نقاشی منظره توسط هنرمندان روسی. "منظره در نقاشی روسی"

اولین مناظر زیبا در نیمه دوم قرن هجدهم در روسیه ظاهر شد - پس از افتتاح آکادمی امپراتوری هنر در سن پترزبورگ در سال 1757، با الگوبرداری از آکادمی های اروپایی، جایی که در میان کلاس های ژانر دیگر، کلاس نقاشی منظره نیز وجود دارد. همچنین تقاضا برای "حذف نماها" از مکان های به یاد ماندنی و معماری قابل توجه وجود دارد. کلاسیک گرایی - و این بار تسلطش - چشم را با ادراک تنها چیزی که باعث تداعی های بالا می شود تنظیم می کند: ساختمان های باشکوه، درختان قدرتمند، پانوراما، یادآور قهرمانی باستانی. هم طبیعت و هم ودوتا شهری ژانر ودوتا (از دیدگاه ایتالیایی veduta) تصویری از شهر از یک نقطه نظر سودمند بود.باید آنطور که باید در ظاهر ایده آل خود ارائه شوند.

نمایی از کاخ گاچینا از لانگ آیلند. نقاشی سمیون شچدرین. 1796

برج آسیاب اند پیل در پاولوفسک. نقاشی سمیون شچدرین. 1792موزه هنر منطقه ای سامارا

میدان سرخ در مسکو. نقاشی فئودور آلکسیف. 1801دولت گالری ترتیاکوف

نمایی از بورس اوراق بهادار و دریاسالاری از قلعه پیتر و پل. نقاشی فئودور آلکسیف. 1810گالری دولتی ترتیاکوف

مناظر از طبیعت نقاشی شده‌اند، اما مطمئناً در کارگاه نهایی می‌شوند: فضا به سه پلان قابل فهم تقسیم می‌شود، پرسپکتیو توسط پیکره‌های انسانی - به اصطلاح کارکنان - جان می‌بخشد و نظم ترکیب‌بندی با رنگ مشروط تقویت می‌شود. بنابراین، سمیون شچدرین گاچینا و پاولوفسک را به تصویر می کشد و فئودور آلکسیف میدان های مسکو و خاکریزهای سنت پترزبورگ را به تصویر می کشد. به هر حال، هر دو تحصیلات هنری خود را در ایتالیا به پایان رساندند.

2. چرا هنرمندان روسی مناظر ایتالیایی را نقاشی می کنند؟

در هنوز بیشترمرحله بعدی در توسعه چشم انداز روسیه، مرحله رمانتیک، با ایتالیا مرتبط خواهد شد. با رفتن به آنجا به عنوان مستمری بگیر، یعنی برای کارآموزی پس از فارغ التحصیلی موفقیت آمیز از آکادمی، هنرمندان نیمه اول قرن نوزدهم، به طور معمول، عجله ای برای بازگشت ندارند. خود آب و هوای جنوب به نظر آنها نشانه فقدان آزادی در سرزمینشان است و توجه به اقلیم تمایل به تصویر کردن آن است: نور و هوای سیمانی یک سرزمین گرم آزاد، جایی که تابستان همیشه ادامه دارد. این امکان تسلط بر نقاشی هوای معمولی را باز می کند - توانایی ایجاد یک طرح رنگ بسته به نور و جو واقعی. منظره کلاسیک سابق مستلزم مناظر قهرمانانه بود که بر امر مهم و ابدی متمرکز بود. اکنون طبیعت در حال تبدیل شدن به محیطی است که مردم در آن زندگی می کنند. البته، یک منظره رمانتیک (مانند هر منظره دیگری) شامل انتخاب نیز می شود - فقط آنچه زیبا به نظر می رسد وارد قاب می شود: فقط این چیز زیبا دیگری است. مناظری که مستقل از انسان وجود دارد، اما برای او مطلوب است - چنین ایده ای از طبیعت "صحیح" با واقعیت ایتالیایی منطبق است.

شب مهتابیدر ناپل نقاشی سیلوستر شچدرین. 1828گالری دولتی ترتیاکوف

غار ماترومانیو در جزیره کاپری. نقاشی سیلوستر شچدرین. 1827گالری دولتی ترتیاکوف

آبشارهای تیوولی نقاشی سیلوستر شچدرین. اوایل دهه 1820گالری دولتی ترتیاکوف

ایوان پوشیده از انگور. نقاشی سیلوستر شچدرین. 1828گالری دولتی ترتیاکوف

سیلوستر شچدرین به مدت 12 سال در ایتالیا زندگی کرد و در این مدت موفق شد نوعی فرهنگ لغت موضوعی از نقوش منظره رمانتیک ایجاد کند: یک شب مهتابی، یک دریا و یک غار که از آنجا دریا باز می شود، آبشارها و تراس ها. طبیعت آن جهانی و صمیمی، فضا و فرصت پنهان شدن از آن را در سایه آلاچیق تاک ترکیب می کند. این آلاچیق ها یا تراس ها مانند محفظه های داخلی در بی نهایت هستند، جایی که با منظره ای از خلیج ناپل، لازارونی های ولگرد در بیکاری سعادتمندانه غرق می شوند. به نظر می رسد آنها بخشی از ترکیب منظره هستند - کودکان آزاد از طبیعت وحشی. شچدرین، همانطور که انتظار می رفت، نقاشی های خود را در استودیو نهایی کرد، اما سبک نقاشی او هیجان رمانتیک را نشان می دهد: یک ضربه قلم مو باز فرم ها و بافت های اشیاء را شکل می دهد، گویی با سرعت درک آنی و واکنش احساسی آنها.

ظهور مسیح (ظهور مسیح بر مردم). نقاشی الکساندر ایوانف. 1837-1857گالری دولتی ترتیاکوف

ظهور مسیح به مردم. طرح اولیه 1834

ظهور مسیح به مردم. طرحی که پس از سفر به ونیز نوشته شده است. 1839گالری دولتی ترتیاکوف

ظهور مسیح به مردم. طرح "استروگانف". دهه 1830گالری دولتی ترتیاکوف

اما الکساندر ایوانف، یکی از معاصران جوانتر شچدرین، طبیعت متفاوتی را کشف می کند - که با احساسات انسانی مرتبط نیست. او بیش از 20 سال روی نقاشی "ظهور مسیحا" کار کرد و مناظر مانند هر چیز دیگری در ارتباط غیرمستقیم با آن ایجاد شد: در واقع، آنها اغلب توسط نویسنده به عنوان طرح تصور می شدند، اما آنها با دقت تصویری اجرا شدند. از یک طرف، اینها منظره های متروک دشت ها و باتلاق های ایتالیایی هستند (دنیایی که هنوز توسط مسیحیت انسانی نشده است)، از سوی دیگر - نمای نزدیکعناصر طبیعت: یک شاخه، سنگ ها در یک جویبار، و حتی زمین خشک، همچنین در یک فریز افقی پانوراما و بی پایان به عنوان مثال، در نقاشی "خاک نزدیک دروازه های کلیسای سنت پل در آلبانو"، نقاشی شده در دهه 1840.. توجه به جزئیات نیز مملو از توجه به جلوه های هوای معمولی است: اینکه چگونه آسمان در آب منعکس می شود و خاک پر از دست انداز بازتاب هایی از خورشید می گیرد - اما تمام این دقت به چیزی اساسی تبدیل می شود، تصویری از طبیعت ابدی در آن. پایه های اساسی فرض بر این است که ایوانف از یک دوربین لوسیدا استفاده کرده است - دستگاهی که به تکه تکه کردن موارد قابل مشاهده کمک می کند. Shchedrin نیز احتمالا از آن استفاده کرده است، اما با نتیجه متفاوت.

3. اولین چشم انداز روسیه چگونه ظاهر شد

در حال حاضر، طبیعت زیبا و در نتیجه بیگانه است: زیبایی از خود انکار می شود. «ایتالیایی‌های روسی» از روسیه سرد الهام نمی‌گیرند: آب و هوای آن با عدم آزادی، با بی‌حسی زندگی همراه است. اما در دایره ای متفاوت، چنین تداعی هایی به وجود نمی آید. نیکیفور کریلوف، شاگرد الکسی گاوریلوویچ ونتسیانوف، که به خارج از سرزمین پدری سفر نکرد و از یک جهان بینی عاشقانه به دور بود، احتمالاً سخنان کارل بریولوف را در مورد عدم امکان نوشتن برف و زمستان نمی دانست ("همه چیز از شیر ریخته خواهد شد. ”). و در سال 1827 اولین منظره ملی را ایجاد کرد - فقط یک زمستان.

منظره زمستانی (زمستان روسیه). نقاشی نیکیفور کریلوف. 1827موزه دولتی روسیه

در مدرسه ای که در روستای Safonko-vo افتتاح کرد اکنون ونتسیانوو.ونتسیانوف آموزش داد "هیچ چیز را متفاوت از آنچه در طبیعت است به تصویر نکشید و به تنهایی از آن اطاعت کنید" (در آکادمی، برعکس، آنها یاد دادند که روی نمونه ها تمرکز کنند، روی نمونه های آزمایش شده و ایده آل). از کرانه بلند توسنا، طبیعت به صورت پانوراما - در یک چشم انداز وسیع باز شد. پانوراما به طور ریتمیک سکونت دارد، و چهره های مردم در فضا گم نمی شوند، آنها با آن سازگار هستند. خیلی بعد، دقیقاً این نوع «مردم شاد» - مردی که اسب را هدایت می کند، زن دهقانی با ذهنی کوتاه دست - بودند که تا حدودی لهجه یادگاری در نقاشی پیدا کردند، اما تاکنون این اولین حضور آنهاست و آنها با دقت برای دید نزدیک ترسیم می شوند. نور یکنواخت برف و آسمان، سایه های آبی و درختان شفاف، جهان را به عنوان یک بت، به عنوان مرکز صلح و نظم مناسب نشان می دهد. حتی واضح‌تر این درک از جهان در مناظر یکی دیگر از شاگردان ونتسیانوف، گریگوری سوروکا، تجسم خواهد یافت.

هنرمند رعیت (ونتسیانوف که با "صاحب" خود دوست بود هرگز نتوانست شاگرد محبوب خود را آزاد کند) زاغی با استعدادترین نماینده به اصطلاح بیدرمایر روسی است (همانطور که هنر دانش آموزان مدرسه ونتسیانوف است. نامیده می شود). او در تمام زندگی خود فضاهای داخلی و اطراف املاک را نقاشی کرد و پس از اصلاحات در سال 1861 به یک فعال دهقانی تبدیل شد که به همین دلیل تحت فشار قرار گرفت. دستگیری کوتاهو احتمالا تنبیه بدنی و پس از آن خود را حلق آویز کرد. جزئیات دیگر زندگی نامه او ناشناخته است، آثار کمی حفظ شده است.

ماهیگیران مشاهده در Spasskoye. نقاشی گریگوری سوروکا. نیمه دوم دهه 1840موزه دولتی روسیه

به نظر می رسد "ماهیگیران" او "آرام ترین" تصویر در کل مجموعه نقاشی روسی است. و "متعادل" ترین. همه چیز در همه چیز منعکس می شود و با همه چیز هم قافیه است: دریاچه، آسمان، ساختمان ها و درختان، سایه ها و نقاط برجسته، مردمی با لباس های سفید در خانه. پارویی که در آب فرو می‌رود باعث پاشش آب یا حتی موجی روی سطح آب نمی‌شود. رنگ‌های مرواریدی در رنگ‌های سفید بوم و سبز تیره رنگ را به رنگی روشن – شاید عصر، اما متعالی‌تر، بهشتی تبدیل می‌کند: درخششی پراکنده و آرام. به نظر می رسد که صید ماهی مستلزم عمل است، اما وجود ندارد: فیگورهای بی حرکت عنصر ژانری را وارد فضا نمی کنند. و خود این چهره ها در شلوار و پیراهن دهقانی شبیه دهقانان نیستند، بلکه شخصیت ها هستند. داستان حماسییا آهنگ ها منظره ای بتونی با دریاچه ای در روستای اسپاسکویه به تصویری ایده آل از طبیعت، ساکت و کمی رویایی تبدیل می شود.

4. چگونه چشم انداز روسیه زندگی روسیه را به تصویر می کشد

نقاشی ونیزی ها در زمینه کلی هنر روسیه جایگاه متوسطی را اشغال کرد و در جریان اصلی قرار نگرفت. تا اوایل دهه 1870، چشم انداز مطابق با آن توسعه یافت سنت عاشقانهافزایش جلوه ها و شکوه; بناها و ویرانه های ایتالیایی، منظره دریا در غروب آفتاب و شب های مهتابی بر آن تسلط داشتند (مثلاً در آیوازوفسکی و بعداً در کویندجی می توان چنین مناظری را یافت). و در اوایل دهه 1860-70، یک ضایعات مجدد شدید اتفاق می افتد. اولاً با ظهور در صحنه طبیعت خانگی مرتبط است و ثانیاً با این واقعیت که این طبیعت به طور آشکار از همه نشانه های زیبایی عاشقانه خالی است. در سال 1871، فئودور واسیلیف برفک را نقاشی کرد که پاول میخایلوویچ ترتیاکوف بلافاصله آن را برای مجموعه به دست آورد. در همان سال، الکسی ساوراسوف معروف بعدی خود "Rooks" را در اولین نمایشگاه دوره گرد به نمایش گذاشت (در آن زمان این نقاشی "اینجا رخ ها رسیدند" نامیده شد).

برفک. نقاشی فئودور واسیلیف. 1871گالری دولتی ترتیاکوف

هم در «ذوب» و هم در «روکس» فصل تعریف نشده است: دیگر زمستان نیست، هنوز بهار نیست. منتقد Stasov نحوه شنیدن ساوراسوف زمستان را تحسین کرد، در حالی که سایر بینندگان فقط بهار را "شنیدند". حالت انتقالی و در حال نوسان طبیعت این امکان را فراهم می کند که نقاشی با رفلکس های جوی ظریف اشباع شود و آن را پویا کند. اما در غیر این صورت، این مناظر در مورد چیزهای مختلف هستند.

روک ها رسیده اند. نقاشی الکسی ساوراسوف. 1871گالری دولتی ترتیاکوف

واسیلیف لغزش را مفهوم‌سازی می‌کند - آن را به زندگی اجتماعی مدرن فرافکنی می‌کند: همان بی زمانی، کسل‌کننده و ناامید. تمام ادبیات داخلی، از نوشته های انقلابی-دمکراتیک واسیلی اسلپتسف تا رمان های ضد نیهیلیستی نیکولای لسکوف (عنوان یکی از این رمان ها - "هیچ جا" - می تواند نام تصویر شود)، ناممکن بودن مسیر را ثابت کرد. - آن بن بست که در آن مرد و پسری در منظره گم می شوند. بله، و در چشم انداز، درست است؟ این فضا خالی از مختصات منظره است، به جز کلبه های پوشیده از برف بدبخت، زباله های چوبی غرق در گل و لای، و درختان کج روی یک چتر کوه. این پانوراما است، اما توسط آسمان خاکستری به سمت پایین فشرده شده است، که شایسته نور و رنگ نیست - فضایی که در آن نظمی وجود ندارد. ساوراسوف چیز دیگری دارد. به نظر می‌رسد او بر پروزایسم این نقش تأکید دارد: کلیسا، که می‌تواند به موضوع «عکاسی» تبدیل شود، جای خود را به پیش‌نمایش توس‌های کج، سوراخ‌های بینی - آن برف‌ها و گودال‌های آب مذاب داده است. "روسی" به معنای "فقیر"، ناخوشایند: "طبیعت ناچیز" است، همانطور که در Tyutchev. اما همان تیوتچف با آواز "سرزمین رنج طولانی مادری خود" نوشت: "او نمی فهمد و متوجه نمی شود / نگاه غرورآمیز یک بیگانه ، / آنچه می درخشد و پنهان می درخشد / در برهنگی فروتنانه شما" - و در "روکس" این نور مخفی است. آسمان نیمی از بوم را اشغال می کند و از اینجا یک "پرتو آسمانی" کاملا عاشقانه به زمین می آید و دیوار معبد، حصار، آب حوض را روشن می کند - اولین قدم های بهار را نشان می دهد و به منظره احساسی و احساسی می بخشد. رنگ آمیزی غنایی با این حال، ذوب واسیلیف نیز بهار را نوید می دهد، و اگر مایلید آن را ببینید - یا اینجا بخوانید، این تفاوت معنی در اینجا نیز امکان پذیر است.

