Caravaggio (prawdziwe nazwisko Michelangelo Merisi da Caravaggio) urodził się w Mediolanie w 1571 roku. Po odbyciu praktyki u Simone Peterzano przyjeżdża do Rzymu. Swój sukces artystyczny zawdzięcza nie tyle swoim nauczycielom, co niepohamowanemu temperamentowi. W Rzymie rozpoczyna pracę jako malarz pół-rzemieślnik, dodający indywidualne detale do obrazów uznanych mistrzów. Niezwykły talent artysty dostrzegł kardynał del Monte, jego pierwszy mecenas i filantrop. Z pomocą kardynała Caravaggio otrzymał swoje pierwsze duże publiczne zlecenie - malowanie bocznych ścian kaplicy Contarelli w kościele San Luigi dei Francesi. Obraz ukończono w 1600 roku. Praca nie zadowoliła klientów ze względu na niezwykły jak na tamte czasy naturalizm obrazu. Jednak pomimo dezaprobaty dla swojego pierwszego dużego dzieła Caravaggio zdołał zadeklarować się jako artysta nowego kierunku w malarstwie. Obraz pociągnął za sobą szereg prestiżowych zamówień. Caravaggio w swoich wczesnych pracach wprowadził do malarstwa włoskiego pojęcie „gatunku”, charakterystyczne dotychczas jedynie dla artystów holenderskich. Ale w przeciwieństwie do Holendrów Caravaggio mało interesuje się tym, co się dzieje lub ma się wydarzyć, dla niego ciekawsze są same typy uliczne - wróżka w białym turbanie, wytworny młodzieniec w kapeluszu z piórami i tym podobne . Punkt zwrotny W życiu artysty doszło do morderstwa, którego dopuścił się przypadkowo w kłótni, która wybuchła podczas gry w karty. Caravaggio został skazany na karę śmierci i zmuszony do ucieczki z Rzymu. Dalsze życie artysty upływa w wędrówce; Wszędzie, gdzie czuje się obcy, wszędzie, gdzie ma starcia z wrogami, często zostaje postawiony przed sądem albo za bójkę, albo za obraźliwą poezję, albo za kłótnię z gospodarzami. Po ucieczce z Rzymu znajduje schronienie w Neapolu, gdzie w ciągu kilku miesięcy tworzy szereg ołtarzy, w tym słynną „Madonnę z Różańcem”. W 1607 był już na Malcie; tam, oprócz innych dzieł, Caravaggio namalował „Ścięcie Jana Chrzciciela”, jedyny obraz opatrzony podpisem autora. Rok 1608 spędza na Sycylii, Syrakuzach, Mesynie i Palermo, gdzie ponownie dużo pracuje i tworzy kompozycje ołtarzowe, które stały się sławne. W październiku 1609 artysta ponownie wrócił do Neapolu, a w lipcu następnego roku, 1610, zmarł na wybrzeżu Porta Ecole.
Twórczość Caravaggia wywarła kolosalny wpływ na rozwój malarstwa włoskiego i w ogóle całego malarstwa. Styl, który wprowadził do sztuki, nazwano „karawagizmem” i stał się jednym z definiujących stylów w sztuce włoskiej. obraz XVII wiek. Techniki opracowane w Malarstwo rodzajowe, używa go także w kompozycjach religijnych, a w tych utworach zupełnie brakuje mu „świętości”. Dla artysty nie liczy się nic poza silnymi ciałami i przedmiotami materialnymi, które można podnieść i dotknąć. W późniejszych pracach, w okresie wędrówek, coraz bardziej pogrąża się w ciemnościach. Obraz staje się mroczny i niezwykle intensywny.
Jednym z nich jest obraz „Śmierć Marii”. najnowsze prace artysta. Widocznie pod wpływem malowanie kościoła Rimy Caravaggia odnosi się do złożonej, wielofigurowej kompozycji. Obraz poprzez swoją brutalną bezpośredniość stał się dosłownym odwzorowaniem życia. To prawdopodobnie jedno z najtragiczniejszych dzieł w zbiorach Luwru. Fizyczna rzeczywistość śmierci, podkreślona ostrym światłem płynącym z głębi obrazu, wstrząsnęła wszystkimi. Klasztor Karmelitów, który zamówił ten obraz, porzucił obraz jeszcze przed ukończeniem prac. Za radą Rubensa obraz ten trafił do kolekcji księcia Mantui i na długi czas stał się obiektem naśladownictwa dla innych artystów. Następnie obraz trafił do Anglii, Karola I, później, w czasie rewolucji, kupił go pewien bankier, a po jego bankructwie nabył go Ludwik XIV i tym samym trafił do Luwru.
Obraz „Wniebowzięcie Marii” został namalowany przez Michała Anioła da Caravaggio w 1606 roku, cztery lata przed śmiercią artysty. porywczy, pojedynkujący się i awanturnik, człowiek wiodący beztroskie życie bohemy, miłujący wolność burzyciel wszelkich norm w życiu i sztuce – taki był Caravaggio, który zmarł w wieku trzydziestu sześciu lat, ale udało mu się w jego krótkie życie spowodowało całą rewolucję w sztuce.
Wyrastający we Włoszech artysta nie chciał zaakceptować ani tradycji panującego wówczas manieryzmu, ani doktryn rodzącego się akademickiego klasycyzmu.
Świadomy bunt przeciwko oficjalnemu malarstwu kościelnemu z jego wzniosłymi i zmysłowymi obrazami doprowadził Caravaggia do najbardziej surowego i bezlitosnego realizmu. Artysta zakochał się w zdrowym stylu życia, w szczerości zwykłych ludzi.
W swojej sztuce miał „obsesję na punkcie tematu”, przekazując jego materialną, namacalną „mięsność”. Podziwiał realne formy świata, które ucieleśniał w mocnych, ciężkich masach, rzeźbiąc je kontrastowym światłocieniem. Obraz „Wniebowzięcie Marii”, zamówiony przez kościół Santa Maria della Scala w Rzymie, nie został przyjęty, gdyż szokował klientów swoim zasadniczym realizmem. Niemal wszyscy przedstawiciele ówczesnego malarstwa oficjalnego nazywali Caravaggia „antyartystą”, jednak, jak pokazał czas, jego odwołanie się do życia zwykłych ludzi stało się największym osiągnięciem sztuki XVII wieku. Później rozwinął się w dziełach Velazqueza, Rembrandta i wielu innych artystów europejskich. Na obrazie Caravaggia leżące na brzuchu ciało zmarłej Marii przecina całą kompozycję energetyczną poziomą linią. Twarz zmarłego jest spokojna. Ale ten głęboki sen odbija się w bólu w sercach naiwnych i brzydkich apostołów, którzy zgromadzeni przy łożu śmierci Matki Bożej, tak niewinnie, w plebejskim smutku, ocierają rękami łzy.
