چه چیزی هنر معاصر را از کلاسیک متمایز می کند؟ چگونه هنر خوب را از بد تشخیص دهیم

در اینجا به مقاله هنر و غیر هنر مارسیا ایتون می پردازیم.
او با تجربیات خود در کپنهاگ در سال 1971، زمانی که روی مسائل زیبایی شناسی کار می کرد، شروع کرد. در آن سال نمایشگاهی در موزه هنر لاوزیان برگزار شد که با استقبال زیادی روبرو شد. چند هنرمند، اگر می‌توانید آن‌ها را نام ببرید، اسب را تکه تکه کنید، در کوزه‌ها بگذارید و در موزه بگذارید. بسیاری از کسانی که این را دیدند آزرده شدند که در رسانه ها منعکس شد.
در آن زمان ام. ایتون تحت تأثیر ایده های ال. ویتگنشتاین قرار گرفت و به این تعریف پرداخت. مفاهیم فلسفیاتلاف وقت. اما آنچه در موزه اتفاق افتاد دیدگاه او را تغییر داد. او تصمیم گرفت که تعریف کند هنر چیست و چه تفاوتی با غیرهنر دارد.
البته اگر بگوییم هر چیزی که انسان ساخته هنر است اشتباه است. فقط آن اشیاء اشیاء هنری خواهند بود که در " دنیای هنر". این اصطلاح به وجود موسساتی مانند موزه ها، نمایشگاه ها، آژانس های صندوق، حضور متخصصان و آماتورهایی که آثار هنری مصرف می کنند و غیره اشاره دارد. مثال جالبتوضیح اینکه چگونه یک شی به یک اثر هنری تبدیل می شود. و دقیقاً به همین ترتیب، ایتون می‌گوید، چگونه یک مرد شوالیه، همسر یا جنایتکار می‌شود. شوالیه. زن در حال ازدواج است. جنایتکار محکوم است. به عبارت دیگر، ما به نوعی نهاد نیاز داریم که با جامعه درباره وضعیت یک شخص یا چیز مذاکره کند. چنین رویکردی به تجارت مدتهاست که قراردادگرایی نامیده می شود (از کلمه "کنوانسیون" - یک توافق). ایتون ادعا می کند که این موضوع در مورد آثار هنری نیز صدق می کند.
البته کافی نیست یک نفر حتی یک فرد معتبر بگوید: این یک اثر هنری است. همچنین لازم است او برای چنین دیدگاهی استدلال کند. مردم در مورد هنر صحبت می کنند. آن را تعریف می کنند. پس چگونه می توان هنر را تعریف کرد؟ شرایط لازم و کافی که هنر را از غیر هنری جدا می کند چیست؟
به ندرت به ذهن کسی خطور می کند که به رنگ موبر اهمیت دهد. اما رنگ تصویر برای درک آن از اهمیت بالایی برخوردار است. از سوی دیگر، با علم به اینکه در حال تماشای تابلویی در موزه هنر هستیم، به سمت اشتباه بوم توجه نخواهیم کرد. یک بلوک سنگ در مرکز شهر می تواند با گذرگاه یا گذرگاه تداخل داشته باشد و در نتیجه افراد عادی را آزار دهد. در یک کلام، ایتون ادامه می دهد، ما باید با ادراک یک اثر هنری هماهنگ شویم تا در ماهیت آن بکاوشیم. این بدان معنا نیست که تحریک از بین می رود. یادم می آید که چگونه بولات اوکودژاوا به طعنه چنین چیزی در مورد بحث تخریب آربات قدیمی گفت: "اگر کرملین تخریب شود، چقدر راحت است که ماشین ها در مرکز مسکو حرکت کنند." بنابراین، به اعتقاد من، در یک اثر هنری باید چیزی والا و حتی مقدس وجود داشته باشد که انسان را وادار کند که با آن با هیبت و تحسین برخورد کند.
ایتون یک اثر هنری را اینگونه تعریف می کند: 1) X یک مصنوع است. 2) X به گونه ای مورد بحث قرار می گیرد که تاریخچه ایجاد آن شایسته توجه و شناخت منتقدان است. همانطور که می بینید، ایتون تا حدودی از دیکی پیروی می کند.
مصنوع بودن به معنای ساخته دست بشر بودن است. مثلاً شخصی یک تکه کنده را برمی دارد و می برد و به خانه می آورد و به دیوار می آویزد. ایتون می نویسد که یک اثر هنری لزوماً نتیجه فعالیت یا دستکاری انسان است. از سوی دیگر، یک اثر هنری، بر خلاف محصول طبیعت، نمی تواند تصادفی خلق شود و طبیعی باشد. این به طور خاص ایجاد شده و مصنوعی است.
با این حال، همه آثار هنری نیستند. ایتون می نویسد: «در تجربه زیبایی شناختی، ما به ویژگی های ذاتی شی ای که در نظر می گیریم علاقه مندیم. این خواص هم می تواند خوشایند و هم ناخوشایند باشد، هم حسی و هم عقلانی. به عنوان مثال، یک قطعه باخ که به خوبی اجرا شده است، تجربه حسی دلپذیری را تداعی می کند. و یک کتاب بد یک تجربه فکری ناخوشایند است. گاهی اوقات برای جدایی به شرایط خاصی نیاز است کار بالاهنر از ناموفق با این حال، فردی که دارای احساسات و تفکر کافی است، حتی بدون تحصیل می تواند یک اثر هنری عالی را از یک اثر بد تشخیص دهد. در اینجا مهم است که یک شی زیبایی شناختی وجود داشته باشد، در غیر این صورت هیچ پاسخی وجود نخواهد داشت. "برای اینکه ادراک ممکن شود، کار باید قابل دسترسی باشد." مصنوع باید توجه، علاقه را به خود جلب کند. در عین حال، باید روند خلق اثر هنری را در نظر داشت. ایتون اصطلاح "سنت" را معرفی می کند، که او آن را به عنوان " فرم خاصزندگی "(اصطلاح L. Wittgenstein - S. S.)، که بسته به شرایط تغییر می کند. سنت ها اهمیت برخی از چیزها را تعیین می کنند، همچنین این که در ارزیابی یک اثر هنری چه چیزی مهم است و چه چیزی مهم است و چه چیزی مهم نیست. انسان نباید خود را فقط به سنت های خود محدود کند، باید سنت های دیگران را نیز بشناسد تا سنت های خود را فقیر نکند.
سنت شرایط نقد را تعریف می کند: چه چیزی را می توان به عنوان یک اثر هنری عالی ارزیابی کرد و چه چیزی را به عنوان پایین. علاوه بر این، مهم است که سنت متعلق به کدام فرهنگ است: در یک فرهنگ، یک مصنوع درخشان در نظر گرفته می شود، در دیگری این گونه نیست.
ایتون مثال جالبی می‌زند: مفهوم «شاهکار» همیشه وجود نداشت. در قرن سیزدهم به وجود آمد. و به این معنا بود که کسی که آن را خلق کرده است به هنر استاد دست یافته است. یک شاهکار می تواند یک چیز باشد، مانند یک تصویر یا یک میز. یا رویدادی مانند تراشیدن ریش. اکنون معنای دیگری برای کلمه "شاهکار" قرار می دهیم: اوج خلاقیت خالق است. و اگر مصنوع در خور نقد باشد می توان گفت شاهکاری داریم.
چه تفاوتی داره کار خوباز بد؟ موسیقی پاپ یا «صابون اپرا» شاهکار نیستند، زیرا در سیر ادراک آنها «حواس و ذهن مات می شود». "هنر بزرگ غنی می شود" با ادراک پاداش.
بیایید به اسب برگردیم، قطعه قطعه شده و در ظرفی قرار داده شده است. البته این یک مصنوع است. اما شرط دوم - شاهکار چیست؟ انتقاد به سمت این موردتوجه به صفات ظاهری و معنای مصنوع: آیا خوردن گوشت اخلاقی است؟ ایتون به مسائل اخلاقی در مسائل بیرونی یک اثر هنری اشاره می کند. اگر در مورد فرم و رنگ و ترکیب بود بحث زیبایی شناختی یعنی خصوصیات درونی مطرح می شد.
اگر به خواص بسیار زیبایی شناختی این مصنوع بپردازیم، این سوال پیش می آید که آیا آنها زیاد هستند یا کم؟ آیا آنها با نقاشی های رامبراند، فوگ های باخ، نمایشنامه های شکسپیر قابل مقایسه هستند؟ ایتون به صراحت پاسخ می دهد: نه. برای این کار برای ایجاد شوک طراحی شده است. اما شوک به سرعت می گذرد و با آن احساس زیبایی شناختی نیز از بین می رود. از طرفی توجه بیننده نه تنها پاداشی نمی گیرد، بلکه اصلاً به آن توجه نمی شود. در مقابل ما شیئی است که اصلاً ارزشی ندارد. فقط یک مصنوع که تجربه ای غنی را تداعی کند یک اثر هنری واقعی است.

