رمانتیسم در نقاشی جنبشی است که از اواخر قرن هجدهم آغاز شد و تا اواسط قرن نوزدهم شکوفا شد. این به عنوان پاسخی به ناامیدی از ارزش های دوره روشنگری، توسط هنرمندانی که در استودیوی ژاک لوئیس دیوید (بنیانگذار نئوکلاسیکیسم) تحصیل می کردند، شکل گرفت. از جمله آن لوئیس ژیرودت-تریوسون، آنتوان ژان گروس، ژان آگوست دومینیک اینگرس. محو شدن مرزهای سبکی به بهترین وجه در نقاشی های آپوتئوزیس هومر اثر انگر و مرگ سارداناپالوس اثر یوژن دلاکروا نشان داده شده است. هر دو بوم در سال 1827 در سالن پاریس به نمایش گذاشته شد. علیرغم این واقعیت که آثار اولی، همانطور که به نظر می رسد، ایده های کلاسیک انقلابی را کاملاً تجسم می بخشد، بر خلاف «به هم ریختگی» تماشایی دلاکروا، که در آن پایان جهان پیش بینی می شود، هر دوی آنها مدل را از بین می برند. از دیوید، خود را با آن مخالفت می کنند، و آزادی بیان هنرمند را - مفهوم اصلی، که رمانتیسم را در نقاشی تعریف می کند - ادعا می کنند.
موضوعات اصلی جهت
از جمله طبیعت با قدرت تسلیم ناپذیر و غیرقابل پیش بینی آن است. نوستالژی، به ویژه برای گوتیک (عرفان و تحسین مرگ)؛ علاقه به سنت های عامیانه؛ شکل یک قهرمان رمانتیک (مثلاً یک انقلابی). هنرمندان مفاهیم و حالات پیچیده را تجلیل کردند - آزادی و شجاعت، ترس و نفرت، آرمان های عالی و ناامیدی، "هر چیزی که روح را می لرزاند، با احساس وحشت حک می شود، به عالی می انجامد" (به گفته فیلسوف و روشنگر فرانسوی دنیس دیدرو) . البته رمانتیسم در نقاشی جایگزینی برای دنیای ایدئولوژیک، برنامه ای و اصولی هنر روشنگری بود که در آن همه چیز تابع وظایف اجتماعی بود.
آثار نمادین
در هنرهای زیبای فرانسه و بریتانیا در اواخر قرن هجدهم و اوایل قرن نوزدهم، صحنه های غرق شدن کشتی اغلب نشان داده می شود. به ویژه اثر خیره کننده Theodore Géricault The Raft of the Medusa که بر اساس یک حادثه واقعی ساخته شده است، قابل توجه است. یک بوم بسیار پیچیده، با وضوح وحشتناک، شدت احساسی و عدم حضور قهرمان، به نمادی از سبک جدید تبدیل شد. به طور مشابه، می توانید نقاشی ویلیام ترنر "هانیبال و ارتشش از آلپ عبور می کنند" را توصیف کنید، که در آن فرمانده و ارتش او، که در پس زمینه یک چشم انداز عظیم به تصویر کشیده شده اند، با نیروهای طبیعی (کولاک) و قبایل محلی دست و پنجه نرم می کنند.
رمانتیسم در نقاشی در کشورهای مختلف
با نام های بزرگی مانند جان کنستبل (انگلیس)، فرانچسکو هیز (ایتالیا)، فرانسیسکو گویا (اسپانیا)، کاسپار دیوید فردریش، کارل برچن، کارل فردریش لسینگ (آلمان) نشان داده شده است. در آمریکا، فردریک ادوین چرچ و آلبرت بیرشتات در این سبک کار پرباری کردند. هنرمندان از تخیل خود برای فراتر رفتن از درک متعارف و حقایق مذهبی سنتی استفاده کردند. آنها به همان اندازه احساسات، تجربیات، ناآرامی های عاطفی را بیان کردند که در محدوده بوم به تصویر کشیده شود. با وجود این شورش ظاهری، اکثر آنها افراد بسیار روحانی بودند که عمیقاً هنر را درک می کردند. به نظر آنها، او بیش از حد سختگیر و حتی ریاکار بود و خود را صرف مبارزه با طبیعت ناقص انسان (در رابطه با سقوط او به گناه) می کرد. ویلیام بلیک، یوهان هاینریش فوسلی، فرانسیسکو دی گویا، از جمله هنرمندان مشهوری که فردگرایی و آزادی شخصی را در بالاترین سطح نشان دادند، و خود را وقف بیش از آنچه سنت تحمیل کرده بود، کردند. آنها را محققین مضامین نیروهای ماوراء طبیعی و احساسات تاریک می نامند.
رمانتیسیسم در نقاشی روسی در تماس نزدیک با کلاسیک گرایی و روند واقع گرایانه توسعه یافت. تحت تأثیر اصول او، هنرمندان (نقاشان پرتره اورست کیپرنسکی، واسیلی تروپینین، نقاش دریایی ایوان آیوازوفسکی) تصاویری از لحاظ عاطفی عالی، ارتقا یافته و معنوی خلق کردند. با این حال در آثار آنها همچنان میل به رئالیسم به چشم می خورد.
هنر دوره رمانتیسیسم در بطن ایده خود ارزش معنوی و خلاقانه فردی را به عنوان موضوع اصلی فلسفه و تأمل دارد. این در اواخر قرن 18 ظاهر شد و با نقوش رمانتیک مرتبط با موارد عجیب و غریب و رویدادهای زیبا یا مناظر مشخص می شود. ظاهر این جریان در هسته آن مخالفت با کلاسیک گرایی بود و منادی ظهور آن احساسات گرایی بود که کاملاً به وضوح در ادبیات آن زمان بیان شد.