Być może tylko szkarłatna draperia uroczyście wieńcząca tę scenę i fakt, że Maryja jest napisana jakby unosząca się w przestrzeni, wskazują na wagę tej sytuacji. W przeciwnym razie scena jest przedstawiana jako wydarzenie ziemskie i przyzwyczajając się do atmosfery płótna, każdy jest przepojony współczuciem dla smutku ludzi, którzy stracili ukochaną osobę; widz może docenić głębię swoich uczuć i wielkość tych szorstkich, prawdziwie męskich obrazów, ale pełnych wewnętrznej siły duchowej.
Bohaterów „Wniebowzięcia Najświętszej Marii Panny” cechuje skromne skupienie. Są całkowicie pogrążeni w głębokim smutku. Bez pozy i afektacji postacie Caravaggia odkrywają swoje piękno świat moralny. Ich postacie, zespolone w jedną gęstą masę, oświetla ostre światło, skierowane jakby od widza do ukazanego tłumu. Kontrastowy światłocień, tzw. „broso cienia”, ostro modeluje każdy tom i wydobywa z otaczającego mroku spokojną twarz zmarłej, chudą dłoń jej lewej ręki, odrzuconą na bok. Światło rzeźbi zwartą sylwetkę siedzącej Marii Magdaleny, której wizerunek prawdopodobnie został skopiowany od jakiejś wieśniaczki. Postać ta zachwyca energią rysunku, psychologiczną perswazją i plastycznym pięknem. Wydaje się, że Magdalena trzyma na ugiętych ramionach całą masę kompozycji i to technika kompozytorska służy pogłębieniu stanu emocjonalnego sceny.
Prostota i spontaniczność w wyrażaniu żalu, który wypełniał dusze wszystkich zgromadzonych wokół ciała, klarowność kompozycji zbudowanej głównie na systemie naprzemiennych pionów, kontrastujący światłocień – wszystko to pozwala postrzegać legendę jako prawdziwy, życiowy dramat. Karavadjo nie boi się postawić widza twarzą w twarz ze śmiercią w jej najbardziej realnej postaci. Ale wie, jak podnieść tę niezwykle prostą scenę do niezwykle potężnej monumentalności.
Obrazy Michelangelo Caravaggia
Malujący muzycy, Michelangelo Merisi da Caravaggio
Opis obrazu:
Muzycy – Michelangelo Merisi da Caravaggio. Około 1595 r. Olej na płótnie. 92,1 x 118,4
W chwili pisania tego dzieła Michelangelo da Caravaggio był jeszcze młody i pomimo swojego śmiałego usposobienia wiódł dość spokojne życie w domu swojego patrona, kardynała Francesco Del Monte. Czas dramatyczne wydarzenia w losach artysty i jego przepełnionych pasjami obrazach, walce światła z ciemnością, która będzie miała wpływ silny wpływ przez cały Malarstwo europejskie, jeszcze nie dotarł. Jego obrazy są nadal jasne i liryczne. Często grają muzykę, jak w prezentowanym dziele, w którym kwitnąca młodość i wysublimowana sztuka łączą się w harmonii.
Muzyk, siedząc na płótnie tyłem do widza, otworzył partyturę. Znajduje się na nim napis, który powinien dokładniej wyjaśnić, co się dzieje. Jest to powszechna praktyka w dzieła Caravaggia, ale nikt jeszcze nie był w stanie przeczytać tego, co napisano. Chłopiec z rogiem w tle to najwcześniejszy z autoportretów artysty, który niejednokrotnie przedstawiał siebie na swoich obrazach, i jest to ostatni autoportret Caravaggia, na którym widzimy go pogodnego.
W „Muzykach” wciąż słychać powiew renesansu. Jednak w gęstej i złożonej kompozycji dzieła, w poskręcanych tkaninach ubrań i draperii wyczuwalne jest napięcie i lekkie drżenie nerwowe, charakterystyczne dla sztuki baroku.
Opis obrazu:
Bachus – Michelangelo Merisi da Caravaggio. Około 1595-1597. Płótno, olej. 95x85
Stojąc u początków baroku, Caravaggio (1571-1610) namalował ten obraz w wciąż stosunkowo spokojnym okresie swojego życia. Stąd wybór tematu – Bachus, grecki bóg wino i zabawa, na obraz której mistrz pokazał młodego mężczyznę o ospałym spojrzeniu, delikatnym gestem podającym widzowi kieliszek wina.
Jego silne, muskularne ciało promieniuje zdrowiem, na policzkach igra delikatny rumieniec, pulchne usta są soczyste, a kolor płótna pozostawia poczucie świętowania. Ale owoc w wazonie stojącym przed Bachusem nie jest już taki świeży: jabłko jest zgniłe, jest na nim tunel czasoprzestrzenny. A liście winogron w wieńcu bohatera już więdną.
Caravaggio nie bał się przedstawiać życia takiego, jakie jest, mocno odczuwał jego ukryty dramat, co znalazło odzwierciedlenie w jego późniejszej twórczości, która wywarła wpływ na całe malarstwo europejskie. Artysta ponownie powrócił do tematu wesołego starożytnego boga, ale namalował na jego obraz siebie, wyczerpanego fizycznie i psychicznie chorobą (płótno „Chory Bachus”, przechowywane w Galerii Borghese w Rzymie).
Lutenista – Michelangelo Merisi da Caravaggio. Około 1595 r. Olej na płótnie. 94x119
Dzieła znanych Włoski artysta Michelangelo Merisi da Caravaggio wpłynął na rozwój sztuki światowej, dając początek całej plejadzie naśladowców i naśladowców, tzw. karawagistów, zarówno w rodzimych Włoszech, jak i w innych krajach. kraje europejskie. Mistrz rozwijał nowe formy, idee, obrazy, tematy i ostro zerwał ze ścisłym kanonem akademickim, jaki panował we Włoszech. Emocjonalność dzieł Caravaggia została wzmocniona nowatorskim wprowadzeniem do malarstwa obrazów światła sztucznego lub dziennego, przebijającego ciemność i jasno się z niej wyłaniającego. poszczególne figury i obiekty.
Artysta, który miał bardzo ostry charakter, wiódł życie pełne przygód, jednocześnie tworząc piękne dzieła sztuki. Dużo wędrował i ukrywał się, musiał wyjechać rodzinne miasto po morderstwie, które miało miejsce w bójce.
Mistrz malował płótna różne historie, tworzył portrety, obrazy religijne i sceny codzienne. „Lutniarz” jest jednym z nich wczesne prace Caravaggia wizerunek muzyka będzie pojawiał się na jego obrazach nie raz. Twarz modela pozbawiona jest klasycznej urody: okrągła, owalna twarz, zmysłowe, pulchne usta i ciemne, duże oczy tworzą wizerunek zdrowego, kwitnącego młodego mężczyzny. Szczególną uwagę zwraca się na martwą naturę. Artysta z wielką przyjemnością maluje jasne kwiaty i owoce oraz drewniane instrumenty muzyczne.
