Obrazy Gustava Klimta. Audytorium starego Burgtheater w Wiedniu

(Kliknij, aby powiększyć)

Złota Adela

Fryz Beethovena (szczegół: wrogie siły)

Portret Sonyi Knips

Trzy wieki kobiety

Portret Margaret Stonborough-Wittgenstein

Portret Johanny Staude

Portret kobiety

Chatka

Pole kwiatowe

Beethoven Fryz, Wandgem

Pallas Atena

Pallas Atena

Węże Wodne I

Ruch wody

Węże wodne II

Teatr w Taorminie

Ogród ze słonecznikami we wsi

Złota Rybka

Judyta z głową Holofernesa

Życie i śmierć

Portret Adele Bloch-Bauer

Portret baronowej Elżbiety Bachoffen-Eckt

Portret Emilii Floge

Portret Eugenii Primaversi

Portret Fryderyki Marii

Portret Marii Munch

Złota Rybka

Adam i Ewa

Oczekiwanie

Drzewo życia

Słoneczniki w wiejskim ogrodzie

Pole maków

Gaj Brzozowy

Gaj Bukowy

Chłopski dom z brzozami

Kwitnące pole kukurydzy

Zamek Malcesine nad jeziorem Garda

Zamek Kammer na Attersee

Wielka topola, czyli zbliżająca się burza

Staw w parku zamku Kammer

Kościół w Kassonie

Droga w parku zamkowym Kammer

Dom Guardaboskich

Dom chłopski w Górnej Austrii

Chronologia życia Gustava Klimta

• 1862, 14 lipca w Baumgarten pod Wiedniem urodził się Gustav Klimt. Był drugim z siedmiorga dzieci rytownika Ernsta Klimta i jego żony Anny z domu Finster.
• 1876 ​​Gustav Klimt rozpoczyna naukę w Wyższej Szkole Sztuki i Przemysłu w Wiedniu, gdzie studiował do 1883 pod kierunkiem Ferdinanda Laufbergera i Juliusa Victora Bergera.
• 1877 młodszy brat Klimta, Ernst, również zostaje uczniem Szkoły Artystyczno-Przemysłowej. Współpracują, malują portrety ze zdjęć i sprzedają je za 6 guldenów.
• 1879, Gustav i Ernst Klimt wraz ze swoim przyjacielem Franzem Matchem wykonali prace dekoracyjne mające na celu udekorowanie dziedzińca Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
• 1880, Trzej młodzi mężczyźni otrzymują duże zamówienia: czterech alegoryczne obrazy na sufit Pałacu Sturani w Wiedniu; sufit pawilonu wód mineralnych w Carlsbadzie (Czechy).
• 1885, Dekoracja wnętrz, na podstawie rysunków Hansa Makarta, przedstawiająca Pałac Hermes, ulubioną wiejską rezydencję cesarzowej Elżbiety.
• 1886, Podczas pracy w Burgtheater styl Klimta rozwija się w nowym kierunku, wyraźnie odmiennym od stylu jego towarzyszy. Klimt odchodzi od akademizmu; każdy z trzech artystów działa niezależnie od siebie.
• 1888 Klimt otrzymuje z rąk cesarza Franciszka Józefa I Złoty Order Zasługi za zasługi dla sztuki.
• 1890, Malowanie schodów w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu. Klimt otrzymuje Nagrodę Cesarską (400 guldenów) za Salę Malarską Starego Burgtheater w Wiedniu.
• 1892, ojciec Klimta, a także sam artysta umiera na udar. Śmierć brata Klimta Ernsta.
• 1893, Ministerstwo Kultury odmawia zatwierdzenia nominacji Klimta na stanowisko profesora Akademii Sztuk Pięknych.
• 1894 Klimt i Matsch otrzymują zlecenie na wykonanie malowideł na ściany i sufit Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego.
• 1895 Klimt otrzymuje pierwszą nagrodę w Antwerpii za dekorację teatru w Totis (Węgry).
• 1897, Oficjalne powstanie: Klimt jest założycielem secesji i wybranym na prezydenta. Lato spędza ze swoją towarzyszką Emilią Flöge w rejonie Kammer nad jeziorem Attersee: pierwsze krajobrazy.
• 1898, Kompozycja na pierwszą wystawę secesyjną; Secesja założyła czasopismo Ver Sacrum.
• 1900, Obraz „Filozofia”, odrzucony na wystawie Secesja przez 87 profesorów, otrzymuje złoty medal na Targi Światowe w Paryżu.
• 1901, Ciąg dalszy skandalu na wystawie Secesja: obraz Klimta „Medycyna” staje się przedmiotem dyskusji w Ministerstwie Oświaty.
• 1902, Spotkanie z Augustem Rodinem, który podziwiał Fryz Beethovena.
• 1903, Wycieczka do Wenecji, Rawenny i Florencji. Początek „złotego okresu”. Obrazy namalowane dla Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego, mimo protestu Klimta, zostają przeniesione do Galerii Austriackiej. Retrospektywa twórczości Klimta w budynku wystawowym Secesji.
• 1904 Klimt rysuje szkice do mozaik ściennych Pałacu Stocleta w Brukseli, wykonanych w Szkole Sztuki i Rzemiosła w Wiedniu.
• 1905 Klimt kupuje od Ministerstwa obrazy napisane dla Uniwersytetu Wiedeńskiego. On i jego przyjaciele opuszczają Secesję.
• 1907, Klimt spotyka młodego Egona Schiele. Picasso maluje Les Demoiselles d'Avignon.
• 1908, na wystawie eksponowanych jest 16 obrazów. Galeria Narodowa Sztuka współczesna w Rzymie nabywa Trzy Wieki Kobiety, Galerię Austriacką w Wiedniu – „Pocałunek”.
• 1909, Rozpoczęcie prac nad Fryzem Stocleta. Wycieczka do Paryża, gdzie Klimt z wielkim zainteresowaniem odkrywa twórczość Toulouse-Lautreca i Fowizm. Na wystawie reprezentowani są Van Gogh, Munch, Toorop, Gauguin, Bonnard i Matisse.
• 1911 „Śmierć i życie” zdobywa pierwszą nagrodę na Wystawie Powszechnej w Rzymie. Klimt odwiedza Rzym, Florencję, Brukselę, Londyn i Madryt.
• 1912 Klimt zastępuje tło „Śmierci i życia” niebieskim (na wzór Matisse’a).
• 1914, Krytyka twórczości Klimta przez ekspresjonistów.
• 1915, śmierć matki Klimta. Paleta artysty staje się ciemniejsza, a jego pejzaże stają się bardziej monochromatyczne.
• 1916 Klimt wraz z Egonem Schielem, Kokoschką i Feistauerem bierze udział w wystawie Związku Artystów Austriackich zorganizowanej przez Secesję Berlińską. Śmierć cesarza Franciszka Józefa I, dwa lata przed upadkiem imperium i śmiercią samego Klimta.
• 1917, rozpoczynają się prace nad Panną młodą oraz Adamem i Ewą. Klimt został wybrany członkiem honorowym Akademii Sztuk Pięknych w Wiedniu i Monachium.
• 1918, 6 lutego, po udarze mózgu, Klimt umiera, pozostawiając wiele obrazów niedokończonych. Koniec Cesarstwa; założenie na terytorium dawne imperium Republika Austrii i sześć innych republik. Śmierć Egona Schiele, Otto Wagnera, Ferdinanda Hodlera, Kolomana Mosera…

Przy tworzeniu chronologii wykorzystano materiały z książki „Klimt” Gillesa Nereta (wydawnictwo Tachen / Art-spring, 2000)

Biografia Klimta

Gustav Klimt (14 lipca 1862 - 6 lutego 1918) był austriackim artystą symbolistą i jednym z najwybitniejszych członków secesji wiedeńskiej. Klimt słynie z obrazów, fresków, szkiców i innych dzieł sztuki. Głównym tematem Klimta było kobiece ciało, a jego twórczość cechuje jawny erotyzm. Oprócz dzieł figuratywnych, do których zaliczają się alegorie i portrety, malował pejzaże. Spośród artystów secesji wiedeńskiej największy wpływ na sztukę japońską i jej metody wywarł Klimt.

Na początku swojej kariery artystycznej był odnoszącym sukcesy malarzem dekoracji architektonicznych w sposób konwencjonalny. W miarę rozwoju bardziej osobistego stylu twórczość Klimta stała się przedmiotem kontrowersji, których kulminacją było to, że obraz, który namalował około 1900 roku na suficie wielkiej sali Uniwersytetu Wiedeńskiego, został skrytykowany jako pornograficzny. Później nie przyjmował już żadnych zamówień publicznych, ale odniósł sukces dzięki obrazom ze „złotego okresu”, z których wiele zawierało złoto płatkowe. Twórczość Klimta wywarła znaczący wpływ na młodego współczesnego mu Egona Schiele.

Życie i sztuka

Wczesne życie i edukacja

Gustav Klimt urodził się w Baumgarten pod Wiedniem w Austro-Węgrzech jako drugie z siedmiorga dzieci, trzech chłopców i czterech dziewcząt. Jego matka, Anna Klimt (z domu Finster), miała niespełnione ambicje zostania muzykiem. Jego ojciec, Ernst Klimt senior, pochodzący kiedyś z Czech, był złotnikiem. Z wczesne dzieciństwo wszyscy trzej synowie, Gustav, Ernst i Georg, wykazali talent artystyczny.

Uczęszczając do Wiedeńskiej Szkoły Sztuki i Rzemiosła (Kunstgewerbeschule), gdzie do 1883 roku studiował malarstwo architektoniczne, Klimt żył w biedzie. Darzył głębokim szacunkiem Hansa Makarta, najwybitniejszego malarza w historii Wiednia tamtych czasów. Klimt chętnie przyjął zasady nauczania konserwatywnego; jego wczesne prace można zaliczyć do akademickich. W 1877 roku do tej szkoły wstąpił także jego brat Ernst, który podobnie jak ojciec został rytownikiem. Obaj bracia i ich przyjaciel Franz Much rozpoczęli współpracę i do 1880 roku otrzymali liczne zamówienia jako grupa zwana „Kompanią Artystów”. Pomagali także swojemu nauczycielowi przy malowaniu fresków ściennych w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu. Klimt rozpoczął karierę zawodową od malowania fresków na ścianach i sufitach dużych budynków użyteczności publicznej przy Ringstrasse, wśród których znalazł się udany cykl „Godła i Alegorie”.

W 1888 roku Klimt otrzymał od cesarza Franciszka Józefa I Austrii Złoty Order za wkład w freski w Burgtheater w Wiedniu. Został także członkiem honorowym uniwersytetów w Monachium i Wiedniu. W 1892 roku zmarł ojciec i brat Klimta, Ernst, a on musiał wziąć na siebie odpowiedzialność finansową za rodzinę.

Tragedia wpłynęła także na jego wizję artystyczną i wkrótce zaczął zmierzać w kierunku nowego osobistego stylu. Cechą charakterystyczną jego stylu końca XIX w. była Nuda Veritas (Naga Prawda) jako postać symboliczna w niektórych jego dziełach, m.in.: Starożytna Grecja i Egipt (1891), Pallas Atena (1898) i Nuda Veritas (1899). ). Historycy uważają, że Klimt poprzez nuda veritas potępił politykę Habsburgów i społeczeństwa austriackiego, które ignorowało wszelkie problemy polityczne i społeczne tamtych czasów. Na początku lat 90. XIX w. Klimt poznał Emilię Louise Flöge, która pomimo związków artysty z innymi kobietami została jego towarzyszką na całe życie. Uważa się, że na jego obrazie „Pocałunek” (1907–1908) są przedstawieni jako kochankowie. Narysował wiele ubrań, które zaprojektowała i wymodelowała.

W tym okresie Klimt został ojcem co najmniej czternaściorga dzieci.

Lata secesji wiedeńskiej

W 1897 Klimt został jednym z założycieli i szefem Wiener Sezession (Secesja Wiedeńska) oraz grupy periodycznej Ver Sacrum („Święta Wiosna”). Pozostał w secesji do 1908 roku. Celem grupy było: organizowanie wystaw niekonwencjonalnych młodych artystów, sprowadzenie do Wiednia prac najlepszych artystów zagranicznych oraz wydawanie własnego magazynu prezentującego twórczość członków. Grupa nie ogłosiła żadnego manifestu i nie opowiadała się za żadnym konkretnym stylem – przyrodnicy, realiści i symboliści istnieli razem. Rząd wspierał ich działalność i dzierżawił im grunty państwowe pod budowę hali wystawienniczej. Symbolem grupy była Pallas Atena - grecka bogini sprawiedliwość, mądrość i sztuka, którą Klimt namalował w swojej radykalnej wersji w 1898 roku.

W 1894 roku Klimt otrzymał zlecenie na wykonanie trzech obrazów do dekoracji sufitu w Sali Wielkiej Uniwersytetu Wiedeńskiego. Jego trzy obrazy, ukończone dopiero na przełomie XIX i XX wieku, Filozofia, Medycyna i Prawoznawstwo, były krytykowane za radykalne tematy i tematykę i nazwano je „pornograficznymi”. Klimt przekształcił tradycyjną alegorię i symbolikę w nowy język, który był bardziej jawnie seksualny i przez to dla niektórych bardziej zaskakujący. Protest społeczny nadeszły ze wszystkich stron – politycznych, estetycznych i religijnych. W rezultacie obrazy nie były eksponowane na suficie Wielkiej Sali. Zgodnie z oczekiwaniami było to ostatnie publiczne zamówienie przyjęte przez artystę.

Wszystkie trzy obrazy zostały zniszczone przez wycofujące się oddziały SS w maju 1945 roku.

Jego zdjęcie Nuda Veritas(1899) określił swoją próbę dalszego „wstrząsania” istniejącym porządkiem. Całkowicie naga kobieta o rudych włosach trzyma Zwierciadło Prawdy, a nad nią cytat z Friedricha Schillera w stylizowanym napisie: „Wasze czyny i wasza sztuka nie mogą podobać się wszystkim: róbcie to, co uważacie za słuszne, dla dobra nielicznych. Bycie lubianym przez zbyt wielu ludzi jest złe.”

W 1902 roku Klimt ukończył Fryz Beethovena na czternastą wystawę Secesji Wiedeńskiej, która została zorganizowana dla uczczenia kompozytora i wystawienia monumentalnej polichromowanej rzeźby autorstwa Maxa Klingera. Przeznaczony wyłącznie do celów wystawowych fryz został namalowany bezpośrednio na ścianach przy użyciu lekkich materiałów. Po wystawie obraz zakonserwowano, ale wystawiono go ponownie dopiero w 1986 roku. Twarz na portrecie Beethovena przypominała kompozytora i dyrygenta wiedeńskiego Opera Państwowa Gustav Mahler, z którym Klimt utrzymywał pełne szacunku stosunki.

W tym okresie Klimt nie ograniczał się do zamówień publicznych. Od końca lat 90. XIX wieku spędzał coroczne wakacje z rodziną Flöge nad brzegiem jeziora Attersee i malował wiele jego pejzaży. Pejzaże te reprezentują jedyny gatunek poza malarstwem figuratywnym, który poważnie zainteresował Klimta. W uznaniu jego głębokości miejscowi nazwali go Waldschrat („Leśny Demon”).

Obrazy Klimta Attersee są wystarczającej ilości i jakości, co zasługuje na szczególną pochwałę. Formalnie pejzaże charakteryzują się tym samym wyrafinowaniem kompozycyjnym i wyrazistym rysunkiem, co partie figuralne. Głębia przestrzeni w pracach Attersee została tak inteligentnie zrównana w jednej płaszczyźnie, że przypuszcza się, że Klimt namalował je za pomocą teleskopu.

Złoty okres i krytyczny sukces

„Złoty okres” Klimta spotkał się z pozytywną reakcją krytyków i sukces finansowy. Wiele jego obrazów z tego okresu zawiera płatki złota. Klimt posługiwał się złotem już wcześniej w Pallas Athene (1898) i Judith I (1901), ale dziełami najczęściej kojarzonymi z tym okresem są Portret Adele Bloch-Bauer I (1907) i Pocałunek (1907-1908).

