Era sowiecka obfitowała w talenty. Nazwiska genialnych sowieckich pianistów, skrzypków, wiolonczelistów, śpiewaków i oczywiście dyrygentów weszły do historii światowej kultury. W tym czasie powstał nowoczesny pomysł na rolę dyrygenta - lidera, organizatora, mistrza.
Jacy byli, muzyczni przywódcy epoki sowieckiej?
Pięć portretów z galerii wybitnych dyrygentów.
NIKOLAJ GOŁOWANOW (1891–1953) 
Już w wieku sześciu lat podczas spaceru Nikołaj próbował dyrygować orkiestrą wojskową. W 1900 roku młody meloman został przyjęty do Szkoły Synodalnej. Tutaj ujawniły się jego zdolności wokalne, dyrygenckie i kompozytorskie.
Będąc już dojrzałym mistrzem, Golovanov z wielką miłością napisze o latach nauki: „Szkoła synodalna dała mi wszystko - zasady moralne, zasady życiowe, umiejętność ciężkiej i systematycznej pracy, zaszczepiła świętą dyscyplinę”.
Po kilku latach pracy jako regent Nikołaj wstąpił do klasy kompozycji Konserwatorium Moskiewskiego. W 1914 ukończył ją z małym złotym medalem. Przez całe życie Nikołaj Semenowicz pisał pieśni duchowe. Kontynuował pracę w tym gatunku, nawet gdy religia została ogłoszona „opium dla ludu”.
Fragment wykonania uwertury Czajkowskiego „1812”
W 1915 Golovanov został przyjęty do Teatru Bolszoj. Wszystko zaczęło się od skromnego stanowiska asystenta chórmistrza, aw 1948 roku został głównym dyrygentem. Relacje ze słynnym teatrem nie zawsze układały się gładko: Nikołaj Gołowanow musiał znosić wiele zniewag i rozczarowań. Ale to nie one pozostały w historii, ale genialne interpretacje rosyjskiej klasyki operowej i symfonicznej, jasne premiery dzieł współczesnych kompozytorów i pierwsze audycje radiowe muzyki klasycznej w ZSRR z jego udziałem.
Dyrygent Giennadij Rożdiestwienski tak wspomina mistrza: „Nie mógł znieść środka. Obojętny środek. I w niuansach, w frazowaniu i w odniesieniu do sprawy.
Chociaż Golovanov nie miał studentów-dyrygentów, jego interpretacje rosyjskiej klasyki stały się wzorem dla młodych muzyków. Alexander Gauk miał zostać założycielem radzieckiej szkoły dyrygenckiej.
ALEKSANDER GAUK (1893–1963) 
Alexander Gauk studiował w Konserwatorium Piotrogrodzkim. Studiował kompozycję w klasie Aleksandra Głazunowa, dyrygenturę - w klasie Mikołaja Czerepnina.
W 1917 roku rozpoczął się muzyczno-teatralny okres jego życia: pracował w Piotrogrodzkim Teatrze Dramatu Muzycznego, a następnie w Leningradzkim Teatrze Opery i Baletu.
W latach 30. w centrum zainteresowań Gauka znajdowała się muzyka symfoniczna. Przez kilka lat prowadził orkiestrę symfoniczną Filharmonii Leningradzkiej, aw 1936 roku stanął na czele nowo utworzonej Państwowej Orkiestry Symfonicznej ZSRR. Nie tęsknił za teatrem, żałował tylko, że nie miał okazji wystawić ukochanej Damy pikowej Czajkowskiego.
A. Honeggera
Pacyfik 231
W 1953 Gauk został głównym dyrygentem Orkiestry Symfonicznej Bolszoj Państwowego Radia i Telewizji ZSRR. Ta praca była bardzo intensywna i interesująca. Orkiestra grała programy, jak to się mówi, na żywo. W 1961 roku maestro przeszedł „grzecznie” na emeryturę.
Radość dla Gauka była działalnością pedagogiczną. Evgeny Mravinsky, Alexander Melik-Pashaev, Evgeny Svetlanov, Nikolai Rabinovich - wszyscy byli uczniami mistrza.
Evgeny Mravinsky, sam już uznany mistrz, napisze do swojego nauczyciela w liście gratulacyjnym: „Jesteś naszym jedynym dyrygentem, który niesie tradycje prawdziwej wielkiej kultury”.
Eugeniusz Mrawiński (1903-1988) 
Całe życie Mrawińskiego związane było z Sankt Petersburgiem-Leningradem. Urodził się w rodzinie szlacheckiej, ale w trudnych latach miał też do czynienia ze sprawami „nieszlacheckimi”. Na przykład pracować jako statysta w Teatrze Maryjskim. Ważną rolę w jego losach odegrała osobowość szefa teatru – Emila Coopera: „To on wprowadził we mnie to„ ziarno trucizny ”, które na resztę życia związało mnie ze sztuką dyrygowania ”.
Ze względu na muzykę Mravinsky opuścił uniwersytet i wstąpił do Konserwatorium w Piotrogrodzie. Początkowo uczeń pilnie zajmował się kompozycją, a następnie zainteresował się dyrygenturą. W 1929 roku trafił do klasy Gauka i bardzo szybko opanował podstawy tego złożonego (lub „ciemnego”, jak mawiał Rimski-Korsakow) biznesu. Po ukończeniu konserwatorium Mravinsky został asystentem dyrygenta w Leningradzkim Teatrze Opery i Baletu.
W 1937 roku odbyło się pierwsze spotkanie dyrygenta z muzyką Dymitra Szostakowicza. Mravinsky'emu powierzono prawykonanie jego V Symfonii.
Początkowo Szostakowicz był nawet przestraszony metodą pracy dyrygenta: „O każdy środek, o każdą myśl Mravinsky zrobił ze mnie prawdziwe przesłuchanie, żądając ode mnie odpowiedzi na wszystkie wątpliwości, które się w nim pojawiły. Ale już piątego dnia naszej wspólnej pracy przekonałem się, że ta metoda jest zdecydowanie właściwa.”
Po tej premierze muzyka Szostakowicza stanie się stałym towarzyszem życia mistrza.
W 1938 Mravinsky wygrał I Ogólnounijny Konkurs Dyrygencki i od razu został mianowany szefem Leningradzkiej Orkiestry Filharmonicznej. Wielu artystów orkiestry było znacznie starszych od dyrygenta, więc nie wahali się udzielać mu „cennych wskazówek”. Ale minie bardzo mało czasu, na próbach zapanuje atmosfera pracy, a ten zespół stanie się dumą kultury narodowej.
Próba Orkiestry Filharmonii Leningradzkiej
Nie tak często w historii muzyki zdarzają się przypadki, gdy dyrygent pracuje z jednym zespołem przez kilkadziesiąt lat. Jewgienij Mrawinski kierował Orkiestrą Filharmoniczną przez pół wieku, jego młodszy kolega Jewgienij Swietłanow kierował Państwową Orkiestrą przez 35 lat.