Ofiara Izaaka – Michelangelo Merisi da Caravaggio. 1601-1602. Płótno, olej. 104x135
Narastający dramatyzm twórczości Caravaggia w pełni objawił się w prezentowanym dziele, tym bardziej ze względu na jego fabułę. Obraz namalowany został dla kardynała Maffeo Barberiniego, którego patronatem cieszył się artysta. Przedstawił moment, w którym biblijny starszy Abraham ma zamiar zgodnie z poleceniem Boga złożyć w ofierze swojego syna Izaaka, aby przekonać się o głębokości swojej wiary.
W możliwie najkrótszym czasie Caravaggio zdołał pomieścić kilka intensywnych działań bohaterów: ojciec, trzymając ręką głowę związanego syna, uniósł nad nim nóż, syn krzyczy ze strachu, ale anioł wysłany przez Bóg zatrzymuje Abrahama i wskazuje mu barana ofiarnego.
Obraz jest tak pełen emocji, że nawet anioł wygląda na zmartwionego, a baranek z niespokojnym spojrzeniem przeciąga głowę, jakby błagał, aby go postawić na miejscu Izaaka. Rozwijająca się poziomo kompozycja rozciąga w czasie wszystkie działania bohaterów, zmuszając zarówno ich, jak i widza do jeszcze intensywniejszego przeżycia przedstawionego dramatu. Nic dziwnego, że malarstwo barokowe jest twórcą i jednym z najzdolniejszych przedstawicieli w którym pojawił się Caravaggio, charakteryzowało się napięciem namiętności.
Ale artysta nie tylko ukazywał ludzkie doświadczenia w konkretnym momencie - poszedł dalej, pogłębiając je psychologicznie. Zatem twarz Abrahama odzwierciedla walczącą w nim żarliwą wiarę i ojcowską miłość. Dramat dodaje pejzaż pogrążający się w półmroku w tle, ale miasto na górze i jasna dal nieba podkreślają pomyślny wynik który wkrótce nadejdzie
Wieczerza w Emaus – Michelangelo Merisi de Caravaggio. 1601. Olej na płótnie. 141x196,2
Wkrótce po ukrzyżowaniu i zmartwychwstaniu Chrystusa Kleofas wraz z innym bezimiennym uczniem udali się do Em-maus, wioski niedaleko Jerozolimy. W drodze spotkał ich Jezus, przyłączył się do nich, lecz podróżni Go nie poznali. Potem pozostał z nimi w domu, gdyż było już późno, a po posiłku z nimi uczniowie rozpoznali Jezusa, lecz stał się dla nich niewidzialny.
Nowatorska interpretacja fabuły czyni ten obraz Caravaggia zjawiskiem wyjątkowym. Na obrazie Chrystus jawi się jako pozbawiony brody, a podekscytowanie uczniów, którzy zdali sobie sprawę, że przed nimi stoi Nauczyciel, wyraża się w ich wyrazistych gestach i mimice. Ponadto Caravaggio kładzie duży nacisk na martwą naturę, co ma znaczenie symboliczne. Podejmowano wiele prób, aby to odkryć. Kurczak na talerzu jest interpretowany jako symbol śmierci, wskazują na to również czarne winogrona, a biały jest uosobieniem Zmartwychwstania. Kolejnym symbolem Zmartwychwstania jest granat. Jabłka w systemie znaczeń „odczytywane” są na dwa sposoby: zarówno jako owoce łaski, jak i jako przejaw grzechu pierworodnego, odkupionego krwią Chrystusa. Warto zauważyć, że w rzeczywistości wiosną, kiedy rozgrywa się fabuła, takie owoce nie mogły znaleźć się na stole. To tylko potwierdza ich symboliczne znaczenie.
Obraz „Wieczerza w Emaus” został namalowany dla rzymskiego arystokraty i bankiera Ciriaco Mattei. Za pracę 7 stycznia 1602 roku Caravaggio otrzymał 150 koron. Dzieło zostało później zakupione przez kardynała Scipione Borghese.
Śmierć Maryi – Michelangelo Merisi de Caravaggio. 1605-1606. Płótno, olej. 369 x 245
Na tym obrazie, namalowanym na ołtarz rzymskiego kościoła Santa Maria della Scala w Trastavere, reformistyczny artysta Caravaggio przedstawia swoją interpretację tradycyjna fabuła Zaśnięcie Matki Bożej. Tradycyjnie odejścia Dziewicy Maryi nie uważano za tragedię, gdyż Matka Boża, która dożyła sędziwego wieku, po swojej śmierci wstąpiła do nieba i na zawsze zjednoczyła się ze swoim ukochanym Synem.
Caravaggio widział w tej historii właśnie tragedię, która pogrążyła apostołów w głębokim smutku. Obraz zmarłej Dziewicy zbyt wymownie mówi o przeżytych cierpieniach i mękach śmierci. Jej ciało pomalowane jest z stopniem realizmu, na jaki nie byli gotowi odbiorcy dzieła, ponadto modelką Najświętszej Maryi Panny była bliska przyjaciółka artysty – dziewczynka prostytutka. To był powód, dla którego klient odrzucił gotowy obraz.
Młody człowiek z koszem owoców, Michelangelo Caravaggio
Młody człowiek z koszem owoców, Michelangelo Caravaggio
Młody człowiek z koszem owoców – Michelangelo Merisi da Caravaggio. Około 1593-1594. Płótno, olej. 70x67
Artysta, który wywarł wpływ na całe malarstwo europejskie, zaczynał od obrazów charakteryzujących się jasną barwą i lirycznym nastrojem. W młodości Caravaggio mieszkał z bogatym mecenasem sztuki, prałatem papieskim prałatem Pandolfo Pucci, a później z malarzem Cavalierem d'Arpino i malował leniwych, pięknych młodych mężczyzn, grających muzykę lub trzymających w rękach kwiaty lub owoce i patrzenie na widza spod przymkniętych powiek. Na tym płótnie ukazana jest jedna z tych postaci.
Obraz zawiera w sobie zmysłowość charakterystyczną dla podobnych obrazów mistrza wczesny okres: akceptowany uroczy uliczny jeżowiec piękna poza, odchylając lekko głowę do tyłu, zrzucając koszulę z jednego ramienia i delikatnie przyciskając koszyk do siebie. Ale jeśli ludzki wygląd jest nadal idealizowany, to w prezentowanej tu martwej naturze ujawnił się talent realisty Caravaggia, który wkrótce zadeklarował się z mocą i siłą. Artysta umiejętnie odmalował nie tylko aksamitną skórkę brzoskwiń i błyszczącą skórkę jabłek, ale także ciemne plamy na owocach i suszonych liściach.
