ภาพวาดการจลาจลของอีวานในหมู่บ้านที่มันถูกเก็บรักษาไว้ อีวานอฟเซอร์เกย์ วาซิลีวิช. ยุคของผลงานทางประวัติศาสตร์

10.07.2019

ชีวิตในหมู่บ้านรัสเซียนั้นยากลำบาก ปัญหาการตั้งถิ่นฐานใหม่ที่เรียกว่าสร้างความกังวลให้กับตัวแทนวัฒนธรรมและศิลปะรัสเซียขั้นสูงในช่วงหลายปีที่ผ่านมา แม้แต่ V. G. Perov ผู้ก่อตั้งความสมจริงแบบวิพากษ์วิจารณ์ก็ไม่เพิกเฉยต่อหัวข้อนี้ ตัวอย่างเช่น ภาพวาดของเขา "Death of a Migrant" มีชื่อเสียง
ผู้ตั้งถิ่นฐานสร้างความประทับใจอันเจ็บปวดให้กับ A.P. Chekhov ซึ่งเดินทางผ่านไซบีเรียทั้งหมดบนถนนสู่ซาคาลินในปี พ.ศ. 2433 ภายใต้อิทธิพลของการสนทนากับเชคอฟเขาเดินทางไปตามแม่น้ำโวลก้าและคามาไปยังเทือกเขาอูราลและจากที่นั่นไปยังไซบีเรียและเอ็น. เทเลชอฟ “ นอกเหนือจากเทือกเขาอูราลแล้ว ฉันเห็นชีวิตอันทรหดของผู้ตั้งถิ่นฐานของเรา” เขาเล่า “ ความยากลำบากและภาระหนักในชีวิตชาวนาของผู้คนแทบจะเหลือเชื่อ”

ศิลปินไม่สามารถช่วยเหลือคนเหล่านี้ได้คิดด้วยความเจ็บปวดเกี่ยวกับโศกนาฏกรรมอันประเมินค่าไม่ได้ในสถานการณ์ของพวกเขาและความหลอกลวงในความฝันเรื่อง "ความสุข" ซึ่งพวกเขาไม่ได้ถูกกำหนดให้พบในสภาพของซาร์รัสเซีย

หนึ่งในภาพวาดสุดท้ายของวัฏจักรนี้คือ "บนถนน" Death of a Migrant” เป็นผลงานที่ทรงพลังที่สุดของซีรีส์ที่วางแผนไว้ ผลงานอื่น ๆ ในหัวข้อนี้ซึ่งสร้างขึ้นก่อนหน้านี้และต่อมาโดยนักเขียนและศิลปินจำนวนหนึ่งไม่ได้เปิดเผยอย่างลึกซึ้งและในขณะเดียวกันก็เป็นเพียงโศกนาฏกรรมของผู้ตั้งถิ่นฐานในความจริงอันเลวร้ายทั้งหมด

"บนถนน. การเสียชีวิตของผู้อพยพ” 1889

หัวหน้าครอบครัวคนหาเลี้ยงครอบครัวเสียชีวิต สิ่งที่รอคอยแม่และลูกสาวผู้โชคร้ายในอนาคต - นี่คือคำถามที่ทุกคนถามตัวเองโดยไม่สมัครใจเมื่อดูภาพ และคำตอบก็ชัดเจน อ่านออกเป็นรูปแม่นอนเหยียดยาวอยู่บนพื้นเปล่าๆ ผู้หญิงที่โศกเศร้าไม่มีคำพูดและไม่มีน้ำตา

เธอใช้นิ้วที่คดเคี้ยวขูดดินแห้งด้วยความสิ้นหวังอย่างเงียบๆ เราอ่านคำตอบเดียวกันนี้จากใบหน้าที่สับสนและดำคล้ำของหญิงสาวราวกับถ่านหินที่ดับแล้ว ในดวงตาของเธอแข็งทื่อด้วยความหวาดกลัว ในร่างที่ชาและผอมแห้งของเธอ ไม่มีความหวังสำหรับความช่วยเหลือใด ๆ !

แต่เมื่อไม่นานมานี้ ชีวิตก็เปล่งประกายในบ้านขนส่งเล็กๆ ไฟไหม้กำลังปะทุ กำลังเตรียมอาหารเย็นน้อยชิ้น และพนักงานต้อนรับก็ยุ่งอยู่ใกล้ไฟ ทุกคนในครอบครัวฝันว่าที่ไหนสักแห่งที่ห่างไกล ในดินแดนที่ไม่มีใครรู้จักและมีความสุข ชีวิตใหม่ที่มีความสุขจะเริ่มต้นขึ้นสำหรับเธอในไม่ช้า

ผู้ย้ายถิ่น (ผู้ย้ายถิ่นย้อนกลับ) พ.ศ. 2431

Ivanov จงใจแสวงหาความประทับใจเช่นนี้ เช่นเดียวกับ Perov ใน "Seeing Away for the Dead" เขาจำกัดความเศร้าโศกของเขาให้อยู่ในวงแคบของครอบครัวโดยละทิ้งร่างของผู้หญิงที่เห็นอกเห็นใจซึ่งอยู่ในร่างเบื้องต้นของภาพวาด เพื่อต้องการเน้นย้ำถึงความหายนะของผู้ตั้งถิ่นฐานเพิ่มเติม ศิลปินจึงตัดสินใจไม่รวมม้าที่อยู่ในภาพร่างไว้ในภาพด้วย.

พลังของการวาดภาพของ Ivanov ไม่ได้จบลงด้วยการแสดงช่วงเวลาที่เฉพาะเจาะจงตามความเป็นจริง งานนี้นำเสนอภาพทั่วไปของชีวิตชาวนาในรัสเซียหลังการปฏิรูป

แหล่งที่มา

http://www.russianculture.ru/formp.asp?ID=80&full

http://www.rodon.org/art-080808191839

Peredvizhniki รุ่นน้องมีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาศิลปะประชาธิปไตยของรัสเซียโดยสะท้อนถึงขั้นตอนชนชั้นกรรมาชีพของขบวนการปลดปล่อยในรัสเซียในรูปแบบต่างๆ เนื้อหาทางอุดมการณ์และวิธีการทางศิลปะที่แสดงออกได้รับการเสริมแต่งอย่างเห็นได้ชัดและบุคคลที่สร้างสรรค์ก็แสดงออกในรูปแบบต่างๆ

เอส.เอ. โคโรวิน(พ.ศ. 2401-2451) ธีมชาวนาดำเนินผ่านงานทั้งหมดของ Sergei Alekseevich Korovin การแบ่งชั้นของชนบทในรัสเซีย การเกิดขึ้นของคูลักกินโลกซึ่งกดขี่ชาวนาที่ไม่มีที่ดิน ได้รับการเปิดเผยอย่างมีความหมายและชัดเจนในภาพวาดของเขาเรื่อง "On the World" (1893, ill. 181) หมู่บ้านที่นี่ดูใหม่เอี่ยม: อดีตปิตาธิปไตยหายไป รูปลักษณ์ของชาวนาเปลี่ยนไป และความสัมพันธ์ระหว่างพวกเขาแตกต่างออกไป Korovin ทำงานกับองค์ประกอบมาเป็นเวลานานและเขียนภาพร่างมากมาย สายตาช่างสังเกตของศิลปินผู้รู้จักจิตวิทยาชาวนายุคใหม่ดีนั้นมองเห็นได้ในทุกสิ่ง

การจัดองค์ประกอบจะแนะนำให้ผู้ชมเข้าสู่พื้นที่ของภาพทันทีโดยเผยให้เห็นเนื้อเรื่อง - ข้อพิพาทระหว่างชายยากจนกับคูลัก และสีที่คงไว้ด้วยโทนสีเทาอมเหลืองบ่งบอกถึงสถานะของวันที่มีเมฆมากโดยเน้นเนื้อหาที่น่าทึ่งของโครงเรื่อง

อารมณ์ทั่วไปของผู้มาชุมนุมกันนั้นแสดงให้เห็นอย่างตรงไปตรงมาและน่าเชื่อถือ คนส่วนใหญ่ยังไม่สามารถเข้าใจสาระสำคัญของการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นกับการบุกรุกระบบทุนนิยมเข้ามาในชีวิตหมู่บ้าน ฝูงชนชาวนาถูกล่ามโซ่ไว้ในความเงียบงัน โดยมีสีหน้าสับสนเล็กน้อย ความสงสัยอย่างร้ายแรงแสดงออกมาในชายชรานั่งหันหลังให้ผู้ชม

Korovin เปรียบเทียบความโดดเดี่ยวของฝูงชนชาวนากับการสำแดงความรู้สึกอย่างเปิดเผยในหมู่ผู้โต้แย้งเอง ใบหน้าของชายผู้น่าสงสารซึ่งบิดเบี้ยวด้วยความโศกเศร้า และการเคลื่อนไหวอย่างกะทันหันของร่างนั้นแสดงให้เห็นถึงความเจ็บปวดทางอารมณ์ของชายผู้สิ้นหวัง ในภาพกำปั้นมีความนิ่ง ความหน้าซื่อใจคด และไหวพริบ

โคโรวินเปิดเผยความหมายของความขัดแย้งทางสังคมในหมู่บ้านอย่างลึกซึ้งและแม่นยำ โดยหลีกเลี่ยงรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ แต่ถ่ายทอดสถานการณ์ได้อย่างแม่นยำ เผยให้เห็นจุดยืนของพลเมืองที่ชัดเจน ความสำคัญทางศิลปะและการศึกษาของภาพวาดนั้นยิ่งใหญ่ - เอกสารแห่งยุคนี้มีชีวิตขึ้นมาด้วยภาพ

เอ.อี. อาร์คิปอฟ(พ.ศ. 2405-2473) ในบรรดานักเดินทางอายุน้อยกว่า Abram Efimovich Arkhipov ศิลปินที่มีพรสวรรค์ดั้งเดิมโดดเด่น เขามาจากชาวนาและรู้ดีถึงชีวิตที่ถูกบังคับของผู้คน ผลงานส่วนใหญ่ของเขาเช่นเดียวกับของ S. A. Korovin อุทิศให้กับหัวข้อเรื่องชาวนา มีองค์ประกอบที่กระชับและเต็มไปด้วยแสง อากาศ และการค้นพบที่งดงามเสมอ

ในภาพวาดชิ้นแรกของ Arkhipov เรื่อง "Visiting a Sick Person" (1885) ความสนใจมุ่งเน้นไปที่การพรรณนาชีวิตของครอบครัวชาวนาที่ยากจนอย่างละเอียดถี่ถ้วนและเป็นจริงและบทสนทนาที่น่าเศร้าของหญิงสูงอายุสองคน ภูมิทัศน์ที่มีแสงแดดสดใสในประตูที่เปิดอยู่บ่งบอกถึงการค้นหาสีสันใหม่ๆ

ผลงานที่โดดเด่นคือภาพวาด "ริมแม่น้ำ Oka" (พ.ศ. 2432, ป่วย พ.ศ. 235) โดยที่ Arkhipov วาดภาพชาวนากลุ่มหนึ่งนั่งอยู่บนเรือ พวกเขามีลักษณะเฉพาะวาดด้วยความอบอุ่นและความรู้ของตัวละครพื้นบ้านและภูมิทัศน์ในฤดูร้อนนั้นสดใสและสวยงามมากจนภาพนี้ได้รับการต้อนรับจากคนรุ่นราวคราวเดียวกันว่าเป็นการเปิดเผยทางศิลปะ

Arkhipov ชอบความงามที่เรียบง่ายของธรรมชาติรัสเซียและจับมันไว้ในบทกวี เพลง “Reverse” ของเขา (พ.ศ. 2439) เต็มไปด้วยความรู้สึกที่ไพเราะลึกซึ้ง องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในแบบดั้งเดิม: เก้าอี้ถูกตัดออกครึ่งหนึ่งโดยขอบล่างของผ้าใบคนขับนั่งโดยหันหลังให้ผู้ชม - ดูเหมือนว่าพวกเราเองกำลังขับรถข้ามทุ่งกว้างนี้ระฆังก็ดังขึ้น และเพลงที่ไพเราะและเสรีก็ไหลออกมา โทนสีชมพูที่ละลายของท้องฟ้าที่กำลังซีดจาง สีหญ้าที่เงียบงัน และถนนที่เต็มไปด้วยฝุ่น สื่อถึงอารมณ์ของวันที่กำลังจะตายและแสงสว่าง ความเศร้าที่ไม่อาจอธิบายได้อย่างละเอียด

Arkhipov อุทิศภาพวาด "Chairwomen at an Iron Foundry" (1896) ให้กับภาพลักษณ์ของคนงานหญิง ชะตากรรมที่สิ้นหวังของคนงานชาวรัสเซียสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานที่ดีที่สุดของ Arkhipov เรื่อง "The Laundresses" ซึ่งเป็นที่รู้จักในสองเวอร์ชัน - ใน State Tretyakov Gallery และ State Russian Museum (ปลายทศวรรษ 1890, ill. XIII)

ศิลปินพาผู้ชมไปยังห้องใต้ดินที่มืดมิดและอับชื้นของห้องซักรีดอันเลวร้าย โดยวาดภาพออกเป็นชิ้นๆ องค์ประกอบดูเหมือนแย่งชิงไปจากชีวิต ดูเหมือนเราจะบังเอิญมองเข้าไปในห้องนี้และหยุดอยู่ตรงหน้าปรากฏการณ์ที่เปิดออก ด้วยโทนสีจางอย่างรวดเร็วและกว้าง Arkhipov ถ่ายทอดร่างของร้านซักผ้าที่ทำงานพื้นเปียกของห้องซักรีดอากาศที่อิ่มตัวด้วยความชื้นและแสงพลบค่ำที่ส่องลงมาจากหน้าต่าง ภาพที่น่าจดจำของหญิงชราที่อยู่เบื้องหน้ากำลังนั่งพักผ่อน: งอหลังอย่างเหนื่อยล้า ศีรษะล้มลงบนมือ คิดหนักบนใบหน้า ดูเหมือนว่าศิลปินจะพูดถึงชะตากรรมของคนงานหญิงทุกคน

สะท้อนให้เห็นถึงชีวิตที่ไร้ความสุขของคนทำงาน Arkhipov ไม่เคยสูญเสียศรัทธาในความแข็งแกร่งที่ไม่สิ้นสุดและความหวังสำหรับอนาคตที่ดีกว่า หลักการมองโลกในแง่ดีที่สดใสครอบงำผลงานส่วนใหญ่ของเขา ซึ่งเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในช่วงทศวรรษ 1900 ในช่วงก่อนเกิดเหตุการณ์ปฏิวัติครั้งใหญ่

ทิวทัศน์ทางตอนเหนือของ Arkhipov มีลวดลายที่เรียบง่ายและมีลักษณะที่ไม่ธรรมดาเมื่อมองแวบแรก กระท่อมโดดเดี่ยว ขอบฟ้า บางครั้งก็โปร่งใส บางครั้งก็ขุ่นมัว พื้นผิวของแม่น้ำ แต่ช่างมีเสน่ห์เหลือเกินที่ศิลปินดึงออกมาจากลวดลายเหล่านี้และจานสีเทาที่เรียบง่าย! ภาพวาดของ Arkhipov เต็มไปด้วยความรู้สึกร่าเริงและเห็นพ้องชีวิตของคนรัสเซียที่เรียบง่ายซึ่งเกิดในการสื่อสารอย่างใกล้ชิดกับธรรมชาติของเขาเอง

แสงอาทิตย์อันสดใสแทรกซึมผลงานของ Arkhipov ที่อุทิศให้กับชีวิตชาวนา ผืนผ้าใบสีสันสดใสของเขาแสดงความชื่นชมต่อสุขภาพกายและศีลธรรมของชาวรัสเซีย ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่จานสีของเขาเปลี่ยนไป กลายเป็นสีที่ตัดกันและมีการตกแต่งที่กว้างขวางมากขึ้น Arkhipov ยังคงทำงานชุดนี้ต่อไปหลังการปฏิวัติสังคมนิยมครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม

เอส.วี. อีวานอฟ(พ.ศ. 2407-2453) หนึ่งในผู้สืบทอดประเพณีแห่งความสมจริงเชิงวิพากษ์ที่สอดคล้องกันมากที่สุดคือ Sergei Vasilyevich Ivanov ในสภาวะทางประวัติศาสตร์ใหม่ เขาสามารถเห็นความขัดแย้งอันลึกซึ้งของความเป็นจริงของรัสเซีย และผลงานของเขาสามารถตอบคำถามเร่งด่วนมากมายได้

Ivanov อุทิศผลงานชุดใหญ่ให้กับชะตากรรมของชาวนาพลัดถิ่นและการบังคับเร่ร่อนไปทั่วรัสเซีย ชะตากรรมอันน่าเศร้าของครอบครัวที่สูญเสียคนหาเลี้ยงครอบครัวสะท้อนให้เห็นในภาพที่ดีที่สุดของซีรีส์นี้ - "บนถนน ความตายของผู้อพยพ" (พ.ศ. 2432, อิลลินอยส์ 184)

ด้วยความรู้สึกแห่งความจริงที่ไม่มีวันเสื่อมสลาย S.V. Ivanov เล่าเรื่องราวอันงดงามที่เต็มไปด้วยเนื้อหาที่จริงใจ ฉากทั้งหมดได้รับการคัดสรรรายละเอียดในชีวิตประจำวันอย่างพิถีพิถันเขียนด้วยมือที่ระมัดระวัง และทำให้โครงเรื่องมีความสมจริงของเหตุการณ์มีชีวิตที่เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาเรา พบขนาดของตัวเลขที่เกี่ยวข้องกับพื้นที่ของภูมิประเทศอย่างเชี่ยวชาญ: เมื่อมุ่งหน้าสู่ขอบฟ้าอันไกลโพ้นมันทำให้นึกถึงการเดินทางที่ยาวนานและยากลำบากไปตามดินแดนที่แห้งแล้งด้วยความร้อน คนที่โดดเดี่ยว ไร้ที่พึ่ง และทนทุกข์ท่ามกลางความเงียบงันของธรรมชาติคือแก่นแท้ของแนวคิดสร้างสรรค์ของศิลปิน

ในช่วงต้นทศวรรษ 1890 Ivanov กลายเป็นหนึ่งในนักประวัติศาสตร์กลุ่มแรก ๆ ของการต่อสู้เพื่อการปฏิวัติในรัสเซีย ย้อนกลับไปในปี พ.ศ. 2432 เขาได้วาดภาพ "Revolt in the Village" ซึ่งบอกเล่าเกี่ยวกับการประท้วงทางสังคมที่เพิ่มมากขึ้นในหมู่ชาวนา และในปี พ.ศ. 2434 เรื่อง "เวที" สายตาอันน่าสยดสยองของนักโทษที่นอนเคียงข้างกันบนพื้น ณ จุดเปลี่ยนเครื่องโดยเท้าเปล่าของพวกเขาถูกพันธนาการทำให้ศิลปินประทับใจ เฉพาะในส่วนลึกเท่านั้นที่คุณสังเกตเห็นการจ้องมองที่เฉียบแหลมของนักโทษบางคนที่มุ่งมาที่คุณ

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1890 Ivanov มักหันไปพูดถึงหัวข้อจากประวัติศาสตร์รัสเซียในศตวรรษที่ 16-17 ภาพวาดทางประวัติศาสตร์ของเขามีลักษณะทั่วไปในผลงานของจิตรกรร่วมสมัยส่วนใหญ่ นั่นคือการตีความวัตถุและสีสันตกแต่งในชีวิตประจำวัน แต่แตกต่างจากหลาย ๆ คน Ivanov ไม่ได้สนใจด้านสังคมของสิ่งที่เขาแสดงให้เห็น ตัวอย่างเช่นภาพวาด "การมาถึงของชาวต่างชาติในมอสโกแห่งศตวรรษที่ 17" (1901, ill. 185) ซึ่งถ่ายทอดลักษณะที่ถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของเมืองหลวงโบราณและลักษณะของผู้อยู่อาศัยได้อย่างสมบูรณ์แบบและ "ซาร์ . ศตวรรษที่ 16” (1902) ซึ่งคนรุ่นราวคราวเดียวกันมองว่าเป็นภาพเผด็จการเสียดสี

เหตุการณ์การปฏิวัติในปี พ.ศ. 2448-2550 จับ Ivanov และก่อให้เกิดกระแสความคิดสร้างสรรค์ครั้งใหม่ แม้กระทั่งก่อนวันงาน เขาก็อุทิศภาพวาด "Strike" ให้กับคนงานที่ก่อกบฏในโรงงาน ความสามารถเต็มเปี่ยมของเขาแสดงออกมาบนผืนผ้าใบขนาดค่อนข้างเล็ก "Execution" (1905) มันเป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดที่สะท้อนถึงการแก้แค้นอย่างนองเลือดของลัทธิซาร์ต่อประชาชน นี่เป็นภาพที่เคร่งครัดและกระชับ ซึ่งสร้างขึ้นจากคอนทราสต์ของแผนภาพที่ชัดเจน

บนผืนผ้าใบมีจัตุรัสร้าง เต็มไปด้วยแสงแดดยามเย็น เรียงรายไปด้วยบ้านที่ร่มเงาเป็นแนว และเงามืดอันโดดเดี่ยวของคนงานที่ถูกฆาตกรรม จากระนาบสว่างขนาดใหญ่และรูปร่างที่ไม่เคลื่อนไหวนี้ ศิลปินนำสายตาของผู้ชมไปสู่เชิงลึก ทางด้านซ้ายคุณจะเห็นแถวแรกของคอสแซคในควันดินปืน ทางด้านขวา - ผู้ประท้วง แบนเนอร์สีแดง - จุดที่สว่างที่สุด - เน้นองค์ประกอบส่วนนี้ มันสร้างความประทับใจให้กับเหตุการณ์โศกนาฏกรรมที่เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาเรา

ภาพวาดของ Ivanov ถูกมองว่าเป็นสัญลักษณ์ไม่เพียง แต่เป็นการแก้แค้นอย่างนองเลือดของผู้กบฏตามที่ศิลปินตั้งใจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชะตากรรมทั้งหมดของการปฏิวัติรัสเซียครั้งแรกซึ่งถูกปราบปรามอย่างไร้ความปราณีโดยลัทธิซาร์

เอ็น.เอ. กษัตคิน(พ.ศ. 2402-2473) นักเรียนของ V. G. Perov, Nikolai Alekseevich Kasatkin ในผลงานยุคแรกของเขาหันไปหาภาพพื้นบ้านและแผนการละคร ในไม่ช้าหัวข้อหลักของงานของเขาก็คือชีวิตของชนชั้นแรงงานและการต่อสู้เพื่อการปฏิวัติของชนชั้นกรรมาชีพรัสเซีย

เมื่อปี พ.ศ. 2435 Kasatkin ได้วาดภาพ "มันยาก" ซึ่งแสดงถึงการพบกันอันน่าเศร้าของคนงานหนุ่มที่ได้รับบาดเจ็บกับเจ้าสาวซึ่งเป็นช่างเย็บที่น่าสงสาร การแสดงสีหน้าเศร้าและวิตกกังวลบนใบหน้าของหญิงสาวแตกต่างกับความมุ่งมั่นและความมั่นใจของคนงาน ในตอนแรกภาพวาดนี้เรียกว่า "นกนางแอ่น" แต่ศิลปินถูกบังคับให้เปลี่ยนชื่อด้วยเหตุผลของการเซ็นเซอร์ แต่เนื้อหาทางการเมืองของผืนผ้าใบก็เข้าถึงผู้ชมโดยนึกถึงการนัดหยุดงานที่เกิดขึ้นตลอดเวลาในขณะนั้น

ในปีเดียวกันนั้น Kasatkin ได้ไปเยือนแอ่งโดเนตสค์เป็นครั้งแรกและตั้งแต่นั้นมาเป็นเวลาเก้าปีที่เขาอยู่ในหมู่คนงานเหมืองอย่างต่อเนื่องโดยศึกษาชีวิตและงานของพวกเขา ในตอนแรกพวกเขาไม่ไว้วางใจศิลปินโดยเข้าใจผิดว่าเขาเป็นสายลับที่ส่งมา แต่แล้วพวกเขาก็ตกหลุมรักเขาอย่างจริงใจ พวกเขาช่วยเขามากในการทำงานกับภาพที่ศิลปะรัสเซียยังไม่รู้จัก