هنوز نمی دانید رنسانس چه تفاوتی با هنر روشنگری دارد؟ آیا دائماً ویژگی های هنر مدرن و هنر معاصر را فراموش می کنید؟ ما برای شما خلق کردیم راهنمای کوتاهدر تاریخ هنر از هنر صخره ایبه نظر می رسد که همه تفاوت آشکاری بین هنر معاصر و هنر قرن های گذشته می بینند. ما اغلب این را می شنویم هنر مدرنمتهم به فقدان زیبایی‌شناسی، هنرمندان زمان ما - به غیرحرفه‌گرایی، و حوزه فرهنگ در کل به عنوان یک بحران معرفی می‌شود. اما آیا این است؟ شاید این مرحله بعدی تکامل در خلاقیت و تفسیر جهان باشد؟ برای پاسخ به این سؤال، گفتاری مختصر در مورد تاریخ هنر لازم است هنر صخره ای، رقص های بدوی، تزئینات در عصر سنگ باستان. همه چیز در اینجا بسیار ساده و واضح است. بیشتر خلاقیت ها با آیین ها، آیین ها، اعتقادات مرتبط هستند. حتی بخش کوچکی از آنچه باقی مانده است، امکان لمس دوران باستان، فرو رفتن در فرهنگ خاستگاه خود را فراهم می کند. دوران باستان. هنر دوران باستان تأثیر بسیار زیادی در دوره های بعدی داشت و هنوز هم معیار زیبایی محسوب می شود. اولین آثاری که ظاهر شدند شاهکارهای فرهنگ میسنی و مینوی هستند، یعنی: سفال های منقوش، که در اوایل قرن ششم قبل از میلاد به وجود آمدند. قبل از میلاد مسیح. نقوش دریایی و گل‌های نقاشی‌ها منعکس‌کننده دنیایی بود که استادان در آن زندگی می‌کردند، دنیایی که انسان بخشی از طبیعت است. فرهنگ یونانیکه جایگزین دوره میکنی یا مینوی شد، تحت نظارت سه گانه زیبایی-حقیقت-خوب وجود داشت، اشباع از فلسفه و حکمت بود. زیبا در هماهنگی ریاضی، محتوای غنی و حقیقت بود. توجه هنر به شخص معطوف می شود. به عنوان مثال، تمام مجسمه هایی که شخصیت های اساطیری، خدایان را به تصویر می کشند، در تصویر یک شخص ساخته شده اند. زیبا همان چیزی است که چشم و گوش را خوشایند می کند. در همان زمان، هنرمندان از طبیعت تقلید می کنند، سعی می کنند پیدا کنند فرم های ایده آل. استاد خود را به مقام خالق می رساند. تفکر دینی نیز جزء مهمی باقی مانده است. قرون وسطی- زمان مقدس در هنر در اینجا به عنوان یک تجسم کننده عمل می کند کتاب مقدس. شمایل نگاری کتاب مقدس را قابل دسترس تر می کند، زیرا زبان نقاشی قابل درک تر از زبان کلمات است. از طریق نماد، خداوند با مؤمنان در تماس است. معماری قرون وسطی نیز خدا را تجلیل می کند: معابد گوتیک به آسمان، صومعه ها و کلیساهای جامع می اندیشند. سبک رمانسکبر نقش کلیسا در زندگی انسان تأکید می کند. یکی از ویژگی های مهم هنر قرون وسطی نمادگرایی است. هنر از معانی پنهان، نشانه ها، تصاویر اشباع شده است. علاوه بر این، نویسنده بی اهمیت می شود، او به عنوان یک مترجم عمل می کند، و نماد - پنجره ای که از طریق آن می توانیم به خدا نزدیک شویم.
رنسانسهمچنین به ارتباط بین الهی و انسان متوسل می شود، اما می دهد نقش رهبریبه یک شخص مقامات مردود هستند، از جمله مقامات فلسفی. علاقه به علم و هنر وجود دارد. هنرمند اکنون است انسان جهانی، همکار. بازپروری حوزه حسی وجود دارد. هنر رنسانس قرون وسطی تاریک را روشن می کند. حمایت از حق داستان. هنرمندان در کار خود پیشرفت خارق‌العاده‌ای ایجاد می‌کنند: چشم‌انداز، حجم، تنوع رنگ‌ها ظاهر می‌شود، زیبایی ظاهری، زیبایی بدن بازسازی می‌شود. رنسانس دوران بازگشت به دوران باستان و بهبود آن در سطح احساسی و احساسی است.
عصر روشنگری- درک حتی عمیق تر از کلاسیک های باستانی. اگر رنسانس احساسی است، روشنگری عقلانیت است. جهان در حال تغییر است، چشمک های درخشان چشمک می زند اکتشافات علمی. اما هنر همچنان یکی از کلیدهای درک و تغییر جهان است. در این زمان، که از اهمیت کمتری برخوردار نیست، یک زیرساخت هنری پدید می آید: اول موزه های هنرینوع جدید - در لندن (1753) و پاریس (1793)، آکادمی های هنری و مجلات هنری. مشکلات سلیقه مطرح می شود، نقد هنری در حال توسعه است. این واقعیت از شمول ضروری هنرمند در فرآیند فرض شده است. زندگی عمومی. "هنر فقط یک تقلید، بیان احساسات نیست، بلکه ادامه زندگی و حوزه ای از خودشناسی آزادانه روح است." یک اثر هنری واقعی تنها با غوطه ور شدن در آن امکان پذیر است. بنابراین عصر روشنگری، با پیروزی عقل، نشان دهنده گذار است هنر کلاسیکبه مرحله جدیدی از توسعه.
هنر غیر کلاسیکبا (1848-1853) آغاز می شود که با آکادمیک گرایی و تمام پایه های قدیمی کلاسیک ها مخالف بود. استادان از شیوه هنرمندان استفاده می کردند رنسانس اولیه ، با این باور که هنر این زمان اشباع شده است زیبایی حقیقیو عاری از افراط و تفریط استعاری پیش رافائلیت ها ابتدا به عنوان یک جنبش انقلابی تلقی می شدند، اما بعداً به رسمیت شناخته شدند، اما در اواسط قرن بیستم، علاقه به کار آنها دوباره از بین رفت. اواخر نوزدهمقرن ، جهت جدیدی در هنر ظاهر می شود - امپرسیونیسم، که حتی با جدیت بیشتری انتقال هنر را به مرحله جدید. اصطلاح "امپرسیونیسم" بر اساس نام نقاشی "Impression. خورشید در حال طلوع» کلود مونه. امپرسیونیسم با درک خاصی از واقعیت مشخص می شود. وظیفه اصلیکه نقش متغییر است دنیای واقعی، انتقال در درجه اول یک برداشت است و نه یک تصویر حدس و گمان. جهت جدید ایده آل گذرا، همدلی، سهولت درک ما است. روی بوم های سی مونه، او. رنوار، ای. دگا و دیگر امپرسیونیست های بزرگ، ما زندگی را در شکلی حسی، نزدیک به مرز ذهنیت می بینیم. ، اما عبور نکردن از آن. تاری، بی ثباتی تصویر و ویژگی های ترکیب، فانتزی را تشویق می کند تا تصاویری آشنا برای همه ایجاد کند - آن برداشت هایی که نمی توانند به وضوح در حافظه ما ثابت شوند، اما شناخت جهان را ممکن می کنند. علاوه بر این، امپرسیونیسم به دنبال خلاص شدن از دانش از تکه تکه شدن است و به شما این امکان را می دهد که به جهان در یکپارچگی و وحدت همه بخش ها در اینجا و اکنون نگاه کنید. بنابراین امپرسیونیسم آغاز اولین دوره هنر مدرن، یعنی هنر مدرن.معماری نوینبا اشکال جدید، رد خطوط و زوایای مستقیم، جستجوی جدید متمایز می شود مواد غیر استاندارد (فلز، شیشه). برای نقاشی و مجسمه سازی نفوذ بزرگنمادگرایی ارائه کرد. و در اینجا می توان ارتباط مستقیمی بین هنر مدرن و هنر قرون وسطی مشاهده کرد. کوبیست ها، دادائیست ها، آینده سازاناز تمثیل، ابهام استفاده کنید، همانطور که شمایل نگاری از نمادها و تصاویر استفاده می کند. بنابراین مدرنیسم نظریه چرخه گرایی در توسعه هنر را تأیید می کند. موسیقی آوانگارد حساس ترین به تکرارها بود. مدرنیته نگرش خود را نسبت به صدا، ریتم و لحن اصلاح کرده است. هنر مدرنمفهومی شد، تضعیف حس زیبایی شناختی وجود داشت. در اینجا نیز شاهد گرایش به همگرایی اندیشه‌های هنر مدرن با برخی از اندیشه‌های روشنگری در مورد روشنفکری هنر هستیم.در نیمه دوم قرن بیستم، دوره دوم هنر مدرن آغاز می‌شود. هنر معاصر. به عنوان جست و جوی جایگزین برای مدرنیسم شکل گرفت. این در قالب مواد جدید، تصاویر، تغییرات در روش های خلاقیت بیان شد. به طور قابل توجهی افزایش یافته است جهت گیری اجتماعیدر هنر هنر فقط از جهان تقلید نمی کند، بلکه واقعیتی متفاوت را شکل می دهد که منعکس کننده دنیای واقعی است. ژانرهای جدید ظاهر می شوند: اجراها، اتفاقات، لند آرت، دیجیتال... هنر پشت دیوار موزه ها و گالری ها نیست، وارد خیابان ها می شود، ریشه در می کند. فضای عمومی، موانع بین ایده و آگاهی انسان را از بین می برد. هنر معاصر با ما صحبت می کند، دارد معانی پنهانکه می خواهند برای همه باز باشند و درک کنند.
به طور خلاصه، تفاوت های اصلی بین هنر مدرن و هنر کلاسیک را برجسته می کنیم:

مفهومی بودن. ارتباط مستقیم با فلسفه و ایدئولوژی.

گشودگی به معانی ذهنی. ایجاد ارتباط با بیننده از طریق مشارکت دادن او در فرآیند هنری (اکشنیسم، اجرا، نصب).

