดังนั้น เราควรเริ่มต้นด้วย ศิลปะหิน,การเต้นรำแบบโบราณ,เครื่องประดับในยุคหินโบราณ ทุกอย่างที่นี่เรียบง่ายและชัดเจนมาก การสร้างสรรค์ส่วนใหญ่จะเกี่ยวข้องกับพิธีกรรม พิธีการ และความเชื่อ แม้แต่ส่วนเล็กๆ ของสิ่งที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ก็ทำให้สามารถสัมผัสถึงสมัยโบราณและดำดิ่งสู่วัฒนธรรมต้นกำเนิดของเรา ต่อไป แน่นอนว่าเราควรพูดถึง สมัยโบราณ. ศิลปะสมัยโบราณมีอิทธิพลอย่างมากต่อยุคต่อๆ มา และยังถือเป็นมาตรฐานแห่งความงามอีกด้วย สิ่งแรกที่ปรากฏคือผลงานชิ้นเอกของวัฒนธรรมไมซีเนียนและมิโนอัน ได้แก่ เครื่องเซรามิกทาสีซึ่งปรากฏในศตวรรษที่ 6 พ.ศ. ลวดลายทางทะเลและดอกไม้ของภาพวาดสะท้อนโลกที่ปรมาจารย์อาศัยอยู่ โลกที่มนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ วัฒนธรรมกรีกซึ่งมาแทนที่ยุคไมซีเนียนหรือมิโนอัน ดำรงอยู่ภายใต้การอุปถัมภ์ของกลุ่มสามกลุ่ม ได้แก่ ความงาม-ความจริง-ความดี และเปี่ยมไปด้วยปรัชญาและภูมิปัญญา สิ่งที่สวยงามนั้นอยู่ในความกลมกลืนทางคณิตศาสตร์ เนื้อหาที่เข้มข้นและความจริง ความสนใจของศิลปะจะเปลี่ยนไปที่บุคคล ตัวอย่างเช่น ประติมากรรมทั้งหมดที่แสดงถึงตัวละครในตำนานและเทพเจ้าถูกสร้างขึ้นในรูปของบุคคล ที่เป็นที่พอใจทางตาและหูนั้นเรียกว่าสวยงาม ขณะเดียวกันศิลปินก็เลียนแบบธรรมชาติโดยพยายามค้นหา รูปร่างที่สมบูรณ์แบบ. ปรมาจารย์ยกระดับตนเองสู่สถานะผู้สร้าง การคิดทางศาสนายังคงเป็นองค์ประกอบที่สำคัญเช่นกัน วัยกลางคน– เวลาอันศักดิ์สิทธิ์ในงานศิลปะ ที่นี่มันทำหน้าที่เป็นเครื่องมือสร้างภาพ พระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์. การยึดถือทำให้สามารถเข้าถึงพระคัมภีร์ได้มากขึ้น เนื่องจากภาษาในการวาดภาพชัดเจนกว่าภาษาพูด ผ่านทางไอคอนพระเจ้าทรงติดต่อกับผู้เชื่อ สถาปัตยกรรมในยุคกลางยังยกย่องพระเจ้าอีกด้วย วัดแบบโกธิกทอดยาวไปถึงท้องฟ้า อาราม และมหาวิหาร สไตล์โรมาเนสก์เน้นบทบาทของคริสตจักรในชีวิตมนุษย์ คุณลักษณะที่สำคัญของศิลปะในยุคกลางคือสัญลักษณ์ ศิลปะเปี่ยมไปด้วยความหมาย สัญลักษณ์ รูปภาพที่ซ่อนอยู่ นอกจากนี้ ผู้เขียนกลายเป็นคนไม่สำคัญ เขาทำหน้าที่เป็นผู้แปล และไอคอนทำหน้าที่เป็นหน้าต่างที่เราสามารถเข้าใกล้พระเจ้าได้
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายังดึงดูดความเชื่อมโยงระหว่างพระเจ้ากับมนุษย์แต่ให้ บทบาทหลักถึงบุคคล เจ้าหน้าที่รวมทั้งผู้มีอำนาจทางปรัชญาถูกปฏิเสธ มีความสนใจในด้านวิทยาศาสตร์และศิลปะปรากฏขึ้น ศิลปินอยู่ในขณะนี้ บุคคลสากลผู้ร่วมสร้าง ทรงกลมของประสาทสัมผัสกำลังได้รับการฟื้นฟู ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ให้ความกระจ่างแก่ยุคกลางอันมืดมน มีสิทธิที่จะ นิยาย. ศิลปินสร้างความก้าวหน้าอย่างไม่ธรรมดาในงานของพวกเขา: มุมมอง ปริมาณ สีสันที่หลากหลายที่ปรากฏ ภายนอก ความงามทางกายภาพได้รับการฟื้นฟู ยุคเรอเนซองส์เป็นยุคของการกลับคืนสู่สมัยโบราณและการปรับปรุงในแง่อารมณ์และราคะ