ผลงานชิ้นแรกของ Kasatkin เกี่ยวกับชีวิตของคนงานเหมืองโดเนตสค์คือภาพวาด "การรวบรวมถ่านหินโดยคนจนในเหมืองที่ขุดได้" (พ.ศ. 2437) รูปภาพทั่วไปที่มีชีวิตชีวา การวาดภาพที่แม่นยำ และการวาดภาพที่เรียบง่ายซึ่งสอดคล้องกับโทนสีทั่วไปทำให้ผืนผ้าใบนี้โดดเด่น

Kasatkin เองก็ลงไปใต้ดินสังเกตสภาพที่น่าทึ่งของการทำงานหนักของคนงานเหมืองและเขียนด้วยความขมขื่น: "... ที่ซึ่งสัตว์ไม่สามารถทำงานได้ มีคนมาแทนที่มัน" แนวคิดนี้สะท้อนให้เห็นในภาพวาดขนาดเล็ก "Tyagolytsik Miner" (1896) สีเข้มพร้อมแสงสะท้อนสีแดงของหลอดไฟของคนงานเหมือง เช่นเดียวกับสัตว์ขนของ คนงานคลานอยู่ใต้ซุ้มโค้งที่ยื่นออกมาและลากเลื่อนที่บรรทุกถ่านหิน

ผลงานของ Kasatkin ในหัวข้อชีวิตของคนขุดแร่และภาพร่างจำนวนมากคือผืนผ้าใบ "Coal Miners. Shift" (1895, ill. 186) นี่เป็นผลงานชิ้นแรกของจิตรกรรมรัสเซียที่แสดงให้เห็นถึงความสามัคคีที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นแรงงาน แสงสลัวๆ จากตะเกียงของคนงานเหมืองและดวงตาสีขาวที่ริบหรี่ในความมืดมิดที่ไม่อาจทะลุผ่านได้เพิ่มความตึงเครียดให้กับภาพ ตรงกลางขององค์ประกอบคือคนงานเหมืองสูงอายุ ด้วยอาวุธที่อยู่ในมือ เขาก้าวตรงไปยังผู้ชมราวกับกำลังคุกคามที่กำลังเข้ามาใกล้

ในงานจำนวนหนึ่ง Kasatkin ได้เปิดเผยโลกแห่งจิตวิญญาณของชนชั้นกรรมาชีพที่ถูกกดขี่อย่างครอบคลุมและด้วยความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม ศิลปินได้รับพลังพิเศษในการเจาะเข้าไปในภาพบนผืนผ้าใบ "ภรรยาของคนงานในโรงงาน" (1901) ซึ่งถูกเซ็นเซอร์ของซาร์ถอดออกจากนิทรรศการ

ดูเหมือนว่าชะตากรรมอันมืดมนทั้งหมดของหญิงสาวที่อายุน้อย แต่มีประสบการณ์มากถูกจับได้ในร่างที่เหนื่อยล้าและจ้องมองอย่างแน่วแน่และมีมือหนึ่งล้มลงบนเข่าของเธอ สภาพจิตใจที่ซับซ้อนถูกถ่ายทอดออกมาบนใบหน้าที่อ่อนล้า มีความเจ็บปวด ความขมขื่น และความโกรธที่เพิ่งเกิดขึ้น - ทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องโดยธรรมชาติกับเหตุการณ์ทางการเมืองในสมัยนั้นและทำให้ผู้ชมคิด สีของเสื้อผ้าที่ถูกคุมขังอยู่ในโทนสีจะถูกแช่อยู่ในสภาพแวดล้อมสีเทาอมเหลือง สีซีดของใบหน้าเน้นด้วยผ้าพันคอสีขาวที่พาดไหล่

ข้อดีอันมหาศาลของ Kasatkin คือการที่เขาไม่เพียงมองเห็นสถานการณ์ที่ยากลำบากของชนชั้นแรงงานในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังสามารถสังเกตเห็นและรวบรวมความแข็งแกร่ง พลังงาน และการมองโลกในแง่ดีอีกด้วย ภาพลักษณ์ของ “Miner Woman” (1894, ill. 187) ถ่ายทอดบทกวีแห่งชีวิต เยาวชน สุขภาพกายและจิตวิญญาณ สีเงินอันอบอุ่นของผืนผ้าใบนี้ดูกลมกลืนกัน การเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นเองของร่างนั้นถูกจารึกไว้อย่างนุ่มนวลในภูมิทัศน์ที่มีแสงเป็นเรื่องจริงอย่างน่าประหลาดใจ

Kasatkin ซึ่งรู้จักชีวิตและอารมณ์ของคนงานเป็นอย่างดีและเห็นใจพวกเขาอย่างลึกซึ้ง กล่าวทักทายการปฏิวัติในปี 1905-1907 อย่างกระตือรือร้น เขารีบถ่ายภาพสถานการณ์และภาพใหม่ๆ โดยมองหาตัวแบบใหม่ๆ การศึกษา ภาพร่าง และภาพวาดจำนวนมากเป็นผลมาจากงานสร้างสรรค์จำนวนมาก

ในสภาวะที่ยากลำบากของช่วงเวลาที่ปั่นป่วนไม่ใช่ทุกสิ่งที่โจมตี Kasatkin ก็สามารถค้นหาการนำเสนอที่สมบูรณ์และครบถ้วนได้ แต่แต่ละรายการแม้แต่ภาพร่างคร่าวๆก็มีคุณค่าทางสารคดีและศิลปะที่สำคัญ ภาพวาดของศิลปินที่สร้างขึ้นในเวลานั้นมีความสำคัญในเนื้อหาทางอุดมการณ์และเป็นพยานถึงการค้นหาองค์ประกอบที่เข้มข้นทางอารมณ์ ตัวอย่างหนึ่งคือภาพวาด "The Last Journey of a Spy" (1905)

Kasatkin ทำงานอย่างกระตือรือร้นในองค์ประกอบหลายร่างเรื่อง "Attack of the Factory by Women Workers" (1906) ซึ่งมีฉากแอ็กชันดราม่าที่ซับซ้อนเกิดขึ้น การเคลื่อนไหวของฝูงชนกลุ่มใหญ่ที่เดือดพล่านและอิริยาบถที่หลากหลายถูกถ่ายทอดออกมาที่นี่ด้วยการแสดงออก ฉันจำภาพร่างของภาพวาดนี้ได้บ้าง โดยเฉพาะภาพหญิงสูงวัย โกรธเกรี้ยว เรียกร้องให้มีการลุกฮือ

ความสำคัญทางอุดมการณ์และศิลปะโดยเฉพาะของผืนผ้าใบขนาดเล็ก "คนงานสงคราม" (1905, ill. 188) Kasatkin มองเห็นและจับภาพลักษณะของผู้เข้าร่วมที่แข็งขันในการปฏิวัติรัสเซียครั้งแรก รูปร่างหน้าตาท่าทางการเดินใบหน้าที่เคร่งครัด - ทุกอย่างพูดถึงโลกแห่งจิตวิญญาณของมนุษย์ในยุคปัจจุบัน - ความกล้าหาญและความมุ่งมั่นความสงบและไม่ยืดหยุ่นการตระหนักถึงความสำคัญของเป้าหมายและความสุภาพเรียบร้อยอันสูงส่ง บุคคลเช่นนี้สามารถเป็นผู้นำหน่วยรบปฏิวัติได้อย่างแท้จริง ภาพนี้สะท้อนถึงฮีโร่ของเรื่อง "Mother" โดย A. M. Gorky

แอล.วี. โปปอฟ(พ.ศ. 2416-2457) Lukyan Vasilyevich Popov เป็นหนึ่งในตัวแทนรุ่นเยาว์ของกลุ่ม Wanderers ด้วยความอ่อนไหวเป็นพิเศษ เขาสังเกตเห็นการเปลี่ยนแปลงทางสังคมในหมู่บ้าน ซึ่งในเวลานั้นความรู้สึกของการปฏิวัติแทรกซึมเข้ามาอย่างแข็งขัน ภาพวาดของเขา "สู่พระอาทิตย์ตก ผู้ก่อกวนในหมู่บ้าน" (2449), "ในหมู่บ้าน (ลุกขึ้นลุกขึ้น!..)" (2449-2450 อิลลินอยส์ 183) "สังคมนิยม" (2451) ตื้นตันไปด้วยความอบอุ่น ความเห็นอกเห็นใจต่อวีรบุรุษผู้กล้าหาญและกล้าหาญเป็นเอกสารที่แท้จริงของชีวิตชาวนาในช่วงก่อนและช่วงการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2448-2550

งานของ A.P. Ryabushkin และ M.V. Nesterov ก็เกี่ยวข้องกับประเพณีของผู้พเนจรเช่นกัน อย่างไรก็ตามในงานของพวกเขาในลักษณะพิเศษและก่อนหน้านี้มีภารกิจสร้างสรรค์ใหม่ ๆ ปรากฏให้เห็นซึ่งกลายเป็นเรื่องปกติของศิลปะในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20

เอ.พี. ไรบุชกิน(พ.ศ. 2404-2447) Andrei Petrovich Ryabushkin สามารถเรียกได้ว่าเป็นศิลปินแห่งชาติ ชีวิตและงานทั้งหมดของเขาหลังจากที่นักเรียนใช้เวลาหลายปีในโรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรม รวมถึงที่ Academy of Arts เกิดขึ้นในหมู่บ้าน ศิลปะของเขาเป็นการตอบสนองต่อกระบวนการทางประวัติศาสตร์ของการใช้อักษรตัวพิมพ์ใหญ่ของรัสเซียเมื่อ "รากฐานเก่าของการทำฟาร์มชาวนาและชีวิตชาวนาซึ่งเป็นรากฐานที่ยึดถือมานานหลายศตวรรษถูกทำลายลงอย่างรวดเร็วเป็นพิเศษ" * . Ryabushkin กวีนิพนธ์สมัยก่อนซึ่งเป็นที่รักของเขาวิถีชีวิตแบบดั้งเดิมและลักษณะที่มั่นคงของภาพลักษณ์ประจำชาติ

* (Lenin V.I. Leo Tolstoy ในฐานะกระจกเงาแห่งการปฏิวัติรัสเซีย - เต็ม. ของสะสม อ้าง. เล่ม 17, น. 210.)

ภาพวาดประเภท Ryabushkin โดดเด่นด้วยลักษณะของความสงบและความเงียบ พรรณนาถึงบรรยากาศปิตาธิปไตยของงานแต่งงานในหมู่บ้าน (“ รอคู่บ่าวสาวจากมงกุฎในจังหวัดโนฟโกรอด”, พ.ศ. 2434) ศิลปินเน้นย้ำถึงความใจเย็นและมารยาทของชาวนาที่กำลังนั่ง

ในช่วงทศวรรษที่ 1890 Ryabushkin กลายเป็นปรมาจารย์ด้านการวาดภาพประวัติศาสตร์และชีวิตประจำวันของรัสเซีย ในอดีตอันไกลโพ้นของรัสเซีย เขาสนใจชีวิตประจำวันของกรุงมอสโกเก่ามากที่สุด การฟื้นฟูเกิดขึ้นในช่วงฤดูใบไม้ผลิที่ละลายในภาพวาด "ถนนมอสโกแห่งศตวรรษที่ 17 ในวันหยุด" (พ.ศ. 2438) นี่คือเด็กผู้หญิงในใบปลิวสีแดงถือเทียนอย่างระมัดระวังและผู้ชายธรรมดาในชุดกระโปรงยาวและโบยาร์ที่หยิ่งผยองขับรถไปตามถนนสกปรกและขอทานตาบอด เสื้อผ้าหลากสีสันที่ตกแต่งด้วยเครื่องประดับของรัสเซีย ภาพสะท้อนสีฟ้าของท้องฟ้าในแอ่งน้ำ โดมโบสถ์หลากสีสัน และการจราจรที่มีชีวิตชีวาโดยทั่วไปทำให้ภาพนี้เป็นเทศกาล

บุคลิกที่สดใสของ Ryabushkin แสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุดในภาพวาดปี 1901 เรื่อง "Riding" (ป่วย 189) และ "Wedding Train in Moscow (ศตวรรษที่ 17)" (ป่วย 190) ภาพแรกโดดเด่นด้วยองค์ประกอบที่โดดเด่นและแปลกตา แสดงให้เห็นชาวมอสโกที่กำลังรอชาวต่างชาติ นี่เป็นเหมือนชิ้นส่วนที่ฉกฉวยมาจากภาพชีวิตของชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ใบหน้าของพวกเขาสะท้อนถึงความอยากรู้อยากเห็น ความไร้เดียงสา และความภาคภูมิใจในตนเอง จุดสีขนาดใหญ่ของนักธนูสีเหลือง แดง และเขียว ตลอดจนเสื้อผ้าหลากสีสันของชาวเมือง ทำให้ภาพมีโทนสีหลักและมีลักษณะการตกแต่งที่เด่นชัด

ภาพวาด "รถไฟแต่งงานในมอสโก (ศตวรรษที่ 17)" เต็มไปด้วยบทกวีสมัยโบราณของรัสเซีย ความเงียบงันของเย็นฤดูใบไม้ผลิในหมอกควันสีม่วงที่มอสโกจมอยู่และร่างที่โดดเดี่ยวของหญิงสาวชาวมอสโกผู้เศร้าโศกนั้นตรงกันข้ามกับรถไฟเทศกาลอันงดงามที่ผ่านไปอย่างรวดเร็ว ความร่างของภาพวาดซึ่งตรงกันข้ามกับภูมิทัศน์ที่ทาสีหนาแน่นกว่าการระบายสีที่เบาลงเหมือนปูนเปียกจังหวะที่พบอย่างละเอียดทั่วทั้งกลุ่มกลาง - ทั้งหมดนี้ทำให้ Ryabushkin สามารถถ่ายทอดรูปลักษณ์ของเมืองรัสเซียในยุคสมัยอันห่างไกลได้อย่างเต็มที่

"Tea Party" ของ Ryabushkin (1903) ซึ่งเขียนขึ้นหนึ่งปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตมีการแสดงออกที่แปลกประหลาดและมีความหมายเป็นรูปเป็นร่าง นี่เป็นงานที่มีลักษณะวิจารณ์สังคม หากก่อนหน้านี้ Ryabushkin เลือกชีวิตชาวนาเชิงบวก ใจดี และสวยงามสำหรับภาพวาดประเภทของเขา ตอนนี้เขาวาดภาพโลกของหมู่บ้านที่ร่ำรวย มีบางอย่างของความเป็นอยู่ที่ดีของชนชั้นกลางในความสง่างามและพิธีการเย็นชาของการดื่มชา ในความแปลกประหลาดของภาพในความแข็งแกร่งของความเป็นพลาสติกของภาพซึ่งผิดปกติสำหรับ Ryabushkin ซึ่งชวนให้นึกถึงพาร์ซันโบราณใคร ๆ ก็สามารถอ่านการปฏิเสธของศิลปินต่อโลกนี้ที่ต่างด้าวสำหรับเขา

M. V. Nesterov(พ.ศ. 2405-2485) ยุคก่อนการปฏิวัติของความคิดสร้างสรรค์ของ Mikhail Vasilyevich Nesterov นั้นซับซ้อนและขัดแย้งกัน

เขาเริ่มต้นการเดินทางในงานศิลปะด้วยภาพวาดแนวเดียวกับภาพวาดของ Wanderers แต่ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1880 มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมากในงานของเขา ศิลปินเข้าสู่โลกแห่งความงามในอุดมคติโดยเชิดชูความบริสุทธิ์ของความรู้สึกทางศาสนาโดยวาดภาพชาวอารามและอาราม

ฤาษี Nesterov เก่าในภาพวาด "ฤาษี" (พ.ศ. 2431-2432) ซึ่งค่อยๆ เดินไปตามชายฝั่งของทะเลสาบที่เรียบเป็นกระจกอยู่ห่างไกลจากความกังวลของชีวิตอย่างไม่มีที่สิ้นสุด ภาพลักษณ์ของเขาเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับความงามของธรรมชาติอันเงียบสงบและความเงียบสงบ

ภูมิทัศน์มีบทบาทสำคัญในงานของ Nesterov Nesterov กวีแห่งธรรมชาติของรัสเซียสามารถเจาะลึกเข้าไปในโลกภายในของมนุษย์ได้เชื่อมโยงประสบการณ์ของฮีโร่ของเขากับสภาพและลักษณะของภูมิทัศน์อยู่เสมอ

ในภาพวาด "Vision to the Youth Bartholomew" (พ.ศ. 2432-2433, ill. 191) ตัวละครเพียงตัวเดียวคือเด็กหนุ่มหน้าซีดมือบางกำแน่นด้วยความปีติยินดีด้วยการสวดภาวนา แต่ตัวละครหลักของศิลปินยังคงเป็นภูมิทัศน์ของแถบรัสเซียตอนกลางซึ่งเป็นธรรมชาติทางจิตวิญญาณซึ่งศิลปินมอบชีวิตให้กับใบหญ้าทุกใบอย่างแท้จริง แต่ละคนมีส่วนร่วมในการถวายเกียรติแด่บ้านเกิด

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1890 - ต้นทศวรรษ 1900 ศิลปินได้สร้างชุดภาพวาดที่อุทิศให้กับชะตากรรมอันน่าสลดใจของหญิงชาวรัสเซียผู้ยอมจำนนและทนทุกข์ (“ เหนือแม่น้ำโวลก้า”,“ บนภูเขา”) ใน “The Great Tonsure” (พ.ศ. 2441) เขาแสดงให้เห็นขบวนแห่ที่น่าเศร้าของชาวอารามเล็ก ๆ ที่ซ่อนอยู่ท่ามกลางป่าทึบ โดยพาหญิงสาวที่ยังเต็มไปด้วยกำลังไปที่อาราม ใบหน้าที่โศกเศร้า ภาพเงาดำมืด แสงเทียนเล่มใหญ่สั่นไหว... ความโศกเศร้านั้นลึกล้ำ แต่บริเวณใกล้เคียงกลับเป็นโลกแห่งธรรมชาติที่สวยงาม ป่าบริสุทธิ์ และต้นเบิร์ชลำต้นบางของ Nesterovo

ในช่วงต้นทศวรรษ 1900 ทักษะของ Nesterov ในฐานะจิตรกรภาพบุคคลเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ที่นี่เผยให้เห็นด้านที่สมจริงของผลงานของศิลปินอย่างเต็มที่ที่สุด Nesterov วาดภาพบุคคลส่วนใหญ่ในเวลานี้โดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์เช่นเดียวกับในภาพวาด ซึ่งยืนยันถึงความเชื่อมโยงที่แยกไม่ออกระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ ในภาพเหมือนของ O. M. Nesterova (1906, ป่วยปี 192) ร่างของหญิงสาวที่นิสัยขี่ม้าสีดำโดดเด่นในเงามืดที่สวยงามตัดกับพื้นหลังของภูมิทัศน์ยามเย็นที่ไพเราะ สง่างามและสง่างามด้วยรูปลักษณ์ที่ดูชวนฝันเล็กน้อยหญิงสาวคนนี้เป็นตัวแทนของอุดมคติของเยาวชนความงามของชีวิตและความสามัคคีสำหรับศิลปิน

ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 1880 ผลงานของศิลปินชาวรัสเซียสามคนได้ก่อตั้งขึ้น ได้แก่ K. A. Korovin, M. A. Vrubel และ V. A. Serov พวกเขากำหนดความสำเร็จทางศิลปะของยุคนั้นอย่างสมบูรณ์ที่สุด ความซับซ้อนและความสมบูรณ์ของมัน

วี.เอ. เซรอฟ(พ.ศ. 2408-2454) ศิลปินที่สำคัญที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 คือ Valentin Aleksandrovich Serov งานของเขายังคงพัฒนางานศิลปะที่สมจริงอย่างต่อเนื่อง เพิ่มเนื้อหาให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น และขยายความเป็นไปได้ในการแสดงออก

งานศิลปะของ Serov มีความสดใสและหลากหลาย ประการแรก เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการถ่ายภาพบุคคลทางจิตวิทยา รูปภาพ และกราฟิก แต่พรสวรรค์ของเขาก็แสดงออกมาในภูมิทัศน์ ประเภทประวัติศาสตร์ ภาพประกอบในหนังสือ ศิลปะการตกแต่งและการตกแต่งที่ยิ่งใหญ่ ตั้งแต่วัยเด็ก Serov ถูกรายล้อมไปด้วยบรรยากาศแห่งศิลปะ พ่อของเขา A. N. Serov เป็นนักแต่งเพลงและนักดนตรีที่มีชื่อเสียง แม่ของเขาเป็นนักเปียโนที่มีพรสวรรค์ ครูของ Serov คือ I. E. Repin และที่ Academy of Arts - P. P. Chistyakov ประการแรกมีส่วนอย่างมากต่อการก่อตัวของรากฐานประชาธิปไตยในงานของ Serov และการปลุกความสนใจในการศึกษาชีวิตที่อยากรู้อยากเห็น ประการที่สองเขามีความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับกฎแห่งรูปแบบทางวิชาชีพ

ผลงานในช่วงแรกๆ ของ Serov - ภาพวาดบุคคลที่มีชื่อเสียงของเขา "Girl with Peaches" (1887, ill. X) และ "Girl Illuminated by the Sun" (1888) - ยกย่องศิลปินรุ่นเยาว์และนำเสนองานศิลปะของ Serov ในยุคแรกอย่างเต็มที่

“ Girl with Peaches” เขียนใน“ Abramtsevo” ซึ่งเป็นที่ดินของ S.I. Mamontov กับ Vera ลูกสาวของเขา ในภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมนี้ ภาพที่สร้างขึ้นโดยศิลปิน ต้องขอบคุณความสมบูรณ์ที่สำคัญของเนื้อหา จึงเติบโตเร็วกว่ากรอบของภาพบุคคลแต่ละภาพ โดยรวบรวมหลักการสากลของมนุษย์ ในเด็กสาววัยรุ่นที่มีใบหน้าจริงจังและจ้องมองอย่างเข้มงวดด้วยความยับยั้งชั่งใจและความเป็นธรรมชาติศิลปินสามารถถ่ายทอดบทกวีชั้นสูงของเยาวชนที่สดใสและบริสุทธิ์

ภาพนี้มีความสวยงามอย่างน่าอัศจรรย์ในภาพวาด มันถูกเขียนโดยใช้แสงเต็มที่ เบามาก และในเวลาเดียวกันก็เป็นรูปธรรม สีโปร่งใสของเขาบริสุทธิ์ผิดปกติเต็มไปด้วยแสงและอากาศ ถ่ายทอดปฏิกิริยาตอบสนองจากแสงได้อย่างชัดเจน ความสดใหม่ของสีของ "Girl with Peaches" ซึ่งครั้งหนึ่งทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันประหลาดใจตลอดจนความเรียบง่ายตามธรรมชาติขององค์ประกอบที่รอบคอบทำให้ภาพนั้นทัดเทียมกับผลงานจิตรกรรมที่ดีที่สุดในโลก

Serov พัฒนาธีมเรื่องวัยเยาว์แบบเดียวกันใน "The Girl Illuminated by the Sun" เนื้อหาของภาพบุคคลนั้นเป็นความรู้สึกสนุกสนานเช่นเดียวกันกับความงามทางจิตวิญญาณของบุคคลและความสมบูรณ์ของการเป็นอยู่

ทศวรรษที่ 1890 เป็นก้าวต่อไปของความคิดสร้างสรรค์ของ Serov ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ศิลปินมักวาดภาพผู้คนด้วยงานศิลปะ และตอนนี้เขาต้องการเปิดเผยบุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของพวกเขาก่อนอื่น การจ้องมองเป็นพิเศษของ N. S. Leskov (1894) สื่อถึงความรอบคอบของนักเขียนสัจนิยมที่มีความอยากรู้อยากเห็น ความรอบคอบของ I. I. Levitan คล้ายกับความรู้สึกเชิงกวีของศิลปินความง่ายในการวางท่าของ K. A. Korovin (1891, ill. 193) เป็นการแสดงออกถึงอิสรภาพและความเป็นธรรมชาติของงานศิลปะของเขาอย่างมีเอกลักษณ์

ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 1880 นอกเหนือจากการถ่ายภาพบุคคลแล้ว Serov ยังวาดภาพทิวทัศน์อีกด้วย บ่อยครั้งที่เขาพบลวดลายใน Abramtsevo และ Domotkanovo ซึ่งเป็นที่ตั้งของที่ดินของเพื่อนของเขา Derviz ในช่วงทศวรรษที่ 1890 รูปภาพของธรรมชาติในชนบทที่เรียบง่ายเริ่มเข้ามามีบทบาทมากขึ้นในงานศิลปะภูมิทัศน์ของ Serov บ่อยครั้งที่ศิลปินแนะนำรูปชาวนาในภาพวาดของเขาราวกับนำภูมิทัศน์เข้ามาใกล้กับแนวเพลงในชีวิตประจำวันมากขึ้น ("ตุลาคม Domotkanovo", พ.ศ. 2438, ป่วย พ.ศ. 247, "ผู้หญิงกับม้า", พ.ศ. 2441) I. E. Grabar เรียกศิลปินว่า "ชาวนา Serov" อย่างแม่นยำสำหรับทิวทัศน์ของเขา ประชาธิปไตยในงานศิลปะของเขาสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนเป็นพิเศษในตัวพวกเขา

ในช่วงทศวรรษที่ 1900 งานของ Serov มีความซับซ้อนมากขึ้นอย่างเห็นได้ชัด สถานที่หลักในนั้นยังคงมีภาพวาดบุคคลอยู่ นอกจากนี้ เขายังคงวาดภาพทิวทัศน์และทำงานภาพประกอบสำหรับนิทานของ I. A. Krylov ซึ่งเริ่มต้นในปี 1890 ความสนใจของเขาในปัจจุบันรวมถึงการวาดภาพตกแต่งทางประวัติศาสตร์และอนุสาวรีย์อย่างต่อเนื่อง

ในช่วงทศวรรษที่ 1900 การวาดภาพบุคคลของ Serov มีความหลากหลายมากขึ้น มีการเพิ่มภาพบุคคลในพิธีทางสังคมจำนวนมากลงในภาพบุคคลที่อยู่ใกล้เขา ศิลปินยังคงซื่อสัตย์ต่อการแสดงลักษณะนิสัยของเขาและเรียกร้องตัวเองอย่างไม่หยุดยั้ง โดยไม่ยอมให้การแสดงของเขามีความประมาทเลินเล่อหรือความชื้นแม้แต่น้อย เหมือนเมื่อก่อน พื้นฐานของงานศิลปะภาพเหมือนของเขายังคงเป็นการเปิดเผยทางจิตวิทยาของภาพ แต่ตอนนี้ Serov มุ่งความสนใจไปที่ลักษณะทางสังคมของแบบจำลอง ในการถ่ายภาพบุคคลของตัวแทนชั้นนำของกลุ่มปัญญาชนชาวรัสเซีย เขามุ่งมั่นที่จะจับภาพและเน้นย้ำถึงคุณสมบัติทางสังคมที่โดดเด่นและเป็นแบบฉบับของพวกเขามากที่สุดโดยมีความชัดเจนมากขึ้นกว่าเดิม ในภาพเหมือนของ A. M. Gorky (1905, ill. 195) ด้วยความเรียบง่ายของรูปลักษณ์ทั้งหมดของเขา เสื้อผ้าของช่างฝีมือ และท่าทางของผู้ก่อกวน ศิลปินเน้นย้ำถึงประชาธิปไตยของนักเขียนชนชั้นกรรมาชีพ ภาพเหมือนของ M. N. Ermolova (1905, ill. 196) เป็นอนุสรณ์สถานอันงดงามสำหรับนักแสดงโศกนาฏกรรมที่มีชื่อเสียง และศิลปินเป็นผู้ใต้บังคับบัญชาการมองเห็นทั้งหมดเพื่อระบุความคิดนี้ ล็อบบี้ของคฤหาสน์ของ Ermolova ซึ่งเธอโพสต์ให้ Serov ถูกมองว่าเป็นเวทีและด้วยการสะท้อนของเศษเสาหินในกระจกเช่นเดียวกับหอประชุม Ermolova เองในชุดเดรสสีดำที่เข้มงวดและเคร่งขรึมของเธอซึ่งตกแต่งด้วยเชือกไข่มุกเท่านั้นนั้นดูสง่างามและเป็นแรงบันดาลใจ

ภาพวาดของลูกค้าผู้สูงศักดิ์ของ Serov นั้นแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ภาพบุคคลในพิธีของคู่สมรส Yusupov, S. M. Botkina, O. K. Orlova (ป่วยปี 197) และอื่น ๆ อีกมากมายมีลักษณะคล้ายกับภาพบุคคลของวันที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เฟอร์นิเจอร์อันวิจิตรงดงามและห้องน้ำของผู้หญิงที่หรูหราได้รับการทาสีด้วยทักษะอันยอดเยี่ยม ในการพรรณนาถึงผู้คน Serov เน้นย้ำถึงคุณสมบัติทางสังคมโดยทั่วไปที่บ่งบอกลักษณะของชนชั้นที่พวกเขาอยู่ ภาพบุคคลเหล่านี้ดังที่ V. Ya. Bryusov กล่าวว่ามักจะตัดสินคนรุ่นราวคราวเดียวกันซึ่งยิ่งแย่กว่านั้นเพราะทักษะของศิลปินทำให้การตัดสินนี้เป็นที่ตัดสิน

ในบรรดาภาพบุคคลของ Serov หนึ่งในสถานที่แรก ๆ ถูกครอบครองโดยภาพเหมือนของ M. A. Morozov (1902) ซึ่งแสดงโดยมีฉากหลังเป็นห้องนั่งเล่นของคฤหาสน์ที่ตกแต่งอย่างสวยงามของเขา ชายคนนี้ได้รับการศึกษาซึ่งเป็นที่รู้จักจากกิจกรรมการกุศลที่กว้างขวางและความเข้าใจในศิลปะ แต่พื้นฐานของพ่อค้าผู้หาเงินในยุคของ Ostrovsky ยังมีชีวิตอยู่ในตัวเขา ที่นี่เขายืนอยู่ราวกับยังมีชีวิตอยู่พ่อค้าชาวยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 เติมเต็มผืนผ้าใบแคบ ๆ ด้วยร่างที่หนักหน่วงและมองตรงไปข้างหน้าด้วยการจ้องมองที่เฉียบแหลม แต่ยังเผยให้เห็นว่าเขาเป็นนักอุตสาหกรรม เช่นเดียวกับความเย่อหยิ่งของเจ้าหญิง O.K. Orlova ทำให้เธอเป็นตัวแทนของกลุ่มชนชั้นสูงในสังคมชั้นสูงในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ในช่วงเวลานี้ Serov ประสบความสำเร็จในการแสดงออกอย่างมากในการถ่ายภาพบุคคลของเขาเนื่องจากความสมบูรณ์ของวิธีการมองเห็นที่ใช้และรูปแบบทางศิลปะที่หลากหลายขึ้นอยู่กับลักษณะของงานที่ถูกสร้างขึ้น ดังนั้นในภาพเหมือนของนายธนาคาร V. O. Girshman (1911) Serov จึงพูดน้อยในรูปแบบโปสเตอร์และในภาพเหมือนของเจ้าหญิง Orlova พู่กันของเขาก็ได้รับการขัดเกลาและเย็นชา

ดังที่ได้กล่าวไปแล้วสถานที่สำคัญในงานของ Serov ในช่วงปี 1900 ถูกครอบครองโดยงานประพันธ์ทางประวัติศาสตร์ เขารู้สึกประทับใจเป็นพิเศษกับการพัฒนาอย่างรวดเร็วของชีวิตในรัสเซียในสมัยของพระเจ้าปีเตอร์มหาราช ในภาพวาดที่ดีที่สุดของวัฏจักรนี้ "Peter I" (1907, ill. 198) ศิลปินแสดงให้เห็นว่า Peter เป็นหม้อแปลงไฟฟ้าที่ทรงพลังของรัฐ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เขาสูงกว่าเพื่อนมาก การเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของปีเตอร์และข้าราชบริพารแทบจะไม่ตามเขาทันจังหวะที่ตึงเครียดของเส้นเชิงมุมที่เร่งรีบซึ่งแสดงภาพเงาอย่างคมชัดความตื่นเต้นของภูมิทัศน์ - ทั้งหมดนี้สร้างอารมณ์ของยุคปีเตอร์มหาราชที่มีพายุ

ด้วยความหลงใหลในความงดงามที่มีชีวิตของกรีซซึ่ง Serov มาเยือนในปี 1907 เขาจึงทำงานมาเป็นเวลานานและมีความกระตือรือร้นในเรื่องที่เป็นตำนาน ("The Rape of Europa", "Odysseus and Nausicaa") เช่นเคย เขาสร้างผลงานเหล่านี้บนพื้นฐานของการทำงานภาคสนามและการสังเกตอย่างรอบคอบ แต่การแก้ปัญหาในแง่ของแผงอนุสาวรีย์และการตกแต่งศิลปินค่อนข้างลดความซับซ้อนและทำให้รูปแบบพลาสติกดั้งเดิมในขณะที่ยังคงรักษาความมีชีวิตชีวาของความประทับใจไว้

ผลงานชิ้นสำคัญของ Serov ในช่วงปลายทศวรรษ 1890 - ต้นทศวรรษ 1900 - ชุดภาพประกอบสำหรับนิทานของ I. A. Krylov - เป็นหัวข้อของการดูแลเอาใจใส่อย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยของเขา ศิลปินเอาชนะคำอธิบายที่ขัดขวางเขาในช่วงแรกของการทำงานเกี่ยวกับนิทานและได้รับการพูดน้อยที่ชาญฉลาดและการแสดงออกของรูปแบบที่ค้นพบอย่างชาญฉลาด แผ่นงานที่ดีที่สุดคือผลงานศิลปะชิ้นเอกของ Serov ตาม Krylov ศิลปินไม่ได้ทำลายสัญลักษณ์เปรียบเทียบของนิทานและพยายามถ่ายทอดความหมายทางศีลธรรมในภาพวาดของเขา รูปภาพของสัตว์เผยให้เห็นคุณสมบัติของมนุษย์อย่างแท้จริง: สิงโตของ Serov นั้นเป็นศูนย์รวมของความแข็งแกร่งความฉลาดและความยิ่งใหญ่อยู่เสมอลาอย่างที่ควรจะเป็นคือการแสดงตัวตนของความโง่เขลาและกระต่ายก็เป็นคนขี้ขลาดที่แก้ไขไม่ได้

อิลลินอยส์ 199. V. A. Serov “ทหาร เหล่าผู้กล้า ความรุ่งโรจน์ของคุณอยู่ที่ไหน” K. อุบาทว์ 47.5 x 71.5 พ.ศ. 2448 เวลา

ผลงานของ Serov ทำให้เขาโดดเด่นในฐานะศิลปินที่มีประชาธิปไตย โดยยืนอยู่แถวหน้าของบุคคลที่ก้าวหน้าในวัฒนธรรมรัสเซีย Serov พิสูจน์ความภักดีของเขาต่อหลักการประชาธิปไตยไม่เพียงแต่ผ่านงานศิลปะเท่านั้น แต่ยังผ่านตำแหน่งสาธารณะของเขาด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงการปฏิวัติปี 1905-1907 เมื่อได้เห็น Bloody Sunday เมื่อวันที่ 9 มกราคม เขาจึงลาออกจากการเป็นสมาชิกเต็มรูปแบบของ Academy of Arts เนื่องจากผู้บัญชาการกองทหารที่สังหารหมู่ประชาชนคือประธานของ Academy, Grand Duke Vladimir Alexandrovich การประท้วงอย่างรุนแรงต่อความรุนแรงและความโหดร้ายของระบอบเผด็จการยังได้ยินในภาพวาดที่เป็นตัวหนาและกล่าวหาของศิลปินที่ตีพิมพ์ในนิตยสารเสียดสีในช่วงวันแห่งการปฏิวัติ (“ ทหารเด็กผู้กล้าหาญความรุ่งโรจน์ของคุณอยู่ที่ไหน” (ป่วย 199) “ มุมมองของการเก็บเกี่ยว” “ การกระจายการสาธิต ")

เค.เอ. โคโรวิน(พ.ศ. 2404-2482) Konstantin Alekseevich Korovin เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่ปูทางใหม่ในงานศิลปะและมีผลงานเป็นโรงเรียนสำหรับศิลปินหลายคนในรุ่นต่อ ๆ ไป

Korovin สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมมอสโก ซึ่งเป็นเวิร์กช็อปภูมิทัศน์ของ A.K. Savrasov, V.D. Polenov ผลงานของเขาจัดทำขึ้นโดยสอดคล้องกับภาพวาดกลางแจ้งของรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 1880 ("The Bridge", "Northern Idyll", "At the ระเบียง. Spanish Women Leonora and Ampara", ill. XI)

นับตั้งแต่ทศวรรษที่ 1890 เป็นต้นมา ถึงเวลาแล้วที่ Korovin จะต้องบรรลุวุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์ พรสวรรค์ของเขาได้รับการเปิดเผยอย่างสดใสไม่แพ้กันทั้งในการวาดภาพขาตั้ง โดยเฉพาะในทิวทัศน์ และในศิลปะการแสดงละครและการตกแต่ง

เสน่ห์ของงานศิลปะของ Korovin อยู่ที่ความอบอุ่นแสงแดดในความสามารถของศิลปินในการถ่ายทอดความประทับใจได้โดยตรงและเต็มตาในความมีน้ำใจของจานสีของเขาในสีสันที่หลากหลายของการวาดภาพทางศิลปะ

ในช่วงทศวรรษที่ 1890 เดียวกัน งานของ Korovin มีการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญ บางครั้งเขาพยายามที่จะถ่ายทอดสิ่งที่มองเห็นได้ในลักษณะที่ไม่เป็นธรรมชาติ การสังเกตธรรมชาติในระยะยาวเป็นช่องทางในการถ่ายโอนความรู้สึกของมัน โครงสร้างภาพและพลาสติกของงานศิลปะของ Korovin ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน บทบาทของรูปแบบการวาดภาพแบบร่างกำลังเพิ่มมากขึ้น และการวาดภาพเองก็มีความหุนหันพลันแล่น ซีดจาง และกว้างมากขึ้น การระบายสีได้รับความดังสนั่น ความตึงเครียด และความมีชีวิตชีวาในการตกแต่งมากขึ้น ("In Winter", 1894, ill. 200; "Summer", 1895; "Roses and Violets", 1912, ill. 201; "Wind", 1916)

ผลงานการแสดงละครของ Korovin ถูกสร้างขึ้นรายล้อมไปด้วยบุคคลสำคัญของโอเปร่าส่วนตัวของรัสเซีย S.I. Mamontov แต่เขาได้รับชื่อเสียงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในขณะที่ทำงานในโรงละครของจักรวรรดิในช่วงปี 1900 - 1910 Korovin เป็นหัวหน้าแผนกการผลิตของโรงละครบอลชอยมานานกว่ายี่สิบปี เขามีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการต่อสู้กับลัทธิอนุรักษ์นิยมและกิจวัตรที่ครองอยู่บนเวทีอย่างเป็นทางการโดยนำวัฒนธรรมทางศิลปะชั้นสูงมาสู่โรงละครเหล่านี้และร่วมกับปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงอีกหลายคนได้ยกระดับความสำคัญของศิลปินละครให้อยู่ในระดับร่วม -ผู้เขียนบทละคร Korovin เป็นปรมาจารย์ด้านการตกแต่งที่งดงาม มีประสิทธิภาพ อารมณ์ และความจริงในชีวิต ผลงานที่เขาออกแบบถือเป็นงานฉลองที่ตระการตาอย่างแท้จริง

ผลงานละครที่ดีที่สุดของ Korovin มักจะเกี่ยวข้องกับธีมประจำชาติ เช่น รัสเซีย มหากาพย์และเทพนิยาย ประวัติศาสตร์ และเหนือสิ่งอื่นใดคือธรรมชาติของมัน (โอเปร่าของ N. A. Rimsky-Korsakov เรื่อง "The Snow Maiden", 1909; โอเปร่าของ M. P. Mussorgsky "Khovanshchina" , 1911)

ม.เอ. วูเบล(พ.ศ. 2399-2453) ธรรมชาติมีน้ำใจต่อมิคาอิลอเล็กซานโดรวิชวรูเบล เธอมอบความสามารถด้านสีสันอันยอดเยี่ยมให้เขาเป็นของขวัญที่หายากในฐานะนักอนุสาวรีย์ เขาวาดภาพได้อย่างสวยงาม จินตนาการที่ล่องลอยของเขาช่างน่าทึ่งอย่างแท้จริง งานของ Vrubel มีความหมายลึกซึ้งและซับซ้อน พระองค์ทรงห่วงใยอุดมคติอันสูงส่งและความรู้สึกอันยิ่งใหญ่ของมนุษย์อยู่เสมอ เขาใฝ่ฝันที่จะ "ปลุกจิตวิญญาณจากเรื่องเล็กๆ น้อยๆ ในชีวิตประจำวันด้วยภาพอันงดงาม" งานศิลปะของเขาซึ่งแตกต่างไปจากความเฉยเมยมักจะตื่นเต้นโรแมนติกและมีจิตวิญญาณอยู่เสมอ

แต่อุดมคติของ Vrubel พัฒนาขึ้นในสภาวะที่เลวร้ายของชีวิตโดยรอบ ด้วยความต้องการที่จะหลีกหนีจากความขัดแย้งที่เห็นได้ชัด ศิลปินจึงพยายามถอนตัวเข้าสู่โลกแห่งภาพนามธรรม อย่างไรก็ตาม ด้วยความที่เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยม เขายังคงไม่สามารถแยกตัวเองออกจากความเป็นจริงได้ งานศิลปะของเขาสะท้อนให้เห็นและมีลักษณะเฉพาะของยุคนั้น

แม้จะเป็นนักศึกษา Vrubel ก็แตกต่างจากคนรอบข้าง เขาเดินไปสู่ความชำนาญ เกือบจะก้าวข้ามความเขินอายและข้อจำกัดของโรงเรียน สิ่งนี้แสดงให้เห็นในองค์ประกอบหลายร่างของเขาในหัวข้อที่กำหนดซึ่งเข้าถึงเขาได้ง่ายผิดปกติ ("พิธีหมั้นของแมรีถึงโจเซฟ") และในความคล่องแคล่วในเทคนิคสีน้ำและในความเป็นพลาสติกที่ละเอียดอ่อนของภาพบุคคลของเขา

บทบาทสำคัญในการสร้างความคิดสร้างสรรค์ของ Vrubel เล่นโดยครูของเขา P. P. Chistyakov ซึ่งปลูกฝังความเข้าใจที่สร้างสรรค์เกี่ยวกับรูปแบบในงานศิลปะในตัวเขาตลอดจนศิลปินขั้นสูงผู้เข้าร่วมในแวดวง Abramtsevo Vrubel เป็นหนี้ความสัมพันธ์เหล่านี้รวมถึงการรู้จักกับ N. A. Rimsky-Korsakov ในเวลาต่อมาด้วยการก่อตั้งมูลนิธิระดับชาติในงานของเขา

Vrubel อยู่ที่ Academy of Arts เป็นเวลาสี่ปี ในปี พ.ศ. 2427 เขาออกจากเคียฟเพื่อบูรณะและปรับปรุงภาพวาดฝาผนังของโบสถ์เซนต์ซีริล ของขวัญชิ้นใหญ่ของศิลปินถูกเปิดเผยแล้วในผลงานเหล่านี้และในภาพร่างที่ยังไม่เกิดขึ้นจริงสำหรับภาพวาดของมหาวิหารวลาดิมีร์ Vrubel ยังคงรักษาความดั้งเดิมอย่างลึกซึ้งโดยใช้ประเพณีของภาพวาดไบเซนไทน์และรัสเซียโบราณ ศิลปะยุคเรอเนซองส์ การแสดงความรู้สึกที่เน้นย้ำ สีสันที่เข้มข้น และการเขียนตามอารมณ์ ทำให้ภาพของเขาดูเป็นละครที่พิเศษ

ในปี พ.ศ. 2432 Vrubel ย้ายไปมอสโคว์ จากเวลานี้มาถึงช่วงเวลาแห่งการสร้างสรรค์ของเขาที่กำลังเบ่งบาน เขามีความชำนาญในงานศิลปะหลายประเภท นี่คือภาพวาดบนขาตั้ง ภาพประกอบในหนังสือ แผงตกแต่งขนาดใหญ่ และชุดโรงละคร Vrubel ดึงความสนใจจากชีวิตมามากและชอบมาจอลิก้า ศิลปินพัฒนาทักษะของเขาอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยเขามั่นใจว่า "เทคนิคคือภาษาของศิลปิน" ซึ่งถ้าไม่มีเขาจะไม่สามารถบอกผู้คนเกี่ยวกับความรู้สึกของเขาเกี่ยวกับความงามที่เขาได้เห็นได้ การแสดงออกถึงผลงานของเขาเพิ่มมากขึ้นด้วยการวาดภาพแบบไดนามิก สีสันที่แวววาวดุจอัญมณี และการวาดภาพทางจิตวิญญาณ

ธีมของปีศาจซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ M. Yu. Lermontov กลายเป็นหนึ่งในธีมหลักในงานของ Vrubel ด้วยความหลงใหลในความโรแมนติกระดับสูงของบทกวีเขาจึงอธิบายมัน ("Tamara in the Coffin", พ.ศ. 2433-2434) และสร้างภาพของตัวละครหลักที่ใกล้เคียงกับจิตวิญญาณของ Lermontov พลังแห่งการแสดงออกและทักษะ ในขณะเดียวกันศิลปินก็มอบคุณลักษณะที่แสดงออกและความแตกหักเพิ่มขึ้นซึ่งจะกลายเป็นตราประทับของเวลาของเขาในไม่ช้า เป็นเวลากว่าสิบปีที่ Vrubel กลับมาสู่ภาพลักษณ์ของปีศาจครั้งแล้วครั้งเล่า วิวัฒนาการของมันคือคำสารภาพอันน่าเศร้าของศิลปิน เขาจินตนาการว่าวิญญาณชั่วร้ายแห่งสวรรค์นี้จะสวยงาม น่าภาคภูมิใจ แต่โดดเดี่ยวอย่างไม่มีที่สิ้นสุด ในตอนแรกทรงพลัง ในช่วงรุ่งโรจน์ของชีวิต เขายังคงเชื่อว่าเขาจะพบกับความสุขบนโลก ("The Demon Seated", 1890, ill. XIV) ในเวลาต่อมา ปีศาจถูกบรรยายว่าไม่มีใครพิชิตได้ แต่แตกหักไปแล้วด้วยร่างกายที่แตกหัก ทอดยาวออกไปท่ามกลางภูเขาหินอันหนาวเย็น ("ปีศาจพ่ายแพ้", 2445) ในดวงตาของเขาที่เร่าร้อนด้วยความโกรธและปากที่แข็งกระด้างของเขา คุณสามารถสัมผัสได้ถึงวิญญาณที่กบฏและการลงโทษอันน่าสลดใจ