5. نحوه توسعه مکتب منظر روسیه

جاده روستایی. نقاشی الکسی ساوراسوف. 1873گالری دولتی ترتیاکوف

عصر پرواز پرندگان نقاشی الکسی ساوراسوف. 1874موزه هنر اودسا

ساوراسوف یکی از بهترین رنگ‌شناسان روسی و یکی از «چندزبانه‌ترین» است: او به همان اندازه می‌توانست خاک جاده («جاده روستایی») را با رنگ‌های تند و جشن نقاشی کند یا بهترین هارمونی مینیمالیستی را در منظره‌ای متشکل از خاک و خاک بسازد. آسمان (" پرواز عصر پرندگان). او معلمی در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو بود و بسیاری را تحت تأثیر قرار داد. سبک نقاشی فاضلانه و باز او با Po-le-nov و Levitan ادامه خواهد یافت و انگیزه ها با سروو، کرووین و حتی شیشکین (بلوط های بزرگ) طنین انداز خواهند شد. اما فقط شیشکین مظهر ایدئولوژی متفاوتی از منظر پدری است. این ایده قهرمانی (اقناع اندکی حماسی)، عظمت، قدرت و شکوه "ملی" و "مردم" است. نوعی حماقت میهن پرستانه: درختان کاج قدرتمند، که در هر زمانی از سال یکسان هستند (تغییرپذیری هوا به طور قطع برای شیشکین بیگانه بود، و او ترجیح می داد از درختان مخروطی رنگ کند)، در یک مجموعه جنگلی جمع می شوند، و گیاهانی که با دقت کامل نوشته شده بودند. ، همچنین مجموعه ای از گیاهان مشابه را تشکیل می دهند که نشان دهنده تنوع گیاهی نیستند. مشخصه این است که به عنوان مثال در نقاشی "چودار" درختان پس زمینه با کاهش اندازه با توجه به پرسپکتیو خطی ، تمایز خطوط را از دست نمی دهند ، که با در نظر گرفتن پرسپکتیو هوایی اجتناب ناپذیر است. اما مصون ماندن فرم ها برای هنرمند مهم است. جای تعجب نیست که اولین تلاش او برای به تصویر کشیدن محیط هوای روشن در نقاشی "صبح در جنگل کاج" (نوشته شده با همکاری کنستانتین ساویتسکی - خرس های قلم موی او) باعث یک اپیگرام روزنامه شد: "ایوان ایوانوویچ، این است که شما؟ چه پدر، مه را راه انداختند.

چاودار. نقاشی ایوان شیشکین. 1878گالری دولتی ترتیاکوف

صبح در یک جنگل کاج. نقاشی ایوان شیشکین و کنستانتین ساویتسکی. 1889گالری دولتی ترتیاکوف

شیشکین پیروانی نداشت و به طور کلی، مکتب منظر روسی، به طور نسبی، در امتداد خط ساوراسوف توسعه یافت. یعنی علاقه به دینامیک جوی و پرورش طراوت اتود و شیوه باز نوشتن. این نیز با اشتیاق به امپرسیونیسم، تقریباً جهانی در دهه 1890، و، به طور کلی، عطش رهایی - حداقل رهایی از تکنیک رنگ و قلم مو، بر آن افزوده شد. به عنوان مثال، در پولنوف - و نه در هیچ کس دیگری - تقریباً تفاوتی بین مطالعه و نقاشی وجود ندارد. شاگردان ساوراسوف، و سپس لویتان، که جایگزین ساوراسوف در رهبری کلاس منظر مدرسه مسکو شد، واکنش تندی به شیوه‌ای امپرسیونیستی به حالت‌های آنی طبیعت، به نور تصادفی و تغییر ناگهانی آب و هوا نشان دادند - و این تیزبینی و سرعت واکنش در نمایش تکنیک ها بیان می شد، در اینکه چگونه از طریق انگیزه و بر انگیزه، فرآیند خلق یک تصویر و اراده هنرمندی که این یا آن وسایل بیانی را انتخاب می کند قابل درک می شود. منظره کاملاً عینی نبود، شخصیت نویسنده ادعا می کرد که موقعیت مستقل خود را - تا کنون در تعادل با گونه های داده شده - ادعا می کند. لویتان باید این موقعیت را به طور کامل تعیین می کرد.

6. قرن منظر چگونه به پایان رسید

آیزاک لویتان را خالق "منظره خلق و خو" می دانند، یعنی هنرمندی که تا حد زیادی احساسات خود را به طبیعت نشان می دهد. و در واقع، در آثار لویتان این درجه بالا است و دامنه احساسات در کل صفحه کلید پخش می شود، از غم و اندوه آرام گرفته تا شادی پیروزمندانه.

با بستن تاریخ چشم انداز روسیه در قرن 19، به نظر می رسد لویتان تمام حرکات آن را ترکیب می کند و در پایان آنها را با تمام تمایز نشان می دهد. در نقاشی او می توان هم طرح های سریع نوشته شده با استادی و هم پانورامای حماسی را یافت. او هم بر تکنیک امپرسیونیستی مجسمه سازی حجم با خطوط رنگی مجزا (که گاهی از «هنجار» امپرسیونیستی در بافت های کسری پیشی می گیرد) و هم بر روش سنگ تراشی رنگارنگ خمیری خمیری. لایه های گسترده، به روش صهیونیستی پسا امپرسیونیست تسلط داشت. او می دانست که چگونه زوایای اتاق را ببیند، طبیعت صمیمی را - اما او همچنین عشق به فضاهای باز را نشان داد (شاید اینگونه بود که خاطره رنگ پریده حل و فصل جبران شد - احتمال تحقیرآمیز اخراج از مسکو مانند شمشیر بر سر هنرمند آویزان بود. داموکلس حتی در زمان شهرت، دو بار او را مجبور به فرار کامل از شهر کرد).

فراتر از آرامش ابدی نقاشی ایزاک لویتان. 1894گالری دولتی ترتیاکوف

تماس عصر، زنگ عصر. نقاشی ایزاک لویتان. 1892گالری دولتی ترتیاکوف

"منظره های دور" می تواند هم با یک احساس رنگارنگ میهنی از گستره همراه باشد ("باد تازه. ولگا")، و هم اشتیاق غم انگیز را بیان کند - مانند نقاشی "Vladimirka"، جایی که خاطره دراماتیک مکان (آنها در امتداد سیبری به سیبری منتهی شدند). این اسکورت‌های جاده‌ای کار سخت) بدون محیط اضافی در تصویر جاده خوانده می‌شود که در اثر باران‌ها یا صفوف‌های سابق، در زیر آسمانی تاریک شل شده است. و سرانجام، نوعی کشف لویتان - مرثیه های منظره ای با ماهیت فلسفی، که در آن طبیعت به فرصتی برای تأمل در دایره هستی و جستجوی هماهنگی دست نیافتنی تبدیل می شود: "مسکن آرام"، "بالاتر از آرامش ابدی"، "عصر". زنگ ها».

احتمالاً آخرین نقاشی او، «دریاچه. روسیه» می تواند متعلق به این مجموعه باشد. او به عنوان تصویری جامع از طبیعت روسیه تصور شد. لویتان می خواست آن را "روس" بنامد، اما روی یک نسخه خنثی تر تصمیم گرفت. نام دوتایی بعدا گیر کرد.شاید تا حدی به همین دلیل، مواضع متناقضی در آن ترکیب شده است: منظره روسیه در وجود ابدی خود و تکنیک امپرسیونیستی، توجه به "چیزهای زودگذر".

دریاچه. روس نقاشی ایزاک لویتان. 1899-1900 سالموزه دولتی روسیه

نمی دانیم که می ماندیم یا نه نسخه نهاییاین اجبار عاشقانه از رنگ و محدوده کارپال. اما این حالت میانی یک سنتز در یک تصویر است. یک پانورامای حماسی، یک واقعیت طبیعی ابدی و تزلزل ناپذیر، اما درون آن همه چیز در حرکت است - ابرها، باد، امواج، سایه ها و بازتاب ها. ضربات گسترده آنچه را که تبدیل نشده است، اما آنچه در حال تبدیل شدن است، به تصویر می کشد - گویی سعی می شود در زمان باشد. از یک سو، پری اوج تابستان، شیپور اصلی موقر، از سوی دیگر، شدت زندگی، آماده برای تغییر. تابستان 1900; عصر جدیدی در راه است که در آن نقاشی منظره - و نه تنها نقاشی منظره - کاملاً متفاوت به نظر می رسد.

منابع

• بوهمین کی.تاریخچه ژانرها. چشم انداز.
• فدوروف-داویدوف A. A.چشم انداز روسیه از قرن 18 - اوایل قرن 20.

M. K. Klodt. در زمین های زراعی 1871

نقاشی منظره توسط هنرمندان روسی قرن نوزدهم

در اوایل دهه 1820، ونتسیانوف به مشکلات نورپردازی در نقاشی علاقه مند شد. برای پرداختن به این مسائل، آشنایی هنرمند با نقاشی F. Granet در سال 1820 تشویق شد. نمای داخلیصومعه کاپوچین در رم. بیش از یک ماه، هر روز، این هنرمند در هرمیتاژ مقابل او می نشست و درک می کرد که چگونه اثر توهم در تصویر به دست آمده است. متعاقباً ، ونتسیانوف یادآور شد که پس از آن همه تحت تأثیر احساس مادی بودن اشیاء قرار گرفتند.

در روستا ، ونتسیانوف دو نقاشی شگفت انگیز - "بارن" (1821 - 1823) و "صبح صاحب زمین" (1823) نقاشی کرد. برای اولین بار در نقاشی روسی، تصاویر و زندگی دهقانان با اصالت چشمگیری منتقل شد. این هنرمند برای اولین بار سعی کرد فضای محیطی را که مردم در آن فعالیت می کنند بازسازی کند. ونتسیانوف شاید یکی از اولین کسانی بود که نقاشی را به عنوان ترکیبی از ژانرها تشخیص داد. در آینده، چنین ترکیبی از ژانرهای مختلف در یک کل، مهمترین دستاورد خواهد بود نقاشی نوزدهمقرن.
در انبار، مانند صبح صاحب زمین، نور نه تنها به آشکار کردن تسکین اشیاء کمک می کند - همانطور که ونتسیانوف گفت "جاندار" و "واقعی"، بلکه، صحبت کردن در تعامل واقعی با آنها، به عنوان وسیله ای برای تجسم عمل می کند. محتوای مجازی در صبح صاحب زمین، هنرمند پیچیدگی رابطه بین نور و رنگ را احساس کرد، اما تا کنون فقط آن را احساس کرده است. نگرش او به رنگ، حداقل در استدلال نظری، هنوز از ایده های سنتی فراتر نمی رود. وروبیوف نیز نظرات مشابهی داشت. او برای شاگردانش توضیح داد: برای اینکه برتری ایده‌آل‌گرا را بر طبیعت‌گرا بهتر ببینیم، باید حکاکی‌هایی از پوسین و رویزدال را دید، زمانی که هر دو بدون رنگ در مقابل ما ظاهر می‌شوند.

این نگرش به رنگ سنتی بود و از استادان رنسانس سرچشمه می گرفت. از نظر آنها، رنگ یک موقعیت میانی بین نور و سایه را اشغال می کرد. لئوناردو داوینچی استدلال می‌کرد که زیبایی رنگ‌های بدون سایه تنها در میان اوباش نادان برای هنرمندان شهرت می‌آورد. این قضاوت ها به هیچ وجه نشان نمی دهد که هنرمندان رنسانس رنگ گرایان بد یا افراد نادیده ای بوده اند. L.-B به وجود رفلکس اشاره کرد. آلبرتی، لئوناردو متعلق است قضیه معروفدر مورد رفلکس ها اما نکته اصلی برای آنها شناسایی کیفیت های دائمی واقعیت بود. این نگرش نسبت به جهان با دیدگاه های آن زمان مطابقت داشت.
در همان سال 1827، A. V. Tyranov یک منظره تابستانی "منظره رودخانه Tosno در نزدیکی روستای Nikolsky" را نقاشی کرد. این تصویر به عنوان یک جفت با "زمستان روسیه" ایجاد شده است. منظره از یک کرانه بلند باز می شود و مسافت های زیادی را پوشش می دهد. همانطور که در نقاشی کریلوف، افراد در اینجا نقش کارکنان را بازی نمی کنند، بلکه یک گروه ژانر را تشکیل می دهند. هر دو نقاشی به قول خودشان مناظر ناب هستند.
سرنوشت تیرانوف از بسیاری جهات به سرنوشت کریلوف نزدیک است. او همچنین به نقاشی روی آورد و به برادر بزرگترش که نقاش شمایل بود کمک کرد. در سال 1824 به لطف تلاش ونتسیانوف به سن پترزبورگ رسید و یک سال بعد از انجمن تشویق هنرمندان کمک گرفت. نقاشی "منظره رودخانه توسنو در نزدیکی روستای نیکولسکی" توسط پسر نوزده ساله ای ساخته شده است که تنها قدم های اولیه را در تسلط بر تکنیک های حرفه ای نقاشی بر می داشت. متأسفانه در کار هر دو هنرمند تجربه روی آوردن به نقاشی منظره توسعه نیافته است. کریلوف چهار سال بعد در طی یک اپیدمی وبا درگذشت و تیرانوف خود را وقف ژانرهای "در اتاق ها"، نقاشی پرسپکتیو کرد، با موفقیت پرتره های سفارشی را نقاشی کرد و در این راه به شهرت رسید.
در نیمه دوم دهه 1820، استعداد سیلوستر شچدرین در حال افزایش بود. پس از چرخه روم جدید، او مناظر پر از زندگی را نقاشی کرد که در آن ها توانست وجود طبیعی طبیعت را بر روی تراس ها و ایوان ها منتقل کند. در این مناظر، Shchedrin در نهایت سنت توزیع کارکنان را رها کرد. مردم در وحدتی جدایی ناپذیر با طبیعت زندگی می کنند و به آن معنای جدیدی می بخشند. شچدرین با جسورانه دستاوردهای پیشینیان خود، زندگی روزمره مردم ایتالیا را شاعرانه کرد.
تجسم محتوای جدید هنر، تازگی کارهای فیگوراتیو، ناگزیر هنرمند را در جستجوی مناسب درگیر می کند. وسایل هنری. در نیمه اول دهه 1820، شچدرین بر قراردادهای رنگ آمیزی "موزه" غلبه کرد و ساخت صحنه فضا را رها کرد. او به سمت رنگ سرد حرکت می کند و با رد کردن مخزن ها و نقشه ها، فضا را با توسعه تدریجی در عمق می سازد. هنگام به تصویر کشیدن فضاهای بزرگ، شچدرین چنین حالت هایی از جو را ترجیح می دهد، زمانی که نقشه های دور نوشته شده است "با مه". این گام مهمی برای نزدیک شدن به مشکلات نقاشی با هوای معمولی بود، اما تا نقاشی در هوای معمولی راه زیادی در پیش بود.
در مورد نقاشی با هوا بسیار نوشته شده است. بیشتر اوقات، هوای آزاد با تصویر محیط نور-هوا همراه است، اما این تنها یکی از عناصر آن است. A. A. Fedorov-Davidov با تجزیه و تحلیل چرخه رم جدید نوشت: "شچدرین به تغییرپذیری روشنایی علاقه مند نیست، بلکه به مشکل نور و هوا که برای اولین بار کشف می کند علاقه مند است. او نه احساسات خود، بلکه واقعیت عینی را منتقل می کند و آن را در وفاداری نور و انتقال محیط هوا جستجو می کند. آثار شچدرین و لویتان دموکراسی مشخصی از دیدگاه ها را گرد هم می آورد، اما یک دوره نیم قرنی در توسعه هنر را به اشتراک می گذارد. در این مدت، گسترش قابل توجهی از امکانات نقاشی وجود داشت. علاوه بر حل مشکلات محیط نور-هوا، ارزش پلاستیک رنگی خود اشیاء به تصویر کشیده شده است.
بر این اساس، V. S. Turchin به درستی نقاشی منظره رمانتیسیسم را با هوای معمولی مرتبط می کند: "رومانتیسم، با نزدیک شدن به هوای معمولی، می خواست رنگ آمیزی زیبای هوا را بیابد و بیان کند، اما این تنها بخشی از هوای معمولی است، اگر خود هوای معمولی به عنوان یک سیستم معین درک می شود که شامل و مشکل "واسطه نوری" است که در آن همه چیز منعکس شده و به یکدیگر نفوذ می کند.