Dymitr Szostakowicz, VIII Symfonia
Jewgienij Swietłanow (1928–2002) 
Dla Swietlanowa Teatr Bolszoj był rodzimy w szczególnym znaczeniu tego słowa. Jego rodzice są solistami trupy operowej. Przyszły maestro zadebiutował na słynnej scenie już w młodym wieku: wcielił się w małego synka Cio-Cio-san w operze Pucciniego Madama Butterfly.
Niemal natychmiast po ukończeniu konserwatorium Swietłanow przychodzi do Teatru Bolszoj, opanowując wszystkie klasyki teatralne. W 1963 został głównym dyrygentem teatru. Wraz z nim trupa wyrusza w trasę do Mediolanu, do La Scali. Swietłanow stawia Borysa Godunowa, księcia Igora, Sadko przed sądem wymagającej publiczności.
W 1965 roku kierował Państwową Orkiestrą Symfoniczną ZSRR (tą samą, którą kiedyś prowadził jego nauczyciel Alexander Gauk). Wraz z tą grupą, która stała się akademicką w 1972 roku, Swietłanow zrealizował zakrojony na szeroką skalę projekt - „Antologia rosyjskiej muzyki symfonicznej na płycie”. Znaczenie tej pracy bardzo precyzyjnie określił dyrektor muzyczny Radio France, Rene Goering, który dużo pracował z dyrygentem: „To prawdziwy wyczyn Swietłanowa, kolejne świadectwo jego wielkości”.
M. Bałakiriew, Symfonia nr 2, finał
Współpracując z GASO dyrygent nie zapomina o Teatrze Bolszoj. Prawdziwą sensacją stała się w 1988 roku produkcja Złotego kogucika (reż. Georgy Ansimov). Swietłanow zaprosił śpiewaka „nieoperowego” Aleksandra Gradskiego do super złożonej części Astrologa, co dodało jeszcze więcej oryginalności występowi.
Koncert „Hity minionego stulecia”
Do najważniejszych osiągnięć Jewgienija Swietłanowa należy zaznajomienie szerokiego grona słuchaczy z muzyką wybitnego kompozytora Nikołaja Miaskowskiego, bardzo rzadko wykonywaną przez sowieckie orkiestry.
Powrót na scenę koncertową mało znanych kompozycji stał się jednym z kluczowych zadań maestro Giennadija Rożdiestwienskiego.
GENNADYJ Rożdiestwienski (ur. 1931) 
Dyrygenci, którzy grają na instrumentach lub komponują muzykę, nie są rzadkością. Ale dyrygenci, którzy potrafią mówić o muzyce, to rzadkość. Giennadij Rożdiestwienski to naprawdę wyjątkowa osoba: potrafi opowiadać i pisać w fascynujący sposób o utworach muzycznych z różnych epok.
Rozhdestvensky studiował dyrygenturę u swojego ojca, słynnego dyrygenta Nikołaja Anosowa. Mama, piosenkarka Natalya Rozhdestvenskaya, zrobiła wiele, aby rozwinąć artystyczny gust syna. Giennadij Rozhdestvensky, który jeszcze nie ukończył konserwatorium, został przyjęty do Teatru Bolszoj. Jego debiutem była Śpiąca królewna Czajkowskiego. W 1961 Rożdiestwienski prowadził Wielką Orkiestrę Symfoniczną Centralnej Telewizji i Radia. W tym czasie ujawniły się preferencje repertuarowe dyrygenta.
Z wielkim zainteresowaniem opanował muzykę XX wieku, a także zapoznał publiczność z kompozycjami „nie-hitowymi”. Muzykolog, doktor sztuki Wiktor Zukkerman przyznał w liście do Rozhdestvensky'ego: „Od dawna chciałem wyrazić głęboki szacunek, a nawet podziw dla Twojej bezinteresownej, a może nawet bezinteresownej działalności w wykonywaniu dzieł niezasłużenie zapomnianych lub mało znanych”.
Twórcze podejście do repertuaru zdeterminowało współpracę mistrza z innymi orkiestrami – znanymi i mniej znanymi, młodzieżowymi i „dorosłymi”.
Wszyscy początkujący dyrygenci marzą o studiach u profesora Rożdiestwienskiego: od 15 lat jest kierownikiem Katedry Dyrygentury Operowej i Symfonicznej Konserwatorium Moskiewskiego.
Profesor zna odpowiedź na pytanie „Kim jest dyrygent?”: „To medium między autorem a słuchaczem. Lub, jeśli wolisz, jakiś filtr, który przepuszcza przez siebie przepływ emitowany przez partyturę, a następnie próbuje przekazać to publiczności.
Film „Trójkąty życia”
(z fragmentami występów dyrygenta), w trzech częściach
10 grudnia 2014 r
Kultura muzyczna nie może istnieć bez dyrygentów, przemysł filmowy bez reżyserów, przemysł literacki i wydawniczy bez redaktorów, projekty modowe bez projektantów. Lider orkiestry dba o organiczną interakcję wszystkich instrumentów podczas występu. Dyrygent jest głównym bohaterem na scenie filharmonii, sali koncertowej czy innego miejsca muzycznego.
Wirtuozi
Spójność orkiestry symfonicznej, harmonijne brzmienie wielu instrumentów muzycznych uzyskuje się dzięki umiejętności dyrygenta. Nic dziwnego, że najbardziej utalentowani z nich otrzymują różne wysokie tytuły i tytuły, a wśród ludzi nazywani są „wirtuozami”. I rzeczywiście, nienaganne posiadanie batuty dyrygenta pozwala wnieść do każdego muzyka siedzącego w fosie orkiestry wszystkie niuanse twórczego impulsu. Ogromna orkiestra symfoniczna nagle zaczyna brzmieć jak całość, a kompozycja muzyczna ujawnia się w całej okazałości.
Znanych dyrygentów łączy kunszt, wszyscy przeszli przez wyższą szkołę artystyczną, trochę czasu zajęło im zdobycie popularności i uznania szerokiej publiczności. Popularność zdobywa latami. W większości znani dyrygenci, oprócz działalności koncertowej, zajmują się nauczaniem, prowadzą szkolenia dla młodych muzyków, a także kursy mistrzowskie.
poświęcenie
Sztuka dyrygowania orkiestrą wymaga wielu lat praktyki, ciągłego doskonalenia, czego efektem są niekończące się próby. Niektórzy znani dyrygenci wyróżniają się szczególną wytrwałością twórczą, graniczącą z poświęceniem, kiedy życie osobiste schodzi na dalszy plan i pozostaje tylko muzyka. Ta sytuacja jest jednak dobra dla sztuki.