با آغاز قرن نوزدهم، رمانتیسیسم شکوفا شد و کاملاً خود را در تصاویر حسی و احساسی غوطه ور کرد. علاوه بر این، یک واقعیت بسیار مهم، بازاندیشی در نگرش به دین در این عصر و همچنین ظهور الحاد بیان شده در اثر بود. ارزش‌های احساسات و تجربیات قلبی در رأس آنها قرار می‌گیرد، و همچنین به تدریج شهود یک فرد به رسمیت شناخته می‌شود.
رمانتیسم در نقاشی
جهت با تخصیص مضامین عالی مشخص می شود که اصلی ترین آن برای این سبک در هر فعالیت خلاقانه است. حس گرایی به هر شکل ممکن و قابل قبولی بیان می شود و این مهم ترین تفاوت در این مسیر است.
(کریستیانو بانتی "گالیله قبل از تفتیش عقاید روم")
از بنیانگذاران رمانتیسیسم فلسفی می توان نوالیس و شلایرماخر را متمایز کرد، اما در نقاشی تئودور ژیرکولت از این نظر متمایز شد. در ادبیات، می توان به نویسندگان برجسته دوره رمانتیسم - برادران گریم، هافمن و هاینه اشاره کرد. در بسیاری از کشورهای اروپایی، این سبک تحت نفوذ قوی آلمان توسعه یافت.
ویژگی های اصلی را می توان نام برد:
- یادداشت های عاشقانه به وضوح در خلاقیت بیان شده است.
- یادداشت های افسانه ای و اسطوره ای حتی در نثر کاملا غیر افسانه ای.
- تأملات فلسفی در مورد معنای زندگی انسان؛
- تعمیق در موضوع رشد شخصیت.
(فردریش کاسپار دیوید "طلوع ماه بر فراز دریا")
می توان گفت رمانتیسیسم با نت هایی از تزکیه طبیعت و طبیعی بودن طبیعت انسان و حس طبیعی بودن مشخص می شود. وحدت انسان با طبیعت نیز تجلیل می شود و تصاویر دوران شوالیه، احاطه شده توسط هاله ای از نجابت و شرافت و همچنین مسافرانی که به راحتی سفرهای عاشقانه را آغاز می کنند نیز بسیار محبوب هستند.
(جان مارتین "مکبث")
وقایع در ادبیات یا نقاشی حول محور قوی ترین احساسات تجربه شده توسط شخصیت ها شکل می گیرد. قهرمانان همیشه شخصیت هایی مستعد ماجراجویی، بازی با سرنوشت و از پیش تعیین سرنوشت بوده اند. در نقاشی، رمانتیسم کاملاً با پدیده های خارق العاده ای مشخص می شود که روند تبدیل شدن به شخص و رشد معنوی یک فرد را نشان می دهد.
رمانتیسم در هنر روسیه
در فرهنگ روسیه، رمانتیسیسم به ویژه در ادبیات برجسته بود و اعتقاد بر این است که اولین جلوه های این روند در شعر عاشقانه ژوکوفسکی بیان شده است، اگرچه برخی از کارشناسان معتقدند آثار او به احساسات گرایی کلاسیک نزدیک است.
(V. M. Vasnetsov "Alyonushka")
ویژگی رمانتیسیسم روسی آزادی از قراردادهای کلاسیک است و این روند با توطئه های دراماتیک رمانتیک و تصنیف های طولانی مشخص می شود. در واقع این آخرین درک از جوهر انسان و همچنین اهمیت شعر و خلاقیت در زندگی مردم است. در این راستا، همان شعر معنای جدی‌تر و پرمعنی‌تری پیدا می‌کند، هر چند که پیش از این سرودن شعر سرگرمی توخالی معمولی تلقی می‌شد.
(فدور الکساندرویچ واسیلیف "ذوب")
اغلب در رمانتیسم روسی، تصویر شخصیت اصلی به عنوان یک فرد تنها و عمیقاً رنج دیده ایجاد می شود. این رنج و تجربه های عاطفی است که هم در ادبیات و هم در نقاشی بیشتر مورد توجه نویسندگان قرار می گیرد. در واقع این حرکتی جاودانه همراه با افکار و تأملات گوناگون و مبارزه انسان با تغییرات دائمی در دنیایی است که او را احاطه کرده است.
(اورست کیپرنسکی "پرتره زندگی سرهنگ هوسران ای.و. داویدوف")
قهرمان معمولاً کاملاً خود محور است و دائماً علیه اهداف و ارزش‌های مبتذل و مادی افراد عصیان می‌کند. رهایی از ارزش های مادی را به نفع ارزش های معنوی و شخصی ترویج می کند. در میان محبوب ترین و برجسته ترین شخصیت های روسی که در چارچوب این جهت خلاق ایجاد شده اند، می توان شخصیت اصلی رمان "قهرمان زمان ما" را مشخص کرد. این رمان است که انگیزه ها و یادداشت های رمانتیسم را در آن دوره به وضوح نشان می دهد.
(ایوان کنستانتینویچ آیوازوفسکی "ماهیگیران در ساحل")
این نقاشی با نقوش افسانه ای و فولکلور، عاشقانه و پر از رویاهای مختلف مشخص می شود. تمامی آثار تا حد امکان زیبا و دارای ساختار و فرم های صحیح و زیبا هستند. در این جهت، جایی برای خطوط سخت و اشکال هندسی و همچنین سایه های بیش از حد روشن و متضاد وجود ندارد. در این مورد از ساختارهای پیچیده و بسیاری از جزئیات کوچک و بسیار مهم در تصویر استفاده می شود.
