Popularny szybki taniec ubiegłego wieku. Tańce Ameryki Łacińskiej. W duchu tradycji ludowych

11.04.2019

Dwa taneczne światy na jednym schemacie: najmodniejsze tańce salonów i dyskotek oraz najodważniejsze zjawiska choreografii na przestrzeni 100 lat

Lata 1900
Dopasowany

Matchish w wykonaniu Vernona i Irene Castle. 1915

To fragment niezatytułowanego niemego filmu, w którym matchish tańczą znani amerykańscy aktorzy i tancerze Vernon i Irene Castle. Muzyka zawarta w filmie to utwór „Dengoso” brazylijskiego kompozytora Ernesto Nazaretha, nagrany w Stanach Zjednoczonych mniej więcej w tym samym czasie, gdy kręcono film.

Matchis (Port. maxixe) urodził się w brazylijskiej prowincji pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku. Partnerzy działali szybko stopień ślizgowy, kręcili się i przytulali od czasu do czasu – partner przyciskał go plecami do siebie. Jak na tę stateczną epokę taniec oparty na rytmach afro-łacińskich wydawał się ognisty, „zmysłowy”. Na przełomie XIX i XX wieku matchish stał się popularny w Rio de Janeiro, a w przededniu I wojny światowej pieśń w rytm matchisha grała już na wszystkich fortepianach mechanicznych w amerykańskich salonach i europejskich kawiarniach. Moda dotarła do Rosji – pisał Władimir Majakowski:

A więc
Dzisiaj
od rana
W duszy
uderzył w usta zapałki.
Chodziłem drżący
ramiona rozłożone,
i wszędzie rury tańczyły po dachach,
i każda rzuciła 44 kolanami!

Zwiastuny tańca współczesnego

Loie Fuller wykonuje taniec Serpentine. 1902

Historia tańca współczesnego zwykle zaczyna się od amerykańskiego tańca współczesnego. Poprzedziła ją jednak praca czterech niezależnych tancerzy, z których każdy przeszedł do historii jako prekursor nowoczesności. Ich główny cel było pokazanie, że choreografia może być poważną formą sztuki, a taniec to nie tylko widowisko. Najsłynniejsza z nich, Isadora Duncan, uważała, że taniec powinien rozwijać się naturalnie, zgodnie z indywidualnością wykonawcy – wystarczy słuchać swojego ciała i jego impulsów. Stało się to znane jako taniec swobodny. Jej starsza koleżanka Loie Fuller, która wymyśliła dziesiątki sposobów na uzyskanie światła i koloru ważna część choreografia, wywarła poważny wpływ na rozwój nie tylko tańca, ale także grafiki scenicznej. Ruth St. Denis otworzyła Denishawn w Stanach Zjednoczonych, pierwszą szkołę, która systematycznie uczy różnych rodzajów ruchu, od baletu po jogę. Prawie wszyscy przyszli mistrzowie tańca współczesnego są absolwentami Denishawn. Ponadto jej uczniowie chętnie byli statystami w hollywoodzkich filmach, a niektórzy, jak Louise Brooks, zostali gwiazdami kina niemego. Czwartym zwiastunem jest Maud Allan, której Salome była szokiem dla ówczesnej opinii publicznej. W ogóle niewiele wiadomo o jej stylu, prasa tamtych czasów dużo więcej uwagi poświęcała skandalicznym historiom z nią związanym - na przykład, gdy pozwała angielskiego polityka, który oskarżył ją o homoseksualizm i powiązania z niemieckimi szpiegami.

Lata 1910
Tango

Rudolph Valentino i Beatriz Dominguez tańczą tango w „Czterech jeźdźcach apokalipsy” Rexa Ingrama. 1921

Film jest niemy, a odtwarzana muzyka to tango „La Cumparsita”, napisane w 1916 roku przez urugwajskiego kompozytora Gerardo Rodrigueza.

Tango narodziło się w robotniczych dzielnicach Buenos Aires; jednym z jego źródeł była habanera, kubański taniec ludowy. Tango szybko podbiło cały świat. Nie ostatnia rola odgrywało to połączenie namiętności i przemocy, co w pełni objawiło się w „okrutnym” tangu, czyli tangu apache, gdzie partner macho pochylił się i rzucił swoją damę, jakby chciał ją wykończyć. Przed I wojną światową tango zostało oswojone i uszlachetnione na mieszczańskich salonach, zachowało jednak swój erotyzm, obraz ledwie powstrzymywanego pożądania, „ognia w lodzie”.

Tangomania zawładnęła Europą do tego stopnia, że Papież wydał specjalną bullę zakazującą tanga. Niemniej jednak sława tanga rosła – w dużej mierze dzięki niememu kinie, w którym błyszczał piękny tanguero Rudolph Valentino.

Taniec ekspresjonistyczny

„Pomnik umarłych” w reżyserii Mary Wigman. 1929

Równolegle z Ameryką taniec rozwijał się także w Europie, ale według innego scenariusza. Ruch, który pojawił się w Szwajcarii i Niemczech na początku XX wieku, nazywany jest tańcem ekspresjonistycznym (Ausdruckstanz) lub niemieckim nowoczesnym. Tancerze i choreografowie, wraz z innymi filozofami i artystami, poszukiwali sposobów wyrażenia nowego postrzegania świata i nowych znaczeń poprzez ruch i interakcję z przestrzenią. Kompozytor Emile Jacques-Dalcroz wymyślił rytm: na lekcjach solfeżu odkrył, że jego uczniowie lepiej przyswajają materiał, poruszając się w rytm muzyki, i zaczął opracowywać system korelujący rytm i ruch. Rudolf Laban przeanalizował ruch ciała w przestrzeni i wynalazł sposób zapisu tańca na papierze, który stosuje się do dziś (nazywa się to Labanotacją). Jego uczniowie Mary Wigman (twórczyni rytuałów tanecznych typu „Pieśń i taniec” do słów Nietzschego) i Kurt Jooss rozwinęli taniec ekspresjonistyczny, zwracając się do trudnej powojennej codzienności, tematów śmierci, przemocy, rozpaczy.