Najsłynniejsi dyrygenci związani są kontraktami z określonymi zespołami muzycznymi, co daje im możliwość osiągnięcia wysokiego poziomu wykonania utworów muzycznych. Jednocześnie konieczne jest wzajemne zrozumienie, które później będzie gwarantem udanej działalności koncertowej.
Znani dyrygenci operowi
W światowej muzycznej hierarchii są nazwiska, które wszyscy znają. Nazwiska słynnych dyrygentów operowych można znaleźć na plakatach, billboardach, ich imionami noszą statki wycieczkowe. Ta popularność jest w pełni zasłużona, ponieważ niewielu ludzi wciąż jest w stanie poświęcić całe swoje życie bez śladu muzyce. Najsłynniejsi dyrygenci podróżują po całym świecie, koncertują z różnymi zespołami muzycznymi lub prowadzą orkiestry w największych ośrodkach muzycznych. Spektakle operowe wymagają szczególnej spójności orkiestry, której towarzyszą partie wokalne, arie i cavatina. We wszystkich agencjach muzycznych można znaleźć nazwiska znanych dyrygentów operowych, których można zaprosić na sezon lub serię występów. Doświadczeni impresariusze znają styl pracy i cechy charakteru każdego z nich. To pomaga im dokonać właściwego wyboru.
Znani dyrygenci Rosji
Muzyka, zwłaszcza opera, ma wiele elementów. Oto orkiestra, w skład której wchodzą różnorodne instrumenty: dęty, smyczkowy, smyczkowy, perkusyjny. Soliści, wykonawcy partii wokalnych, chór i inni uczestnicy spektaklu. Odmienne fragmenty spektaklu operowego są łączone w jedną całość przez reżysera spektaklu i dyrygenta orkiestry. Co więcej, ten ostatni aktywnie uczestniczy w akcji od początku do końca. W Rosji są dyrygenci, którzy swoją muzyką kierują operę jedyną prawdziwą drogą, która prowadzi widza do prawdziwej sztuki.
Znani dyrygenci Rosji (lista):
- Aleksandrow Aleksander Wasiljewicz.
- Baszmet Jurij Abramowicz.
- Bezrodnaja Swietłana Borysowna.
- Bogosłowski Nikita Władimirowicz.
- Broniewicki Aleksander Aleksandrowicz.
- Wasilenko Siergiej Nikiforowicz.
- Garanyan Georgij Abramowicz.
- Giergiew Walerij Abisalowicz.
- Gorenstein Marek Borysowicz.
- Diagilew Siergiej Aleksandrowicz.
- Jewtuszenko Aleksiej Michajłowicz
- Jermakowa Ludmiła Władimirowna
- Kabalewski Dmitrij Borysowicz.
- Kazłajew Murad Magomedowicz.
- Kogan Paweł Leonidowicz.
- Lundstrema Olega Leonidowicza
- Mrawiński Jewgienij Aleksandrowicz.
- Swietłanow Jewgienij Fiodorowicz.
- Spiwakow Władimir Teodorowicz
Każdy znany rosyjski dyrygent może z powodzeniem poprowadzić dowolną zagraniczną orkiestrę symfoniczną, wystarczy do tego kilka prób. Profesjonalizm muzyków pomaga pokonać zarówno barierę językową, jak i różnicę stylów.
Światowe gwiazdy
Znani dyrygenci świata to utalentowani muzycy uznani przez ogół społeczeństwa.
Paweł Kogan
Najsłynniejszy rosyjski dyrygent, który od ponad czterdziestu lat daje światu swoją sztukę. Jego popularność jest niespotykana. Nazwisko maestro znajduje się na liście dziesięciu najwybitniejszych współczesnych dyrygentów. Muzyk urodził się w rodzinie słynnych skrzypków Leonida Kogana i Elizavety Gilels. Od 1989 roku jest stałym dyrektorem artystycznym i głównym dyrygentem MGASO (Moskiewskiej Państwowej Orkiestry Symfonicznej). Jednocześnie reprezentuje Rosję w najważniejszych muzycznych ośrodkach Ameryki.
Pavel Kogan występuje na całym świecie z najlepszymi orkiestrami symfonicznymi, jego sztuka jest uważana za niedoścignioną. Maestro jest laureatem Państwowej Nagrody Rosji, ma tytuł „Artysty Ludowego Rosji”. Pavel Kogan ma również wiele nagród, w tym Order Zasługi dla Ojczyzny i Order Sztuki.
Herberta von Karajana
Światowej sławy dyrygent austriackiego pochodzenia Herbert von Karajan (1908-1989) urodził się w rodzinie greckich imigrantów. W wieku ośmiu lat wstąpił do Konserwatorium Mozarteum w Salzburgu, gdzie studiował przez 10 lat i zdobył podstawowe umiejętności dyrygenckie. W tym samym czasie młody Karajan uczył się gry na pianinie.
Debiut odbył się w 1929 roku w Teatrze Festiwalowym w Salburgu. Herbert dyrygował operą Salome Richarda Straussa. W okresie od 1929 do 1934 był głównym kapelmistrzem teatru w niemieckim mieście Ulm. Potem Karajan długo stał przy stanowisku dyrygenta Orkiestry Filharmonii Wiedeńskiej. Następnie wystąpił z operą Charlesa Gounoda „Noc Walpurgii”.
Najlepsza godzina dla dyrygenta nadeszła w 1938 roku, kiedy to wykonana przez niego opera „Tristan i Izolda” Richarda Wagnera odniosła ogromny sukces, po czym Herberta nazwano „Cudem Karajanem”.
Leonarda Bernsteina
Amerykański dyrygent Leonard Bernstein (1918-1990), urodzony w rodzinie żydowskich imigrantów. Edukację muzyczną Leonard rozpoczął już jako dziecko, nauczył się grać na pianinie. Jednak chłopiec stopniowo angażował się w dyrygenturę, aw 1939 roku zadebiutował – młody Bernstein wykonał z małą orkiestrą kompozycję własnego utworu pt. Ptaki.
Dzięki wysokiemu profesjonalizmowi Leonard Bernstein szybko zyskał popularność i już w młodym wieku prowadził New York Philharmonic Orchestra. Będąc wszechstronną osobą kreatywną, dyrygent zajmował się literaturą. Napisał kilkanaście książek o muzyce.
Walerij Gergiew
Słynny dyrygent Valery Abisalovich Gergiev urodził się 2 maja 1953 roku w Moskwie. W wieku dziewiętnastu lat wstąpił do Konserwatorium Leningradzkiego. Jako student brał udział w międzynarodowym konkursie dyrygenckim w Berlinie, gdzie zajął drugie miejsce.
