Sztuka teatralna Indii narodziła się w okresie II wieku pne. - I wne, osiągając szczyt swojego rozwoju do X wne W tym czasie powstały setki sztuk, uznanych później za klasykę teatru indyjskiego. Po X wieku, wraz z przybyciem islamskich zdobywców do Indii, teatr klasyczny podupadł. Spektakle teatralne nadal istnieją w prymitywnej formie w odległych zakątkach wsi. W okresie XV-XIX wieku. sztuka teatralna odżywa. W połowie XIX wieku. scena teatralna staje się środkiem walki z brytyjskimi rządami kolonialnymi, które zmuszają Brytyjczyków do narzucenia ścisłej kontroli nad działalnością teatralną w Indiach, zakazując przedstawień politycznych i zezwalając tylko na klasyczne dramaty. Od czasu odzyskania przez Indie niepodległości w 1947 roku teatry swobodnie wyrosły w całym kraju, stając się ważnym ogniwem przemysłu rozrywkowego.
Indyjska sztuka teatralna dzieli się na trzy formy: klasyczny dramat sanskrycki, tradycyjny teatr ludowy i teatr nowoczesny.

Klasyczny dramat sanskrycki

Indyjski klasyczny dramat sanskrycki - jedna z najstarszych form sztuki teatralnej, która zaczęła aktywnie rozwijać się w I wieku. OGŁOSZENIE O istnieniu Dramat sanskrycki w tak długim czasie pojawiły się tak autorytatywne źródła, jak: „Natya Shastra” – traktat o sztuce teatralnej, opracowany przez Bharatę Muniego (IV wiek pne – IV wiek ne) oraz „Mahabhashya” – komentarz do gramatyki indyjskiej należący do Patanjalego (II w. p.n.e.) wieku pne).
Dramat indyjski jest najwyższym osiągnięciem literatury indyjskiej. Zbudowana jest w taki sposób, aby wywołać u widza silne przeżycia emocjonalne związane z charakterem i czynami bohaterów. Jedne postacie budzą podziw i cześć, inne wręcz przeciwnie, wstręt, a jeszcze inne wywołują śmiech i zabawę. Postacie Dramat sanskrycki wyraźnie podzielone ze względu na status społeczny.
W dramacie indyjskim istnieją dwa rodzaje sztuk: lokadharmi gdzie postacie są przedstawione w realistyczny sposób i natyadharmi to stylizowany dramat wykorzystujący język migowy.
Pierwszym dramatopisarzem, który pisał w sanskrycie, był Ashvaghosha (II w. n.e.). Ta wykształcona i utalentowana osoba poprzez swoje dzieła głosiła filozofię buddyzmu. Trzy słynne wiersze Ashvaghosha to „Buddhacharita”, „Soundarananda” i dramat „Sharinutrakarana”.
Ale najbardziej znaczącą postacią dramatu indyjskiego jest poeta Kalidasa (IV-V w.), który skomponował sztuki w sanskrycie na podstawie opowieści z Puran. Najbardziej znanymi dziełami Kalidasy są dramaty Malavikagnimitram, Vikramorvashi, Abhijnana-Shakuntala. Główną fabułą w nich jest miłość bohatera i bohaterki. Po pokonaniu wielu przeszkód kochankowie zostają nagrodzeni możliwością ponownego spotkania się.

Kalidasa

Inną ważną postacią jest sanskrycki dramaturg Bhavabhuti (VIII w.). Z licznych dzieł autora zachowały się tylko trzy dramaty: Mahaviracharita (o bohaterskim życiu Ramy), Malatimadhava (Historia miłosna) i Uttaramacharita (Dalsze życie Ramy).
Według badań indologa Dasharadhy Sharmy (1903-1976) obaj ostatni dramatopisarze, pisząc swoje dzieła, opierali się na tekstach z Arthaśastry (starożytnego indyjskiego traktatu politycznego i ekonomicznego, którego kompilatorem jest Kautilya, główny doradca cesarza Chandragupty Mauryi (321-297 pne). e.)). W ich pracach istnieje wyraźna paralela w działaniach i polityce bohaterów. Ponadto Bhavabhuti wykorzystuje słowa i idee z Arthaśastry w swojej romantycznej sztuce Malatimadhava.
Na uwagę zasługuje również północnoindyjski władca Harsza (panowanie w latach 606-647) z rodu Pushyabhuti, któremu przypisuje się autorstwo sztuk Ratnavali, Priyadarshika i Nagananda, a także poeci Shudraka i Bhasa, którzy napisali wiele sztuk w Sanskryt.
Dramat sanskrycki, która powstała w Indiach w czasach starożytnych, stała się jedną z form sztuki, która odzwierciedla wszystkie realia życia bez upiększeń. Później uzupełniono go tańcem klasycznym. Połączenie muzyki, gestów i tańca pozwoliło indyjskiemu dramatowi nabrać nowego oblicza i przekształcić się w klasyczny dramat taneczny.

Dramat tańca klasycznego
Ten nowo wytyczony kierunek przekazywał całe piękno życia, opierając się na boskich przykładach podanych w starożytnych eposach. Wybitnymi przykładami indyjskiego dramatu tańca klasycznego są: kudiatt, krishnanatta, ramanatt i kathakali (). Również prawie wszystkie klasyczne tańce indyjskie można przypisać dramatowi tanecznemu, ponieważ dziś są one teatralnym przedstawieniem muzycznym, które opowiada o relacji miłosnej między bohaterem a bohaterką.

Tradycyjny teatr ludowy

Tradycyjny indyjski teatr ludowy , wyraźnie ukształtowany w średniowieczu, jest syntezą klasycznego dramatu i swobodnych inscenizacji opartych na wydarzeniach historycznych, a także motywach z Puran i eposów. Teatr ludowy odzwierciedla myśli, idee i emocje zwykłych ludzi. W rzeczywistości tradycyjny teatr ludowy można podzielić na produkcje o charakterze religijnym i świeckim. Te pierwsze służą głoszeniu wartości religijnych, moralnych i w istocie są refleksjami nad sensem życia. Celem drugiego jest rozrywka.
Ważne miejsce w indyjskim teatrze ludowym zajmuje pieśń, która odgrywa główną rolę.
Tradycyjny teatr ludowy Indii jest niezwykle różnorodny. Każdy stan wielonarodowego kraju jest reprezentowany przez jasne, spektakularne przedstawienia, które odzwierciedlają lokalne zwyczaje i zwyczaje. Wszystkich jednak łączy realizm życia, miłości, cnoty i występku, często okraszony romantyczną ideą.
Nautanki- jedno z najpopularniejszych komediowo-muzycznych przedstawień teatralnych w północnych Indiach. historie nautanki oparte na podaniach ludowych, opowieściach o legendarnych bohaterach i opowieściach epickich. Muzyka ludowa, śpiew i taniec przeplatają się nautanki. Spektakle odbywają się jak w języku hinduski, Wkrótce urdu. Przed wprowadzeniem przemysłu filmowego nautanki były bardzo powszechnym środkiem rozrywki we wszystkich miastach i wioskach północnych Indii. Tradycyjnie prezentacja nautanki rozpoczyna się późnym wieczorem i trwa nieprzerwanie przez całą noc do świtu. Istnieją również krótkie wersje spektakli, trwające około dwóch godzin, poruszające współczesne problemy społeczne, takie jak rodzina, zdrowie i feminizacja (emancypacja kobiet).