رمانتیسم در معماری
معماری دوران رمانتیک به خودی خود شبیه به قلعه های افسانه ای است و با تجمل باورنکردنی متمایز می شود.
(کاخ بلنهایم، انگلستان)
برجسته ترین و معروف ترین ساختمان های این زمان به شرح زیر است:
- استفاده از سازه های فلزی که در این دوره اختراع جدیدی بود و نشان دهنده یک نوآوری نسبتاً منحصر به فرد بود.
- شبح‌ها و طرح‌های پیچیده که شامل ترکیبی باورنکردنی از عناصر زیبا، از جمله برجک‌ها و پنجره‌های خلیج می‌شود.
- غنا و تنوع اشکال معماری، فراوانی ترکیبات مختلف فناوری برای استفاده از آلیاژهای آهن با سنگ و شیشه؛
- ساختمان سبکی بصری به دست می آورد ، اشکال نازک به شما امکان می دهد حتی ساختمان های بسیار بزرگ را با حداقل حجم ایجاد کنید.
معروف ترین پل این دوره در سال 1779 در انگلستان ساخته شد و بر روی رودخانه سورن پرتاب شد. طول نسبتاً کوتاهی دارد، کمی بیش از 30 متر، اما این اولین سازه بود. بعدها پل های بیش از 70 متر ایجاد شد و پس از چند سال از سازه های چدنی در ساخت ساختمان ها استفاده شد.
ساختمان ها تا 4-5 طبقه داشتند و چیدمان داخلی با اشکال نامتقارن مشخص می شد. عدم تقارن در نماهای این دوران نیز دیده می شود و مشبک های آهنگری روی پنجره ها باعث می شود تا بر روحیه مناسب تاکید شود. شما همچنین می توانید از شیشه های رنگی استفاده کنید که به ویژه برای کلیساها و کلیساها صادق است.
زندگی معنوی یک فرد، تصویر احساسات قوی، معنوی شدن طبیعت، علاقه به گذشته ملی، میل به اشکال ترکیبی هنر با انگیزه های غم و اندوه جهانی، ولع تحقیق و بازآفرینی "سایه" ترکیب می شود. ، "شب" سمت روح انسان، با معروف "کنایه عاشقانه"، به رمانتیک ها اجازه می دهد تا با جسارت بالا و پست، تراژیک و کمیک، واقعی و خارق العاده را با هم مقایسه و برابر کنند. رومانتیسم در بسیاری از کشورها در حال توسعه است و به دلیل سنت ها و شرایط تاریخی محلی، در همه جا هویت ملی روشنی پیدا کرد. منسجم ترین مکتب رمانتیک در فرانسه توسعه یافت، جایی که هنرمندان، با اصلاح سیستم ابزارهای بیانی، ترکیب را پویا کردند، فرم ها را با یک حرکت خشونت آمیز ترکیب کردند، از رنگ های اشباع روشن و سبکی گسترده و تعمیم یافته در نوشتن استفاده کردند (نقاشی T. Géricault, E. دلاکروا، O. Daumier، پلاستیک نوشته P.J. David d "Angers, A.L. Bari, F. Ryuda) در آلمان و اتریش، رمانتیسیسم اولیه با توجه دقیق به هر چیزی که به شدت فردی، تونالیته مالیخولیایی-تفکری فیگوراتیو مشخص می شود. -ساختار عاطفی، حالات عرفانی-پانتئیستی (پرتره و ترکیبات تمثیلی F. O. Runge، مناظر K. D. Friedrich و J. A. Koch)، میل به احیای روح مذهبی نقاشی آلمانی و ایتالیایی قرن پانزدهم (اثر ناصری ها)؛ هنر Biedermeier (کار L Richter، K. Spitzweg، M. von Schwind، F.G. Waldmuller). در بریتانیا، مناظر J. Constable و R. Bonington با طراوت رمانتیک نقاشی مشخص شده است، آثار W. ترنر تصاویر خارق‌العاده و ابزارهای بیانی غیرمعمول، دلبستگی به فرهنگ قرون وسطی و رنسانس اولیه است - کار استادان جنبش رمانتیک پیش از رافائلی، Sh.G. روستی، ای. برن جونز، دبلیو موریس و دیگران). در سایر کشورهای اروپا و آمریکا، جنبش رمانتیک با مناظر (نقاشی های جی. ایننس و آ.پی. رایدر در ایالات متحده آمریکا)، ترکیب بندی هایی با موضوعات زندگی عامیانه و تاریخ (کار L. Galle در بلژیک، J. Manes در جمهوری چک، V. Madaras در مجارستان، P. Michalovsky و J. Matejko در لهستان و غیره). سرنوشت تاریخی رمانتیسیسم پیچیده و مبهم بود. این یا سایر تمایلات رمانتیک آثار استادان اصلی اروپایی قرن نوزدهم را مشخص کردند - هنرمندان مکتب باربیزون، سی. کوروت، جی. کوربت، جی.اف. میلت، ای. مانه در فرانسه، آ. فون منزل در آلمان، و غیره. در عین حال، تمثیل گرایی پیچیده، عناصر عرفان و فانتزی، که گاه ذاتی رمانتیسم است، تداومی در نمادگرایی، تا حدی در هنر پسا امپرسیونیسم یافت. سبک مدرن.هنر رمانتیسم در جدل با کلاسیک شکل می گیرد. در بعد اجتماعی، ظهور رمانتیسیسم با انقلاب کبیر فرانسه در قرن هجدهم همراه است؛ این به عنوان واکنشی از شور و شوق عمومی در مورد آغاز آن و همچنین به عنوان یک ناامیدی عمیق از توانایی های یک فرد در هنگام شکست ظاهر می شود. علاوه بر این، رمانتیسیسم آلمانی بعدها نسخه ای بدون خونریزی از انقلاب فرانسه در نظر گرفته شد.