ในช่วงทศวรรษที่ 1890 ธีมอีกรูปแบบหนึ่งซึ่งมีชื่อว่าคติชนรัสเซียในยุคแรกเริ่ม ค่อยๆ เข้ามามีบทบาทในงานของ Vrubel ศิลปินยังคงดึงดูดฮีโร่ผู้แข็งแกร่งจากไททานิค แต่ตอนนี้พวกเขามีความดีและสันติสุข ในแผงอนุสาวรีย์และการตกแต่ง“ Mikula Selyaninovich” (พ.ศ. 2439) Vrubel พรรณนาถึงฮีโร่ผู้ยิ่งใหญ่ในฐานะชาวนาที่เรียบง่ายและมองเห็นตัวตนของความแข็งแกร่งของดินแดนรัสเซียในตัวเขา นั่นคือ "Bogatyr" (พ.ศ. 2441) ราวกับหลอมรวมเข้ากับม้าของเขาซึ่งเป็นอัศวินผู้ยิ่งใหญ่ - ไม่ได้ต่อสู้ แต่คอยปกป้องความสงบสุขของบ้านเกิดเมืองนอนของเขาอย่างระมัดระวัง

ภาพเทพนิยายของ Vrubel มีความสวยงาม พวกเขาผสมผสานความจริงของการสังเกต บทกวีลึกซึ้ง ความโรแมนติกอันประเสริฐ และจินตนาการที่เปลี่ยนแปลงทุกสิ่งที่ธรรมดาอย่างมีความสุข เธอเชื่อมโยงกับธรรมชาติอย่างแยกไม่ออก ในความเป็นจริงการทำให้จิตวิญญาณของธรรมชาติการแสดงตัวตนในบทกวีเป็นพื้นฐานของเทพนิยายของ Vrubel "Towards Night" (1900) ของเขาลึกลับและลึกลับ ใน "ปาน" (พ.ศ. 2442, ป่วย พ.ศ. 257) พรรณนาถึงเทพเจ้าแห่งป่าเขาด้วยเท้าแพะ มีมนุษยชาติอยู่มากมาย ในดวงตาสีซีดของเขาซึ่งจางหายไปนาน ความกรุณาและปัญญาอันเก่าแก่เปล่งประกาย ในขณะเดียวกันเขาก็เป็นเหมือนลำต้นเบิร์ชที่ฟื้นคืนชีพขึ้นมา ลอนผมสีเทาเป็นเหมือนลอนเปลือกไม้สีขาว และนิ้วเป็นปมปมปม “เจ้าหญิงหงส์” (พ.ศ. 2443 ป่วย พ.ศ. 256) เป็นทั้งเจ้าหญิงตาสีฟ้า ถักเปียยาวถึงเอว และเป็นนกแสนสวยที่มีปีกหงส์ ว่ายอยู่ในทะเลสีฟ้า

ความคิดและความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม จินตนาการที่กว้างไกลดึง Vrubel เข้าสู่โลกแห่งศิลปะที่ยิ่งใหญ่และกลายเป็นหนึ่งในทิศทางหลักในงานของเขา ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1890 หลังจากค้นพบรูปแบบของแผงอนุสาวรีย์และการตกแต่ง ศิลปินได้ดำเนินการตามคำสั่งจากผู้อุปถัมภ์ศิลปะผู้รู้แจ้ง (แผง "สเปน", ป่วย 202, "เวนิส" ซีรีส์ที่อุทิศให้กับบทกวี "เฟาสต์" ของเกอเธ่) . ด้วยความสมบูรณ์ของรูปร่าง พวกเขายังคงรักษาความละเอียดอ่อนของการพัฒนาพลาสติกและความลึกทางจิตวิทยาของภาพอยู่เสมอ

การถ่ายภาพบุคคลของ Vrubel ยังโดดเด่นด้วยความคิดริเริ่มและความสำคัญทางศิลปะ พวกเขาลึกซึ้งและแสดงออกมากศิลปินได้มอบจิตวิญญาณพิเศษให้กับนางแบบแต่ละคนและบางครั้งก็เป็นละครด้วยซ้ำ นี่คือภาพวาดของ S.I. Mamontov (1897) กวี Valery Bryusov (1906) ภาพเหมือนตนเองจำนวนมาก (เช่น 1904, ill. 205) และภาพเหมือนของภรรยาของเขานักร้องชื่อดัง N.I. Zabela-Vrubel

สิบปีสุดท้ายของชีวิตเขาเจ็บปวดสำหรับ Vrubel ของขวัญที่ยอดเยี่ยมของเขาต้องต่อสู้กับความเจ็บป่วยทางจิตอย่างรุนแรงมาเป็นเวลานาน ไม่สามารถถือแปรงในมือได้อีกต่อไปเขาวาดภาพมากทำให้คนรอบข้างประหลาดใจกับความบริสุทธิ์ของรูปแบบโครงสร้างของภาพวาด การมองเห็นก็ค่อยๆ หายไป Vrubel เสียชีวิตในช่วงรุ่งโรจน์ของพลังสร้างสรรค์ของเขา

V.E. Borisov-Musatov(พ.ศ. 2413-2448) แนวโน้มไปสู่การเขียนบทกวีซึ่งเป็นลักษณะของศิลปะรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 1890 - ต้นปี 1900 พบการแสดงออกในผลงานของ Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov ความสามารถด้านโคลงสั้น ๆ ของเขาเริ่มปรากฏให้เห็นตั้งแต่ช่วงปีแรก ๆ ของเขาด้วยภาพที่อ่อนโยนของลักษณะบทกวี แต่เฉพาะในช่วงปลายทศวรรษที่ 1890 เท่านั้นที่มีการกำหนดธีมที่ชื่นชอบของ Musatov และระบบที่เป็นรูปเป็นร่างและภาพของงานศิลปะของเขา ศิลปินมุ่งมั่นที่จะเข้าใจความสามัคคีในโลกด้วยความสามารถทั้งหมดของเขาและพยายามสร้างมันขึ้นมาใหม่ในจินตนาการโดยไม่เห็นมันรอบตัวเขา

ผลงานที่ดีที่สุดของ Musatov คือ "Spring" (1901), "Reservoir" (1902, ill. 206), "Emerald Necklace" (1903-1904) ศิลปินยังคงใกล้ชิดกับธรรมชาติ แต่ดูเหมือนว่าจะกลับชาติมาเกิดเป็นภาพความฝันอันวิจิตรงดงามราวกับภาพสัญลักษณ์ทางวรรณกรรม สูญเสียความชัดเจนของโครงร่างของชีวิตในรูปทรงที่พร่ามัวและจุดสีที่ไม่มั่นคง เขาอาศัยอยู่ในสวนสาธารณะที่เต็มไปด้วยความคิดของเขากับเด็กผู้หญิงที่เชื่องช้าราวกับกำลังฝัน แต่งตัวพวกเขาด้วยชุดในอดีต ห่อหุ้มพวกเขาและทุกสิ่งรอบตัวด้วยหมอกควันแห่งความโศกเศร้าเล็กน้อย

"โลกแห่งศิลปะ"- ปรากฏการณ์สำคัญในชีวิตศิลปะรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาไม่เพียงแต่วิจิตรศิลป์ในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโรงละคร ดนตรี สถาปัตยกรรม และศิลปะประยุกต์ด้วย

แหล่งกำเนิดของ "โลกแห่งศิลปะ" คือกลุ่มปัญญาชนแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1890 จำนวนนี้รวมถึงศิลปิน A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst ในช่วงปลายทศวรรษนี้ "โลกแห่งศิลปะ" ได้กลายเป็นสมาคมทางอุดมการณ์และศิลปะ V. A. Serov เข้ามามีส่วนร่วมสนับสนุนเขาด้วยอำนาจของเขา แกนกลางของกลุ่มเยาวชนถูกเติมเต็มโดย E. E. Lansere และ M. V. Dobuzhinsky S. P. Diaghilev ผู้อุทิศตนเพื่อผลประโยชน์ทางศิลปะมีบทบาทสำคัญขององค์กร ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2442 ถึง พ.ศ. 2447 สมาชิกของ World of Art ได้ตีพิมพ์นิตยสารวรรณกรรมและศิลปะ อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้รวมใจกันในจุดสนใจของเขา แผนกศิลปะซึ่งนำโดยปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์ที่โดดเด่น แตกต่างอย่างมากจากแผนกวรรณกรรมและปรัชญา ซึ่งเป็นแผนกสัญลักษณ์และศาสนา

นักเรียน World of Art ถือว่าเป้าหมายหลักของพวกเขาคือการต่ออายุงานศิลปะรัสเซีย การปรับปรุงวัฒนธรรมทางศิลปะ ทักษะ และความคุ้นเคยอย่างกว้างขวางกับประเพณีของมรดกจากต่างประเทศและในประเทศ พวกเขาทำงานหนักและประสบผลสำเร็จไม่เพียงแต่ในฐานะศิลปินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักประวัติศาสตร์ศิลปะ นักวิจารณ์ และผู้เผยแพร่ศิลปะคลาสสิกและสมัยใหม่ด้วย

โลกแห่งศิลปะมีบทบาทสำคัญในชีวิตศิลปะของรัสเซียในช่วงแรกของการดำรงอยู่ซึ่งกินเวลาประมาณสิบปี นักศึกษา World of Art ได้จัดนิทรรศการศิลปะในประเทศและต่างประเทศอย่างกว้างขวาง และเป็นผู้ริเริ่มความพยายามทางศิลปะมากมาย พวกเขาประกาศตัวเองว่าเป็นศัตรูกับทั้งนักวิชาการประจำและลัทธิชีวิตประจำวันเล็กๆ น้อยๆ ของนักเดินทางบางกลุ่มรุ่นหลัง

ในการฝึกฝนเชิงสร้างสรรค์ ศิลปิน Miriskus ดำเนินการจากการสังเกตชีวิตที่เฉพาะเจาะจง พรรณนาธรรมชาติและมนุษย์ร่วมสมัย และจากวัสดุทางประวัติศาสตร์และศิลปะ หันไปหาหัวข้อย้อนหลังที่พวกเขาชื่นชอบ แต่ในขณะเดียวกัน พวกเขาก็พยายามที่จะถ่ายทอดโลกในรูปแบบที่เปลี่ยนแปลงไป ในรูปแบบการตกแต่งและการยกระดับ และหนึ่งในภารกิจหลักถือเป็นการค้นหางานศิลปะสังเคราะห์แบบ "ยิ่งใหญ่"

ในช่วงปีแรก ๆ ของชีวิตสมาคม คนงาน World of Art ได้แสดงความเคารพต่อลัทธิปัจเจกนิยมที่แทรกซึมอยู่ในวัฒนธรรมยุโรปในช่วงหลายปีที่ผ่านมา และให้กับทฤษฎี "ศิลปะเพื่อประโยชน์ของศิลปะ" ต่อมาในทศวรรษก่อนการปฏิวัติ พวกเขาได้แก้ไขจุดยืนด้านสุนทรียภาพของตนเป็นส่วนใหญ่ โดยตระหนักว่าลัทธิปัจเจกชนเป็นภัยต่องานศิลปะ ในช่วงเวลานี้ ความทันสมัยกลายเป็นคู่ต่อสู้ทางอุดมการณ์หลักของพวกเขา

ในงานศิลปะสองประเภท ศิลปินของ World of Art ประสบความสำเร็จอย่างมากโดยเฉพาะ: ในด้านศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งซึ่งรวบรวมความฝันของพวกเขาเกี่ยวกับความกลมกลืนของศิลปะ การสังเคราะห์ และในกราฟิก

กราฟิกดึงดูดโลกแห่งศิลปะให้เป็นหนึ่งในรูปแบบศิลปะจำนวนมาก นอกจากนี้ พวกเขายังประทับใจกับรูปแบบห้องของมันซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในงานศิลปะหลายประเภทในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นอกจากนี้ กราฟิกยังต้องได้รับการดูแลเป็นพิเศษ เนื่องจากมีการพัฒนาน้อยกว่าการวาดภาพมาก ในที่สุด การพัฒนากราฟิกก็ได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยความก้าวหน้าในการพิมพ์ในประเทศ

ความคิดริเริ่มของกราฟิกขาตั้งของ "โลกแห่งศิลปะ" คือทิวทัศน์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเก่าและชานเมืองความงามที่ศิลปินร้องเพลงตลอดจนภาพวาดบุคคลซึ่งในงานของพวกเขาครอบครองสถานที่ที่เท่าเทียมกับ งดงาม. A. P. Ostroumova-Lebedeva มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อกราฟิกของต้นศตวรรษที่ 20; ในงานของเธอ งานแกะสลักไม้ถือเป็นรูปแบบศิลปะอิสระ งานโรแมนติกของ V.D. Falileev ผู้พัฒนาศิลปะการแกะสลักบนเสื่อน้ำมันนั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

ปรากฏการณ์ที่สำคัญที่สุดในด้านการแกะสลักคือผลงานของ V. A. Serov พวกเขาโดดเด่นด้วยความเรียบง่าย รูปแบบที่รุนแรง และทักษะการวาดภาพที่ยอดเยี่ยม Serov ยังพัฒนาการพัฒนาการพิมพ์หินด้วยการสร้างภาพบุคคลที่น่าทึ่งจำนวนหนึ่งด้วยเทคนิคนี้ โดยโดดเด่นด้วยการแสดงออกด้วยความประหยัดทางศิลปะที่น่าทึ่ง

ปรมาจารย์แห่ง "โลกแห่งศิลปะ" ประสบความสำเร็จอย่างมากในด้านภาพประกอบหนังสือ โดยยกระดับวัฒนธรรมศิลปะของหนังสือให้อยู่ในระดับสูง บทบาทของ A. N. Benois, E. E. Lanceray และ M. V. Dobuzhinsky มีความสำคัญอย่างยิ่งในเรื่องนี้ I. Ya. Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin และคนอื่น ๆ ทำงานอย่างมีประสิทธิผลในกราฟิกหนังสือ

ความสำเร็จที่ดีที่สุดของศิลปะภาพพิมพ์ในช่วงต้นศตวรรษ และโดยหลักแล้วคือโลกแห่งศิลปะ มีข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการพัฒนากราฟิกของโซเวียตอย่างกว้างขวาง

เอ.เอ็น. เบอนัวส์(พ.ศ. 2413-2503) Alexander Nikolaevich Benois ทำหน้าที่เป็นนักอุดมการณ์ของ "โลกแห่งศิลปะ" ความฉลาด การศึกษาในวงกว้าง และความเป็นสากลของความรู้เชิงลึกในสาขาศิลปะเป็นลักษณะของเบอนัวต์ กิจกรรมสร้างสรรค์ของเบอนัวต์มีความหลากหลายอย่างผิดปกติ เขาประสบความสำเร็จอย่างมากในด้านกราฟิกหนังสือและขาตั้ง เป็นหนึ่งในศิลปินละครเวทีและบุคคลสำคัญ นักวิจารณ์ศิลปะ และนักวิจารณ์ศิลปะชั้นนำ

เช่นเดียวกับศิลปินระดับโลกคนอื่นๆ เบอนัวต์ชอบธีมจากยุคก่อนๆ เขาเป็นกวีแห่งแวร์ซายส์ (ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือซีรีส์แวร์ซายสองเรื่องของเขา - "The Last Walks of Louis XIV", พ.ศ. 2440-2441 และซีรีส์ปี 2448-2449 อิลลินอยส์ 208) จินตนาการอันสร้างสรรค์ของศิลปินจุดประกายเมื่อเขาไปเยี่ยมชมพระราชวังและสวนสาธารณะในเขตชานเมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ประวัติศาสตร์รัสเซียสะท้อนให้เห็นในงานของเบอนัวต์ด้วย ในปี 1907-1910 เขาร่วมกับศิลปินชาวรัสเซียคนอื่น ๆ ทำงานอย่างกระตือรือร้นในภาพวาดในหัวข้อนี้สำหรับสำนักพิมพ์ I. Knebel ("Parade under Paul I", 1907; "การปรากฏตัวของจักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 ในพระราชวัง Tsarskoe Selo", 2452)

เบอนัวต์รวบรวมผลงานเรียงความทางประวัติศาสตร์ที่มีรายละเอียดของเขา ดำเนินการด้วยจินตนาการและทักษะอันยอดเยี่ยม พร้อมด้วยคนร่างเล็กๆ และอนุสรณ์สถานทางศิลปะที่ทำซ้ำอย่างประณีตและสวยงาม รวมถึงรูปลักษณ์ในชีวิตประจำวันของยุคนั้น

เบอนัวต์มีส่วนสำคัญในการออกแบบกราฟิกหนังสือ ผลงานของศิลปินส่วนใหญ่ในพื้นที่นี้เกี่ยวข้องกับผลงานของ A. S. Pushkin ในงานที่ดีที่สุดของเขา - ภาพประกอบสำหรับบทกวี "The Bronze Horseman" (1903-1923) เบอนัวต์เลือกเส้นทางของศิลปิน - ผู้เขียนร่วมซึ่งเป็นลักษณะของ "โลกแห่งศิลปะ" เขาเดินตามข้อความทีละบรรทัด แม้ว่าบางครั้งเขาจะเบี่ยงเบนไปจากข้อความนั้น โดยแนะนำหัวข้อของเขาเอง เบอนัวต์ให้ความสนใจหลักไปที่ความงามของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเก่า ซึ่งศิลปินระดับโลกค้นพบอีกครั้ง ตามหลังพุชกิน วาดภาพเมืองให้ชัดเจนและเงียบสงบ หรือสับสนในเชิงโรแมนติกในวันที่น้ำท่วมใหญ่

ภาพประกอบของเบอนัวต์สำหรับ "ราชินีแห่งโพดำ" ของพุชกินนั้นถูกจัดทำขึ้นด้วยทักษะระดับมืออาชีพที่ยอดเยี่ยมเช่นกัน แต่พวกเขามีความโดดเด่นด้วยการตีความข้อความของพุชกินอย่างเสรีมากขึ้นซึ่งบางครั้งก็เพิกเฉยต่อจิตวิทยาที่แทรกซึมอยู่ในเรื่องราว

เบอนัวส์มีส่วนร่วมในกิจกรรมการแสดงละครตลอดชีวิตสร้างสรรค์เกือบทั้งหมดของเขา เขาได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองในฐานะศิลปินละครที่ยอดเยี่ยมและเป็นนักวิจารณ์ละครที่ละเอียดอ่อน ในช่วงทศวรรษที่ 1910 ในช่วงเวลาแห่งความรุ่งโรจน์ในการสร้างสรรค์ของเขา Benois ทำงานที่ Moscow Art Theatre ร่วมกับ K. S. Stanislavsky และ V. I. Nemirovich-Danchenko ซึ่งมักจะไม่เพียง แต่เป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้กำกับด้วยและในปีแรกของการดำรงอยู่ "ฤดูกาลรัสเซีย" ในยุโรปเขาเป็นผู้กำหนดแนวทางทางศิลปะ ผลงานละครของเขายังโดดเด่นด้วยความแม่นยำในการสร้างสัญลักษณ์ทางศิลปะและสัญลักษณ์ประจำวันของยุคนั้นขึ้นมาใหม่ สอดคล้องกับเจตนารมณ์อันน่าทึ่งของผู้เขียนและรสนิยมทางศิลปะระดับสูง ผลงานละครโปรดของเบอนัวส์คือบัลเล่ต์ชื่อดังของ I.F. Stravinsky "Petrushka" (1911) เบอนัวต์ไม่เพียงแต่รับผิดชอบในการออกแบบเท่านั้น เขาเป็นผู้แต่งบทและมีส่วนร่วมในการผลิต

เค.เอ. โซมอฟ(พ.ศ. 2412-2482) ลักษณะเฉพาะไม่น้อยของ "โลกแห่งศิลปะ" คือผลงานของ Konstantin Andreevich Somov ซึ่งแตกต่างจากเพื่อนร่วมงานหลายคนของเขาในโลกแห่งศิลปะ Somov ได้รับการศึกษาด้านศิลปะอย่างเป็นระบบ เขาศึกษาที่ Academy of Arts ซึ่งเขาเลือกเวิร์คช็อปของ I. E. Repin Somov ฝึกฝนทักษะทางวิชาชีพที่แข็งแกร่งที่เขาได้รับที่นี่ในอนาคตอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย และทักษะอันยอดเยี่ยมของเขาก็เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในไม่ช้า

ในช่วงปีแรกของการทำงาน Somov ปฏิบัติตามประเพณีที่สมจริง (ภาพเหมือนของพ่อของเขา, 1897) ในภาพวาด "Lady in a Blue Dress" (ภาพเหมือนของศิลปิน E. M. Martynova, พ.ศ. 2440-2443) ยังมีความเข้าใจที่ลึกซึ้งทางจิตวิทยาและลึกซึ้งในภาพซึ่งถือเป็นตราประทับแห่งชะตากรรมอันน่าเศร้าของศิลปินหนุ่ม อย่างไรก็ตามความปรารถนาของ Somov ที่จะเชื่อมโยงเขากับอดีตอันยาวนาน (Martynova แต่งกายด้วยชุดโบราณ) ฉากที่เขาแนะนำเป็นฉากหลังด้วยจิตวิญญาณของศตวรรษที่ 18 ของสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษที่เล่นดนตรีอย่างไร้กังวลและภาพวาด ซึ่งกลายเป็นการประกาศการค้นหาศิลปินครั้งใหม่ที่รุนแรงยิ่งขึ้น

ในช่วงต้นทศวรรษ 1900 ในที่สุดงานของ Somov ก็ก่อตัวขึ้น เช่นเดียวกับศิลปินทั่วโลก เขาเต็มใจวาดภาพทิวทัศน์ โดยเริ่มต้นจากธรรมชาติเสมอ เขาสร้างภาพลักษณ์ของธรรมชาติ Somov ของตัวเอง ยกระดับความโรแมนติกด้วยลูกไม้บาง ๆ ของใบไม้ที่แช่แข็งบนต้นไม้และลวดลายกราฟิกที่ซับซ้อนของกิ่งก้านพร้อมกับสีสันที่ดังยิ่งขึ้น แต่สถานที่สำคัญในงานของศิลปินถูกครอบครองโดยองค์ประกอบย้อนหลัง ตัวละครปกติของพวกเขาคือผู้หญิงที่มีรูปร่างคล้ายตุ๊กตา สวมวิกผมแป้งสูงและกระโปรงผายก้น พวกเขาฝัน สนุกสนาน และเจ้าชู้ร่วมกับสุภาพบุรุษที่อิดโรย Somov วาดภาพเหล่านี้อย่างชัดเจนภายใต้อิทธิพลของปรมาจารย์ผู้เฒ่า ภาพวาดของเขาเรียบเนียนราวกับเคลือบเงา แต่มีความซับซ้อนในรูปแบบสมัยใหม่ (“Winter. Ice Rink”, 1915, ill. 210)

การถ่ายภาพบุคคลมีบทบาทสำคัญในงานของ Somov แกลเลอรีภาพวาดผู้แทนกลุ่มปัญญาชนทางศิลปะของเขาถือเป็นสถานที่สำคัญแห่งยุคสมัยอย่างแท้จริง สิ่งที่ดีที่สุดคือภาพถ่ายของ A. A. Blok (1907, ill. 209), M. A. Kuzmin และ S. V. Rachmaninov มีความโดดเด่นด้วยความแม่นยำ การแสดงออกของคุณลักษณะ และศิลปะในการดำเนินการ ดูเหมือนว่าศิลปินจะยกระดับโมเดลทั้งหมดให้อยู่เหนือชีวิตประจำวันทำให้พวกเขามีคุณสมบัติในอุดมคติทั่วไปของฮีโร่ในยุคของเขา - ความฉลาดและความซับซ้อน

อี.อี. แลนเซียร์(พ.ศ. 2418-2489) Evgeny Evgenievich Lansere เป็นหนึ่งในปรมาจารย์หลายแง่มุมของ "โลกแห่งศิลปะ" เขามีส่วนร่วมในการวาดภาพขาตั้งและอนุสาวรีย์ กราฟิก เป็นศิลปินละครและสร้างภาพร่างสำหรับงานศิลปะประยุกต์ ผลงานของเขาเป็นเรื่องปกติสำหรับ "โลกแห่งศิลปะ" และในขณะเดียวกัน ความคิดริเริ่มอันสดใสของเขาก็ทำให้ Lanceray แตกต่างจากโลกแห่งศิลปะ เขายังสนใจในศตวรรษที่ 18 เขาชอบที่จะสร้างองค์ประกอบที่น่าประทับใจในธีมนี้ แต่มีความโดดเด่นด้วยการตีความเนื้อหาที่หลากหลายมากขึ้นและความเป็นประชาธิปไตยของภาพ ดังนั้นภาพวาด "เรือแห่งกาลเวลาของ Peter I" (1909, 1911) จึงได้รับแรงบันดาลใจจากจิตวิญญาณแห่งความโรแมนติกอย่างกล้าหาญในยุคของ Peter the Great และ gouache "จักรพรรดินี Elizaveta Petrovna ใน Tsarskoe Selo" (1905) มีลักษณะโดย ความจริงที่เงียบขรึมและเหมือนมีชีวิตของภาพ