تخریب ایده مثبت کلاسیک زیبا، عالی، هماهنگ. مدرنیته آن چیزی را زیبا می‌نامد که قبلاً تابو یا ترسیده و دفع شده بود.

تفسیر تصاویر کلاسیکاز طریق رد ارزش های کلاسیک.

دو حالت افراطی: اهمیت شخصیت نویسنده یا ناشناس بودن کامل او

تنوع تصاویر، مواد، مشکلات.

البته هنر معاصر بسیاری از اصول را از کلاسیک ها وام گرفته است. در مورد توسعه قهقرایی یا پیش رونده دیدگاه های مختلفی وجود دارد. اینجا همه چیز ذهنی است. با این حال، تنها چیزی که قابل ذکر است، وابستگی متقابل خلاقیت و واقعیت پیرامون است. گذار از کلاسیک به مدرن بسیار قابل توجه بود و لحظه روشندر تاریخ ما فراموش نکنید که این یا آن چرخش در توسعه هنر نتیجه تغییرات در جهان بینی است که به نوبه خود ناشی از تحولات خاصی در فرهنگ و زندگی است. فرد منفردو جامعه در کل پل- مجله ای درباره هنر و فرهنگ. ما به شما کمک خواهیم کرد تا هر نوع هنری را درک کنید!

مفهوم هنر

کلمه " هنر"هم در روسی و هم در بسیاری از زبان های دیگر به دو معنا استفاده می شود:

• V محدود، تنگاحساس کنید که شکل خاصی از توسعه عملی- معنوی جهان است.
• V وسیع — بالاترین سطحصنایع دستی، مهارت ها، صرف نظر از نحوه تجلی آنها (هنر اجاق ساز، پزشک، نانوا و غیره).

- یک زیر سیستم خاص از حوزه معنوی جامعه، که بازتولید خلاقانه واقعیت در تصاویر هنری است.

در ابتدا هنر درجه بالایی از مهارت در هر کسب و کاری نامیده می شد. وقتی از هنر یک پزشک یا معلم صحبت می کنیم، این معنی از کلمه هنوز در زبان وجود دارد هنر رزمییا خطابه بعدها، مفهوم "هنر" به طور فزاینده ای برای توصیف یک فعالیت خاص با هدف بازتاب و تغییر جهان مطابق با استانداردهای زیبایی شناسی، یعنی طبق قوانین زیبایی در عین حال، معنای اصلی کلمه حفظ شده است، زیرا برای ایجاد چیزی زیبا به بالاترین مهارت نیاز است.

موضوعهنرها در مجموع روابطی که با یکدیگر دارند، جهان و انسان هستند.

شکل وجودهنر - یک اثر هنری (شعر، نقاشی، نمایشنامه، فیلم و غیره).

هنر نیز از خاص استفاده می کند به معنی برایبازتولید واقعیت: برای ادبیات یک کلمه است، برای موسیقی صدا است، برای هنر زیبا رنگ است، برای مجسمه سازی حجم است.

هدفهنر دوگانه است: برای خالق خود بیان هنری است، برای بیننده لذت بردن از زیبایی است. به طور کلی، زیبایی به همان اندازه با هنر مرتبط است که حقیقت با علم و خوبی با اخلاق.

هنر مهم است جزءفرهنگ معنوی بشر، شکلی از دانش و تأمل محیط انسانیواقعیت هنر از نظر پتانسیل درک و دگرگونی واقعیت از علم چیزی کم ندارد. با این حال، راه های درک جهان توسط علم و هنر متفاوت است: اگر علم از مفاهیم دقیق و بدون ابهام برای این استفاده می کند، پس هنر -.

هنر، به عنوان یک مستقل و به عنوان شاخه ای از تولید معنوی، که از تولید مواد رشد کرده است، در ابتدا به عنوان یک لحظه زیبایی شناختی، اما صرفاً سودمند در آن تنیده شد. ذاتاً هنرمند است و تلاش می کند تا زیبایی را به هر نحوی در همه جا به ارمغان بیاورد. فعالیت زیبایی شناختیشخص دائماً در زندگی روزمره، زندگی اجتماعی و نه فقط در هنر تجلی می یابد. در جریان کاوش زیبایی شناختی جهانیک شخص عمومی

کارکردهای هنر

هنر یک عدد را اجرا می کند توابع عمومی

کارکردهای هنررا می توان به صورت زیر خلاصه کرد:

• عملکرد زیبایی شناختیبه شما امکان می دهد واقعیت را مطابق قوانین زیبایی بازتولید کنید، طعم زیبایی شناختی را تشکیل می دهد.
• عملکرد اجتماعیدر این واقعیت آشکار می شود که هنر تأثیر ایدئولوژیکی بر جامعه دارد و در نتیجه واقعیت اجتماعی را دگرگون می کند.
• توابع جبرانیبه شما امکان بازیابی را می دهد آرامش خاطر، تصميم گرفتن مشکلات روانی"فرار" برای مدتی از زندگی روزمره خاکستری، برای جبران کمبود زیبایی و هماهنگی در زندگی روزمره.
• عملکرد لذت جویانهنشان دهنده توانایی هنر در ایجاد لذت برای شخص است.
• عملکرد شناختیبه شما امکان می دهد واقعیت را بشناسید و با کمک تصاویر هنری آن را تجزیه و تحلیل کنید.
• عملکرد پیش بینیمنعکس کننده توانایی هنر برای پیش بینی و پیش بینی آینده است.
• عملکرد آموزشیدر توانایی آثار هنری برای شکل دادن به شخصیت افراد آشکار می شود.

عملکرد شناختی

اول از همه این شناختیتابع. آثار هنری منابع ارزشمندی از اطلاعات در مورد فرآیندهای پیچیده اجتماعی هستند.

البته، همه در دنیای اطراف به هنر علاقه ندارند و اگر علاقه دارند، پس در درجات مختلفو خود رویکرد هنر به موضوع معرفت، زاویه دید آن در مقایسه با سایر اشکال بسیار خاص است. آگاهی عمومی. هدف اصلی دانش در هنر همیشه بوده و هست. به همین دلیل است که هنر به طور عام و خاص داستاناومانیسم نامیده می شود.

عملکرد آموزشی

آموزشیعملکرد - توانایی تأثیر مهم بر ایدئولوژیک و شکل گیری اخلاقیفرد، خودسازی یا سقوط او.

با این حال، کارکردهای شناختی و آموزشی مختص هنر نیستند: سایر اشکال آگاهی اجتماعی نیز این کارکردها را انجام می دهند.

عملکرد زیبایی شناختی

کارکرد خاص هنر که آن را هنر به معنای واقعی کلمه می کند، همین است زیبایی شناختیتابع.

با درک و درک یک اثر هنری، ما صرفاً محتوای آن (مانند محتوای فیزیک، زیست‌شناسی، ریاضیات) را جذب نمی‌کنیم، بلکه اجازه می‌دهیم این محتوا از قلب، احساسات عبور کند و به تصاویر حسی ملموس خلق شده توسط هنرمند، ارزیابی زیبایی‌شناختی بدهد. زیبا یا زشت، عالی یا پست، تراژیک یا کمیک. هنر در ما این توانایی را ایجاد می کند که چنین ارزیابی های زیبایی شناسانه را ارائه دهیم، تا چیزهای واقعاً زیبا و عالی را از انواع ersatz متمایز کنیم.

عملکرد لذت جویانه

شناختی، آموزشی و زیبایی شناسی در هنر با هم ادغام می شوند. به لطف لحظه زیبایی شناختی، ما از محتوای یک اثر هنری لذت می بریم و در فرآیند لذت است که روشنگری و آموزش می بینیم. در این زمینه صحبت می کنند لذت گرا(ترجمه از یونانی - لذت) کارکردهنر

برای قرن های متمادی در فلسفی-اجتماعی و ادبیات زیبایی شناسیبحث در مورد رابطه بین زیبایی در هنر و واقعیت ادامه دارد. این دو موضع اصلی را آشکار می کند. به گفته یکی از آنها (در روسیه توسط N. G. Chernyshevsky حمایت شد) زیبایی در زندگی همیشه و از همه نظر بالاتر از زیبایی در هنر است. در این صورت، هنر به عنوان کپی شخصیت ها و اشیاء معمولی خود واقعیت و جایگزینی برای واقعیت ظاهر می شود. بدیهی است که یک مفهوم جایگزین ترجیح داده می شود (G. V. F. Hegel، A. I. Herzen و دیگران): زیبایی در هنر بالاتر از زیبایی در زندگی است، زیرا هنرمند دقیق تر و عمیق تر می بیند، قوی تر و درخشان تر احساس می کند و به همین دلیل است که می تواند الهام بخش باشد. با هنر دیگران در غیر این صورت (جانشین بودن یا حتی تکراری بودن)، جامعه نیازی به هنر نداشت.