ยุคแห่งการตรัสรู้– ความเข้าใจที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับคลาสสิกโบราณ หากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคืออารมณ์ความรู้สึก การตรัสรู้ก็คือความมีเหตุผล โลกกำลังเปลี่ยนแปลง แสงสว่างวาบวับวาบวับ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์. แต่ศิลปะยังคงเป็นหนึ่งในกุญแจสำคัญในการทำความเข้าใจและเปลี่ยนแปลงโลก ในเวลานี้ซึ่งมีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าโครงสร้างพื้นฐานทางศิลปะเกิดขึ้น: ประการแรก พิพิธภัณฑ์ศิลปะรูปแบบใหม่ - ในลอนดอน (พ.ศ. 2296) และปารีส (พ.ศ. 2336) สถาบันศิลปะและนิตยสารศิลปะ ปัญหาเรื่องรสนิยมถูกหยิบยกขึ้นมาและการวิจารณ์ทางศิลปะก็ได้รับการพัฒนา มีการตั้งสมมติฐานข้อเท็จจริงของการรวมศิลปินที่จำเป็นในกระบวนการนี้ ชีวิตสาธารณะ. “ศิลปะไม่ใช่เพียงการเลียนแบบ แต่เป็นการแสดงออกถึงความรู้สึก แต่มันคือความต่อเนื่องของชีวิต และขอบเขตของความรู้ในตนเองอย่างอิสระเกี่ยวกับจิตวิญญาณ” งานศิลปะที่แท้จริงจะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อได้ดื่มด่ำไปกับมันเท่านั้น ดังนั้น ยุคแห่งการตรัสรู้พร้อมด้วยชัยชนะของเหตุผลจึงถือเป็นเครื่องหมายแห่งการเปลี่ยนแปลง ศิลปะคลาสสิกสู่ขั้นตอนใหม่ของการพัฒนา
ศิลปะที่ไม่ใช่คลาสสิกเริ่มต้นด้วย (พ.ศ. 2391-2396) ซึ่งต่อต้านลัทธิวิชาการและรากฐานของคลาสสิกก่อนหน้านี้ทั้งหมด อาจารย์ใช้ท่าทางของศิลปิน ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น โดยเชื่อว่าศิลปะในยุคนี้ตื้นตันใจไปด้วย ความงามที่แท้จริงและไม่มีความจำเป็น เชิงเปรียบเทียบ ในยุคก่อนราฟาเอลได้รับการปฏิบัติเหมือนเป็นขบวนการปฏิวัติ ต่อมาพวกเขาก็ได้รับการยอมรับ แต่เมื่อถึงกลางศตวรรษที่ 20 ความสนใจในงานของพวกเขาก็ลดลงอีกครั้ง ปลาย XIXศตวรรษ ทิศทางใหม่ในงานศิลปะปรากฏขึ้น - อิมเพรสชันนิสม์ซึ่งยิ่งรวมการเปลี่ยนแปลงของศิลปะเข้าด้วยกันอย่างเข้มงวดยิ่งขึ้น เวทีใหม่. คำว่า “อิมเพรสชันนิสม์” มีที่มาจากชื่อของภาพเขียน “อิมเพรสชั่นนิสต์” อาทิตย์อุทัย» โกลด โมเนต์ อิมเพรสชั่นนิสม์มีลักษณะพิเศษคือการรับรู้ถึงความเป็นจริงเป็นพิเศษ งานหลักซึ่งเป็นการจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงที่เปลี่ยนแปลงไป ประการแรก คือการถ่ายทอดความประทับใจ ไม่ใช่ภาพที่เป็นการคาดเดา ทิศทางใหม่คืออุดมคติของความไม่ยั่งยืน การเอาใจใส่ และความสะดวกในการรับรู้ของเรา บนผืนผ้าใบของ C. Monet, O. Renoir, E. Degas และนักอิมเพรสชันนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่คนอื่นๆ เราเห็นชีวิตในรูปแบบที่ตระการตา ใกล้กับขอบเขตของอัตวิสัย แต่อย่าข้ามไป ความพร่ามัว ความไม่มั่นคงของภาพ และลักษณะเฉพาะของการจัดองค์ประกอบกระตุ้นให้เกิดจินตนาการในการสร้างภาพที่ทุกคนคุ้นเคย - ความประทับใจที่ไม่สามารถแก้ไขได้อย่างชัดเจนในความทรงจำของเรา แต่ทำให้สามารถสำรวจโลกได้ นอกจากนี้ อิมเพรสชันนิสม์ยังพยายามขจัดความรู้เรื่องการแตกเป็นเสี่ยง ทำให้เรามองโลกด้วยความสมบูรณ์และความเป็นหนึ่งเดียวกันของทุกส่วนที่นี่และเดี๋ยวนี้ ดังนั้นอิมเพรสชั่นนิสม์จึงเป็นจุดเริ่มต้นของยุคแรกของศิลปะสมัยใหม่ กล่าวคือ ศิลปะสมัยใหม่.สถาปัตยกรรม ทันสมัยโดดเด่นด้วยรูปแบบใหม่ การปฏิเสธเส้นตรงและมุม ค้นหาสิ่งใหม่ วัสดุที่ไม่ได้มาตรฐาน (โลหะ แก้ว) สำหรับจิตรกรรมและประติมากรรม อิทธิพลใหญ่ได้ให้สัญลักษณ์ไว้ และที่นี่เราจะเห็นความเชื่อมโยงโดยตรงระหว่างศิลปะสมัยใหม่กับศิลปะในยุคกลาง นักเขียนภาพแบบคิวบิสต์, ดาดาอิสต์, ฟิวเจอร์ริสต์ใช้สัญลักษณ์เปรียบเทียบ ความกำกวม เช่นเดียวกับการวาดภาพไอคอนที่ใช้สัญลักษณ์และรูปภาพ ลัทธิสมัยใหม่จึงเป็นการยืนยันทฤษฎีวัฏจักรในการพัฒนางานศิลปะ ดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดกลายเป็นเพลงที่อ่อนไหวต่อการทำซ้ำมากที่สุด ความทันสมัยได้ทบทวนทัศนคติต่อเสียงร้อง จังหวะ และน้ำเสียงอีกครั้ง ศิลปะสมัยใหม่กลายเป็นแนวความคิด มีความรู้สึกทางสุนทรียะที่อ่อนแอลง เรายังเห็นแนวโน้มที่แนวความคิดเกี่ยวกับศิลปะสมัยใหม่มาบรรจบกับแนวความคิดบางประการเกี่ยวกับการตรัสรู้เกี่ยวกับการสร้างสรรค์งานศิลปะ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ศิลปะสมัยใหม่ยุคที่สองได้เริ่มต้นขึ้น กล่าวคือ ศิลปะร่วมสมัย. มันถูกสร้างขึ้นเพื่อค้นหาทางเลือกอื่นนอกเหนือจากความทันสมัย สิ่งนี้แสดงออกมาในรูปแบบของวัสดุใหม่ รูปภาพ การเปลี่ยนแปลงวิธีการสร้างสรรค์ รุนแรงขึ้นอย่างเห็นได้ชัด การวางแนวทางสังคมในงานศิลปะ ศิลปะไม่เพียงแต่เลียนแบบโลกเท่านั้น แต่ยังก่อให้เกิดความเป็นจริงอีกอย่างหนึ่งที่สะท้อนโลกแห่งความเป็นจริงอีกด้วย ประเภทใหม่ๆ กำลังเกิดขึ้น: การแสดง เหตุการณ์ที่เกิดขึ้น ศิลปะบนบก ดิจิทัล... ศิลปะหยุดอยู่หลังกำแพงพิพิธภัณฑ์และแกลเลอรี แล้วออกไปตามท้องถนน และถูกนำเข้าสู่ พื้นที่สาธารณะทำลายอุปสรรคระหว่างความคิดกับจิตสำนึกของมนุษย์ ศิลปะร่วมสมัยได้พูดคุยกับเรานั่นเอง ความหมายที่ซ่อนอยู่ที่ต้องการเปิดกว้างและเข้าใจโดยทุกคน
โดยสรุป ให้เราเน้นความแตกต่างที่สำคัญระหว่างศิลปะสมัยใหม่และศิลปะคลาสสิก:

แนวความคิด เชื่อมโยงโดยตรงกับปรัชญาและอุดมการณ์

การเปิดกว้างต่อความหมายเชิงอัตนัย สร้างการสื่อสารกับผู้ชมโดยให้เขามีส่วนร่วมในกระบวนการทางศิลปะ (แอ็คชั่น การแสดง การจัดวาง)

ทำลายความคิดเชิงบวกสุดคลาสสิกที่สวยงาม ประเสริฐ กลมกลืน ความทันสมัยเรียกว่าสิ่งที่สวยงามซึ่งก่อนหน้านี้เป็นสิ่งต้องห้ามหรือน่ากลัวและน่ารังเกียจ

การตีความ ภาพคลาสสิกผ่านการปฏิเสธคุณค่าดั้งเดิม

สุดขั้วสองประการ: ความสำคัญของบุคลิกภาพของผู้เขียนหรือการไม่เปิดเผยตัวตนโดยสมบูรณ์

ความแปรปรวนของรูปภาพ วัสดุ ปัญหา

แน่นอนว่าศิลปะสมัยใหม่ได้ยืมหลักการมากมายจากศิลปะคลาสสิก มีมุมมองที่แตกต่างกันเกี่ยวกับการพัฒนาแบบถดถอยหรือแบบก้าวหน้า ทุกสิ่งที่นี่เป็นเรื่องส่วนตัว อย่างไรก็ตาม สิ่งเดียวที่ควรกล่าวถึงคือการพึ่งพาซึ่งกันและกันของความคิดสร้างสรรค์และความเป็นจริงโดยรอบ การเปลี่ยนจากคลาสสิกไปสู่ความทันสมัยมีความสำคัญมากและ ไฮไลท์ในประวัติศาสตร์ของเรา เราไม่ควรลืมว่าการพลิกผันของการพัฒนาศิลปะนี้เป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงในโลกทัศน์ ซึ่งเกิดจากการเปลี่ยนแปลงบางประการในวัฒนธรรมและชีวิตดังที่กล่าวมา บุคคลและสังคมโดยรวม สะพาน– นิตยสารเกี่ยวกับศิลปะและวัฒนธรรม ให้เราช่วยให้คุณเข้าใจงานศิลปะทุกประเภท!

เหตุใดภาพนี้ (หนังสือ อาคาร ภาพยนตร์) จึงถือเป็นผลงานชิ้นเอก และภาพที่อยู่ตรงนั้น - สินค้าอุปโภคบริโภค รสนิยมแย่ และห่วยๆ
ในที่สุดฉันก็เพิ่งมีเกณฑ์วัตถุประสงค์ที่ดีได้ในที่สุด

เคยคิดว่าคำว่า "คุณภาพ" ไม่สามารถใช้ได้กับงานศิลปะเลย เป็นเรื่องของรสนิยม แฟชั่น การส่งเสริมการตลาด เป็นต้น ฉันคิดว่าไม่มีและไม่สามารถเป็นตัวบ่งชี้ที่เป็นกลางในพื้นที่นี้ได้

ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะเองก็สนับสนุนความเข้าใจผิดของฉันด้วยการสนทนาเช่น: “คุณเพียงแค่ต้องดูให้มาก ศึกษา เปรียบเทียบ - ทั้งความเข้าใจและรสนิยม ศิลปะที่ดีพวกเขาจะมาเองทันเวลา”