Nautanki

Swang/saang- forma taneczno-muzycznego teatru powszechna w Haryana, Uttar Pradesh, Radżastanie i Madhya Pradesh. Faktycznie huśtał się bardzo podobny do nautanki. Istnieją tylko drobne różnice. Nautanki To czysto komediowa forma przedstawienia. będąc w kołysać się obecne są zarówno satyra, jak i heroiczny romans. Reprezentacja huśtał się fascynują bogatym repertuarem pieśni i tańców ludowych. Tradycyjnie wszystkie role odgrywają mężczyźni. Aby stworzyć odpowiednią atmosferę, na godzinę przed spektaklem rozpoczyna się koncert przygotowujący publiczność do występu.
bhand pater to forma teatru ludowego, która jest powszechna w stanie Dżammu i Kaszmir. Działki bhand pater są oparte na mitologicznych opowieściach i tradycjach regionu i mają głównie charakter satyryczny. Występy wyraźnie pokazują elementy kaszmirskiego śiwaizmu i tradycji kaszmirskiego sufizmu. Ale głównym wątkiem fabularnym jest sprzeciw miejscowej ludności wobec obcych najeźdźców. Choć tematyka produkcji oscyluje wokół dawnych opowieści o królach, wprowadzane są do niej również współczesne wątki społeczne. Główny język aktorów spektakli bhand pater jest kaszmirski . Ale aby podkreślić humorystycznie śmieszne sytuacje i uwypuklić niekompatybilne wyrażenia, w produkcjach używa się również pendżabskiego, gujari, dogri, farsi i angielskiego. Przedstawiać zwierzęta w przedstawieniach bhand pater aktorzy przebierają się w obszerne kostiumy i zakładają maski.

bhand pater

Jatra to popularna forma tradycyjnego teatru pieśni ludowych, rozprzestrzeniona od Zachodniego Bengalu i Orisy po Assam, Tripurę i Bihar. W IX-XII wieku. to muzyczne przedstawienie było rozpowszechniane na terytorium Bengalu (współczesny Bengal Zachodni i Bangladesz) pod nazwą charya. Później w XVI wieku podczas ruchu bhakti, charya stał się znany jako jatra(religijna procesja kaznodziejów) i miała charakter religijno-kaznodziejski. Ale już w XIX wieku. treść przedstawień stała się moralnie pouczająca. I w XX wieku jatra przekształcił się w zwykłe widowisko rozrywkowe trwające cztery godziny, poprzedzone długim wstępem muzycznym. Dziś tematyka przedstawień jest obszerna i obejmuje tradycyjne opowieści epickie i puraniczne, legendy historyczne i lokalny folklor. Tradycyjnie w yatre wszystkie role odgrywali mężczyźni, ale od XIX wieku. kobiety zaczęły dołączać do męskich trup. W dzisiejszych czasach do tworzenia żywych efektów w produkcjach wykorzystuje się wszystkie nowoczesne środki.

Jatra

mecz to tradycyjny teatr ludowy w Madhya Pradesh. Jest to stosunkowo młoda forma teatru ludowego, która powstała na przełomie XVIII i XIX wieku. mecz został zaprojektowany przez znanych aktorów tamtych czasów, takich jak Guru Gopalji i Kaluram Ustad. Nie tylko pisali scenariusze, ale także reżyserowali spektakle. mecz tradycyjnie wykonywane przez mężczyzn. Występy są w języku hindi. Tematyka spektakli mecz jest obszerny i dotyka kwestii religijnych, historycznych i społecznych.

Tamasha- muzyczno-taneczna forma teatralna, która powstała w XVI wieku. na terytorium Maharasztry. Serce wszystkich występów tamasha nazywają się piosenki miłosne lawani które uzupełniają tradycyjne tańce. Oprócz tańca w przedstawieniach tamasha dominują również liczby akrobatyczne.

Tamasha

Jakszagana to forma tradycyjnego dramatu tanecznego, która powstała w XVI i XVII wieku. w Karnatace. Termin Jakszagana dosłownie oznacza „pieśń duchów natury” i łączy w sobie różne formy tańca dramatycznego m.in aata, bajalata, jak I daśawatara. Jakszagana powstał z muzyki ludowej, tańca i teatru Karnataki podczas południowoindyjskiego ruchu bhakti. Ponieważ bhakti, czyli Vaisnavizm, popularyzuje religię poprzez proste przedstawienia teatralne, Jakszagana szybko zdobył uznanie w całych południowych Indiach. Działki jakszaganów to epizody z Mahabharaty, Ramajany i Puran. Zgodnie z tradycją przedstawienie rozpoczyna się o zmroku. Wejście aktorów na scenę poprzedzone jest długą (ok. godziny) uwerturą muzyczną. Wszystkie role odgrywają wyłącznie mężczyźni. Graniu towarzyszy śpiew narratora (bhagawati). Niezmienną postacią wszystkich przedstawień jest błazen, tzw kodangi. Niesamowite kostiumy i makijaż aktorów tworzą szczególny nastrój, pogrążając widzów w niesamowitym świecie wyobraźni.

Terukkuttu- forma rytualnego teatru ulicznego, powszechna w Tamil Nadu i sąsiedniej Sri Lance. Spektakle są w języku tamilskim. Terukkuttułączy muzykę, taniec i dramat. Tematyka jest szeroka. Ale zasadniczo wszystkie historie oparte są na historiach z Mahabharaty, a raczej tych częściach eposu, w których Draupadi jest centralną postacią. Na corocznym festiwalu Maryamman, poświęconym tytułowej bogini deszczu, wystawiane są sztuki z Ramajany.

Mudietta- tradycyjny teatr rytualny w stanie Kerala, którego przedstawienia odbywają się tylko w świątyniach poświęconych bogini Kali. W przedstawieniach rozgrywa się bitwa bogini Bhadrakali z asurą Dariką, w której wygrywa pierwszy. Te rytualne przedstawienia odbywają się po żniwach między lutym a majem. Sam spektakl rozpoczyna się w pomyślnym czasie i trwa 41 dni.