Klimt niewiele podróżował, ale wycieczki do Wenecji i Rawenny, słynących z pięknych mozaik, najprawdopodobniej zainspirowały jego technikę złota i bizantyjskie obrazy. W 1904 roku współpracował z innymi artystami przy tworzeniu okazałego Pałacu Stoclet, domu bogatego belgijskiego przemysłowca, który jest jednym z najwspanialsze pomniki era nowożytna. Wkłady Klimta w jadalnię, w tym „Intoksykacja” i „Oczekiwanie”, należały do ​​jego najlepszych dzieł dekoracyjnych i, jak stwierdził publicznie: „...prawdopodobnie ostatni etap mojego rozwoju zdobnictwa”.

W 1905 roku Klimt namalował portret Margaret Wittgenstein, siostry Ludwiga Wittgensteina, z okazji jej ślubu. Następnie, w latach 1907–1909, Klimt namalował pięć płócien przedstawiających kobiety z towarzystwa owinięte w futra.

Ponieważ Klimt pracował i odpoczywał w swoim domu, zwykle nosił sandały i długą szatę bez bielizny. Jego proste życie było nieco samotne, poświęcone sztuce, rodzinie i niczym innym poza secesją. Unikał bohemy i rzadko wiązał się z innymi artystami. Sława Klimta zwykle przyciągała klientów do jego drzwi, a on mógł sobie pozwolić na dość selektywność. Jego metoda malowania była czasami bardzo przemyślana i skrupulatna, wymagała od modeli siedzenia przez długi czas.

Klimt niewiele napisał o swojej wizji i metodach. Pisał głównie pocztówki dla Flöge, nie prowadził pamiętnika. W rzadkich tekstach zatytułowanych „Komentarz do nieistniejącego autoportretu” napisał: „Nigdy nie namalowałem autoportretu. Mniej interesuje mnie sobą jako obiektem malarstwa niż innymi ludźmi, zwłaszcza kobietami... Nie ma we mnie nic szczególnego. Jestem artystą, który maluje codziennie od rana do wieczora... Jeśli ktoś chce się czegoś o mnie dowiedzieć... powinien przyjrzeć się bliżej moim obrazom.

W 1901 roku Hermann Bahr w swoim „Przemówieniu o Klimcie” napisał: „Tak jak tylko kochanek może powiedzieć człowiekowi sens życia i ujawnić jego wewnętrzne znaczenie, tak i ja mam takie same odczucia wobec tych obrazów”.

Ostatnie lata życia i pośmiertny sukces

W 1911 roku jego obraz „Śmierć i życie” otrzymał pierwszą nagrodę na Wystawie Światowej w Rzymie. W 1915 roku zmarła jego matka Anna. Klimt zmarł trzy lata później w Wiedniu, 6 lutego 1918 roku, na udar i zapalenie płuc wywołane tegoroczną epidemią grypy. Został pochowany na cmentarzu Hitzingera w Wiedniu. Wiele jego obrazów pozostało niedokończonych.

Obrazy Klimta przyniosły ze sobą jedne z najwyższych cen odnotowanych za poszczególne dzieła sztuki. W listopadzie 2003 roku Landhaus am Attersee Klimta został sprzedany za 29 128 000 dolarów, ale cena ta wkrótce została przyćmiona ceną zapłaconą za inny z jego obrazów.

W 2006 roku portret Adele Bloch-Bauer I(1907) został zakupiony przez Ronalda Laudera dla nowojorskiej New Gallery za 135 milionów dolarów, przewyższając cenę obrazu Picassa z 1905 Boy with a Trumpet (sprzedanego 5 maja 2004 za 104 miliony dolarów), która została uznana za najwyższą cenę w historii – lub zapłaconą malowanie.

7 sierpnia 2006 Dom Aukcyjny Christie's ogłosiło, że wyprzedaje pozostałe cztery dzieła Klimta, które Maria Altman i jej współspadkobiercy zwrócili po długiej batalii prawnej z Austrią. „Portret Adele Bloch-Bauer II” został sprzedany na aukcji w listopadzie 2006 roku za 88 milionów dolarów, co stanowi trzecią najwyższą cenę za dzieło sztuki na aukcji w tamtym czasie. Obraz „Jabłoń I”(ok. 1912) sprzedany za 33 miliony dolarów, „Gaj Bukowy”(1903) sprzedano za 40,3 mln dolarów, a obraz „Domy w Unterach nad jeziorem Utter” (1916) za 31 mln dolarów. W sumie pięć zwróconych obrazów przyniosło ponad 327 mln dolarów. W listopadzie 2011 r. niepozorny obraz Attersee przyniósł na aukcji Sotheby's 40,4 miliona dolarów.

W 2012 roku w Wiedniu (Austria) odbyło się wiele wystaw specjalnych z okazji 150. rocznicy urodzin Klimta. Google również uczciło tę rocznicę za pomocą doodla Google.

Biografia Gustava Klimta

Urodził się 14 lipca 1862 roku na przedmieściach Wiednia Baumgarten w rodzinie artysty-rytownika i jubilera E. Klimta. Studiował u ojca, a w latach 1875-1883 w szkole rzemieślniczej przy Austriackim Muzeum Sztuki i Przemysłu w Wiedniu. Początkowo doświadczony duży wpływ twórczość G. Makarta z jego pompatycznym neobarokowym historyzmem. Po ukończeniu studiów współpracował z bratem Ernstem i artystą F. Matchem, dekorując malowidłami dekoracyjnymi teatry prowincji austro-węgierskiej (w Reichenbergu, Fiume i Carlsbadzie - Karlowych Warach). Od 1885 roku projektowali także budynki wiedeńskie (wśród tych dzieł wyróżnia się malowniczy wystrój Burgtheater i Kunsthistorisches Museum - żywe przykłady wspaniałego „stylu Ringstrasse”, jak zwykle nazywa się wiedeński historyzm przełomu wieków). Wraz ze śmiercią brata Ernsta (1892) zespół się rozpadł. Coraz bardziej wciągnięty w elementy nowoczesności, a co za tym idzie w opozycję do tradycji akademickiej, Klimt stał się w 1897 roku jednym z założycieli wiedeńskiej secesji (niem. Sezession – „odejście”, „separacja”), niezależnej od Akademii Arts i jej pierwszym prezesem. Grały utworzone z jego inicjatywy Warsztaty Wiedeńskie (1903). ważna rola w stylistycznej aktualizacji austriackiego wzornictwa. Dla secesyjnego budynku wystawowego (architekci J. Hoffmann i J. Olbrich, 1897) Klimt stworzył Fryz Beethovena (1901–1902), ucieleśniający tematykę IX Symfonii. Kolejnym kamieniem milowym dzieła dekoracyjnego jest cykl alegorycznych paneli, tzw. „Obrazy wydziałowe” dla Uniwersytetu Wiedeńskiego (1900–1903; w różnych zbiorach zachowały się jedynie fragmenty cyklu), wywołały skandal i zostały odrzucone przez klientów: damy Klimta, symbolizujące filozofię i inne dyscypliny, wydawały się zbyt urocze i niepasujące do siebie z duchem ścisłej nauki. Jako malarz sztalugowy Klimt przeszedł do historii przede wszystkim dzięki niezwykle wyrazistym portretom kobiet ( E. Flöge, 1902, Muzeum Historyczne, Wiedeń; A. Blocha-Bauera, 1907, Galeria XIX i XX wieku, Wiedeń) oraz obrazy symboliczne, bogate w dramatyczną, „fatalną” erotyzm ( Judyta I, 1901, Galeria Austriacka w Belwederze, Wiedeń; Pocałunek, 1907–1908, tamże; Salome, 1909, Międzynarodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Wenecja; Danae, 1910, Galeria Welz, Salzburg). Ten „dionizyjski” dramat wzbogacał najpierw złotymi tłami, potem dużymi wzorami kolorystycznymi, z których migoczącego elementu – jakby z elementu podłogi – zdawały się rodzić topniejące postacie. Był także mistrzem ozdobnych i kolorowych pejzaży ( Park, 1910, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku). Jego ostatnim większym monumentalnym dziełem był projekt Pałacu Stocleta w Brukseli (1911). Po opuszczeniu Secesji w 1906 roku założył nowy Związek Artystów Austriackich, wspierając na swoich wystawach artystów nowatorskich, zwłaszcza O. Kokoschkę i E. Schielego. Dopiero w 1917 roku zyskał pełne oficjalne uznanie, zostając profesorem honorowym akademii w Wiedniu i Monachium. Klimt zmarł w Wiedniu 6 lutego 1918 r.

G. Klimt „Dziewczyny”

Jeden z najbardziej znani malarze przeszłości jest Gustav Klimt, którego obrazy cieszą się dziś dużym zainteresowaniem. Niestety jego dzieł nie jest zbyt wiele, a wszystkie od dawna znalazły swoje miejsce w najlepszych kolekcjach świata. Kiedy jednak zdarza się cud i jego obrazy trafiają na aukcję, ich wartość jest bajeczna.

Gustav Klimt, jako prawdziwy artysta, całe życie szukał i znajdował inspiracje w kobiecym pięknie. Ale jako prawdziwy koneser nie pozostawał długo z żadną pięknością, dlatego żadnemu z nich nie udało się dostąpić zaszczytu miana muzy Klimta.

Gustav Klimt urodził się na przedmieściach Wiednia, Baumgarten, w rodzinie rytownika i jubilera Ernesta Klimta, jako drugie z siedmiorga dzieci - trzech chłopców i czterech dziewcząt. Ojciec Klimta pochodził z Czech i był złotnikiem, a jego matka, Anna Klimt z domu Finster, próbowała zostać muzykiem, ale bez powodzenia. Bardzo Klimt spędził dzieciństwo w biedzie, ponieważ sytuacja gospodarcza w kraju była trudna, a jego rodzice nie mieli stałej pracy. Wszyscy trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami.

Początkowo Gustav uczył się rysować od ojca, a następnie od 1876 roku w Wiedeńskiej Szkole Sztuki i Rzemiosła przy Austriackim Muzeum Sztuki i Przemysłu (nauczyciele Karl Grachovina, Ludwig Minnigerode, Michael Rieser), do której zapisał się także jego brat Ernst w roku 1877. Gustav Klimt studiował tam do 1883 roku i specjalizował się w malarstwie architektonicznym.

W Szkole Sztuki i Przemysłu, gdzie Klimt i jego bracia studiowali na stypendiach, zauważyli obiecującego ucznia. Dzięki lekcjom ojca Gustav trafił do szkoły jako znakomity rysownik i utalentowany projektant, nie pozwolił sobie jednak na żadne ustępstwa. Studiował poważnie, pilnie i z namysłem, imponując nauczycielom nie tylko swoimi sukcesami, ale także fanatyczną chęcią zrozumienia jak najwięcej. Mówiono, że przekupił służącego Hansa Makarta, najlepszego wiedeńskiego malarza tamtych lat, aby potajemnie wszedł do warsztatu swojego idola i zapoznał się z technikami jego pracy na niedokończonych płótnach. Jednak ani wtedy, ani później zamiłowanie do sztuki wysokiej nie przeszkodziło Klimtowi pozostać pragmatykiem - już w szkole nauczył się nieźle zarabiać, rysując portrety ze zdjęć.

Jego wzorem w tym okresie był artysta gatunek historyczny Hansa Makarta. W przeciwieństwie do wielu innych młodych artystów Klimt zgadzał się z zasadami konserwatywnej edukacji akademickiej.

Ernsta i Gustava Klimtów poczynił zauważalne postępy przed ukończeniem 20. roku życia. W 1879 roku połączyli siły ze swoim przyjacielem ze Szkoły Artystycznej Franzem Matschem i rozpoczęli wspólną pracę, szybko zyskując sławę. W 1880 roku „trio” zostało zaproszone do pomalowania pawilonu wody mineralnej w Karlowych Warach (obecnie miasto Karlowe Wary w Czechach).

Wczesne prace artysty utrzymane były w stylu naturalistycznym. Jednak Klimt szybko wypracowuje swój własny styl, który odróżnia go od innych artystów.

Trzy lata później młodzi artyści otworzyli własną pracownię w Wiedniu, gdzie przez kilka lat realizowali zamówienia z prowincjonalnych miast austro-węgierskich. Ale wraz z rozwojem samego Wiednia pojawiła się potrzeba artystycznego projektowania nowych budynków. Dlatego w 1886 r Klimts i Match wzięli udział w kreowaniu wnętrza nowego gmachu Teatru Narodowego, przedstawiając sceny z historii teatru na tympanonie frontonu i lampach sufitowych głównych klatek schodowych.

The Globe Theatre w Londynie – Gustav Klimt

W 1885 r. pracowali nad dekoracją Kunsthistorisches Museum, rozpoczętą przez słynnego artystę Hansa Makarta (1840-1884). Doświadczenie to, oprócz satysfakcji psychologicznej, przyniosło im także spore pieniądze, które zainwestowali w rozbudowę swojego warsztatu.

W 1888 r. Klimt otrzymał od cesarza Franciszka Józefa nagrodę „Złotego Krzyża” za zasługi dla sztuki. Został także członkiem honorowym uniwersytetów w Monachium i Wiedniu.

W 1891 roku bracia Klimt poznali siostry Flöge – Polinę, Helenę i Emilię. Córki stolarza Hermanna Flöge pracowały jako krawcowe, a później, gdy ich ojciec się wzbogacił, został pierwszym w całym imperium producentem fajek z pianki morskiej, przeniosły się w dziedzinę mody - najstarsza, Polina, kierowała „haute couture „w szkole młodsze siostry prowadziły dom mody, salon mody i fabrykę tekstyliów”. Powtórzmy, było to dopiero później, więc Ernst Klimt zakochał się w Helenie Flöge zupełnie bezinteresownie. Ale jeśli ich spotkania zakończyły się szybkim ślubem, dziwny związek Gustava z Emilią trwał do końca życia - nadal nie jest jasne, jak daleko zaszli. Najwyraźniej na samym początku znajomości połączyła ich straszna tragedia - w 1892 roku Klimtowie stracili ojca, a trzy miesiące później młody i obiecujący Ernst zupełnie niespodziewanie zmarł na zapalenie osierdzia. Gustav, który zawsze był dobry dla swojej rodziny, mocno przeżył ten podwójny cios, popadł w długotrwałą depresję i prawie porzucił twórczość. Jednak Flöge regularnie odwiedzał ten dom, odwiedzając swoją roczną siostrzenicę i wspierając moralnie młodą wdowę Helenę. Osiemnastoletnia Emilia jako pierwsza domyśliła się, że szczere współczucie nie zaszkodzi...

W końcu Klimtowi udało się przywrócić mu spokój ducha, ale wiele w nim zmieniło się nieodwracalnie. Oficjalne malarstwo akademickie, w którym osiągnął wszystkie możliwe wyżyny, już dawno go znudziło. Umocniła się trudna sytuacja życiowa indywidualny styl artysta, ostatecznie go kształtując. Klimt zaczyna malować swoje pierwsze pejzaże podczas podróży z Emilią do Kammer. Ekspresjonizm w twórczości artysty aktywnie rozwijał się w latach 90.

Od początku lat 90. XIX wieku Klimt co roku spędzał wakacje z rodziną Flöge nad jeziorem Attersee i malował tam wiele pejzaży. Gatunek pejzażowy był jedynym niefiguratywnym obrazem, który zainteresował Klimta. Pejzaże Klimta są podobne stylistycznie do przedstawień postaci i zawierają te same elementy konstrukcyjne. Krajobrazy Attersee są tak skutecznie osadzone w płaszczyźnie płótna, że ​​czasami zakłada się, że Klimt oglądał je przez teleskop.

W obrazach przedstawiających postacie alegoryczne, wykonanych przez Klimta w latach 1890-1891 na sklepieniach wielkiej klatki schodowej Kunsthistorisches Museum w Wiedniu, po raz pierwszy pojawiają się cechy, które stały się fundamentalne w jego twórczości – wyraźna sylwetka i zamiłowanie do zdobnictwa. Po 1898 roku twórczość Klimta nabrała bardziej dekoracyjnego, symbolicznego wymiaru.

Zyskał już reputację znanego artysty, gdy na początku lat 90. jego styl uległ zmianie i nabrał wyraźnego wydźwięku symbolistycznego. Rozpowszechnienie się w Europie stylu secesyjnego, zwanego Jugendstil, jak go nazywano w Austrii, nie tylko dotknęło Klimta, ale okazało się najważniejszym czynnikiem w jego rozwoju jako artysty.