مشاهداتی وجود داشت، اما اطلاعی در کار نبود. اف.انگلس در «دیالکتیک طبیعت» می نویسد: «چشم ما نه تنها با احساسات دیگر، بلکه با فعالیت تفکر ما به هم می پیوندد». نیوتن اپتیک را در سال 1704 منتشر کرد. او با جمع‌بندی نتایج سال‌ها تحقیق به این نتیجه رسید که پدیده رنگ‌ها زمانی اتفاق می‌افتد که نور سفید معمولی (نور خورشید) شکافته شود. کمی قبل از آن، در سال 1667، رابرت بویل، فیزیکدان مشهور، سعی کرد نظریه نوری نور را در نظریه رنگ ها به کار گیرد و در لندن کتاب "تجربه ها و دلایل در مورد رنگ ها، که در اصل به طور تصادفی در میان آزمایش های دیگر برای یکی از دوستانش نوشته شده بود، منتشر کرد. و سپس به عنوان آغاز تاریخ تجربی رنگ منتشر شد.
اول از همه، نقاشان منظره توجه را به مشکلات ساخت فضا جلب کردند. در دهه های 1820-1830، هنرمندان بسیاری به مطالعه چشم انداز مشغول بودند، از جمله وروبیوف و ونتسیانوف اول از همه باید نام برد. تاثیر طبیعی بودن در انتقال فضا در آثار آنها از اهمیت بالایی برخوردار است. قبل از رفتن وروبیوف به خاورمیانه، رئیس آکادمی هنر A. N. Olenin یک "دستورالعمل" طولانی به تاریخ 14 مارس 1820 به او داد. در میان دستورالعمل های مفید دیگر، می توانید موارد زیر را در آنجا بخوانید: "شما مطمئناً شروع به فرار از همه چیزهایی خواهید کرد که گاهی اوقات یک استعداد متوسط ​​مجبور به اختراع می شود تا قدرت بیشتری به آثار هنری بدهد. من این را در مورد مخازنی می گویم که فقط در تخیل وجود دارد و نه در طبیعت و توسط نقاشانی استفاده می شود که نمی دانند چگونه طبیعت را آنگونه که هست به تصویر بکشند با آن حقیقت چشمگیر که به نظر من آثار هنری را جذاب می کند. . اولنین بارها بر این ایده که آثار هنری و طبیعت را در کنار هم قرار می دهد تأیید کرده است. به عنوان مثال، در سال 1831، او نوشت: "اگر انتخاب شی در طبیعت با ذوق انجام شود (احساسی که به سختی می توان آن را به عنوان ظریف ترین احساس در هنر تعریف کرد)، پس، من می گویم، آن شی در خود خواهد بود. به شیوه خود زیبا با بیان درست. خود طبیعت." ذائقه مقوله ای عاشقانه است و یافتن برازنده در خود طبیعت، بدون وارد کردن آن از بیرون، ایده ای است که حاوی نقد مفهوم کلاسیک تقلید است.

در دهه های 1820 و 1830، درون دیوارهای آکادمی هنر، نگرش نسبت به کار از طبیعت بیشتر مثبت بود تا منفی. F. G. Solntsev ، که در سال 1824 از کلاس پرتره فارغ التحصیل شد ، به یاد می آورد که منجی روی صلیب معمولاً از نشیمنگاه ترسیم می شد: "پس از 5 دقیقه ، نشسته شروع به رنگ پریدگی کرد و سپس او را که از قبل خسته شده بود خارج کردند." پس از سال 1830، رئیس کلاس منظر، وروبیوف، از نظر حقوق با اساتید برابر شد. نقاشی تاریخو دانش‌آموزان در کلاس منظره مجاز بودند کلاس‌های طراحی کلاس را با کار در مکان جایگزین کنند.
همه اینها حاکی از فرآیندهای خاصی است که در سیستم آموزشی فرهنگستان هنر اتفاق افتاده است.
به عنوان مثال، V. I. Grigorovich در مقاله "علم و هنر" (1823) نوشت: "یک ویژگی متمایز هنرهای زیباشامل به تصویر کشیدن همه چیز ظریف و دلپذیر است. و در ادامه: «پرتره مردی که از زندگی ترسیم شده است، تصویری است و تصویر تاریخی که بر اساس ضوابط سلیقه تنظیم و اجرا شده است، تقلیدی است». اگر در نظر بگیریم که منظره «باید پرتره» باشد، منظره نیز باید به عنوان یک تصویر در نظر گرفته شود، نه یک تقلید. این موضع، که توسط گریگوروویچ در رابطه با پرتره فرموله شده است، با تأملات I. F. Urvanov در مورد منظره، که در رساله آمده است، تفاوتی ندارد. راهنمای سریعبه دانش طراحی و نقاشی از نوع تاریخی، بر اساس حدس و گمان و آزمایش "(1793): "هنر منظره عبارت است از توانایی ترکیب چندین شی از یک مکان خاص در یک نمای و ترسیم آنها به درستی به منظور خشنود کردن چشم. و به طوری که کسانی که به چنین منظره ای نگاه می کردند تصور می کردند که او را در طبیعت می بینند. بنابراین، نظریه کلاسیک روسی، به معنای خاصی، ایجاب می کرد که منظره و پرتره شبیه به طبیعت باشد. این تا حدودی همسایگی بدون درگیری کلاسیک گرایی را با جستجوهای رمانتیک در ژانرهای منظره و پرتره توضیح می دهد. در هنر رمانتیک، این پرسش که چگونه می توان به این شباهت دست یافت، حادتر بود. احساس طبیعت، رنگ آمیزی شده توسط نگرش انسان، خود را در کار سمیون شچدرین، بنیانگذار چشم انداز روسیه نشان داد. اگرچه نماهای گاچینا، پاولوفسک، پترهوف که توسط او نقاشی شده است، دارای ویژگی های ترکیب خاصی است، اما آنها با احساس یک رابطه کاملاً مشخص با طبیعت آغشته هستند.

آکیموف در آگهی ترحیم سمیون شچدرین نوشت: "او اولین نقاشی زیر نقاشی خود به ویژه هوا و فاصله را با مهارت و موفقیت زیادی کشید که مطلوب بود به طوری که هنگام اتمام همان سختی و هنر حفظ شود." بعداً ، سیلوستر شچدرین در نقاشی های استاد منظره کلاسیک F. M. Matveev به "مزیت اصلی" اشاره کرد که "شامل هنر نوشتن نقشه های دوربرد است".
در اواخر دهه 1820، شچدرین به تصویر کشیدن مناظر با ماه روی آورد. در نگاه اول، این ممکن است جذابیتی برای نقوش رمانتیک سنتی به نظر برسد. رمانتیک ها عاشق «داستان شبانه عذاب آور» بودند.
در اواسط دهه 1820، بسیاری از لوازم رمانتیک در شعر به یک الگو تبدیل شده بود، در حالی که در نقاشی کیفیت های فیگوراتیو و احساسی منظره، و به ویژه شاعرانگی شب و مه، تازه کشف می شد.
شچدرین مناظر شب را نقاشی کرد و هیچ اثری روی دیگر مناظر ایتالیایی باقی نگذاشت. در طی این سال ها، او نقاشی های شگفت انگیزی خلق کرد: "تراس در ساحل" و "مرگلینا خاکریز در ناپل" (1827)، نماهایی در ویکو و سورنتو. مناظر با نور مهتاب به طور همزمان با تراس های معروف به طور تصادفی ظاهر شدند. آنها به گسترش طبیعی جستجو تبدیل شدند تصویر عمیقطبیعت، پیوندهای چندوجهی آن با انسان. این ارتباط نه تنها به لطف افرادی که شچدرین اغلب و با کمال میل آنها را در مناظر خود گنجانده است احساس می شود، بلکه با احساسات خود هنرمند نیز غنی می شود که هر بوم را متحرک می کند.

اغلب در مناظر شبانه، Shchedrin از نور دوگانه استفاده می کند. نقاشی "ناپل در یک شب مهتابی" (1829) که در چندین نسخه شناخته شده است، همچنین دارای دو منبع نور است - ماه و آتش. در این موارد، نور خود دارای احتمالات رنگی متفاوتی است - نور سردتر از ماه و گرمتر از آتش، در حالی که رنگ محلی به طور قابل توجهی ضعیف می شود، زیرا در شب اتفاق می افتد. تصویر دو منبع نور هنرمندان بسیاری را به خود جذب کرد. این موتیف توسط A. A. Ivanov در آبرنگ "Ave Maria" (1839)، I. K. Aivazovsky در نقاشی "Moonlight Night" (1849)، K. I. Rabus در نقاشی "دروازه های اسپاسکی در مسکو" (1854) توسعه یافته است. در حل مسائل تصویری، انگیزه نورپردازی مضاعف، مشکل رابطه مستقیم نور و جهان عینی را برای هنرمند مطرح کرد.
با این حال، به منظور تجسم کامل تمام ثروت عکس رنگیجهان، زیبایی فوری آن، نقاشان منظره مجبور شدند کارگاه ها را در هوای آزاد ترک کنند. پس از ونتسیانوف در نقاشی روسی، کریلوف یکی از اولین کسانی بود که چنین تلاشی کرد و روی نقاشی "منظره زمستانی" (زمستان روسیه) کار کرد. با این حال ، این هنرمند جوان به سختی از وظیفه ای که پیش روی او بود آگاه بود.
مهمترین اکتشافات در ژانر منظره در دهه 1830 مشخص شد. هنرمندان به طور فزاینده ای به نقوش روزمره روی آوردند. بنابراین، در سال 1832، M. I. Lebedev و I. D. Skorikov از آکادمی هنر برای نقاشی های جزیره پتروفسکی، سال بعد لبدف برای نقاشی "منظره در مجاورت دریاچه لادوگا" و اسکوریکوف برای کار "مشاهده در" مدال نقره دریافت کردند. پارگولوو از پارک شوالوف» مدال طلا گرفت. در سال 1834، A. Ya. Kukharevsky برای نقاشی "منظره در Pargolovo" و L. K. Plakhov برای نقاشی "منظره در مجاورت Oranienbaum" نیز مدال طلا دریافت کردند. در سال 1838، K. V. Krugovikhin برای نقاشی "شب" مدال نقره دریافت کرد. شاگردان وروبیوف می نویسند Pargolovo (جایی که خانه وروبیوف در آن قرار داشت)، در مجاورت اورانین باوم و دریاچه لادوگا، جزیره پتروفسکی. برنامه های آهنگسازی دیگر به رقبا ارائه نمی شود. موضوعات توسط آنها انتخاب می شود. نقاشی های سیلوستر شچدرین در میان نمونه ها برای کپی قرار گرفت.

وروبیوف، که کلاس نقاشی منظره را در آکادمی هنر تدریس می کرد، همچنین به کار بر روی آشکار کردن محتوای احساسی و طبیعت ادامه می دهد. او طرح هایی را با روح شاعرانه رمانتیک انتخاب می کند که با حالت خاصی از فضا یا نور مرتبط است، اما با آوردن ویژگی های مراقبه فلسفی به منظره غریبه می ماند. حال و هوای منظره «غروب خورشید در مجاورت سن پترزبورگ» (1832) با تضاد فضای نورانی آسمان شمالی و انعکاس آن در آب ایجاد می شود. شبح روشن یک قایق طولانی که به ساحل کشیده شده است بر فاصله بی حد و حصر تأکید می کند که در آن عنصر آب به طور نامحسوس با "هوا" ادغام می شود. منظره ای با تصویر یک قایق ایستاده در ساحل دارای لحنی شاعرانه است - جدا از عنصر آب ، قایق ، همانطور که بود ، به استعاره مرثیه ای برای یک سفر منقطع تبدیل می شود ، نمادی از برخی امیدهای برآورده نشدهو نیات این نقش به طور گسترده در نقاشی دوران رمانتیک استفاده می شد.
منظره ای که هدف آن بررسی ماهیت حالات جوی است، همیشه وروبیوف را به خود جذب کرده است. او برای سالهای متمادی دفترچه ای از مشاهدات هواشناسی داشت. در اواسط دهه 1830، او چرخه ای از مناظر یک اسکله جدید را در مقابل آکادمی هنر ایجاد کرد، که با ابوالهول هایی که از تبس باستان آورده شده بود، تزئین شده بود که در شایستگی هنری آن قابل توجه بود. وروبیوف او را در تصویر به تصویر کشید زمان متفاوتروز و سال
اساس نقاشی "خاکریز نوا در آکادمی هنر" (1835) موتیف یک صبح زود تابستان بود. شب سفیدبه طور نامحسوس برگ می زند و نور خورشید کم، گویی با هوای بالای نوا در تماس است، به منظره حالت سبکی می بخشد. روی قایق‌های اسکله، لباس‌شویی‌ها کتانی‌ها را آب‌کشی کردند. همسایگی ابوالهول های باستانی با این صحنه منثور گواه طراوت نگاه هنرمند به پدیده های زندگی است. وروبیوف عمداً نمایندگی را در شخصیت تصویر حذف می کند و بر جذابیت طبیعی بودن وجود تأکید می کند. بنابراین، توجه اصلی بر روی راه حل رنگی منظره، بر بیان یک خلق و خوی منحصر به فرد، اما کاملا مشخص متمرکز است.

در اواسط دهه 1830، وروبیوف در اوج شهرت خود بود، و با این حال، پس از یک چرخه نما از اسکله با ابوالهول، تقریباً کار بر روی مناظر سنت پترزبورگ را رها کرد - او عمدتاً کارهای سفارشی را نقاشی کرد و مراحل را اصلاح کرد. ساخت کلیسای جامع سنت اسحاق، نمایی از قسطنطنیه و برای خودش نمایی از نوا در یک شب تابستانی. از سال 1838 تا 1842، علاوه بر دستور رسمی "بالا بردن ستون ها به کلیسای جامع سنت اسحاق"، وروبیوف منحصراً مناظری از پارگولوف را نقاشی کرد. این نشان می دهد که هنرمند ارجمند نیاز به تعمیق دانش خود را با کار بر روی طبیعت احساس می کند. متأسفانه نتایج این مشاهدات در کار او منعکس نشد. در سال 1842، تحت تاثیر مرگ همسرش، وروبیوف نقاشی نمادین "بلوط شکسته شده توسط رعد و برق" را نقاشی کرد. این نقاشی تنها نمونه رمانتیسیسم نمادین در آثار او باقی ماند.
در میان فارغ التحصیلان کارگاه منظره، نقش مهمی در توسعه نقاشی روسی توسط دارندگان مدال طلا M. I. Lebedev، I. K. Aivazovsky، V. I. Sternberg که بیست و هفت سالگی درگذشت - شش سال پس از فارغ التحصیلی از آکادمی هنر، نشان داد. وعده بزرگ
لبدف، بدون شک، قرار بود به یکی از منظره سازان برجسته زمان خود تبدیل شود. در هجده سالگی در دارالفنون ثبت نام کرد، شش ماه بعد یک مدال طلای کوچک و سال بعد یک مدال بزرگ دریافت کرد. قبلاً در این دوره ، لبدف به دقت طبیعت و مردم را مشاهده می کند. منظره "Vasilkovo" (1833) شامل حال و هوای خاصی از طبیعت است، حس وسعت را به همراه دارد. بوم کوچک "در هوای باد" (دهه 1830) دارای ویژگی هایی است که بعداً در کار هنرمند اساسی خواهد شد. لبدف به تصویر یک گونه خاص علاقه ندارد، بلکه به انتقال احساس آب و هوای بد، وزش باد شدید علاقه دارد. شکسته شدن ابرها، پرواز پرندگان آشفته را به تصویر می کشد. درختان خم شده توسط باد توسط جرم تعمیم داده شده است. طرح اول با ضربات خمیری و پر انرژی نوشته شده است.