Męczeństwo apostoła Mateusza, Michelangelo Caravaggio
Męczeństwo apostoła Mateusza, Michelangelo Caravaggio
Męczeństwo apostoła Mateusza – Michelangelo Merisi da Caravaggio. 1599-1600
Ten duży, dramatyczny obraz został namalowany w latach 1599-1600. do kaplicy Contarelli w kościele San Luigi dei Francesi w Rzymie. Bezwładnie zwisająca dłoń świętej i dziwnie oświetlone postacie na pierwszym planie kierują wzrok widza bezpośrednio na miejsce przemocy. Oświetlenie dwóch centralnych postaci podkreśla potężny kontrast pomiędzy muskularnym ciałem kata a starcem bezradnie rozłożonym na ziemi w stroju księdza. Ciało Mateusza z ramionami rozłożonymi na boki zdaje się tworzyć krzyż u stóp kata. Niewidzialny anioł wręcza katowi gałązkę palmową, symbol męczeństwa, którą ten próbuje chwycić.
NE. MATEUSZ. Atrybutem apostoła Mateusza, czyli Lewiego, jest anioł ze skrzydłami. Mateusz był celnikiem władz rzymskich. Ale pewnego dnia Chrystus zwrócił się do niego „i powiedział mu: pójdź za Mną. I wstał, i poszedł za Nim.” Potwierdzone dowody na jego temat poźniejsze życie nie, ale legenda 2 głosi, że głosił w Etiopii, gdzie król zaczął nękać prostą chrześcijankę. Mateusz potępił go za napaść na oblubienicę Chrystusa i w rezultacie zginął śmiercią męczeńską od miecza. Mistrzowie malarstwa przedstawiają Mateusza z reguły piszącego swoją Ewangelię, zwykle pod przewodnictwem anioła. Może mieć przy sobie monety lub portfel – cechy jego dawnego rzemiosła; we Florencji Mateusza uważano za patrona kantorów i bankierów.
Święty Jan Chrzciciel, Michelangelo Caravaggio
Święty Jan Chrzciciel, Michelangelo Caravaggio
Święty Jan Chrzciciel – Michelangelo Merisi da Caravaggio. Około 1610 r. Olej na płótnie. 152x125
Prawdopodobnie to dzieło Caravaggia było jednym z trzech obrazów, które zabrał ze sobą udając się z Malty do Rzymu w nadziei uzyskania po morderstwie ułaskawienia od papieża Pawła V. Artysta zamierzał podarować te obrazy swojemu siostrzeńcowi, Kardynała Scipione Borghese, aby wstawił się za kimś, kto obraził Papieża. Malarz nigdy nie wrócił do Wiecznego Miasta, umierając po drodze, jednak pozostałe płótno świadczy o stanie ducha, w jakim znajdował się w ostatnich latach życia.
Święty Jan Chrzciciel, którego od czasów renesansu często przedstawiano nie jako mężczyznę dojrzałego, ale młodzieńczego, siedzi głęboko zamyślony. Jego wygląd przepełniony jest smutkiem, którego nie rozprasza ani ciepłe światło zalewające postać, ani czerwona draperia. Caravaggio zaczynał od jasnych i wesołych płócien, a następnie malował pełen pasji i ostry dramatyzm dzieła, aż w końcu doszliśmy do przesiąkniętych tragicznym poczuciem istnienia obrazów, które stworzył pod koniec swojej krótkie życie. Twórczość artysty odzwierciedlała jego własną ścieżkę życiową.
Dawid z głową Goliata, Caravaggio
Dawid z głową Goliata, Caravaggio
Dawid z głową Goliata – Caravaggio. 1609-1610. Płótno, olej. 125x100
Potężny, niepohamowany temperament, który przejawiał się w twórczości Caravaggia, przeszkadzał mu nie raz w życiu. „...Na placu Campo Marzio” – relacjonował w 1606 r. śledczy Kurii Rzymskiej do spraw karnych – „doszło do poważnej sprzeczki pomiędzy czterema mężczyznami z każdej strony. Przywódcą jednego był Ranuccio da Terni, który zmarł po długiej walce; drugą stronę prowadził Michelangelo da Caravaggio, dobrze dziś znany malarz, o którym mówi się, że został ranny, ale miejsce jego pobytu nie jest znane. (...) Do zdarzenia doszło w wyniku kłótni o 10 skudów, którą zmarły wygrał od malarza.” Caravaggio został skazany zaocznie na kara śmierci i uciekł do Neapolu, a następnie na Maltę. Tam pod koniec życia namalował obraz przedstawiający pasterza Dawida z głową pokonanego przez niego olbrzyma Goliata.
Z gęstej ciemności wyłania się młody mężczyzna, trzymając w dłoni odciętą głowę. Uważa się, że twarz giganta jest autoportretem artysty. Imiennik malarza, Michelangelo Buonarroti, posłużył się podobną techniką – osadzając swój wizerunek w dramatycznym kontekście – tworząc fresk „ Sąd Ostateczny„W Kaplica Sykstyńska: na skórze obdartej ze św. Bartłomieja, którą trzyma w dłoni, odciśnięta jest głowa artysty.
Caravaggio potęgował uczucie gorzkiego smutku emanujące z jego malarstwa niezwykłym wyborem wizerunku Dawida: sam zwycięzca sprawiał wrażenie pokonanego, patrząc z cierpieniem na dzieło swoich rąk.
Madonna Palafrenieri (Madonna z wężem), Michelangelo Caravaggio
Madonna Palafrenieri (Madonna z wężem), Michelangelo Caravaggio
Madonna Palafrenieri (Madonna z wężem) – Michelangelo Merisi da Caravaggio. 1605-1606. Płótno, olej. 292x211
Caravaggio namalował obraz Matki Bożej z Chrystusem i św. Anną na zlecenie koniuszy papieskich (od włoskiego „palafrenieri” – „stajniacy”) do ołtarza głównego kościoła Sant’Anna niedaleko Bazyliki św. Piotra w Rzymie. Obraz otrzymał swoją drugą nazwę ze względu na fakt, że przedstawia węża – symbol zła, który jest deptany przez Maryję i Chrystusa.
Dzieło mistrza, którego sztuka wykraczała poza kanony, znajdowało się w katedrze zaledwie kilka dni. Caravaggio nie raz zdarzało się, że na skutek niezadowolenia duchowieństwa jego dzieła opuszczały mury kościołów i trafiały do kolekcji prywatnych. W w tym przypadku obraz trafił do kolekcji Scipione Borghese. Powód usunięcia go z kościoła był najprawdopodobniej następujący: artysta przedstawiał Annę, Marię i Chrystusa z taką odwagą i tak realistycznym podejściem do tworzenia obrazów, jakby malował jednego ze swoich skromnych i biednych rówieśników.