Zamiłowanie do symboliki, wyrażane w Anglii w twórczości późnych prerafaelitów, w grafice O. Beardsleya, we Francji w twórczości G. More’a, przypadło do gustu Klimtowi, którego twórczość wykazuje wiele podobieństw do dzieła tych artystów.

Rok 1894 stał się rokiem przełomowym w jego twórczej biografii Gustava Klimta. To właśnie wtedy on i jego kolega Match zostali poproszeni o namalowanie Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego. Ale z powodu nieporozumień artyści musieli zająć się osobnymi obrazami i to wkrótce Mecz i całkowicie opuścili wspólny warsztat. Co spowodowało konflikt? Rzecz w tym, że Franz Match pozostał wierny staremu, tradycyjnemu malarstwu, Klimta Aktywnie poszukiwałem nowych podejść. Doprowadziło to do tego, że w 1897 roku wraz ze swoimi podobnie myślącymi ludźmi założył i przewodził rewolucyjnej Secesji Wiedeńskiej, grupie artystów dysydentów.

Dzięki jego determinacji i odwadze, Gustava Klimta z artysty wykonującego prowincjonalne zamówienia stał się przywódcą austriackiej awangardy. Alegoryczne obrazy „Filozofia”, „Medycyna” i „Orzecznictwo”, zwane „wydziałem”, zostały ukończone do 1900 roku. Byli ostro krytykowani za poruszaną tematykę, którą nazywano „pornograficzną”.

Zakładano, że artysta w tradycyjny sposób przedstawi triumf nauki nad powszechnym chaosem, lecz Klimt zdecydował inaczej: „Filozofia” w swoich szkicach wprowadzała ludzi w alegoryczną mgłę, „Medycyna” obojętnie odwracała się od tłumu umierania, a „Orzecznictwo” w osobie trzech furii bezlitośnie zaatakowało ludzką ofiarę. A wszystko to doprawione sporą dozą nieskrywanego erotyzmu.

Gustav Klimt „Obrazy dla uniwersytetu” (Filozofia – Medycyna – Orzecznictwo)

W 1900 r. na wystawie Secesja Gustava Klimta wreszcie przedstawił „Filozofię” – swoją pierwszą pracę w ramach projektu Uniwersytetu Wiedeńskiego. W odpowiedzi 87 profesorów uniwersyteckich zwróciło się do Ministerstwa Edukacji z pismem, w którym stawiają zarzuty Klimtaże „wyraża niejasne myśli przy użyciu niejasnych form” i żądali odebrania mu nakazu. Ciekawe, że w tym samym roku 1900 „Filozofia” została nagrodzona złotym medalem na Wystawie Światowej w Paryżu.

Klimt przekształcił tradycyjne alegorie i symbole w nowy język, kładąc większy nacisk na erotyzm, a przez to bardziej irytujący dla konserwatywnych widzów. Niezadowolenie wyraziły wszystkie środowiska – polityczne, estetyczne i religijne. W rezultacie obrazy nie były eksponowane w głównym gmachu uczelni. Było to ostatnie publiczne zlecenie, jakie artysta zgodził się wykonać. Następnie obrazy zakupił filantrop August Lederer. W latach trzydziestych władze hitlerowskie znacjonalizowały kolekcję dzieł Klimta Lederera. Pod koniec wojny prace te przeniesiono do Pałacu Immerhof, jednak w 1945 roku na te tereny wkroczyły wojska alianckie, a wycofujące się oddziały SS podpaliły zamek. Obrazy zaginęły. Jedyne, co jest dziś dostępne, to rozproszone wstępne szkice, czarno-białe fotografie trzech obrazów kiepskiej jakości i jednego fotografia kolorowa Higeja z medycyny. Błyszczące złote i czerwone kolory dają wyobrażenie o tym, jak potężne były te trzy zaginione dzieła sztuki.

Około pięciuset lat p.n.e. rzymscy plebejusze, urażeni aroganckimi patrycjuszami, opuścili miasto i odmówili powrotu do czasu uchwalenia sprawiedliwych praw zrównujących prawa wszystkich obywateli. Za pierwszym razem nie udało im się to zbyt dobrze, ale rebelianci w końcu osiągnęli swój cel: demokracja, choć częściowo, zatriumfowała, a sam wynik przeszedł do historii jako „secessio plebis” – „oddzielenie plebejuszy”.

Gustav Klimt, założyciel i wieloletni przywódca „Secesji Wiedeńskiej” – słynnego ruchu artystów zbuntowanych – pomimo tego, że urodził się na obrzeżach cesarskiego Wiednia, był także z urodzenia typowym plebejuszem.

Następnie Gustava Klimta nigdy więcej nie zajmował się zamówieniami rządowymi, woląc tworzyć małoformatowe obrazy alegoryczne do kolekcji prywatnych. A były to głównie portrety, dobrze znane wielu wielbicielom jego twórczości.

A bezwstydne piękności z obrazów Klimta nadal skutecznie drażniły konserwatywną opinię publiczną. Na swojej wystawie słynny kolekcjoner hrabia Łaskoroński, trzymając się za głowę, biegał od obrazu do obrazu, krzycząc: „Co za horror!” I była to nadal dość nieszkodliwa reakcja, ale w rzeczywistości zaproponowano Klimtowi proces, wydalenie z kraju, a nawet kastrację. Odpowiedzi secesjonistów były znacznie bardziej twórcze. Ideolog „Secesji” Herman Bahr opublikował prowokacyjną książkę „Przeciw Klimtowi”, w której zebrał najgłupsze i najbardziej zaciekłe ataki – czytelnik musiał się upewnić, że Klimta karcą tylko idioci. A sam Klimt nazwał swoje kolejne płótno „Do moich krytyków” - cały pierwszy plan obrazu zajmował luksusowy kobiecy tyłek...

I nagle, w środku masakry, Klimt zrobił to ponownie ostry zakręt- opuścił stanowisko szefa „Secesji”, założył własny Związek Artystów Austriackich i zmienił swój styl twórczy, otwierając swój słynny „Złoty Okres”. Zainspirowany starożytnymi mozaikami bizantyjskimi, przypomniał sobie umiejętności jubilerskie, które nabył w młodości i zaczął uzupełniać swoje obrazy wspaniałymi złoconymi ozdobami. Teraz na portretach malował już tylko twarze i dłonie – otoczone fantastyczną dekoracją zastępującą ubrania i tła, przypominały ikony w złotych ramach. A główną świątynią tego panteonu była „Złota Adele” – portret młodej piękności Adele Bloch-Bauer – obecnie najdroższy obraz na świecie.

Mało prawdopodobne, aby ktokolwiek był w stanie policzyć choćby w przybliżeniu liczbę historii związanych z tajemniczymi wydarzeniami towarzyszącymi obrazowi Klimta „Portret Adele Bloch-Bauer” i to nie tylko dlatego, że postacie bezpośrednio związani z tym arcydziełem przenieśli się już do innego świata, a obraz niczym żywa istota nadal swoim niezwykłym losem pobudza wyobraźnię...

Tylko umysł żydowski może wymyślić karę dla sprawcy, wybierając w tym celu tego samego wroga, który wyrządził mu krzywdę. Umysł, w którym dojrzewał plan zemsty, należał do przedsiębiorcy Ferdynanda Blocha-Bauera, a „sprawcą” był Gustav Klimt, który nie mógł się oprzeć urokom uroczej żony bogacza, Adele. O tej powieści od dawna dyskutowano w stolicy, ale nie mogło być mowy o rozwodzie, a tym bardziej o banalnej karze fizycznej dla kochanków. Relacja artysty z Adele powinna zakończyć się naturalnie, jednak Bloch-Bauer zdecydował, że musi przyspieszyć sprawę, a jednocześnie skorzystać z tej nieprzyjemnej historii, bo jego nazwisko znajdzie się w tytule obrazu.

Klimt stale potrzebował nowych relacji z kobietami, bez tego „narkotyku” mógłby nie tylko tworzyć, ale po prostu istnieć, dlatego zamawiając portret swojej żony, przemysłowiec liczył na nieuniknione nasycenie kochanków sobą, co nastąpi podczas pracując na płótnie. Wysokość kontraktu na dzieło zaskoczyła artystę i przez cztery lata pracował nad dziełem, wykonując wcześniej około stu szkiców.

Pracując nad portretem Klimt wykorzystał cały arsenał twórczy charakterystyczny dla „złotego okresu” swojego malarstwa: twarz i dłonie, namalowane w sposób realistyczny, połączone są z abstrakcyjnymi dekoracjami; Szata i tło Adele ozdobione są egzotycznymi symbolami, a atmosfera ma subtelny, korzenny „aromat”.

Wszystkie „punkty” planu nakreślonego przez klienta zostały zrealizowane, choć może bez jego „genialnego” pomysłu: zdrowie żony pogarszało się, dużo paliła, czasem nie wstawała przez cały dzień z łóżka, a praca była często przerywana . Wszyscy byli zadowoleni z wyniku wysiłków Klimta.

W 1938 roku, gdy artysta i jego fatalny model, który przyczynił się do utrwalenia ich imion i nazwiska Bloch-Bauer, już nie żyli, uciekający przed nazistami starszy Ferdynand opuścił „Złotą Adele” rodzinę swojego brata i osiedlił się w Szwajcarii. Maria Altman (przed ślubem – Bloch-Bauer), siostrzenica Adele, na jakiś czas stała się właścicielką ogromnej rodzinnej biżuterii, m.in. słynny portret, ale potem oddała wszystkie skarby, aby ocalić męża. Hitler, choć nakazał nie dotykać dzieła Klimta, nie mógł przyjąć obrazu do swojej kolekcji ze względu na obfitość „żydowskich korzeni” związanych z jego pochodzeniem. Portret pojawił się po zakończeniu wojny, a jego stan był idealny, co jest zasługą Aloisa Kunsta, który niegdyś pielęgnował czułe uczucia Marii Bloch-Bauer, w latach wojny współpracował z Gestapo. Obraz zajął miejsce w Muzeum Belwederskim w Wiedniu, a Kunst nadal przechowywał dzieło, ale już w charakterze oficjalnym, zostając dyrektorem muzeum.

Maria Altman, która osiedliła się z mężem w Anglii, a następnie w USA, nigdy nie dowiedziałaby się o losach portretu swojej ciotki, ale dziennikarzowi Hubertusowi Cherninowi udało się dowiedzieć, że istnieje testament Ferdynanda Blocha-Bauera, według którego „Złota Adele”, a wraz z nią i innymi kosztownościami musi należeć do rodziny, w tym przypadku do Marii.

Dla Austrii, która uważała obraz za relikt narodowy, przyszedł czas na niepokojące wydarzenia, które zmusiły ludzi, a także wszystkie instytucje rządowe, do zjednoczenia się wokół chęci pozostawienia obrazu w jakikolwiek sposób w kraju. Cena pięciu dzieł, w tym tego arcydzieła, wzrosła ze 155 milionów dolarów do 300 milionów, co okazało się dla Austrii nieosiągalne.

Pożegnanie „Złotej Adeli” można porównać do wydarzenia o charakterze narodowym, które bez przymusu zgromadziło tysiące ludzi pragnących pożegnać się ze skarbem narodowym.

W USA specjalnie zbudowano budynek dla „Portretu Adele Bloch-Bauer”, który nazywa się „Muzeum Sztuki Austriackiej i Niemieckiej”; Został zbudowany przez Ronalda Laudera, właściciela słynnego giganta perfum Estee Lauder, który kupił portret od Marii Altman za 135 milionów dolarów. Siostrzenica Adele dożyła 94 lat i zmarła spokojnie w 2011 roku.

Dla dziennikarza Czernina, zubożałego potomka hrabiego, który wierzył, że dzięki usługom Marii Altman będzie mógł żyć w wielkim stylu, los miał dla niego bardziej prozaiczny finał: minęły zaledwie cztery miesiące od rozstania się Austrii z Arcydzieła Klimta i według urzędnika Według policji dziennikarz zmarł na zawał serca.

Najprawdopodobniej Ferdynand Bloch-Bauer coś wiedział, gdy zażądał od Klimta dzieła, które przetrwa wieki.

„Złoty okres” twórczości Klimta naznaczony był pozytywnym odzewem krytyków i był dla Klimta najbardziej udany. Nazwa okresu pochodzi od złoceń stosowanych w wielu pracach artysty, począwszy od „ Pałac Ateny" () I " Judyta„()), ale jego najsłynniejszym dziełem z tego okresu jest „ Pocałunek„(-). Złote tło i symbolika, bliska bizantyjskiej, nawiązują do mozaik Wenecji i Rawenny, które Klimt widział podczas swojej podróży do Włoch. W tym samym czasie zainteresował się sztuką zdobniczą w stylu Art Nouveau. W 1904 roku on i grupa artystów otrzymali zlecenie na udekorowanie Pałacu Stocleta, który należał do belgijskiego przemysłowca i stał się jednym z najsłynniejszych zabytków secesji. Klimt jest właścicielem detali dekoracji jadalni, które sam uważał za jedno ze swoich najlepszych dzieł zdobniczych. W latach do 1909 Klimt wykonał pięć portretów kobiet ubranych w futra.

Judyta to postać kobieca, wdowa, która uratowała przed wrogami całą swoją żydowską rodzinę. Asyryjczycy oblegli jej rodzinne miasto, wdowa musiała się przebrać i udać się do obozu przeklętego wroga. Była bardzo atrakcyjną dziewczyną i wrogi dowódca nie mógł zignorować jej wdzięków.

W swoich komnatach pocieszał się swoim pięknym ciałem i pił wino. Gdy mężczyzna zasnął, dziewica odcięła mu głowę i dumnie przyniosła ją do stóp swego ludu. Ta historia zainspirowała wielu artystów wszechczasów. Gustav Klimt nie był wyjątkiem. Przedstawił swój wizerunek kobiety odważnej i zdesperowanej.

W jego rozumieniu Judith jest femme fatale. Przedstawił ją wychodzącą z namiotu wroga. Dziewczyna nie miała czasu się uporządkować i nawet nie zapięła rąbka szaty. Jej piersi lekko wystają spod sukienki. Głowa w dłoni nie jest od razu zauważalna. Autorka starała się pokazać swój dumny i nieco arogancki wygląd. W tej bitwie stała się prawdziwym zwycięzcą i nie miało żadnego znaczenia, że ​​wróg był pijany i spał. Bohaterka nadal pozostaje osobą kruchą, kobiecą, gotową walczyć do końca.

Artysta namalował obraz w 1901 roku. Do tego portretu pozowała żona słynnego bankiera w Wenecji. Praca trwała kilka lat, a potem powstał nowy związek z cudzą żoną. W rezultacie świat ujrzał sprzeczny obraz. Z jednej strony jest to kobieta, która stała się wybawicielką. Myślała o zwycięstwie ludu i dlatego oddała swoje uroki Holofernesowi. Wielu ją potępia, bo była to w dużej mierze zemsta i wybuch gniewu na całą męską populację.

Wszyscy wiedzą, że młoda dziewczyna była nieszczęśliwa w swoim małżeństwie, nawet nie płakała, gdy dowiedziała się o śmierci męża. Autor wykorzystuje słoneczne barwy jako symbol zwycięstwa i nowego okresu w życiu Żydów. Ale oczy bohaterki są praktycznie zamknięte, nie wiadomo, czy cieszy się z tej egzekucji, czy też żałuje popełnionego morderstwa.

Biografowie twierdzą, że dzieje się tak właśnie za sprawą jego zamiłowania do minimalizmu w wielkości swoich dzieł Gustava Klimta otrzymał największe w swoim życiu zamówienie - zlecenie udekorowania nowego domu belgijskiego przemysłowca Adolphe'a Stocleta, zwanego Stoclet Frieze.

Do najsłynniejszych dzieł Klimta należy fryz wykonany przez niego w jadalni Pałacu Stoclet w Brukseli, zbudowany przez J. Hofmanna. Sam Pałac Stokletów jest typowym dziełem secesji w architekturze, a fryz Klimta nawiązuje do stylu budowli. Klimt był pod wielkim wrażeniem mozaik bizantyjskich, co jest szczególnie widoczne w dekoracji tego pałacu. Właściwie mozaikowość wpisana była także w jego styl malarski – komponował w swoich obrazach całe płaszczyzny z pojedynczych kawałków koloru, wszelkiego rodzaju loków i fragmentów zdobniczych. We fryzie Pałacu Stocletów pracuje bezpośrednio w technice mozaiki: pstrokatej kompozycji złożonej z kolorowej emalii, szkła, ceramiki, metalu, częściowo złoconego, kości słoniowej i macicy perłowej.