رمانتیسیسم به عنوان یک جنبش ایدئولوژیک و هنری در نیمه اول قرن نوزدهم خود را اعلام می کند. این در درجه اول به عنوان یک گرایش ادبی به وجود می آید - در اینجا فعالیت رمانتیک ها بالا و موفق است. موسیقی آن زمان کم اهمیت نیست: آواز، موسیقی دستگاهی، تئاتر موزیکال (اپرا و باله) رمانتیسیسم هنوز اساس رپرتوار امروز را تشکیل می دهد. با این حال، در هنرهای تجسمی و فضایی، رمانتیسیسم هم در تعداد آثار خلق شده و هم در سطح آنها به وضوح کمتر جلوه می کند. نقاشی رمانتیک در آلمان و فرانسه به سطح شاهکارها می رسد، بقیه اروپا عقب هستند. صحبت از معماری رمانتیسیسم مرسوم نیست. فقط هنر باغبانی اصالتی را در اینجا نشان می دهد، و حتی پس از آن رمانتیک ها در اینجا ایده یک منظره انگلیسی یا پارک طبیعی را توسعه می دهند. همچنین جایی برای برخی از گرایش های نئوگوتیک عاشقانه وجود دارد که هنر خود را در این سریال دیدند: گوتیک - باروک - رمانتیسم. چنین نئوگوتیک در کشورهای اسلاو زیاد است.
هنر زیبای رمانتیسم
در قرن هجدهم. اصطلاح "عاشقانه" به معنای "عجیب"، "فوق العاده"، "زیبا" بود. به راحتی می توان فهمید که کلمات "عاشقانه"، "رومی" (شوالیه) از نظر ریشه شناختی بسیار نزدیک هستند.
در قرن 19 این اصطلاح به عنوان نام یک جنبش ادبی تعبیر شد که در تنظیماتش با کلاسیکیسم مخالف بود.
در هنرهای تجسمی، رمانتیسیسم به طرز جالبی در نقاشی و گرافیک خود را نشان داد، اما در مجسمه سازی به وضوح کمتر. منسجم ترین مکتب رمانتیسم در فرانسه شکل گرفت، جایی که مبارزه سرسختانه ای علیه جزم گرایی و عقل گرایی انتزاعی در هنر رسمی با روح کلاسیک گرایی آکادمیک وجود داشت. بنیانگذار مکتب رمانتیک نقاشی بود تئودور جریکو (1791-1824). او نزد استادان کلاسیک درس خواند، اما با حفظ جذابیت از کلاسیک گرایی به تصاویر قهرمانانه تعمیم یافته، ژریکولت برای اولین بار در نقاشی حس درگیری جهان، تمایل به بیان بیانگر رویدادهای مهم زمان ما را بیان کرد. . قبلاً اولین آثار این هنرمند احساسات بالایی را نشان می دهد ، "عصب" دوران جنگ های ناپلئونی ، که در آن جسارت زیادی وجود داشت ("افسر نگهبانان اسب گارد امپراتوری ، در حال حمله" ، " کویراسیر زخمی که میدان نبرد را ترک می‌کند"). آنها با نگرش غم انگیز، احساس سردرگمی مشخص می شوند. قهرمانان کلاسیک چنین احساساتی را تجربه نکردند یا آنها را به طور عمومی ابراز نکردند و ناامیدی، سردرگمی، مالیخولیا را زیبایی شناسی نکردند. بوم های زیبای هنرمندان رمانتیسیسم به صورت پویا نقاشی می شوند، رنگ آمیزی تحت تسلط لحن تیره ای است که با لهجه های رنگی شدید، ضربات تند و تند تند تند تند تند تند تند روحیه می بخشد.
Gericault تصویری بسیار پویا از "دویدن اسب های آزاد در رم" ایجاد می کند. در اینجا او در قانع کننده بودن انتقال حرکت همه هنرمندان قبلی برتری می یابد. یکی از آثار اصلی ژریکولت نقاشی "کلک مدوسا" است. او در آن حقایق واقعی را به تصویر می‌کشد، اما با چنان قدرت تعمیم که معاصران در آن نه تصویر یک کشتی غرق شده، بلکه کل اروپا را در ناامیدی دیدند. و تنها تعداد معدودی که پیگیرترین افراد هستند به مبارزه برای بقا ادامه می دهند. این هنرمند طیف پیچیده ای از احساسات انسانی را نشان می دهد - از ناامیدی غم انگیز تا انفجار طوفانی امید. پویایی این بوم با مورب ترکیب، مدل سازی تماشایی حجم ها، تغییرات متضاد نور و سایه تعیین می شود.
Gericault توانست خود را به عنوان استاد ژانر پرتره ثابت کند. در اینجا او همچنین به عنوان یک مبتکر عمل می کند و ویژگی های فیگوراتیو ژانر پرتره را تعریف می کند. در "پرتره دلاکروا بیست ساله" و در خودنگاره ها، ایده یک هنرمند رمانتیک به عنوان یک خالق مستقل، شخصیتی درخشان و عاطفی بیان شده است. او پایه های پرتره رمانتیک را که بعدها یکی از موفق ترین ژانرهای رمانتیک بود، گذاشت.