„Uważa, że... nie ma nic lepszego niż podążanie za naturą” – pisał o Caravaggia okres dojrzały jego współczesny, Holenderski artysta i historyk sztuki Karel van Mander. „Z tego wynika jasno, że nie wykona ani jednego pociągnięcia pędzla bez przestudiowania życia, które kopiuje i pisze”. Ale to właśnie pasja prawdy życia, chęć przybliżenia boskości człowiekowi była innowacją Caravaggia, która rozbudziła sztukę europejskich artystów.
Caravaggio jednak znakomicie potrafił „wyreżyserować” wymyśloną przez siebie scenę, niczym prawdziwy artysta barokowy, którego był jednym z założycieli. A jego styl „tenebroso” (w tłumaczeniu z włoskiego „ponury, ciemny”), w którym promień światła przecina ciemność i oświetla bohaterów, potęguje moment teatralności przedstawianego obrazu.
Malarstwo Świętego Hieronima, Michelangelo Caravaggio
Malarstwo Świętego Hieronima, Michelangelo Caravaggio
Święty Hieronim – Caravaggio. Około 1606 r. Olej na płótnie. 116x153
Na tym obrazie, namalowanym przez Caravaggia specjalnie dla Scipione Borghese, artysta przedstawił św. Hieronima w jego uczonych dziełach.
Światło wpadające przez niewidzialne okno wyrywa z mroku czerwoną szatę świętego, jego głowę ze stromym, wypukłym czołem myśliciela, książki i leżącą na stole czaszkę. „Caravaggio… z dnia na dzień stawał się coraz bardziej sławny” – pisał o nim biograf Giovanni Pietro Bellori – „głównie dzięki swojej kolorystyce, już nie miękkiej i jasnej jak dawniej, ale bogatej, z mocnymi cieniami, często stosował dużo czerni, aby nadać kształtom ulgę. I był tak urzeczony tym sposobem, że nie wypuszczał już żadnej ze swoich postaci na słońce, ale umieścił je w zamkniętym pomieszczeniu... wykorzystując promień światła padający pionowo na główne części postaci, pozostawiając całą resztę w cieniu, aby światłocień dał ostry efekt. Malarze rzymscy tamtych czasów byli zachwyceni tą innowacją, zwłaszcza młodzi...”
Święty Hieronim, jeden z ojców Kościoła, tłumacz Biblii na j język łaciński, pogrążony w czytaniu Boskiej Księgi, na jego czole odciśnięty jest ślad skrajnego skupienia, w dłoni zamarzł długopis. Jednocześnie stworzony przez artystę obraz przypomina także życie bohatera obrazu na pustyni, gdzie modlił się i żałował za swoje grzechy, o czym świadczy jego pustelniczy strój. Ilustruje to czaszka, jeden z atrybutów Hieronima Łacińskie powiedzenie « Pamiętaj o śmierci„ - „pamiętaj o śmierci”, ale symbolizuje także zwycięstwo ludzkiego ducha nad śmiertelnym ciałem. Pomiędzy tym symbolem a świętym znajduje się rozszerzona Biblia jako ścieżka, którą należy przejść z życia zwykłego śmiertelnika na wyżyny ducha. Tak ukochana przez artystę, wydłużona poziomo kompozycja wskazuje na tę dużą odległość, lecz dłoń z piórem ją skraca.
Malarstwo Chorego Bachusa, Michelangelo Caravaggio
Malarstwo Chorego Bachusa, Michelangelo Caravaggio
Kosz owoców, Caravaggio, 1596
Kosz owoców, Caravaggio, 1596
Obraz „Złożenie do grobu”, Caravaggio
Obraz
Sharpies, Caravaggio, 1596
Sharpies, Caravaggio, 1596
Sharpies – Caravaggio. 1596. Olej na płótnie, 90x112 cm.
Wielki Caravaggio jest świetny w małych rzeczach - w swoim gatunkowym obrazie „Charriers” dwóch oszustów pokonało naiwnego, niedoświadczonego młodego człowieka w grze karcianej, jednej z odmian pokera. Za pochłoniętym grą młodzieńcem stoi starszy bystry, zagląda do jego kart i daje młodemu wspólnikowi konwencjonalne znaki. Ręka wspólnika jest za plecami, przygotowuje się do wyciągnięcia ze spodni przygotowanej wcześniej karty. tajny znak wspólnik.
Rękawiczki starszego oszusta wyglądają dziwnie – mają obcięte końcówki, żeby lepiej wyczuć zaznaczone karty. Obaj oszuści ubrani są w kolorowe garnitury z wieloma drobnymi detalami i wzorami, za pasami mają krótkie noże, a na głowach kapelusze z jasnymi piórami. Na twarzy młodego oszusta widać niewinność, a nawet lekką głupotę. Wszystko po to, aby odwrócić uwagę chłopca bawiącego się z oszustami od „podstępnych” sztuczek.
Wielu artystów epoki Caravaggia w swoich obrazach zwracało uwagę na fabułę oszustwa i oszustwa, przedstawiało dno miasta we wszystkich jego przejawach, a „nagość” w każdy możliwy sposób obnażała bolączki społeczeństwa. Na płótnie wielkiego Włocha mamy do czynienia z dość pomysłowo przedstawioną fikcją, spokojną narracją (nie pozbawioną zachwytów estetycznych) i jak zawsze realistycznym efektem obecności. Pamiętajmy o tym w końcu wspaniały artysta a on sam prowadził „burzliwy” tryb życia, wdawał się w bójki i skandale oraz niejednokrotnie brał udział w pojedynkach. Okazuje się, że doskonale wiedział, o czym pisze…
Rok urodzenia: 29 września 1571
Data śmierci: 18 lipca 1610
Kraj: Włochy
Biografia:
Michelangelo Merisi da Caravaggio urodził się w 1571 roku w Lombardii we Włoszech. Do dziś nie wiadomo, gdzie urodził się ten wybitny człowiek, ani też kiedy przyszedł na świat. Naukowcy sugerują, że mógł urodzić się w Mediolanie lub w małym miasteczku pod Mediolanem – Caravaggio. Michał Anioł był najstarszym synem w rodzinie. Miał trzech braci i siostrę, która była najmłodsza. Ich ojciec był robotnikiem budowlanym, miał dobrą pensję i wykształcenie.
Kiedy w 1576 r. wybuchła zaraza, rodzina Michała Anioła musiała przenieść się z Mediolanu z powrotem do Caravaggio. W 1577 roku zmarł jego ojciec i wtedy w rodzinie zaczęły się pewne problemy. W tym okresie nic więcej nie wiadomo o biografii Michała Anioła Merisiego.
Następna data, 1584, przerwała ten okres. Michał Anioł został uczniem mediolańskiego artysty Simone Peterzano. Po studiach u tego niesłusznie zapomnianego malarza Michał Anioł miał otrzymać tytuł artysty, ale niestety nie zachowały się żadne potwierdzające fakty na ten temat.