Zastosowanie w tym fryzie drogich, egzotycznych materiałów również jest w stylu secesji. Na tle fryzu znajdują się drzewa o stylizowanych, spiralnie zakręconych gałęziach, z liśćmi i ptakami. We fryzie znajdują się także wizerunki postaci ludzkich – „Oczekiwanie” w postaci postaci kobiecej, której suknię zdobi ozdoba w postaci loków i trójkątów z wizerunkiem oka. Twarz jest tak podobna do japońskiej, że można by pomyśleć, że została skopiowana z ryciny popularnego wówczas Hiroige. Pozostałe dwie postacie łączą się w uścisku, nawiązując kompozycją do motywu wielokrotnie powtarzanego na obrazach Klimta.

Gustav Klimt – przywódca awangardy wiedeńskiej przełomu wieków, aktywny uczestnik społeczność innowacyjnych artystów „Secesja”. Najlepszymi dziełami Klimta są jego późniejsze portrety z płaskimi, niezacienionymi powierzchniami, przezroczystymi, mozaikowymi kolorami i kształtami oraz krętymi, ozdobnymi liniami i wzorami. Obrazy Klimta łączą dwie przeciwstawne siły; z jednej strony to pragnienie absolutna wolność w przedstawieniu przedmiotów, co prowadzi do gry formami zdobniczymi. Dzieła te mają bowiem charakter symboliczny i należy je rozpatrywać w kontekście symboliki jako wyrazu nieosiągalnego świata ponad czasem i rzeczywistością. Z drugiej strony jest to siła percepcji natury, której wpływ łagodzi przepych zdobnictwa w jego obrazach.

Gustav Klimt tworzył obrazy, które w swojej koncepcji artystycznej były bliskie obiektom sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Same wrażenia rzeczywistości służyły jedynie jako powód obrazu, ale nie jako jego treść. Figury i przedmioty stylizowano w duchu secesji. Tło Klimta było zawsze płaskie, utkane w drobne wzory. Kontrastem z tym tłem były iluzoryczne, trójwymiarowo interpretowane fragmenty obrazu – najczęściej twarz.

Klimt przedstawiał postacie jako wydłużone, często odwołujące się do wyspiarskiej, wyrazistej sylwetki z profilu. Inscenizacja postaci Klimta ma charakter czysto konwencjonalny, posągowy; jeśli przedstawia dwie osoby, to najczęściej jest to przedmiot uścisku lub pocałunku, jeśli w kompozycji jest kilka postaci, wszystkie łączą się w jedną grupę, a wokół nich rozprzestrzenia się to samo konwencjonalne tło ozdobne.

Modele przedstawiane przez Klimta charakteryzują się zawsze zwiększoną emocjonalnością: są nerwowi, spięci, zmysłowi, agresywni. Taki był jego indywidualny ton postrzegania rzeczywistości. Ujawniło się to w pracach przygotowawczych Klimta – jego rysunkach. O ile za życia artysty jego rysunki były mało znane i nie przywiązywano do nich większego znaczenia, w ostatnich latach dziedzictwo graficzne Klimta cieszy się dużym zainteresowaniem publiczności i kolekcjonerów. W Europie z sukcesem odbyło się kilka wystaw poświęconych wyłącznie rysunkom Klimta.

W 1909 roku Klimt kontynuował wątek Judyty, nie biorąc pod uwagę negatywnej reakcji społeczeństwa na jego poprzednie dzieła, dalekie od tematów opisanych w Biblii. Tradycyjne wyobrażenia o cnocie ponownie ustąpiły miejsca własnemu poglądowi na świat, „przesiąkniętemu” zmysłowym erotyzmem.

W obrazie „Judyta II” malarzowi udało się stworzyć obraz pokazujący, jak potężna jest siła siły wewnętrzne może kryć się w „słabej” kobiecej naturze. W tym okresie życia i twórczości Klimta, w jego związku miłosnym z Adele Bloch-Bauer, pewnie jeszcze tliła się jakaś iskra, bo inaczej skąd wzięłaby się ta straszna, a zarazem urzekająca moc złej energii, bijącej jak fontanna? z płótna, skąd?

Klimt nie zareagował specjalnie na zamieszanie wokół swojej pierwszej Judyty, które uraziło wrażliwość zarówno żydowskiej mieszczaństwa, jak i chrześcijan, tym razem jednak nie zdecydował się na umieszczenie na ramie napisu wskazującego tytuł obrazu, wiedząc już, że dzieło mówiłoby samo za siebie („Judyta i Holofernes” została przedstawiona w miedzianej ramce, na której wygrawerowano jej tytuł).

Lud uznał, że tą femme fatale, która przyciąga wzrok, ale odpycha duszę, może być jedynie Salome, której taniec musi być poświęcony Erosowi, ukazanej w intrygującym duecie ze Śmiercią; widz musiał czekać na „rozwiązanie”, przeżywając bolesne napięcie. W wielu katalogach dzieło figurowało pod nazwiskiem biblijnej tancerki, która swoim „piekielnym” tańcem zabiła Jana Chrzciciela, jednak fakt, że Klimt stworzył postać kobiecą, mogącą ucieleśniać najbardziej okrutne fantazje, nazywając ją imieniem pobożna Judith, ponownie wywołała ostro negatywną reakcję krytyków.

Artysta nigdy nie udzielał wyjaśnień na temat szczegółów swoich dzieł, nie było zatem wiadomo, co według zamysłu autora mogą mieć ze sobą wspólnego dwa tak sprzeczne obrazy.

Jeśli w obrazach Klimta i malowidłach ściennych można odnaleźć wiele „cytatów* z twórczości innych artystów, uderzający jest eklektyzm początków jego stylu, pompatyczna i przesadna stylizacja języka artystycznego, to w rysunkach, na których artysta płynnie utrwalał wrażenia? natury i planów na przyszłe obrazy, ujawnia się jego wgląd. umiejętność ukazania istoty, charakteru modela i stworzenia wyrazistego obrazu artystycznego za pomocą lakonicznych środków.

Spontaniczność i szczerość Klimta jako kreślarza wyjaśniają historykowi, dlaczego tak się stało osobowość artystyczna miał tak ogromny wpływ w Wiedniu na przełomie wieków. Klimt był artystą bardzo utalentowanym, jednak za cel swojej twórczości uważał nie ukazywanie indywidualnego spojrzenia na świat, ale stworzenie pewnego stylu wspólnego dla sztuk pięknych i zdobniczych. Dlatego zapożyczał i sam tworzył pewne „klisze” obrazów i ozdób, które stale wykorzystywał w swoich pracach i które upodabniają je do siebie. Starał się nadać swoim dziełom głęboki wydźwięk filozoficzny i psychologiczny. Niejasność obrazów i skojarzeń uosabianych przez Klimta. zdaje się przypominać konstrukty psychoanalityczne jego współczesnego, wiedeńskiego lekarza Zygmunta Freuda.

Niejasność symboliki, jaką posługiwał się artysta, podkreślona dwuznaczność w odczytaniu wszystkich jego utworów, sprawiły, że nie poddawały się one jednemu, ściśle ustalonemu dekodowaniu, ale mogły być interpretowane przez każdego w zależności od jego doświadczenia artystycznego. Stąd może istnieć wiele interpretacji jego kompozycji „Nadzieja”, powstałej w 1903 roku i przedstawiającej młodą, nagą kobietę z otwartym łonem, w którym leży dziecko. Za nią szkielet i kilka potworów, co przypomina o tym, że kontynuacja życia ludzkiego przechodzi pod znakiem śmierci.

Klimt prowadził dość proste życie, pracował własny dom, cały swój czas poświęcił malarstwu (w tym ruchowi secesyjnemu) i rodzinie, nie utrzymywał przyjaznych stosunków z innymi artystami. Był na tyle sławny, że otrzymał wiele prywatnych zamówień i miał możliwość wyboru spośród nich tego, co go interesowało. Podobnie jak Rodin, Klimt posługiwał się mitologią i alegorią, aby ukryć swoją głęboko erotyczną naturę, a jego rysunki często zdradzają czysto seksualne zainteresowanie kobietami. Z reguły jego modelki zgadzały się pozować w dowolnej pozycji, nieważne jak erotycznej; wiele z nich było prostytutkami.

Klimt niewiele pisał o swojej wizji sztuki i swoich metodach. Nie prowadził pamiętnika, wysyłał pocztówki do Flöge. W eseju „Komentarz do nieistniejącego autoportretu” stwierdza: „Autoportretów nigdy nie malowałem. Dużo mniej interesuję się sobą jako obiektem obrazu niż innymi ludźmi, zwłaszcza kobietami... Nie ma we mnie nic szczególnego. Jestem artystą, który maluje dzień po dniu, od rana do wieczora... Każdy, kto chce się czegoś o mnie dowiedzieć... powinien uważnie przyjrzeć się moim obrazom.

Gustav Klimt nigdy się nie ożenił, ale miał liczne romanse. Przypisuje się mu posiadanie od trzech do czterdziestu nieślubnych dzieci. Na przykład austriacki reżyser i operator Gustav Uczycki twierdził, że jest synem Klimta.

Według biografów w jego najdłuższym i najbliższym związku z kobietą seks mógł być całkowicie nieobecny.

Klimt swoimi technikami „zarządzania” zaskakująco przypominał innego znanego wówczas mieszkańca Wiednia – Zygmunta Freuda, który również zbił fortunę na kaprysach bogatych kobiet. Swoją drogą, na tym podobieństwa się nie kończą. Erotyzm przenikający niemal każdy obraz Klimta znakomicie współbrzmi z wszechobecnym freudowskim libido, a symboliczna walka żywiołów świata – kolejny motyw przewodni jego twórczości – jest tradycyjnie interpretowana poprzez freudowską konfrontację Erosa i Thanatosa. Chociaż nadal nie wiadomo, co wydarzyło się wcześniej, ponieważ Freud rozwinął tę część swojej teorii po śmierci Klimta.

Czy Klimt konsultował się z Freudem, to oczywiście ciekawe pytanie. Oczywiście Gustav ze swoją słabo skrywaną erotomanią był prawdziwym dobrodziejstwem dla psychoanalityków, ale jest mało prawdopodobne, aby on sam uważał swoją słabość za chorobę wymagającą leczenia. Wręcz przeciwnie, chętnie flirtował z młodymi pięknościami, a gdy pozwalały mu dochody, urządzał w swoim warsztacie prawdziwy seraj. Kiedy przy płótnie pracowała właścicielka w sandałach i starożytnej greckiej chlamys na nagim ciele, trzy lub cztery nagie piękne modelki zwykle spacerowały po okolicy, leżały i siedziały, zajadając się owocami - niewyczerpanym źródłem inspiracji. Od czasu do czasu krzyczał do jednego z nich: „Zamroź!” i naszkicował pozę, która mu zaimponowała – po Klimcie pozostało kilka tysięcy takich szkiców, nie licząc tych, które spalił, uznając je za niepotrzebne.

Nie trzeba dodawać, że świeżo upieczony sułtan nie ograniczył się do platonicznej kontemplacji dziewiczej urody, a jego modelki regularnie rodziły dzieci. Plotka przypisywała Klimtowi półtora tuzina nieślubnych dzieci, które, nawiasem mówiąc, chętnie uznawał za swoje i dawał pieniądze na ich utrzymanie. Gustav szczególnie wyróżnił niejaką Mizzi, Marię Zimmerman, która urodziła mu syna i córkę – patronował jej przez całe życie, pomagając nie tylko pieniędzmi, ale także dobrymi radami, niegdyś odradzając jej uwodzicielską, ale niebezpieczną karierę artysta.

Była córką producenta rur Hermanna Flöge (1837-1897) i najpierw kształciła się jako krawcowa. Później została projektantką mody i od 1904 roku wraz z siostrą Heleną była właścicielką salonu haute couture Flöge Sisters w Wiedniu.

Książka Elizabeth Hickey „Malowany pocałunek” jest poświęcona życiu Emilii. Malowany pocałunek) (nawiązanie do obrazu Klimta „Pocałunek”) (Wikipedia)

W 1904 roku trzy siostry Flöge założyły dom mody i stały się czołowymi wiedeńskimi projektantami mody. Dostosowując paryską modę do lokalnych gustów i tworząc własne projekty, siostry ubierały najbardziej eleganckie – i zamożne – kobiety w Austrii. Klimt przyczynił się do powstania modeli Flöge i pomógł udekorować salę pokazową.

Stopniowo Emilia i Gustav stali się nierozłączni – przynajmniej w biznesie. Wielu biografów i ekspertów wątpi, czy mieli romans. Emilia była dumna ze swojej nowoczesności, w życie osobiste nikt nie był jej szefem, a Klimt zdawał się traktować ją jak równą osobę.

Jednak Klimt namalował tylko kilka portretów Emilii. Na szczególną uwagę zasługuje obraz z 1902 roku. Oddając hołd ulubionemu zajęciu kobiety (była współwłaścicielką domu mody Flöge Sisters i utalentowaną projektantką mody), artysta ubrał ją w strój ze skomplikowanym ozdobnym wzorem w swoim „podpisowym” stylu. Jednak ważniejsza w tym obrazie Gustava Klimta jest staranność, z jaką pomalowana jest twarz i dłonie Emilii. Naukowcy uważają, że tak drobne szczegóły wskazują, że dokładnie znał tę twarz i dłonie.

Biografowie wciąż nie są zgodni co do tego, jaki rodzaj relacji połączył Klimta i Flöge. Niektórzy twierdzą, że była jego stałą kochanką, której nigdy nie udało mu się poślubić. Inni są pewni, że ich związek był czysto platoniczny, dlatego Emilia nie urodziła artysty dziecka. Tak czy inaczej, związek Klimta i Flöge trwał 27 lat, a według naocznych świadków ostatnimi słowami artysty po udarze, który go dosięgnął, była prośba o posłanie po Emilię.

Po co upokarzać godną kobietę fikcyjną intymnością maniak seksualny kto zdradzał ją prawie codziennie? Tylko na tej podstawie, że ktoś widział twarz Emilii w słynnym „Pocałunku” Klimta? To więc tylko jedna z hipotez, bohaterka „Pocałunku” niezbyt przypomina wiarygodne portrety Emilii. Ale gdyby Klimt chciał sportretować Emilię, zrobiłby to bez trudu – z fotograficzną precyzją… Poza tym w „Pocałunku” biorą udział dwie osoby, a tym człowiekiem musi być oczywiście sam Klimt. Ale artysta oficjalnie oświadczył w druku, że jego autoportrety nie istnieją, ponieważ nie uważa się ani za odpowiedni materiał do twórczości, ani za wystarczająco interesujący obiekt dla widza.

Opis obrazu Gustava Klimta „Portret Adele Bloch-Bauer II”

„...Strasznie czuła i ospała... Twarz duchowa... Zarozumiała i elegancka” – ten fragment wypowiedzi Marii Altman, siostrzenicy Adele Bloch-Bauer, która z podziwem i miłością wspominała swoją słynną ciotkę z podziwem i miłością nadaje się jako epigraf do czwartego i ostatniego dzieła Klimta, na którym uwieczniona jest jedna z jego osobliwych „muz”.

„Portret Adele Bloch-Bauer II” mistrz namalował w 1912 roku, pięć lat po stworzeniu „Złotej Adele”. Uroda bohaterki nie blaknie przez lata, jej ciemne włosy i jasne, zmysłowe usta nadal przyciągają uwagę; kontrast z bladym odcieniem płótna nadaje im umiarkowaną dawkę świeżości. Spojrzenie jest równie pewne siebie, chociaż dodaje się do niego subtelny smutek. „Podpisowy” ornament Klimta wygląda harmonijnie. Mistrz nie stworzył perspektywicznej głębi, decydując się pozostać na płaszczyźnie. Sukienka Adele jest również przedstawiona w zwykłej dwuwymiarowej płaszczyźnie, dotyczy to również wnętrza podzielonego na dwie części: czerwoną i zieloną.