آثار هنریبه عنوان تجسم ماهوی نبوغ انسانی، تبدیل به مهمترین ارزشهای معنوی و ارزشی می شود که از نسلی به نسل دیگر منتقل می شود، دارایی جامعه زیبایی شناسی است. تسلط بر فرهنگ آموزش زیبایی شناسیبدون هنر غیر ممکن است آثار هنری قرن‌های گذشته دنیای معنوی هزاران نسل را به تصویر می‌کشد، بدون تسلط بر آن، انسان نمی‌تواند به معنای واقعی کلمه تبدیل به یک شخص شود. هر فرد نوعی پل بین گذشته و آینده است. او باید بر آنچه که نسل گذشته برایش به جا گذاشته تسلط داشته باشد، تجربه معنوی خود را خلاقانه درک کند، افکار، احساسات، شادی ها و رنج ها، فراز و نشیب های خود را درک کند و همه آن را به آیندگان منتقل کند. این تنها راهی است که تاریخ حرکت می کند و در این حرکت ارتش عظیمی متعلق به هنر است که بیانگر پیچیدگی و غنا است. دنیای معنویشخص

انواع هنر

شکل اولیه هنر خاص بود سنکراتیکمجتمع (غیربخشی) فعالیت خلاق. برای انسان بدویموسیقی، ادبیات یا تئاتر جداگانه وجود نداشت. همه چیز در یک عمل آیینی واحد با هم ادغام شد. بعداً از این عمل همزمان شروع به برجسته شدن کرد انواع خاصیهنر

انواع هنراشکال تاریخی هستند بازتاب هنریجهان، با استفاده از وسایل خاص برای ساختن یک تصویر - صدا، رنگ، حرکت بدن، کلمه و غیره. هر نوع هنر انواع خاص خود را دارد - جنس ها و ژانرها، که با هم نگرش های هنری مختلفی را به واقعیت ارائه می دهند. اجازه دهید به طور خلاصه انواع اصلی هنر و برخی از انواع آنها را بررسی کنیم.

ادبیاتبرای ساختن تصاویر از ابزارهای شفاهی و نوشتاری استفاده می کند. ادبیات سه نوع اصلی دارد - درام، حماسی و غزل و ژانرهای متعدد - تراژدی، کمدی، رمان، داستان، شعر، مرثیه، داستان کوتاه، مقاله، فِیتون و غیره.

موسیقیاز صدا استفاده می کند موسیقی به دو دسته آوازی (در نظر گرفته شده برای خوانندگی) و دستگاهی تقسیم می شود. ژانرهای موسیقی - اپرا، سمفونی، اورتور، سوئیت، عاشقانه، سونات و غیره.

رقصاز ابزارهای حرکات پلاستیکی برای ساختن تصاویر استفاده می کند. اختصاص مراسم، عامیانه، سالن رقص،

رقص های مدرن، باله. جهت ها و سبک های رقص - والس، تانگو، فاکستروت، سامبا، پولونیز و غیره.

رنگ آمیزیواقعیت را در هواپیما با استفاده از رنگ نشان می دهد. ژانرهای نقاشی - پرتره، طبیعت بی جان، منظره، و همچنین روزمره، حیوانی (تصویر حیوانات)، ژانرهای تاریخی.

معماریشکل ها محیط فضاییدر قالب سازه ها و ساختمان هایی برای زندگی انسان. به مسکونی، عمومی، باغبانی چشم انداز، صنعتی و غیره تقسیم می شود. نیز اختصاص دهید سبک های معماری- گوتیک، باروک، روکوکو، هنر نو، کلاسیک و غیره.

مجسمه سازیآثار هنری با حجم و فرم سه بعدی خلق می کند. مجسمه گرد (سینه، مجسمه) و برجسته (تصویر محدب) است. اندازه به سه پایه، تزئینی و یادبود تقسیم می شود.

هنر و صنایع دستیمربوط به نیازهای برنامه این شامل اشیاء هنریکه می تواند در زندگی روزمره استفاده شود - ظروف، پارچه، ابزار، مبلمان، لباس، جواهرات و غیره.

تئاتراز طریق بازی بازیگران یک اقدام صحنه ای ویژه را سازماندهی می کند. تئاتر می تواند دراماتیک، اپرا، عروسکی و غیره باشد.

سیرکیک اکشن دیدنی و سرگرم کننده با اعداد غیرمعمول، مخاطره آمیز و خنده دار در عرصه ای خاص ارائه می دهد. اینها آکروباتیک، تعادل، ژیمناستیک، اسب سواری، شعبده بازی، شعبده بازی، پانتومیم، دلقک، آموزش حیوانات و غیره هستند.

فیلم سینمایک توسعه است کنش تئاتریبر اساس ابزارهای سمعی و بصری فنی مدرن. انواع فیلمبرداری شامل فیلم های داستانی، مستند، انیمیشن می باشد. ژانرها کمدی، درام، ملودرام، فیلم های ماجراجویی، کارآگاهان، هیجان انگیز و غیره

عکسمستند را رفع می کند تصاویر بصریبا استفاده از وسایل فنی- نوری و شیمیایی یا دیجیتال. ژانرهای عکاسی با ژانرهای نقاشی مطابقت دارند.

صحنهشامل اشکال کوچک هنرهای نمایشی - دراماتورژی، موسیقی، رقص، توهم، شماره های سیرک, اجراهای اصلیو غیره.

گرافیک، هنر رادیویی و غیره را می توان به انواع هنرهای فهرست شده اضافه کرد.

به منظور نشان دادن ویژگی های مشترک انواع متفاوتهنرها و تفاوت های آنها، زمینه های مختلفی برای طبقه بندی آنها ارائه شده است. بنابراین، انواع هنر وجود دارد:

• با تعداد وسایل مورد استفاده - ساده (نقاشی، مجسمه سازی، شعر، موسیقی) و پیچیده یا مصنوعی (باله، تئاتر، سینما).
• با توجه به نسبت آثار هنری و واقعیت - تصویری، به تصویر کشیدن واقعیت، کپی برداری از آن، (نقاشی رئالیستی، مجسمه سازی، عکاسی) و بیانگر، جایی که تخیل و تخیل هنرمند ایجاد می کند. واقعیت جدید(زیور آلات، موسیقی)؛
• در رابطه با مکان و زمان - مکانی ( هنر، مجسمه سازی، معماری)، زمانی (ادبیات، موسیقی) و فضا-زمان (تئاتر، سینما).
• در زمان وقوع - سنتی (شعر، رقص، موسیقی) و جدید (عکاسی، سینما، تلویزیون، ویدئو)، معمولاً از ابزارهای فنی نسبتاً پیچیده برای ساختن یک تصویر استفاده می کنند.
• با توجه به میزان کاربرد در زندگی روزمره - کاربردی (هنر و صنایع دستی) و زیبا (موسیقی، رقص).

هر گونه، جنس یا ژانر جنبه یا جنبه خاصی را نشان می دهد زندگی انساناما در مجموع، این مولفه های هنر یک جامعیت به دست می دهند عکس هنریصلح

نیاز به خلاقیت هنرییا لذت بردن از آثار هنری با رشد بیشتر می شود سطح فرهنگیشخص هنر هر چه بیشتر ضروری می شود، انسان از حالت حیوانی بیشتر جدا می شود.

چرا این تصویر (یک کتاب، یک ساختمان، یک فیلم) یک شاهکار در نظر گرفته می شود، و آن تصویری که در آنجا کالاهای مصرفی، بد سلیقه و چرندیات است؟
اخیراً بالاخره به یک معیار عینی خوب رسیدم.

من قبلاً فکر می کردم که کلمه "کیفیت" به طور کلی برای آثار هنری غیرقابل استفاده است، که این یک موضوع سلیقه، مد، تبلیغات بازاریابی و غیره است. من فکر می کردم که در این حوزه هیچ شاخص عینی وجود ندارد و نمی تواند باشد.

خود آگاهان هنر با صحبت های خود از این توهم من حمایت کردند: "فقط باید زیاد نگاه کنید، مطالعه کنید، مقایسه کنید - و درک و ذوق هنر خوب خود به خود و با گذشت زمان به دست می آید."

و من یک تکنسین هستم، اصلا این را نمی فهمم. به نظر می رسد - "شما باید فرمول ها را بسیار تحسین کنید، و سپس مشخص می شود که چرا از آنها استفاده می شود و چگونه از آنها استفاده کنید، درک قوانین فیزیکی خود به خود خواهد آمد."

در فناوری معمولاً معیارهای واضحی (ترکیبی از آنها) وجود دارد که به شما امکان می دهد کیفیت یک چیز را با اعداد اندازه گیری کنید. فرض کنید موتور با قدرت، کارایی و منبع موتور خاص ارزیابی می شود. و در مورد مجسمه چطور؟

مورخان هنر اصلاً چنین چیزی را عمل نمی کنند.

خوب، با این تفاوت که قیمت حراجی وجود دارد، اما این نیز در بسیاری از مناطق کم استفاده است یا اصلاً استفاده نمی شود.

برای مثال، یک ساختمان، مانند یک اثر هنری را چگونه قیمت گذاری می کنید؟ یا اپرا؟

متأسفانه هر چقدر هم که این موضوع را با او در میان بگذارم مردم مختلفاز هنر، هیچ کس نمی توانست به من بگوید چگونه تشخیص دهم هنر بالااز مزخرفات یعنی مردم می‌فهمند که رافائل شاهکار می‌نوشت و گلازونف داب‌های مضحک می‌نوشت، اما چگونه می‌توان این را روی انگشتان توضیح داد؟از این گذشته ، چنین عبارت گسترده ای وجود دارد - " خوشمزه". این به طور خودکار به این معنی است که می توان آن را عینیت بخشید، کیفیت آن را می توان سنجید. اما لعنتی چطور؟؟؟

من دوست دارم فکر کنم که حقیقت هم در علم و هم در هنر وجود دارد. و ما آدم‌های کوچک بدبخت، تا زمانی که کائنات به جهنم بسوزد، سعی می‌کنیم با موفقیت کم و بیش مجانبی به این حقیقت نزدیک شویم. علاوه بر این، این حقیقت عینی است. این همه کولاک در مورد این واقعیت است که یک نفر Ukupnik بهتر از فردی مرکوری است، یعنی هر دو عالی هستند، تقریباً مشابه این استدلال است که برای Vasya دو بار پنج، و برای Petya چهار، به این معنی که ما هر بار متفاوت حساب می کنیم.
البته در درک هنر سهمی از ذهنیت وجود دارد، اما (!) از عینیت غافل نشوید، که به ویژه در این واقعیت نهفته است که یانوش لئون ویسنیفسکی یک احمق است و توماس مان. نویسنده با استعداد(حتی اگر بعضی ها خلاف این فکر کنند). همه حق دارند همزمان ویشنوسکی را دوست داشته باشند، اما ما موافقت می کنیم که در نظر بگیریم که در این مورد فرد ذوق ادبی توسعه یافته ای ندارد.