در ایتالیا، لبدف خود را به عنوان یک رنگ شناس برجسته و یک محقق دقیق طبیعت نشان داد. او از ایتالیا نوشت: «تا آنجا که می‌توانم سعی کردم از طبیعت کپی کنم، به سخنان شما همیشه توجه کردم: فاصله، نور آسمان، تسکین - به دور انداختن رفتارهای احمقانه دلپذیر. کلود لورن، رویسدیل، نمونه ها جاودانه خواهند ماند.
قطعاً لبدف به کار از طبیعت گرایش داشت، نه تنها در مرحله طرح ها، بلکه در روند خلق خود نقاشی ها. در دهه 1830، نقاشی منظره دامنه موضوعات خود را گسترش می دهد، هنرمندان حس طبیعت خود را عمیق تر می کنند. نه تنها رویدادهای جهان طبیعی: غروب، طلوع خورشید، باد، طوفان و مواردی از این دست، بلکه شرایط روزمره نیز به طور فزاینده ای توجه نقاشان منظره را به خود جلب می کند.
در گزیده ای از نامه ذکر شده، می توان به وضوح نگاه ذاتی لبدف به طبیعت، بی واسطه بودن در درک آن را احساس کرد. مناظر او بسیار به بیننده نزدیکتر است و به ندرت فضاهای بزرگ را پوشش می دهد. هنرمند وظیفه خلاق خود را در روشن کردن ساختار فضا، وضعیت روشنایی، ارتباط آنها با حجم جسم - "فاصله، نور آسمان، تسکین" می بیند. این قضاوت لبدف به پاییز 1835 اشاره دارد، زمانی که او آریچیا را نوشت.
لبدف به عنوان یک هنرمند بسیار سریع رشد کرد و تصور اینکه اگر مرگ نابهنگامش نبود چه موفقیتی می توانست به دست آورد دشوار است. او در نقاشی‌هایش مسیر پیچیدگی وظایف رنگ‌آمیزی، هماهنگی رنگی طبیعت را دنبال می‌کرد و از نوشتن طرح‌هایی در «آفتاب باز» اجتناب نمی‌کرد. لبدف آزادانه تر، جسورتر از وروبیوف نقاشی می کرد، او قبلاً به نسل جدیدی از نقاشان تعلق داشت.

یکی دیگر از شاگردان مشهور وروبیوف، آیوازوفسکی، نیز از زمان شاگردی خود، تلاش کرد تا از طبیعت بنویسد. او سیلوستر شچدرین را الگویی برای خود می دانست. به عنوان دانشجوی آکادمی، او یک کپی از نقاشی شچدرین "منظره ای در آمالفی در نزدیکی ناپل" ساخت و هنگامی که به ایتالیا رسید، دو بار شروع به نقاشی از طبیعت در سورنتو و آمالفی کرد، نقوشی که برای او از نقاشی های شچدرین شناخته شده است. بدون موفقیت زیاد
نگرش آیوازوفسکی به طبیعت از شعر سرچشمه می گیرد منظره رمانتیک. اما باید توجه داشت که آیوازوفسکی حافظه رنگی تیز داشت و دائماً ذخیره خود را با مشاهدات طبیعت پر می کرد. نقاش برجسته دریایی، شاید بیشتر از سایر شاگردان وروبیوف، به معلم خود نزدیک بود. اما زمان تغییر کرده است و اگر آثار وروبیوف در همه بررسی ها مستحق ستایش مداوم باشد ، آیوازوفسکی همراه با تمجیدها مورد سرزنش قرار گرفت.
گوگول با اجازه دادن به جلوه ها در نقاشی، آنها را در ادبیات مطلقاً نمی پذیرد. اما روند حرکت از جلوه های بیرونی به تصویر کردن حالات روزمره طبیعت از قبل در نقاشی آغاز شده است.
همزمان با لبدف، V. I. Shternberg کار کرد. او در سال 1838 از کلاس منظر آکادمی هنر فارغ التحصیل شد و با مدال طلای بزرگ برای نقاشی "تذهیب پاسکا در دهکده کوچک روسیه"، نه آهنگسازی، بلکه نقاشی شده از طبیعت، فارغ التحصیل شد. اگرچه استرنبرگ تعدادی مناظر جالب را نقاشی کرد، اما در آثارش کشش شدیدی به سمت نقاشی ژانر احساس کرد. در حال حاضر در کار رقابتیاو منظره را با ژانر نقاشی. چنین ترکیبی او را هم به سنت ونیزی و هم به مشکلاتی که در نقاشی روسی در نیمه دوم قرن نوزدهم حل شد، نزدیک‌تر می‌کند.

نقاشی کوچک مطالعه استرنبرگ "در کاچانوفکا، املاک G. S. Tarnovsky" بسیار جذاب است. این آهنگساز M. I. Glinka، مورخ N. A. Markevich، صاحب Kachanovka G. S. Tarnovsky و خود هنرمند را در سه پایه به تصویر می کشد. این ترکیب ژانر"در اتاق ها" آزادانه و زنده نوشته شده است، نور و رنگ ها به وضوح و قانع کننده منتقل می شوند. بیرون پنجره فضای بزرگی باز می شود. در آثار تمام شده، استرنبرگ خوددارتر است، آنها فقط به استعداد ذاتی هنرمند از بینش تعمیم یافته و استعداد یک رنگارنگ اشاره می کنند.
در میان بسیاری از مشکلاتی که در کانون توجه الکساندر ایوانف قرار داشت، سؤالات مربوط به همبستگی ژانرها، اکتشافات جدید در مورد امکانات رنگی نقاشی، و در نهایت، خود روش کار بر روی یک تصویر، جایگاه مهمی را اشغال کردند. طرح های منظره توسط الکساندر ایوانف به کشفی از هوای ساده برای نقاشی روسی تبدیل شد. در حدود سال 1840، ایوانف به وابستگی رنگ اجسام و فضا به نور خورشید پی برد. آبرنگ‌های منظره این زمان و طرح‌های رنگ روغن برای «ظهور مسیح» نشان از توجه دقیق هنرمند به رنگ دارد. ایوانف استادان قدیمی را بسیار و با پشتکار کپی می کرد و احتمالاً در همان زمان تفاوت بین جهان بینی رنسانس و قرن نوزدهم را با وضوح بیشتری احساس می کرد. نتیجه طبیعی چنین نتیجه ای فقط می تواند مطالعه دقیق طبیعت باشد. در کار الکساندر ایوانف، تکاملی که نقاشی روسی از سیستم کلاسیک به فتوحات هوای معمولی طی کرد، تکمیل عملی شد. ایوانوف رابطه دیالکتیکی بین نور و رنگ را در طرح های متعددی که از طبیعت ساخته شده بود، بررسی کرد و هر بار بر روی یک کار خاص تمرکز کرد. در نیمه اول قرن نوزدهم، چنین کاری مستلزم تلاش های عظیم هنرمند بود. با این وجود ، الکساندر ایوانف تقریباً کل طیف وظایف مربوط به نقاشی در فضای باز را در طرح های دهه 1840 حل کرد. هیچ یک از معاصران او چنین مشکلاتی را با این قوام حل نکردند. ایوانف نسبت رنگ زمین، سنگ و آب، بدن برهنه را در برابر پس زمینه زمین مطالعه کرد و در مطالعات دیگر - در پس زمینه آسمان و فضای بسیار زیاد، نسبت سبزی پلان های دور و نزدیک، و مانند. زمان در طرح های منظره ایوانف معنای خاصی به خود می گیرد: به طور کلی زمان نیست، بلکه زمان خاصی است که با نور مشخص مشخص می شود.

روش کار ایوانف برای همه معاصرانش روشن نبود. حتی در سال 1876، جردن، با نوشتن خاطرات خود، احتمالاً به طور کامل درک نمی کرد که ایوانف مشغول مطالعه روش جدیدی برای بازتولید واقعیت است و فوری ترین مشکل این روش کار در هوای آزاد است. طبیعت در نگاه ایوانف دارای ارزش زیبایی شناختی عینی بود که منبع تصویرسازی عمیق تر از تداعی های ثانویه و تمثیل های دور از ذهن بود.
هدف هنرمندان رمانتیک، به عنوان یک قاعده، بازتولید طبیعت در تمام تنوع وجود عینی آن نبود. همانطور که از نمونه کار وروبیوف می بینیم، مواد آماده سازی طبیعی به نقاشی های مداد، آبرنگ سیاه یا قهوه ای محدود می شد که در آنها فقط ویژگی های رنگی منظره آورده شده بود. گاهی اوقات طرحی از طبیعت یک نقاشی بود که به آرامی با آبرنگ رنگ آمیزی می شد تا روابط گرم و سرد را مشخص کند. مشخصه رنگمنظره در چشم رمانتیک ها، و این مطابق با سنت نقاشی کلاسیک بود، باید به خودی خود در نتیجه جستجوهای رنگی عمومی تعیین می شد. اول از همه، رمانتیک ها با این واقعیت محدود بودند که روابط سبک در مرکز توجه آنها باقی مانده بود. وروبیوف طبیعت را اینگونه دید، این گونه بود که او به دیدن طبیعت و حیوانات خانگی خود آموخت. برای نیمه اول قرن نوزدهم، چنین دیدگاهی کاملاً طبیعی بود، زیرا سنت آن را تقدیس می کرد.
در اواسط دهه 1850، A.K. Savrasov جوان خود را در جستجوی روش مشابهی جهت کار قرار داد. او به لطف معلمش رابوس که نزد وروبیوف درس می خواند به مدرسه وروبیوف نزدیک بود. در سال 1848، ساوراسوف از آیوازوفسکی کپی کرد، به آثار لبدف و استرنبرگ علاقه مند شد. جهت در نقاشی منظره، که توسط سیلوستر شچدرین آغاز شد و توسط لبدف ادامه یافت، در اواسط قرن نوزدهم گسترش یافت. در این زمان، رمانتیسیسم از لحاظ نظری جامع، اما عملاً محدود، دیگر نتوانست نقش روند پیشرو در هنر را حفظ کند.

شالوده ای که رمانتیک ها گذاشته بودند محکم بود، اما نگرش رمانتیک ها به طبیعت مستلزم تکامل خاصی بود. یکی از هنرمندانی که ایده ونتسیانوف را در مورد نقش اصلی طبیعت توسعه داد، G. V. Soroka بود. در منظره زمستانی "Outbuilding in Ostrovki" (نیمه اول دهه 1840)، Magpie با اطمینان سایه های رنگی را روی برف می نویسد. این هنرمند با استعداد با عشق به او متمایز شد رنگ سفید، او اغلب افرادی را با لباس های سفید در مناظر می گنجاند ، توانایی رنگ آمیزی رنگ آمیزی را بسته به نور می دید. این واقعیت که سرخابی آگاهانه وظایف رنگی را برای خود تعیین می کند، تغییرات رنگ را با دقت مشاهده می کند، با مناظری که زمان های مختلف روز را به تصویر می کشند، گواه است. به عنوان مثال، نقاشی "منظره دریاچه مولدینو" (حداکثر سال 1847) وضعیت طبیعت را در نور صبح نشان می دهد. این هنرمند سایه های رنگی و بازی رنگی پیچیده ای از نور را بر روی لباس های سفید دهقانان مشاهده می کند. در نقاشی "ماهیگیر" (نیمه دوم دهه 1840)، زاغی با دقت نور دوگانه را منتقل می کند - نور گرم از غروب خورشید و نور سرد از آسمان آبی.
صداقت هنرمند، حس لطیف زیبایی مظاهر روزمره طبیعت به آثار زاغی جذابیت و شعر می بخشد.
کار سیلوستر شچدرین، M. I. Lebedev، G. B. Soroka گواهی می دهد که جذابیت A. A. Ivanov برای کار در هوای آزاد یک شاهکار استثنایی یک فرد تنها نبود، بلکه یک مرحله طبیعی در توسعه نقاشی روسی بود.
ایوانف در سن پترزبورگ این نقاشی را همراه با طرح های مقدماتی به نمایش گذاشت. این زمانی بود که سالها کار ایوانف ، که همانطور که خود هنرمند گفت ، "مدرسه" ایجاد کرد ، همه نمی توانستند کاملاً قدردانی کنند. مثال ایوانف دشوار بود، به ویژه پس از "هفت سال غم انگیز"، زمانی که هر چیزی که از مرزهای سیستم پذیرفته شده فراتر می رفت، مورد آزار و اذیت قرار گرفت. نقاشی منظره نیز از این قاعده مستثنی نبود. به گفته B. F. Egorov، سانسور این قسمت را خط زد، "از ترس درک نظری پیچیده از طبیعت و جامعه - شما هرگز نمی دانید که چگونه می توان چنین دیالکتیکی را تفسیر کرد!"

در اواخر دهه 1840 و 1850، آکادمی هنر، که تحت صلاحیت وزارت دربار امپراتوری بود و اعضای خانواده سلطنتی را به عنوان رئیس جمهور داشت، به طور کامل به یک سازمان بوروکراتیک تبدیل شد. آکادمی حق انحصار دادن مدال های نقره و طلا را به هنرمندان برای اجرا داشت برنامه های رقابتی. تلاش برای تضمین چنین حقی برای مدرسه نقاشی و مجسمه سازی مسکو قاطعانه رد شد. سنت های هنر دانشگاهی با حسادت محافظت می شد ژانر تاریخی، که در آن طرح هایی از تاریخ به رقبا بسیار کمتر از طرح هایی از اساطیر یا کتاب مقدس ارائه می شد. علاوه بر این، پیشنهاد شد که نقاشی ها مطابق با استانداردهای خاصی اجرا شوند: طرح طبق قوانین از پیش تعیین شده ترکیب بندی تجسم یافته بود، حالات چهره و حرکات شخصیت ها عمداً گویا بود و توانایی نوشتن مؤثر پارچه ها و پارچه ها مورد نیاز بود. .
در همین حال، در اواسط دهه 1840، "مکتب طبیعی" در ادبیات به وضوح خود را اعلام کرد، که برای شرافت و حیثیت فرد مبارزه می کرد. در طی این سالها، بلینسکی دیدگاهی نسبت به ملیت در هنر ایجاد می کند و به درک ملیت به عنوان پدیده ای نزدیک می شود که عامیانه، ملی و جهانی را در یک کل متحد می کند. ایده هایی در حال بلوغ هستند که از اعتقاد به نیاز به تحولات اساسی اجتماعی در روسیه تغذیه می کنند. نوبت دهه 1850-1860 مرحله جدیدی رازنوچینسک در تاریخ روشنفکران داخلی گشود.
تحت تأثیر او، برنامه زیبایی شناختی خاصی از هنر روسیه ایجاد شد. پایه های آن توسط بلینسکی پایه گذاری شد، در آثار N. G. Chernyshevsky و N. A. Dobrolyubov بیشتر توسعه یافت. مبارزه برای هنر ایدئولوژیک بود، برای چنین محتوای زیبایی شناختی که از آرمان های دموکراتیک «اخلاقی-سیاسی» جدایی ناپذیر باشد. بلینسکی وظیفه اصلی ادبیات را در به تصویر کشیدن زندگی می دید. چرنیشفسکی با توسعه دیدگاه های بلینسکی در پایان نامه معروف خود ویژگی های اصلی را تعریف می کند. هنر دموکراتیکتا حدودی گسترده تر: بازتولید زندگی، توضیح زندگی، حکم زندگی. "جمله" از نویسنده نه تنها یک موقعیت مدنی خاص، دانش زندگی، بلکه یک حس دیدگاه تاریخی را نیز می طلبد.
در سرنوشت نقاشی منظره روسی در نیمه دوم قرن، ساوراسوف نقش ویژه ای ایفا کرد: او نه تنها هنرمند با استعدادبلکه به عنوان یک معلم از سال 1857 ساوراسوف به مدت بیست و پنج سال در مدرسه مسکو کلاس نقاشی منظره را رهبری کرد. او به طور مداوم دانش آموزان خود را به کار از طبیعت سوق داد، از آنها خواست که طرح ها را در روغن نقاشی کنند، به آنها آموخت که در بی تکلف ترین انگیزه به دنبال زیبایی باشند.
نگرش جدیدی به منظره در نقاشی وی. این هنرمند صحنه تاریخی ژانری را در منظره ای وسیع به تصویر می کشد. در سال 1848، آیوازوفسکی، در بوم "بریگ مرکوری"، پس از شکست دو کشتی ترکیه، به تصمیم مشابهی از تصویر تاریخی رسید، با اسکادران روسی ملاقات کرد. طرح تصویر نه بر اساس تصویر نبرد، بلکه بر اساس اقدامات بعدی که در پس زمینه آشکار می شود. منظره و رویداد به تصویر کشیده شده در یک وحدت ناگسستنی ظاهر می شوند که تصویر تاریخی قبلاً آن را نمی دانست.