สถานที่สำคัญที่สุดในงานของ Lansere คือกราฟิก - ขาตั้งหนังสือและนิตยสาร ผลงานกราฟิกของเขามีความสง่างาม บางครั้งก็มีลวดลายที่ประณีต เปี่ยมด้วยจิตวิญญาณแห่งยุคสมัยและชัดเจนแบบคลาสสิก ผลงานหลักของศิลปินคือภาพประกอบชุดใหญ่สำหรับเรื่องราวของ Hadji Murad ของ L. N. Tolstoy ในนั้น Lansere สามารถสร้างความเรียบง่ายของ Tolstoy ที่ชาญฉลาดขึ้นมาใหม่ด้วยความโรแมนติกของอารมณ์ทั่วไปและตัวละครที่แสดงออกอย่างสดใสของเหล่าฮีโร่ ต่อมา Lansere ทำงานอย่างกว้างขวางและประสบผลสำเร็จในฐานะศิลปินโซเวียต

M. V. Dobuzhinsky(พ.ศ. 2418-2500) เช่นเดียวกับ Lancer Dobuzhinsky เป็นศิลปินรุ่นใหม่ของ "World of Art" งานของเขาเช่นเดียวกับ Lanceray's เป็นเรื่องปกติของสมาคมนี้และในขณะเดียวกันก็มีความแปลกใหม่อย่างลึกซึ้ง ในงานศิลปะขาตั้ง Dobuzhinsky ชอบภูมิทัศน์เมือง แต่เขาไม่เพียงเป็นนักร้องเท่านั้น แต่ยังเป็นนักจิตวิทยาด้วย ไม่เพียงแต่ยกย่องความงามของมันเท่านั้น แต่ยังพรรณนาถึงอีกด้านหนึ่งของเมืองทุนนิยมสมัยใหม่ เครื่องจักรกลที่เย็นชา เมืองปลาหมึกยักษ์ ("ปีศาจ", 2449) ผู้คนที่ทำลายล้างจิตวิญญาณ (" ผู้ชายใส่แว่น", 2448-2449)

ทั้งในกราฟิกหนังสือและศิลปะการแสดงละครและการตกแต่ง Dobuzhinsky มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยแนวทางทางจิตวิทยาส่วนบุคคลในการตีความงานภาพประกอบ ศิลปินใจดีและมีไหวพริบเหมือน Andersen ในการวาดภาพสีอันหรูหราสำหรับเทพนิยายเรื่อง "The Swineherd" มีเนื้อหาโคลงสั้น ๆ และอ่อนไหวในภาพประกอบเรื่อง "Poor Liza" โดย N. M. Karamzin และน่าทึ่งอย่างมากในซีรีส์ภาพประกอบที่มีชื่อเสียงของ F. M. Dostoevsky เรื่อง “คนผิวขาว” คืน” (1922) ผลงานละครที่ดีที่สุดของ Dobuzhinsky คือผลงานที่เขาแสดงที่ Moscow Art Theatre ("A Month in the Village" โดย I. S. Turgenev, 1909, "Nikolai Stavrogin" โดย F. M. Dostoevsky, 1913)

ผลงานของปรมาจารย์หลายคนในช่วงต้นศตวรรษเชื่อมโยงกับ "โลกแห่งศิลปะ" ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง - V. A. Serov, Z. E. Serebryakova, I. Ya. Bilibin, B. M. Kustodiev, I. E. Grabar และคนอื่น ๆ ในแถวเดียวกัน - และ นิโคลัส คอนสแตนติโนวิช โรริช(พ.ศ. 2417-2490) - ศิลปินขั้นสูง นักวิทยาศาสตร์ บุคคลสาธารณะที่มีชื่อเสียง ในสภาพแวดล้อมทางศิลปะในเวลานั้น Roerich มีความโดดเด่นด้วยความรักที่เขามีต่อประวัติศาสตร์และโบราณคดีรัสเซียโบราณสำหรับศิลปะของ Ancient Rus ในงานของเขา เขาพยายามเจาะลึกลงไปในศตวรรษ สู่โลกที่มีชีวิตและสมบูรณ์ของบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกล เพื่อเชื่อมต่อกับการพัฒนาที่ก้าวหน้าของมนุษยชาติ ด้วยอุดมคติของมนุษยนิยม ความกล้าหาญ และความงาม (“แขกต่างประเทศ”, 1902 , ป่วย. 211; “เมืองกำลังถูกสร้างขึ้น”, 1902 )

"สหภาพศิลปินรัสเซีย"ในชีวิตศิลปะของรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษสหภาพศิลปินรัสเซีย (พ.ศ. 2446-2466) มีบทบาทสำคัญ พื้นหลังของมันคือ "นิทรรศการของศิลปิน 36 คน" ซึ่งจัดขึ้นในปี 1901 และ 1902 ในกรุงมอสโก "สหภาพศิลปินรัสเซีย" ก่อตั้งขึ้นตามความคิดริเริ่มของ Muscovites เพื่อเสริมสร้างองค์กรศิลปะรุ่นใหม่ ปรมาจารย์ชั้นนำหลายคนของทั้งสองเมืองหลวงมาเป็นสมาชิก แต่แกนกลางของ "สหภาพศิลปินรัสเซีย" ยังคงเป็นจิตรกรมอสโก - K. A. Korovin, A. E. Arkhipov, S. A. Vinogradov, S. Yu. Zhukovsky, L. V. Turzhansky , A. M. Vasnetsov, S. V. Malyutin , เอ.เอส. สเตปานอฟ. ใกล้กับ "สหภาพศิลปินรัสเซีย" ในตำแหน่งทางศิลปะผู้เข้าร่วมนิทรรศการ ได้แก่ A. A. Rylov, K. F. Yuon, I. I. Brodsky, F. A. Malyavin ในปีพ.ศ. 2453 สหภาพศิลปินรัสเซียได้แยกตัวออก จากการเรียบเรียงทำให้กลุ่มศิลปินในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้ฟื้นฟูชื่อเดิม "World of Art" ซึ่งเป็นกลุ่มที่หยุดอยู่ในฐานะสหภาพนิทรรศการในปี พ.ศ. 2446

ภูมิทัศน์เป็นประเภทหลักในงานศิลปะของปรมาจารย์ส่วนใหญ่ของสหภาพศิลปินรัสเซีย พวกเขาเป็นผู้สืบทอดการวาดภาพทิวทัศน์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ขยายขอบเขตของธีม - พวกเขาพรรณนาถึงธรรมชาติของรัสเซียตอนกลาง ทางใต้ที่มีแสงแดดสดใส และทางตอนเหนือที่รุนแรง และเมืองรัสเซียโบราณที่มีอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมที่ยอดเยี่ยม และ ดินแดนโบราณแห่งบทกวีซึ่งมักแนะนำองค์ประกอบของประเภทต่างๆ ลงในผืนผ้าใบ บางครั้งยังมีชีวิตอยู่ พวกเขาดึงความสุขของชีวิตจากธรรมชาติและชอบวาดภาพจากธรรมชาติโดยตรงด้วยแปรงที่มีอารมณ์กว้างเต็มไปด้วยสีสันสดใสและมีสีสันพัฒนาและเพิ่มพูนความสำเร็จของ Plein Air และการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์

ผลงานของปรมาจารย์ของ "สหภาพศิลปินรัสเซีย" แสดงออกอย่างชัดเจนถึงความเป็นตัวของตัวเองที่สร้างสรรค์ของแต่ละคน แต่ก็มีคุณสมบัติที่คล้ายกันหลายประการ - ความสนใจอย่างมากในการครอบคลุมภาพอย่างรวดเร็วของโลกความอยากองค์ประกอบไดนามิกที่ไม่เป็นชิ้นเป็นอันการทำให้เบลอ ขอบเขตที่ชัดเจนระหว่างการวาดภาพประกอบและภาพร่างขนาดเต็ม ภาพวาดของพวกเขาโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของผ้าใบสีพลาสติก การลากเส้นนูนกว้างทำให้เกิดรูปร่างและความดังของสี

ศิลปะ 2448-2450เหตุการณ์ของการปฏิวัติรัสเซียครั้งแรกซึ่งทิ้งร่องรอยไว้ในเส้นทางประวัติศาสตร์รัสเซียและโลกที่ตามมาทั้งหมดสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในวิจิตรศิลป์ ศิลปะรัสเซียไม่เคยมีบทบาทที่มีประสิทธิภาพในชีวิตทางการเมืองของประเทศมาก่อนเหมือนเช่นทุกวันนี้ “ ภาพวาดเหล่านี้ปลุกปั่นให้เกิดการลุกฮือ” รัฐมนตรีว่าการกระทรวงกิจการภายใน I. N. Durnovo รายงานต่อซาร์

ด้วยความลึกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดการปฏิวัติในปี 1905-1907 สะท้อนให้เห็นในภาพวาดขาตั้งในผลงานของ I. E. Repin (“ การแถลงการณ์เพื่อเป็นเกียรติแก่ 17 ตุลาคม 1905”), V. E. Makovsky (“ 9 มกราคม 1905 บนเกาะ Vasilievsky”) ฉัน . I. Brodsky ("งานศพสีแดง"), V. A. Serov ("งานศพของบาวแมน"), S. V. Ivanov ("การประหารชีวิต") เราได้พูดไปแล้วข้างต้นเกี่ยวกับผลงานมากมายในหัวข้อการปฏิวัติของ N. A. Kasatkin โดยเฉพาะเกี่ยวกับผืนผ้าใบเช่น “The Militant Worker”

ในช่วงการปฏิวัติปี 1905-1907 กราฟิกเสียดสีซึ่งเป็นรูปแบบงานศิลปะที่มีชีวิตชีวาและได้รับความนิยมมากที่สุดได้เจริญรุ่งเรืองอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน มีนิตยสารเสียดสีที่รู้จักกันดี 380 ชื่อเรื่องจัดพิมพ์ระหว่างปี 1905-1907 จำนวน 40 ล้านเล่ม ด้วยขอบเขตที่กว้างขวาง การปฏิวัติจึงได้รวมศิลปินจากหลากหลายทิศทางเข้าเป็นกลุ่มใหญ่และเป็นมิตร ในบรรดาผู้เข้าร่วมในนิตยสารเสียดสีนั้นเป็นปรมาจารย์สำคัญเช่น V. A. Serov, B. M. Kustodiev, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, I. Ya. Bilibin และนักเรียนของโรงเรียนศิลปะและศิลปินที่ไม่ใช่มืออาชีพ .

นิตยสารเสียดสีส่วนใหญ่เป็นแนวเสรีนิยม รัฐบาลซาร์ถึงแม้จะตีพิมพ์แถลงการณ์เกี่ยวกับเสรีภาพของสื่อแล้วก็ตาม จริงๆ แล้วไม่อนุญาตให้พรรคบอลเชวิคจัดพิมพ์นิตยสารเสียดสีและการเมือง นิตยสารแนวบอลเชวิคฉบับเดียว - "Sting" ซึ่ง A. M. Gorky เข้าร่วมถูกห้ามหลังจากตีพิมพ์ฉบับแรกและบรรณาธิการถูกทำลาย อย่างไรก็ตาม นิตยสารเสียดสีที่ดีที่สุดของปี 1905-1907 มีคุณค่าทางการศึกษาที่ดี เนื่องจากเนื้อหาที่มีการกล่าวหา ความคมชัดของความคิดทางการเมืองเฉพาะเรื่องและจุดมุ่งหมาย

บ่อยครั้งที่การเสียดสีของพวกเขาทั้งในข้อความและในส่วนภาพนั้นมุ่งต่อต้านเผด็จการ ชนชั้นปกครองของรัสเซียและซาร์นิโคลัสที่ 2 เองก็ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงเป็นพิเศษ การบอกเลิกการปราบปรามนองเลือดของรัฐบาลซาร์ก็กลายเป็นเรื่องปกติเช่นกัน

“ Machine Gun” เป็นนิตยสารที่กล้าหาญมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมาซึ่งเป็นหนี้บุญคุณและความเฉลียวฉลาดของบรรณาธิการ N. G. Shebuev และศิลปิน I. M. Grabovsky ภาพทั่วไปของผู้เข้าร่วมการปฏิวัติ - คนงาน, ทหาร, กะลาสีเรือ, ชาวนา - ปรากฏซ้ำ ๆ บนหน้าของเขา บนหน้าปกของหนึ่งในประเด็นของปืนกลโดยมีฉากหลังเป็นปล่องไฟของโรงงานที่สูบบุหรี่ Grabovsky ได้วางรูปคนงานและจารึกไว้สำคัญว่า "His Working Majesty the All-Russian Proletarian"

อิลลินอยส์ 212. M. V. Dobuzhinsky ไอดีลเดือนตุลาคม "โบกี้" พ.ศ. 2448 หมายเลข 1

น้ำเสียงการต่อสู้มีลักษณะเป็นนิตยสารหลายฉบับ (The Spectator ซึ่งเป็นนิตยสารที่คงทนที่สุด Leshy, Zhupel และภาคต่อของ Hell's Mail) V. A. Serov และนักเรียน World of Art หลายคนร่วมมือกันในนิตยสารสองฉบับล่าสุด นิตยสารทั้งสองฉบับนี้มีความโดดเด่นด้วยงานศิลปะภาพประกอบ ผลงานชิ้นแรกนำเสนอผลงานที่มีชื่อเสียงของ Serov "ทหาร เด็กชายผู้กล้าหาญ ศักดิ์ศรีของคุณอยู่ที่ไหน" (ป่วย 199), "October Idyll" ของ Dobuzhinsky (ป่วย 212), Lanceray - "Trizna" (ป่วย 213); ในครั้งที่สอง - "Olympus" ของ Kustodiev - การ์ตูนล้อเลียนที่มีฤทธิ์กัดกร่อนของสมาชิกสภาแห่งรัฐ บ่อยครั้งที่ภาพวาดในนิตยสารเสียดสีมีลักษณะของภาพร่างในชีวิตประจำวัน - ภาพร่างในหัวข้อของวัน สัญลักษณ์เปรียบเทียบ บางครั้งใช้ผลงานขาตั้งยอดนิยมของศิลปินชาวรัสเซีย บางครั้งเป็นภาพนิทานพื้นบ้าน เป็นรูปแบบหนึ่งของการล้อเลียนการเสียดสีทั่วไป กิจกรรมของนิตยสารเสียดสีส่วนใหญ่ในช่วงปี พ.ศ. 2448 - 2450 เกิดจากการปฏิวัติและแข็งตัวพร้อมกับการเสริมสร้างปฏิกิริยาของรัฐบาล

ศิลปะ 2450-2460ช่วงก่อนเดือนตุลาคมในรัสเซียหลังความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2448-2550 เป็นช่วงเวลาแห่งการทดลองที่ยากลำบากและปฏิกิริยาแบล็กฮันเดรดที่อาละวาด ในปี 1914 สงครามจักรวรรดินิยมโลกครั้งแรกได้เริ่มต้นขึ้น ในสภาวะที่ยากลำบากพรรคบอลเชวิคได้รวบรวมกองกำลังเพื่อการรุกและตั้งแต่ปีพ. ศ. 2453 คลื่นแห่งขบวนการปฏิวัติก็เพิ่มมากขึ้นจึงมีการเตรียมการสำหรับการโค่นล้มระบอบเผด็จการ รัสเซียยืนอยู่ท่ามกลางเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

สถานการณ์ที่ตึงเครียดในประเทศทำให้ชีวิตศิลปะของรัสเซียซับซ้อนยิ่งขึ้น ศิลปินหลายคนตกอยู่ภายใต้ความสับสน อารมณ์คลุมเครือ แรงกระตุ้นที่หลงใหลแต่ไร้เหตุผล ประสบการณ์ส่วนตัวที่ไร้ผล และการต่อสู้ดิ้นรนระหว่างทิศทางทางศิลปะ ทฤษฎีอุดมคติต่างๆ แพร่หลาย โดยแยกศิลปะออกจากความเป็นจริงและประเพณีประชาธิปไตย ทฤษฎีเหล่านี้ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างไร้ความปราณีโดย V.I. เลนิน

แต่ถึงแม้จะอยู่ในสถานการณ์ที่ยากลำบากเช่นนี้ การพัฒนางานศิลปะสมจริงของรัสเซียก็ไม่ได้หยุดลง ผู้เดินทางที่มีชื่อเสียงจำนวนหนึ่งและสมาชิกของสหภาพศิลปินรัสเซียยังคงทำงานอย่างแข็งขันต่อไป ในบรรดาศิลปินจากสมาคมสร้างสรรค์ที่ใหญ่ที่สุด มีแนวโน้มในการสร้างสายสัมพันธ์และจุดติดต่อในประเด็นพื้นฐานบางประการ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นักเรียน World of Art วิพากษ์วิจารณ์ลัทธิปัจเจกนิยมที่แพร่หลาย สนับสนุนการเสริมสร้างความเข้มแข็งของโรงเรียนศิลปะมืออาชีพ และการค้นหางานศิลปะสไตล์ที่ยิ่งใหญ่ก็ยิ่งมีจุดมุ่งหมายมากขึ้น N.K. Roerich แสดงความคิดเห็นว่าการต่อสู้ตามทิศทางไม่ได้กีดกันความเป็นไปได้ในการชูธงของ "ความสมจริงของวีรบุรุษ" ที่สอดคล้องกับเวลา

ปฏิสัมพันธ์ของการวาดภาพแต่ละประเภทมีความเข้มข้นมากขึ้น มรดกในประเทศและคลาสสิกได้รับการคิดใหม่ V. A. Serov เป็นหนึ่งในคนแรกในศตวรรษที่ 20 ที่ชำระล้างตำนานโบราณจากการตีความเชิงวิชาการหลอกคลาสสิกแบบเก่าเผยให้เห็นหลักการที่สมจริงในนั้น ในทศวรรษก่อนการปฏิวัติมีการสร้างภาพวาดขนาดใหญ่และสำคัญจำนวนเพียงเล็กน้อยเท่านั้นที่ถูกสร้างขึ้น แต่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในตอนนั้นเองที่ "Stepan Razin" โดย V. I. Surikov ปรากฏตัวขึ้นโดยบรรลุเป้าหมายสูงสุดของศิลปะแห่งชาติ - เพื่อสะท้อนถึงความยิ่งใหญ่ ความคิดในยุคของเรา หลักฐานที่สำคัญของความก้าวหน้าของศิลปะรัสเซียคือความปรารถนาของจิตรกรจำนวนหนึ่ง - A. E. Arkhipov, L. V. Popov, K. S. Petrov-Vodkin, Z. E. Serebryakova และคนอื่น ๆ - เพื่อเชื่อมโยงภาพลักษณ์ของผู้คนกับความคิดของมาตุภูมิกับชนพื้นเมืองของพวกเขา ที่ดิน .

Z.E. Serebryakova(พ.ศ. 2427-2510) Zinaida Evgenievna Serebryakova ร้องเพลงในชีวิตชาวนาของคนทำงานในงานที่ดีที่สุดของเธอ มรดกของ A.G. Venetsianov และปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของงานศิลปะของเธอ ความเข้มงวดของภาพที่ยิ่งใหญ่ ความกลมกลืนและความสมดุลขององค์ประกอบภาพ และสีทึบที่หนาแน่นทำให้ภาพวาดที่ดีที่สุดของเธอโดดเด่น สิ่งที่น่าสังเกตเป็นพิเศษคือ “The Harvest” (1915) และ “Whitening the Canvas” (1917, ill. XII) ซึ่งตัวเลขมีขนาดใหญ่มากแสดงจากมุมมองที่ต่ำ และจังหวะของการเคลื่อนไหวก็ยิ่งใหญ่อลังการ . ผืนผ้าใบถูกมองว่าเป็นอนุสรณ์สถานของแรงงานชาวนา

เค.เอส. เปตรอฟ-วอดคิน(พ.ศ. 2421-2482) ในช่วงแรกของงานของเขา Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin ได้จ่ายส่วยให้กับแนวโน้มสัญลักษณ์เชิงนามธรรม การศึกษาอย่างใกล้ชิดเกี่ยวกับประเพณีที่ดีที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของยุโรปและที่สำคัญที่สุดคือแนวศิลปะรัสเซียที่สามารถสืบย้อนได้จากผลงานของจิตรกรแห่ง Ancient Rus ช่วยให้ศิลปินแสดงให้เห็นถึงโลกทัศน์ที่เป็นประชาธิปไตย ในผืนผ้าใบ "แม่" (พ.ศ. 2456 และ พ.ศ. 2458, ป่วย 214) และ "ยามเช้า" (พ.ศ. 2460) ภาพของสตรีชาวนาสะท้อนให้เห็นถึงความบริสุทธิ์ทางศีลธรรมอันสูงส่งของโลกฝ่ายวิญญาณของชาวรัสเซีย ภาพวาด "The Bathing of the Red Horse" (1912) เต็มไปด้วยลางสังหรณ์ของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่กำลังจะเกิดขึ้น เนื้อหาเชิงอุดมคติที่ยอดเยี่ยมนั้นพบกับความพูดน้อยขององค์ประกอบ, พลวัตของอวกาศ, ความเข้มงวดแบบคลาสสิกของการวาดภาพและความกลมกลืนของสีที่สร้างขึ้นจากสีหลักของสเปกตรัม

พี.วี. คุซเนตซอฟ(พ.ศ. 2421-2511) ในช่วงเริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์ของเขา Pavel Varfolomeevich Kuznetsov ก็ประสบกับอิทธิพลของสัญลักษณ์เช่นกัน ชุดภาพวาดของเขาในคีร์กีซ ("Mirage in the Steppe", 1912, ill. 215; "Sheep Shearing", 1912) สะท้อนให้เห็นถึงความเข้าใจในบทกวีเกี่ยวกับภาพลักษณ์ของคนทำงานในโลกรอบตัวเขา เรื่องราวชีวิตที่เรียบง่าย ท่าทางที่ไม่เร่งรีบ และใบหน้าที่สงบของผู้คนที่ทำงานตามปกติในดินแดนบ้านเกิดของพวกเขา โครงสร้างทางดนตรีของสี ความเคร่งขรึมของภูมิทัศน์ - ทุกสิ่งสร้างภาพที่กลมกลืนกันแบบองค์รวมขึ้นมาใหม่

อิลลินอยส์ 215. P. V. Kuznetsov ภาพลวงตาในที่ราบกว้างใหญ่ X. อุบาทว์ 95 X 103 พ.ศ. 2455 แกลเลอรี Tretyakov

เอ็ม.เอส. ซารยัน(พ.ศ. 2423-2515) ในชุดภาพวาดที่สร้างจากความประทับใจในการเดินทางไปยังประเทศทางตะวันออก Martiros Sergeevich Saryan ยังแต่งบทกวีเกี่ยวกับชีวิตพื้นบ้านที่เขาแสดงให้เห็น ("Street. Noon. Constantinople", 1910; "Date Palm. Egypt", 1911 เป็นต้น ). ผลงานที่กระชับของเขาสร้างขึ้นจากภาพเงาสีสันสดใสที่ตัดกันของจังหวะ แสง และเงา สีสันได้รับการตกแต่งอย่างเน้นย้ำ ผังพื้นที่ถูกวาดไว้อย่างชัดเจน บทกวีในงานศิลปะของ Saryan ถูกกำหนดโดยความสามารถของเขาในการรักษาความรู้สึกมีชีวิตชีวาของชีวิตด้วยความดังที่เข้มข้นและความงดงามของจานสีภาพ