และฉันเป็นคนช่างเทคนิค ฉันไม่เข้าใจเรื่องนี้เลย ดูเหมือนว่า - “คุณต้องชื่นชมสูตรนี้มาก และจากนั้นก็จะชัดเจนตามธรรมชาติว่าทำไมถึงเป็นและใช้อย่างไร ความเข้าใจเกี่ยวกับกฎทางกายภาพจะเกิดขึ้นเอง”

ในเทคโนโลยีมักจะมีเกณฑ์ที่ชัดเจน (รวมกัน) ที่ช่วยให้คุณสามารถวัดคุณภาพของสิ่งของเป็นตัวเลขได้ สมมติว่าเครื่องยนต์ได้รับการประเมินโดยกำลัง ประสิทธิภาพ และอายุการใช้งานที่เฉพาะเจาะจง แล้วรูปปั้นล่ะ?

นักวิจารณ์ศิลปะไม่ได้ทำอะไรแบบนั้นเลย

บางทีอาจมีราคาประมูล แต่ก็มีประโยชน์น้อยในหลาย ๆ ด้านหรือไม่สามารถใช้ได้เลย

คุณจะกำหนดราคาของอาคารในฐานะงานศิลปะได้อย่างไร? หรือโอเปร่า?

น่าเสียดายที่ไม่ว่าฉันจะหารือเกี่ยวกับปัญหานี้มากแค่ไหนก็ตาม ผู้คนที่หลากหลายจากงานศิลปะไม่มีใครสามารถกำหนดวิธีแยกแยะให้ฉันได้ ศิลปะชั้นสูงจากเรื่องไร้สาระ นั่นคือผู้คนเข้าใจว่าราฟาเอลเขียนผลงานชิ้นเอกและกลาซูนอฟเป็นงานเขียนที่ไร้สาระ แต่จะอธิบายเป็นคำพูดได้อย่างไร?ท้ายที่สุดมีสำนวนที่แพร่หลายเช่นนี้ -“ รสชาติที่ดี" ซึ่งหมายความว่าสามารถคัดค้านได้โดยอัตโนมัติและสามารถวัดคุณภาพได้ แต่ยังไงล่ะ???

ฉันชอบคิดว่ามีความจริงทั้งในด้านวิทยาศาสตร์และศิลปะ และพวกเรา ซึ่งเป็นคนตัวเล็กที่น่าสมเพช จนกว่าจักรวาลจะมอดไหม้ลงสู่นรก กำลังพยายามเข้าถึงความจริงนี้โดยไม่แสดงนัยใดๆ ด้วยความสำเร็จไม่มากก็น้อย ยิ่งกว่านั้นความจริงข้อนี้มีวัตถุประสงค์ พายุหิมะทั้งหมดนี้เกี่ยวกับข้อเท็จจริงที่ว่าสำหรับบางคน Ukupnik นั้นดีกว่า Freddie Mercury ซึ่งหมายความว่าทั้งคู่เก่งมาก ก็เหมือนกับการให้เหตุผลว่าสำหรับ Vasya สองครั้งคือห้า และสำหรับ Petya คือสี่ ซึ่งหมายความว่าเรานับแตกต่างกันในแต่ละครั้ง .
แน่นอนว่าในการรับรู้งานศิลปะมีส่วนแบ่งของอัตวิสัย แต่ (!) เราไม่ควรลืมเกี่ยวกับความเป็นกลางซึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งอยู่ที่ข้อเท็จจริงที่ว่า Janusz Leon Wisniewski เป็นคนไร้สาระและ Thomas Mann นักเขียนที่มีพรสวรรค์(แม้บางคนจะคิดตรงกันข้ามก็ตาม) ทุกคนมีสิทธิ์ที่จะรัก Vishnevsky แต่เราตกลงที่จะถือว่าในกรณีนี้บุคคลนั้นไม่มีรสนิยมทางวรรณกรรม

ในความคิดเห็นนั้นฉันพยายามเสนอเกณฑ์สำหรับความเจ๋งของงานศิลปะเช่นเดียวกับความซับซ้อนทางเทคนิค แต่ไม่ มันยังใช้งานไม่ได้ ผลงานชิ้นเอกไม่จำเป็นต้องซับซ้อน บอนนี่แนะนำว่าสิ่งสำคัญคือการสร้างสรรค์สิ่งใหม่ๆ ที่ไม่มีใครเคยทำมาก่อน ดูเหมือนอบอุ่นขึ้นแต่ก็ไม่เหมือนเดิมเช่นกัน มันไม่ยากที่จะสร้างสิ่งแปลกใหม่อย่างสมบูรณ์