Gericault نیز به چشم انداز پیوست. در سفر در سراسر انگلستان، او از ظاهر او شگفت زده شد و به زیبایی های او ادای احترام کرد و بسیاری از نقاشی های منظره را خلق کرد که با رنگ روغن و آبرنگ نقاشی شده بودند. آنها از نظر رنگ غنی، در مشاهده ظریف هستند، با انتقاد اجتماعی غریبه نیستند. این هنرمند آنها را "سوئیت های بزرگ و کوچک انگلیسی" نامید. چقدر برای یک رمانتیک معمولی است که یک چرخه تصویری را اصطلاحی موسیقی بنامد!
متأسفانه عمر جریکولت کوتاه بود، اما او پایه و اساس یک سنت باشکوه را گذاشت.
از سال 1820 رئیس نقاشان رمانتیک شد فردیناند ویکتور یوژن دلاکروا (1798-1863). او تأثیر شدیدی از Gericault را تجربه کرد که با او از نیمکت شاگردان دوست بود. او نقاشی استادان قدیمی به ویژه روبنس را مطالعه کرد. در سراسر انگلستان سفر کرد و مجذوب نقاشی پاسبان شد. دلاکروا دارای خلق و خوی پرشور، تخیل خلاق قدرتمند و کارایی بالا بود. دلاکروا از همان گام های اولیه در عرصه حرفه ای، با قاطعیت عاشقانه ها را دنبال می کند. اولین نقاشی که او به نمایش گذاشت، نقاشی دانته و ویرژیل در قایق در حال عبور از استیکس ("قایق دانته") بود. تصویر پر از تراژدی، تراژدی غم انگیز است. او با بوم بعدی «قتل عام در خیوس» به رویدادهای واقعی مربوط به رنج یونانیان از یوغ ترک پاسخ داد. در اینجا او آشکارا موضع سیاسی خود را بیان کرد و در درگیری با یونانی ها که با آنها همدردی می کرد، طرف می گرفت، در حالی که دولت فرانسه با ترکیه معاشقه می کرد.
این نقاشی باعث انتقادات سیاسی و هنری شد، به ویژه پس از آن که دلاکروا، تحت تأثیر آثار پاسبان، نقاشی را با رنگ‌های روشن‌تر بازنویسی کرد. در پاسخ به انتقادات، این هنرمند بوم "یونان بر خرابه های میسولونگی" را خلق می کند که در آن دوباره به موضوع سوزان مبارزه یونان برای رهایی از یوغ ترکیه اشاره می کند. این نقاشی از دلاکروا بیشتر نمادین است، یک فیگور زن با دست بالا به نشانه نفرین کردن مهاجمان یا در دعوت به مبارزه، تمام کشور را به تصویر می کشد. به نظر می رسد که تصویر آزادی را در مشهورترین اثر این هنرمند پیش بینی می کند.
دلاکروا در جستجوی قهرمانان جدید، شخصیت‌های قوی، اغلب به تصاویر ادبی شکسپیر، گوته، بایرون، اسکات روی می‌آورد: "تاسو در پناهگاه"، "مرگ سارداناپال"، "قتل اسقف لیژ". برای «فاوست»، «هملت» لیتوگرافی می‌سازد و لطیف‌ترین سایه‌های احساسات شخصیت‌ها را بیان می‌کند که مورد تحسین گوته قرار گرفت. دلاکروا به ادبیات داستانی مانند پیشینیانش به کتاب مقدس نزدیک می شود و آن را به منبع بی پایانی از موضوع برای نقاشی ها تبدیل می کند.
در سال 1830، تحت تأثیر مستقیم انقلاب ژوئیه، دلاکروا بوم بزرگی به نام «آزادی رهبری مردم» («آزادی در موانع») را نقاشی کرد. بر فراز چهره‌های واقع‌گرایانه شرکت‌کنندگان در مبارزات انقلابی، فقیر، اکثراً جوان، با الهام از مبارزه، زنی باشکوه شناور است که یادآور «نابغه‌های» ورونز است. او یک بنر در دستانش دارد، صورتش الهام گرفته شده است. این فقط تمثیلی از آزادی در روح کلاسیک نیست، بلکه نمادی بلند از انگیزه انقلابی است. با این حال ، رها کردن چهره زن زنده و نفسانی غیرممکن است - او بسیار جذاب است. تصویر پیچیده، جذاب، پویا بود.
دلاکروا مانند یک رمانتیک واقعی، به کشورهای عجیب و غریب سفر می کند: الجزایر، مراکش. از این سفر، او پنج نقاشی می آورد که در میان آنها "شکار شیر در مراکش" ظاهراً ادای احترام به روبنس محبوبش است.
دلاکروا به عنوان دکوراتور بسیار کار می کند و آثاری به یاد ماندنی در کاخ های بوربن و لوکزامبورگ، کلیساهای پاریس خلق می کند. او به کار در ژانر پرتره ادامه می دهد و تصاویری از افراد عصر رمانتیسم مانند اف. شوپن خلق می کند. خلاقیت دلاکروا متعلق به اوج نقاشی قرن نوزدهم است.
نقاشی و گرافیک رمانتیسم آلمانی در بیشتر موارد تمایل به احساساتی بودن دارد. و اگر ادبیات رمانتیک آلمانی واقعاً یک دوره کامل را تشکیل می دهد، پس نمی توان همان را در مورد هنرهای تجسمی گفت: در ادبیات "طوفان و یورش" وجود داشت و در هنرهای تجسمی - ایده آل سازی زندگی مردسالارانه خانوادگی. از این نظر خلاقیت لودویگ ریشتر (1803-1884): "چشمه جنگلی در نزدیکی آریچی"، "عروسی در بهار" و غیره. او همچنین دارای نقاشی های متعددی با مضامین افسانه ها و ترانه های عامیانه است که به شیوه ای نسبتاً خشک ساخته شده اند.