W 1592 roku rodzinę Caravaggio ponownie przeżyła kolejna tragedia – zmarła ich matka. Po tym incydencie cały spadek po rodzicach został podzielony pomiędzy dzieci. Michał Anioł otrzymał dobry udział, co wystarczyło, aby opuścić rodzinne miasto i przenieść się do Rzymu. Według niektórych raportów Michał Anioł nie tylko uciekł z Mediolanu. Wielu biografów uważa, że zabił człowieka lub poważnie go zranił, dlatego musiał się przenieść.
Podczas swojego pierwszego pobytu w stolicy Włoch Michelangelo Merisi da Caravaggio miał trudności ze znalezieniem pracy, ale wkrótce odbył praktykę u Giuseppe Cesariego, uznawanego wówczas za jednego z najlepsi artyści Włochy. Ale ich współpraca była krótkotrwała. Caravaggio trafił do szpitala po mocnym uderzeniu konia. Po wyzdrowieniu postanowił pracować samodzielnie.
To właśnie wtedy kardynał Francesco del Moite spotkał na swojej drodze Michała Anioła. Natknął się na kilka obrazów Caravaggia i bardzo je polubił. Moite był wykształcony i kulturalna osoba, cenił sztukę i przyjaźnił się z Galileo. W 1597 kardynał wziął młody artysta do jego służby, zapewniając mu dobrą pensję. Tak minęły kolejne 3 lata od biografii Michała Anioła i nie poszły na marne. Artysta został zauważony i zaczął otrzymywać coraz więcej zamówień. W tym czasie namalował takie obrazy jak „Powołanie apostoła Mateusza” i „Męczeństwo apostoła Mateusza”, a także „Ukrzyżowanie apostoła Piotra”.
Współcześni Caravgio byli zdumieni jego talentem. Malował bardzo realistycznie, jego obrazy były przepełnione dramatyzmem i bardzo oryginalne. Malował wbrew obowiązującym wówczas standardom religijnym. Oczywiście nie brakowało także przeciwników jego twórczości, którzy uważali, że portretował świętych w bardzo przyziemny sposób. Tym samym jego obraz „Św. Mateusz i Anioł” został odrzucony przez duchownych jako niegodny. To właśnie ten obraz nabył słynny ówczesny kolekcjoner, markiz Vincenzo Giustiniani, który następnie kupił od Caravaggia ponad 15 obrazów. Michał Anioł przepisał obraz odrzucony przez kościół.
Do 1604 roku Michelangelo Merisi da Caravaggio stał się najsłynniejszym artystą we Włoszech swoich czasów, ale nie tylko, był także znany jako artysta najbardziej kontrowersyjny, ponieważ wokół jego obrazów zawsze toczyły się gorące dyskusje. Ale nazwisko Caravaggia kojarzono także ze sławą, chwałą przestępcy. Jego nazwisko pojawiło się ponad 10 razy na liście osób, które poprzez swoje nieostrożne wybryki złamały prawo. Wśród nich można wymienić takie jak noszenie broni siecznej bez pozwolenia (Caravaggio miał ze sobą ogromny sztylet), rzucanie tacą w twarz kelnera, tłuczenie szkła w domu. Artysta przez pewien czas przebywał nawet w więzieniu. 28 maja 1606 roku Michelangelo Merisi da Caravaggio zabił człowieka. Jeśli wcześniej, gdy jeszcze mieszkał w swojej ojczyźnie, fakt ten nie został potwierdzony, to tym razem jest to pewne. Po bójce, która wynikła podczas gry w piłkę, doszło do tego nieszczęścia. Michał Anioł musiał uciekać. Pozostałe 4 lata życia musiał spędzić na emigracji.
Początkowo znajdował się niedaleko Rzymu. Wciąż miał nadzieję, że zostanie ułaskawiony. Zdając sobie sprawę, że to niemożliwe, udał się do Neapolu. I nawet tam znalazł klientów. Po 9 miesiącach życia przeniósł się na Maltę. Na Malcie Caravaggio pracował bardzo produktywnie, a za zasługi dla Zakonu Maltańskiego Michelangelo Merisi da Caravaggio otrzymał tytuł szlachecki. Ale nie wszystko mogło być tak gładkie, dał się odczuć temperament artysty. Po kolejnej potyczce z wysokim doradcą zakonu Michał Anioł został uwięziony, skąd uciekł na Sycylię.
Pod koniec życia artysty władze już go nie szukały, teraz groziło mu kolejne niebezpieczeństwo – zemsta joannitów. Jesienią 1609 roku Michał Anioł został poważnie ranny, jego twarz została zniekształcona. W 1610 roku zagrała ironia okrutny żart z artystą trafił do więzienia, ale przez pomyłkę! Wkrótce został zwolniony. Ale zarażony malarią zmarł 18 lipca 1610 roku w wieku 37 lat.
Caravaggio: „Wniebowzięcie Maryi” (Wniebowzięcie Matki Bożej)
28 sierpnia przypada święto Zaśnięcia Matki Bożej według nowego stylu. To ważne dla chrześcijan wydarzenie znajduje odzwierciedlenie w twórczości wielu znanych malarzy. Rozmawiamy o tym, jak wielki włoski mistrz Michelangelo da Caravaggio widział Wniebowzięcie, o jego losach i współpracy z teologiem, przewodnikiem wycieczek i kierownikiem Centrum Pielgrzymkowego Apostoła Tomasza w Europie, Timothym Katnisem.
Caravaggio: życie i los
Timofey, w związku z Zaśnięciem Matki Bożej, Twoim pomysłem było omówienie konkretnie Caravaggia. Dlaczego wybrałeś jego twórczość?
Po pierwsze, jest naprawdę wielkim artystą, a po drugie, czeka go ciekawy, dość niezwykły los. Z jednej strony dał się poznać jako biesiadnik, pojedynkujący się, osoba skandaliczna. Z drugiej strony większość z niego najlepsze obrazy poświęcił się tematyce biblijnej i włożył w nią całą moc swojego talentu. O skali jego talentu świadczy między innymi fakt, że Caravaggio nie pozostawił ani jednego szkicu do swoich obrazów – całkiem możliwe, że obył się bez nich. Oczywiście nikt z krytyków sztuki nie zaprzecza jego talentowi. Mówi się o nim zwykle, że jest wielkim mistrzem, że przezwyciężył manieryzm, który dominował w malarstwie po renesansie...
Co to jest manieryzm?
Jest to kierunek w malarstwie, który rozkwitł w XVI wieku. Jeśli będziemy mówić Ogólny zarys, to sam tytuł oddaje jego istotę: w fabule i technice jest dużo manier i pretensjonalności. Caravaggio był więc wybitnym przeciwnikiem tego stylu. Był z natury rewolucjonistą. W swoich pracach hołdował podkreślanemu realizmowi, wszyscy jego bohaterowie byli po prostu żywymi ludźmi z krwi i kości, a często pozowali mu ludzie z ludu. Jego prace czasami uderzają naturalizmem. Istnieje wiele legend na ten temat. Mówiono na przykład, że pisząc Wskrzeszenie Łazarza odkopał świeżo pochowane ciało i zmusił dwóch swoich pomocników do trzymania go – tak, jakby składano je w trumnie. A kiedy odmówili, rzekomo wyciągnął nawet miecz i zaczął im grozić, że teraz się z nimi rozprawi, jeśli mu nie pomogą.