Znaczna część elementów obrazu wykonana jest w uproszczonej formie, a wizerunek dłoni wygląda nawet schematycznie, ale całą uwagę widza przyciąga twarz, która należy do rozpieszczonej kobiety, ale tak tajemniczej i „głębokiej .”

Adele stoi na ogrodowej ścieżce, jej poza przypomina nieco obraz ikonograficzny. Mąż Ferdynand, najwyraźniej usatysfakcjonowany realizacją swojego „jezuickiego” planu, wedle którego Klimt powinien wzbudzić niechęć do swojej wzorowej kochanki, nie jest już przeciwny pojawianiu się żony w ogrodzie malarza. W Wiedniu krążyło wiele złych plotek mówiących o tym ogrodzie, w którym można było spotkać nagie panie z różnych klas. Plotka głosiła także, że Klimt malował z rozebranych modeli, a „ubierał” je w ozdobne stroje dopiero pod koniec pracy. Najprawdopodobniej w tym okresie relacji malarza z Adele ich związek był już daleki od burzliwej pasji, jaką nasycone były poprzednie obrazy.

Utwór, podobnie jak jego pierwsza wersja, opuścił Austrię w 2006 roku i obecnie znajduje się w USA.

Nie, nie należy szukać „prawdy i prawdy” w biografii Klimta. wieczna miłość" On, jak nikt inny, umiał przedstawiać kobiety jako niewypowiedzianie pożądane, ale to wcale nie znaczy, że przynajmniej raz w życiu nawiedziło go irracjonalne poczucie zakochania. Absolutny pragmatysta w pracy i życiu codziennym, Klimt w żadnym wypadku nie należał do osób pochłoniętych namiętnościami. Ponadto przez całe życie dążył do całkowitej wolności i być może świadomie unikał wszelkich długotrwałych przywiązań i głębokich zainteresowań - zadowalał się łatwo dostępnymi modelami i frywolnymi fanami.

Jedyną kobietą, która przez całe życie cieszyła się niezachwianym oddaniem i miłością Gustava, była jego matka, Anna Klimt. Marzyła o profesjonalnym muzykowaniu i podróżowaniu po świecie z koncertami, jednak nie było to przeznaczone do spełnienia. Nie wiadomo, co dokładnie było przyczyną: albo brak talentu, albo małżeństwo i narodziny siedmiorga dzieci. Tak czy inaczej, Anna postanowiła całkowicie poświęcić swoje życie swojemu słynnemu synowi. Nie spotykała się z nim i nie próbowała przypisywać sobie części zasług Klimta, ale po prostu żyła spokojnie i niezauważona w domu syna, dbając tylko o to, aby zawsze miał gorący lunch i czyste ubranie. Sam artysta przyjmował to za oczywistość, choć nie miał specjalnych zachcianek. Pochłonięty pracą często zapominał o jedzeniu i od wszelkich innych ubrań wolał tradycyjną niebieską bluzkę artystyczną. Przez te wszystkie lata żyła spokojnie i niezauważona obok swojego słynnego syna, przygotowując mu śniadania, przygotowując go do nieczęstych wyjazdów i udając, że nic nie wie o zwyczajach jego warsztatu. Prawie całe moje życie Gustava Klimta spędził w Wiedniu, mieszkając z matką. Pomimo silnej budowy ciała i zamiłowania do sportu, coraz częściej dopadały go stany depresyjne i od 1912 r. Klimta zmuszeni co roku chodzić do wody. Śmierć matki w 1915 roku zszokowała Klimta bardziej niż wszystkie okropności wojny światowej.

6 lutego Gustav Klimt zmarł w Wiedniu na zapalenie płuc, po wcześniejszym udarze mózgu. Został pochowany na cmentarzu Hietzing w Wiedniu. Wiele obrazów pozostało niedokończonych.

Ogólnie rzecz biorąc, w pierwszych latach naszego stulecia Klimt wielokrotnie wchodził w konflikt z publicznością, która nie akceptowała jego dzieł. W 1903 roku zorganizowała się secesja wystawa osobista Klimta, ale potem artysta zrywa ze skojarzeniem, co wskazuje na jego nieporozumienia z kolegami.

Niemniej jednak, choć Klimt nie był artystą gładkim i nie zawsze był rozumiany przez współczesnych, wywarł ogromny wpływ na rozwój sztuki austriackiej na początku XX wieku. Klimt jako pierwszy wprowadził pojęcie wielkiego stylu do malarstwa austriackiego.

Pod koniec życia w 1917 roku Klimt zdobył pełne oficjalne uznanie, zostając honorowym profesorem akademii w Wiedniu i Monachium.

Jego wysoce indywidualny styl rysowania stał się podstawą poszukiwań młodszych artystów, przyszłych przedstawicieli ekspresjonizmu – Oskara Kokoschki i Egona Schielego.

O szerokim uznaniu twórczości artysty świadczy fakt, że za jego życia jego prace kupowali nie tylko prywatni kolekcjonerzy, ale także duże galerie państwowe. I tak w 1908 roku Galeria Sztuki Nowoczesnej w Rzymie kupiła jego dzieło „Trzy wieki kobiety”, a Austriacka Galeria Państwowa kupiła jego dzieło „Pocałunek”. To prawda, że ​​​​wcześniej udało mu się pokłócić z uczestnikami secesji i opuścił tę organizację. 6 lutego 1918 roku artysta zmarł u szczytu sławy, co jest rzadkością w historii malarstwa.

Dzieła Klimta sprzedawały się z trwałym sukcesem nawet po śmierci autora, a ich cena stale rosła. Podczas II wojny światowej naziści kupowali obrazy artysty za bezcen od prywatnych właścicieli, wśród których wielu było Żydami. Ratując życie, kolekcjonerzy nie wahali się rozstać ze swoim dobytkiem. W połowie XX wieku ikoniczne obrazy Austriaka zadomowiły się w galeriach państwowych. Na aukcjach przeważały rysunki.

Na początku lat 70. pejzaż Klimta można było kupić za 400-600 tys. dolarów. W 1978 r. nowojorski handlarz Serge Sabarsky kupił dzieło mistrza „Park” za 500 tys. dolarów. Portrety, które sporadycznie pojawiały się na rynku, wyceniano wówczas na nawet do 1 milion dolarów Dziesięć lat później ceny podobnych prac wzrosły prawie czterokrotnie. Na przykład w 1987 roku mieszkanka Kanady, pani Primavesi, sprzedała w Sotheby’s wspaniały portret własnej matki autorstwa Gustava Klimta – „Portret Eugenii (Mada) Primavesi”. Warto zauważyć, że płótno należało do najsłynniejszego tzw. Złotego okresu mistrza. Japoński handlarz dziełami sztuki Shigeki Kameyama kupił go za jedyne 3,85 miliona dolarów, ale w 1994 roku w Sotheby's praca z tego samego okresu „Dama z wachlarzem” została sprzedana za 11,5 miliona dolarów. W 1997 roku obraz „Zamek izb nad jeziorem” Attersee II” został sprzedany na aukcji w Christie's za 23,5 miliona dolarów. Sprzedawca, który dziesięć lat wcześniej kupił ten obraz w Sotheby's za 5,3 miliona dolarów, zarobił 18,2 miliona dolarów. W 2003 roku „Country House in Attersee” został sprzedany Sotheby's za 29,128 miliona dolarów. Tylko trzy lata później ceny dzieł Klimta na tym samym poziomie i w tym samym okresie ponownie wzrosły. Po skandalu prawnym (o czym poniżej) „Domy w Unterach koło Attersee” zostaną sprzedane w Christie’s za 31,4 mln dolarów. Na aukcjach sprzedawano nie tylko gotowe płótna i szkice ołówkiem, ale nawet akwarelowe pocztówki namalowane przez samego Klimta. I tak w październiku 1999 r. W Sotheby's nieznany nabywca kupił zestaw 24 pocztówek za 481,4 tys. dolarów.

Rok 2003 był dla światowego rynku sztuki rokiem sensacyjnym. Po wielu opóźnieniach amerykański sąd uwzględnił wniosek obywatelki USA Marii Altman przeciwko Republice Austrii. 76-letnia powódka zażądała wydania jej pięciu obrazów Gustava Klimta przechowywanych w Galerii Austriackiej mieszczącej się w wiedeńskim Belwederze. Pani Altmann, spadkobierczyni zmarłego austriackiego przemysłowca Blocha-Bauera, argumentowała, że ​​obrazy zostały nielegalnie odebrane jej przodkowi przez nazistów i z ich rąk trafiły do ​​galerii. Podstawą roszczenia była nowa wersja austriackiej ustawy restytucyjnej, która weszła w życie kilka lat wcześniej. Możliwe, że starszej pani doradzili to profesjonaliści. „Jest prawdopodobne, że nie była to tylko jej osobista decyzja. Przyznaję, że Marii Altman doradzały, aby w sprawie obrazów przystąpiła do sporu sądowego od osób, które chciały na tym nieźle zarobić – mówi właścicielka galerii Bosco. Rzeczywiście, na światowym rynku sztuki od wielu lat brakuje ikonicznych obrazów wielkich artystów. I prowokowanie restytucji próby- jeden z niewielu skutecznych sposobów uzupełnienia tego niedoboru. Tak czy inaczej wydarzenie zyskało bezprecedensowy rozgłos ze względu na fakt, że wśród kontrowersyjnych obrazów znalazła się perła nie tylko Galerii Austriackiej i twórczości Klimta, ale także całej sztuki współczesnej - obraz „Portret Adele Bloch-Bauer I ”, namalowany w 1907 roku. Austriacy nazywali ją swoją Mona Lisą.

Uwieczniona na płótnie Adele była młodą żoną starszego biznesmena i filantropa Blocha-Bauera, który przez wiele lat wspierał finansowo Klimta. To on kiedyś zamówił portret. Nawiasem mówiąc, Frau Bloch-Bauer również przeszła do historii jako jedyna modelka, z której Gustav Klimt dwukrotnie namalował portret.

Wydawało się, że oświadczenie Marii Altman ma bardzo niejasne perspektywy prawne. Zwłaszcza jeśli weźmiemy pod uwagę zaawansowany wiek powoda. Jednak najbardziej sensacyjna była decyzja sądu w 2006 roku na jej korzyść. W Austrii wybuchła panika. Członkowie rządu krzątali się w poszukiwaniu mecenasów chcących kupić od dziedziczki pięć obrazów, następnie bankierów chcących udzielić pożyczki na to przedsięwzięcie, aż w końcu podjęli nieudaną próbę emisji „obligacji Klimta” w celu zebrania wymaganej kwoty. Tymczasem nowy właściciel podnosił cenę towaru: 100 milionów dolarów, 150 milionów dolarów, 200 milionów dolarów... Gdy staruszka zażądała za obrazy 300 milionów dolarów, Austriacy poddali się. Zimą 2006 roku Kanclerz Federalny Austrii oficjalnie ogłosił zakończenie negocjacji i odmowę przez państwo prawa pierwszeństwa zakupu. I już latem tego samego roku wybuchła nowa sensacja: „Portret Adele Bloch-Bauer I” kupił filantrop Ronald Lauder, spadkobierca słynnej Estee Lauder, założyciela imperium kosmetycznego o tej samej nazwie, dla rekordową kwotę 135 milionów dolarów, co sprawiło, że obraz ten stał się wówczas najdroższym na świecie, bijąc rekord 104 milionów dolarów ustanowiony w 2004 roku w Sotheby’s za „Chłopca z fajką” Pabla Picassa. Niezbędnym warunkiem zakupu było wyrażenie przez Laudera zgody na wystawienie portretu w swojej nowojorskiej galerii Neue Galerie do publicznego wglądu. Transakcja została zawarta z pominięciem aukcjonerów, co pozwoliło biznesmenowi zaoszczędzić aż do 20% kosztów na prowizjach. Nawiasem mówiąc, wielu kolekcjonerów wybiera tę metodę uzupełniania kolekcji. Według Europejskiej Fundacji Sztuk Pięknych (TEFAF) w 2007 roku globalny rynek sztuki prywatnej był wart 30 miliardów dolarów.

Na uwagę zasługują także losy pozostałych czterech obrazów „belwederu”. Szum wokół pierwszego portretu Adele zrobił swoje: rozgrzana publiczność aukcyjna była gotowa rozstać się z milionami bez żalu. W 2006 roku cztery obrazy z Belwederu zostały sprzedane na aukcji w Christie’s za 192,6 dolara. Za „Portret Adele Bloch-Bauer II” udało im się zarobić 87,9 mln dolarów (szacunkowo: 40-60 mln dolarów). Za „Birch Forest” – 40,3 mln dolarów (szacunkowo – 20–30 mln), „Jabłoń I” za 33 mln dolarów (szacunkowo – 15–25 mln dolarów), a „Domy w Unterach koło Attersee”, jak już wspomniano, – za 31,4 mln dolarów (szacunek: 18–25 mln dolarów). Następnie pani Altman skromnie przyznała prasie, że jest usatysfakcjonowana wynikami transakcji. Edward Dolman, dyrektor wykonawczy Christie’s International, potwierdził: „2006 był rokiem fenomenalnym dla Christie’s”. W 2006 roku sprzedaż domów wzrosła o 36% w ujęciu pieniężnym. Wpływy ze sprzedaży samych impresjonistów i modernistów przekroczyły 1,2 miliarda dolarów. Historia sprzedaży „Złotej Adele” radykalnie wpłynęła na gwałtowny wzrost cen wszystkich wystawionych na sprzedaż dzieł Klimta. Co więcej, część ekspertów ocenia ten wpływ negatywnie. Dlatego amerykańska krytyczka sztuki Elżbieta Kujawski zauważa: „To sztuczny rynek stworzony przez jedną osobę. We wszystkich przypadkach niedawnej sprzedaży Klimta ceny jego dzieł były nieuzasadnione co najmniej dwukrotnie zawyżone. To przede wszystkim zasługa „Złotej Adele”. W odpowiedzi Lauder odpowiada półżartem, półpoważnie: „Nie miałem zamiaru w żaden sposób kształtować rynku. Po prostu zwyciężyła mnie pasja. Nikt na całym świecie nie pragnął jej („Złota Adele” – przyp. autora) tak bardzo jak ja.”

W 2006 roku na ekranach kin pojawił się hollywoodzki film „Klimt”. Obraz zaczyna się od umierającego w klinice artysty, granego przez Johna Malkovicha, mamroczącego: „Kwiaty, kwiaty...”. „Jakie kwiaty?” - wszyscy na oddziale rozglądają się zdezorientowani... Na konferencji prasowej dyrektor Raoul Ruiz został zapytany, czy jest to aluzja do symbolu całej tamtej epoki - „Kwiatów zła” Charlesa Baudelaire’a? W odpowiedzi Ruiz roześmiał się: „Kwiaty to te same komórki, których podział w jednym z odcinków pokazał artyście pod mikroskopem jego przyjaciel, lekarz, - komórki kiły, które zabiły Klimta”.

Odniesienie:

Styl secesyjny(z francuskiego moderne - modern, inna nazwa: art nouveau (francuska secesja, dosł. „nowa sztuka”), Art Nouveau (niemiecki Jugendstil - „młody styl”) - kierunek artystyczny w sztuce, najpopularniejszy w drugiej połowie XIX - początku XX wieku. Charakterystycznymi cechami stylu secesyjnego są odrzucenie linii prostych i kątów na rzecz bardziej naturalnych, „naturalnych” linii, zainteresowanie nowymi technologiami (na przykład architekturą) oraz rozkwit sztuki użytkowej.

Art Nouveau dążył do połączenia funkcji artystycznych i użytkowych powstających dzieł oraz włączenia w sferę piękna wszystkich sfer ludzkiej aktywności. W innych krajach nazywa się go także: „Tiffany” (od nazwiska L. K. Tiffany’ego) w USA, „Art Nouveau” i „fin de siècle” (dosł. „koniec stulecia”) we Francji, „Jugendstil” (a dokładniej , „Jugendstil” – niemiecki Jugendstil, od nazwy ilustrowanego magazynu Die Jugend założonego w 1896 r.) w Niemczech, „styl secesyjny” (Secessionsstil) w Austrii, „styl nowoczesny” (styl nowoczesny, dosł. ”) nowoczesny styl") w Anglii, "Liberty style" we Włoszech, "Modernismo" w Hiszpanii, "Nieuwe Kunst" w Holandii, "spruce style" (styl sapin) w Szwajcarii.