اما یک شخصیت بزرگ در رمانتیسم آلمانی وجود دارد که نمی توان از کنارش گذشت. این کاسپار دیوید فردریش (1774-1840). او نقاش منظره بود و در آکادمی هنرهای زیبای کپنهاگ تحصیل کرد. بعدها در درسدن ساکن شد و به تدریس پرداخت.
سبک منظره او بدیع است، نقاشی ها از اولین ملاقات به یاد می آیند، در آنها احساس می شود که اینها مناظر یک هنرمند رمانتیک هستند: آنها به طور مداوم ویژگی های یک جهان بینی رمانتیک را بیان می کنند. او مناظر جنوب آلمان و سواحل بالتیک، صخره های وحشی جنگلی، تپه های شنی صحرا و دریای یخ زده را نقاشی کرد. مردم گاهی در نقاشی های او حضور دارند، اما ما به ندرت چهره آنها را می بینیم: فیگورها، قاعدتاً به بیننده پشت می کنند. فردریش به دنبال انتقال قدرت عنصری طبیعت بود. او همخوانی نیروهای طبیعی و خلقیات و جستجوهای انسان را جستجو و کشف کرد. و اگرچه او زندگی را کاملاً دقیق منعکس می کند، هنر فردریش واقع گرایانه نیست. این باعث ترس منتقدان هنری شوروی در گذشته نزدیک شد ، کمی در مورد این هنرمند نوشته شده بود ، تقریباً هیچ بازتولیدی از او وجود نداشت. اکنون وضعیت تغییر کرده است و ما می‌توانیم از معنویت عمیق نقاشی‌های او لذت ببریم، تأمل بی‌تفاوت غم‌انگیز مناظر فردریش. ریتم واضح ترکیب، شدت طراحی در آثار او با تضادهای کیاروسکورو، سرشار از جلوه های نور ترکیب شده است. اما گاهی اوقات فردریش در احساساتش به سودای دردناک، احساس سستی همه چیز زمینی، به گیجی یک خلسه عرفانی می رسد. امروز ما در حال تجربه موجی از علاقه به کار فردریش هستیم. از موفق ترین آثار او می توان به «مرگ نادژدا در یخ»، «قبرستان رهبانی زیر برف»، «جمعه در خرابه گوتیک»، «غروب بر دریا» و ... اشاره کرد.
که در رمانتیسم روسی در نقاشی تناقض زیادی وجود دارد. علاوه بر این، برای سال های زیادی اعتقاد بر این بود که یک هنرمند خوب یک رئالیست است. احتمالاً به همین دلیل است که این عقیده ثابت شده است که او.
آغاز قرن نوزدهم - زمان خیزش فرهنگی و معنوی در روسیه. اگر روسیه در توسعه اقتصادی و اجتماعی-سیاسی از کشورهای پیشرفته اروپایی عقب بود، در دستاوردهای فرهنگی نه تنها همگام با آنها بود، بلکه اغلب از آنها پیشی گرفت. توسعه فرهنگ روسیه در نیمه اول قرن نوزدهم بر اساس دگرگونی های زمان قبلی بود. نفوذ عناصر روابط سرمایه داری به اقتصاد نیاز به افراد باسواد و تحصیل کرده را افزایش داد. شهرها به مراکز اصلی فرهنگی تبدیل شدند.
اقشار اجتماعی جدید به فرآیندهای اجتماعی کشیده شدند. فرهنگ در پس زمینه خودآگاهی فزاینده ملی مردم روسیه توسعه یافت و از این نظر دارای شخصیت ملی برجسته بود. تأثیر بسزایی بر ادبیات، تئاتر، موسیقی، هنرهای تجسمی داشت جنگ میهنی 1812که به میزان بی سابقه ای رشد خودآگاهی ملی مردم روسیه و تحکیم آن را تسریع بخشید. نزدیکی با مردم روسیه سایر مردم روسیه وجود داشت.
آغاز قرن نوزدهم به درستی عصر طلایی نقاشی روسیه نامیده می شود. پس از آن بود که هنرمندان روسی به سطحی از مهارت رسیدند که آثار خود را با بهترین نمونه های هنر اروپایی همتراز کردند.
سه نام باز نقاشی روسی قرن 19 - کیپرنسکی , تروپینین , ونتسیانوف. هر کس منشأ متفاوتی دارد: یک مالک زمین نامشروع، یک رعیت و از نسل یک تاجر. هر کس آرزوی خلاقانه خود را دارد - یک رمانتیک، یک رئالیست و یک "غزل سرای روستا".
علیرغم علاقه اولیه اش به نقاشی تاریخی، کیپرنسکی در درجه اول به عنوان یک نقاش برجسته پرتره شناخته می شود. می توان گفت که در آغاز قرن نوزدهم. او اولین نقاش پرتره روسی شد. استادان قدیمی که در قرن هجدهم به شهرت رسیدند، دیگر نمی توانستند با او رقابت کنند: روکوتوف در سال 1808 درگذشت، لویتسکی که 14 سال از او جان سالم به در برد، دیگر به دلیل بیماری چشم نقاشی نمی کرد، و بوروویکوفسکی، که چند نفر زنده نماند. ماه ها قبل از قیام Decembrists، بسیار کم کار می کرد.
کیپرنسکی به اندازه کافی خوش شانس بود که به یک وقایع نگار هنری زمان خود تبدیل شد. "تاریخ در چهره ها" را می توان پرتره های او دانست که بسیاری از شرکت کنندگان در آن وقایع تاریخی را به تصویر می کشد که او یکی از معاصران آنها بود: قهرمانان جنگ 1812، نمایندگان جنبش Decembrist. تکنیک طراحی مداد به کار آمد که آموزش آن در فرهنگستان هنر مورد توجه جدی قرار گرفت. کیپرنسکی در اصل یک ژانر جدید ایجاد کرد - یک پرتره تصویری.