در آنجا، در نظرات، سعی کردم معیاری برای شیب دار بودن هنر به عنوان پیچیدگی فنی ارائه دهم. اما نه، هنوز کار نمی کند. یک شاهکار نباید پیچیده باشد. بانی پیشنهاد کرد که نکته اصلی ایجاد چیزی جدید است که هیچ کس قبل از شما انجام نداده است. به نظر می رسد گرم تر است، اما نه یکسان. به راحتی می توان کتهای کاملاً اصلی ایجاد کرد.

و اخیراً به این ایده رسیدم:

شاهکار یک شی هنری با استناد آن مشخص می شود.

از معیار مشابهی برای ارزیابی دانشمندان استفاده می شود - شاخص استناد. هر چه دانشمندان دیگر به آثار/مقالات شما مراجعه کنند، شما به عنوان یک دانشمند بهتر هستید. البته در اینجا انواع تحریف ها و تقلب ها نیز امکان پذیر است، اما به طور کلی این یک معیار مناسب و به طور کلی قابل اجرا است. در هنر هم می توانید از همین کار استفاده کنید!

به هر حال، شاهکارها اغلب توسط هنرمندان دیگر نقل می شود.

علاوه بر این، چنین استنادی هم در درون موضوع مشاهده می‌شود، مثلاً یک معمار از یک معمار استناد می‌کند و هم بین اشکال هنری.

هنرمندان با ساختمان ها نقاشی می کشند. ساختمان ها افکار آهنگسازان را برمی انگیزند. معماران ساختمان هایی با الهام از سمفونی ها ایجاد می کنند. شاعران می شنوند موزیک قشنگو برای آن شعر بسازد. و غیره.

در واقع، عرصه‌های کاملاً متفاوتی از هنر با میلیون‌ها نقل قول، کنایه و وام‌گیری آغشته شده است.

از اینجا مشخص می شود که چرا باید کارهای هنری زیادی را مشاهده کنید، ببینید و بشنوید و چگونه این تجربه می تواند به ارزیابی آنها کمک کند - شما به سادگی قادر خواهید بود این ارتباطات متقابل را در طول زمان ببینید، ببینید چه کسی به شدت ضربه زده است. چه چیزی و چه چیزی به آنها الهام شد. و از اینجا مشخص خواهد شد که چه کسی شاهکار را خلق کرده و چه کسی طوطی است.

چه کسی دوره، روند را ایجاد کرد و چه کسی فقط در این روند می بافد.

پس هر چه شیء هنری شاهکارتر باشد، ردپایی از آن در آن و سایر حوزه های هنری بیشتر می شود.

شناسایی این ردپاها به عینیت بخشیدن به این کل، در نگاه اول، حوزه کاملاً ذهنی کمک خواهد کرد.

به هر حال، من در این ایده تظاهر به اصالت ندارم، فقط خوشحالم که توانستم همه آن را احساس کنم و در نهایت این چیزها را برای خودم فرموله کنم.

هنر در نظام فرهنگی

«هنر شکلی از فرهنگ است که با توانایی سوژه در رشد زیبایی شناختی جهان زندگی، بازتولید آن به صورت تصویری و نمادین، با تکیه بر منابع مرتبط است. تخیل خلاق» .

اما آیا می توان گفت که این تعریف برای نشان دادن تمام معانی موجود در هنر کافی است تا ویژگی های منحصر به فرد این پدیده را به تصویر بکشد... البته پاسخ منفی خواهد بود. اصولاً هیچ تعریفی نمی تواند همه را راضی کند ، زیرا هر شخص ایده خود را از هنر ، ارزش و هدف آن دارد. هر تلاشی برای صحبت درباره چیستی هنر بیانگر یک دیدگاه بسیار ذهنی خواهد بود. و این یکی از مهم ترین تفاوت های هنر با سایر پدیده های فرهنگی است. هنر، با وجود عدم قطعیت و ذهنیت ظاهری ادراک، یک بار وارد زندگی انسان شده و دیگر او را رها نمی کند. از قرنی به قرن دیگر، علیرغم افزایش پراگماتیسم انسان، زیبایی بی‌علاقه نقاشی یا موسیقی همچنان هیجان‌انگیز است.

امروزه نمی توان بدون ابهام به این سوال پاسخ داد که چرا یک فرد به هنر نیاز دارد. برخی استدلال می کنند که هنر برای تزئین زندگی وجود دارد - این افراد سرسختانه در تلاش هستند تا زیبایی را به عنوان قانون ابدی هستی کشف کنند. در واقع، زیبایی یک فرد را هیجان زده کرد: او سعی کرد آن را در طبیعت، در افراد اطراف خود بگیرد، هر معیاری را شناسایی کند و سپس آن را اصلاح کند. در تاریخ هنر می توان میلیاردها "شاهد" (نقاشی، مجسمه، مینیاتور، شعر، ترانه) چنین رویارویی با زیبایی را یافت. برخی دیگر معتقدند که هنر باید یک فرد را آموزش دهد - آنها به دنبال خیر، فایده، عدالت در آثار هستند. و برخی دیگر متقاعد شده اند که هنر راهی برای شناخت جهان است، بنابراین هدف آنها در هنر کشف و تثبیت حقیقت است. به نظر می رسد که هنر می تواند علایق بسیار متنوعی را برآورده کند.

تفاوت هنر با سایر پدیده های فرهنگی که فرصت پی بردن به نیازهای خود را نیز برای فرد فراهم می کند چیست؟ پاسخ این پرسش را باید در پیوند ناگسستنی هنر و واقعیت جستجو کرد. زندگی انسان پر از تنوع است: شخص به این تغییر ابدی واقعیت بیرونی و دنیای درون کشیده می شود. فرد می تواند به دنبال راه هایی برای سازگاری یا غلبه بر این تنوع باشد: با انباشت و به کارگیری دانش، دنیایی از فرهنگ را در اطراف خود می سازد که او را از غیرقابل پیش بینی بودن طبیعت محافظت می کند. بنابراین، فعالیت انسان به مبارزه برای بقا تبدیل می شود. اما انسان برای خود راه دیگری از وجود را کشف کرد - نه برای سازگاری و مبارزه با واقعیت اطراف، بلکه برای بازی با آن. توانایی بازی که حتی در حیوانات نیز ذاتی است، فرد شروع به استفاده از آن نه تنها به عنوان راهی برای یادگیری چیزی یا انتقال دانش و غیره می کند، بلکه به عنوان روشی جهانی برای همزیستی یک فرد با جهان و افراد دیگر.

هنر شکلی جهانی از ادراک جهان است که فقط ذاتی انسان است. بنابراین می توان گفت که هنر روشی منحصر به فرد برای بیان وجود انسان است. ویژگی این روش درک یک شخص چیست ، ما سعی خواهیم کرد دریابیم.

معیارهای تعریف هنر متفاوت است: آنها به ویژگی های فرهنگی که هنرمند در آن خلق می کند، به مکان و زمان خلق و درک اثر بستگی دارد.

در معنای وسیع، مفهوم «هنر» به دو معنا به کار می رود:

1. هنر مهارت، مهارت، مهارت، مهارت، قدردانی بالا از توانایی انجام هر کاری است. غالباً اینگونه است که آنها شخصی را ارزیابی می کنند که نه تنها کار خود را به صورت حرفه ای انجام می دهد، بلکه آن را به زیبایی، به راحتی یا به نوعی با الهام خاص انجام می دهد. بنابراین، سرایدار، با جارو کردن برگ ها، می تواند خود را احساس کند یا توسط دیگران به عنوان یک شاعر درک شود.

2. هنر یک فعالیت خلاقانه است که با هدف ایجاد آثار هنری، اشکال زیباشناختی بیان می شود.

اگر این دو مقدار را با هم ترکیب کنید، تعریف زیر را دریافت خواهید کرد:

هنر یک فعالیت هنری است که مبتنی بر مهارت و مهارت است.

سنت درک هنر به عنوان مهارت و توانایی قبلاً در دوران باستان توسعه یافته است، زمانی که مفاهیم اساسی مانند Poesis، Mimesis، Techne فرموله شدند.

مفهوم اول Poesis به معنای عمل خلاقانه مبتنی بر الهام است. مهمترین شرط خلق یا ادراک یک اثر هنری است شرایط خاص. تصادفی نیست که در فرهنگ هنری جهان طرح دیدار شاعر یا هنرمند توسط میوز، تصویری نمادین از الهام، بسیار رایج است:

من با پشتکار به درس های باکره در راز توجه کردم.

و من را با یک جایزه تصادفی خوشحال می کند،

دور انداختن فرها از پیشانی شیرین،

خودش فلوت را از دستانم گرفت:

نی توسط نفس الهی متحرک شد

و قلبم را پر از افسون مقدس کرد.