منظره در نقاشی روسی به تدریج اهمیت بیشتری پیدا می کند و بینش ترین افراد راه های توسعه بیشتر آن را حدس می زدند.
در سال 1870، فرآیندهای درونی که در نقاشی رخ می داد فعال تر شد. یکی از مهم ترین جلوه های گرایش های جدید، تشکیل انجمن نمایشگاه های آثار سیار بود.
آثاری که رپین و واسیلیف از ولگا آورده بودند بر روی او ساخته شد تاثیر قویو پولنوف به بستگانش نوشت: "ما باید طرح های بیشتری از طبیعت و مناظر بنویسیم."
در طول سفر یک بازنشسته به ایتالیا، پولنوف به طور خاص خاطرنشان می کند: "کوه های موجود در تصویر و عکس به اندازه هوای واقعی چشمگیر نیستند." او درباره نقاشی گیدو رنی می نویسد: «نقاشی گیدو رنی به نظر ما فقط انتخاب خامی از رنگ هاست که هیچ ربطی به نور، هوا و ماده ندارد. این سخنان هنوز به برنامه مشخصی نمی رسد، اما در آنها آگاهی از شیوه های جدید نقاشی وجود دارد. هنرمند جوان آنها را در تعمیق امکانات تصویری، در گفتگوی صمیمانه با واقعیت دید.
در آغاز سال 1874 که با افتتاح اولین نمایشگاه امپرسیونیست ها در استودیوی نادار در بلوار کاپوسینس وارد تاریخ هنر شد، کرامسکوی بسیار مجرب و با بصیرت، با تأمل در سرنوشت نقاشی روسی، در مورد وظایف فوری آن، به رپین جوان نوشت: "ما هنوز چقدر با واقعیت فاصله داریم، در حالی که باید طبق بیان مجازی انجیل "سنگ ها صحبت کنند." برای رپین مهم است آخرین عبارت، زیرا به طور سنتی نقش طراحی در نقاشی روسی همیشه بالا بوده است. و هنرمند متقاعد شده بود که هنگام حرکت به هوای آزاد، نباید نقاشی را از دست داد.
پولنوف پس از بازگشت از سفر بازنشستگی، در مسکو مستقر شد و در آنجا مطالعات عالی را برای نقاشی غیرقابل تحقق "The Tonure of the Wothless Princess" و نقاشی "حیاط مسکو" (1878) ایجاد کرد. نقاشی "باغ مادربزرگ" (1878) از نظر راه حل فیگوراتیو و زیبا به "حیاط مسکو" نزدیک است. او و همچنین دو اثر دیگر، "ماهیگیران" و "تابستان" (هر دو 1878)، پولنوف در نمایشگاه هفتم انجمن سرگردانان در سال 1879 به نمایش گذاشت.
در پایان سال 1881، پولنوف برای جمع آوری مواد برای نقاشی به خاورمیانه سفر کرد. مطالعات شرقی و مدیترانه ای او با جسارت و مهارت رنگی متمایز است.
از سال 1882، پولنوف جایگزین ساوراسوف در تدریس در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو شد. پولنوف تا حد زیادی بر آثار معاصران خود، عمدتاً نقاشان منظره I. I. Levitan، I. S. Ostroukhov، S. I. Svetoslavsky و دیگران تأثیر گذاشت.

در اوایل دهه 1870، شیشکین به کار خود ادامه داد. او با تسلط بر مهارت نقاشی، از خود دریغ نمی ورزد، روزی دو یا سه مطالعه از طبیعت زیاد می نویسد. او از دانش جنگل توسط شیشکین کرامسکوی بسیار قدردانی کرد.
تصویر یک صبح مه آلود، زمانی که پرتوهای خورشید به سختی از میان شاخ و برگ درختان می شکند، انگیزه یکی از معروف ترین نقاشی های شیشکین، صبح در جنگل کاج (1889) شد. جنگل تمام فضای تصویر را اشغال می کند. درختان بزرگ و در مقیاس بزرگ نوشته می شوند. در میان آنها، خرس ها روی یک درخت کاج افتاده نشستند. در این رویکرد به تصویر منظره، چیزی رمانتیک حدس زده می شود، اما این تکرار گذشته نیست ypOKOB یک زیر خط مصنوعی نیست.
رنگ حالت های غیرعادی طبیعت، اما نگاهی تیز به پدیده های معمولی طبیعت. همه این افسانه ها گواهی می دهند که نقاشی کویندجی برای زمان خود چقدر غیرعادی بوده است.
کار کویندجی به سرعت تکامل یافته است. تا حدی، مراحل توسعه ای را که نقاشی منظره معاصر طی کرده است، منعکس می کند. کویندجی دید رنگی تیز داشت: تضادهای روابط رنگی و حس تمیزی از درجه بندی تن رنگ به نقاشی های او بیان خاصی می بخشید. نقاشی های این هنرمند مملو از حس قدرت حیات بخش طبیعت، هوا، نور است. تصادفی نیست که رپین کویندجی را هنرمند نور نامید. نقوش غیرقابل توجه - استپ بیکران بیکران، یک روستای ناشناخته اوکراینی، که توسط غروب خورشید یا ماه روشن شده است، ناگهان در زیر قلم مو او به کانون زیبایی تبدیل شد.
بسیاری از شاگردان کویندجی سهم قابل توجهی در توسعه هنر روسیه داشتند. K. F. Bogaevsky، A. A. Rylov، V. Yu. Purvit، N. K. Roerich و هنرمندان دیگر اولین گام های خود را در هنر زیر نظر یک استاد برداشتند.
در زمانی که شکوه کویندجی به اوج خود رسید، نقاشی "روز پاییز. Sokolniki (1879) اولین بار توسط I. I. Levitan. آن را P. M. Tretyakov برای گالری خریداری کرد. لویتان شروع به نوشتن اولین کتاب خود کرد آثار منظرهبه سرپرستی ساوراسوف در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو. او ذاتی هدیه تعمیم بود ، که در طرح کوچک "روز پاییز" حدس زده می شود. سوکولنیکی. در درجه اول با تصمیم رنگی خود جذب می شود. اما نه تنها نقوش پاییزی، که امکان انتقال حس هوای مرطوب را فراهم می کرد، علاقه مند شدند هنرمند جوان. در سالهای بعد، او تعدادی مناظر آفتابی نوشت - "بلوط" (1880)، "پل" (1884)، "آخرین برف" (1884). لویتان بر امکانات رنگ آمیزی، مطابق با حالات طبیعت در زمان های مختلف سال و در زمان های مختلف روز تسلط دارد. توجه این هنرمند به حل وظایف ساده توسط پولنوف جلب شد که لویتان تقریباً دو سال با او تحصیل کرد. کورووین با یادآوری درس های پولنوف در مدرسه مسکو نوشت: "او اولین کسی بود که در مورد نقاشی خالص صحبت کرد، همانطور که نوشته شده است، او در مورد تنوع رنگ ها صحبت کرد." بدون حس توسعه یافته رنگ، انتقال حس و حال و زیبایی منظره غیرممکن بود. .

در سال 1886 لویتان به کریمه سفر کرد. طبیعت متفاوت، نورپردازی متفاوت به هنرمند اجازه می دهد تا با وضوح بیشتری ویژگی طبیعت منطقه مسکو را احساس کند، جایی که او اغلب از طبیعت نقاشی می کرد، ایده های خود را در مورد امکانات نور و رنگ عمیق تر کرد. لویتان همیشه با میل غیرقابل کنترلی برای انتقال عشق خود به دنیای گسترده اطراف مردم رانده شده است. او در یکی از نامه هایش به ناتوانی خود در انتقال زیبایی بیکران محیط، درونی ترین راز طبیعت اعتراف کرد.
به نوشتن عناصر دریا و پیرمرد آیوازوفسکی ادامه داد. او در سال 1881 یکی از بهترین آثار خود به نام دریای سیاه را خلق کرد که با قدرت متمرکز تصویر مخاطب را شگفت زده کرد. این نقاشی، طبق نقشه اول، قرار بود آغاز طوفان در دریای سیاه را به تصویر بکشد، اما در جریان کار، آیوازوفسکی تصمیم موضوعی را تغییر داد و "پرتره" از یک دریای سرکش را ایجاد کرد که در آن طوفان های نیروی خرد کردن بازی می شود.
نقاشی های آیوازوفسکی که در طول جنگ روسیه و ترکیه 1877-1878 نقاشی شده است، جایگاه ویژه ای را اشغال کرده است. آیوازوفسکی به یک وقایع نگار تبدیل می شود رویدادهای معاصرکه در دریا اتفاق افتاد اما اگر قبلاً کارهای باشکوه کشتی های بادبانی را نقاشی می کرد، اکنون تصاویر کشتی های بخار جایگزین آنها شده است.
آنها بر اساس برخی هستند رویداد های تاریخی. و اگرچه این آثار اساساً مناظر نیستند، اما تنها توسط هنرمندی که به هنر مارینا مسلط بود می‌توانستند نقاشی کنند. پولنوف همچنین در سال 1877-1878 در تئاتر عملیات بود، اما نقاشی های نبردننوشت و خود را به مطالعات میدانی که زندگی ارتش و آپارتمان اصلی را به تصویر می کشد محدود کرد. در نمایشگاه انجمن سرگردانان که در سال 1878 در مسکو برگزار شد، پولنوف فقط آثار منظره را به نمایش گذاشت.
تمایلات شدید عاشقانه در کار نقاش منظره L. F. Lagorio ادامه یافت. او مانند آیوازوفسکی دریا را نقاشی کرد اما شور و اشتیاق کمتری در آثارش دیده می شود. لاگوریو که یک هنرمند نسل قدیمی بود، نمی توانست مهارت ها و تکنیک های به دست آمده در طول سال های تحصیل در آکادمی هنر زیر نظر M.N. Vorobyov و B. P. Villevalde را رد کند. نقاشی های او اغلب با جزئیات فراوان و فاقد تمامیت هنری گناه می کنند. رنگ آمیزی نه آنقدر که در مورد آشکار کردن روابط رنگی واقعی است بلکه تزئینی است. اینها انعکاس آثار رمانتیک نیمه اول قرن نوزدهم بود. تصاویر لاگوریو با مهارت ساخته شده است. در نقاشی های "باتوم" (1881)، "آلوشتا" (1889)، او با وجدان بنادر دریای سیاه را به تصویر می کشد. متأسفانه، این هنرمند نتوانست آن ویژگی های تصویری را که در آثار دهه 1850 قابل توجه است، توسعه دهد. در سال 1891، لاگوریو تعدادی نقاشی درباره وقایع جنگ روسیه و ترکیه 1877-1878 کشید، اما این آثار کاملاً از مشکلات نقاشی منظره مدرن دور هستند.

دهه آخر قرن نوزدهم با روندهای جدید در نقاشی مشخص شد. جوانان دیروز در حال شناسایی شدن هستند. در مسابقات انجمن عاشقان هنر ، V. A. Serov جایزه اول را برای پرتره "دختری با هلو" (1887) دریافت کرد ، در رقابت بعدی برای این ژانر. پرتره گروهی"در میز چای" (1888) دومین "جایزه توسط K. A. Korovin دریافت شد (جایزه اول اهدا نشد) ، سپس جایزه اول برای منظره "عصر" توسط I. I. Levitan و دوم - دوباره توسط K. A. Korovin برای منظره "پاییز طلا". مشخصه پولنوف افزایش حس رنگ بود که از آن نه تنها به عنوان یک عنصر تزئینی، بلکه مهمتر از همه به عنوان وسیله ای برای تأثیر عاطفی بر بیننده استفاده می کرد.
در سال 1896، نمایشگاه هنر و صنعتی تمام روسیه در نیژنی نووگورود برگزار شد. هیئت داوران نمایشگاه پانل های سفارشی مامونتوف به وروبل را رد کردند. وروبل که ناامید شده بود از ادامه کار بر روی پانل "Mikula Selyaninovich" و "Princess of Dreams" خودداری کرد. مامونتوف که دوست داشت همه چیز را به پایان برساند، راهی برای خروج پیدا کرد. او تصمیم گرفت یک غرفه ویژه بسازد و پانل ها را به عنوان نمایشگاه آویزان کند: در این مورد، اجازه هیئت داوران هنری لازم نبود. اما یک نفر مجبور شد پانل را تمام کند، و این کسی به درخواست مصرانه مامونتوف، پولنوف شد. پولنوف نوشت: "آنها (پانل - V.P.) آنقدر با استعداد و جالب هستند که من نتوانستم مقاومت کنم. با موافقت وروبل، پولنوف به همراه کنستانتین کرووین کار روی پانل را به پایان رساند. در همان نمایشگاه، کورووین و سروف طرح های زیبای زیادی را به نمایش گذاشتند که از زیبایی شگفت انگیز طبیعت شمالی منطقه ناشناخته مورمانسک در آن زمان نقاشی شده بود و به درخواست مامونتوف به آنجا رفتند. از مناظر شمالی کورووین "St. تریفون در پچنگا (1894)، جشنواره همرفست. شفق شمالی "(1894 - 1895). موضوع شمال به عنوان یک قسمت در کار کرووین باقی نماند. در نیژنی نووگورود، او پانل های تزئینی را بر اساس برداشت های سفر به نمایش گذاشت. بار دیگر، کرووین در چرخه بزرگی از پانل های تزئینی که برای نمایشگاه جهانی 1900 در پاریس ایجاد شده بود، به موضوع شمال بازگشت. برای این تابلوها که شامل نقوش آسیای مرکزی نیز بود، به کوروین مدال نقره اعطا شد. منظره در کار کورووین نقش بسزایی داشت. درک عمده از رنگ، خوش بینی به جهان بینی از ویژگی های هنرمند بود. کورووین همیشه به دنبال موضوعات جدید بود، او دوست داشت آنها را طوری بنویسد که قبلاً هیچ کس ننوشته است. در سال 1894 او دو منظره خلق کرد: "زمستان در لاپلند" و منظره زمستانی روسیه "زمستان". در چشم انداز اول، شدت طبیعت منطقه قطبی را احساس می کنیم، برف بی کران، محصور در سرما. دومی اسبی را نشان می دهد که به سورتمه مهار شده است. سوار به جایی رفت و با این کار کورووین بر کوتاه بودن مدت رویداد و کوتاه بودن آن تاکید می کند. پس از مناظر زمستانی، هنرمند به نقوش تابستانی روی می آورد.
AT سال های اولکورووین و سروو، که از نظر شخصیت کاملاً متفاوت بودند، جدایی ناپذیر بودند، که به همین دلیل در حلقه هنری آبرامتسیو به آنها "کورووین و سرووین" می گفتند. وقتی * سرووف "دختری با هلو" را نوشت، بیست و دو ساله بود، اما قبلاً از رپین درس نقاشی گرفته بود و در آکادمی هنر در استودیوی چیستیاکوف تحصیل کرده بود. سروف به عنوان یک رنگ‌نگار ظریف نمی‌توانست علاقه خاصی به ژانر منظره نداشته باشد، که به نوعی در بسیاری از آثار او وجود داشت. رپین با یادآوری کلاس‌هایی که با تونیا نه ساله (به قول بستگان سروف) در پاریس برگزار شد، نوشت: «من هرکول و هنر در حال ظهور را تحسین می‌کردم. بله طبیعت بود!
این آثار نشان می دهد که دهه نود زمان جستجوی راه های جدید در توسعه نقاشی بوده است. تصادفی نیست که لویتان و شیشکین تقریباً در همان زمان بهترین مناظر خود را خلق کردند ، هنرمندان جوان با استعداد نیز خود را در هنر اعلام کردند.