Tradycyjny indyjski ludowy teatr lalek

Teatr lalek (indyjski teatr lalek) to jeden z najstarszych rodzajów rozrywki w Indiach, zwłaszcza na obszarach wiejskich. Rozkwitała w takiej czy innej formie przez wieki i jest integralną częścią kultury ludowej. W zręcznych rękach lalkarza lalki ożywają, ożywiając sceny z Mahabharaty i Ramajany, a także imitując prawdziwe życie. Teatr lalek jest najbardziej popularny w Gudżaracie, Radżastanie, Kerali, Karnatace i Andhra Pradesh. W Indiach używa się różnych rodzajów lalek – drewnianych, skórzanych lub szmatowych, sterowanych za pomocą kija lub sznurków, lalek w rękawiczkach, a także płaskich lalek wykorzystywanych w teatrze cieni.
Kathputli- radżastański teatr lalek. Przetłumaczone z języka radżastańskiego kat oznacza „drzewo” putli- martwa lalka Teatr jest brany pod uwagę kathputli powstał w Radżastanie około dwóch tysięcy lat temu, o czym świadczą wzmianki o drewnianych lalkach w lokalnych legendach i pieśniach. Ani jedno święto religijne, ani jeden jarmark w Radżastanie nie odbywa się bez zabawnych przedstawień kukiełkowych.

Rodziny panujące w Radżastanie na wszelkie możliwe sposoby zapewniały mecenat tego rodzaju sztuce. Będąc nie tylko formą rozrywki, ale także źródłem moralnej edukacji, kathputli kwitła aż do przybycia Mogołów w Radżastanie. W tym okresie kathputli stopniowo tracił na znaczeniu. Ale dziś, jak za dawnych czasów, teatr kathputli ponownie cieszy publiczność swoimi zapalczywymi występami.
Tradycyjnie kathputli jest dziedzicznym zawodem dla społeczności koczowniczej bhatżyjący w zachodnim Radżastanie. Podobnie jak sami lalkarze, liczne państwowe warsztaty robią lalki: rzeźbią głowy lalek z drewna, malują je i uzupełniają jaskrawymi strojami haftowanymi cekinami, złotym warkoczem i lusterkami. Z reguły kolor lalki określa wizerunek postaci. Szlachetne postacie są pomalowane na jasne kolory, mają efektowne wąsy i ubrane są w kolorowe szaty. Negatywne znaki mają zwykle ciemny kolor. Kobiece lalki są zawsze w kolorowych i jasnych strojach.
Pociągając za drut przymocowany do lalek, lalkarz umiejętnie sprawia, że ​​tańczą one na zaimprowizowanej scenie. Jeźdźcy na koniach i wielbłądach, zaklinacze węży, wojownicy z mieczami, tańczące kobiety i wiele innych urzekają publiczność.

Dużą popularnością cieszą się również kukiełki podmieńców, kiedy podczas spektaklu tańcząca kobieta nagle zamienia się w brodatego mężczyznę. Każdemu przedstawieniu kukiełkowemu towarzyszy humor i akompaniament muzyczny. Działki spektakli kathputli zwykle są na dowolny temat, czasem zaczerpnięty z lokalnych baśni i legend. Ale główny repertuar stanowią ballady o walecznym Amarze Singhu Rathore (1613-1644), radżputskim księciu służącym na dworze Mogołów, którego legendarna odwaga i waleczność pozwoliły mu zdobyć osobiste uznanie cesarza. Przedstawienia z długimi scenami batalistycznymi są bardzo inspirujące nie tylko dla młodych widzów, ale także dla dorosłego pokolenia.

Zmieniające się lalki

Putul wcześnie- inny rodzaj teatru lalek, powszechny od Bengalu Zachodniego po Tripurę i Assam. lalki putul wczesny dość duży, około 1,5 m wysokości. Są wyrzeźbione z drewna i ubrane w piękne stroje. Zespół artystów tworzą lalkarze śpiewający piosenki i recytujący poezję, muzycy grający na fisharmonii, bębnach i metalowych cymbałach. Występy często odbywają się na jarmarkach wiejskich. Odgrywają historie o Krysznie lub improwizacje na dowolny temat, w którym lalki po prostu tańczą.

pavakathakali jest popularnym teatrem tańca kukiełkowego w Kerali. kathakali. Spektakl wykonywany jest za pomocą kukiełek w rękawiczkach o wymiarach 30-50 cm Różne historie z Mahabharaty to wątki spektakli rozgrywających się nocą przy świetle lampy naftowej. Czas trwania występu waha się od godziny do dwóch, a czasem dłużej. w dramacie tanecznym kathakali Historia opowiadana jest za pomocą gestów i mimiki twarzy. Ale ten język nie jest dostępny dla drewnianych lalek, dlatego główną rolę w spektaklu przypisuje się słowu, za pomocą którego śpiewacy przekazują treść spektaklu. W przeszłości przedstawienia miały charakter wyłącznie religijny i były aranżowane jako ofiary składane bogom w czasie suszy i epidemii. Również pavakathakali grane podczas festiwalu Śiwaratri. Do lat 80-tych XX wieku tradycja pavakathakali prawie zniknął. Ale dzięki staraniom indyjskiego Ministerstwa Kultury ten tradycyjny teatr lalek został odrodzony i wyniesiony na międzynarodowy poziom. Dziś występy pavakathakali można oglądać na międzynarodowych festiwalach sztuki.

Gra cieni

Uważa się, że teatr cieni powstał trzy tysiące lat temu w Azji Południowo-Wschodniej i stopniowo przeniknął do Hindustanu. Teatr cieni jest bardzo popularny w Andhra Pradesh, Karnataka, Kerala i Orisa. Tradycyjnie marionetki cieni z Orisy i Kerali są czarno-białe. A w Karnatace i Andhra Pradesh są kolorowe.
Tholu bombalata to tradycyjna forma sztuki teatralnej w Andhra Pradesh. Dosłownie tolu oznacza „skórę” bummalatu- Taniec marionetek. Bez stałego miejsca zamieszkania, wędrowni lalkarze tolu bummalata wędrując po stanie, dają występy, pokazują numery akrobatyczne, a także zgadują, sprzedają biżuterię i naprawiają naczynia. Nazywają ich miejscowi gomberamy.
Tradycyjne klasyczne lalki tholou bommalata wykonane są ze skóry barwionej barwnikami roślinnymi. Obecnie wycina się je nawet z kliszy rentgenowskiej. Rozmiar gotowych figur sięga prawie metra wysokości. Ręce i nogi lalek są ruchome. Samymi lalkami steruje się za pomocą przyczepionych do nich patyków. Prosty biały ekran staje się centrum przedstawienia, które opowiada historie z Ramajany, Mahabharaty i lokalnej tradycji.