Po ukończeniu konserwatorium w 1977 roku młody dyrygent został przyjęty na stanowisko asystenta w Teatrze im. Kirowa. Jego mentorem został Yuri Temirkanov, a już w 1978 roku Valery Gergiev stanął na podium i zagrał operę Prokofiewa Wojna i pokój. W 1988 roku zastąpił Jurija Temirkanowa po jego wyjeździe do Filharmonii Leningradzkiej.
Rok 1992 upłynął pod znakiem powrotu Teatru Kirowa do jego historycznej nazwy „Teatr Maryjski”. Publiczność teatralna w Petersburgu, aby dostać się na przedstawienia operowe, jest rejestrowana z kilkumiesięcznym wyprzedzeniem. Dziś Valery Gergiev jest głównym dyrygentem teatru i jego dyrektorem artystycznym.
Jewgienij Swietłanow
Słynny rosyjski i światowy dyrygent Jewgienij Fiodorowicz Swietłanow (1928-2002) pozostawił zauważalny ślad w dziedzictwie kulturowym Rosji. Ma tytuły „Bohatera Pracy Socjalistycznej” i „Artysty Ludowego ZSRR”. Jest laureatem Nagrody Lenina i Państwowej ZSRR.
Twórcza kariera Swietłanowa rozpoczęła się natychmiast po ukończeniu Instytutu Gnessina w 1951 roku. Kontynuował studia w Konserwatorium Moskiewskim w klasie dyrygentury operowej i symfonicznej oraz kompozycji.
Debiutował w 1954 roku na deskach Teatru Bolszoj w inscenizacji opery Panna Pskowa Rimskiego-Korsakowa. Od 1963 do 1965 był głównym dyrygentem Teatru Bolszoj. W trakcie jego pracy poziom spektakli operowych wyraźnie się podniósł.
W latach 1965-2000 łączył pracę jako dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowej Orkiestry Symfonicznej ZSRR (później Rosja).
Władimir Spiwakow
Rosyjski dyrygent Spivakov Vladimir Teodorovich urodził się w 1944 roku w mieście Ufa. W 1968 ukończył Konserwatorium Moskiewskie, w 1970 ukończył studia podyplomowe.
Mistrzostwo Vladimir Spivakov studiował w Konserwatorium im. Gorkiego u profesora Israela Gusmana. Później odbył specjalny kurs w USA, u Leonarda Bernsteina i Lorina Maazela.
Obecnie jest stałym liderem i dyrygentem kameralnej orkiestry symfonicznej Moscow Virtuosi, którą osobiście zorganizował w 1979 roku. Występował z europejskimi orkiestrami i amerykańskimi zespołami muzycznymi. Dyrygował w Teatrze La Scala, Cecilia Academy, Filharmonii niemieckiej Kolonii i Radiu Francuskim. Jest prezesem Międzynarodowego Domu Muzyki w Moskwie.
Jurij Baszmet
Rosyjski dyrygent Bashmet Yuri Abramovich urodził się 24 stycznia 1953 roku w Rostowie nad Donem. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat czterech nagród państwowych Federacji Rosyjskiej.
W 1976 ukończył Konserwatorium Moskiewskie. W 1972 roku, będąc jeszcze studentem, nabył altówkę włoskiego mistrza Paolo Testore, wykonaną w 1758 roku. Bashmet do dziś gra na tym wyjątkowym instrumencie.
Aktywną działalność koncertową rozpoczął w 1976 roku, a dwa lata później otrzymał posadę pedagoga w Konserwatorium Moskiewskim. W 1996 roku Yuri Bashmet stworzył „Zakład Altówki Eksperymentalnej”, w którym odbywa się badanie partii altówki w muzyce symfonicznej, operowej i kameralnej. Następnie otrzymał tytuł profesora Konserwatorium Moskiewskiego. Obecnie zaangażowana w aktywną działalność charytatywną i społeczną.
Nazwisko Herberta von Karajana w świadomości światowej jest nierozerwalnie związane z Salzburgiem. Urodzony w 1908 roku w Salzburgu dyrygent przez dziesięciolecia po swojemu kształtował życie kulturalne Mozartowskiego miasta i stał na czele wydarzeń.
Śladami dyrygenta
Spacerując po mieście Salzburg, nieustannie znajdujesz się w miejscach związanych z życiem i twórczością wybitnego dyrygenta. Naturalnej wielkości pomnik z brązu, znajdujący się w centrum Salzburskiej Starówki, obok kładki Makart, w ogrodzie Raiffeisen Bank, upamiętnia Herberta von Karajana. Napis na tablicy pamiątkowej w pobliskim budynku głosi, że Karajan urodził się w tym domu 5 kwietnia 1908 roku. Miasto Salzburg uhonorowało swojego słynnego syna, nazywając jeden ze znanych placów w Dzielnicy Festiwalowej Herbert von Karajan Platz.
Jego grób znajduje się na cmentarzu w Anif – niewielkiej miejscowości niedaleko Salzburga, gdzie przez wiele lat mieszkał Herbert von Karajan. Z czasem grób stał się miejscem pielgrzymek wielbicieli talentu Karayana z całego świata.
Herberta von Karajana i Letniego Festiwalu w Salzburgu
W latach powojennych w Salzburgu rozpoczęła się era Herberta von Karajana. W 1948 roku po raz pierwszy dyrygował operową inscenizacją Orfeusza Glucka, w 1956 objął stanowisko dyrektora artystycznego, aw 1957 zadebiutował jako reżyser operą Beethovena Fidelio.
W 1960 roku Herbert von Karajan uroczyście otworzył nowo wybudowany budynek Wielkiej Sali Festiwalowej zespołu teatralnego inscenizacją opery Kawaler róży Richarda Straussa i ogłosił początek nowej ery. Nawet gdy Karajan, począwszy od września 1960 roku, nie był już jedynym dyrektorem artystycznym, a od 1964 roku zasiadał w zarządzie, wciąż pozostawał tym, który trzyma w dłoniach wątki przedsiębiorstwa i podejmuje najważniejsze decyzje: jako „ostatni autokratyczny pan”, odnosząc się do powiedzenia w jednym z nekrologów po jego śmierci w 1989 roku.
W 1967 roku założył Salzburski Festiwal Wielkanocny, którym kierował aż do śmierci: co roku wystawiał spektakl operowy we współpracy z Berlińską Orkiestrą Filharmoniczną, która jest do dyspozycji Senatu Berlina, organizując następnie koncerty Świętej Trójcy w Salzburgu.
Era Karajanów
Karajan przyczynił się do nadania Salzburg Summer Festival statusu międzynarodowego. Podczas gdy w poprzednich dziesięcioleciach obsadą kierował zespół Opery Wiedeńskiej, dziś Salzburg stał się miejscem spotkań wielojęzycznych światowych gwiazd, które jako niezależni artyści czują się jak w domu na słynnych scenach od Mediolanu po Nowy Jork.