และเมื่อเร็ว ๆ นี้ ฉันก็เกิดแนวคิดนี้ขึ้น:

ผลงานชิ้นเอกของงานศิลปะชิ้นเอกถูกกำหนดโดยการอ้างอิง

เกณฑ์ที่คล้ายกันนี้ใช้เพื่อประเมินนักวิทยาศาสตร์ - ดัชนีการอ้างอิง ยิ่งผลงาน/บทความของคุณมีการอ้างอิงโดยนักวิทยาศาสตร์คนอื่นๆ มากเท่าไร คุณก็จะยิ่งเป็นนักวิทยาศาสตร์ได้ดียิ่งขึ้นเท่านั้น แน่นอนว่าการบิดเบือนและการโกงทุกประเภทก็เป็นไปได้เช่นกัน แต่โดยทั่วไปนี่เป็นเกณฑ์ที่สะดวกและใช้ได้โดยทั่วไป สิ่งเดียวกันนี้สามารถนำไปใช้ในงานศิลปะได้!

ผลงานชิ้นเอกมักถูกอ้างอิงโดยศิลปินคนอื่นๆ

นอกจากนี้ การอ้างอิงดังกล่าวยังสังเกตได้ทั้งภายในหัวเรื่อง เช่น สถาปนิกกล่าวถึงสถาปนิก และระหว่างประเภทงานศิลปะ

ศิลปินวาดภาพกับอาคาร อาคารทำให้เกิดความคิดสำหรับผู้แต่ง สถาปนิกสร้างอาคารที่ได้รับแรงบันดาลใจจากซิมโฟนี กวีได้ยิน เพลงที่สวยงามและเขียนบทกวีลงไป และอื่นๆ

ในความเป็นจริง พื้นที่ศิลปะที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิงเต็มไปด้วยคำพูด การพาดพิง และการยืมนับล้าน

จากที่นี่ เห็นได้ชัดว่าทำไมคุณจึงต้องสังเกตดูและฟังงานศิลปะมากมาย และประสบการณ์นี้สามารถช่วยในการประเมินผลงานเหล่านั้นได้อย่างไร เมื่อเวลาผ่านไปคุณจะได้เห็นความเชื่อมโยงระหว่างกันเหล่านี้ ดูว่าใครเอาอะไรมาจาก ใครและอะไรเป็นแรงบันดาลใจให้พวกเขา และจากนี้ไปจะเห็นได้ชัดว่าใครเป็นผู้สร้างผลงานชิ้นเอกและใครคือนกแก้ว

ใครเป็นผู้สร้างยุคสมัย กระแสนิยม และใครเพียงแต่ตามเทรนด์

ดังนั้น ยิ่งผลงานศิลปะชิ้นเอกมีมากเท่าใด ร่องรอยของมันก็จะสามารถพบได้ในงานศิลปะนั้นและในงานศิลปะส่วนอื่นๆ มากขึ้นเท่านั้น

การระบุร่องรอยเหล่านี้จะช่วยทำให้วัตถุทั้งหมดนี้เป็นทรงกลมเชิงอัตนัยล้วนๆ

อย่างไรก็ตาม ฉันไม่ได้อ้างความคิดริเริ่มของแนวคิดนี้ ฉันแค่ดีใจที่ได้สัมผัสมันทั้งหมดและในที่สุดก็กำหนดสิ่งเหล่านี้ด้วยตัวเอง

ในบรรดาแนวคิดที่เกี่ยวข้องกับการดำรงชีวิตของสังคม ที่สำคัญที่สุดคือ “ศิลปะ” และ “วัฒนธรรม” ประเภทดังกล่าวมีอะไรบ้าง มีความเชื่อมโยงกันอย่างไร และศิลปะแตกต่างจากวัฒนธรรมอย่างไร เราจะกล่าวถึงเรื่องนี้เพิ่มเติมด้านล่าง