A. S. Pushkin "Muse" بنابراین، حالت الهام، که به عنوان ظهور چیزی جدید "از ناکجاآباد" تجربه می شود، با گشودگی خاص نسبت به جهان و آمادگی برای گفتگوی خلاقانه، هم با واقعیت و هم با احساس خود مشخص می شود. این واقعیت .

دیالوگ بودن هنر در مفهوم دوم نیز تجلی یافته است. Mimesis به معنای «تقلید از طبیعت» است. به گفته یونانیان باستان، یک شخص نمی تواند چیزی را که در طبیعت وجود ندارد بیابد، بنابراین، در هنر، فقط می تواند از آن تقلید کند.

مفهوم سوم، Techne، مهارت، علم، مهارت، انجام، کامل بودن است. این ایده تنها زمانی بیان می‌شود، تجسم می‌یابد که استاد آن را در ماده تجسم می‌بخشد، تلاش فیزیکی برای خلق یک اثر هنری به کار می‌گیرد.

بنابراین، هنر به عنوان یک بازگشت دائمی به طبیعت درک می شود، گفتگو با جهانی که هنرمند در آن زندگی می کند:

بعدها، هنر به عنوان فعالیت خلاقانه با هدف درک و تبدیل دنیای اطراف طبق قوانین زیبایی شناخته شد. به نظر می رسد که کلمات "طبق قوانین زیبایی" هنر را از انواع دیگر خلاقیت متمایز می کند: به عنوان مثال، در علم، خلاقیت بر اساس قوانین منطق و عقل رخ می دهد. اما در سنت های فرهنگی مختلف، مفهوم زیبایی به طور متفاوتی تعریف شده است: آنچه برای یک فرد قرن هفدهم زیبا به نظر می رسید برای یک فرد مدرن زشت به نظر می رسد. علاوه بر این ، بیشتر و بیشتر هنرمندان عمداً به چیزی "زیبا" روی نمی آورند، بلکه نگرش خود را به جهان از طریق "زشت" ابراز می کنند. بنابراین، اگر هنر را وسیله ای برای تثبیت دقیق زیبایی بدانیم، هنر هر معنایی را از دست می دهد.

همچنین غیرممکن است که هنر را فقط به عنوان بیان رابطه فردی-شخصی هنرمند تعریف کنیم. از این گذشته، دوره هایی وجود داشت که هنرمند سخنگوی یک جهان بینی نه شخصی، بلکه عمومی بود: کافی است معابد زیبای قرون وسطایی را که بر اساس قوانین خاص ساخته شده بودند، به یاد بیاوریم، نمادهایی که مطابق با قوانین شمایل نگاری نقاشی شده اند و هنوز هم هستند. ، یا "پرتره" معمولی مصر باستان از فراعنه. چنین هنری اولاً هنر سنت است و ثانیاً هنر ابتکار خلاقانه فردی. تمام روش ها و تکنیک های هنر روسیه باستان یا مصر باستان برای بیان ابدیت و تغییر ناپذیری آنچه اتفاق می افتد و به تصویر کشیده می شود طراحی شده است. این دوره از کانون های بزرگ بود! دوران هایی که تقریباً حتی یک نام از یک هنرمند یا معمار را برای ما به ارمغان نیاورده است. معماري كه نام خود را در جايي روي پشت بام يك كليساي جامع قرار مي داد، در معرض خطر سوختن توسط تفتيش عقايد قرار گرفت. زمانه تغییر کرده است، امروز هیچ کس هنرمندی را برای امضا به میدان نمی فرستد. با این حال، حتی امروز نیز این سنت حفظ شده است: ما نمی توانیم نام و زمان ایجاد نمادی را که از کارگاه نقاشی صومعه نووتیخوینسکی در یکاترینبورگ یا هر صومعه دیگری در روسیه بیرون آمده است، دریابیم - از این گذشته ، نماد نه توسط یک شخص ، بلکه توسط خدا با دست انسان ایجاد شده است. قوانینی که از درک فردی عبور می کنند، مهار نمی کنند، بلکه هنرمند را در مسیر بیان ایده آل جهانی یا دانش ابدی، ایده های جهان و انسان هدایت می کنند.

با توجه به اثربخشی این شیوه از انتقال افکار به عنوان هنر، در مقاطع مختلف سعی شده است تا هنر را در خدمت خود قرار داده، از آن استفاده کند. هنر برای مدت بسیار طولانی حق استقلال خود را از سیاست، اخلاق، ادبیات و غیره ثابت کرد. با این حال، هیچ یک از پدیده های فرهنگی فهرست شده نمی تواند هنر را به طور کامل تابع خود کند: ماهیت هنر اجازه نمی دهد که از زبان آن برای انتقال آماده فلسفی، مذهبی یا استفاده شود. ایده های سیاسی. به هر حال، به هر شکلی، این ایده ها در زمینه هنر دگرگون می شوند، بسته به هنرمند تفسیر می شوند، از نظر احساسی رنگ می شوند.

بنابراین، تنها معیار جهانی که ویژگی هنر را به‌عنوان شکلی از فرهنگ تعیین می‌کند، این است که هر ایده، صرف‌نظر از محتوای آن، از طریق یک تصویر هنری و از طریق ابزارهای هنری بیان شود. دقیقاً به همین دلیل است که هنر تبدیل به یک فعالیت خاص و متفاوت از سایر اشکال فعالیت فرهنگی می شود.

هنر، توسط چه کسی و در هر کجا که خلق شود یا ادراک شود، فضای ویژه ای ایجاد می کند. در واقع، یکی از رایج ترین نسخه های ظاهر و وجود هنر، نسخه هنر به عنوان تزئین زندگی است: واقعیت خاکستری روزمره به محض شنیدن آهنگ مورد علاقه خود تغییر می کند، و حصار بتنی خاکستری کمتر چشم را خوشحال می کند. نقاشی گرافیتی واقعی به جای تشک روی آن ظاهر می شود. کتاب «ماجراهای آلیس در سرزمین عجایب» نوشته لوئیس کارول به نوعی تأیید این نسخه است: قهرمان وارد دنیایی شگفت‌انگیز می‌شود که در آن اشیا اندازه‌ها و عملکردهای معمول خود را تغییر می‌دهند. لانه خرگوشبا غلبه بر مرزهایی که این دو واقعیت را از هم جدا می کند.

فضای هنری با مرزهای مختلفی نفوذ می کند: می تواند یک رمپ تئاتر، یک قاب عکس، یک صفحه تلویزیون، صفحه اول یک کتاب و غیره باشد - همه اینها. انواع مختلفمرزهای دنیای خیالی و واقعی بنابراین، می توان از وجود معانی متعددی از مفهوم «تحدید» مکانی که هنر در آن وجود دارد صحبت کرد. بیایید این مرزها را در نمونه تئاتر به عنوان فضایی خاص در نظر بگیریم که حداکثر تعداد ممکن مرزها در آن در هم تنیده شده است.

اولی یک «تحدید» واقعی است: تئاتر به عنوان یک ساختمان، به عنوان مجموعه ای از اشیاء صحنه نگاری، محل های اداری و یک سالن، مکانی است که دارای مرزهای واقعی است که این مکان را از مکان های دیگر جدا می کند.

دوم "تحدید" فرهنگی است: یک فرد به تئاتر می آید و آن را به عنوان یک نهاد فرهنگی درک می کند که در آن قوانین خاص، کلیشه های رفتاری و سنت ها عمل می کنند. همه این هنجارها و کلیشه های رفتاری برای محافظت از واقعیت هنری در برابر واقعیت "بد اخلاق" طراحی شده اند. سالن نمایش، از بیننده ای که با تلفن صحبت می کند، خش خش بسته بندی آب نبات ها، اظهار نظر در مورد آنچه اتفاق می افتد و غیره. تئاتر در این مورد به عنوان یک فضای فرهنگی بسته خاص عمل می کند که سیستمی از قواعد رفتاری در آن عمل می کند. در فرآیند آموزش، فرد یاد می گیرد که رفتار خود را بسته به جایی که در یک کنسرت راک یا نمایش واریته، در سیرک یا تئاتر حضور دارد، تنظیم کند.

سوم، «تحدید حدود» هنری است: تئاتر به عنوان مکانی که در آن زندگی در قالب یک اجرا «متولد» می شود، در طول مدت اجرا، به دلیل تجربه مخاطبان و بازیگران تصاویر هنری در فضای هنری. بنابراین، تحدید حدود در تئاتر به آن اجازه می دهد تا هم به عنوان یک فضای معماری واقعی، و هم به عنوان یک فضای فرهنگ که به صورت سلسله مراتبی ساخته شده است، و هم به عنوان یک فضای هنری - اما به طور کلی به عنوان فضایی که ساختار می دهد، عمل کند. انساندر فرهنگ

تمام مرزهای موجودی که شخص قبل از ملاقات با یک اثر هنری (اعم از اجرا، نقاشی، سازه معماری یا کتاب) بر آن ها غلبه می کند نه تنها برای متمایز ساختن عملکرد هنری فرد به عنوان جدا از فعالیت روزانه او طراحی شده است، بلکه برای متمایز کردن آن از فعالیت های روزانه نیز طراحی شده است. او را برای این نوع فعالیت خاص آماده کنید. اما اگر برای فردی که تجربه کافی از بازدید از تئاتر را دارد، آمدن به تئاتر و رعایت تمام قوانین حضور در آن چندان دشوار نیست، نفوذ به «واقعیت» اجرا و در واقع هر اثر هنری، سخت ترین کار برای یک فرد، صرف نظر از سن و تجربه اش است. اغلب تجربه چندین ساله حتی زمانی که فرد قادر به درک مستقیم این یا آن اثر هنری نیست، مانند یک کودک، می تواند تداخل داشته باشد، که بر میزان لذت دریافتی تأثیر می گذارد.