Zaczęło przyciągać wielu gości z zagranicy.
Dyrygent przez wiele dziesięcioleci z rzędu, jak nikt inny, nie tylko uosabiał scenę muzyczną, ale także przyspieszał rozwój dokumentacji muzycznej. W ostatnich latach życia z wielkim zainteresowaniem i energią - głównie pod własnym kierownictwem orkiestry - gromadził i dokumentował muzyczne arcydzieła dla świata.
Byłoby z mojej strony niespotykaną arogancją mówić o słynnych dyrygentach wszystkich czasów i narodów. Na ten temat mogę jedynie podać link do opinii bardziej miarodajnych ode mnie ekspertów :). Ale moja własna opinia też ma jakąś wartość, jak każda niezależna opinia myślącej osoby, prawda? Postępuję więc tak: postaram się wskazać główne etapy rozwoju sztuki reżyserskiej oraz nazwiska znanych dyrygentów związanych z tymi etapami. Więc będzie sprawiedliwie z każdej strony :)
- Jeden z wczesnych etapów dyrygentury
związany z bardzo nieporęcznym przedmiotem zwanym „battuta”. Rodzaj kija, którym główny kierownik muzyczny uderzał o podłogę, odmierzając rytm. Z kolei z tą samą trampoliną wiąże się najbardziej absurdalny tragiczny incydent w muzycznym świecie. Kompozytor, muzyk i dyrygent Jean-Baptiste Lully zmarł na gangrenę w 1687 roku. A powodem była kontuzja nogi podczas prowadzenia z pomocą trampoliny...
- W XVII wieku rola dyrygenta
bardzo często wykonywane przez czołowych muzyków orkiestry. Czasem byli to organiści lub klawesyniści, ale częściej skrzypkowie. Prawdopodobnie z tej tradycji wywodzi się określenie „pierwsze skrzypce”? I tutaj chcę wymienić następującą, dość nowoczesną nazwę: Willy'ego Boskowskiego. Jako skrzypek i dyrygent przez kilkadziesiąt lat XX wieku był koncertmistrzem słynnej Orkiestry Filharmonii Wiedeńskiej. A ta orkiestra, zgodnie z tradycją, nigdy nie miała głównego dyrygenta. Boskowski często dyrygował w stylu samego Straussa, ze skrzypcami w ręku.
- Dzieła muzyczne końca XVIII i XIX wieku
stało się tak skomplikowane, że następnym logicznym krokiem było ukształtowanie zawodu „wyzwolonego” dyrygenta. Teraz prace wykonują nie tylko własne kompozycje, ale także inni koledzy z warsztatu. Z biegiem czasu istnieje wyraźny podział na rodzaje działalności: dyrygent nie jest już koniecznie kompozytorem! Niektórzy z pierwszych profesjonalnych dyrygentów, którym udało się zdobyć międzynarodową renomę, byli Hansa von Bülowa I Hermana Levy'ego.
- Nie sposób nie wspomnieć o takim wydarzeniu - pojawieniu się batuty dyrygenckiej.
Stało się to w XIX wieku, a określony wówczas wygląd tego ważnego instrumentu pozostaje tradycyjny do dziś. A wynalazca jest uważany za niemieckiego kompozytora i dyrygenta Louis Spur.
- W historii dyrygentury nadchodzi prawdziwie rewolucyjny moment.
Mianowicie: dyrygent odwraca się twarzą do orkiestry i z powrotem do publiczności! Szczerze mówiąc: nie mogę sobie czegoś wyobrazić, ale jak to było wcześniej? Czy mistrz nie mógł dyrygować twarzą do publiczności, ale tyłem do muzyków?! Cóż, niech tak będzie, to wydarzenie jest obchodzone jako wyjątkowe. I w związku z tym pamiętam najbardziej przenikliwy, rozdzierający serce fragment: całkowicie ogłuszony Beethovena dyryguje prawykonaniem swojej IX Symfonii. Wykonanie zakończone. Kompozytor nie słyszy żadnych dźwięków. Stojąc tyłem do publiczności, nie widzi nawet reakcji publiczności. A potem muzycy odwracają go twarzą do publiczności i Beethoven widzi, jaki triumf przyniosło jego nowe dzieło.
- Na koniec pozwolę sobie wyrazić moje osobiste uczucia :).
Jakże nieoczekiwanie przekonałem się na własnej skórze: trudno mi oceniać profesjonalizm dyrygenta, dlatego w moich ocenach „dostaję” takie cechy jak kunszt i poczucie humoru. Prawdopodobnie dlatego wyróżniam dwóch dyrygentów XX wieku: Giennadij Rożdiestwienski I Daniela Barenboima. Nagraniem przemówienia tego ostatniego kończę ten wpis:
G. Łomakin(1811-1885). Sława utalentowanego nauczyciela śpiewu dotarła do Lomakin wcześnie i szybko rozprzestrzeniła się po północnej stolicy. Był zapraszany do nauczania w wielu instytucjach edukacyjnych: korpusie kadetów, marynarki wojennej i strony, liceum, szkole teatralnej, szkole prawniczej (gdzie studiował wówczas P. Czajkowski). W tej szkole spotkał się G.Ya. Lomakin z krytykiem sztuki V.V. Stasow. Wybitny krytyk rosyjski wielokrotnie zwracał uwagę na „doskonałą szkołę”, „właściwą ścieżkę nauki”, „wrodzony talent”, „znaczenie i umiejętność prowadzenia chóru” Łomakina, które odegrały znaczącą rolę w karierze naszego rodaka. W 1862 wraz ze słynnym kompozytorem M.A. Bałakiriewa Łomakin zorganizował bezpłatną szkołę muzyczną - aby oświecić i edukować ludzi. W szkole G.Ya. Lomakin nie tylko stworzył wspaniały nowy chór, ale także zdołał zorganizować kształcenie przyszłych nauczycieli muzyki. Wielu jego uczniów zostało sławnymi muzykami: śpiewakami, dyrygentami chórów, nauczycielami. Gavriil Yakimovich ostatnie lata życia poświęcił pracy kompozytorskiej: wcześniej komponować mógł tylko zrywami, w krótkich godzinach przerw między zajęciami z chórami. W tym okresie stworzył szereg kompozycji na chór, napisał kilka romansów. A w 1883 roku, kiedy M.A. Bałakiriewa, Łomakin otrzymał również rzadką okazję do opublikowania swoich prac. Ostatnie dni życia poświęcił ich rewizji i redagowaniu arkuszy próbnych.
A. Archangielski (1846-1924)
Kaplica dworska.
Niezależny chór (1880).
Kaplica hrabiego Szeremietiewa.
CV Smoleński (1848-1909)
Dyrektor szkoły synodalnej (1889-1901).