คำนิยาม

ศิลปะหมายถึงสาขากิจกรรมที่ความคิดสร้างสรรค์ของผู้คนปรากฏออกมามากที่สุด ในบริเวณนี้มีพื้นที่ต่างๆ เช่น ดนตรี การออกแบบท่าเต้น ซึ่งเกิดขึ้นจากการพัฒนาเทคโนโลยีภาพยนตร์ สถาปัตยกรรม การวาดภาพ และอื่นๆ ความเฉพาะเจาะจงของศิลปะอยู่ที่รูปลักษณ์ทางศิลปะและเชิงเปรียบเทียบ

« วัฒนธรรม" เป็นแนวคิดที่กว้างมาก มักถูกตีความว่าเป็นความสำเร็จทางศิลปะ วิถีชีวิต และประเพณีของชุมชน ความหมายอื่นๆ :วัฒนธรรม หมายถึง มารยาทที่ดี, การศึกษา ( บุคคลที่เพาะเลี้ยง) หรือรูปแบบบางอย่าง (วัฒนธรรมการพูด การสื่อสาร ฯลฯ)

การเปรียบเทียบ

ดังนั้น หากจำเป็นต้องกำหนดลักษณะเฉพาะของประเทศ ชาติ หรือมนุษยชาติโดยรวม แนวคิดทั้งสองจึงถูกนำมาใช้ในความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิด ใน กรณีดังกล่าวความแตกต่างระหว่างศิลปะและวัฒนธรรมคือประเภทแรกค่อนข้างแคบกว่าและเป็นองค์ประกอบของประเภทที่สอง กล่าวอีกนัยหนึ่ง ศิลปะถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่ง มรดกทางวัฒนธรรมชุมชนที่จัดตั้งขึ้นทางประวัติศาสตร์บางแห่ง

โดยทั่วไปแล้ว ศิลปะคือการตระหนักรู้ของมนุษย์ ศักยภาพในการสร้างสรรค์. แสดงออกผ่านการสร้างสรรค์ผลงานที่แสดงถึงแง่มุมบางประการของความเป็นจริงและมีอิทธิพลต่อผู้คนผ่านความรู้สึก ผลงานศิลปะมักมีสุนทรียภาพและแสดงออกซึ่งเกิดจากทักษะของบุคคลที่มีความสามารถ

ในวัฒนธรรมของผู้คน นอกเหนือจากศิลปะแล้ว ยังมีขนบธรรมเนียมและแนวความคิดเกี่ยวกับชีวิตอีกด้วย อาจมีความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างชุมชนในเรื่องนี้ ตัวอย่างเช่น ในวัฒนธรรมหนึ่ง ภาพหลอนถือเป็นอาการหลงผิด ซึ่งเป็นความผิดปกติทางจิต ในอีกกรณีหนึ่ง ปรากฏการณ์ดังกล่าวถูกเข้าใจผิดว่าเป็นของขวัญพิเศษของการพยากรณ์ การมองเห็นอันลึกลับ

นอกจากนี้ยังมีแนวคิดเรื่อง "วัฒนธรรมย่อย" หมายถึงกลุ่มคนที่โดดเด่นจากคนส่วนใหญ่ด้วยมุมมองเกี่ยวกับชีวิต ค่านิยมที่เป็นที่ยอมรับ และพฤติกรรม ในด้านวัฒนธรรมในแง่ของมารยาทที่ดีและการปฏิบัติตามกฎมารยาท อันดับแรกคือความสามารถในการประพฤติตนสุภาพและรู้จักกาลเทศะกับผู้อื่น ดูเรียบร้อยอยู่เสมอ และดูคำพูดของเขา

โดยสรุปเรามาสรุปกันเล็กน้อยเกี่ยวกับความแตกต่างระหว่างศิลปะและวัฒนธรรม ดังนั้นศิลปะจึงเป็นขอบเขตพิเศษของชีวิตที่รวบรวมความคิดสร้างสรรค์ชั้นสูง คนที่มีความสามารถ. ความสำเร็จในพื้นที่นี้ ร่วมกับประเพณีและขนบธรรมเนียม ก่อให้เกิดวัฒนธรรมของชุมชน คำว่า "วัฒนธรรม" ยังมีความหมายอื่น ๆ อีกมากมายที่ไม่ได้ตัดกับแนวคิดเรื่อง "ศิลปะ" เสมอไป