Tholu bombalata

Togalu gombiyata/Togalu bombiyata- przedstawienie teatru cieni w Karnatace. Wcześniej był to religijny rytuał składania bogom ofiary z modlitwą o deszcz lub ochronę przed chorobami. Dzisiaj togalu gombiyata tylko środkiem rozrywki. Główne wątki to historie z Ramajany i Mahabharaty. Tradycyjnie przedstawienia rozpoczynają się późnym wieczorem i trwają do rana. Lalki do spektakli wykonane są z koziej skóry i pomalowane na jaskrawe kolory. Ten teatr cieni można zobaczyć w wielu wioskach Karnataki, ale nadal, jak wszystko, co tradycyjne, traci na znaczeniu, ustępując miejsca nowoczesnym trendom, takim jak telewizja, Internet itp.

Tholpavakuthu jest formą teatru cieni w Kerali. Uważa się, że sztuka ta powstała w IX wieku. Tholpavakuthu- czysto religijny rytuał poświęcony Bhadrakali, który jest wykonywany w licznych świątyniach Devi (Durga). Spektakl jest kompletną wersją Kamba-Ramajany, tamilskiej wersji Ramajany. Spektakl jest w języku tamilskim i sanskrycie, a także malajalam i trwa 21 dni przez 9 godzin. Ale są też dłuższe wersje, trwające do 70 dni, w zależności od tradycji świątyni, w której odbywają się te przedstawienia. Zgodnie z tradycją przedstawienie rozpoczyna się wieczorem i kończy o świcie. W tym teatralnym rytuale bierze udział od 180 do 200 lalek, co wymaga obecności około 40 wykonawców. Lalki z ruchomymi rękami i nogami mają zwykle nieco ponad metr wzrostu. Wykonane są z koziej skóry. Tholpavakuthu, podobnie jak wiele tradycyjnych form sztuki, jest zagrożony wyginięciem. Do niedawna tylko kilka rodzin z gminy puławar kontynuował tę tradycję. Dopiero dzięki wsparciu rządu, wprowadzeniu do repertuaru współczesnych tematów i skróceniu czasu występów udało się nieco poprawić tę sytuację. Dziś przedstawienia odbywają się nie tylko w świątyniach, ale także na uczelniach, a także na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Kerali.

Tholpavakuthu

Rawana czhaja
Nazywa się teatr cieni Orissa Rawana czaya co dosłownie oznacza „Cień Rawany”. Jest to najbardziej prymitywny teatr cieni, jaki przetrwał w Indiach. Rawana czhaja był szeroko rozpowszechniony na terenach wiejskich, których mieszkańcy traktowali go jako rytuał mogący zapobiegać klęskom żywiołowym i chorobom. Fabuła spektaklu jest skróconą wersją słynnego eposu „Ramajana” do słów średniowiecznego poety z Orissa, Vishwanatha Khuntii. Małe pacynki wykonane są ze skóry jelenia i osadzone na bambusowych kijach. Lalki są monochromatyczne, ich kończyny są nieruchome. W spektaklu wykorzystano około 700 figur. Często w produkcjach wydarzenia opisane w eposach przecinają się z naszymi czasami. Spektakl, który trwa 7 dni, pokazywany jest nocą przy rytmicznej muzyce ludowej, recytacji gawędziarza i śpiewie dwóch śpiewaków. Ostatni raz rawana czhaja zaczął szybko tracić popularność. W związku z tym Narodowe Centrum Sztuki im. Indiry Gandhi poczyniło znaczne wysiłki w celu utrzymania i ożywienia tej formy sztuki.

Nowoczesny teatr

W okresie dominacji brytyjskiej zaczyna kształtować się nowy kierunek w teatrze indyjskim. Sceny teatralne stają się narzędziem walki z rządami kolonialnymi. W związku z tym Brytyjczycy przejmują kontrolę nad wszystkimi działaniami teatralnymi w kraju. Zakazowi podlegają wszelkie skandaliczne improwizacje potępiające zachłanność polityki kolonialnej. Ale w ciągu dwustu lat brytyjskiej obecności miała miejsce ważna wymiana kulturalna. Fuzja kultur Wschodu i Zachodu dała początek nowoczesnej formie teatru indyjskiego. Z czasem opowieści o bogach, mędrcach i legendarnych bohaterach zeszły na dalszy plan, ustępując miejsca opowieściom o zwykłych ludziach z ich palącymi problemami.
Kalkuta i Madras były pierwszymi obszarami metropolitalnymi, w których zaczął się rozwijać teatr w zachodnim stylu.
Na początku XX wieku. Teatr indyjski wkracza w nową rundę rozwoju. W 1922 powstaje Komunistyczna Partia Indii, która w 1942 tworzy swoje kulturalne skrzydło w Kalkucie, czyli Indyjskie Stowarzyszenie Teatrów Ludowych (IPTA / Indyjskie Stowarzyszenie Teatrów Ludowych). Działalność organizacji miała znaczący wpływ na rozwój kultury teatralnej w kraju. Działania IPTA cieszą się dużym poparciem głównie ze strony osób preferujących zachodnioeuropejski, amerykański model rozwoju społecznego.
Współczesny teatr indyjski zyskał nowe przyczółki w 1953 roku, po otwarciu Akademii Sangeet Natak (Indyjska Państwowa Akademia Muzyki, Tańca i Dramatu).
Dziś Indie są jednym z nielicznych krajów, które mogą poszczycić się znaczną liczbą profesjonalnych szkół teatralnych, z których największe znajdują się w dużych miastach, takich jak Delhi, Kalkuta, Bombaj.

Istnienie dramatu w Indiach jako odrębnej formy sztuki nie trwało długo. Ale w tym krótkim czasie teatr indyjski stał się najjaśniejszym, najbardziej kolorowym i barwnym przedstawicielem sztuk scenicznych.

Istnieje kilka teorii powstania dramaturgii w tym niezwykłym kraju. Pierwsza mówi o zapożyczaniu tradycji teatralnych z kultury antycznej Grecji. Druga teoria sugeruje, że dramaturgia Indii powstała w ich własnym społeczeństwie w wyniku rozwoju i transformacji starożytnych sakramentów i obrzędów. Ale żadna z tych teorii nie ma wiarygodnych dowodów. Dlatego krytycy sztuki promują swoje założenie o powstaniu sztuki teatralnej, które opiera się na możliwości powstania teatru z połączenia kilku spektakularnych widoków. Na przykład zaimprowizowane uroczyste przedstawienie na cześć boga Indry o charakterze kultowym i tradycyjnym, a także misterium kultowe, które zostało oparte na tekstach Wed. Wszystkie inscenizacje odznaczały się przepychem i niezrównaną urodą widowiska. Takim uroczystościom towarzyszyły występy linoskoczków, muzyków i aktorów, aranżujących zabawne scenki.