Dyrektor chóru dworskiego (1901-1903).
Dyrektor prywatnych kursów regencyjnych (St.Petersburg)
VS. Orłow (1856-1907).
Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1878-1886).
Kaplica Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1882-1888).
Regent Chóru Synodalnego (1886-1907).
Aleksander Dmitriewicz Kastalski (1856-1926).
Chór synodalny (regent od 1901).
Paweł Grigoriewicz Czesnokow (1877-1944).
Prywatny chór duchowy A.P. Kajutowa.
Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1916-1917).
Regent kościołów moskiewskich.
Nikołaj Michajłowicz Danilin (1856-1945).
Chór synodalny (1910-1918).
Prywatny chór Kayutov (1915-1917).
Kaplica Akademicka w Leningradzie.
Chór Państwowy ZSRR.
Swiesznikow Aleksander Wasiljewicz(1890-1980), dyrygent chóru, Artysta Ludowy ZSRR (1956), Bohater Pracy Socjalistycznej (1970). W latach 1936-37 był kierownikiem artystycznym Państwowego Chóru ZSRR, zorganizowanego na bazie utworzonego przez siebie w 1928 Ogólnounijnego Radiowego Zespołu Wokalnego; w latach 1937-1941 - Leningrad. kaplice; od 1941 - Państwowy Chór Rosyjskiej Pieśni (później Państwowy Akademicki Chór Rosyjski ZSRR). Organizator (1944) i dyrektor Moskwy. szkoła chóralna (od 1991 Akademia Sztuki Chóralnej im. S.). Profesor (od 1946), rektor (1948-74) Moskwa. konserwatorium. Nagroda Państwowa ZSRR (1946).
JURŁOW Aleksander Aleksandrowicz (1927-73), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy RFSRR (1970), Azerbejdżan. SSR (1972). uczeń AV Swesznikow. Od 1958 dyrektor artystyczny i główny dyrygent Orkiestry Rep. Rosyjski kaplica chóralna (od 1973 nosi jego imię). Profesor Pedagogiki Muzycznej. instytut. Gnesins (od 1970). Nagroda Państwowa ZSRR (1967).
Tevlin Boris Grigoryevich dyrygent chóralny, profesor (1981), kierownik katedry dyrygentury chóralnej w Konserwatorium Moskiewskim im. Piotra Czajkowskiego (1993-2007). Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej (1995).
Kazachkow Siemion Abramowicz (1909-2005) - pedagog, profesor, kierownik katedry dyrygentury chóralnej w Kazańskim Konserwatorium Państwowym.
Minin Władimir Nikołajewicz (ur. 1929), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy ZSRR (1988). Student V.G. Sokołowa, A.V. Swesznikow. Od 1972 r. ręce. założona przez niego Moskwa. chór kameralny, od 1987 (jednocześnie) dyrektor artystyczny Państwa. Rosyjski chór. Od 1978 profesor (w latach 1971-79 rektor) Muzyczno-pedagog. instytut. Gnesiny. Nagroda Państwowa ZSRR (1982).
Dmitriak Giennadij Aleksandrowicz - dyrygent chóralny, operowy i symfoniczny, Honorowy Artysta Rosji, dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowego Chóru Akademickiego Rosji im. Yurlov i Capella „Kreml moskiewski”, profesor nadzwyczajny Wydziału Dyrygentury Chóralnej Rosyjskiej Akademii Muzycznej. Gniesinich.
Wymagania dla dyrygenta chóru
Doskonała znajomość techniki dyrygenckiej;
Umieć poprawnie rozmieścić członków chóru w częściach zgodnie z ich głosem i zakresem śpiewu;
Z łatwością poruszasz się po całej gamie dzieł muzycznych różnych stylów, epok, kierunków, znasz teoretyczne podstawy nagrywania i czytania partytur chóralnych;
Mieć dobry słuch muzyczny, poczucie rytmu i rozwinięty gust artystyczny.
Gatunki muzyki chóralnej
WILLANELLA(włoska pieśń wiejska) – włoska pieśń XV-XVI w., głównie 3-głosowa, z par al. ruch głosów, żywy charakter, treść liryczna lub humorystyczna.
KANON(Norma grecka, reguła) - polifoniczny. musical. oparte na formularzu. na ścisłej ciągłej imitacji, pod którą. głosy powtarzają melodię głosu prowadzącego, wchodząc przed zakończeniem z poprzednim. Kanon wyróżnia się liczbą głosów, interwałami między nimi (Kanon in prima, kwinta, oktawa itp.), liczbą tematów naśladowanych jednocześnie (kanon prosty; podwójny np. w nr 4 Requiem Mozarta, itp.), forma imitacji (kanon we wzroście, spadku). W tak zwanym kanonie nieskończonym koniec melodii przechodzi w jej początek, więc głosy mogą powracać dowolną ilość razy. W kanonie ze „zmiennym wskaźnikiem” (Vl. Protopopov) podczas imitacji zachowany jest wzór melodyczny i rytm, ale zmienia się interwał. Imitacja kanoniczna, w takiej czy innej formie, jest często używana w refrenie. op.; są sztuki napisane w formie K. („Echo” O. Lasso, „Pieśń skowronka” F. Mendelssohna, arr. N.A. Rimsky-Korsakov „Idę z próżniakiem” itp.).
KANT(od łac. cantus - śpiew, pieśń) - rodzaj starej pieśni chóralnej lub zespołowej a czapka. Powstał w XVI wieku. w Polsce, później - na Ukrainie, od 2. płci. XVII wiek - w Rosji, który stał się powszechny jako wczesny typ pieśni miejskiej; do początku XVIII wiek - ulubiony gatunek muzyki domowej, codziennej. Kant początkowo jest hymnem-pieśnią o treści religijnej, później przesiąknięty jest tematami świeckimi; pojawiają się krawędzie. liryczne, pasterskie, pijackie, komiczne, marszowe itp. W dobie Piotra Wielkiego śpiewano panegirycznie, tzw. wiwat; wykonywane przez chóry śpiewaków podczas uroczystości i pochodów triumfalnych, przy akompaniamencie wystrzałów armatnich, fanfar i bicia dzwonów. Cechy stylistyczne Kanta: forma dwuwierszowa, podporządkowanie rytmu muzycznego poetyce; klarowność rytmiczna i płynność melodii; głównie składnica 3-głosowa z równoległym ruchem 2 głosów górnych, bas często rozbudowany melodycznie; jest też imitacja. W cante występuje naturalna korelacja melodii i harmonii, równowaga funkcji harmonicznych - subdominanty, dominanty, toniki. B. Asafiew zwraca uwagę, że „w ewolucji muzyki w drugiej połowie XVIII i na początku XIX wieku. Kant staje się rodzajem krótkiej encyklopedii triumfującego stylu homofonicznego” („Musical Form as a Process”, L., 1963, s. 288). Kanty były rozprowadzane w zbiorach rękopisów, bez wskazywania autorów tekstu i muzyki, choć często wykorzystywano wiersze współczesnych poetów Trediakowskiego, Łomonosowa, Sumarokowa i innych. nar. piosenki. Stopniowo obrzeże stawało się coraz bardziej skomplikowane, nabierając cech romansu. Później (w XIX w.) na kancie powstawały pieśni żołnierskie, pijackie, studenckie, częściowo rewolucyjne. Wpływy Kanta można znaleźć także w języku rosyjskim. muzyka klasyczna, Glinki („Chwała” z opery „Iwan Susanin”) itp.