Czy naprawdę był na to gotowy?
Myślę, że to tylko legenda. Ale po co jako modele obrazy biblijne zapraszał ludzi, których życie z punktu widzenia społeczeństwa nie było idealne – to fakt. I jego też za to obwiniano.
Co zatem koneserzy sztuki mówili o dziełach Caravaggia?
Widzieli w jego dziełach wielki talent, ale o treści mówili, że dominuje w nich ciało, a nie ma wymiaru duchowego. Myślę, że to niesprawiedliwe. Choć Caravaggio bez wątpienia należy do realizmu, w jego dziełach odbija się coś więcej niż ziemskie życie człowieka.
O jakim okresie mówimy, gdy mówimy o Caravaggia?
Przypomnijmy niektóre kamienie milowe w jego życiu. Zacznijmy od tego, że Caravaggio to nie nazwisko, to nazwa małej wioski niedaleko Bergamo, w której się urodził. W tamtym czasie była to popularna historia (przykładowo Veronese jest także pochodną nazwy miasta Werona). Prawdziwe imię mistrza to Michelangelo Merisi. Urodził się w 1571 roku w szanowanej rodzinie. Nawiasem mówiąc, jego ojciec, żonaty po raz drugi, zdołał zapewnić synowi dobre wykształcenie. Prowincja, w której mieszkali, w której znajdują się Caravaggio i Bergamo, nazywa się Lombardia, a jej chlubną stolicą jest Mediolan. To miasto słynęło z artystów. Pod wpływem jednego z nich – Leonarda da Vinci – Caravaggia przez długi czas był. Znał dobrze jego twórczość, ale największe wrażenie wywarła na nim słynny fresk w refektarzu kościoła Santa Maria del Grazia” Ostatnia Wieczerza" Duże wrażenie wywarła na nim także szkoła weneckiego mistrza Tycjana. Myślę, że aby zrozumieć miłość Caravaggia do fizyczności, należy sięgnąć do tradycji tego konkretnego mistrza. Ale z biegiem czasu Caravaggio oczywiście wypracował swój własny styl.
Jak każdy inny artysta, Caravaggio miał swojego patrona, zamożnego człowieka z rodziny szlacheckiej, oligarchę swoich czasów. Taki był książę Colonna. To jest bardzo słynne nazwisko we Włoszech, którego początki sięgają XI wieku. Colonna i Orsini, kolejny słynny klan, to dwa wiecznie walczące ze sobą rody, odwieczni rywale, jak Montagues i Capulets. W tym rywale o tron papieski. Książęca rodzina Colonna ma bardzo ciekawy herb: właściwie kolumnę, a nad nią koronę. Ale faktem jest, że ich rzymski dom stał obok Kolumny Trajana, stąd pochodzenie nazwiska.
Ostatecznie Caravaggio został zmuszony do opuszczenia Mediolanu. Jego charakter był niespokojny. I choć malowaniu poświęcił sporo czasu, zrobił to wszystko stosunkowo szybko. Tak się dzieje: tam, gdzie dniem i nocą pracuje bardziej pracowity, ale mniej utalentowany artysta, inny artysta radzi sobie szybciej. Jest to zarówno plus, jak i minus dla Caravaggia, ponieważ miał wystarczająco dużo czasu na działania dalekie od estetyki i duchowości. Hałaśliwe towarzystwa, hulanki... W rezultacie ta cecha charakteru, z którą nie mógł sobie poradzić do końca życia, przysporzyła mu wielu kłopotów. Miał też chwile oświecenia... Powiedzmy, że jest jedno z jego dzieł zatytułowanych „Chory Bachus”, w którym sam napisał się w formie alegorycznej.
Caravaggio miał kilka bardzo owocne okresy twórczość: mediolańska, potem rzymska, potem przeniosła się do Neapolu... Los połączył go z wieloma wybitni ludzie ten czas. Miał na przykład spotkanie z Galileo Galilei. A w innym przypadku, kiedy trafił do więzienia, spotkał tam Giordano Bruno.
Czy poszedł do więzienia za morderstwo? Caravaggio zabił kiedyś człowieka...
Nie, to coś więcej późna historia, sięga już rzymskiego okresu jego życia. A tak na marginesie, jej okoliczności nie są do końca jasne. Podczas gry w piłkę doszło do sprzeczki pomiędzy Caravaggio a jednym z jego partnerów do gry, w wyniku której zginął mężczyzna. Czy Caravaggio był zabójcą? On sam temu nie zaprzeczył, ale to, co się stało, nie jest pewne. Według jednej wersji artysta rzucił piłkę zbyt mocno, według innej doszło do bójki, podczas której Caravaggio uderzył przeciwnika mieczem. Tego wszystkiego można było się spodziewać po osobie o tak wściekłym temperamencie jak Caravaggio. Ale najprawdopodobniej morderstwo nie było zamierzone, był to tragiczny zbieg okoliczności. Jednak papież Paweł V zdelegalizował Caravaggia. Oznaczało to, że każda osoba, która rozpoznała go na ulicy, była zobowiązana do zatrzymania go, a w przypadku stawianego oporu mogła go nawet zabić. Rozpoczął się okres wędrówek, żałobnych wędrówek mistrza. Podróżował różne miasta Włochy, swego czasu ukrywał się przed gniewem papieża ze swoją patronką Colonną... Potem przez długi czas mieszkał i pracował na południu, w Neapolu. Tam stworzył kilka dzieł poświęconych Janowi Chrzcicielowi. Otóż namalował obraz „Wniebowzięcie Matki Bożej” dla rzymskiego kościoła Santa Maria della Scala.
Caravaggio: „Wniebowzięcie Marii”
Czy to prawda, że klient nie przyjął tej pracy?
Tak, zdjęcie zostało odrzucone i wywołało ogromny skandal. Potem rozeszła się plotka o Caravazdo, że jest osobą niemoralną i absolutnie nie rozumie tematu.
Co jest skandalicznego w tej pracy?