Klasyfikacja teatru indyjskiego

W kulturze indyjskiej istnieje podział teatru na kilka typów:

• Ludowy. Ten rodzaj sztuki scenicznej miał fabułę opartą na epickiej i indyjskiej mitologii. Zawód aktora w Indiach nie był szanowany. Wynika to z faktu, że artysta przedstawił bogów w zabawny i obsceniczny sposób. Aktorzy byli poniżani i uważani za niższe warstwy społeczeństwa. Ale żeby zdobyć mistrzostwo w tym fachu, trzeba było być człowiekiem raczej wykształconym;
• dworzanin. Przedstawienia odbywały się na dziedzińcach szlacheckich w celach rozrywkowych.

Indyjskie zespoły teatralne składały się zarówno z mężczyzn, jak i kobiet. Nieustannie wędrowali od miasta do miasta, dając ludziom przedstawienia.

Głównymi elementami przedstawień teatralnych w Indiach były taniec i muzyka. Wszystkie działania uczestników spektaklu podporządkowane były dźwiękom muzyki. Taniec jest podstawą całego indyjskiego teatru. Swoje pochodzenie zawdzięcza tańcom rytualnym, które po rozwinięciu i udoskonaleniu stały się dokładnie tym, co widzimy dzisiaj.

Szczególnie popularny w Indiach jest teatr narodowy Kathakali, który powstał w południowej części tego kraju. Kathakali opiera się na rytuale religijnym, a muzyka instrumentalna, mimika i gesty są tylko dodatkiem. Ten gatunek sztuki teatralnej ma kilka cech. Po pierwsze zawsze zaczyna się o zachodzie słońca, a po drugie trwa co najmniej sześć godzin.

Nie można sobie wyobrazić żadnego kraju kulturalnego bez teatru. A Indie nie są wyjątkiem. Dlatego rezerwując hotele w Indiach, nie zapominaj, że we wszystkich większych indyjskich miastach można dostać się na przedstawienie teatralne. Co więcej, kanony i styl teatru indyjskiego bardzo różnią się od krajowych dramatów i komedii, a zatem są nie mniej interesujące, a nawet genialne.

Teatr przybył do Indii ze starożytnej Grecji. Chociaż wielu ekspertów kwestionuje tę tezę, to jednak wiele cech teatru indyjskiego tkwiło w greckich tragediach i komediach.

Jednak, jak w każdym innym kraju, w Indiach znaleźli się utalentowani ludzie, którzy zaczęli samodzielnie przygotowywać scenariusze do dzieł indyjskich. W tym samym czasie lokalne tradycje i zwyczaje zostały przeniesione na greckie podłoże.

U zarania teatru na taki luksus mogli sobie pozwolić tylko lokalni władcy i bardzo bogaci ludzie. Dlatego ich słudzy stali się pierwszymi aktorami. Wraz z rozpowszechnieniem się teatru pojawili się także aktorzy zawodowi.

Jeśli chodzi o sztuki indiańskie, są one dość zróżnicowane, chociaż wiele zasad dla nich pozostało wspólnych. Zakres prac był bardzo różny. Wśród dramatów indyjskich można znaleźć zarówno drobne szkice i skecze, trwające kilka minut, jak i dzieła wielkoformatowe, których akcja rozciąga się na całe dnie.

Większość indyjskich reżyserów teatralnych i dramaturgów przestrzegała surowych zasad. Istnieje kilka. Przede wszystkim, niezależnie od pomysłu i fabuły, na scenach nie wolno było stosować przemocy. W starożytnych Indiach wystarczyło nawet bez teatru, więc nie było zwyczaju przenoszenia scen okrucieństwa na scenę.

Druga zasada, której ściśle przestrzegano, dotyczyła finału dzieła. Dlatego nie należy sądzić, że szczęśliwe zakończenie sztuki teatralnej lub filmu to wymysł Hollywoodu. Był znany i używany w starożytnych Indiach kilka wieków przed naszą erą. Dlatego wszystkie sztuki indyjskie, zarówno starożytne, jak i współczesne, ściśle przestrzegają tej zasady. Jednocześnie fabuła może być tragiczna, a nawet rozdzierająca serce, jednak ostatecznie wszystko skończy się dobrze.

Osobną kwestią jest aranżacja teatru. Tej części przedstawienia teatralnego poświęcono wiele uwagi. Kostiumy dla postaci zostały starannie dobrane. Dla nich użyto najdroższej materii, a biżuteria kosztowała dużo pieniędzy. Chociaż rekwizyty teatralne nie były własnością aktorów.

Zasady wystawiania sztuk indyjskich dotyczyły także wyposażenia scenicznego. Między widownią a aktorami nie było ekranów ani kurtyn. Dlatego aktorzy wychodzący na scenę od razu przykuli wzrok publiczności. Niewiele było też scenografii w teatrze indyjskim. A obfitość rekwizytów zastąpiła wzmożona gestykulacja, mimika i taniec.

Co ciekawe, indyjscy aktorzy prawie nic nie mówili. Wszystkie działania wyrażane były gestami i tańcem. Publiczność mogła odgadnąć, co się dzieje, tylko dzięki zrozumieniu specjalnych symboli wyrażanych gestami.

Teatr indyjski warto zobaczyć na własne oczy. To bardzo ciekawy i urzekający widok.

Teatr Indii
Sztuka teatralna Indii powstała kilka tysięcy lat temu. Brązowa figurka tańczącej dziewczyny, znaleziona podczas wykopalisk w mieście Mohendżo Daro, pochodzi z III tysiąclecia pne. mi. To właśnie taniec rytualny stał się rdzeniem, wokół którego powstał indyjski teatr klasyczny. W starożytnych Indiach przedstawienia teatralne były obowiązkowym elementem świąt poświęconych bogom. Na przykład głównym wydarzeniem święta ku czci Indry (boga piorunów) było podniesienie „sztandaru” Indry. Symbolem sztandaru było drzewo przywiezione z lasu i udekorowane. Po ceremonii drzewo zostało uroczyście zatopione w rzece, aby wzmocnić wodę i ziemię. W akcji brali udział zapaśnicy, magicy, linoskoczki, muzycy i animatorzy, których nazywano „nata” (później tak nazywano zawodowego aktora). Wzmianka o nata znajduje się w zabytkach literatury indyjskiej z drugiej połowy I tysiąclecia pne. mi. Na długo przed nową erą w Indiach rozwinął się teatr ludowy, którego przedstawienia nadal cieszą się dużą popularnością w tym kraju.