KANTATA(z włoskiego cantare - śpiewać) - utwór na śpiewaków-solistów, chór i orkiestrę, o charakterze podniosłym lub liryczno-epickim. Kantaty mogą być chóralne (bez solistów), kameralne (bez chóru), z towarzyszeniem fortepianu lub bez, jednoczęściowe lub złożone z kilku ukończonych numerów. Od oratorium (zbliżonego do niego środkami wyrazu) kantata różni się zazwyczaj mniejszymi rozmiarami, jednolitością treści i mniej rozbudowaną fabułą. Kantata powstała we Włoszech (XVII w.), początkowo jako utwór do śpiewania (w przeciwieństwie do sonaty). Oznacza to, że kantata zajmuje miejsce w twórczości J. S. Bacha, który pisał kantaty o tematyce duchowej, mitologicznej i codziennej. W Rosji kantata objawiła się w XVIII wieku i osiągnęła swój rozwój w XIX i XX wieku: solowa kantata teatralna („Czarny szal” Wierstowskiego), kantaty powitalne, rocznicowe, liryczne, liryczno-filozoficzne („Pieśni pożegnalne Uczniów Instytutów Katarzyny i Smolnego” Glinki; „Moskwa”, „Radość” Czajkowskiego; „Świtezianka” Rimskiego-Korsakowa; „Jan z Damaszku”, „Po przeczytaniu psalmu” Tanejewa; „Wiosna ”, „Dzwony” Rachmaninowa; „Kantata na otwarcie pomnika Glinki” Bałakiriewa itp. d.).
Gatunek kantaty rozwinął się w twórczości kompozytorów radzieckich, zwłaszcza w utworach o tematyce historycznej, patriotycznej i współczesnej (Aleksander Newski Prokofiewa, Symfonia-kantata „Na polu Kulikowo” Szaporina, „Kantata o ojczyźnie” Arutiuniana, itp.). Współczesny kompozytor niemiecki K. Orff pisał kantaty sceniczne (Carmina Burana i inne).
MADRIGAŁ(włoski) - piosenka liryczna w języku ojczystym. (w przeciwieństwie do pieśni w łac., lang.), pierwotnie monofoniczne. We wczesnym renesansie (XIV w.) wykonywano ją na 2-3 głosy. W epoce późnego renesansu (XVI w.) zajmowała centralne miejsce, miejsce w muzyce świeckiej, reprezentując jednogłosową lub wielogłosową kompozycję wokalną o składnicy polifonicznej na 4-5 głosów; był dystrybuowany poza Włochami. Gatunek madrygałów jest przeważnie liryczny, ściśle związany z tekstem poetyckim (aż do ilustracji poszczególnych słów). Wykształcony w kręgach arystokratycznych madrygał melodyczny (w przeciwieństwie do frotolli, villanelli, chanson itp.) daleki jest od muzyki ludowej, często zbyt wyrafinowany; miało jednocześnie znaczenie progresywne, poszerzające paletę obrazów i środków wyrazu. Bardziej prosty, związany z folklorem, emocjonalny angielski madrygał z XVI-XVII wieku. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Do XVII wieku madrygał odchodzi od wokalnie polifonicznego stylu, podkreślając głos solowy z akompaniamentem instrumentalnym. Wybitnymi mistrzami madrygału (na różnych etapach jego rozwoju) byli Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.
MOTET(z francuskiego mot - słowo) - gatunek wokalny. polifoniczny. muzyka. Początkowo we Francji (XII-XIV w.) Kilka połączono w motet. (najczęściej 3) niezależne melodie z różnymi tekstami: w głosie niższym (tenorowym) - kościelnym. śpiew w tekście łacińskim, w środku (motet) i u góry (triplum) - pieśni miłosne lub komiczne w potocznym języku francuskim. Kościół katolicki zwalczał takie „wulgarne motety”, przeciwstawiając je (od XV wieku) hymnom polifonicznym do jednego tekstu łacińskiego. Na chór a cap zostały napisane madrygały. (z kon. w XVII wieku były motety dla śpiewaków solowych z towarzyszeniem instrumentalnym.
CHÓR OPEROWY- jeden z głównych elementów współczesnego spektaklu operowego. W związku z epoką, gatunkiem, indywidualnością kompozytora chór pełni w operze inną rolę niż kreowanie domowego tła, element zdobniczy, uczestnik prologu, interludia do kan. osoba działająca. W operze seria („opera poważna”, XVII-XVIII w.) chór był prawie nieobecny, w operze buffa („opera komiczna”, XVIII w.) pojawiał się sporadycznie (np. w finałach). Rola chóru jako nośnika obrazu ludu w operach Glucka i Cherubiniego została wzmocniona, choć często chór jest. sceny w nich mają charakter oratoryjno-statyczny. Większe znaczenie dramatyczne nadawał chórowi w operach zachodnioeuropejskich pierwszej tercji XIX wieku, Rossiniego (William Tell), Verdiego (Nabucco, Bitwa pod Legnano), z ich wizerunkami bohaterskiego ludu; w operze Meyerbeera udział chóru podkreśla dramatyczne kulminacje.W operze lirycznej XIX wieku. chór przyczynia się do stworzenia odpowiedniej atmosfery, kolorytu narodowego, nastroju (op. Bizet, Verdi, Gounod); w operze ludowo-gospodarskiej chóry mają charakter rodzajowy, zbliżony do pieśni ludowej, tanecznej (op. Monyushko, Smetana). rosyjski świecka sztuka chóralna była najpierw reprezentowana przez chóry operowe (XVIII w., op. Fomin, Paszkiewicz i inni); aw przyszłości chóry zajmują duże miejsce w języku rosyjskim. opery, będąc „fundamentalnym dogmatem i afirmacją narodowości i demokracji” (B. Asafiew). Twórczość operowa i chóralna Rus. kompozytorów jest wyjątkowo różnorodna.