Jednym z najbardziej znanych malarzy przeszłości jest Gustav Klimt, którego obrazy są dziś bardzo poszukiwane. Niestety jego dzieł nie jest zbyt wiele, a wszystkie od dawna znalazły swoje miejsce w najlepszych kolekcjach świata. Kiedy jednak zdarza się cud i jego obrazy trafiają na aukcję, ich wartość jest bajeczna.

początek czasu

Nieopodal urodził się człowiek, którego imię jest znane każdemu intelektualiście dzisiaj Stolica Austrii w miejscowości Baumgarten. Drugim dzieckiem był Gustav, który urodził się 14 lipca 1862 roku. Jego ojciec był rytownikiem i jubilerem, dlatego wszystkim swoim licznym dzieciom dał pierwsze lekcje rzemiosła. Rodzina żyła słabo, ale w wieku czternastu lat młody talent wstąpił do szkoły artystycznej i rzemieślniczej. Tam Gustav Klimt, którego obrazy zadziwiają wszystkich bez wyjątku, studiował u takich luminarzy jak Ferdinand Laufberger i Julius Victor Berger. Kilka lat później do tej samej instytucji wstąpił także młodszy brat artysty, Ernst. Razem malowali ze fotografii portrety szlachty i sprzedawali je za sześć guldenów. Był to ich pierwszy niezależny dochód.

Pierwsze kroki w sztuce

W 1879 roku artysta Gustav Klimt, jego brat i Franz von Mach zaprojektowali dziedziniec wiedeńskiego Kunsthistorisches Museum, po czym otrzymali pierwsze poważne zlecenie. Z pałacu Stureny’ego („Cztery Alegorie”) i łaźni w Carlsbadzie wyłania się szczególny styl, który odróżni obrazy Gustava Klimta od dzieł innych malarzy. Dlatego trio artystów przestaje współpracować i każdy z nich wyrusza w własną podróż przez życie.

Znalezienie własnego stylu

Artysta Klimt niemal natychmiast zyskał uznanie wymagającej publiczności. Z rąk cesarza Franciszka Józefa po zakończeniu pracy w Burgtheater otrzymuje Złoty Krzyż za zasługi dla sztuki. Wysyłasz zatem mistrza w podróż do Starego Świata, podczas której odwiedza Monachium i Wenecję. Wyjazd ten dostarczył mu wielu wrażeń i inspiracji do dalszej pracy.

Po ukończeniu malowania głównej klatki schodowej stołecznego Muzeum Historii Sztuki Gustav odchodzi od akademickiego stylu malarstwa. Jego szczególny styl wykonawczy uzyskał już gotową formę. W kolejnych latach członkiem Unii Sztuk Pięknych został artysta Gustav Klimt, którego obrazy marzy każdy kolekcjoner. Ale w 1892 r. Czekają go ciężkie straty: najpierw umiera ojciec, a potem brat Ernst. W 1894 roku Klimt wraz ze swoim wieloletnim partnerem Franzem Matschem ozdobił Uniwersytet Wiedeński, wcześniej Gustav pracował przy salach węgierskiego zamku Esterházy.

Uznanie w ciągu życia

Prace nad wnętrzami pomieszczeń, w szczególności wykonanie alegorycznych obrazów trzech wydziałów: „Filozofii”, „Prawa” i „Medycyny”, popchnęły artystę do malowania płócien. Założył w Wiedniu Secesję i został jej prezesem, malował swoje pierwsze pejzaże, zainteresował się ekspresjonizmem. Malarstwo Gustava Klimta z tego okresu wyróżnia zamiłowanie do mozaik i ozdobnych przedstawień form. Jest to charakterystyczna cecha dzieł mistrza w przyszłości.

Gustav Klimt, którego obrazy zostały nagrodzone złotym medalem na Wystawie Światowej w Paryżu (malarstwo „Filozofia”), tworzy freski Beethovena. To jego dzieło, ukończone w 1902 roku, było przedmiotem ożywionej dyskusji wśród publiczności, a Rodin je podziwiał. Mistrz wyrusza w podróż do Włoch, staje się poszukiwany, a ludzie go słuchają. W 1908 roku artysta zorganizował własną wystawę, na której zaprezentował szesnaście obrazów. Dwie z nich zostały natychmiast przejęte przez renomowane instytucje – Galerię Sztuki Nowoczesnej w Rzymie i Austriacką Galerię Państwową.

W Paryżu, który Klimt odwiedził w 1909 roku, zapoznał się z twórczością Toulouse Lautreca, Van Gogha, Gauguina, Matisse'a, Muncha, Bonnarta. Rok później wziął udział w dziewiątym obrazie „Śmierć i życie”, który został wysoko oceniony na Wystawie Światowej w Rzymie w 1911 roku. Następnie artysta ponownie wyrusza w podróż po Europie.

Ostatnie lata życia wielkiego malarza

Mimo sympatii publiczności twórczość Gustava Klimta spotkała się z krytyką ekspresjonistów. Po śmierci matki w 1915 roku artysta coraz częściej wybierał ciemne kolory palety. Nadal bierze udział w najbardziej prestiżowych wystawach świata, zostaje członkiem honorowym Akademii Sztuk w Monachium i Wiedniu, maluje obrazy arcydzieła. Artysta zmarł na zawał serca 6 lutego 1918 roku, pozostawiając po sobie znaczną liczbę niedokończona praca. Po nim odeszli także inni wielcy malarze tamtych czasów.

„Pocałunek” Gustava Klimta to najsłynniejszy obraz artysty

Dzieło to jest słusznie uważane za jedno z najlepszych w dziedzictwie mistrza. Powstał w 1907 roku i zaraz po jego prezentacji został zakupiony przez rząd Austro-Węgier. Emocjonalny, olśniewająco żywy „Pocałunek” Gustava Klimta uznawany jest za najbardziej wyrazisty obraz w historii malarstwa XX wieku. Co w tym specjalnego?

Na płótnie pojawiają się różne rodzaje wzorów: rozproszone pstrokate kwiaty, rozłożyste loki, motyw szachowy składający się z czarnych, białych i zielonych prostokątów, wstążkowe arabeski, wijące się spirale. Abstrakcja złożona z fragmentów naturalistycznie zinterpretowanych postaci i fantazyjnych zdobień wygląda po prostu luksusowo na złotym tle. Para przedstawiona pośrodku objęła się i złączyła w namiętnym pocałunku. Mozaikowe ubrania kochanków tylko potęgują efekt intensywnych namiętności, stworzonych przez mistrza za pomocą ozdobnych detali i ich głębokiego kontrastu z elementami naturalistycznymi. Twarz, ręce i nogi dziewczyny są pomalowane bardzo realistycznie. Ale części ciała są otoczone, a w niektórych miejscach całkowicie zakryte płaszczyznami z abstrakcyjnym motywem, pasującym do kolorów podłoża i faktury tkaniny.

Obraz ma ulubiony format artysty – kwadrat. Gustav ignoruje horyzont i głębię przestrzeni, spycha na dalszy plan rzeczywistość i aktualny czas. Tym samym pocałunek zakochanego chłopca i dziewczyny nabiera skali uniwersalnej.

Symbolika „Pocałunku”

Gustav Klimt, którego obrazy zawsze mają znaczenie, także w „Pocałunku” posłużył się symboliką. Tak więc na pierwszy rzut oka prostokąty przedstawione na męskim ubraniu mają tylko znaczenie dekoracyjne. Ale są to symbole falliczne, które reprezentują męskość. Łączą się z zasadą kobiecą, zaszyfrowaną w motywie kobiecej szaty. Są to spirale, koła i owale, które można uznać za artystyczne znaki żeńskich narządów płciowych. Związek ten jest harmonijny i energiczny, rodzi życie i je kontynuuje.

Płótno „Pocałunek” jest zupełnie niezwykłe i szokujące. Jak wszystkie poprzednie dzieła, miała ona swoich fanów i zaciekłych przeciwników. Mimo to wyznacza najwyższy punkt tzw. złotego okresu twórczości artysty. Obraz stał się symbolem secesji wiedeńskiej, urzekając złotym blaskiem, stonowaną erotyzmem (w końcu otwarte były tylko ręce, stopy i twarze bohaterów) oraz oczywistą czystością.

Cherchez la femme, czyli Poszukaj kobiety

Ulubionym motywem Gustava Klimta były kobiety i ich ciała. Uwielbiał malować sceny z mitologii, postaci biblijne, boginie olimpijskie, nimfy i zwykłe dziewczyny, które stały się nieziemskie. Otoczone złotym światłem (wiele dzieł geniusza miało właśnie takie szykowne tło) wydawały się ideałem piękna, pięknego i uwodzicielskiego jednocześnie. Jako prawdziwy artysta ubóstwiał płeć piękną, jej boski podziw, zmysłowość, mistycyzm i kobiecość.

Malował na swoich płótnach nagie kobiety, a dopiero potem ubierał ich ciała w bajeczne, drogocenne stroje. Tajemnicze migotanie kamienie szlachetne rozwiane włosy, blask jedwabistej skóry i najwspanialsza sukienka z pajęczyny stworzyły pokusę, zakrywając jej półnagie ciało.

Fatalne, genialne panie

Artysta przełomu wieków wchłonął wszystkie kontrowersyjne opinie tamtej epoki. Szukał kobiety idealnej, współczesnej i przedstawiał ją w swoich obrazach. Nie tylko rysował prawdziwi ludzie, jak na przykład Sonya Knips, której portret wyraża jednocześnie lekkość, niewinność, niepokój i zamyślenie. Każda dama przedstawiona przez Gustava jest fatalna. Na obrazie „Miłość” twarz bohaterki zastygła w słodkiej ekstazie, ale w tle zbierają się cienie. W końcu na młodego mężczyznę i dziewczynę czeka starość i śmierć. Uderzający przykład Takimi pięknościami są następujące obrazy: „Syrenka”, „Złota rybka”, obie wersje „Judith”, „Węże wodne”. Przepełnione głęboką filozofią jest także dzieło „Trzy wieki kobiety”, które przedstawia małą dziewczynkę, kobietę w kwiecie wieku i urody oraz starą kobietę.

Co ciekawe, mistrz nie był żonaty, choć miał liczne romanse. Prawdopodobnie nigdy nie znalazł swojego ideału...

Z Masterweba

08.06.2018 16:00

Gustav Klimt (1862 – 1918) uważany był za jednego z najbardziej kontrowersyjnych, ale i najpopularniejszych i najbardziej utalentowanych artystów przełomie XIX i XX wieku– XX wieki. W jego pracy Główny temat Prawie zawsze pojawiały się postacie kobiece, które często symbolizowały ludzkie uczucia i stany, takie jak nadzieja, miłość, śmierć i inne. Malarstwo Gustava Klimta do dziś fascynuje współczesnych niejednoznaczną treścią i erotyczną charyzmą tworzonych przez niego dzieł. kobiece obrazy. Dziś dzieła tego twórcy austriackiego modernizmu zaliczane są do najdroższych obrazów świata. Odzwierciedlając główne etapy życia artysty, artykuł przybliży cechy i historię malarstwa Gustava Klimta oraz pokaże, jak jego klasyczna maniera stopniowo przekształcała się w styl całkowicie indywidualny, który stał się jednym z głównych źródeł kolejnych współczesnych trendów.

Rodzina, edukacja, wczesna twórczość

Urodził się w Baumgarten na przedmieściach Wiednia, w rodzinie rytownika Ernsta Klimta. Jego matka, nieudana pianistka, urodziła siedmioro dzieci, z których Gustav był drugim. Jego dwaj młodsi bracia Ernst i Georg również zostali artystami. Duża rodzina zawsze potrzebowała pieniędzy. A kiedy w 1876 roku Gustav wstąpił do Kunstgewerbeschule, wiedeńskiej szkoły sztuka stosowana i rzemiosła, zakładano, że będzie studiował wyłącznie zawód ojca. Ale młody człowiek otrzymał stypendium, które pozwoliło mu wybrać specjalność „malarstwo architektoniczne” i kontynuować naukę do 1883 roku. Jego brat Ernst wstąpił do tej samej szkoły rok później niż Gustav, ale studiował jedynie specjalność rytownika.

Klimt otrzymał wysokiej jakości konserwatywne wykształcenie, a jego wczesne prace odpowiadają ideałom akademizmu. Wśród obrazów z lat 1879–1880 zachowały się jego studia twórcze w stylu historyzmu. Pod względem techniki i tematyki prace te charakteryzują się dużą szczegółowością i podobieństwem do prac jego kolegi ze studiów i kolegi Franza Matscha.

1880 – 1990, początek działalności

W 1880 roku Franz Matsch, Gustav i jego brat Ernst zarejestrowali wspólnotę artystów Künstler-Compagnie z pracownią przy Josefstädter Strasse w Lehmann. Firma zaczęła otrzymywać zamówienia na dekorację budynków użyteczności publicznej. Grupa zaprojektowała między innymi zasłony i malowidła sufitowe dla teatrów w Reichenberg, Hermesville, Carlsbad i Fiume w 1885 roku. W nowym budynku wiedeńskiego „Burgtheater” w latach 1886-1888. przyjaciele stworzyli freski na suficie i obrazy międzykolumnowe, mozaiki. W latach 1891–1892 freskami ozdobiono Kunsthistorisches Museum w Wiedniu, a także zamek Peles w Rumunii. Po osiągnięciu pełnoletności młodszego brata artysty, Georga Klimta, w 1888 roku, Gustav odbył roczną podróż twórczą do Krakowa, Triestu, Wenecji i Monachium.

W 1888 roku Klimt został odznaczony przez cesarza Austrii Złotym Orderem Zasługi. W ten sposób zaznaczono freski namalowane przez artystę dla wiedeńskiego „Burgtheater”. Następnie Klimt został honorowym członkiem uniwersytetów w Monachium i Wiedniu.

Styl autorski 1880 – 1990

Monumentalne dzieła Klimta z lat 1886–1891 dla Burgtheater i wiedeńskiego Kunsthistorisches Museum odzwierciedlają antyczny kierunek i akademicki styl charakterystyczny dla artysty na tym etapie. W pracach widać analogię z twórczością Brytyjski artysta Lawrence Alma-Tadema. „Alegorie i emblematy” to jedna z udanych serii fresków Gustava Klimta powstałych w tym okresie. Wszystkie freski, podobnie jak obrazy z tamtego okresu, są szczegółowo i szczegółowo narysowane.

Z obrazów Gustava Klimta płótno olejne Jako typowy przykład tematyki i techniki wczesnego etapu twórczego artysty można przytoczyć „Safonę” (1888-1890; 39 cm × 31,6 cm). Wizerunek starożytnej greckiej poetki na tle natury i starożytnej architektury odzwierciedla wpływ prerafaelitów i marzycielską symbolikę literacką Moreau. Podobną kompozycję u Klimta, zbudowaną według konserwatywnych kanonów klasycznych, widać w jego monumentalnym obrazie dla Burgtheater.

Działa 1880 – 1990

W tym okresie Klimt był bardziej zaangażowany w swoją bezpośrednią specjalizację, czyli malarstwo architektoniczne. Jeśli jednak firma Künstler-Compagnie była zarejestrowana pod adresem Josefstadt 8, wówczas Klimt wynajmował pawilon ogrodowy naprzeciwko teatru na tej samej ulicy. własne studio, gdzie napisał wiele dzieł. Do najbardziej znanych dzieł tego okresu należą:

1. Malowidła sufitowe dla Uniwersytetu Wiedeńskiego.
2. Mozaika Palais Stoclet w Brukseli.
3. Bajka (1883).
4. „Idylle” (1884).
5. Freski w „Burgtheater” w Wiedniu (1886 – 1888).
6. „Alegoria rzeźby” (1889).
7. Portret Josepha Pembowera, pianisty i pedagoga (1890).
8. „Starożytna Grecja II” („Dziewczyna z Tanagry”) (1890 – 1891).

1891 – 1900, Secesja Wiedeńska

W 1891 roku Klimt został członkiem wiedeńskiej spółdzielni artystów w Künstlerhaus, budynek wystawowy w centrum Wiednia. W 1892 roku w lipcu 1892 roku zmarł jego ojciec, a sześć miesięcy później w grudniu zmarł także jego brat Ernst, po czym Gustav przejął utrzymanie matki i pomoc finansową rodzinie brata.