Jedną z najpowszechniejszych form takiego teatru w północnych Indiach jest dramat muzyczno-taneczny lila. Występy trwają czasem ponad miesiąc. Obowiązkowe postacie lila to złe i dobre demony, zwierzęta. Tak więc w bitwach ze złymi demonami bohaterowi Ramie zawsze pomagała odważna i przebiegła małpa Khanuma. Aktorzy spektakli występują w barwnych strojach i maskach. Akcja toczy się bez scenerii. Pomiędzy odcinkami grane są czasami zabawne przerywniki - shomy. Aktorzy, przygotowując się do występów w kolejnych odcinkach, przebierają się lub odpoczywają przed publicznością. Na południu kraju rozwinęła się inna forma – teatr misteryjny. Jest nieco podobny do lili północnych, ale istnieją różnice. Przedstawienia teatralne południa kojarzone są ze sztuką świątynnych gawędziarzy – czakiarów, którzy czytali wersety w sanskrycie (klasycznym języku starożytności), a następnie tłumaczyli tekst w języku lokalnych mieszkańców. Jednocześnie chakiar używał mimiki i gestów. Z czasem aktorzy zaczęli występować razem z czytelnikiem w świątyni. Czytali teksty sanskryckie, a recytacji towarzyszyły tańce. Spektakl nazwano kutiyattam (w sanskrycie „taniec zbiorowy”). W kutiyattamie zarówno słowo, jak i taniec były równie ważne. W połowie pierwszego tysiąclecia pne. mi. klasyczny teatr indyjski. Wiele spektakli to dramatyzacje mitów i legend. Jednak w Indiach powstał również klasyczny dramat w sanskrycie. Jego rozkwit przypadł na I-IX wiek. Najbardziej znani dramatopisarze to Bhasa, Kalidasa i Shudraka. Daty ich życia są bardzo przybliżone, informacje badaczy czasami rozchodzą się na przestrzeni wieków. Spośród trzynastu dzieł Bhasy (II lub III wiek) za najlepsze uchodzi Vasavadatta Pojawiający się we śnie - sztuka o miłości króla do żony Vasavadatty.

Autorstwo słynnego „Clay Cart” przypisuje się królowi Shudrake'owi (prawdopodobnie IV wiek). Sztuka bardzo przeżyła swojego twórcę: trafiała na sceny światowych teatrów jeszcze w XX wieku. Esej nie opowiada o bogach i demonach, nie o królach i ich wiernych żonach (co jest tradycją), ale o aktorce kurtyzanie. Bohaterka zakochała się w braminie Charudatta – mężczyźnie należącym do najwyższej kasty, a ponadto żonatym. Wiele prób spotkało kochanków, dopóki nie zostali ponownie zjednoczeni.

Do trupy klasycznego teatru indyjskiego z pewnością należeli suhtradhara (główny aktor, jednocześnie reżyser i dyrektor teatru), nati (żona pierwszego aktora i pierwszoplanowa aktorka), sthapaka (pierwszy asystent, charakteryzator i kostiumograf). ), pripersvika (drugi asystent, który wykonywał różne zadania) Szczególną formą indyjskiego teatru jest taniec klasyczny. W istocie nie jest to taniec w najczystszej postaci, ale taniec dramatyczny, w którym taniec, słowo, a czasami śpiew są połączone. Jeden z najstarszych stylów, bharatnatyam, przetrwał do dziś dzięki tancerzom świątynnym, którzy poświęcili swoje życie służbie bóstwu. Przyszłe tancerki są szkolone od dzieciństwa: wysyłane są do świątyni, gdzie dziewczęta dorastają pod czujnym okiem księdza. Ubrana w jaskrawy, haftowany kostium tancerka najpierw kłania się guru (nauczycielowi) i publiczności, potem na krótką chwilę wydaje się zastygnąć, wsłuchując się w dźwięki cymbałów i śpiewu, a na końcu rozpoczyna się sam występ taneczny. Jest to połączenie nritya (tańca skaz) z nrita (czysty taniec). Po tym następuje interludium - daj: śpiewak wykonuje piosenkę, a tancerka przekazuje jej treść za pomocą dobitnie wyrazistej mimiki i gestów rąk.W kółko rozbrzmiewa ta sama linijka i za każdym razem tancerka podaje jej inną interpretację. W XVI wieku styl kathak rozkwitł w północnych Indiach.W tym czasie rozwinęło się państwo muzułmańskie, w ramach którego przenikała się sztuka hinduska i muzułmańska. Kathak to efekt połączenia dwóch kultur: tańce odbywały się w strojach perskich, ale jednocześnie opowiadano indyjskie legendy o miłości Radhy i Kryszny. w XVII wieku na południu Indii, w krainie przejrzystych jezior i lagun, piaszczystych plaż, pól ryżowych i plantacji przypraw, kształtuje się pantomimiczny dramat taneczny – kathakali.

Spektakl odbywa się na dziedzińcu świątyni lub w plenerze. Dramat, który opowiada o bogach i demonach, ich miłości i nienawiści, rozgrywa się zwykle na czarnym tle nocy. Aktorzy w jasnych makijażach (zielony, czerwony i czarny) oraz maskach wyłaniają się z ciemności i znikają w ciemności. Nie mówią ani słowa przez cały akt. Prolog spektaklu to wściekłe bębnienie, które ma na celu napełnienie aktora energią. Umiejętności wykonawcy kathakali nabywa się od dzieciństwa pod okiem guru. Aktor musi zrozumieć wewnętrzną istotę przedstawionego - czy to ludzi, kwiatów, ptaków itp. Szczególną uwagę zwraca się na dokładność i ekspresję

TEATR AZJI. Teatry w krajach azjatyckich nie są do siebie podobne. Każdy kraj ma swój własny język, własną kulturę, własne tradycje narodowe. Niemniej jednak istnieje coś wspólnego, co sprawia, że ​​sztuka teatralna tych krajów jest ze sobą powiązana.

Kultura Indii, Chin i Japonii ewoluowała przez tysiące lat, zachowując na kolejnych etapach główne cechy poprzednich. Dlatego sztukę teatralną nazywa się tradycyjną, ujawniając w niej cechy epoki wcześniejszej w chwili obecnej.

W Indiach, Chinach, Japonii i innych krajach u zarania ludzkości rozwinęło się wiele podobnych idei dotyczących otaczającego świata i człowieka. Wtedy Niebo, Ziemia i Człowiek były postrzegane jako jedna całość, w której prawa Kosmosu dyktowały ich warunki, które człowiek starał się zrozumieć i przestrzegać. Zgodnie z tymi prawami ukształtowała się także sztuka teatralna. Ogarnąć ogrom, zademonstrować jedność, całość świata nie jest łatwym zadaniem. Wymagało to specjalnego systemu środków wyrazu, który opierał się na zasadzie symbolizacji. Symboliczny był gest sceniczny, akompaniament muzyczny, przestrzeń sceniczna, charakteryzacja i wystrój kostiumu scenicznego. Jedność wyrażała także szczególna forma teatru – dramat muzyczny, w którym połączono słowo, śpiew i taniec. Synteza ta stanowiła środek stylistyczny groteski, podporządkowując ruch sceniczny, taniec, sposób śpiewania i mowę.