کیپرنسکی پرتره‌های بسیاری از چهره‌های فرهنگ روسیه خلق کرد و البته مشهورترین آنها عکس پوشکین است. راه اندازی شد دلویگادر سال 1827، یکی از دوستان لیسیومی شاعر. معاصران به شباهت شگفت انگیز پرتره با تصویر اصلی اشاره کردند. تصویر شاعر توسط هنرمند از ویژگی های روزمره ای که در پرتره پوشکین توسط تروپینین که در همان سال نقاشی شده است، رها می شود. الکساندر سرگیویچ در لحظه الهام گرفتن توسط هنرمند اسیر شد، زمانی که یک موزه شعر از او بازدید کرد.
مرگ این هنرمند را در سفر دومش به ایتالیا فرا گرفت. در سالهای اخیر، خیلی چیزها با این نقاش مشهور خوب پیش نرفت. رکود خلاقانه آغاز شد. اندکی قبل از مرگ او، زندگی او تحت الشعاع یک رویداد غم انگیز قرار گرفت: به گفته معاصران، این هنرمند به دروغ متهم به قتل شد و از ترک خانه می ترسید. حتی ازدواج با شاگرد ایتالیایی اش نیز روزهای پایانی او را روشن نکرد.
کمتر کسی برای نقاش روسی که در سرزمینی بیگانه درگذشت، سوگوار شد. در میان معدود افرادی که به راستی درک می کردند که فرهنگ ملی چه استادی را از دست داده است، هنرمند الکساندر ایوانف بود که در آن زمان در ایتالیا بود. او در آن روزهای غم انگیز نوشت: کیپرنسکی «اولین کسی بود که نام روسی را در اروپا بر سر زبان ها انداخت».
تروپینین به عنوان یک نقاش برجسته پرتره وارد تاریخ هنر روسیه شد. وی گفت: پرتره یک شخص برای یاد و خاطره نزدیکانش که او را دوست دارند ترسیم می کند. به گفته معاصران، تروپینین حدود 3000 پرتره کشید. گفتن اینکه آیا این چنین است یا نه دشوار است. در یکی از کتاب های مربوط به این هنرمند، فهرستی از 212 چهره دقیقاً شناسایی شده وجود دارد که تروپینین آنها را به تصویر کشیده است. او همچنین آثار زیادی به نام «پرتره یک ناشناس (ناشناس)» دارد. تروپینین توسط شخصیت های دولتی، اشراف، جنگجویان، بازرگانان، مقامات خرده پا، رعیت ها، روشنفکران و شخصیت های فرهنگ روسیه مطرح شد. از جمله: مورخ کارامزین، نویسنده زاگوسکین، منتقد هنری اودویفسکی، نقاشان بریولوف و آیوازوفسکی، مجسمه ساز ویتالی، معمار گیلاردی، آهنگساز آلیابیف، بازیگران شچپکین و مو-چالوف، نمایشنامه نویس سوخوو-کوبیلین.
یکی از بهترین کارهای تروپینین پرتره پسرش است. باید بگویم که یکی از "اکتشافات" هنر روسیه در قرن نوزدهم. یک پرتره از یک کودک وجود داشت. در قرون وسطی، کودک به عنوان یک بزرگسال کوچک که هنوز بزرگ نشده بود، در نظر گرفته می شد. بچه‌ها حتی لباس‌هایی می‌پوشیدند که هیچ تفاوتی با بزرگسالان نداشت: در اواسط قرن هجدهم. دختران کرست های تنگ و دامن های پهن با فیژما می پوشیدند. فقط در آغاز قرن نوزدهم. آنها یک کودک را در یک کودک دیدند. هنرمندان جزو اولین کسانی بودند که این کار را انجام دادند. در پرتره تروپینین سادگی و طبیعی بودن زیادی وجود دارد. پسر ژست نمی گیرد. او که به چیزی علاقه مند بود، یک لحظه برگشت: دهانش باز بود، چشمانش می درخشید. ظاهر کودک به طرز شگفت آوری جذاب و شاعرانه است. موهای ژولیده طلایی، چهره ای باز و چاق کودکانه، نگاهی پر جنب و جوش از چشمان باهوش. می توان احساس کرد که هنرمند با چه عشقی پرتره پسرش را کشیده است.
تروپینین دو بار خودنگاره نوشت. در یکی از آثار بعدی، به تاریخ 1846، این هنرمند 70 ساله است. او خود را با یک پالت و قلم مو در دستانش به تصویر کشید که به یک مستابل تکیه داده بود - چوب مخصوصی که نقاشان استفاده می کردند. پشت سر او، پانورامای باشکوه کرملین است. تروپینین در سالهای جوانی خود دارای قدرت قهرمانانه و روحیه خوب بود. با قضاوت از خود پرتره، او قدرت بدن خود را حتی در سنین بالا حفظ کرد. صورت گرد با عینک طبیعت خوبی را تابش می کند. این هنرمند 10 سال بعد درگذشت، اما تصویر او در حافظه فرزندانش باقی ماند - مردی بزرگ و مهربان که هنر روسیه را با استعداد خود غنی کرد.
ونتسیانوف موضوع دهقانی را در نقاشی روسی کشف کرد. او اولین کسی بود که در میان هنرمندان روسی زیبایی طبیعت بومی خود را بر روی بوم های نقاشی خود نشان داد. ژانر منظره در آکادمی هنر مورد علاقه نبود. او جایگاه ماقبل آخر را از نظر اهمیت به خود اختصاص داد و نفرت انگیزتر - روزمره را پشت سر گذاشت. فقط چند استاد طبیعت را نقاشی کردند و مناظر ایتالیایی یا خیالی را ترجیح دادند.