ผลงานที่ดีที่สุดของศิลปินที่กล่าวมาข้างต้นซึ่งต่อมาได้มีส่วนสนับสนุนศิลปะโซเวียตอันล้ำค่าในเวลาต่อมาได้เปิดโอกาสให้มีการพัฒนางานศิลปะที่เหมือนจริงที่ยิ่งใหญ่ยิ่งขึ้นซึ่งการสร้างสรรค์นั้นเป็นของยุคประวัติศาสตร์ใหม่

การถ่ายภาพบุคคลด้วยภาพทางจิตวิทยาที่ลึกซึ้งไม่ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางในทศวรรษก่อนการปฏิวัติเช่นเดียวกับในช่วงก่อนหน้าอย่างไรก็ตามมีตัวอย่างจำนวนหนึ่งที่แสดงให้เห็นถึงความสมบูรณ์ของพวกเขาในผลงานของปรมาจารย์ที่โดดเด่น ก็เพียงพอแล้วที่จะนึกถึงภาพเหมือนตนเองของ V. I. Surikov และ M. V. Nesterov ที่ซึ่งโลกแห่งจิตวิญญาณที่ซับซ้อนของนักศิลปะถูกเปิดเผยด้วยความวิตกกังวลการไตร่ตรองชีวิตหรือลักษณะภาพที่คมชัดของ V. A. Serov

ความต่อเนื่องของแนวภาพบุคคลนี้สามารถเห็นได้ในผลงานของ S. V. Malyutin (ตัวอย่างเช่นภาพบุคคลของ V. N. Baksheev, 1914, ill. 216, K. F. Yuon, 1916) ท่าทาง ท่าทาง และการแสดงออกทางสีหน้าสื่อถึงตัวละครและเป็นพยานถึงบุคลิกที่ไม่ธรรมดาของตัวแทนงานศิลปะรัสเซีย ในทำนองเดียวกัน I. I. Brodsky วาดภาพเหมือนของ A. M. Gorky (1910)

ภาพวาด "The Nun" (1908, ill. 218) โดย B. M. Kustodiev มีความสำคัญในการตีความภาพทางจิตวิทยา แม้ว่าผู้เขียนไม่ได้มุ่งมั่นที่จะสร้างผลงานที่มีการกล่าวหา แต่พลังของการเจาะเข้าไปในโลกแห่งจิตวิญญาณของบุคคลที่ถูกนำเสนออย่างสมจริงทำให้ภาพนี้มีความหมายเชิงสัญลักษณ์บางอย่าง ต่อหน้าเราคือผู้ดูแลรากฐานของคริสตจักร: ใจดี ฉลาดแกมโกง มีน้ำใจ ทรงพลัง ไร้ความปรานี อย่างไรก็ตาม ศิลปะของ Kustodiev เต็มไปด้วยการมองโลกในแง่ดี โดยเน้นไปที่ประเพณีสมัยโบราณของรัสเซีย ประเพณีพื้นบ้าน และเทศกาลต่างๆ บนผืนผ้าใบของเขาเขาผสมผสานการสังเกตธรรมชาติ ภาพ และการตกแต่งที่สดใสเข้าด้วยกัน ("Merchant's Wife", 1915, ill. 219; "Maslenitsa", 1916)

ช่วงทศวรรษที่ 1910 มีความเกี่ยวข้องกับความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ในสาขาประเภทใหม่ - การแสดงละครซึ่งศิลปินเผชิญกับงานสร้างสรรค์ที่ยากลำบาก - เพื่อแสดงแรงบันดาลใจของนักแสดงการเปลี่ยนแปลงของเขาสู่ภาพบนเวที แชมป์ที่นี่เป็นของ A. Ya. Golovin ด้วยรู้ถึงลักษณะเฉพาะของละครเวทีและละครเป็นอย่างดีเขาจึงสร้างภาพที่สง่างามและน่าเศร้าในภาพเหมือนของ F. I. Chaliapin ในบทบาทของ Boris Godunov (1912, ill. 220)

ภูมิทัศน์ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งดึงดูดศิลปินทุกคน: พวกเขารวมตัวกันในประเภทนี้โดยการค้นหารูปภาพและสีสัน อย่างไรก็ตาม สำหรับหลายๆ คน ภาพลักษณ์ของธรรมชาติกลายเป็นวิธีแก้ปัญหาสำหรับภาพร่างมากกว่าปัญหาการวาดภาพ ดังเช่นในกรณีของศตวรรษที่ 19 ในช่วงก่อนการปฏิวัติ มีปรมาจารย์หลักเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถถ่ายทอดความรู้สึกอันยิ่งใหญ่ของบ้านเกิดเมืองนอนของตนได้เมื่อพรรณนาถึงธรรมชาติ - ลวดลายโคลงสั้น ๆ มีอิทธิพลเหนือกว่า A. A. Rylov หันไปหาประเพณีการวาดภาพทิวทัศน์ (“ Green Noise”, 1904, ill. 217) ภาพวาดโรแมนติกของเขา "Swans over the Kama" (พ.ศ. 2455) เป็นภาพเล็งเห็นถึงภาพวาด "In the Blue Expanse" ที่สร้างขึ้นหลังการปฏิวัติสังคมนิยมครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม ความสนใจในมรดกของชาติที่เพิ่มมากขึ้นส่งผลให้มีห้องสวีทรูปภาพจำนวนหนึ่งที่อุทิศให้กับเมืองรัสเซียโบราณ ด้วยการรวมฉากในชีวิตประจำวันไว้ในองค์ประกอบภาพ ศิลปินได้แสดงให้เห็นถึงธรรมชาติและมนุษย์ที่กระตือรือร้นเท่าเทียมกันในการวาดภาพทิวทัศน์ (“In Sergiev Posad” โดย K. F. Yuon และคนอื่นๆ)

จิตรกรภูมิทัศน์ซึ่งส่วนใหญ่เป็นตัวแทนของสหภาพศิลปินรัสเซียได้เพิ่มพูนทักษะการวาดภาพของพวกเขาอย่างมาก ที่นี่เป็นที่ที่มีภาพร่างและการตีความลวดลายโคลงสั้น ๆ ซึ่งมักเป็นชนบทซึ่งมีอายุย้อนกลับไปถึง A.K. Savrasov, V.D. Polenov และ I.I. Levitan ได้รับชัยชนะซึ่งเป็นพยานถึงการอนุรักษ์ประเพณีประชาธิปไตย ภาพวาด Plein air ได้รับการเติมเต็มด้วยสีสันและทิวทัศน์บทกวีเช่น "Kem" (1917) โดย K. A. Korovin, "Towards Evening" โดย N. P. Krymov ผลงานที่ดีที่สุดของ S. A. Vinogradov (“ Flower Garden”, “ Spring”, 1911, ill. 221) และ S. Yu. Zhukovsky ("Dam", 1909, ill. 222; "Joyful May", 1912)

ที่ ยังมีชีวิตอยู่. ปัจจุบัน แนวเพลงนี้นำเสนอโดยผลงานของศิลปินจำนวนหนึ่งจากสมาคมสร้างสรรค์ต่างๆ และมีความหลากหลายทั้งในด้านแรงจูงใจ เนื้อหา และวัตถุประสงค์ ในหุ่นนิ่งจำนวนมากของเขา K. A. Korovin ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับการตกแต่งและความสวยงามของสีสัน จุดเริ่มต้นเดียวกันนี้เป็นลักษณะของผลงานของ S. Yu. Sudeikin และ N. N. Sapunov ความสำเร็จของอิมเพรสชั่นนิสต์ทำให้ภาพวาดของ I. E. Grabar สมบูรณ์ (“ The Untidy Table”, 1907, ill. 223 ฯลฯ )

ศิลปินของสมาคม Jack of Diamonds ซึ่งเกิดขึ้นในปี 1910 ทำงานอย่างแข็งขันในสาขาหุ่นนิ่งตลอดจนภูมิทัศน์และแนวตั้ง: P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin และคนอื่น ๆ ในการค้นหาความคิดริเริ่มของศิลปะระดับชาติ พวกเขาใช้ประเพณีดั้งเดิมของประเทศ (ภาพพิมพ์ ป้าย ภาพวาดถาด ฯลฯ) แต่ยังค้นพบความเชื่อมโยงกับศิลปะฝรั่งเศสร่วมสมัย โดยหลักๆ กับ Cezanne และผู้ติดตามของเขา ผลงานที่ดีที่สุดของปรมาจารย์ของกลุ่มนี้ซึ่งเขียนด้วยน้ำหนักวัสดุและขอบเขตการตกแต่งสะท้อนให้เห็นในความรักต่อชีวิตและวัฒนธรรมทางศิลปะอันยิ่งใหญ่ ตัวอย่างเช่น "ภาพเหมือนของ G. B. Yakulov" ที่แปลกประหลาด (1910, ป่วย 224) และภาพหุ่นนิ่ง "Agave" (1916) โดย P. P. Konchalovsky, "Pumpkin" (1914, ill. 225) และ "Still Life with ผ้า" (1917) I. I. Mashkova

ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งประสบความเจริญรุ่งเรืองอย่างมาก: จิตรกรชั้นนำหลายคนทำงานให้กับโรงละคร ก็เพียงพอที่จะตั้งชื่อชื่อของ V. A. Simov, V. A. Serov, A. Ya. Golovin, A. N. Benois, K. A. Korovin, L. S. Bakst, N. K. Roerich, I. Ya. Bilibin , B. M. Kustodiev และการแสดงจำนวนหนึ่งที่ออกแบบโดยพวกเขา (" Petrushka" โดย I.F. Stravinsky - A.N. Benois; "Prince Igor" โดย A. N. Borodin - N.K. Roerich; "Masquerade" โดย M. Yu Lermontov - A. Ya. Golovina ฯลฯ ) “ฤดูกาลรัสเซีย” ในปารีสและเมืองอื่นๆ ของยุโรปตะวันตก ซึ่งจัดโดย S.P. Diaghilev ซึ่งปรมาจารย์ที่กล่าวมาข้างต้นหลายคนได้มีส่วนร่วมในการออกแบบผลงาน โดยยกย่องศิลปะรัสเซียในเวทีระหว่างประเทศ ทัศนียภาพและเครื่องแต่งกายในระดับศิลปะที่สูง และรูปลักษณ์ของการแสดงบนเวทีทั้งหมด ทำให้ชาวต่างชาติประหลาดใจด้วยการสังเคราะห์ศิลปะ การแสดงความงามที่ไม่ธรรมดาและความคิดริเริ่มของชาติ

ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว กระบวนการพัฒนาความสมจริงในปี พ.ศ. 2450-2460 มีความซับซ้อนเนื่องจากวิกฤตวัฒนธรรมชนชั้นกลาง ส่วนที่มั่นคงน้อยที่สุดของปัญญาชนทางศิลปะ แม้ว่าจะยึดครองด้วยจิตวิญญาณของการประท้วงต่อต้านความเป็นจริงของชนชั้นกลาง แต่ยอมจำนนต่ออารมณ์ที่เสื่อมโทรม ถอยห่างจากความทันสมัยและชีวิตสาธารณะ ปฏิเสธประเพณีประชาธิปไตยในงานศิลปะ และการประท้วงนี้มักจะมีลักษณะของ การกบฏอนาธิปไตย ปรากฏการณ์เชิงลบเหล่านี้สะท้อนให้เห็นเป็นครั้งแรกในผลงานที่แสดงในนิทรรศการ Blue Rose ซึ่งจัดขึ้นในปี 1907 และศิลปินเชิงสัญลักษณ์ที่รวมตัวกัน ผู้เข้าร่วมกลุ่มอายุสั้นนี้ยืนยันถึงการครอบงำของสัญชาตญาณในความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและถอยกลับเข้าสู่โลกแห่งจินตนาการอันลึกลับและน่ากลัว แต่ผู้ที่มีพรสวรรค์และมีเป้าหมายมากที่สุด (P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan และคนอื่น ๆ) ที่มีอยู่แล้วในช่วงก่อนทศวรรษเดือนตุลาคมได้ใช้เส้นทางการพัฒนาที่เป็นประชาธิปไตยในความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา

ศิลปินจำนวนหนึ่ง โดยเฉพาะศิลปินรุ่นเยาว์ มีส่วนร่วมในกระแสกระแสหลักของขบวนการสมัยใหม่ในช่วงทศวรรษ 1910 พวกเขาบางคน - ผู้สนับสนุนลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและลัทธิแห่งอนาคต - อ้างว่าการสร้างรูปแบบของพวกเขาสอดคล้องกับอายุของวิศวกรรมและเทคโนโลยีส่วนคนอื่น ๆ - พวกดึกดำบรรพ์ - ในทางตรงกันข้ามพยายามที่จะกลับไปสู่ความฉับไวของการรับรู้ของโลกโดยบุคคลที่ไม่มีอารยธรรม แนวโน้มทั้งหมดเหล่านี้เชื่อมโยงกันอย่างซับซ้อนในงานศิลปะของทศวรรษก่อนเดือนตุลาคม พวกเขาส่งผลกระทบต่อภาพวาดของ "Jack of Diamonds" ในขณะที่แนวโน้มโวหารและยุคดึกดำบรรพ์สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในตัวแทนของกลุ่มที่มีชื่อที่น่าตกตะลึงอย่างกล้าหาญ "หางของ Donkey" ในท้ายที่สุด รูปแบบลัทธินิยมทุกประเภทที่แพร่กระจายในศิลปะรัสเซียนำไปสู่การบิดเบือนความเป็นจริง การทำลายล้างโลกวัตถุประสงค์ หรือในที่สุด ก็ถึงทางตันของลัทธินามธรรม (Rauchism, Suprematism) - การแสดงออกที่รุนแรงของลัทธิสมัยใหม่

ความขัดแย้งในชีวิตศิลปะของรัสเซียในปี 1907-1917 ไม่ได้หยุดการพัฒนางานศิลปะที่สมจริงอย่างก้าวหน้าในช่วงเวลาที่ยากลำบากนี้ ปรมาจารย์ชั้นนำชาวรัสเซียสัมผัสถึงแนวทางของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและรู้สึกถึงความจำเป็นหรือโดยสัญชาตญาณถึงความจำเป็นในการนำความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาให้สอดคล้องกับขนาดของเหตุการณ์ในยุคประวัติศาสตร์ที่วุ่นวาย หลังการปฏิวัติครั้งใหญ่ในเดือนตุลาคม ศิลปินทุกรุ่น ทั้งก่อนหน้านี้และรุ่นหลัง ได้เข้ามามีส่วนร่วมในการสร้างวัฒนธรรมสังคมนิยมแบบใหม่ โดยนำงานศิลปะของตนไปรับใช้ประชาชนที่ปฏิวัติ ภายใต้อิทธิพลของความเป็นจริงของสหภาพโซเวียต การปรับโครงสร้างเกิดขึ้นในหมู่ผู้ที่เคยปฏิเสธความสมจริงเป็นวิธีการมาก่อน

ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 71x122 ซม
หอศิลป์ State Tretyakov, มอสโก

ชีวิตในหมู่บ้านรัสเซียหลังการปฏิรูปนั้นยากลำบาก การที่ชาวนาถูกยึดครองเพิ่มมากขึ้น ผลผลิตพืชผลล้มเหลวบ่อยครั้ง และความหิวโหยอย่างไม่สิ้นสุด ส่งผลให้ผู้อยู่อาศัยในหลายจังหวัดของรัสเซียต้องละทิ้งบ้านอันน่าสังเวชแต่คุ้นเคย “ เช่นเดียวกับมังกรในเทพนิยาย จำเป็นต้องจับฝูงสัตว์ด้วยกรงเล็บของมัน ขับไล่พวกมัน เซ กระแทกและรัดคอพวกมัน” เอ็น. เทเลชอฟ นักเขียนแนวสัจนิยม นักเขียนชีวิตประจำวันในหมู่บ้านกล่าว ด้วยความยากจน ความไร้กฎหมาย และความเย่อหยิ่ง ชาวนาจึงไปที่เมืองเพื่อหารายได้ หลายคนรีบไปยังดินแดนใหม่ ส่วนใหญ่มักจะไปที่ไซบีเรีย เพื่อค้นหาความรอดจากความหิวโหยและความต้องการในพื้นที่อันกว้างใหญ่ ผู้ตั้งถิ่นฐานซึ่งมีภาระข้าวของที่น่าสมเพช ทั้งหมู่บ้านต่างลุกขึ้นจากบ้านที่บรรพบุรุษ ปู่ และปู่ทวดของพวกเขาอาศัยอยู่มานานหลายศตวรรษ และเรียงแถวยาวไปตามถนนที่เต็มไปด้วยฝุ่นของรัสเซีย จากเคิร์สค์ ทัมบอฟ เพนซา ยาโรสลาฟล์ และเชอร์นิกอฟ จังหวัด. มีเพียงไม่กี่คนที่รอดชีวิตจากการเดินทางที่ยากลำบาก โรคภัย ความหิวโหยและความหนาวเย็น ความเด็ดขาดของเจ้าหน้าที่ซาร์ การป้องกันตัวโดยสมบูรณ์ - นี่คือสิ่งที่พวกเขาได้รับจากนี้ไป ความตายกวาดล้างจำนวนผู้ตั้งถิ่นฐานที่ลดลงอย่างรวดเร็วอย่างไร้ความปราณี บ่อยครั้งใช้เงินหมดไปกับการเดินทางก็กลับมาและผู้ที่ไปถึงที่นั่นก็ต้องเผชิญกับความยากจนเช่นเดียวกับคำสั่งและเจ้าหน้าที่เช่นเดียวกับในบ้านเกิดของพวกเขา

ปัญหาการตั้งถิ่นฐานใหม่ที่เรียกว่าสร้างความกังวลให้กับตัวแทนวัฒนธรรมและศิลปะรัสเซียขั้นสูงในช่วงหลายปีที่ผ่านมา แม้แต่ V. G. Perov ผู้ก่อตั้งความสมจริงแบบวิพากษ์วิจารณ์ก็ไม่เพิกเฉยต่อหัวข้อนี้ ตัวอย่างเช่น ภาพวาดของเขา "Death of a Migrant" มีชื่อเสียง
ผู้ตั้งถิ่นฐานสร้างความประทับใจอันเจ็บปวดให้กับ A.P. Chekhov ซึ่งเดินทางผ่านไซบีเรียทั้งหมดบนถนนสู่ซาคาลินในปี พ.ศ. 2433 ภายใต้อิทธิพลของการสนทนากับเชคอฟเขาเดินทางไปตามแม่น้ำโวลก้าและคามาไปยังเทือกเขาอูราลและจากที่นั่นไปยังไซบีเรียและเอ็น. เทเลชอฟ “ นอกเหนือจากเทือกเขาอูราลแล้ว ฉันเห็นชีวิตอันทรหดของผู้ตั้งถิ่นฐานของเรา” เขาเล่า “ ความยากลำบากและภาระหนักในชีวิตชาวนาของผู้คนแทบจะเหลือเชื่อ” ชุดเรื่องราวโดย Teleshov ที่พรรณนาถึงชะตากรรมของคนเหล่านี้คือความคล้ายคลึงที่ใกล้เคียงที่สุดกับภาพวาดของ Sergei Vasilyevich Ivanov“ บนถนน การเสียชีวิตของผู้อพยพ”

Ivanov ใช้เวลาครึ่งชีวิตของเขาเดินทางไปทั่วรัสเซียอย่างระมัดระวังและมีความสนใจอย่างมากในการทำความคุ้นเคยกับชีวิตของคนทำงานที่ต้องเผชิญหน้ากันมากมาย ในการเร่ร่อนไม่หยุดหย่อนเหล่านี้ เขาเริ่มคุ้นเคยกับชีวิตของผู้ตั้งถิ่นฐาน “ เขาเดินไปกับพวกเขาหลายสิบไมล์ท่ามกลางฝุ่นของถนนท่ามกลางสายฝนสภาพอากาศเลวร้ายและแสงแดดที่แผดจ้าในสเตปป์” เพื่อนของ Ivanov กล่าว“ เขาใช้เวลาหลายคืนกับพวกเขาเติมอัลบั้มของเขาด้วยภาพวาดและบันทึกย่อ ภาพโศกนาฏกรรมมากมายผ่านไปต่อหน้าต่อตาเขา” ศิลปินไม่สามารถช่วยเหลือคนเหล่านี้ได้คิดด้วยความเจ็บปวดเกี่ยวกับโศกนาฏกรรมอันประเมินค่าไม่ได้ในสถานการณ์ของพวกเขาและความหลอกลวงในความฝันเรื่อง "ความสุข" ซึ่งพวกเขาไม่ได้ถูกกำหนดให้พบในสภาพของซาร์รัสเซีย

ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 1880 Ivanov ได้สร้างภาพวาดชุดใหญ่ซึ่งบอกเล่าเกี่ยวกับชีวิตของผู้ตั้งถิ่นฐานอย่างต่อเนื่อง ในภาพวาดแรก - "Rus is Coming" - ศิลปินต้องการแสดงจุดเริ่มต้นของการเดินทางเมื่อผู้คนยังคงร่าเริง สุขภาพดี และเต็มไปด้วยความหวังอันสดใส ภาพยนตร์ต่อไปนี้ควรจะแนะนำผู้ชมให้รู้จักกับความยากลำบากบนท้องถนนและความยากลำบากครั้งแรก ซีรีส์นี้ควรจะจบลงด้วยฉากอันน่าทึ่งของความทุกข์ทรมานและการเสียชีวิตอันน่าสลดใจของผู้ตั้งถิ่นฐาน อย่างไรก็ตาม มีลิงก์เพียงไม่กี่ลิงก์ของวงจรนี้ที่ศิลปินทำให้เสร็จสมบูรณ์ Ivanov รวบรวมไว้ในภาพศิลปะเฉพาะความประทับใจในชีวิตที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดซึ่งฝังอยู่ในจิตสำนึกของเขามากที่สุด

ทุ่งหญ้าสเตปป์อุ่น หมอกควันเบาบางบดบังเส้นขอบฟ้า ดินแดนทะเลทรายที่แสงแดดแผดเผานี้ดูไร้ขอบเขต นี่คือครอบครัวผู้อพยพที่โดดเดี่ยว เห็นได้ชัดว่าความสุดขั้วครั้งสุดท้ายทำให้เธอต้องหยุดที่สถานที่เปลือยเปล่าแห่งนี้ โดยไม่ได้รับการปกป้องจากรังสีที่แผดจ้าของดวงอาทิตย์ หัวหน้าครอบครัวคนหาเลี้ยงครอบครัวเสียชีวิต สิ่งที่รอคอยแม่และลูกสาวผู้โชคร้ายในอนาคต - นี่คือคำถามที่ทุกคนถามตัวเองโดยไม่สมัครใจเมื่อดูภาพ และคำตอบก็ชัดเจน อ่านออกเป็นรูปแม่นอนเหยียดยาวอยู่บนพื้นเปล่าๆ ผู้หญิงที่โศกเศร้าไม่มีคำพูดและไม่มีน้ำตา เธอใช้นิ้วที่คดเคี้ยวขูดดินแห้งด้วยความสิ้นหวังอย่างเงียบๆ เราอ่านคำตอบเดียวกันนี้จากใบหน้าที่สับสนและดำคล้ำของหญิงสาวราวกับถ่านหินที่ดับแล้ว ในดวงตาของเธอแข็งทื่อด้วยความหวาดกลัว ในร่างที่ชาและผอมแห้งของเธอ ไม่มีความหวังสำหรับความช่วยเหลือใด ๆ !