Szczególną rolę odegrał system wierzeń religijnych, zwłaszcza buddyzm, który przybył z Indii najpierw do Chin, a następnie do Japonii, wzbogacając chińską i japońską literaturę i poezję oraz oczywiście dramaturgię o buddyjskie opowieści. Buddyzm wpłynął na styl gestu symbolicznego, poszerzając jego paletę semantyczną.

Geneza sztuki teatralnej w Indiach, Chinach i Japonii jest ściśle związana z rytuałem religijnym, który wpłynął na kształtowanie się kanonu teatralnego. Określił surowe zasady sztuki teatralnej i umiejętności aktora, wymagając od wykonawcy opanowania wszystkich rodzajów technik aktorskich.

teatr Indii

Wczesnym dowodem narodzin sztuki teatralnej była brązowa figurka tańczącej dziewczyny znaleziona podczas wykopalisk w mieście Mohendżo-Daro w III tysiącleciu pne. To właśnie taniec rytualny stał się rdzeniem, wokół którego powstał indyjski teatr klasyczny. Wzorem dla tancerza był wizerunek tańczącego Śiwy, w którego tańcu przejawiała się twórcza i niszczycielska energia Wszechświata.

W starożytnych Indiach przedstawienia teatralne były częścią festiwalu poświęconego bogom, na przykład bogu piorunów Indrze. Na jego cześć wywieszono „chorągiew”, który symbolizował drzewo przywiezione z lasu. Po ceremonii utopiono go w rzece, aby dać siłę ziemi i wodzie. W festiwalu uczestniczyli muzycy, magicy, zapaśnicy, linoskoczkowie, artyści estradowi, których nazywano „ nata". Później była to nazwa profesjonalnych aktorów, o których wzmianka znajduje się w literaturze indyjskiej z drugiej połowy I tysiąclecia pne.

Na długo przed nową erą w Indiach rozwinął się teatr ludowy, który cieszy się popularnością do dziś. Jedną z najbardziej rozpowszechnionych form takiego teatru w północnych Indiach jest dramat muzyczno-taneczny ( lila- przetłumaczone z sanskrytu „gra”). Według Hindusów wszystkie działania Boga są grą. U źródła Lil zostały ustanowione dwa indyjskie eposy Mahabharata I Ramajana, składający się ze zbiorów mitów o czynach potężnych bogów, ich walce ze złymi demonami. Obok boga Ramy jest zawsze jego asystent - małpi król Hanuman. płótno etniczne Mahabharata opowiada o walce dwóch walczących klanów - Pandawów i Kaurawów. Walka trwa, dopóki bóg Kryszna nie interweniuje po stronie obrażonych, kończąc wrogość zwycięstwem sprawiedliwości. Aktorzy spektakli występują w barwnych strojach i maskach. Akcja toczy się bez scenerii. Ramalila i Krishnalila są popularne w Indiach iw okresie nowożytnym.

Na południu kraju rozwinęła się inna forma teatru misterium, związana ze sztuką opowiadaczy świątynnych - czakiary. Przeczytali wersety w sanskrycie, a następnie wyjaśnili tekst w języku miejscowych. Narrator używał mimiki i gestów. Później zastąpił go aktor, który recytacji towarzyszył tańcem. Spektakl został nazwany kutiyattam(Sanskryt „taniec zbiorowy”).

W połowie I tysiąclecia pne. klasyczny teatr indyjski. Jego rozkwit przypada na I-IX wiek, kiedy powstały słynne dzieła dramatu sanskryckiego. Najbardziej znani dramatopisarze to Bhasa, Kalidasa, Shudraka. Daty ich życia są przybliżone, informacje badaczy czasami rozchodzą się na przestrzeni wieków. Spośród trzynastu dzieł Bhasy (II lub III wiek) uważa się za najlepsze Vasavadata, który pojawił się we śnie- sztuka o miłości króla do żony Vasavadaty.

Autorstwo słynnego Wagon z gliny(przypuszczalnie IV wiek) przypisuje się królowi Shudrace. Sztuka wystawiana była w wielu teatrach na całym świecie jeszcze w XX wieku. Spektakl opowiada o miłości kurtyzany-aktorki do bramina Charudatta, mężczyzny należącego do najwyższej kasty, a także żonatego. Ta fabuła wykraczała poza tradycyjne. Po długich próbach kochankowie ponownie się połączyli.

Szczyt dramaturgii starożytnych Indii - dramat Siakuntala Kalidazy (w niektórych źródłach Siakuntala). Zrodziła się fabuła sztuki o lojalności i miłości Szakuntali do króla Dushyanty Mahabharata, ale został uzupełniony i rozszerzony przez Kalidasę, aby uzyskać więcej dramatyzmu w rozwoju fabuły. Spektakl zachował się nie tylko we współczesnych teatrach Indii, ale obszedł także sceny teatrów świata: wystawiono go w Berlinie; w 1914 w teatrze kameralnym A. Tairowa; w 1957 r. – w Pekinie.

Szczególną formą teatru w Indiach jest taniec klasyczny, który obejmuje słowo, a czasem także śpiew. To właśnie w tańcu bóg Śiwa stworzył świat. W jednej ze świątyń znajduje się słynny wizerunek tańczącego Śiwy. Kolumny przedstawiają 108 jego tanecznych póz, o których mowa w traktacie teatralnym Natyashastra.

Jeden z najstarszych stylów bharat natya trafił do nas dzięki devasi - tancerze świątynni, którzy poświęcili swoje życie bóstwu. Z czasem taniec stał się środkiem rozrywki feudalnej arystokracji, a nazwa „devasi” stała się synonimem kurtyzany. Taniec był kombinacją nritya(taniec-historia) i snritta(taniec w najczystszej postaci). Następnie odegrano interludium ( paddam), w którym tancerz przekazuje gestami treść piosenki wykonywanej w sanskrycie. Semantyczna polifonia interludium zrodziła się z powtórzenia przez śpiewaka tej samej kwestii, której nadał różne interpretacje, oraz z różnych interpretacji tego samego tekstu przez tancerza.

Bharat Natya - klasyczny taniec południowych Indii

ODISSI - taniec klasyczny wschodnich Indii

w XV wieku w północnych Indiach pojawia się klasyczny styl tańca katak. Do tego czasu rozwinęło się państwo, w którym muzułmańscy zdobywcy zasymilowali się i dali impuls do połączenia sztuki muzułmańskiej i hinduskiej. katak był wynikiem połączenia dwóch kultur. Taniec wykonywany był w strojach perskich, ale był kontynuacją legend o miłości Vadhi i Kryszny. w odróżnieniu bharat natyam gdzie ruchy nóg są zsynchronizowane z ruchem rąk i oczu, katak zbudowany na improwizacji. Charakteryzuje się umiejętnymi ruchami stóp, różnorodnością i złożonością rytmów. Aby sprawdzić kunszt tancerza, perkusista od czasu do czasu maskuje główny rytm. Z kolei tancerka stara się zmienić swój rytm, próbując wybić perkusistę z rytmu. Gra rytmów kończy się ogólną zgodą tańca i akompaniamentem rytmicznym, czemu zawsze towarzyszy zachwyt publiczności.