در بسیاری از آثار ونتسیانوف، طبیعت و انسان جدایی ناپذیرند. آنها به اندازه یک دهقان با زمین و هدایای آن ارتباط نزدیک دارند. معروف ترین آثار او - "یونه سازی"، "در زمین های قابل کشت. بهار"، "در برداشت. تابستان" - این هنرمند در دهه 20 خلق می کند. اوج خلاقیت او بود. هیچ کس در هنر روسیه نتوانسته است زندگی دهقانی و کار دهقانان را با عشق و شاعرانه ای مانند ونتسیانوف نشان دهد. در تابلوی "روی زمین زراعی. بهار" زنی در حال آزار دادن یک مزرعه است. این کار سخت و طاقت فرسا روی بوم ونتسیانوف عالی به نظر می رسد: زنی دهقان با سارافان زیبا و کوکوشنیک. او با چهره ای زیبا و بدنی انعطاف پذیر به یک الهه باستانی شباهت دارد. او در حالی که دو اسب مطیع را به لگام می برد، راه نمی رود، اما به نظر می رسد که بر فراز زمین شناور است. زندگی در اطراف با آرامش، سنجیده، آرام جریان دارد. درختان کمیاب سبز می شوند، ابرهای سفید در سراسر آسمان شناورند، مزرعه بی پایان به نظر می رسد که در لبه آن نوزادی در انتظار مادرش نشسته است.
به نظر می رسد نقاشی "در برداشت. تابستان" به نقاشی قبلی ادامه می دهد. برداشت رسیده است، مزارع گوش های کلش طلایی هستند - زمان برداشت است. در پیش زمینه، با کنار گذاشتن داس، زنی دهقان به کودکی شیر می دهد. آسمان، میدان، افرادی که روی آن کار می کنند برای هنرمند جدایی ناپذیرند. اما همچنان موضوع اصلی مورد توجه او همیشه یک شخص است.
ونتسیانوفیک گالری کامل از پرتره های دهقانان ایجاد کرد. این برای نقاشی روسی جدید بود. در قرن هجدهم. افرادی از مردم و حتی بیشتر از آن رعیت ها، توجه چندانی به هنرمندان نداشتند. به گفته مورخان هنر، ونتسیانوف برای اولین بار در تاریخ نقاشی روسی بود که "نوع عامیانه روسی را شکار و بازسازی کرد". "دروها"، "دختری با گل ذرت"، "دختری با گوساله"، "چوپان خفته" تصاویر فوق العاده ای از دهقانان هستند که توسط ونتسیانوف جاودانه شده اند. جایگاه ویژه ای در آثار این هنرمند توسط پرتره های کودکان دهقان اشغال شد. چه خوب است "زاخارکا" - پسری چشم درشت، بینی دراز و لب درشت با تبر روی شانه! به نظر می رسد زاخارکا یک طبیعت دهقانی پر انرژی است که از کودکی به کار عادت کرده است.
الکسی گاوریلوویچ نه تنها به عنوان یک هنرمند، بلکه به عنوان یک معلم برجسته نیز خاطره خوبی از خود به یادگار گذاشت. در یکی از بازدیدهایش از سن پترزبورگ، او یک هنرمند تازه کار را به عنوان دانش آموز گرفت، سپس دیگری، یک سوم ... بنابراین، یک مدرسه هنری کامل به وجود آمد که با نام ونیزی وارد تاریخ هنر شد. ربع قرن است که حدود 70 جوان با استعداد از آن عبور کرده اند. ونتسیانوف سعی کرد هنرمندان رعیت را از اسارت نجات دهد و اگر این کار نتیجه ندهد بسیار نگران بود. با استعدادترین شاگردانش - گریگوری سوروکا - هرگز از صاحب زمینش آزادی نگرفت. او زنده ماند تا شاهد الغای رعیت باشد، اما، با ناامیدی از قدرت مطلق مالک سابق، خودکشی کرد.
بسیاری از شاگردان ونتسیانوف با حقوق کامل در خانه او زندگی می کردند. آنها اسرار نقاشی ونیزی را درک کردند: پایبندی محکم به قوانین چشم انداز، توجه دقیق به طبیعت. در میان شاگردان او استادان با استعداد زیادی وجود داشتند که آثار قابل توجهی در هنر روسیه بر جای گذاشتند: گریگوری سوروکا، الکسی تیرانوف، الکساندر آلکسیف، نیکیفور کریلوف. "ونیزی" - با عشق به حیوانات خانگی خود می گویند.
بنابراین می توان ادعا کرد که در ثلث اول قرن نوزدهم رشد سریعی در توسعه فرهنگی روسیه رخ داد و این زمان را عصر طلایی نقاشی روسی می نامند.
هنرمندان روسی به سطحی از مهارت رسیده اند که آثارشان را با بهترین نمونه های هنر اروپایی همتراز می کند.
تجلیل از شاهکار مردم، ایده بیداری معنوی آنها، نکوهش بلاهای فئودال روسیه - اینها موضوعات اصلی هنرهای زیبا قرن نوزدهم است.
در پرتره، ویژگی های رمانتیسم - استقلال شخصیت انسان، فردیت آن، آزادی بیان احساسات - به ویژه مشخص است.
پرتره های بسیاری از چهره های فرهنگ روسیه، پرتره کودکان ایجاد شده است. موضوع دهقانی، منظره، که زیبایی طبیعت بومی را نشان می دهد، به مد می آید.