ตอนนี้ทุกอย่างก็พังทลายลง คนงานหลักเสียชีวิต และเห็นได้ชัดว่าม้าที่อ่อนล้าก็ตายไปด้วย ไม่จำเป็นต้องใช้ปลอกคอและส่วนโค้งอีกต่อไป: พวกมันถูกโยนไปใกล้เกวียนอย่างไม่ระมัดระวัง ไฟในเตาก็ดับลง ทัพพีที่พลิกคว่ำ แท่งไม้เปล่าของขาตั้งเปล่า ด้ามเปล่ายื่นออกไปราวกับแขน ด้วยความปวดร้าวอย่างเงียบ ๆ - ทั้งหมดนี้ช่างน่าเศร้าและน่าสลดใจอย่างสิ้นหวัง!
Ivanov จงใจแสวงหาความประทับใจเช่นนี้ เช่นเดียวกับ Perov ใน "Seeing Away for the Dead" เขาจำกัดความเศร้าโศกของเขาให้อยู่ในวงแคบของครอบครัวโดยละทิ้งร่างของผู้หญิงที่เห็นอกเห็นใจซึ่งอยู่ในร่างเบื้องต้นของภาพวาด เพื่อต้องการเน้นย้ำถึงความหายนะของผู้ตั้งถิ่นฐานเพิ่มเติม ศิลปินจึงตัดสินใจไม่รวมม้าที่อยู่ในภาพร่างไว้ในภาพด้วย

พลังของการวาดภาพของ Ivanov ไม่ได้จบลงด้วยการแสดงช่วงเวลาที่เฉพาะเจาะจงตามความเป็นจริง งานนี้นำเสนอภาพทั่วไปของชีวิตชาวนาในรัสเซียหลังการปฏิรูป ด้วยเหตุนี้จึงได้พบกับการดูหมิ่นอย่างรุนแรงของนักวิจารณ์ปฏิกิริยาที่อ้างว่าการตายของผู้ตั้งถิ่นฐานระหว่างทางเป็นปรากฏการณ์โดยบังเอิญและไม่ใช่เรื่องปกติ และเนื้อหาของภาพเขียนถูกประดิษฐ์ขึ้นโดยศิลปินภายในกำแพงของ การประชุมเชิงปฏิบัติการของเขา Ivanov ไม่ได้ถูกหยุดยั้งด้วยการโจมตีอันเฉียบคมของศัตรูแห่งศิลปะขั้นสูงและความจริงแห่งชีวิต งานของเขาเป็นเพียงหนึ่งในผลลัพธ์แรกของการศึกษาเชิงลึกของศิลปินเกี่ยวกับความจริงทางสังคมของชีวิตรัสเซียร่วมสมัย ตามมาด้วยผลงานสำคัญอื่นๆ อีกมากมาย ซึ่งไม่เพียงแสดงความทุกข์ทรมานของประชาชนเท่านั้น แต่ยังเป็นการประท้วงอย่างโกรธเกรี้ยวที่เกิดขึ้นในหมู่มวลชนเพื่อต่อต้านการกดขี่ของผู้แสวงประโยชน์.

ชีวประวัติของศิลปินเส้นทางสร้างสรรค์ แกลเลอรี่ภาพวาด

อีวานอฟ เซอร์เกย์ วาซิลีวิช

อีวานอฟ เซอร์เกย์

(1864 - 1910)

Ivanov Sergei Vasilievich จิตรกรชาวรัสเซีย เขาศึกษาที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก (พ.ศ. 2421-2525 และ พ.ศ. 2427-2528) กับ I. M. Pryanishnikov, E. S. Sorokin และที่ St. Petersburg Academy of Arts (พ.ศ. 2425-27) อาศัยอยู่ในมอสโก เขาเดินทางไปทั่วรัสเซีย และในปี พ.ศ. 2437 ได้ไปเยือนออสเตรีย อิตาลี และฝรั่งเศส สมาชิกของสมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2442) และหนึ่งในผู้ก่อตั้งสหภาพศิลปินรัสเซีย เขาสอนที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมมอสโก (ตั้งแต่ปี 1900) และโรงเรียนศิลปะและอุตสาหกรรมมอสโกสโตรกานอฟ (ตั้งแต่ปี 1899) ในช่วงครึ่งหลังของคริสต์ทศวรรษ 1880 - ต้นคริสต์ทศวรรษ 1890 ทำงานในภาพวาดประเภท (ซึ่งภูมิทัศน์มีบทบาทอย่างมาก) ภาพวาดและภาพพิมพ์หินที่อุทิศให้กับชะตากรรมอันน่าสลดใจของผู้อพยพชาวนาชาวรัสเซียและนักโทษในเรือนจำซาร์ ("ในคุก", 2428, "บนถนน ความตายของผู้อพยพ ", พ.ศ. 2432 - ทั้งสองภาพเขียนใน Tretyakov Gallery) เขามีส่วนร่วมในเหตุการณ์การปฏิวัติในปี 1905 และเป็นหนึ่งในศิลปินรัสเซียกลุ่มแรก ๆ ที่หันไปใช้หัวข้อการต่อสู้เพื่อการปฏิวัติของชาวนาและชนชั้นกรรมาชีพชาวรัสเซีย ("Revolt in the Village", 1889, "Execution", 1905 - ทั้งสองอย่าง ภาพวาดในพิพิธภัณฑ์การปฏิวัติสหภาพโซเวียตในมอสโก "เวที" พ.ศ. 2434 ภาพวาดไม่รอด แกะสลัก "การประหารชีวิต", "ที่กำแพง ตอนที่ 2448" ทั้งระหว่างปี 2448 ถึง 2453)

ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2438 อีวานหันมาใช้ภาพวาดประวัติศาสตร์ ชีวิตของผู้คนและลักษณะของตัวละครประจำชาติความเชื่อมโยงกับชะตากรรมในอนาคตของรัสเซีย - นั่นคือพื้นฐานโลกทัศน์ของภาพวาดประวัติศาสตร์ของเขาซึ่งบางครั้งก็รวบรวมพลังที่เกิดขึ้นเองของการเคลื่อนไหวของผู้คน ("ปัญหา", 2440, I. I. Brodsky พิพิธภัณฑ์อพาร์ทเมนต์ เลนินกราด) บางครั้งมีความเชื่อมั่นและความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ (บางครั้งก็ไม่มีองค์ประกอบของการเสียดสีทางสังคม) ที่สร้างฉากในชีวิตประจำวันในอดีต (“การมาถึงของชาวต่างชาติในมอสโกในศตวรรษที่ 17,” 1901, “ซาร์ ศตวรรษที่ 16, 1902 ทั้งใน Tretyakov Gallery) ในงานของ I. การวางแนวการวิจารณ์สังคมรวมกับการค้นหาโซลูชันการจัดองค์ประกอบและสีใหม่ๆ ที่ช่วยยกระดับความเป็นไปได้ทางอารมณ์ของประเภทและการวาดภาพประวัติศาสตร์ เขายังทำภาพประกอบอีกด้วย

ความหมาย: กรานอฟสกี้ ไอ. เอ็น., S.V. Ivanov. ชีวิตและความคิดสร้างสรรค์ M. , 2505

V. M. Petyushenko
ทีเอสบี, 2512-2521

______________________________

Sergei Vasilyevich Ivanov เกิดเมื่อวันที่ 16 มิถุนายน พ.ศ. 2407 ในเมือง Ruza จังหวัดมอสโกในตระกูลขุนนางที่ยากจน ความประทับใจในวัยเด็กของการอยู่ในบ้านเกิดของบรรพบุรุษของบิดาและมารดาในจังหวัดโวโรเนซและซามารายังคงอยู่ในความทรงจำของเขามาเป็นเวลานานและต่อมาได้รวมอยู่ในงานของเขา

ความสามารถของเขาในการวาดภาพปรากฏตั้งแต่เนิ่นๆ แต่ก่อนที่จะเข้าเรียนที่โรงเรียนจิตรกรรมและจิตรกรรมมอสโก เขาได้ศึกษาที่สถาบันสำรวจที่ดินมอสโก ตามคำสั่งของพ่อแม่ ซึ่งเป็นที่สอนการวาดภาพและการร่าง การพบกันของศิลปินในอนาคตกับ P.P. Sinebatov ซึ่งสำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts ได้เปลี่ยนชีวิตของเขาไปอย่างมาก โดยใช้ประโยชน์จากคำแนะนำของเขา เขาเริ่มคัดลอกด้วยตัวเอง จากนั้นในปี พ.ศ. 2421 เขาได้ส่งเอกสารไปยังโรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก ซึ่งเขาเข้าเรียนครั้งแรกในฐานะอาสาสมัคร ในปี พ.ศ. 2425 หลังจากจบหลักสูตรวิทยาศาสตร์และชั้นเรียนฟิกเกอร์ของโรงเรียนแล้ว เขาย้ายไปที่สถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แต่ในปี พ.ศ. 2427 เขากลับไปมอสโคว์ คุณสมบัติที่โดดเด่นของตัวละครของ Ivanov - ความเป็นอิสระและความมุ่งมั่น - มีบทบาทสำคัญในเมื่อเขากระทำการที่กล้าหาญมาก ในปี พ.ศ. 2428 เขาออกจากโรงเรียนโดยไม่ได้เริ่มทำงานชิ้นสุดท้ายด้วยซ้ำ ด้วยความหลงใหลในธีมของชีวิต กระสับกระส่าย มุ่งมั่นในความประทับใจใหม่ๆ เขาไม่อายที่หากไม่มีการแข่งขันวาดภาพ เขาจะได้รับเพียงใบรับรองตำแหน่งครูสอนศิลปะเท่านั้น ความคิดที่จะเดินทางไกลไปยังจังหวัดต่าง ๆ ของรัสเซียทำให้เขาครอบครองมากขึ้น ศิลปินต้องการเห็นด้วยตาของเขาเองว่าชะตากรรมของชาวนาอพยพคลี่คลายอย่างไรฝูงชนจำนวนมากเคลื่อนตัวไปทางตะวันออกของรัสเซียหลังจากการปฏิรูปที่ดำเนินการโดย P.A. Stolypin ด้วยความหวังว่าจะพบดินแดนและชีวิตที่ดีขึ้น การเดินทางอันยาวนานผ่านมอสโก, ไรซาน, วลาดิเมียร์, ซามารา, โอเรนบูร์ก และโวโรเนซเริ่มต้นในฤดูใบไม้ผลิปี 1885 ผลลัพธ์ที่ได้คือภาพวาดภาพร่างและภาพวาดเกี่ยวกับชีวิตของผู้อพยพทั้งชุดซึ่งหนึ่งในนั้นที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในแง่ของความงดงามคือผืนผ้าใบขนาดเล็ก "Resettler in a Carriage" ภาพวาดดังกล่าวปรากฏในนิทรรศการของนักเรียนในปี พ.ศ. 2429 และถูกซื้อโดย V.D. Polenov ซึ่งปฏิบัติต่อจิตรกรผู้ทะเยอทะยานด้วยความเอาใจใส่และเอาใจใส่อย่างยิ่ง ต้องบอกว่า Ivanov ตลอดชีวิตของเขารู้สึกถึงความรักที่เป็นมิตรต่อ Polenov ในช่วงทศวรรษที่ 1880 เขาเป็นแขกประจำที่บ้านของเขาโดยมีส่วนร่วมกับคนหนุ่มสาวคนอื่น ๆ ในการวาดภาพตอนเย็นของ Polenov “ Misplaced Woman in a Carriage” ซึ่งใกล้เคียงกับภาพร่างในการรับรู้ที่สดใหม่ถูกวาดในที่โล่งโดยไม่ได้รับอิทธิพลจาก Polenov ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพแบบ Plein Air ผลงานชิ้นนี้โดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาของฉาก แสงแดดจ้า และภาพที่หญิงชราคนหนึ่งนั่งอยู่ในรถม้าที่ถ่ายอย่างชำนาญ หลังจากนั้นไม่นานก็มีภาพร่างและผลงานที่เสร็จสมบูรณ์อื่นๆ ปรากฏขึ้น รวมถึง: “แรงงานข้ามชาติ เหงา", "บนถนน" การเสียชีวิตของผู้อพยพ” ในนั้นธีมของชีวิตชาวนาที่สิ้นหวังได้รับการเน้นย้ำทางสังคมในระดับสูงสุดและฟังดูมีพลังพอ ๆ กับผลงานที่ดีที่สุดของ Wanderers จิตรกรรม “บนถนน. Death of a Migrant” ได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมนิทรรศการการเดินทาง XVII ซึ่งจัดขึ้นในปี พ.ศ. 2432

นอกจากความสามารถทางศิลปะแล้ว Ivanov ยังมีจิตใจที่เป็นวิทยาศาสตร์อีกด้วย ในระหว่างการเดินทางของเขา เขามักจะสร้างภาพร่างทางชาติพันธุ์ สถาปัตยกรรม ภาพร่างในชีวิตประจำวัน และคำอธิบายทางวิทยาศาสตร์ที่น่าสนใจอยู่เสมอ ในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2429 ในจังหวัดซามารา เขาได้พบกับสถานที่ฝังศพยุคหินและเริ่มสนใจสถานที่ฝังศพเหล่านี้อย่างจริงจัง เมื่อเวลาผ่านไปเขาได้รวบรวมคอลเลกชันซากดึกดำบรรพ์ที่น่าสนใจซึ่งส่วนหนึ่งบริจาคให้กับ V.D. Polenov และตั้งอยู่ในที่ดิน Borok ความสนใจทางวิทยาศาสตร์และศิลปะทำให้ Ivanov จริงจังกับการถ่ายภาพ ภาพถ่ายจำนวนมากที่ถ่ายระหว่างการเดินทางถูกนำมาใช้ในงานเขียนภาพประวัติศาสตร์ ศิลปินเป็นสมาชิกเต็มรูปแบบของสมาคมการถ่ายภาพและการขุดทางภูมิศาสตร์แห่งรัสเซีย

เอส.วี. Ivanov เดินทางบ่อยมาก ในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2431 ด้วยความคิดริเริ่มของเขาจึงมีการจัดทริปร่วมไปตามแม่น้ำโวลก้ากับ A.E. Arkhipov, S.A. Vinogradov และ E.M. Khruslov ภาพวาดและภาพร่างจำนวนมากได้รับการเก็บรักษาไว้จากทริปนี้ ในเดือนสิงหาคมของปีเดียวกัน อิวานอฟได้เดินทางไปยังคอเคซัส โดยมีเป้าหมายเพื่อเยี่ยมชมพื้นที่ที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักและไปถึงยอดเขาอารารัตใหญ่และเล็ก หนังสือโดยสมาชิกคณะสำรวจ E.P. Kovalevsky และ E.S. Markov“ บนเทือกเขาอารารัต” ตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2432 มีภาพวาดมากมายโดย S. Ivanov ในปี พ.ศ. 2439 เขาจบลงที่ Feodosia จากนั้นเดินทางไปทั่วดาเกสถาน ในปี พ.ศ. 2441 เขาเดินทางผ่านจังหวัด Vyatka จากนั้นเดินทางต่อไปยังทุ่งหญ้าสเตปป์ Kalmyk และ Kyrgyz และไปยังทะเลสาบ Baskunchak ในปี พ.ศ. 2442 และ พ.ศ. 2444 เขาถูกดึงดูดไปที่แม่น้ำโวลก้าอีกครั้ง ในปีพ. ศ. 2437 เขาพบว่าตัวเองอยู่ในยุโรปโดยไปเยือนปารีส เวียนนา เวนิส มิลาน และเจนัว แต่เมืองรัสเซียโบราณเป็นที่รักของเขามากกว่า - Rostov, Yaroslavl, Vologda, Zaraysk ซึ่งเขาไปเยี่ยมมากกว่าหนึ่งครั้ง

ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2432 ศิลปินหลงใหลในธีมของนักโทษมาหลายปี หลังจากได้รับอนุญาตอย่างเป็นทางการให้เยี่ยมชมเรือนจำ Ivanov ใช้เวลาเกือบทั้งหมดในเรือนจำเพื่อร่างภาพเรือนจำเหล่านั้น ภาพร่างจำนวนมากที่แสดงใบหน้าที่เข้มงวดและโกนศีรษะบอกเล่าเรื่องราวนี้ ในปี พ.ศ. 2434 เป็นเวลาหนึ่งเดือน เขาไปเยี่ยมเรือนจำเปลี่ยนเครื่อง Saratov ทุกวัน จากนั้นเมื่อย้ายไปที่ Atkarsk ซึ่งเป็นที่คุมขังนักโทษเขาจึงตั้งรกรากอยู่ในบ้านตรงข้ามเรือนจำและวาดภาพเขียน "เวที" และ "ตาตาร์สวดมนต์" ภาพหลังเป็นภาพชาวมุสลิมยืนอยู่เต็มความสูงในชุดนักโทษและหมวกกะโหลกศีรษะ กำลังสวดมนต์ตอนเย็น

แม้ในขณะที่ทำงานเกี่ยวกับชุดภาพประกอบสำหรับ M.Yu. Lermontov ฉบับสองเล่มซึ่งดำเนินการโดย P.P. Konchalovsky ที่สำนักพิมพ์ Kushnerev เขายังสานต่อ "ซีรีส์นักโทษ" ของเขาต่อไป จากภาพประกอบสิบห้าภาพ เกือบทั้งหมดเกี่ยวข้องกับหัวข้อนี้ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ภาพประกอบบทกวี: "ความปรารถนา" "นักโทษ" "เพื่อนบ้าน" เขาไม่ได้พยายามที่จะถ่ายทอดลักษณะโรแมนติกของบทกวีของ Lermontov แต่ตีความตามตัวอักษรและเชื่อถือได้โดยใช้ธรรมชาติและภาพร่างที่สร้างขึ้นในเรือนจำ Makaryev

ในปีพ. ศ. 2437 ต้องการที่จะได้รับความประทับใจใหม่ ๆ รวมถึงต่ออายุงานศิลปะของเขาซึ่งในความเห็นของเขาถึงทางตันแล้ว S.V. Ivanov และภรรยาของเขาเดินทางไปยุโรป ศิลปินตั้งใจจะใช้เวลาทั้งปีในฝรั่งเศสโดยอาศัยอยู่ในปารีส แต่ความประทับใจที่เขาได้รับจากเมืองนี้และศิลปะตะวันตกสมัยใหม่ทำให้เขาผิดหวังอย่างมาก เขาเขียนถึงศิลปิน A.A. Kiselev เกี่ยวกับทริปนี้: “ตอนนี้มันดีในรัสเซีย แม้ว่าฉันจะมาปารีสได้เพียงเดือนเดียว แต่ฉันก็เริ่มรู้สึกเศร้า ไม่มีที่ว่าง ฉันเห็นร้านทำผมและนิทรรศการอื่นๆ แต่พวกเขาไม่ได้ให้สิ่งที่ฉันคาดหวัง จาก 3,000 สิ่ง ฉันพบเพียง 100 ชิ้นที่ฉันสามารถอยู่ต่อไปได้... ความขาดแคลนของชีวิตช่างน่าทึ่ง” ในจดหมายอีกฉบับถึงผู้รับคนเดียวกัน เขากล่าวอย่างเศร้าใจว่า “ที่นี่ไม่มีอะไรดีเลยในตอนนี้ และไม่มีประโยชน์ที่จะมาที่นี่เพื่อศึกษา” สามเดือนต่อมา Ivanovs กลับไปมอสโคว์

อย่างไรก็ตามการเดินทางครั้งนี้ไม่ไร้ประโยชน์ความรู้สึกรักบ้านเกิดที่เพิ่มสูงขึ้นซึ่งเพิ่มขึ้นในยุโรปและภาพวาดฝรั่งเศสสมัยใหม่ไม่ว่าจิตรกรจะมองในแง่ลบเพียงใดก็สะท้อนให้เห็นในงานของเขา ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2438 เขาเริ่มทำงานในแนวประวัติศาสตร์และสไตล์การเขียนของเขาก็ได้รับการปลดปล่อยอย่างเห็นได้ชัด การศึกษา "ประวัติศาสตร์แห่งรัฐรัสเซีย" โดย N.M. Karamzin ยังมีส่วนสำคัญอย่างยิ่งต่อความหลงใหลในประวัติศาสตร์ของเขา

หัวข้อแรกที่ศิลปินสนใจนั้นเกี่ยวข้องกับประวัติศาสตร์ของช่วงเวลาที่ยากลำบาก ผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่เรียกว่า "The Troubles" ถูกวาดในปี พ.ศ. 2440 ในเมืองโบราณ Zaraysk ในภาพ ฝูงชนที่โหมกระหน่ำปรากฏตัวในท่าทางที่แสดงออก ดำเนินการพิจารณาคดีอันโหดร้ายกับ Grishka Otrepyev ในขณะที่ทำงานนี้ ศิลปินพยายามที่จะสร้างยุคนั้นขึ้นมาใหม่อย่างถูกต้องที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ โดยแสดงให้เห็นในงานเครื่องแต่งกายและอาวุธโบราณของแท้: โล่ กระบี่ ขวาน ซึ่งเขาเคยร่างไว้ก่อนหน้านี้ในพิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ ที่ตลาดโนฟโกรอดเขาสามารถซื้อของเก่าๆ ได้หลายอย่าง และผลงานทางประวัติศาสตร์ที่เขาศึกษาอย่างรอบคอบก็ช่วยได้เช่นกัน: "เรื่องราวของ Massa และ Herkman เกี่ยวกับช่วงเวลาแห่งปัญหาในรัสเซีย" และ "นิทานของผู้ร่วมสมัยเกี่ยวกับ Demetrius the Pretender" อย่างไรก็ตามแม้จะมีการดำเนินการอย่างระมัดระวัง แต่งานนี้ตามที่ Ivanov คาดไว้ก็ไม่ได้รับการยอมรับสำหรับนิทรรศการใด ๆ

แต่สิ่งต่อไปคือ “ในป่า” ในความทรงจำของ Stefan of Perm และผู้รู้แจ้งคนอื่น ๆ ของชาวต่างชาติ” ซึ่งเขาพบรูปแบบการเรียบเรียงที่ประสบความสำเร็จในการถ่ายทอดแนวคิดแบบคริสเตียนที่ลึกซึ้งในการให้ความกระจ่างแก่ชนเผ่านอกรีตถูกนำไปที่นิทรรศการการเดินทางในปี พ.ศ. 2442 ในเวลาเดียวกันเขา กลายเป็นสมาชิกเต็มตัวของสมาคมนักเดินทาง

ในช่วงปีเดียวกันนี้ Ivanov ทำงานภาพประกอบสำหรับผลงานของ A.S. Pushkin ซึ่งตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2441-2442 โดยสำนักพิมพ์ Kushnerev เขาสนใจโอกาสที่จะสะท้อนประวัติศาสตร์รัสเซียในเรื่องราว “The Captain's Daughter” และ “Songs about the Prophetic Oleg” ซึ่งเขาเลือกที่จะอธิบาย ศิลปินสนใจภาพลักษณ์ของ Emelyan Pugachev เป็นพิเศษ เขาวาดภาพบุคคลหลายภาพให้เขา รวมถึง "ภาพเหมือนตนเองกับหมวก" ที่เรียกว่าโกรธ แต่ภาพประกอบที่ดีที่สุดคือภาพประกอบที่เจ้าชายโอเล็กและนักมายากล

ในปี 1901 S.V. Ivanov สร้างความประหลาดใจอย่างมากด้วยการแสดงผลงานใหม่ของเขาในนิทรรศการที่มีผู้เข้าร่วม 36 คน - ภาพวาด "การมาถึงของชาวต่างชาติ" ศตวรรษที่ XVII” ซึ่ง P.M. Tretyakov ซื้อทันทีก่อนเปิดนิทรรศการ ดูเหมือนว่าภาพวาดนี้เหมือนกับภาพถัดไป - "ซาร์ ศตวรรษที่ 16" เขียนโดยนักเขียนคนอื่น เสรีภาพในการจัดองค์ประกอบอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนและการใช้สีที่สดใสและเกือบจะเป็นของท้องถิ่นทำให้ภาพวาดมีความแปลกตาและตกแต่งได้ กองหิมะปุยขนาดใหญ่ บ้านไม้หลังเล็ก โบสถ์ที่ทาสีด้วยความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม ถ่ายทอดความรู้สึกของอากาศที่หนาวจัด และความสบายแบบปิตาธิปไตย ทำให้สามารถเติมฉากจากอดีตด้วยบทกวีและทำให้มันเป็นจริงได้ รูปร่างและใบหน้าที่มีกรอบของชายชราในเสื้อคลุมขนสัตว์ยาวที่มีเบเกิลพวงใหญ่อยู่ในมือและหญิงสาวที่เขารีบเอาออกไปนั้นแสดงออกได้อย่างแสดงออกมาก นักเขียนและนักประชาสัมพันธ์ G.A. Machtet แสดงความยินดีกับศิลปินในภาพวาดนี้เขียนว่า:“ อัจฉริยะขนาดมหึมาของ Viktor Vasnetsov ที่พุ่งเข้าสู่มหากาพย์พื้นเมืองที่สูงส่งทำให้เราเห็นภาพสร้างความคิดของผู้คนแนวคิดของพวกเขาขึ้นมาใหม่ได้อย่างไร “ ความงาม” สอนให้เราเข้าใจ“ จิตวิญญาณของผู้คน” - ดังนั้นในภาพวาดของคุณ“ การมาถึงของแขก” คุณจึงสร้างอดีตและห่างไกลของเราขึ้นมาใหม่เพื่อเรา... ฉันสูดลมหายใจของมอสโกที่ดุร้าย - ฉันละสายตาจากสิ่งนี้ไม่ได้เลย คนป่าเถื่อนผู้เข้มงวด นำ Fedora ที่โง่เขลาและขี้อายออกห่างจาก "ดวงตา" ของศัตรู