24 maja 1897 Klimt złożył rezygnację z Künstlerhaus i stał się jednym z założycieli grupy Secesji Wiedeńskiej, której był przewodniczącym w latach 1897–1899. W skład grupy wchodziła młodzież wiedeńska reprezentująca różne dziedziny sztuki. Stowarzyszenie nie ogłosiło swojego manifestu. Jego celem, w przeciwieństwie do konserwatyzmu Künstlerhaus, było tworzenie wystaw dla młodych, postępowych artystów nowych stylów.

Rząd wsparł wysiłki grupy i wydzierżawił grunty publiczne pod budowę sali wystawowej Secesja. Został zbudowany przez jednego z członków grupy, architekta Josefa Olbricha, w latach 1897–1898. W 1898 r. Secesja zorganizowała swoją pierwszą wystawę. Klimt zaprojektował metalowe drzwi do budynku oraz dostarczył wiele ilustracji i szablonów dla wydawanego przez tę grupę czasopisma „Święta Wiosna” (Ver Sacrum) w latach 1898–1903. Grupa ta stała się podstawą, na której rozwinęła się odmiana niemieckiej secesji Jugendstil, zwana w Austrii secesją wiedeńską. Symbolem grupy była Pallas Atena – grecka bogini sprawiedliwości, mądrości i sztuki. Radykalną wersję jej wizerunku można zobaczyć na obrazach Gustava Klimta namalowanych w 1898 roku. Artysta pozostał członkiem secesji do 1908 roku.

Twórczość 1891 – 1900

Z tego okresu ukazał się cykl portretów kobiecych: „Młoda kobieta na krześle”, „Portret kobiety”, „Dziewczyna przy kominku”, „Dziewczyna na krześle”, „Portret Sonyi Knips” i inne. Niektóre z nich rysowane są z fotograficzną starannością, inne bardziej przypominają styl impresjonistyczny. Jednocześnie artysta wypracował swój własny, charakterystyczny styl.

Złote tło pojawia się na kilku obrazach artysty. Gustav Klimt zaczął go używać po raz pierwszy w połowie lat 90. XIX wieku. Mistrz pasjonował się japońską sztuką piękną, a jego prace przypominają twórczość XVII-wiecznego malarza Ogaty Korina. Od tego czasu stosowanie cienkiej powłoki z metali szlachetnych stało się charakterystyczne dla dzieł Klimta, zwłaszcza w okresie jego Złotego Okresu.

Początek secesji wiedeńskiej przypada na okres secesji i jest prawdopodobnie punktem zwrotnym w twórczości Klimta. Na jego twórczość z tamtych lat wyraźny wpływ mieli tak uznani artyści, jak Franz von Stuck i Jan Toorop. Na przykład przedstawienie kobiecych włosów na obrazach Gustava Klimta przypomina malarstwo Toropa. „Judith I”, namalowana przez Klimta w 1901 roku, zdaje się być inspirowana „Grzechem” Franza von Stucka. Pozycja obu ciał w Węzach wodnych Klimta odpowiada mniej więcej pozycji z obrazu Edwarda Burne-Jonesa „The Depths of the Sea” z 1887 roku.

Pod koniec XIX wieku pojawił się wizerunek kobiety symbolizujący „nagą prawdę” (Nuda Veritas), który z czasem stał się charakterystyczny dla twórczości Klimta. Pierwsze zdjęcie Nudy Veritas Klimta było ilustracją do marcowego wydania magazynu Ver sacrum. A prototypem była prawdopodobnie autorska „Izyda” z „ Obrazy egipskie„(Zwickelbild Egipt) 1891.

Działa 1891 – 1900

Klimt zawsze pracował niezwykle ciężko, ciągle znikając w studiu, a jego praca jest uważana za jedną z najbardziej produktywnych. Oto niektóre z najsłynniejszych obrazów Gustava Klimta wykonanych metodą malowania po numerach z ostatniej dekady:

1. 1895 - 1896: „Portret damy”, „Muzyka I”, „Miłość”, „Rzeźba”.
2. 1897 – 1898: „Tragedia”, „Muzyka II”, „Pallas Atena”, „Płynąca woda”, „Portret Sonyi Knips”, „Krew ryb”.
3. 1899: „Schubert przy fortepianie”; „Po deszczu”, „Nimfy. Srebrna Rybka”, „Syreny”, „Nuda Veritas”, „Portret Sereny Lederer”.
4. 1899 – 1907: „Filozofia”.

Skandaliczny porządek z 1990 roku

W 1894 roku austriackie Ministerstwo Oświaty zleciło Klimtowi wykonanie trzech wielkoformatowych obrazów do dekoracji sufitu w sali Wydziału Malarstwa Uniwersytetu Wiedeńskiego. Do 1990 roku nie wszystkie obrazy były gotowe. Pierwsze dzieło – „Filozofia” – zostało poddane bezlitosnej krytyce ze strony profesorów uniwersyteckich. W tym samym czasie „Filozofia” wystawiona przez Klimta na wystawie w Paryżu w 1990 roku została nagrodzona złotym medalem. Artysta przedstawił nagą postać kobiecą w formie alegorycznej, jednak wszystkie jego dzieła tego typu mają w sobie niesamowitą siłę erotyzmu. Po skandalu austriacka publiczność była jeszcze mniej gotowa na kompromisowe postrzeganie obrazów Gustava Klimta namalowanych w 1991 roku pod tytułami „Medycyna” i „Orzecznictwo”. Uznane za obrazy pornograficzne, dzieła te zostały ostro odrzucone przez kręgi uniwersyteckie, polityczne, religijne i kulturalne.

Artysta wystawił wszystkie trzy obrazy w Secesji, a Klimt i Franz Match mieli poważne spory co do ich treści. „Teologia” Matcha została przyjęta przez komitet pedagogiczny i nadal znajduje się na Uniwersytecie Wiedeńskim. Dziennikarz Karl Kraus w The Torch, broniąc odrzucenia przez uniwersytet filozofii Klimta, dyskredytował, że Paryż, który importuje sztukę w stylu „goût Juif” (żydowski gust), z pewnością aprobowałby obrazy dla świątyni nauki, jaką jest uniwersytet . Po skandalu Klimt nie przyjmował już zamówień rządowych, poświęcając się malarstwu portretowemu i pejzażowemu.

"Medycyna"

Wszystkie obrazy zakupił za 30 000 koron austriacki przemysłowiec August Lederer, kolekcjoner i filantrop. Jednak zakład spłonął w 1945 roku podczas odwrotu wojsk niemieckich w Dolnej Austrii. Z projektu pozostało kilka indywidualnych szkiców i kiepskiej jakości czarno-białe fotografie. Zdjęcie obrazu Gustava Klimta „Medycyna” odzwierciedla tylko część monumentalnego dzieła. Przedstawia Hygeję, która znajdowała się w dolnej środkowej części płótna. Obraz został zachowany, ponieważ stanowił część selekcji dzieł z 300 egzemplarzy albumów artystycznych wydanych w 1914 roku pod osobistym nadzorem Klimta. Sfotografowany do publikacji najlepsze prace artysta z lat 1893 - 1913. W pierwszych trzydziestu egzemplarzach najważniejsze litografie wydrukowano w kolorze. Wśród tych obrazów zachował się fragment „Medycyny”, który daje wyobrażenie o barwnej jasności całego dzieła.

Złoty okres

Faza twórcza, która przyniosła artyście sławę, bogactwo i największą liczbę prywatnych zamówień, trwała do początków lat 1910-tych. Używając płatków złota jako tła od połowy lat 90. XIX wieku, Klimt zafascynował się niesamowitymi możliwościami tego materiału. Żadne reprodukcje obrazów Gustava Klimta nie oddają całego blasku złotych włosów jego „Wodnych Węży”, błyszczącej biżuterii i przezroczystych fałd ubrań „Judith” I i II oraz cennego deszczu „Danae”.

Najcieńszy płatek złota w odróżnieniu od podkładu, lakieru i farby jest odporny na ścieranie. Podłoże to tworzy specjalny efekt prześwitując przez lekką warstwę farby. Pokrywając złote tło przezroczystym lub lekko zabarwionym lakierem, można na różne sposoby uzyskać wrażenie różnorodności faktur. Farbę nałożoną na złoto można zarysować, zetrzeć, już zaschnąć lub zamoczyć lub częściowo usunąć rozpuszczalnikiem, uzyskując w ten sposób najciekawsze efekty. Nakładając metal szlachetny na warstwę farby, można uzyskać zupełnie inny efekt wizualny. Artysta na długo zafascynował się dekoracyjnymi właściwościami złota (czasem blachy srebrnej) i stworzył wiele zapierających dech w piersiach dzieł. Nie sposób wymienić wszystkich dzieł powstałych w tym okresie według numerów Gustava Klimta. Za najbardziej imponujące uważa się obrazy „Pocałunek”, „Adele Bloch-Bauer”, „Złota rybka”, oba obrazy „Judith”, „Danae”, „Węże wodne”.

"Pocałunek"

Obraz ten z lat 1907–1908 jest nie tylko najsłynniejszy, ale i ikoniczny dla twórczości Klimta w takim samym stopniu, jak „La Gioconda” da Vinci. Całość kompozycji, kolorystyki i rozwiązania technicznego sprawia wrażenie, że to płótno jest ikoną ognistej i czułej miłości.

Gustav Klimt namalował obraz „Pocałunek” na idealnym kwadracie płótna o wymiarach 180 na 180 cm, na którym na krawędzi klifu pokrytego kolorowymi kwiatami namalowano splecionych w uścisku mężczyznę i żonę. Ich ciała są niemal całkowicie pokryte ubraniami i otoczone swoistą złotą aureolą, która jeszcze bardziej przypomina ikony. Twarz męskiej postaci jest ukryta, jednak kuszące jest postrzeganie „Pocałunku” jako dzieła autobiograficznego, w którym artysta przedstawił siebie. Kto w tym przypadku mógłby okazać się prototypem kobiecej sylwetki? Historycy sztuki rozwiązują tę zagadkę od wielu lat. Pozostawiając niedopowiedzenie i pewną dwuznaczność w przedstawionych osobowościach, artysta podnosi w ten sposób atrakcyjność dzieła. W Pocałunku Gustav Klimt ucieleśnia nie tylko subiektywne czy sytuacyjne znaczenie, ale uniwersalną, ponadczasową wizję romantycznej miłości.

Praca została zaprezentowana przez artystę na wystawie w Wiedniu Kunstschau w 1908 roku. Został natychmiast przejęty przez austriackie Ministerstwo Kultury i Edukacji. Płótno przechowywane jest w Galerii Belvedere w ojczyźnie artysty.

Wystawy

„Złoty okres” Klimta to okres największej liczby wystaw artysty w całej Europie, co świadczy o jego znaczeniu na ówczesnej scenie artystycznej.

1. W 1905 roku Klimt wystawił piętnaście dzieł w nowo otwartej berlińskiej Secesji na dorocznej wystawie Deutscher Künstlerbund i otrzymał nagrodę Villa Romana.
2. W 1906 roku artysta odbył podróż do Belgii i Anglii, a pod koniec roku został mianowany członkiem honorowym Królewskiej Akademii Bawarskiej sztuki piękne w Monachium.
3. W 1908 wystawiał we Florencji, następnie w Pradze i Dreźnie.
4. W 1909 wyjechał do Monachium, Paryża, Madrytu i Toledo.
5. W 1910 roku na IX Biennale w Wenecji jego prace przyjęto z niespotykanym dotąd entuzjazmem.
6. 1911 - wystawa w Rzymie (pierwsza nagroda za obraz „Śmierć i życie”)
7. 1912 - Znowu Drezno.
8. 1913 - Budapeszt, Monachium i Mannheim
9. W 1914 roku Klimt wystawiał swoje prace wraz ze Stowarzyszeniem Austriackich Artystów w Rzymie i odwiedził Brukselę.
10. W 1916 wraz ze Schielem i Kokoschką brał udział w Wystawie Federalnej w Berlinie.
11. W 1912 roku Klimt został prezesem Federacji Artystów Austriackich.

Ostatni etap twórczy

W latach 1900–1916 Klimt przebywał głównie w letniej willi nad jeziorem Attersee w Górnej Austrii. Większość jego licznych pejzaży jest tu namalowana. Niektóre z nich, aby uchwycić większą perspektywę, pisane były z bardzo dużej odległości. Klimt w tych przypadkach użył swojego teleskopu, przyglądając się niuansom koloru i cienia wśród wybranych szczegółów krajobrazu. Jego pejzaże są bardzo obszerne i doskonale tworzą wrażenie przestrzeni i powietrza. Na początku 1910 roku z jego dzieł całkowicie zniknęły motywy złotnicze i zdobnicze. Kolor staje się dla artysty głównym narzędziem przekazywania idei i uczuć.

Dziś obrazy

Klimt był zawsze, na każdym etapie twórczym, artystą poszukiwanym i nigdy nie brakowało zamożnych klientów. Wiele jego dzieł zostało zakupionych do muzeów, ale większość trafiła do kolekcji prywatnych.

W 2006 roku pięć obrazów spadkobierców Bernharda Altmanna zostało wystawionych w Nowym Jorku w Christie's i sprzedanych za zawrotną cenę:

1. Pierwszy portret Adele Bloch-Bauer, zwany „Złotą Adele” lub obrazem „Kobieta w złocie”, został namalowany przez Gustava Klimta w 1907 roku. Obraz został zakupiony za 135 milionów dolarów przez Ronalda Laudera dla nowojorskiej New Gallery. Była to wówczas najwyższa cena za obraz, obecnie dzieło zajmuje ósme miejsce na liście najdroższych obrazów.
2. Drugi portret Adele Bloch-Bauer, namalowany w 1912 roku, został zakupiony przez licytanta za 87,936 mln dolarów. W tamtym czasie był to piąty najwyższy koszt obrazu na świecie.
3. Bauerngarten (Blumengarten) 1903 trafił na aukcję za 33 056 milionów dolarów.
4. Apfelbauma I (1912) sprzedano za 40,336 mln dolarów.
5. Pejzaż „Domy w Unterach am Attersee”, namalowany około 1916 roku, został zakupiony za 31,376 mln dolarów.

Klimt jest jednym z najważniejszych artystów okresu secesji w Austrii, a także zajmuje wiodącą pozycję na arenie międzynarodowej. Jednak jego twórczość została częściowo zignorowana przez niemieckojęzyczną krytykę artystyczną pierwszej połowy XX wieku lub przyjęta jako czyste malarstwo dekoracyjne. Dopiero później jego statyczna symbolika i abstrakcja dekoracyjna stały się uznanym nurtem w rozwoju nowożytnego malarstwa. Ponadto Klimt promował młodych artystów, takich jak Egon Schiele czy Oskar Kokoschka, wnosząc w ten sposób kolejny ważny wkład w rozwój sztuki współczesnej.

Ulica Kijowa, 16 0016 Armenia, Erywań +374 11 233 255

Erotyka jest nierozerwalnie związana ze sztuką, zwłaszcza sztuką piękną, której środkiem wyrazu są widzialne, namacalne przedmioty - płótno, rzeźba, fotografia. Włoski psycholog, filozof i artysta Antonio Meneghetti powiedział: „Artysta tworząc, doświadcza momentów swojej seksualności, artysta przedstawiając ciało innej osoby, tak naprawdę ukazuje swój własny erotyzm”. Człowiek rzeźbił i malował nagie ciała już w epoce paleolitu; epoka starożytna jest również pełna rzeźb wychwalających męskość i męskość. kobieca nagość, a w sztuce współczesnej erotyka osiągnęła swój punkt kulminacyjny. Jednym z najlepszych przedstawicieli sztuki wysokiej, inspirowanym erotyzmem, jest austriacki artysta modernistyczny Gustav Klimt, którego płótna znajdują się na najbardziej autorytatywnych aukcjach naszych czasów.