در نوامبر 1891، دو نمایشگاه های شخصیآثار رپین و شیشکین. شیشکین، نقاش منظره، علاوه بر نقاشی، حدود ششصد طرح را که نشان دهنده کارهای او در طول چهل سال بود، در این نمایشگاه گنجاند. همچنین رپین در کنار نقاشی‌ها، طرح‌ها و طرح‌هایی را به نمایش گذاشت. به نظر می‌رسید که نمایشگاه‌ها بیننده را دعوت می‌کرد تا به کارگاه هنرمندان نگاه کند، تا کار اندیشه خلاق هنرمند را که معمولاً از بیننده پنهان است، درک و احساس کند. در پاییز 1892، شیشکین طرح های تابستانی خود را به نمایش گذاشت. این یک بار دیگر نقش هنری خاص اتودها را تایید کرد. دوره‌ای بود که طرح و تصویر نزدیک‌تر می‌شدند - طرح به یک تصویر تبدیل می‌شد و تصویر گاهی به صورت طرح در هوای آزاد نقاشی می‌شد. مطالعه دقیق طبیعت، رفتن به هوای آزاد برای انتقال حس مستقیم لحظه ای از زندگی طبیعت، مرحله مهمی در توسعه نقاشی بود.
راه حل این مشکل برای همه نبود. در آغاز سال 1892، نمایشگاهی در مسکو توسط یو.یو کلور، هنرمندی که در زمان خود قابل توجه بود و هنوز فراموش نشده است، برگزار شد. فضای نمایشگاه با کلبه های چوبی از درختان و پرندگان تزئین شده بود. به نظر می رسید که کل جنگل در تصاویر نمی گنجد و در واقعیت ادامه دارد. آیا می توان مناظر لویتان، کویندجی، پولنوف یا شیشکین را در محاصره این نمایش عجیب جنگل تصور کرد؟ هنرمندان نامبرده برای انتقال خصوصیات غیر بصری اشیا اقدام کردند. آنها منظره را در تعامل احساسات حسی و بازتاب های تعمیم یافته در طبیعت درک کردند. ب.آستافیف آن را "دید هوشمند" نامید.
تصویری متفاوت، روابط متفاوت بین انسان و طبیعت در نقاشی "ولادیمیرکا" (1892) ارائه شده است. این هنرمند سفر غم انگیز به سیبری را نه تنها تحت تأثیر جاده ولادیمیر نقاشی کرد. او ترانه‌هایی را به یاد می‌آورد که در این مکان‌ها درباره زندگی سخت در کار سخت شنیده می‌شد. رنگ آمیزی تصویر سخت و غم انگیز است. تسلیم اراده خلاق هنرمند، او نه تنها غمگین است، بلکه احساس قدرت درونی را برمی انگیزد که در زمین گسترده پنهان شده است. منظره "ولادیمیرکا" با تمام ساختار هنری خود بیننده را تشویق می کند تا در مورد سرنوشت مردم فکر کند، در مورد آینده آنها، تبدیل به منظره ای می شود که شامل یک تعمیم تاریخی است.
«بالاتر از آرامش ابدی» فقط یک نقاشی منظره فلسفی نیست. لویتان در آن می خواست تمام محتوای درونی خود، دنیای پریشان هنرمند را بیان کند. این هدفمندی ایده هم در ترکیب تصویر و هم در طرح رنگ منعکس شد - همه چیز بسیار محدود و مختصر است. پانورامای منظره وسیع به تصویر صدای درام بالایی می دهد. تصادفی نیست که لویتان ایده این نقاشی را با سمفونی ارویکا بتهوون مرتبط کرد. رعد و برق آینده خواهد گذشت و افق های دور را پاک خواهد کرد. این ایده در یافت می شود ساخت ترکیبینقاشی ها مقایسه طرح و نسخه نهایی تصویر تا حدودی امکان تصور قطار فکری هنرمند را فراهم می کند. محل کلیسا و حیاط کلیسا بلافاصله در گوشه پایین سمت چپ بوم - نقطه شروع ترکیب - پیدا شد. در ادامه، با اطاعت از حرکت غریب خط ساحلی که در طرح، فضای دریاچه را در داخل بوم می بندد، نگاه ما به افق دور معطوف می شود. ویژگی دیگر این طرح را متمایز می کند: درختان نزدیک نمازخانه با قله هایشان بر روی ساحل مقابل قرار می گیرند و این معنای خاصی به کل ترکیب می دهد - مقایسه ای معادل از گورستان متروکه و بخشی از دریاچه که توسط دریاچه بسته شده است وجود دارد. ساحل اما لویتان ظاهراً این مقایسه را نمی خواست. در نسخه نهایی، او کلیسا و حیاط کلیسا را ​​از چشم‌انداز کلی منظره جدا می‌کند و آن‌ها را روی شنل بیرون‌آمده در دریاچه قرار می‌دهد: اکنون موتیف گورستان تنها نقطه شروع ترکیب، آغاز بازتاب‌ها و سپس تبدیل می‌شود. توجه ما معطوف به تفکر سیل دریاچه، ساحل دوردست و حرکت طوفانی ابرها بر فراز آنها می شود.
به طور کلی، ترکیب بندی یک تصویر طبیعی نیست. این از تخیل هنرمند متولد شد. اما این یک ساخت انتزاعی از یک نمای زیبا نیست، بلکه جستجویی برای دقیق ترین تصویر هنری است. در این اثر، لویتان از دانش عمیق خود در مورد منظره استفاده کرد، طرح هایی که مستقیماً از طبیعت انجام شده است. این هنرمند یک منظره مصنوعی را به همان شیوه ای که در نقاشی کلاسیک انجام می شد ایجاد کرد. اما این بازگشت نیست: لویتان وظایف کاملاً متفاوتی را برای خود تعیین کرد و آنها را بر اساس اصول تصویری دیگر حل کرد. منتقد هنری مشهور شوروی A.A.Fedorov-Davidov در مورد این منظره نوشت: "بنابراین جهانشمول بودن ترکیبی آن به عنوان موجود طبیعی طبیعت ارائه می شود و محتوای "فلسفی" از نقاش منظره نشات نمی گیرد، گویی به چشم انداز داده می شود. بیننده ذاتا خود در اینجا، مانند «ولادیمیرکا»، لویتان با خوشحالی از هر گونه تقدم ایده بر ادراک فیگوراتیو، یعنی هر نوع «تصویری» اجتناب کرد. تأمل فلسفیدر شکلی کاملاً احساسی، به عنوان زندگی طبیعی، به عنوان یک "وضعیت" طبیعت، به عنوان یک "منظر خلق و خو" ظاهر می شود. یک بار لویتان که از سال 1898 در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو تدریس می کرد، به یکی از شاگردانش پیشنهاد کرد که یک بوته سبز روشن را از طرح حذف کند. لویتان در پاسخ به این سوال: "پس می توان طبیعت را اصلاح کرد؟" پاسخ داد که طبیعت را نباید اصلاح کرد، بلکه باید در مورد آن فکر کرد.
نقشه برداری فضای بزرگآسمان و وسعت بزرگ آب به هنرمند این فرصت را می دهد تا از طیف گسترده ای از روابط رنگی و آهنگی استفاده کند. او اغلب و با رضایت سطح آب را به تصویر می کشید.
نقش اصلی در لحن فیگوراتیو حماسی این مناظر توسط کار هنرمند روی صحنه برای اپرای M. P. Mussorgsky Khovanshchina برای تئاتر S. I. Mamontov ایفا شد. "مسکو قدیمی. خیابان در کیتای گورود اوایل XVIIقرن»، «در سپیده دم در دروازه های رستاخیز» (هر دو 1900) و بسیاری از آثار دیگر با تصویری واقعی از منظره متمایز می شوند، که جای تعجب نیست، زیرا نویسنده آنها یک نقاش منظره است. واسنتسف سالها نقاشی منظره را در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو تدریس می کرد.

از زمان های بسیار قدیم، مردم همیشه طبیعت را تحسین می کردند. آنها عشق خود را با به تصویر کشیدن آن در انواع موزاییک ها، نقش برجسته ها و نقاشی ها ابراز می کردند. بسیاری از هنرمندان بزرگ خلاقیت خود را وقف نقاشی مناظر کرده اند. تصاویری که جنگل ها، دریاها، کوه ها، رودخانه ها، مزارع را به تصویر می کشند واقعا مسحور کننده هستند. و شما باید به استادان بزرگی احترام بگذارید که با این جزئیات، رنگارنگ و احساسی تمام زیبایی و قدرت دنیای اطراف ما را در آثار خود منتقل کردند. این نقاشان منظره و بیوگرافی آنها هستند که در این مقاله مورد بحث قرار خواهند گرفت. امروز در مورد آثار نقاشان بزرگ زمان های مختلف صحبت خواهیم کرد.

نقاشان برجسته منظره قرن هفدهم

در قرن هفدهم تعداد زیادی وجود داشت افراد با استعدادکه ترجیح می داد زیبایی های طبیعت را به تصویر بکشد. برخی از مشهورترین آنها کلود لورن و ژاکوب آیزاک ون رویسدیل هستند. با آنها داستان خود را آغاز خواهیم کرد.

کلود لورن

این هنرمند فرانسوی را بنیانگذار منظر دوره کلاسیکیسم می دانند. بوم های او با هارمونی باور نکردنی و ترکیب بندی عالی متمایز می شوند. ویژگی متمایز تکنیک K. Lorrain توانایی انتقال بی عیب و نقص نور خورشید، پرتوهای آن، انعکاس در آب و غیره بود.

علیرغم این واقعیت که استاد در فرانسه متولد شد، اکثراو زندگی خود را در ایتالیا گذراند و زمانی که تنها 13 سال داشت آنجا را ترک کرد. او تنها یک بار و سپس برای دو سال به وطن بازگشت.

توسط بیشترین آثار معروف K. Lorrain نقاشی های "نمای فروم رومی" و "نمای بندر با کاپیتول" هستند. امروزه آنها را می توان در موزه لوور دید.

یاکوب اسحاق ون رویسدیل

یاکوب ون رویسدیل - نماینده رئالیسم - در هلند متولد شد. این هنرمند در طول سفر خود به هلند و آلمان آثار قابل توجه بسیاری خلق کرد که با تضاد شدید تن ها، رنگ های دراماتیک و سردی مشخص می شود. یکی از درخشان ترین نمونه های این گونه نقاشی ها را می توان گورستان اروپایی دانست.

با این حال ، کار این هنرمند به بوم های غم انگیز محدود نمی شد - او همچنین به تصویر کشید مناظر روستایی. از معروف ترین آثار می توان به «منظره روستای اگموند» و «منظره با آسیاب آبی» اشاره کرد.

قرن 18

برای نقاشی XVIIIقرن با بسیاری از ویژگی های جالب مشخص می شود؛ در این دوره، روندهای جدیدی در شکل هنری ذکر شده شکل گرفت. به عنوان مثال، نقاشان منظره ونیزی، در مناطقی مانند منظره (نام دیگر - پیشرو) و معماری (یا شهری) کار می کردند. و چشم انداز پیشرو به نوبه خود به دقیق و خارق العاده تقسیم شد. نماینده روشنودوتا فوق العاده فرانچسکو گواردی است. حتی نقاشان منظره مدرن نیز می توانند به فانتزی ها و تکنیک های اجرای او حسادت کنند.

فرانچسکو گواردی

بدون استثنا، تمام آثار او با چشم انداز بی عیب و نقص، تولید مثل رنگ قابل توجه متمایز می شوند. مناظر جذابیت جادویی خاصی دارند، به سادگی غیرممکن است که چشمان خود را از آنها بردارید.

لذت بخش ترین آثار او را می توان نقاشی های "کشتی جشن دوج" بوسینتورو "، گوندولا در مرداب "، حیاط ونیزی "و" ریو دی مندیکانتی نامید. تمام نقاشی های او مناظری از ونیز را به تصویر می کشد.

ویلیام ترنر

این هنرمند نماینده رمانتیسم است.

یکی از ویژگی‌های بارز نقاشی‌های او استفاده از سایه‌های زرد زیاد است. این پالت زرد بود که به رنگ اصلی در آثار او تبدیل شد. استاد این را با این واقعیت توضیح داد که چنین سایه هایی را با خورشید و خلوصی که می خواست در نقاشی های خود ببیند مرتبط می کند.

زیباترین و مسحورکننده ترین اثر ترنر، باغ هسپریدها است که منظره ای خارق العاده است.

ایوان آیوازوفسکی و ایوان شیشکین

این دو نفر واقعاً بزرگترین و مشهورترین نقاشان منظره در روسیه هستند. اولین - ایوان کنستانتینویچ آیوازوفسکی - دریای باشکوه را در نقاشی های خود به تصویر کشید. خشونت عناصر، امواج بالارونده، پاشیدن فوم به سمت یک کشتی کج شده، یا فضایی آرام و آرام که با غروب خورشید روشن شده است - مناظر دریا با طبیعی بودن و زیبایی خود به وجد می آیند و شگفت زده می شوند. به هر حال، به چنین نقاشان منظره، نقاشان دریایی می گویند. دوم - ایوان ایوانوویچ شیشکین - دوست داشت جنگل را به تصویر بکشد.

شیشکین و آیوازوفسکی هر دو نقاشان منظره قرن نوزدهم هستند. اجازه دهید در مورد زندگی نامه این شخصیت ها با جزئیات بیشتری صحبت کنیم.

در سال 1817 یکی از مشهورترین نقاشان دریایی جهان به نام ایوان آیوازوفسکی متولد شد.

او در خانواده ای ثروتمند به دنیا آمد، پدرش تاجر ارمنی بود. هیچ چیز شگفت انگیزی در این واقعیت وجود ندارد که استاد آینده نسبت به دریا ضعف داشت. پس از همه، Feodosia، یک شهر بندری زیبا، زادگاه این هنرمند شد.

در سال 1839 ایوان از جایی که به مدت شش سال تحصیل کرد فارغ التحصیل شد. در مورد سبک هنرمند نفوذ بزرگخلاقیت نقاشان دریایی فرانسوی C. Vernet و C. Lorrain را داشت که بوم‌های نقاشی خود را بر اساس قوانین باروک-کلاسیک نقاشی کردند. مشهورترین اثر I.K. Aivazovsky نقاشی "موج نهم" است که در سال 1850 ساخته شده است.

بجز مناظر دریایی، هنرمند بزرگ روی تصویر کار کرده است صحنه های نبرد (یک مثال برجسته- رنگ آمیزی " نبرد چسمه"، 1848)، و همچنین بسیاری از بوم های نقاشی خود را به موضوعات تاریخ ارمنستان اختصاص داد ("بازدید جی. جی. بایرون از صومعه مخیتاریست در نزدیکی ونیز"، 1880).

آیوازوفسکی خوش شانس بود که در طول زندگی خود به شهرت باورنکردنی دست یافت. بسیاری از نقاشان منظره که در آینده به شهرت رسیدند کارهای او را تحسین کردند و از او نمونه گرفتند. این خالق بزرگ در سال 1990 درگذشت.

شیشکین ایوان ایوانوویچ در ژانویه 1832 در شهر یلابوگا به دنیا آمد. خانواده ای که وانیا در آن بزرگ شد چندان مرفه نبود (پدرش یک تاجر فقیر بود). در سال 1852 شیشکین تحصیلات خود را در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو آغاز کرد که چهار سال بعد در سال 1856 از آن فارغ التحصیل شد. حتی اولین آثار ایوان ایوانوویچ با زیبایی فوق العاده و تکنیک بی نظیر خود متمایز می شوند. بنابراین، جای تعجب نیست که در سال 1865 به I. I. Shishkin برای نقاشی "منظره ای در مجاورت دوسلدورف" عنوان آکادمیک داده شد. و پس از هشت سال به مقام استادی رسید.