ในปี 1903 Ivanov เยี่ยมชมหมู่บ้าน Svistukha เขต Dmitrov จังหวัดมอสโก และประทับใจกับสถานที่เงียบสงบและงดงามริมฝั่งแม่น้ำ Yakhroma ทันที เขาอาศัยอยู่ที่นี่เป็นเวลาเจ็ดปีแล้ว โดยสร้างบ้านหลังเล็กๆ และห้องทำงานตามการออกแบบของเขา ที่นี่เขาวาดภาพเขียนที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา “ครอบครัว” มันถูกวาดบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ซึ่งบ่งบอกถึงความสำคัญที่ศิลปินแนบมากับงานของเขาอย่างแน่นอน เป็นภาพผู้คนยืนต่อแถวเดินผ่านหิมะหนานุ่มทั่วทั้งหมู่บ้านด้วยความเคร่งขรึมและความยิ่งใหญ่เป็นพิเศษ ผืนผ้าใบดำเนินการในลักษณะการวาดภาพแบบอิมพาสโตอย่างอิสระโดยใช้จานสีสีสันสดใสซึ่งโดดเด่นด้วยโทนสีขาว เหลือง แดงและน้ำเงิน มันประหลาดใจกับทัศนคติในแง่ดีและเห็นพ้องชีวิต ภูมิทัศน์มีบทบาทสำคัญในการเปิดเผยโครงสร้างทางอารมณ์ของงาน เขากลายเป็นหนึ่งในตัวละครหลักอย่างแท้จริง Ivanov วาดภาพธรรมชาติเช่นเดียวกับภาพร่างของชาวนาในที่โล่งในฤดูหนาวโดยสร้างเวิร์กช็อปที่ให้ความร้อนบนเลื่อนเพื่อจุดประสงค์นี้

ในปี 1903 S.V. Ivanov มีบทบาทสำคัญในการสร้างสมาคมสร้างสรรค์ "สหภาพศิลปินรัสเซีย" ส่วนใหญ่เกิดขึ้นเนื่องจากคุณสมบัติขององค์กรและลักษณะการต่อสู้ที่เด็ดขาด ทันทีหลังจากการปรากฏตัวของ "สหภาพ" ศิลปินก็ออกจากสมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทางและจนถึงสิ้นอายุขัยเขาได้จัดแสดงที่นี่เท่านั้น ตัวละครที่หลงใหลของ Ivanov ซึ่งแท้จริงแล้ว "โยนเขาไปที่เครื่องกีดขวาง" ทุกคนที่รู้จักเขาสังเกตเห็น ในช่วงการปฏิวัติปี 1905 เขาไม่เพียงแสดงความเห็นอกเห็นใจต่อกลุ่มกบฏเท่านั้น แต่เช่นเดียวกับ V.A. Serov ได้สร้างผลงานกราฟิกและภาพมากมายในหัวข้อนี้รวมถึงภาพวาด "การประหารชีวิต"

คำอธิบายที่น่าสนใจของ S.V. Ivanov ซึ่งยังเป็นนักเรียนอยู่ที่โรงเรียนได้รับจาก M.V. Nesterov ในบันทึกความทรงจำของเขา เขาเขียนว่า: “เขาดูเหมือนนักเรียนกบฏ ขาดรุ่งริ่ง ขายาว หัวหยิก เป็นคนร้อนแรงและหลงใหลด้วยความจริงใจและหลงใหลในความรัก เขามักจะช่วยพูดด้วยท่าทางที่จงใจหลงใหล ตรงไปตรงมา ซื่อสัตย์ไร้ที่ติ และทุกสิ่งในตัวเขามีเสน่ห์... อิวานอฟ ที่ดูเข้มงวด มักจะแสดงความกระตือรือร้นและพลังในวัยเยาว์ของเขา ทำให้ผู้อื่นแพร่ระบาด เขาชอบที่จะเป็นไกด์ม้าในงานต่างๆ แต่ถ้างานใดล้มเหลว เขาก็จะหมดหวัง บางครั้งสหายของเขาก็หัวเราะเยาะเขาในเรื่องนี้ นิสัยกบฏของ “ผู้ลอบวางเพลิงที่ชั่วร้าย”... บางครั้งเขาก็ร้อนแรงและร้อนแรง บางครั้งเขาก็ให้ความรู้สึกถึงคนโหดเหี้ยม แม้กระทั่งคนเผด็จการ แต่ภายใต้สิ่งนี้ซ่อนธรรมชาติที่ลึกซึ้งและอ่อนโยนเอาไว้” ภาพเหมือนด้วยวาจาที่สวยงามนี้ช่วยเติมเต็มภาพซึ่งดำเนินการในปี 1903 โดยศิลปิน I.E. Braz จากเขาการจ้องมองของชายคนหนึ่งมองด้วยความโศกเศร้าและความตึงเครียดในโลกที่ยากลำบากนี้
S.V. Ivanov เสียชีวิตกะทันหันด้วยอาการอกหักเมื่อวันที่ 16 สิงหาคม พ.ศ. 2453 ในหมู่บ้าน Svistukha ซึ่งเขาอาศัยอยู่อย่างเงียบ ๆ ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา

Ivanov ศิลปินผู้มีพรสวรรค์อันยอดเยี่ยมเกิดที่เมือง Ruza จังหวัดมอสโก ในครอบครัวของเจ้าหน้าที่ เขาศึกษาที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก (พ.ศ. 2421-2425, พ.ศ. 2427-2428) กับ I.M. Pryanishnikov และ Academy of Arts ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

จากจุดเริ่มต้น จุดเน้นของผลงานของเขาค่อนข้างชัดเจน: ประวัติศาสตร์ของรัสเซียในอดีตและปัจจุบัน ภาพแรก “บนถนน.. Death of a Migrant" (1889) ซึ่งทำให้ศิลปินมีชื่อเสียง เขียนขึ้นในรูปแบบของงานยุคแรกๆ ของ Wanderers แต่ทัศนคติต่อสิ่งที่เกิดขึ้นแตกต่างออกไป การตายของคนหาเลี้ยงครอบครัวและความเหงาของครอบครัวกำพร้าถูกเน้นโดยภูมิทัศน์ทะเลทรายของที่ราบกว้างใหญ่ที่ไหม้เกรียม ในภาพวาดศิลปินใช้วิธีการจัดองค์ประกอบทางศิลปะอย่างแข็งขัน ตามประเพณีอย่างต่อเนื่อง Ivanov พยายามอย่างหนักเพื่องานศิลปะที่น่าทึ่งโดยถ่ายทอด "จังหวะของจิตวิญญาณมนุษย์" อย่างละเอียดอ่อนซึ่งรวมอยู่ในภาพวาดเกี่ยวกับชีวิตของชาวนา (“ ถึงเจ้าของที่ดินพร้อมคำร้องขอ” พ.ศ. 2428) และธีม“ นักโทษ” (“ เวที” พ.ศ. 2435)

การค้นหาโซลูชันการจัดองค์ประกอบและสีใหม่ๆ ของ Ivanov เช่น มุมที่ไม่คาดคิด จุดสีเรียบๆ ที่ตกแต่ง ทำให้ศิลปินมีส่วนร่วมในการก่อตั้ง Union of Russian Artists

ในปี 1900 อิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์เริ่มเห็นได้ชัดเจนมากขึ้นในงานของ S. Ivanov การถ่ายโอนสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศเน้นที่วัตถุหลักขององค์ประกอบภาพ ผลงานของศิลปินมีลักษณะเฉพาะด้วยการตีความภาพที่กระชับและแหลมคม

ตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 1890 ศิลปินทำงานเกี่ยวกับภาพวาดจากอดีตของรัสเซียเป็นหลัก ในอดีตของรัสเซีย ศิลปินถูกดึงดูดด้วยช่วงเวลาที่น่าทึ่งเป็นหลัก ความแข็งแกร่งของตัวละครพื้นบ้านของรัสเซีย (“การรณรงค์ของ Muscovites ศตวรรษที่ 16” 1903) และความงดงามของชีวิตในสมัยโบราณ (“ครอบครัว” 1910) ผลงานของ Ivanov จากชีวิตของโบยาร์และโบยาร์เต็มไปด้วยการประชดที่ชั่วร้ายซึ่งแสดงให้เห็นถึงรากฐานทางประวัติศาสตร์ของปรากฏการณ์เช่นลัทธิฟิลิสตินที่หนาแน่นและการผยองระดับสูง ในปี 1902 ที่นิทรรศการ "Union 36" Ivanov นำเสนอภาพวาด "ซาร์ ศตวรรษที่สิบหก” เป็นวันในฤดูหนาว ขบวนแห่พิธีกำลังเคลื่อนตัวไปตามถนนในมอสโก โดยที่หัวหน้าของกริดนี (ยาม) ในชุดคาฟตันสีแดงเดินขบวนอย่างเคร่งขรึม บนหลังม้าที่ตกแต่งอย่างวิจิตรงดงาม ทรงอาภรณ์หรูหรา ทรงขี่พระราชาผู้อ้วนท้วนและงุ่มง่าม พร้อมยกริมฝีปากอันโอ่อ่าขึ้น แต่ Lyuli ที่ถูกฝังอยู่ในหิมะด้วยความรู้สึกยอมจำนน ไม่สามารถชื่นชม "ความยิ่งใหญ่ของช่วงเวลา" ศิลปินนำภาพมาใกล้กับผู้ชมมากที่สุดโดยใช้เทคนิค "การจัดองค์ประกอบภาพตามความร้อน" ราวกับสร้าง "เอฟเฟกต์ของการปรากฏตัว" ภายในภาพ งานนี้โดดเด่นด้วยโทนสีที่สดใส โซลูชันภาพเงาที่แสดงออก และการลงสีฟรี

ในการค้นหาภาษาภาพใหม่ Ivanov กลายเป็นผู้ริเริ่มแนวประวัติศาสตร์: ผืนผ้าใบของเขามีลักษณะคล้ายกับกรอบฟิล์มแช่แข็ง ดึงดูดผู้ชมด้วยจังหวะแบบไดนามิก (“The Arrival of Foreigners in Moscow in the 17th Century,” 1901) ผลงานชิ้นสุดท้ายของศิลปินคือวงจรเกี่ยวกับเหตุการณ์ในปี 1905 (“การประหารชีวิต”)

วันที่เสียชีวิต: สถานที่แห่งความตาย: ความเป็นพลเมือง:

จักรวรรดิรัสเซีย

ประเภท:

ภาพวาดเรื่องราว

สไตล์: อิทธิพล: ทำงานบนวิกิมีเดียคอมมอนส์

เซอร์เกย์ วาซิลีวิช อิวานอฟ(4 มิถุนายน (16 มิถุนายน) Ruza - 3 สิงหาคม (16 สิงหาคม) หมู่บ้าน Svistukha (ปัจจุบันคือเขต Dmitrov ภูมิภาคมอสโก)) - จิตรกรชาวรัสเซีย

ชีวประวัติ

ช่วงปีแรก ๆ

ช่วงสุดท้ายของการศึกษา ได้แก่ ภาพวาด “The Sick Woman” (พ.ศ. 2427 ไม่ทราบสถานที่), “ที่โรงเตี๊ยม” (พ.ศ. 2428 ไม่ทราบสถานที่), “ถึงเจ้าของที่ดินพร้อมกับคำขอ” (พ.ศ. 2428; ไม่ทราบสถานที่), “ที่ เรือนจำ” (พ.ศ. 2427-2428, หอศิลป์ Tretyakov ), “ ผู้ก่อกวนในรถม้า” (พ.ศ. 2428, ศูนย์สังคมศาสตร์และการวิจัยแห่งรัฐ) จุดเริ่มต้นของการทำงานในหัวข้อการตั้งถิ่นฐานใหม่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้ (รอบ พ.ศ. 2428-2433)

สาระสำคัญของการตั้งถิ่นฐานใหม่ (พ.ศ. 2428-2433)

ในช่วงปีสุดท้ายของเขา Sergei Ivanov หันมาสนใจปัญหาสังคมที่กดดัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งความสนใจของเขาถูกดึงไปที่ปรากฏการณ์ที่มีลักษณะเฉพาะของหมู่บ้านรัสเซียในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19: ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1880 การตั้งถิ่นฐานใหม่ไปยังไซบีเรียเริ่มขึ้น หลังจากการปฏิรูปในปี พ.ศ. 2404 มีความจำเป็นต้องแก้ไขปัญหาที่ดิน รัฐบาลมองเห็นวิธีแก้ปัญหาในการย้ายชาวนาที่ไม่มีที่ดินไปยังภูมิภาคอันกว้างใหญ่และมีประชากรเบาบางแห่งนี้ ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 เพียงแห่งเดียว ชาวนาหลายล้านคนละทิ้งที่ดินและกระท่อมอันน่าสงสารและออกตามหา "ดินแดนอันอุดมสมบูรณ์" อยู่คนเดียวกับภรรยาและลูก ๆ ของพวกเขาในงานปาร์ตี้เล็ก ๆ โดยนำสิ่งของที่เปราะบางของพวกเขาด้วยการเดินเท้าและบนเกวียนและหากพวกเขาโชคดีพวกเขาก็รีบเร่งโดยทางรถไฟโดยได้แรงบันดาลใจจากความฝันในอุดมคติของ "Belovodye" หรือ "White Arapia" ” สู่การทดลองที่ยากลำบากและส่วนใหญ่มักจะพบกับความผิดหวังอย่างรุนแรง โศกนาฏกรรมของชาวนาที่ไม่มีที่ดินออกจากสถานที่เดิมตั้งแต่จังหวัดภาคกลางไปจนถึงชานเมือง - ไปจนถึงไซบีเรียและเสียชีวิตไปหลายร้อยคนระหว่างทาง - นี่คือแนวคิดหลักของชุดภาพวาดของ Ivanov เขาบันทึกภาพชีวิตชาวนาในรูปแบบภาพเขียนสีเกี่ยวกับผู้อพยพโดยเจตนาและ "โศกเศร้า"

เมื่อขอให้สมาคมศิลปะมอสโกขอใบรับรองสำหรับ "การเดินทางและที่อยู่อาศัย" ในหลายจังหวัดตั้งแต่มอสโกวถึงโอเรนเบิร์ก Ivanov ก็แยกทางกับโรงเรียนโดยไม่ได้รับใบรับรองสำหรับตำแหน่งครูสอนศิลปะด้วยซ้ำ ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา Ivanov ก็กลายเป็นนักประวัติศาสตร์ประเภทหนึ่งของปรากฏการณ์โศกนาฏกรรมในชีวิตของชาวนาหลังการปฏิรูปของรัสเซีย

นักวิจารณ์ศิลปะ Sergei Glagol (นามแฝงของ S.S. Goloushev) พูดถึงช่วงเวลานี้ของชีวิตและการทำงานของ Ivanov:

“ ... เขาเดินไปหลายสิบไมล์กับผู้ตั้งถิ่นฐานท่ามกลางฝุ่นของถนนรัสเซียภายใต้สายฝนสภาพอากาศเลวร้ายและดวงอาทิตย์ที่แผดเผาในสเตปป์ใช้เวลาหลายคืนกับพวกเขาเติมภาพวาดและบันทึกในอัลบั้มของเขาฉากโศกนาฏกรรมมากมายผ่านไปก่อนหน้านี้ ดวงตาของเขาและชุดภาพวาดที่สามารถบรรยายถึงมหากาพย์ของการอพยพของรัสเซียได้อย่างแท้จริง”

ภาพวาดและภาพวาดของ Ivanov บรรยายถึงฉากที่น่าสยดสยองของชีวิตในการตั้งถิ่นฐานใหม่ ความหวังและความสิ้นหวัง ความเจ็บป่วยและความตายที่อยู่เคียงข้างผู้คนที่สัญจรไปมาในดินแดนอันกว้างใหญ่ของรัสเซีย - "ผู้พลัดถิ่น Walkers" (พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งรัฐ Bashkir ตั้งชื่อตาม M. V. Nesterov), "Reverse Migrants" (พ.ศ. 2431, หอศิลป์แห่งชาติของสาธารณรัฐโคมิ) และภาพวาดจริงจังเรื่องแรกของศิลปิน "On the Road" ความตายของผู้อพยพ" (, Tretyakov Gallery) ซึ่งนำชื่อเสียงมาสู่ศิลปินหนุ่ม

ส่วนถัดไปของมหากาพย์ทางสังคมของ Ivanov คือ "ซีรีส์นักโทษ" การทำงานในบางครั้งทับซ้อนกับ "วงจรการตั้งถิ่นฐานใหม่" ในเวลาเดียวกันศิลปินได้สร้าง: "Fugitive", ภาพร่าง (2429, Tretyakov Gallery), "Revolt in the Village" (, GSMSIR), "Dispatching of Prisoners" (, GSMSIR), "Tramp" ( ไม่ทราบตำแหน่ง) . ภาพวาด "เวที" (ภาพวาดหายไปเวอร์ชันในพิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งรัฐ Saratov ซึ่งตั้งชื่อตาม A.N. Radishchev) ดูเหมือนว่าจะสรุป "ซีรีส์นักโทษ"

ในช่วงเปลี่ยนปี พ.ศ. 2432-2433 Sergei Ivanov พร้อมด้วย Serov, Levitan, Korovin เป็นผู้นำที่ได้รับการยอมรับในหมู่ศิลปินมอสโกรุ่นน้อง ในเวลาเดียวกัน เขาได้เข้าร่วม "การวาดภาพยามเย็น" ของ Polenov ซึ่งจัดโดย V.D. Polenov และภรรยาของเขา และได้รับการสนับสนุนและอนุมัติที่นั่น

ยุคของผลงานทางประวัติศาสตร์

ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 90 ยุคใหม่เริ่มต้นขึ้นในผลงานของศิลปินที่เกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ผลงานทางประวัติศาสตร์ ภาพวาดประวัติศาสตร์ของ Ivanov มีลักษณะที่ทำให้คล้ายกับงานศิลปะของ Surikov และ Ryabushkin จิตรกรเข้าใจสถานะของฝูงชนที่ตื่นเต้นในช่วงเวลาที่น่าทึ่ง (“ The Troubles”, I. I. Brodsky Apartment Museum); “ ตามคำตัดสินของ veche” ซึ่งเป็นของสะสมส่วนตัว) เขาถูกดึงดูดด้วยความแข็งแกร่งของตัวละครพื้นบ้านของรัสเซียและเขาก็เหมือนกับ Ryabushkin ที่ค้นพบความงามในปรากฏการณ์ของชีวิตพื้นบ้านยืนยันความเข้าใจในความงามนี้ของชาวรัสเซีย Ivanov จับภาพการค้นหาเวลาอย่างละเอียดอ่อน ผลงานของเขาในช่วงหลายปีที่ผ่านมาได้รับความดังก้องของสีสันเป็นพิเศษ

อย่างไรก็ตาม การค้นหาหัวข้ออื่นๆ และวิธีการแสดงสถานะภายในยังคงดำเนินต่อไป Ivanov ไม่พอใจ (ในคำพูดของเขา) กับ "ฉากน่ารัก" ที่แพร่หลายในประเภทชีวิตประจำวันของ Itinerants พยายามอย่างหนักเพื่องานศิลปะที่น่าทึ่งและถ่ายทอด "จังหวะของจิตวิญญาณมนุษย์" อย่างละเอียดอ่อน เขาค่อยๆเปลี่ยนภาพวาดและจานสีของเขาอาจอยู่ภายใต้อิทธิพลของการทำงานในที่โล่ง สิ่งนี้เกิดขึ้นในหลายปีแห่งการก่อตั้งสหภาพศิลปินรัสเซียซึ่งอีวานอฟมีบทบาทบางอย่าง ศิลปินหันมาใช้แนวประวัติศาสตร์ วาดภาพบุคคลที่เขารัก และหนังสือภาพประกอบ เขายังคงเป็นศิลปินแนวสัจนิยม แม้ว่าจะมีการค้นหา ความทันสมัย และการปฏิเสธศิลปะวัตถุก็ตาม

Ivanov เป็นผู้ริเริ่มแนวประวัติศาสตร์โดยแต่งตอนของยุคกลางของรัสเซีย - ด้วยจิตวิญญาณของสไตล์อาร์ตนูโว - เกือบจะเหมือนกับภาพนิ่งภาพยนตร์ที่ดึงดูดผู้ชมด้วยจังหวะที่มีชีวิตชีวา "เอฟเฟกต์ของการปรากฏตัว" (การมาถึงของชาวต่างชาติ ในมอสโกในศตวรรษที่ 17); “ซาร์ ศตวรรษที่ 16" (1902) การรณรงค์ของชาวมอสโก ศตวรรษที่ 16 พ.ศ. 2446) ในนั้นศิลปินได้มองดูอดีตทางประวัติศาสตร์ของบ้านเกิดของเขาใหม่โดยไม่ได้พรรณนาถึงช่วงเวลาที่กล้าหาญของเหตุการณ์ แต่เป็นฉากของชีวิตประจำวันจากชีวิตรัสเซียโบราณ ภาพบางภาพเขียนด้วยความประชดและแปลกประหลาด

ปีปฏิวัติ-ปีสุดท้าย

ต่อมาศิลปินได้วาดภาพ “พวกเขากำลังไป! การปลดลงโทษ" ( - , Tretyakov Gallery).

เขาสอนที่โรงเรียนศิลปะและอุตสาหกรรม Stroganov (พ.ศ. 2442-2449) ที่โรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมมอสโก (2443/2446-2453)

เขาเป็นผู้มีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการของสมาคมคนรักศิลปะแห่งมอสโก (พ.ศ. 2430, พ.ศ. 2432, พ.ศ. 2437), สมาคมผู้เดินทาง (พ.ศ. 2430-2444), "ศิลปิน 36 คน" (2444, 2445), "โลกแห่งศิลปะ" (2446) และสหภาพศิลปินรัสเซีย (พ.ศ. 2446-2453)

เขาทำงานอย่างมีประสิทธิผลในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านการแกะสลักและการพิมพ์หินตลอดจนนักวาดภาพประกอบผลงานของ N.V. โกกอล, ม.ยู. Lermontov, A.S. พุชกินาและคนอื่น ๆ

Ivanov เสียชีวิตเมื่ออายุ 46 ปีจากอาการหัวใจวายเมื่อวันที่ 3 สิงหาคม (16) ที่เดชาของเขาในหมู่บ้าน Svistukha ริมฝั่งแม่น้ำ Yakhroma

แกลเลอรี่

วรรณกรรม

"1989. หนึ่งร้อยวันที่น่าจดจำ” ปฏิทินศิลปะ สิ่งพิมพ์ภาพประกอบประจำปี ม. 2531 บทความโดย V. Petrov

A. F. Dmitrienko, E. V. Kuznetsova, O. F. Petrova, N. A. Fedorova "ชีวประวัติสั้น ๆ 50 เรื่องของปรมาจารย์ด้านศิลปะรัสเซีย" เลนินกราด 2514 บทความโดย A. F. Dmitrienko