MANIPURI - taniec klasyczny północno-wschodnich Indii

w XVII wieku teatr rodzi się w południowych Indiach kathakali. Pantomimiczny dramat taneczny opowiadający o bogach i demonach, ich miłości i nienawiści. Spektakl odbywa się na dziedzińcu świątyni lub w plenerze. Jej widzami są wieśniacy z okolicznych wsi, którzy porzucają wieczorne troski i czyny, ledwie słysząc dźwięk bębna. Spektakl teatralny rozgrywa się na czarnym tle nocy. Aktorzy w jasnym makijażu - zielonym, czerwonym i czarnym - wyłaniają się z ciemności i znikają w ciemności. Makijaż i jego rysunek mają znaczenie symboliczne, dobrze znane widzowi.

KLASYCZNY TANIEC POŁUDNIOWYCH INDII

Postacie kathakali podzielone na siedem rodzajów: paccia- szlachetni bohaterowie; przystojny - arogancki i arogancki; rudobrody- złoczyńcy i ambitni ludzie; białobrody, najczęściej są to doradcy króla małp Hanumana, szlachetnego i bohaterskiego obrazu; czarnobrody- ludzie lasu i myśliwi; curry- złe olbrzymki i demony żeńskie; Minuku- mędrcy, pustelnicy, bramini i kobiety.

CHARAKTER KATHAKALI - małpiego króla Hanumana

Mistrzostwo kathakali zrozumieć od dzieciństwa pod przewodnictwem guru. Aktor uczy się rozumieć wewnętrzną istotę przedstawianego, czy to będzie osoba, kwiat czy ptak.

Jeśli chodzi o teorię teatru, pierwszy sanskrycki traktat o teatrze był dziełem starożytnego mędrca Bharaty Natjaszastra (Traktat o sztuce aktora). Naukowcy przypisują pojawienie się traktatu III-IV wieku. Do tej pory zasady zawarte w tej książce pozostają prawem dla indyjskich aktorów wszystkich pokoleń.

Według traktatu istnieją cztery główne środki wyrazu - Angika,mudra,wachika,aczarja.Angika- język konwencjonalnych gestów rąk, palców, ust, szyi i stóp. Przepisano trzynaście ruchów głową, siedem ruchów brwiami, trzydzieści sześć oczami; sześć za nos, sześć za policzki, siedem za brodę, trzydzieści dwa za nogi. Istnieją różne pozycje nóg i różne chody - dostojny chód, mielenie lub warkocz itp. Mądry - gest, który ma znaczenie symboliczne. Istnieją dwadzieścia cztery podstawowe gesty, z których każdy ma ponad trzydzieści różnych znaczeń. . Vachika- dykcja, intonacja i tempo wypowiedzi, które tworzą określony nastrój. Aczarja - kanonizowany kolor i szczegóły kostiumu, makijażu. Dla bogów i niebiańskich dziewic - pomarańczowy makijaż, dla słońca i Brahmy - złoty, dla Himalajów i Gangesu - biały. Demony i krasnoludy noszą rogi - jelenie, baranie lub bawoły. U ludzi makijaż zależy od ich statusu społecznego, przynależności do kasty. Przedstawiciele wyższych kast – bramini i kszatrijowie – mają czerwony makijaż, śudrowie ciemnoniebieski, królowie jasnoróżowy, a pustelnicy fioletowy.

MUDRA - gest, który ma znaczenie symboliczne

Komponent teatralny sattwika to stany umysłu przekazywane przez aktora (bhawa), i nastroje publiczności po tym, co zobaczyły na scenie ( wyścig). Aktor musi przyzwyczaić się do uczuć swojego bohatera i umieć przekazać najsubtelniejsze przeżycia, do czego powinien opanować technikę aktorską. Umiejętność uronienia łzy, pokazania, jak skóra na twarzy napina się od zimna, jak dreszcz przebiega całe ciało ze strachu, tj. opanowanie techniki aktorskiej potrafi wywołać u widza określony nastrój. Cała koncepcja estetyczna indyjskich sztuk performatywnych opiera się na nauczaniu bhawa I wyścig. Dosłownie słowo „rasa” oznacza smak lub smak, tj. nastroju, który pozostaje z publicznością po spektaklu. Wyścig Istnieje dziewięć rodzajów: erotyczny, komiczny, smutny, zły, bohaterski, przerażający, obrzydliwy, niesamowity, kojący. Każdy wyścig jest oznaczony określonym kolorem: w kolejności - przezroczysty zielonkawy, biały, popielaty, czerwony, jasnopomarańczowy, czarny, niebieski, żółty. Dziewięć wyścig dopasuj dziewięć bhawa, które z kolei mogą być stabilne lub przejściowe.

Natjaszastra napisany w archaicznej, trudnej do odczytania formie, któremu na przestrzeni wieków towarzyszyło wiele komentarzy.

W drugiej połowie XIX wieku w Indiach rodzi się nowa dramaturgia i nowy teatr dramatyczny. Pierwsze próby stworzenia nowego dramatu podjęli bengalscy dramatopisarze Dinobondhu Mitro, Modhuschudon Dotto, Ramcharinou Tarkorotn. Ich prace wyróżniała głębia społeczna i orientacja antybrytyjska. W tym samym czasie grupy teatralne pojawiały się w innych województwach kraju. Powstanie dramatu hindi wiąże się z nazwiskiem Bharatendu Harishchandra, którego twórczość łączyła tradycje dramaturgii narodowej i zachodnioeuropejskiej.

Idee walki narodowowyzwoleńczej, żądanie niepodległości znajdują odzwierciedlenie w twórczości S. Govindasa ( Ścieżka Służby, Dlaczego cierpienie itd.). W latach czterdziestych życie teatralne kraju stało się znacznie bardziej aktywne. Powstaje Stowarzyszenie Teatrów Ludowych Indii, którego działalność wywarła znaczący wpływ na rozwój kultury teatralnej w kraju. Po uzyskaniu niepodległości w 1947 roku w Indiach stworzono warunki do rozwoju zarówno tradycyjnych form sztuki teatralnej, jak i teatru dramatycznego. Powołano Indyjską Akademię Muzyki i Dramatu, która prowadzi prace naukowe w dziedzinie sztuki teatralnej. Teatry Indii wystawiały najlepsze dzieła dramatu światowego, m.in. Szekspira, Ibsena, Moliera, Turgieniewa, Gorkiego, Czechowa.