Na początek przypomnijmy sobie, o jakim wydarzeniu mówimy. Zaśnięcie Święta Matka Boża - Ten święto chrześcijańskie, wspólne dla Kościoła wschodniego i zachodniego, kiedy z jednej strony wspomina się koniec ziemskiej wędrówki Najświętszej Dziewicy („Wniebowzięcie” oznacza zaśnięcie, śmierć). Z drugiej strony Wniebowzięcie podkreśla równie ważny element: sam Chrystus przychodzi po swoją Matkę. NA Ikony prawosławne ta chwila jest przedstawiona w taki sposób, że Zbawiciel niczym dziecko trzyma w ramionach Jej młodą duszę, przestrzeń wokół wypełnia się światłem, smutek rozpływa się w radość. W malarstwie zachodnim święto Wniebowzięcia jest przedstawiane jako Wniebowstąpienie Najświętszej Maryi Panny - aniołowie wznoszą Ją do nieba. Innym częstym tematem w malarstwie i rzeźbie jest koronacja Matki Bożej, Jej triumf w niebie, kiedy Jej Syn, a często Trójca Przenajświętsza – Ojciec, Syn i Duch Święty, wysławiają Ją jako Królową Niebiańską, „najczcigodniejszą Cherubin i najwspanialszy bez porównania Serafin”. Oznacza to, że mówimy nie tyle o smutnym wydarzeniu śmierci, ile o zmartwychwstaniu, które czeka wszystkich ludzi.
Co z tego widzimy u Caravaggia?
Przyjrzyjmy się bliżej jego twórczości. Uderzają tu przede wszystkim postacie pogrążonych w smutku apostołów, którzy zgromadzili się wokół łóżka niedawno zmarłej Najświętszej Bogurodzicy. Matka Boża ukazana jest w taki sposób, że Jej ciało zdaje się przechodzić przez płótno. Leży w szkarłatnych szatach. Dłonie są przedstawione z dużym realizmem: są to ręce osoby, której dusza właśnie opuściła. Opadły bezwładnie. Matka Boża ma bladą twarz, jakby po chorobie, oczy ma zamknięte... Wszystko to jest obrazem fizycznej strony życia, a nie duchowej. Aby podkreślić szczególną bladość Najświętszej Maryi Panny, Caravaggio używa charakterystycznego dla swoich dzieł szkarłatu. Następnie widzimy pomieszczenie praktycznie pozbawione światła: na płótnie dominuje czarne tło. Część apostołów, którzy przyszli pożegnać się z Matką Bożą, pozostaje w cieniu. I rzeczywiście wydaje się, że na tym obrazie jest tylko smutek i nic z tego jasnego święta Wniebowzięcia, które obchodzi Kościół.
Jest jednak kilka szczegółów, które wskazują na inną, duchową stronę tego wydarzenia. Na przykład, aby podkreślić szczególną świętość Matki Bożej, Caravaggio ukoronował Ją aureolą – tylko Ją, chociaż zarówno apostołowie, jak i Maria Magdalena są wysławiani przez Kościół jako święci. Dalej Matka Boża jest przedstawiona tak, jakby właśnie umarła, ale Jej ciało nie tylko leży... Jeśli przyjrzysz się uważnie: łóżko jest widoczne tylko u wezgłowia, a potem widzimy ubrania apostołów, ale nie ma łóżka. Jest taki efekt, że Matka Boża zdaje się unosić w powietrzu.
Ale to nawet nie jest najważniejsze. Przyjrzyjmy się jednemu wyrazistemu momentowi charakterystycznemu dla Caravaggia. Jest to tak zwana gra światła i cienia, powietrza, która składa się na bardzo ważny ukryty plan obrazu. Występuje w wielu dziełach mistrza, zwłaszcza w tematy biblijne(na przykład „Ucieczka do Egiptu”, „Powołanie apostoła Mateusza”). Tak, w „Wniebowzięciu” Caravaggia nie ma obrazu Chrystusa przychodzącego po Matkę Bożą. Tak, widzimy ludzi przepełnionych ziemskim smutkiem. Jest to znane wszystkim: wszyscy tracimy bliskich i drodzy ludzie i w tym momencie płaczemy. Jest to smutek całkowicie zrozumiały, bo śmierć jest dla człowieka czymś nienaturalnym, każdy z nas od dzieciństwa wzbrania się przed samą myślą o niej. Są ludzie, którzy nawet po dorosłości starają się o tym nie myśleć, co swoją drogą jest błędne, bo śmierć jest składnikiem życia i zmartwychwstania. Tak, Caravaggio po mistrzowsku pokazuje ziemski smutek. Ale przyjrzyj się bliżej: oprócz niej widzimy na płótnie strumień światła, który już wdarł się do pokoju, już przeciął ciemność.
Nie bez powodu Caravaggio jest uznawany za jednego z nich najlepsi mistrzowie obraz. Gra światła i cienia jest jedną z najjaśniejszych wyraziste środki. Dzięki temu światłu możemy domyślać się, co wydarzy się za chwilę... Za sekundę ciało Matki Bożej zacznie się unosić i pędzić w stronę tego światła. Właściwie nie wiemy jak, ale dokładnie tak się stało. Zaśnięcie Matki Bożej w świat duchowy- to przezwyciężenie śmierci, które stało się główną ideą w twórczości artystów o chrześcijańskim światopoglądzie. W końcu to początek życia wiecznego.
Nawiasem mówiąc, zachodni chrześcijanie rozwinęli wiele pięknych tradycji związanych ze świętem Zaśnięcia Matki Bożej. Jeden z nich związany jest z Brukselą, stolicą Belgii. Raz na dwa lata, w dniu Wniebowzięcia, główny plac miasta zasypywany jest kwiatami. To bardzo piękne. I nie jest to symbol wieńca pogrzebowego - to kwiaty symbolizujące zwycięstwo życia nad śmiercią.
Ale powiedz mi, dlaczego klienci nie zaakceptowali tej pracy?
Myślę, że właśnie dlatego, że nie widzieli na zdjęciu obsady drugoplanowej. Caravaggio celowo odszedł od tradycyjnego mise-en-scène, a odbiorcom nie udało się dostrzec za podkreślanym realizmem innej, eschatologicznej perspektywy. Nie zaprzeczyli jednak kunsztowi wykonawcy, bo oczywistości nie da się odmówić. Ale z ich punktu widzenia Caravaggio nie sprostał temu zadaniu: widzieli w obrazie śmierć, ale nie widzieli zmartwychwstania.
Nawiasem mówiąc, losy tego dzieła są dość interesujące. Wróciło do autora ze skandalem, mówili o Caravaggia, że nie należy z nim zadzierać. A może obraz by zniknął, jak to często bywało wówczas – zaginąłby gdzieś na strychu. Co więcej, mistrz miał niespokojny charakter i burzliwe życie... Obraz ten uratował Rubens, który w tym czasie mieszkał ze słynnym mecenasem sztuki Vincenzo Gonzagą, przedstawicielem słynnej europejskiej rodziny spokrewnionej z Habsburgami a nawet rościł sobie prawo do tronu imperiów Świętego Cesarza Rzymskiego. Rubens zalecił mu zakup odrzuconego obrazu, co uratowało go przed zniszczeniem. Następnie znalazł się w zbiorach prywatnych. A teraz jego miejsce znajduje się w Luwrze i każdy może go zobaczyć.
kultura sztuka malarstwo Na chwałę + Boga!