W operach historyczno-patriotycznych (Iwan Susanin Glinki, Książę Igor Borodina, Panna pskowska Rimskiego-Korsakowa itp.) chór staje się bohaterem wraz z bohaterami. Zwłaszcza (chór nabrał wielkiego znaczenia w ludowych dramatach muzycznych Musorgskiego („Borys Godunow”, „Khovanshchina”), gdzie obraz ludu jest przedstawiany na wiele sposobów, w rozwoju. W rosyjskich operach codziennych Wierstowskiego („Grób Askolda ”), Dargomyzhsky („Syrenka”) , Serow („The Enemy Force”), Czajkowski („Czerewiczki”, „Czarodziejka”) itp. istnieje ścisły związek z pieśnią ludową. Oryginalność narodowa znajduje odzwierciedlenie w chórze sceny oper nawiązujące do tematyki orientalnej („Rusłan i Ludmiła” Glinki, „Demon” Rubinsteina, „Książę Igor” Borodina itp.) W przedstawieniu baśniowych, fantastycznych wątków zastosowano środki chóralne (op. Glinka , Wierstowski, Rimski-Korsakow).Chór jest również używany w oratorium, zwykle w prologu, epilogu (opera Glinka, Sierow, Rubinstein, Borodin itp., Wykonywanie hymnów itp. (Panna Orleańska Czajkowskiego, Chowańszczyzna Musorgskiego, itp.) Tradycje aktywnego udziału chóru w rosyjskiej operze klasycznej są kontynuowane w sowieckiej twórczości muzycznej: opery rosyjskich kompozytorów radzieckich „Wojna i pokój”, „Siemion Kotko” Prokofiewa, „Dekabryści” Szaporina, „Katerina Izmailova Szostakowicza, „Emelyan Pugachev” Kovala, „Cichy Don” i „Virgin Soil Upturned” Dzierżyńskiego, „October” Muradeli, „Virineya” Słonimskiego i innych, wiele oper narodowych zawiera oddzielne chóry i rozwinięte sceny chóralne. Chór operowy ma swoją specyfikę wykonawczą: to przede wszystkim wielka jasność, wybrzuszenie niuansów (podobne do dekoracyjnego projektu), nacisk na tekst, umiejętność „przelotu przez orkiestrę” do audytorium. Ponieważ chór operowy jest często w ruchu, konieczna jest szczególna pewność siebie i niezależność każdego z jego członków. Aby rozwinąć te cechy, w niektórych grupach śpiewacy uczą się synchronizacji podczas studiowania swoich partii. Obecność inscenizacji, w których chór nie widzi dyrygenta, wymusza tzw. audycje (tempo dyrygenckie) prowadzone zza kulis przez chórmistrzów; jednocześnie, aby uzyskać synchronizację wykonania, wprowadza się pewne prowadzenie w „punkty” dyrygenta (mniej lub bardziej, w zależności od głębokości chóru).
ORATORIUM(z łac. wow – mówię, modlę się) – utwór główny na chór, solistów, orka; komp. z ansamblów wokalnych, arii, recytatywów, ukończonych numerów orkiestrowych oratorium powstało we Włoszech na przełomie XVI-XVII w., niemal równocześnie z kantatą i operą i jest do nich zbliżone strukturalnie. Od kantaty różni się większym rozmiarem, szczegółową fabułą, charakterem epicko-dramatycznym, a od opery przewagą elementu narracyjnego nad dramatycznym, rozwinięciem. Oratorium rozwinęło się z udramatyzowanych laudów (duchowych hymnów pochwalnych) wykonywanych w specjalnych pomieszczeniach kościoła - oratoriach. Szczególnym rodzajem oratorium jest Pasja; pod względem struktury i rodzaju oratorium obejmuje także mszę, requiem, Stabat Mater itp. Gatunek oratoryjny osiąga apogeum w twórczości Bacha, a zwłaszcza Haendla, który stworzył typ oratorium heroiczno-epickiego; Oratoria Haydna odznaczają się cechami gatunkowo-domowymi i liryczno-filozoficznymi. W 19-stym wieku szturchać. Gatunek oratoryjny został stworzony przez Mendelssohna, Schumanna, Berlioza, Brahmsa, Dvoraka, Liszta, Verdiego i innych w XX wieku. - Honegger, Britten i inni.Pierwszy oznacza rosyjskie oratorium „Minin i Pozharsky” Degtyareva; szereg oratoriów stworzył A. Rubinstein („Babilońskie pandemonium”, „Raj utracony” itp.). W operach klasyków rosyjskich techniki oratoryjne są szeroko stosowane w postaci dużych scen chóralnych (Iwan Susanin, Rusłan i Ludmiła Glinki, Judyta Sierowa, Książę Igor Borodina, Sadko Rimskiego-Korsakowa itp.). Gatunek oratorium jest szeroko stosowany przez kompozytorów radzieckich przy ucieleśnieniu historycznych i współczesnych tematów („Emelyan Pugachev” Kovala, „Legenda bitwy o ziemię rosyjską” Szaporina, „Pieśń o lasach” Szostakowicza, „Na warcie dla pokoju” Prokofiewa, „Requiem” Kabalewskiego, „Mahoń” Zarina i inni).
PIOSENKA- najprostsza i najbardziej rozpowszechniona forma muzyki wokalnej, łącząca obraz poetycki z muzycznym. Charakterystyczna dla utworu jest obecność kompletnej, samodzielnej, melodyjnej melodii, prostota konstrukcji (zwykle kropka lub forma 2-, 3-głosowa). Muzyka piosenki odpowiada ogólnej treści tekstu, bez uszczegóławiania go (na przykład w bardzo popularnej piosence dwuwierszowej). Istnieją pieśni ludowe i profesjonalne (wykonane przez kompozytorów), które różnią się gatunkiem, pochodzeniem, strukturą itp. Gatunek pieśni chóralnej jest powszechny: pieśń ludowa (chłopska i miejska), radziecka pieśń masowa, otd. chóry kompozytorów rosyjskich i radzieckich. W muzyce zachodnioeuropejskiej pieśń chóralną kultywowali kompozytorzy romantyczni (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). W sensie przenośnym termin piosenka. lub pieśń (dla podkreślenia epickiej, podniosłej, poetyckiej wzniosłości dzieła) używane są w tytule głównych dzieł muzycznych, kantat (np. Pieśń losu, Pieśń triumfu Brahmsa).
CHÓRALNY- śpiewy religijne w kościołach katolickich i protestanckich. Protestancki śpiew polifoniczny (wprowadzony w XVI wieku przez przywódców reformacji) był śpiewany przez całą społeczność w języku niemieckim (w przeciwieństwie do chorału gregoriańskiego unisono, który śpiewali po łacinie specjalni śpiewacy). Melodie chorału odznaczają się siedzącym rytmem. Magazyn chóralny (lub po prostu chorał) jest zwykle nazywany. prezentacja akordów przez jednolite czasy trwania w wolnej części.