توانایی غلبه بر این مرز بین ادراک خود از جهان و ادراک هنرمند، ارتباط مستقیمی با تحرک دنیای درونی فرد، با توانایی او در پاسخ به تأثیرات و تغییرات بیرونی دارد. تغییر نه تنها در رابطه با هر اثر، نویسنده یا سبک، بلکه در ارتباط با فرهنگ به عنوان یک کل. بنابراین، "تحدید" ارتباط تنگاتنگی با فرآیند غلبه بر مرزها دارد: شخص با ورود به فضای وجود هنر، تغییراتی در اعمال روحی و جسمی روزانه خود ایجاد می کند که برای تسلط بر حوزه ها و سطوح جدید فرهنگ کاملاً ضروری است. و در نتیجه برای بهبود شخصی.

با این حال، مرز جداکننده دنیای داستانی و واقعی را نمی توان به طور کامل از بین برد، در غیر این صورت منجر به نقض فضای هنری و از بین رفتن هنر می شود. برای مصرف کننده یک محصول فرهنگ هنری بسیار مهم است که بفهمد این محصول یک واقعیت نیست، بلکه فقط بینش نویسنده از واقعیت است. تماشاگری که نمی‌داند چگونه با این مرز کار کند، می‌تواند بازی را به واقعیت تبدیل کند و نسبت به هنر واکنش ناکافی نشان دهد: مثلاً چیزی را به سمت بازیگری که نقش یک شخصیت منفی را بازی می‌کند پرتاب کند یا اسید به تصویر بپاشد.

توانایی کار شایسته با انواع مرزهای توصیف شده نشانگر سطح است فرهنگ هنریشخصیت، توانایی آن برای ورود به یک گفتگوی هنری. و این خیلی جنبه مهماین موضوع، از آنجایی که هنر ماهیت ارتباطی دارد. مخاطب آثار خلق شده همیشه شخص، بیننده است. و اگرچه ممکن است هنرمند عمداً این ژست را بگیرد "من به مخاطب نیاز ندارم، من برای خودم خلق می کنم" ، همیشه این امید وجود دارد که آثار آنها نور روز را ببینند. بنابراین، چنین ژستی چیزی جز حیله گری نیست. اثر هنری که انسان نتواند آن را ببیند مرده است.

درک یک اثر هنری همیشه یک گفت و گو است، نه ارتباط. اگر در فرآیند ارتباط اطلاعات به صورت یک طرفه از نویسنده به بیننده حرکت می کند و در گفت و گو هر دو طرف در تبادل نظر شرکت می کنند.

گفت و گوی هنری رابطه ای است که بین شرکت کنندگان در فرآیند هم آفرینی هنری و ادراک هنری به وجود می آید، نوعی گفت و گو که در آن اطلاعات هنری منتقل می شود. در این صورت اثر هنری واسطه ای بین نویسنده و بیننده می شود که او هم نویسنده است.

ارتباط هنری می تواند «مستقیم» باشد: زمانی که نویسنده و بیننده مستقیماً «ارتباط» می کنند و زمان خلق و ادراک اثر همزمان می شود. مثلا تئاتر هنری است که فقط در مقابل چشم بیننده خلق می شود که هر ثانیه به روحیه بازیگران و عکس العمل لحظه ای تماشاگر بستگی دارد که «بی واسطه بودن» ارتباط هنری را تضمین می کند. بین بازیگر و تماشاگر فقط یک سطح شیب دار وجود دارد و چندین ردیف از مردم در جلوی آن نشسته اند. و در شرایط تئاتر صحنه کوچکسطح شیب دار تخریب می شود و بیننده این فرصت را پیدا می کند که تا حد امکان به آن نزدیک شود واقعیت هنریعملکرد و حتی داخل آن باشد. زمان خلق و درک یک اثر نیز در سیرک، در کنسرت، در انواع مختلف اجراها ترکیب می شود، زمانی که مخاطب مستقیماً در لحظه تولد یک چیز جدید حضور دارد و می تواند بر روند تأثیر بگذارد.

اما همچنین ارتباط هنری می تواند غیرمستقیم تر باشد: نویسنده و بیننده توسط زمان و مکان از هم جدا می شوند. برای مثال، مهم نیست که ما که در قرن بیست و یکم زندگی می کنیم، چقدر دوست داریم با دیوانه بزرگ وینسنت ون گوگ ارتباط برقرار کنیم، این غیرممکن است!

همانطور که می بینید، ارتباطات هنری نه تنها توسط زمان و مکان، بلکه توسط ویژگی های انواع مختلف هنر تعیین می شود، که هر یک به زبان خاص خود، روش خود برای سازماندهی گفتگو و مکان دلالت دارد.

در چارچوب انواع هنری مانند معماری، مجسمه سازی، سینماتوگرافی، نقاشی، تصویر هنری به شدت در مواد ثابت می شود. و در اینجا می توانید مزایا و معایب چنین دلبستگی به مواد را مشاهده کنید. از یک طرف، هر چه یک اثر هنری بیشتر به مواد وابسته باشد، کمتر تغییر می کند. غیرممکن است که به کارگردان آندری تارکوفسکی پیشنهاد کنیم چیزی را در فیلمش تغییر دهد، با او بحث کند، نه تنها به این دلیل که این کارگردان دیگر زنده نیست، بلکه به این دلیل که فیلم قبلاً ویرایش و صداگذاری شده است. همچنین، ما نمی‌توانیم خواستار تغییر نسبت‌های شکل ونوس میلو در ارتباط با استانداردهای تغییر یافته زیبایی باشیم. بدن زنپوچ خواهد بود. اما از طرف دیگر، تخریب مواد منجر به مرگ می شود تصویر هنری. چه بسیار فرهنگ جهانی زیان های جبران ناپذیری دارد: نقاشی هایی که در درگیری های نظامی و به دست افراد آشفته ذهنی جان باختند، معابد ویران شدند، مجسمه های ویران شدند. از این نظر عبارت "دستنوشته ها نمی سوزند!" بسیار مشروط می شود

آثار هنری وجود دارد که در آنها وابستگی به یک ماده خاص عملاً به حداقل می رسد، بسته به بیننده می تواند تغییر کند. اما در مقابل زمان نیز آسیب پذیر هستند. بنابراین، برای مثال، می توان معنای جدیدی به نمایشنامه «هملت» شکسپیر وارد کرد: و قاعدتاً هر کارگردانی که تولید این نمایشنامه را بر عهده گرفته است، ایده های مدرن و مرتبط با او، زمان و کشورش را بیان می کند. . او می توانست هملت را شلوار جین بپوشد، او را وادار به نواختن ساکسیفون کند، اما در همان زمان حتی یک خط از متن شکسپیر تغییر نکرد. مانند یک نمایشنامه، هملت می تواند به عنوان یک متن نوشتاری یا گفتاری وجود داشته باشد که می تواند در یک نمایشنامه یا فیلم تجسم یابد.

یکی از «ناملموس‌ترین» هنرها موسیقی است. صدا - به صدا درآمد و دیگر نیست! بنابراین، موسیقی که به نت رونویسی نشده است ممکن است در زمان حفظ نشود. اما موسیقی نیز نسبت به همان مجسمه مزیت هایی دارد. بنابراین مجسمه ساز در ماده "یک بار برای همیشه" تفسیر خود را از تصویر تثبیت می کند. بیننده با تأمل در این مجسمه با تصویری آماده و قابل رویت مواجه می شود و خیال او تابع دید مجسمه ساز است. در یک قطعه موسیقی، دو شنونده می توانند ایده ها یا حالات کاملاً متفاوتی را بشنوند، تخیل آنها فقط توسط شخصیت خودشان محدود می شود. بنابراین، موسیقی انتزاعی اغلب بیشتر از یک تصویر مجسمه سازی قابل مشاهده آماده، شخص را لمس می کند. می‌توان چنین مثالی هم زد: شخصی برای دیدن نسخه‌ای از کتابی که اخیراً خوانده به سینما می‌رود و متوجه می‌شود که همه چیز را اینطور تصور نکرده است. واقعیت این است که هر چه یک اثر هنری بیشتر به بیننده اجازه تفکر بدهد، لذت بیشتری نصیب بیننده می شود.