او مانند بسیاری دیگر از طبیعت نقاشی می کرد و مدت طولانی را در طبیعت می گذراند، در مکان هایی که هیچکس نمی توانست مزاحم او شود.

اکثر بوم های معروفنقاشان بزرگ «بیابان» و «صبح در جنگل کاج"، نوشته شده در سال 1872، و نقاشی قبلی "ظهر. در مجاورت مسکو "(1869)

زندگی یک فرد با استعداد در بهار سال 1898 قطع شد.

بسیاری از نقاشان منظره روسی هنگام نوشتن بوم های خود از جزئیات زیادی و بازتولید رنگ های رنگارنگ استفاده می کنند. همین را می توان در مورد این دو نماینده نقاشی روسی نیز گفت.

الکسی ساوراسوف

الکسی کوندراتیویچ ساوراسوف نقاش منظره مشهور جهانی است. این اوست که بنیانگذار منظره غنایی روسیه محسوب می شود.

این یکی متولد شد فرد برجستهدر مسکو در سال 1830. از سال 1844، الکسی تحصیلات خود را در مدرسه نقاشی و مجسمه سازی مسکو آغاز کرد. او قبلاً از جوانی با استعداد و توانایی خاصی در به تصویر کشیدن مناظر متمایز بود. با این حال، با وجود این، به دلایل خانوادگی، مرد جوان مجبور شد تا چهار سال بعد تحصیل خود را قطع کند و آن را از سر بگیرد.

معروف ترین و محبوب ترین اثر ساوراسوف البته بوم "روک ها رسیده اند" است. در سال 1971 در نمایشگاه مسافرتی ارائه شد. نقاشی های I. K. Savrasov "چودار"، "ذوب شدن"، "زمستان"، "جاده کشور"، "رنگین کمان"، "کمتر جالب نیست. جزیره گوزن". با این حال، به گفته منتقدان، هیچ یک از آثار این هنرمند را نمی توان با شاهکار او The Rooks Have Arrived مقایسه کرد.

علیرغم این واقعیت که ساوراسوف نقاشی های بسیار زیبایی کشید و از قبل به عنوان نویسنده نقاشی های شگفت انگیز شناخته می شد، اما به زودی برای مدت طولانی فراموش شد. و در سال 1897 در فقر و ناامیدی در اثر مشکلات خانوادگی، مرگ کودکان و اعتیاد به الکل درگذشت.

اما نقاشان بزرگ منظره را نمی توان فراموش کرد. آنها در نقاشی های خود زندگی می کنند که جذابیت آنها نفس گیر است و ما هنوز می توانیم آنها را تا به امروز تحسین کنیم.

نیمه دوم قرن 19

این دوره با رواج در نقاشی روسی از جهتی مانند منظره روزمره مشخص می شود. بسیاری از نقاشان منظره روسی از جمله ماکوفسکی ولادیمیر یگوروویچ در این زمینه کار کردند. ارسنی مشچرسکی و همچنین آیوازوفسکی و شیشکین که قبلاً توصیف شده بود، که کارشان در نیمه دوم قرن نوزدهم انجام شد، از استادان کمتر مشهور آن زمان ها نیستند.

آرسنی مشچرسکی

این هنرمند مشهور در سال 1834 در استان Tver متولد شد. او تحصیلات خود را در آکادمی امپراتوری هنر گذراند و به مدت سه سال در آنجا تحصیل کرد. مضامین اصلی بوم های نویسنده جنگل بود و هنرمند علاقه زیادی به به تصویر کشیدن مناظر باشکوه کریمه و قفقاز با کوه های باشکوه آنها در نقاشی های خود داشت. در سال 1876 عنوان استاد نقاشی منظره را دریافت کرد.

موفق ترین و مشهورترین بوم نقاشی او را می توان نقاشی "زمستان. یخ شکن، «منظره ژنو»، «طوفان در آلپ»، «در دریاچه جنگل»، «منظره جنوبی»، «منظره کریمه».

علاوه بر این، مشچرسکی زیبایی سوئیس را نیز منتقل کرد. در این کشور مدتی نزد استاد منظره نگاری کلام تجربه کسب کرد.

و استاد به سرمه ای و حکاکی علاقه داشت. در این تکنیک ها آثار قابل توجه زیادی نیز خلق کرد.

بسیاری از نقاشی های هنرمند مورد نظر در نمایشگاه های روسیه و سایر کشورهای جهان به نمایش گذاشته شد. بنابراین، بسیاری از مردم موفق به قدردانی از استعداد و اصالت این فرد خلاق شدند. نقاشی های آرسنی مشچرسکی همچنان بسیاری از مردم را که به هنر علاقه دارند تا به امروز خوشحال می کند.

ماکوفسکی ولادیمیر اگوروویچ

Makovsky V. E. در سال 1846 در مسکو متولد شد. پدرش هنرمند مشهوری بود. ولادیمیر تصمیم گرفت راه پدرش را ادامه دهد و در مدرسه نقاشی، مجسمه سازی و معماری مسکو تحصیلات هنری دریافت کرد و پس از آن راهی سن پترزبورگ شد.

موفق ترین نقاشی های او «در انتظار. در زندان، «فروپاشی بانک»، «توضیحات»، «خانه اتاق خواب» و «باکانالیا بهار». آثار عمدتاً مردم عادی و صحنه های روزمره را به تصویر می کشند.

ماکوفسکی علاوه بر مناظر روزمره، که در آنها استاد بود، پرتره ها و تصاویر مختلفی نیز می کشید.

از ورود شما به وبلاگ هنر معاصر خوشحالیم. امروز می خواهم در مورد نقاشی صحبت کنم، بنابراین این پست کاملا به این موضوع اختصاص دارد مناظر هنرمندان روسی. در آن شما بیشترین را پیدا خواهید کرد اطلاعات کاملدرباره آثار الکساندر آفونین، الکسی ساوچنکو و ویکتور بیکوف. همه آنها نه تنها بااستعداد هستند، بلکه استعدادهای بالاتری دارند. کار آنها چندوجهی، بدیع و ماهرانه است. آنها توجه نه تنها شهروندان سرزمین روسیه، بلکه نمایندگان و کلکسیونرهای خارج از کشور را نیز به خود جلب می کنند. نوشتن مختصر در مورد آنها کار آسانی نیست، اما ما سعی خواهیم کرد اطلاعات را به صورت جداگانه جمع آوری کنیم تا تنها جالب ترین و مهم ترین موارد از زندگی هنرمندان و آثار آنها را در اختیار شما قرار دهیم. خوب، بیایید به مناظر هنرمندان روسی برویم؟

مناظر هنرمند واقعی روسی الکساندر آفونین

الکساندر آفونین یک هنرمند واقعی روسی، شیشکین مدرن نامیده می شود که کاملاً موجه است. او عضو فدراسیون بین المللی هنرمندان یونسکو (1996) است و از سال 2004 عنوان هنرمند ارجمند فدراسیون روسیه را دریافت کرده است. این هنرمند در سال 1966 در کورسک متولد شد. نقاشی را از 12 سالگی شروع کرد. به تدریج بزرگ می شود مرد جوانشروع به جذب بازتولید شاهکارهای جهانی نقاشی کرد. پدر پاول پشتیبان اسکندر بود، او اصول اولیه نقاشی، تونالیته را برای او توضیح داد. آفونین با درک هنر "در خانه" وارد مدرسه هنر کورسک شد که در سال 1982 از آنجا فارغ التحصیل شد.

دوره 1982 تا 1986 نقطه عطفی برای هنرمند برای کل بود زندگی بعدی. علاوه بر این واقعیت که در این دوره زمانی آفونین در مدرسه هنر ژلزنوگورسک تحصیل کرد، در آن زمان بود که حرفه ای را آموخت. امروزه اسکندر این مدرسه را یکی از بهترین مدارس روسیه می داند.

الکساندر پاولوویچ آفونینترجیح می دهد مناظر را نه از عکاسی و نه در دفتر، بلکه از زندگی نقاشی کند. این هنرمند ادعا می کند که کپی کردن مناظر عکاسی زمینه خوبی برای تخریب، به ویژه از دست دادن حس طراوت و حس هوا است. جای تعجب نیست که استادان بزرگی مانند Levitan، Savrasov، Kuindzhi کیلومترها در جستجوی طبیعت پرستاری کردند.

آفونین به لطف استعداد و تلاش خود در سال 1989 وارد آکادمی نقاشی، مجسمه سازی و معماری روسیه شد که در آن زمان تازه تاریخ خود را آغاز کرده بود. اسکندر از مدرسه فارغ التحصیل شد، دانشیار بخش آکادمیک نقاشی و طراحی شد و همچنین به عنوان رئیس کارگاه منظر منصوب شد. اکنون الکساندر پاولوویچ در حال حاضر یک استاد، رئیس بخش و یک هنرمند افتخاری میهن خود است. این هنرمند معتقد است که هر گوشه دورافتاده ای از سرزمین روسیه را می توان و باید در عرصه هنر عالی اسیر کرد.

نقاشی های نویسنده به قدری شاعرانه و آغشته به طراوت است که حتی نمی خواهی چشم از یک بوم برداری تا به بوم دیگر نگاه کنی. آرزو می کنیم هنگام تماشای مناظر این هنرمند روسی احساسات مثبت زیادی به دست آورید.

مناظر طبیعت فصول مختلف از الکسی ساوچنکو

الکسی ساوچنکو یک هنرمند نسبتا جوان است، اما در حال حاضر قابل تشخیص و بسیار امیدوار کننده است. موضوع اصلینقاشی های او که به لطف سبک نویسندگی اتود خلق شده است، شهرهای کوچک، روستاهای نیمه فراموش شده، کلیساهای بازمانده، در یک کلام، مناطق داخلی روسیه وسیع است. ساوچنکو متخصص در مناظر طبیعت فصول مختلف است. به عنوان یک قاعده، نقاشی های او ماهیت منطقه مرکزی فدراسیون روسیه را منتقل می کند.

مناظر اثر هنرمند روسی الکسی ساوچنکوآنها آن را نه با رنگ، بلکه با یک خلق و خوی شمالی سرگردان می گیرند. ، حداکثر رئالیسم رنگ - شاید این همان چیزی است که به وضوح روی بوم های نویسنده قابل مشاهده است.

الکسی الکساندرویچ در سال 1975 به دنیا آمد. او خوش شانس بود که در یک شگفت انگیز به دنیا آمد شهر تاریخیسرگیف پوساد، مروارید "حلقه طلایی" که در درجه اول به عنوان محل زیارت دسته جمعی ارتدکس شناخته می شود.

در سال 1997 ، الکسی تخصص یک طراح گرافیک را دریافت کرد و از کالج اسباب بازی های روسیه فارغ التحصیل شد. در سال 2001 - دانشکده هنرهای زیبا و صنایع دستی عامیانه در دانشگاه آموزشی مسکو. از سال 2005 - عضو اتحادیه خلاق هنرمندان روسیه. دائماً در نمایشگاه های هنرمندان حرفه ای شرکت می کند. بسیاری از آثار او توسط مجموعه داران هنری در روسیه و خارج از کشور نگهداری می شود.

"جنگل، انگار زنده" اثر هنرمند روسی ویکتور بیکوف

ویکتور الکساندرویچ بیکوف، نقاش منظره معروف روسی، نویسنده آثار بسیاری است که مستقیماً با زیبایی و غزل طبیعت روسیه مرتبط است. این هنرمند متولد 1958 است. او خیلی زود شروع به نقاشی کرد. در سال 1980 از مدرسه هنر فارغ التحصیل شد. در دوره 1988 تا 1993، ویکتور بیکوف در دانشگاه برجسته استروگانوفکا، که اکنون آکادمی هنر و صنعت دولتی مسکو نامیده می شود، تحصیل کرد. S.G. استروگانف.

امروزه سبک نویسنده در نقاشی در محافل هنر معاصررئالیسم ناتورالیستی نامیده می شود روزگار قدیمدر قرن گذشته آنها می گفتند "جنگل، انگار زنده است." تن های شاداب در دست ها هنرمند با تجربهجلوه مورد نظر را از تصاویر زنده ببخشید. خطوطی که به سختی قابل اتصال هستند، ترکیب شده با لایه‌های ضخیم رنگی که در یک آرایه پیوسته روی بوم اعمال می‌شوند، مناظر نویسنده روسی را از نظر جزئیات روشن و غنی می‌سازند. از طریق این تکنیک، احساس مشتاقانه ای از طبیعت خارق العاده نقاشی ها، بی نهایت افسانه ای آنها به دست می آید.

مناظر در نقاشی های هنرمند روسی واقع گرایی باورنکردنی را منتقل می کند، به نظر می رسد که از ماهیت زندگی پرتوهای خورشید می گوید و در عین حال هوای شفاف را در حجم های عظیم به حرکت در می آورد. نقاشی های این هنرمند با رنگ های هماهنگ، تصاویر تازه و حال و هوای مادر طبیعت اشباع شده است.

او زمستان های خود را تحسین می کند، که در آن سایه های ظریف انتخاب شده به طور معجزه آسایی حالات طبیعی مختلف را بازسازی می کنند - از مقاومت در برابر یخبندان در بهار، طراوت کریستالی یک صبح برفی تا سکوت مرموز یک عصر اواخر زمستان. پوشش برف در نقاشی های این هنرمند باعث می شود که ساختار برف، دانه بندی کریستال های باریک آن احساس شود.

مناظر اثر هنرمند روسی ویکتور بیکوفمحبوب به عنوان در سرزمین مادری، و فراتر از آن (مجموعه های خصوصی در فرانسه و آلمان). بازتولیدهای این هنرمند در طراحی تزئینی استفاده می شود، حتی در هنگام ایجاد الگوهای گلدوزی. و چه کسی می داند، شاید ما اغلب به کارهای ویکتور برخورد می کنیم، ناخواسته، ناشناس، بدون اینکه اهمیت زیادی برای این کار قائل شویم یا از نظر ذهنی خود را به رویاهای مربوط به آن وابسته کنیم. مناظر رنگارنگ سرزمین روسیهو هنرمندان با استعداد آن

در پایان پست ویدیویی فوق العاده در مورد مناظر کلاسیک هنرمندان روسی تماشا کنید:

جزئیات دسته: ژانرها و انواع نقاشی تاریخ انتشار 1394/11/30 18:35 بازدید: 4170

نقاشی منظره در روسیه به شدت توسعه یافت. بسیاری از هنرمندان شگفت انگیز که نقاشی های آنها شاهکارهای جهانی نقاشی منظره هستند، نشان داده شده است.

ژانر منظره در روسیه سرانجام در قرن هجدهم شکل گرفت. س.ف موسس آن محسوب می شود. شچدرین.

عصر کلاسیک

سمیون فدوروویچ شچدرین (1745-1804)

S. Shchedrin فارغ التحصیل آکادمی هنر سنت پترزبورگ، استاد نقاشی منظره در آکادمی شد. او به سبک کلاسیک گرایی آکادمیک کار می کرد، که همچنان در هنر نقاشی منظره روسیه جایگاه غالبی را اشغال می کرد. اوایل XIXکه در. او در هوای آزاد زیاد کار می کرد. مناظر او از نظر احساسی بیانگر است.
معروف ترین آثار او نماهایی از پارک ها و کاخ ها در پاولوفسک، گاچینا و پترهوف است.

S. Shchedrin "منظره کاخ گاچینا از دریاچه نقره ای" (1798)
F. Matveev و F. Alekseev به همین سبک کار کردند.

فئودور میخائیلوویچ ماتویف (1758-1826)

او همچنین فارغ التحصیل آکادمی هنر سنت پترزبورگ است. اما کار او، بر خلاف کار S. Shchedrin، عمدتاً به مناظر ایتالیا اختصاص دارد، جایی که او به مدت 47 سال زندگی کرد و در آنجا درگذشت.
مناظر او با سهولت اجرا، دقت، رنگ آمیزی گرم و مهارت خاصی در به تصویر کشیدن نقشه های دور متمایز است.