Gustav Klimt był jednym z największych przedstawicieli austriackiej secesji, a także prezesem „ Secesja wiedeńska„, wybrany na to stanowisko w 1897 roku przez podobnie myślących ludzi. Ojciec Gustava Klimta, Ernest Klimt, był artystą – rytownikiem i jubilerem, a jego matka, Anna Klimt, wychowywała trzech synów i cztery córki. Przyszły artysta był drugim synem w tej dużej rodzinie. Jego dwaj bracia również zostali później artystami. W 1862 roku, kiedy urodził się Gustaw, Austria przeżywała trudne chwile. Na czele Prus stanął Otto von Bismarck i dyskutowano nad zadaniem zjednoczenia krajów niemieckich. Nie chcieli włączyć Austrii do tej niemieckiej „rodziny”. W kraju panowała bieda, sytuacja polityczna była niestabilna, a w 1866 roku do tego wszystkiego dołączyła się wojna prusko-austriacka. Rodzina Klimtażył w skrajnej biedzie. Pierwszym nauczycielem przyszłego artysty był jego ojciec. W 1876 roku 14-letni Gustav wstąpił do Szkoły Sztuk Pięknych i Rzemiosła przy Austriackim Muzeum Sztuki i Przemysłu, gdzie przez 7 lat specjalizował się w malarstwie architektonicznym. Nauczycielami Gustava byli znani austriaccy artyści Karl Grachovina, Ludwig Minnigerode, Michael Rieser, ale sam Gustav w tym czasie uważał za wzór malarza gatunku historycznego, zwolennika akademizmu, Hansa Makarta. Ciekawe, że Klimt, który otrzymał konserwatywne wykształcenie akademickie, w swojej twórczości posuwa się tak daleko, doskonaląc się w zupełnie innym stylu.

Ślady malarstwa akademickiego i architektonicznego na jego płótnach wyraża jedynie monumentalność i holistyczna kompozycja. Jednak w przeciwieństwie do innych młodych artystów o rewolucyjnych poglądach, w tamtych latach nie sprzeciwiał się staromodnemu akademizmowi. Aby zarobić na życie, Gustav i jego brat malują portrety ze zdjęć za skromną opłatą. Po krótkim czasie pojawiają się poważniejsi klienci. Bracia Klimt i ich przyjaciel Franz Match rozpoczęli malowanie dekoracyjnych obrazów na dziedzińcu Kunsthistorisches Museum w Wiedniu, a rok później rozpoczęli malowanie sufitów w jednym z pałaców w Wiedniu, a także w pawilonie kompleksu uzdrowiskowego w Carlsbadzie. Dzieła te pomogły Gustawowi stopniowo odnaleźć własny styl, a już w 1886 roku faktycznie oddzielił się od swoich towarzyszy, działając jako indywidualny artysta i dekorator, zyskując sławę i autorytet. Scenografia wiedeńskiego Burgtheater jest najnowsza pracować razem zespołu, chociaż Klimt później przy indywidualnych okazjach współpracował z Franzem Matschem. Gustava Klimta ostatecznie odszedł od akademizmu, a pomysły stylistyczne jego przyjaciół nie były już kompatybilne. W 1888 roku Gustaw otrzymał nagrodę od cesarza Franciszka Józefa za zasługi dla sztuki. złoty Krzyż" W tym samym roku został członkiem honorowym uniwersytetów w Monachium i Wiedniu. W 1889 roku Klimt podróżuje po Europie w poszukiwaniu nowych środków wyrazu. Marzy o tworzeniu płócien i osiągnięciu sukcesu jako malarz. Jednak z powodu pewnych okoliczności nie udało mu się jeszcze zrealizować swojego marzenia. W 1892 roku umierają ojciec i brat Gustawa, a odpowiedzialność za rodzinę spada na jego barki. Trzeba było zadbać o jej potrzeby i aby mieć stałe dochody, zaczął przyjmować nowe zamówienia na malarstwo dekoracyjne.

Strata bliskich pozostawiła trwały ślad w człowieku wewnętrzny świat artysta: w wyniku mocnych doświadczeń jego styl stał się jeszcze bardziej oryginalny i dramatyczny. Wewnętrzny protest znalazł natychmiastowe odzwierciedlenie w jego twórczości i nieprzypadkowo w 1893 roku austriackie Ministerstwo Kultury odmówiło zatwierdzenia artysty, który odszedł od zasad akademizmu. Klimta jako profesor Akademii Sztuk Pięknych. Jedynym radosnym wydarzeniem na tym etapie życia było spotkanie przyszłej żony – austriackiej projektantki mody, córki dużego przedsiębiorcy Emily Flege, którą artysta przedstawiał na swoich płótnach. Choć Klimt nigdy nie był wierny w swoim życiu małżeńskim, a Emily wiedziała o jego licznych romansach, do końca życia artysty pozostali nierozłączni. Miłość, która ich połączyła, była znacznie silniejsza i stała niż okresowe impulsy erotyczne Klimta. W końcu Emily zdała sobie sprawę, że artysta potrzebuje tego wszystkiego, aby tworzyć i ulepszać. Tak czy inaczej, do 1897 r. Klimt, podobnie jak poprzednio, zajęty był malowaniem instytucji kulturalnych. Pracował nie tylko w Austrii, ale także w Belgii, na Węgrzech, w Holandii, Czechach i innych krajach Europy.

W 1897 roku rozpoczął się nowy etap w życiu twórczym Klimta, który naznaczył głośną rewolucją. Klimt zakłada związek kreatywny ” Secesja” i zostaje pierwszym przewodniczącym tej organizacji. W tłumaczeniu z języka niemieckiego Sezession oznacza „oddzielenie”. Grupa artystów pod przewodnictwem Klimta, pasjonujących się duchem i zasadami modernizmu, faktycznie oddzieliła się od wiedeńskiej Akademii Sztuk i konserwatywnych środowisk artystycznych. Wkrótce organizacja zaczęła wydawać własną publikację pod tytułem Ver Sacrum („ Święta wiosna„). W bardzo krótkim czasie zjednoczył wokół siebie europejskich artystów współczesne poglądy który odrzucił przestarzały akademizm. Ver Sacrum stał się także rzecznikiem austriackich pisarzy symbolistycznych. Dla artystów” Secesja„charakteryzował się wieloma podobieństwami stylistycznymi: wielokolorowymi mozaikami, pełną wdzięku skalą, wyraźnymi konturami. Do zwolenników tego stylu należeli Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Joseph Hoffmann, Karl Moser i inni.

Sam Klimt nie miał uczniów, jako naśladowcę jego stylu można wyróżnić utalentowanego austriackiego artystę ekspresjonistę Egona Schiele. Podczas gdy środowiska artystyczne nadal protestowały w związku z pojawieniem się „ Secesja”, Gustav Klimt, wolny od akademizmu, spędził z Emily letnie wakacje z dala od miasta, na łonie natury. Był szczęśliwy, bo zbliżał się moment spełnienia jego marzenia – tworzenia płócien i bycia niezależnym. I właśnie tego lata Klimt namalował swoje pierwsze pejzaże.

W odróżnieniu od zwolenników szkoły akademickiej rząd austriacki traktował nowych artystów przychylniej. Mając na uwadze fakt, że organizacja zrzeszała liczne grupy przyrodników, realistów i symbolistów, których głos miał wagę w kręgach publicznych, rząd na rzecz jej członków „ Secesja» przeznaczył w mieście dużą działkę, aby ci ostatni mogli zbudować galerię swoich prac. Symbol " Secesja„była Pallas Atena – bogini mądrości, sprawiedliwości i sztuki. Wkrótce organizacja zaczyna organizować wystawy. Klimt także bierze w nich udział swoimi pracami. Malowidła, zamówione przez Uniwersytet Wiedeński w 1894 roku, miały ozdobić ściany tego budynku instytucja edukacyjna, ukończył w 1900 r.

W 1899 roku Klimt przygotował trzy panele dekoracyjne do Wielkiej Sali Uniwersytetu Wiedeńskiego: „”, „” i „”. Obrazy te spotykają się jednak z ostrą krytyką publiczności za dosadną treść, nazywając je „erotycznie obscenicznymi”, a płótno „pod naciskiem 87 profesorów zostaje usunięte z sal wystawowych galerii”. Secesja».

Nawiasem mówiąc, ten konkretny obraz został później nagrodzony złotym medalem na Wystawie Światowej w Paryżu. We wszystkich trzech obrazach Klimt przekształcił tradycyjne alegorie w nowe symbole, które w istocie zawierały jawny erotyzm... Klimta spotykają się z krytyką zarówno krytyków sztuki, jak i środowisk politycznych i religijnych. On, założyciel Secesja„wydawał się być poza własną organizacją i wszelkimi akceptowalnymi kryteriami i granicami. Naturalnie obrazy nigdy nie zajęły miejsca w murach uniwersytetu, a Klimt po prostu odmówił współpracy z klientami. W 1945 roku wszystkie trzy dzieła zostały zniszczone przez hitlerowców. W 1899 roku artysta stworzył kolejny skandaliczny obraz - „”.

Naga kobieta na obrazie trzyma w dłoniach zwierciadło prawdy, nad którym widnieje słynny cytat wielkiego niemieckiego poety Friedricha Schillera: „Jeśli nie możesz zadowolić wszystkich swoimi czynami i swoją sztuką, proszę niewielu. Bycie lubianym przez wielu jest złem.” Linie te odzwierciedlają całą istotę natury Klimta. W 1902 roku dla galerii Secesja Klimt stworzył fresk oparty na słynnej IX Symfonii kompozytora. Dzieło wystawiane jest tylko raz za życia artysty, w naszych czasach po raz drugi zostaje udostępnione publiczności – w 1986 roku.

Początek XX wieku uważany jest za złoty okres w twórczości Klimta. To właśnie w tych latach najpełniej objawiła się jego prawdziwa wielkość i narodziły się jego najlepsze obrazy. To ciekawe, ale nawet krytycy w tym okresie stali się bardziej przychylni twórczości artysty. Krytycy sztuki definiują „złoty okres” nie tylko w sensie przenośnym, ale także dosłownym: w tych latach Klimt używał złotego koloru w dużych ilościach. Najbardziej znane dzieła tego okresu to „”, „”, „”, „”, „”, „”, „ Złota Adela».

Artysta sprzedał płótno Rzymskiemu Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Austriackiej Galerii Narodowej.

Ideał kobiecości Klimta zmienia się wraz z jego twórczością. Wydaje się, że na początku drogi artysty pociąga go raczej uogólnienie antyczny obraz. W jego wczesnych pracach kobiety wyglądają jak posągi, stojąc w klasycznych pozach. Linia ołówka jest ciągła i napięta. Niemniej jednak ukryty erotyzm jest obecny już w jego wczesnych pracach; niezwykła zdolność artysty do przepuszczania wszystkiego przez własną zmysłowość będzie się nasilać w miarę odchodzenia od akademickiej maniery. Już w tym czasie rysunki wydają się przesiąknięte erotyzmem, linie w nich są bardziej nerwowe, przerywane, jakby podekscytowanie artysty natychmiast odbiło się na papierze.

Około 1915 r. Papier, ołówek

Około 1907 roku. Papier, grafit i kolorowy ołówek

1906 – 1907. Papier, ołówek, czerwony ołówek

W żadnym innym obszarze własną twórczość Klimt nie jest tak blisko siebie. Na tych rysunkach jest bez maski, bez publiczności, bez kolekcjonerów. Rysuje dla siebie, dla siebie. Rysunek jest wolny od konwencji, ograniczeń i podlega jedynie wymaganiom stawianym przez jego twórcę. Jest autentyczny. Z tym rysunkiem Klimta uwalnia się od siebie. Sztuka jest aktem transformacji. Jego rysunki są pamiętnikiem piękna, przywołują i przekazują lekką euforię, jakiej doświadczał w obecności kobiety lub kobiet, które go podniecały i stawały się dobrowolnymi i niezbędnymi partnerami w tym procesie twórczym.

W stworzonej dwufigurowej kompozycji „” (1908) zniszczona zostaje kolejna tradycyjna podstawa twórczości Gustava Klimta: kobieta staje się uległa, teraz dominuje nad nią mężczyzna. Poddaje się uwodzicielowi, oddaje się dla niego.

Tutaj wszystkie bariery zostaną zniszczone, a energia miłości nie będzie przeciekać przez Twoje palce. Niezaspokojone pragnienia seksualne promieniują lekka sukienka przytulając jej smukłą sylwetkę. To wystarczyło, aby wprowadzić w błąd cenzorów, którzy narzucili tabu transowi erotycznemu i kontaktowi cielesnemu. Klimt, który jak w lustrze pokazał purytańskiej burżuazji wiedeńskiej jej własną hipokryzję, został teraz nagrodzony jej zachwytem. Na obrazie artysta przedstawił siebie i swoją ukochaną Emilię Flege.

Jedyny przyjaciel na całe życie Gustava Klimta- Emilia Flege, była popularną projektantką.

Prowadziła pierwszy salon haute couture w Wiedniu” Siostry Flege" W swoich zbiorach wykorzystywała szkice Klimta. Spędzili razem lato nad jeziorem Attersee u podnóża Alp. Klimt nie miał nikogo bliższego, ale jego związek z Emilią, jak przekonują biografowie, był platoniczny. Na portrecie Klimta Emilia przypomina dziwaczny tropikalny motyl w migotaniu bzu, bzu i fioletu.

W późnym okresie twórczości, po ukończeniu „ złoty okres” i początek etapu ekspresjonizmu Klimt zwrócił się ku japońskiemu rytownictwu, alegorii i pejzażowi, co pozwoliło mu w pełni zademonstrować swój talent.

W pejzażach widać wpływy impresjonistów: nierówne kontury pociągnięć pędzla, światło, obrazy wycięte z góry i z boku, a płaskie wykończenie powierzchni świadczy o wpływach Wschodu charakterystycznych dla secesji. Przedstawienie natury jest mozaikowe, wiele dzieł przypomina gobeliny.

Nie ma w nich horyzontu, piony, poziomy i kolorowe plamy niszczą i rytmicznie wypełniają wolną przestrzeń. A jednak – nie ma w nich nawet śladu obecności ludzi. W jego obrazach przyroda jest samowystarczalna i obojętna na człowieka, przeraża i jednocześnie przyciąga Klimta. Podobnie jak kobiety.„na Wystawie Światowej w Rzymie otrzymał nagrodę i wysokie uznanie. Klimt przedstawia, jak w alegorii „ Panna„(1913), przeplatają się ze sobą ciała ludzkie, szybujący w przestrzeni światowej i uosabiający losy ludzkości.

Obraz można interpretować jako główne przykazanie Pana – aby się nie zawieść, aby każdy stał na swoim terenie. Wszyscy ludzie są ogniwami jednego łańcucha, a dokładniej sieci. Na warstwie pomarańczowej ludzkość jawi się jako splecione ze sobą pomarańczowe pierścienie. A kiedy jeden z pierścieni pękł (jeden z nas upadł, nie mogąc się oprzeć), pojawiła się szczelina, przez którą na wszystkich posypał się brud. Motyw śmierci Klimta przedstawia w formie akcentów kolorystycznych - barwy czarnej, niebieskiej, fioletowej, symboli wplecionych w przepływ ludzi, obrazu starzejącego się lub brzydkiego ciała. Znaczący jest także moment przyciągania form obrazowych do ich zanurzenia w ciemności (czarnej przestrzeni), co wskazuje na ukazanie śmierci poprzez zanurzenie w zapomnienie, wycofanie się w niezamanifestowaną nieskończoność poprzez wyrzeczenie się świadomości. Śmierć jest rozumiana przez Klimta jako niezbędny element życia Wszechświata, który pozwala Skończonemu wtopić się w żywioł Nieskończonego. W obrazie dominuje poczucie losu, tajemnica ludzkiego życia, wiek życia, związek śmierci i miłości. Wszystko to ukazane jest poprzez stylizowany język, pełen alegorii i metafor.

Klimt przypisuje zupełnie inne znaczenie wszystkiemu, co sugerowała twórczość wczesnego dekoratywizmu. Luksus, krętość, ciągłość linii, stylizowane formy, różnorodność podstawowych kolorów - zamieniły się w jasną mozaikę obrazów pełną intensywnego melancholijnego uroku, powrót do poszukiwań utraconego raju.

W tym okresie Klimt dużo podróżował – odwiedził Włochy, Belgię, Anglię, Hiszpanię i inne kraje, odkrywając nowe nazwiska artystów – Tuluzy – Lautreca, Van Gogha, Gauguina, Muncha, Matisse’a… Z wielką radością pisze, że współczesne malarstwo jest pełen utalentowanych osobowości. Niestety Klimt nie pozostawił żadnych pamiętników i prawie nic nie mówił o swoich metodach i światopoglądzie. Zachowała się jego lakoniczna korespondencja z Emilką oraz esej „