با این حال، اجازه دهید به بررسی ویژگی های گفتگوی هنری بازگردیم. به صورت شماتیک می توان آن را به صورت زیر نشان داد:

تصویر هنری ثبت شده در اثر، همان طور که گفته شد، گفته نویسنده برای بیننده است. بنابراین، مشکل درک زبان یکی از مهمترین مسائل است. در ارتباطات بین فردی، مشکل درک نادرست از دیگری اغلب به وجود می آید: اگرچه افراد در نزدیکی هستند و شرایط مطلوبی برای درک یکدیگر دارند، اما ممکن است باز هم درک ایجاد نشود. در چارچوب یک گفت‌وگوی هنری، تماشاگر می‌تواند سعی کند نویسنده را تنها از طریق اثری که از خود به جا گذاشته است، درک کند، بنابراین مسیر فهم پیچیده‌تر می‌شود. فردی که تجربه کمی در هنر دارد، وقتی با چیزهای جدیدی روبرو می شود زبان هنریشروع به درک کار به عنوان حریف خود می کند. طرد چیزی ناشناخته یک واکنش روانی طبیعی است. "دفاع" از یک فرد شروع به "مبارزه کردن" با کار می کند و در موضع "سوء تفاهم و عدم تمایل به درک" قرار می گیرد. علاوه بر عامل بی تجربگی بیننده، عامل عادت کردن به زبان هنری خاص نیز وجود دارد. بنابراین، برای مثال، در دهه 60 و 70. در قرن نوزدهم، هنرمندانی ظاهر شدند که دیگر از زبان واقع گرایانه راضی نبودند، آنها سبک خود را توسعه دادند و نام "امپرسیونیست" را دریافت کردند - سی مونه، پی. رنوار، پی سیگناک، ای. دگا و دیگران. با این حال، عموم مردم هنوز به نقاشی آنها عادت نکرده اند، انتقاد بر نمایشگاه های آنها می افتد. چند سالی می‌گذرد و امپرسیونیست‌ها با موفقیت آثار خود را می‌فروشند و هنرمندان جدیدی جای «رانده‌شدگان» را می‌گیرند: V. Van Gogh، J. Seurat، P. Gauguin، A. Toulouse-Lautrec و دیگران.

بنابراین، دیدگاه هر نویسنده ممکن است با دید ما از جهان مطابقت نداشته باشد، هنر برای ما جذاب تر است. به نوبه خود، فرهنگ هنری فقط به فرد کمک می کند تا زبان های مختلف هنر را یاد بگیرد. فرد با انباشته شدن تجربه هنر، به تدریج بر زبان رنگ، خطوط، موسیقی، حرکات و غیره تسلط پیدا می کند که به او کمک می کند تا آثار هنری جدید را عمیق تر درک کند. بنابراین، می توانید یاد بگیرید زبان موسیقیو زبان نقاشی انتزاعی، می توانید فرآیند درک زبان هر نویسنده ای را یاد بگیرید. انسان با تسلط بر زبان های هنری وارد مسیر درک متقابل و حصار نبستن از دیگران می شود و در نتیجه حضورش در فرهنگ متنوع تر می شود و خودسازی چندوجهی می شود.

در چارچوب فرهنگ هنری، فرد به روش های مختلف ارتباط هنری تسلط پیدا می کند. و در همان زمان شکل می گیرد:

1. نیاز به ارتباط هنری، نوعی عادت که انگیزه ارتباط را شکل می دهد. انگیزه ممکن است میل به تجربه هر احساسی باشد: در نتیجه تحقق این میل، فرد "وابستگی ها"، ترجیحات هنری را ایجاد می کند، فرد فیلم های مورد علاقه خود را در کتابخانه ویدئویی خانگی خود جمع آوری می کند یا موسیقی های ضبط شده مورد علاقه خود را جمع آوری می کند. گروه و به هر کنسرت جدید این گروه می رود. انگیزه می تواند نه تنها میل به بدست آوردن چیزی (احساسات، ایده های جدید) باشد، بلکه میل به ابراز خود از طریق ایجاد نوعی شیء هنری با ایده ها یا احساسات تجسم یافته در آن و در نتیجه تثبیت خود در فرهنگ باشد. هر دو انگیزه توصیف شده در حال به فعلیت رساندن پتانسیل خلاق ذاتی در هر فرد هستند.

2. نگرش نسبت به ارتباط که قبل از شروع تماس هنری شکل می گیرد. در فرآیند گفتگوی هنری، اینستالیشن می تواند با قرار دادن بیننده در یک زبان هنری خاص و شیوه ارتباطی، نقش مثبتی داشته باشد، اما در عین حال می تواند تداخل ایجاد کند. کافی است شرایط مشروط زیر را تصور کنیم: یک عاشق سالخورده موسیقی کلاسیک به کنسرتی می رود که در برنامه آن نوید اجرای ساخته های واگنر داده شده است. اما به طور اتفاقی او به کنسرت گروه "The Untouchables" می رسد. شاید اگر او برای چنین تغییری آماده شده بود، می توانست این موسیقی را درک کند، اما به دلیل نگرش خاصی نسبت به واگنر، قهرمان ما به احتمال زیاد شوکه می شد.

3. مهارت های ارتباطی که مبتنی بر تسلط بر زبان های هنری است: توانایی استفاده از زبان بسته به ژانر و نوع هنر + درک انگیزه نویسنده.

4. انعطاف هوشیاری و حافظه هنری;

5. شکل گیری نگرش ارزشی- معنایی به یک اثر هنری.

6. توانایی ایجاد اشتراک جهان معنوی خود و جهان نویسنده.

بنابراین، هر چه سطح فرهنگ هنری بالاتر باشد، هر چه فرد توانایی بیشتری برای فعالیت خلاقانه و مشارکتی داشته باشد، بیشتر برای تماس گفتگو با دنیای شخص دیگر باز می شود. اثر هنریو زندگی انسان متنوع تر می شود. بر اساس آنچه گذشت، تعیین کارکردهای هنر در زندگی انسان و روند وجود فرهنگ به طور کلی ضروری است.

هنر در طول تاریخ فرهنگ جهانی یک سیستم خاص از انباشت است

و انتقال تجربه در یک سیستم زبانی خاص که از رنگ، ریتم،

شکل ها، حجم ها، صداها و غیره اطلاعات در تصاویر، علائم، نمادها، متون و چیزها ذخیره می شود

و غیره. موسساتی درگیر انباشت و حفظ اطلاعات فرهنگی هستند:

موزه، گالری، تئاتر. یعنی فرهنگ هنری حافظه طبیعی جامعه بشری است.

حافظه جمعی و برداشت های فردی

اولاً با آشنا کردن فرد با این خاطره، یک کارکرد آموزشی نیز محقق می شود. آموزش در هنر به طور غیرمستقیم اتفاق می افتد، زیرا آموزش هدف هنر نیست، اهمیت آن کمتر از فرآیند است. تربیت و آموزش هنری زیر سیستم فرهنگ هنری است.

ثانیاً، کارکرد انباشت و انتقال تجربه شامل یک کارکرد وحدت بخش است که متضمن ادغام جامعه از طریق هنر است.

و ثالثاً هنر علاوه بر انباشت و انتقال تجربه، آن را به روز می کند. این به این دلیل است که هنر همیشه دارای ماهیت تالیفی است (حتی اگر نویسنده به عمد به عنوان یک فرد ناشناس عمل کند). هر بار که هنرمند جهان را از نو باز می کند و دائماً واقعیت را به روز می کند. نوآوری و تازگی در اینجا به عنوان یک روش خاص برای تأیید خود عمل می کند. با استفاده از هنر، مدل واقعیت ارائه شده توسط هنرمند در تصاویر زنده و احساسی ارائه می شود که تأثیر زیادی بر بیننده دارد. بنابراین، سازنده همیشه در قبال اینکه چه چیزی خلق کرده، چه ایده هایی را بیان کرده و چگونه خلقتش بر مردم تأثیر گذاشته، مسئول است.

ویژگی هنر به عنوان راهی برای انتقال اطلاعات در این واقعیت نهفته است که هنر

به صورت دیالوگ بنابراین، عملکرد دیالوگ یکی از کارکردهای مرکزی است. اگر هنر را در نظر بگیریم

به عنوان یک وسیله ارتباطی می توان گفت که ارتباط بین انسان و فرهنگ را تحکیم می کند;

به لطف هنر، شخص نه تنها می تواند با هم عصران خود وارد گفتگو شود، بلکه می تواند حمل و نقل شود.

در دوره ها و کشورهای دیگر، با نسل های دیگر، مردم (حتی داستانی) ارتباط برقرار کنید.

با این حال، کارکرد دیالوگ به طور مستقیم با عملکرد تجدید فرهنگ مرتبط است. هنر گفتگوی بین نویسنده و بیننده به عنوان نویسندگان مشترک است که در نتیجه آن چیزی جدید ظاهر می شود (عاطفه، ارزش، ایده، شی). بنابراین، هر مواجهه با هنر به طور بالقوه نوعی آزمایش است:

"آزمایش - تجربه، تلاش برای اجرای چیزی به هر طریق." علاوه بر این تعریف، معانی باید به عنوان اجزای جدایی ناپذیر مفهوم آزمایش تلقی شوند: «جستجو»، «تلاش»، «کشف»، «تازه»، «تغییر سنت ها»، «شکن کردن کلیشه ها» و غیره. بر.

«آزمایش مستلزم تمایل هنر به جست‌وجوی، حتی اشتباه کردن، به خاطر چیزی است که هنوز وجود ندارد.»

این گفتگو است که جهت آزمایش را تعیین می کند: برای تغییر کیفی فرهنگ هنری (محتوا و کارکردهای آن)، آزمایش باید به همه شرکت کنندگان و نه فقط برای تماشاگران گسترش یابد. هنرمند، به عنوان آغازگر و هماهنگ کننده آزمایش، تمام تلاش ها را قبل از هر چیز به سمت خود سوق می دهد - او خود را در موقعیتی از خود تعیین کننده دائمی قرار می دهد - و تنها پس از آن به مخاطب روی می آورد. در نتیجه، سازماندهی موقعیت دیالوگ وظیفه ویژه هنر است که برای جریان موفق یک تجربه هنری باید حل شود.

تجربه هنری تجربه ایجاد شرایط معین برای به روز رسانی روش های هنری، تغییر شرکت کنندگان و نظام ارزشی فرهنگ به عنوان یک کل است که از طریق تشکیل یک فضای هنری (بازی) معنایی واحد انجام می شود.