F. Matveev "محله نزدیک تیوولی" (1819). گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)

فئودور یاکوولویچ آلکسیف (1753/1755-1824)

F. Alekseev - یکی از بنیانگذاران منظر شهری روسیه، بزرگترین استاد ودوتا روسی.
او از آکادمی هنرهای زیبا فارغ التحصیل شد، در ونیز به عنوان یک هنرمند تئاتر پیشرفت کرد، اما در همان زمان مناظر نقاشی می کرد. بعداً کار بر روی مناظر تئاتر را به طور کامل ترک کرد و چیز مورد علاقه خود - منظره را انتخاب کرد. مناظر شهری او با غزل و ظرافت اجرا متمایز است.

F. Alekseev "نمای قلعه میخائیلوفسکی در سنت پترزبورگ از فونتانکا." موزه روسیه (پترزبورگ)

آندری افیموویچ مارتینوف (1768-1826)

نقاش منظره روسی. فارغ التحصیل فرهنگستان هنر. او مدتی طولانی در رم زندگی کرد، سپس به روسیه بازگشت و آکادمیک نقاشی شد. با سفارت روسیه به پکن سفر کرد و مناظر بسیاری از مناطق سیبری و چین را نقاشی کرد. سپس از کریمه و سواحل ولگا بازدید کرد و از آنجا نیز موضوعاتی را برای مناظر خود قرض گرفت. سفر دومی به ایتالیا انجام داد و در رم درگذشت.

A. Martynov "منظره رودخانه Selenga در سیبری"

دوران رمانتیسم

در این دوره، برجسته ترین نقاشان منظره عبارتند از S. Shchedrin (1791-1830)، V. Sadovnikov (1800-1879)، M. Lebedev (1811-1837)، G. Soroka (1823-1864) و A. Venetsianov ( 1780-1847).

سیلوستر فئودوسیویچ شچدرین (1791-1830)

S. Shchedrin "Self Portrait" (1817)
در خانواده مجسمه ساز معروف F.F. شچدرین. هنرمند سمیون شچدرین عموی اوست. او در سن 9 سالگی به تعداد شاگردان دارالفنون پذیرفته شد.
اولین نقاشی های او به سبک کلاسیک و وفادار به طبیعت نقاشی شد، اما هنوز دستخط فردی هنرمند را توسعه نداده اند.
نویسنده مناظر دریایی ایتالیایی
در مناظر 1828-30s. در حال حاضر یک شادی عاشقانه وجود دارد، میل به نورپردازی پیچیده و جلوه های رنگی. تصاویر به طرز نگران کننده ای دراماتیک هستند.

S. Shchedrin "شب مهتابی در ناپل"

گریگوری واسیلیویچ سوروکا (نام واقعی واسیلیف) (1823-1864)

G. Soroka "خود پرتره"

نقاش دژ روسی. او نقاشی را نزد A. G. Venetsianov آموخت و یکی از شاگردان مورد علاقه او بود. ونتسیانوف از صاحب زمین خواست که آزادی خود را به گریگوری بدهد تا بتواند تحصیلات خود را در آکادمی هنر ادامه دهد ، اما او نتوانست به این امر برسد - صاحب زمین او را برای باغبانان آماده کرد. پس از اصلاحات دهقانی، او در ناآرامی های دهقانی علیه مالک زمین شرکت کرد. او شکایت هایی از جامعه دهقانان علیه صاحب زمینش نوشت که به خاطر آن به مدت 3 روز بازداشت شد. گمان می رود این دستگیری باعث خودکشی این هنرمند شود.
مانند اکثر هنرمندان مکتب ونتسیانوف، جی. سوروکا مناظر شهری و روستایی، فضاهای داخلی و طبیعت بی جان را نقاشی کرد. آثار مکتب ونیزی با بی واسطه بودن شاعرانه به تصویر کشیدن زندگی اطراف مشخص می شود.

G. Soroka "منظره در اسپاسکی" (نیمه دوم دهه 1840)

الکسی گاوریلوویچ ونتسیانوف (1780-1847)

A. Venetsianov "خود پرتره" (1811)
یکی از اولین کسانی که جذابیت طبیعت کم نور نوار روسیه مرکزی را نشان می دهد.
خانواده ونیزی از یونان آمده بودند.
A. G. Venetsianov بیشتر به خاطر تصاویر دهقانانی که نقاشی می کرد مشهور بود. اما در بسیاری از نقاشی های او یک منظره وجود دارد - این هنرمند کاملاً قادر به انتقال کیاروسکورو بود.
A. Venetsianov نویسنده مقالات نظری و یادداشت هایی در مورد نقاشی است.

A. Venetsianov "چوپان خفته" (1823-1824)

نقاشی منظره نیمه دوم قرن نوزدهم

در نیمه دوم قرن نوزدهم. نقاشی منظره در روسیه در سبک های مختلف شروع به توسعه کرد: آنها هنوز هم در آن می نوشتند سبک رمانتیک M. Vorobyov، I. Aivazovsky، L. Lagorio، A. Bogolyubov.
P. Sukhodolsky (1835-1903) در تکنیک سپیا کار می کرد. سپیا- تکنیک تصویر رایج در نقاشی، طراحی و عکاسی. به معنای واقعی کلمه، کلمه "سپیا" به عنوان "کاتل ماهی" ترجمه شده است - در اصل رنگ این رنگ برای هنرمندان از کیسه های جوهر ماهی و ماهی مرکب ساخته شده است. این کیسه به صدف ها کمک می کند تا از خطر پنهان شوند: رنگی را بیرون می اندازد که فورا پخش می شود و هزاران لیتر آب را برای شکارچی کاملاً مات می کند. در حال حاضر برای هنرمندان از سپیای مصنوعی نیز استفاده می شود اما از سپیای طبیعی نیز استفاده می شود که از سریلانکا آورده شده است. اعتقاد بر این است که این قهوه ای طبیعی است که رنگ اشباع بیشتری دارد، مقاوم تر از مصنوعی است.

P. Sukhodolsky "در روستا در زمستان" (1893)
بسیاری از نقاشان شروع به کار کردند سبک واقع گرایانه(I. Shishkin)، فرم شاعرانه افسانه ای (V. Vasnetsov)، ژانر حماسی (M. Klodt) و غیره. نمی توان در مورد کار همه هنرمندان این دوره گفت، ما فقط به برخی از نام ها می پردازیم.

فئودور الکساندرویچ واسیلیف (1850-1873)

F. Vasiliev "خود پرتره"

نقاش منظره روسی که بسیار جوان درگذشت، اما مناظر شگفت انگیز زیادی از خود به جای گذاشت.
نقاشی او "ذوب" بلافاصله در زبان روسی به یک رویداد تبدیل شد زندگی هنری. تکرار نویسنده او با رنگ های گرمتر در نمایشگاه جهانی 1872 لندن به نمایش گذاشته شد.

F. Vasiliev "ذوب" (1871). گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
P.M. ترتیاکوف این نقاشی را حتی قبل از شروع نمایشگاه خرید. تکرار این نقاشی به دستور امپراتور الکساندر سوم بود، این کپی بود که در لندن بود.

F. Vasiliev " چمنزار مرطوب» (1872). گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)

ویکتور الپیدیفورویچ بوریسف-موساتوف (1870-1905)

V. Borisov-Musatov "خود پرتره"

این هنرمند، با روحی به‌طور شگفت‌انگیزی پاک، به سمت تصاویر تعمیم‌یافته، مناظر رنگارنگ و تزئینی گرایش داشت.

V. Borisov-Musatov "بهار" (1898-1901)
او می دانست چگونه خلق و خوی را از طریق وضعیت طبیعت بیان کند. بهار، با درختان گلدار و قاصدک های "کرکی"، انسان را در حالت شادی و امید روشن فرو می برد.

بوریس میخائیلوویچ کوستودیف (1878-1927)

ب. کوستودیف "خود پرتره" (1912)
ب. کوستودیف را استاد پرتره می دانند. اما بسیاری از کارهای او فراتر از این بود - او به چشم انداز روی آورد. در اوایل دهه 1900، برای چندین سال متوالی، به کار میدانی در استان کوستروما رفت و بسیاری از نقاشی‌های زندگی روزمره را خلق کرد. ژانر منظره. او به خط، نقاشی، نقطه رنگ اهمیت زیادی می داد.

B. Kustodiev "Shrovetide" (1903). موزه دولتی روسیه (پترزبورگ)
در همان دوره زمانی، هوای معمولی سرانجام در نقاشی منظره روسی تثبیت شد. توسعه بیشتر چشم انداز نقش اساسیامپرسیونیسم را بازی کرد که بر کار تقریباً همه نقاشان جدی در روسیه تأثیر گذاشت.

الکسی کوندراتیویچ ساوراسوف (1830-1897)

A. Savrasov (دهه 1870)
A.K. ساوراسوف بنیانگذار منظره غنایی شد، او موفق شد زیبایی و لطافت ناخواسته طبیعت با احتیاط روسیه را نشان دهد.
A. Savrasov از مدرسه نقاشی و مجسمه سازی مسکو فارغ التحصیل شد. نام ساوراسوف با اثر «منظره کرملین از پل کریمه در هوای نامساعد» به شهرت رسید. به گفته مورخ هنر N. A. Ramazanov، این هنرمند "لحظه را بسیار صادقانه و حیاتی منتقل کرد. شما حرکت ابرها را می بینید و صدای شاخه های درختان و علف های چرخان را می شنوید - بارانی خواهد بود.

A. Savrasov "منظره کرملین از پل کریمه در آب و هوای بد" (1851)
مشهورترین اثر A. Savrasov تابلوی "The Rooks Have Arrived" است. اما آنقدر نمادین شده است که تمام مناظر شگفت انگیز دیگر او را تحت الشعاع قرار داده است.
زندگی این هنرمند خیلی خوشحال نبود و به طرز غم انگیزی به پایان رسید. شاگرد محبوب او آیزاک لویتان نوشت: "از زمانی که ساوراسوف اشعار در نقاشی منظره و عشق بی حد و حصر به سرزمین مادری خود ظاهر شد.<...>و این شایستگی بی‌تردید او در عرصه هنر روسیه هرگز فراموش نخواهد شد. و منتقد ادبی I. Gronsky معتقد بود که "در نقاشی روسی تعداد کمی ساوراسوف وجود دارد ... ساوراسوف در نوعی صمیمیت خوب است ، فقط درک مشخصه او از طبیعت."

میخائیل واسیلیویچ نستروف (1862-1942)

M. Nesterov "Self Portrait" (1915)
M. Nesterov، شاگرد A. Savrasov، همچنین زیبایی محتاطانه طبیعت روسیه مرکزی را به تصویر کشید. او نوع منحصر به فردی از منظره خلق کرد که از نظر روحی نزدیک به I. Levitan بود - غنایی، عاری از زرق و برق و رنگ های روشن، آغشته به عشق به روسیه. این منظره در آن زمان "نستروفسکی" نامیده می شد. «شخصیت‌های» تغییرناپذیر چشم‌انداز او درختان نازک توس تنه‌ای سفید، درختان کریسمس رشد نکرده، سبزی خاموش بهار یا جنگل پاییزی، خوشه های قرمز مایل به قرمز از خاکستر کوهی، بیدها با گربه های پشمالو، گل هایی که به سختی قابل توجه هستند، فضای بی پایان، آب های آرام و بی حرکت با جنگل های یخ زده در آنها منعکس شده است. یکی دیگر از ویژگی های چشم انداز نستروف این است که طبیعت معنوی روی بوم های او همیشه در هماهنگی با حال و هوای غنایی شخصیت ها در هم می آمیزد و با سرنوشت آنها همدلی می کند.

ام. نستروف "دیدگاه بارتولمیوی جوان"

آرکیپ ایوانوویچ کویندجی (1841 یا 1842-1910)

V. Vasnetsov "پرتره Kuindzhi" (1869)
هنرمند روسی منشا یونانی. او بسیار فقیر بود، به عنوان روتوش پول به دست آورد، تلاش های ناموفقی برای ورود به فرهنگستان هنر انجام داد. فقط در سومین تلاش او داوطلب آکادمی امپراتوری هنر شد. در این زمان، او با سرگردان ها آشنا شد که در میان آنها I. N. Kramskoy و I. E. Repin بودند. این آشنایی تأثیر زیادی بر کار کویندجی گذاشت و شروع درک واقع بینانه او از واقعیت بود.
اما در آینده، انجمن سرگردان برای او از بسیاری جهات مهارکننده شد و استعداد او را به محدودیت های سخت محدود کرد، بنابراین با او فاصله گرفت.
Kuindzhi توسط بازی زیبای نور و هوا جذب شد. و این، همانطور که می دانیم، نشانه امپرسیونیسم است.

A. Kuindzhi "شب مهتابی در Dnieper" (1880). موزه دولتی روسیه (پترزبورگ)

A. Kuindzhi " بیشه توس» (1879). گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
دیگر نقاشان چشم انداز قابل توجه قرن 19: واسیلی پولنوف (1844-1927)، کنستانتین کورووین (1861-1939)، ایلیا رپین (1844-1930)، نیکولای جی (1831-1894)، والنتین سرووف (1865-1911)، والنتین سروف (1865-1911)، کوستاندی (1852-1921)، نیکولای دوبوفسکوی (1859-1918) و دیگران، اینها هنرمندان امپرسیونیسم روسی هستند.
سرنوشت بسیاری از آنها به دلیل نگرش منفی نسبت به "کار اتود" که در دهه 30 شروع شد آسان نبود، کار آنها با اجتناب از توصیف مستقیم سبک آنها شروع به ارزیابی با کنایه کرد.
بیایید فقط نگاهی به مناظر شگفت انگیز آنها بیندازیم.

V. Borisov-Musatov " آهنگ پاییزی» (1905)

I. Repin "چه فضایی!" (1903)

K. Korovin " منظره پاییزی» (1909)

نقاشی منظره در قرن بیستم

در نقاشی منظره قرن XX. سنت ها و روندهای ایجاد شده در قرن 19 توسعه یافت: پیوتر کونچالوفسکی (1876-1956)، ایگور گرابار (1871-1960)، کنستانتین یوون (1875-1968) و هنرمندان دیگر.

I. Grabar "برف مارس" (1904)
سپس جستجو برای ابزارهای بیانی جدید برای انتقال منظره آغاز شد. و در اینجا باید نام هنرمندان آوانگارد کازیمیر مالویچ (1879-1935)، واسیلی کاندینسکی (1866-1944)، ناتالیا گونچاروا (1881-1962) را ذکر کنیم.

K. Malevich "چشم انداز. زمستان "(1909)
پاول کوزنتسوف (1878-1968)، نیکولای کریموف (1884-1958)، مارتیروس ساریان (1880-1972) و دیگران مناظر خود را با روح نمادگرایی خلق کردند.

P. Kuznetsov "در استپ. سراب (1911)
در عصر روش رئالیسم سوسیالیستی، شکل‌ها، سبک‌های فردی و تکنیک‌های جدید به رشد خود ادامه دادند. در میان نقاشان منظره، واسیلی باکشیف (1862-1958)، نیکولای کریموف (1884-1958)، نیکولای رومادین (1903-1987) و دیگران قابل تشخیص هستند که خط غنایی منظره را توسعه دادند.

V. Baksheev " بهار آبی» (1930). گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
کنستانتین بوگایفسکی (1872-1943)، الکساندر ساموخوالوف (1894-1971) و دیگران در ژانر منظر صنعتی کار می کردند.
الکساندر دینکا (1899-1969)، گئورگی نیسکی (1903-1987)، بوریس اوگاروف (1922-1991)، اولگ لوشاکوف (1936) به "سبک شدید" آنها کار کردند.

جی نیسکی "جاده سبز" (1959)
منظره یک تم ابدی و یک ژانر ابدی است، پایان ناپذیر است.

هنرمند مدرن A. Savchenko "در تابستان"