Lata 20
Fokstrot

Film o fokstrocie, pod redakcją historyka tańca Waltera Nelsona, na podstawie nagrań archiwalnych z lat 20. i 30. XX wieku

Istnieje kilka wersji pochodzenia fokstrota. Według jednego z nich został on wymyślony przez producenta wodewilu Charlesa Foxa – i na jego cześć taniec został nazwany. Według innej wersji fokstrot (angielski fokstrot - „lisi krok”) należy do grupy tak zwanych tańców zwierzęcych, które pojawiły się w Ameryce przed I wojną światową. Są to zabawne tańce w parach, wykonywane do ragtime’u (muzyki Afroamerykanów z południowych stanów i Środkowego Zachodu), naśladujące ruchy zwierząt i ptaków (np. były tańce „Turkey Step” i „Bunny Hug” ), „Niedźwiedź Grizzly” itp.).

Foxtrot polega na prostym kroku do przodu, do tyłu lub w bok. Dwa „długie” lub „wolne” kroki zastępuje się dwoma krótkimi i szybkimi. Dlatego fokstrot jest czasami uważany za połączenie powolnego jednoetapowego z szybkim dwuetapowym.

W latach dwudziestych fokstrot stał się popularny na całym świecie, przenosząc się do Europy i Rosji - na przykład poeta Andriej Bieły uczył się fokstrota na lekcjach tańca w Berlinie na początku lat dwudziestych.

Taniec nowoczesny

„Aria na strunie G” Augusta Wilhelmy’ego z choreografią Doris Humphrey. 1934

Wychodząc od twórczości poprzedników, twórcy modernizmu poszukiwali języka tańca, w którym mogliby opowiadać nie tylko o uczuciach i zjawiskach naturalnych, ale także o poważnych problemach nurtujących autora i jego współczesnych - o miłości, wojnie, niesprawiedliwości , bezsilność.

Twórców tańca współczesnego nazywa się czterema choreografami, tzw. Wielką Czwórką. Trzej z nich byli absolwentami szkoły Ruth St. Denis Denis Shawn, ale pod koniec lat dwudziestych XX wieku pracowali już samodzielnie. I bardzo skutecznie. Najbardziej znaną z nich jest Martha Graham. Stworzyła własną technikę opartą na naprzemiennym ucisku i relaksacji („skurcz - rozluźnienie”), uwalniając ciało tancerza, otworzyła odnoszący największe sukcesy zespół tańca współczesnego XX wieku i stała się autorką ponad stu przedstawień . Drugi, Do-rice Humphrey, opracował technikę odzyskiwania sił po upadku, opartą na zasadach grawitacji i naturalnej ciężkości ciała. Humphrey współpracował z trzecim członkiem „Wielkiej Czwórki”, Charlesem Wademanem. Hanya Holm jest uczennicą Mary Wigman i jedyną Niemką w tej firmie; Do Ameryki trafiła w 1931 roku, kiedy Wigman zaprosił ją do kierowania jej szkołą w Nowym Jorku.

Lata 30. XX wieku
Lindy Hop

Lindy Hoppers z Whitey tańczą Lindy Hop w „Take the Blow” Johna Kleina. 1939

Lindy hop jest najbardziej złożoną formą swingu, a swing (od angielskiego swingu - „swing”) to ogólna nazwa tańców do północnoamerykańskiego jazzu, który pojawił się dzięki pojawieniu się dużych orkiestr jazzowych: ich gra była pełniejsza bardziej zbudowani niż granie w małych zespołach jazzowych i dosłownie „rock-wa-la” tancerzy. To właśnie ta orkiestra grała na przykład w Savoy Ballroom, tanecznym sercu Harlemu.

Lindy Hop to pierwszy taniec towarzyski zawierający elementy akrobatyczne. Podobnie jak inne tańce do ragtime'u i jazzu, szybko został dostrzeżony przez producentów z Broadwayu i Hollywoodu. Powstały zespoły muzyków i tancerzy (jednym z najbardziej znanych jest Whitey’s Lindy Hoppers), którzy występowali na scenie i grali w filmach. I tak Lindy Hop, urodzona w Harlemie, wyruszyła w podróż po świecie.

Balet neoklasyczny

„Serenada” w wykonaniu New York City Ballet. Choreografia: George Balanchine, muzyka: Piotr Czajkowski

Balet klasyczny osiągnął apogeum w inscenizacji Śpiącej królewny Mariusa Petipy w 1890 roku: nie można było już stworzyć czegoś większego i bardziej luksusowego. Michaił Fokin wyznaczył nowy kierunek baletowi klasycznemu, zwracając się do mała forma i anulowanie fabuły (jak w Chopinianie z 1907 r.). Następny krok zrobił Fiodor Łopuchow ze swoją pozbawioną fabuły symfonią taneczną „Wielkość wszechświata”. W przedstawieniu tym wziął udział młody Georgy Balan-chivadze. Kilka lat później znalazł się na Zachodzie, za radą Diagilewa został Balanchine’em, a następnie w 1933 roku przeniósł się do Ameryki, gdzie stworzył ruch, który ostatecznie zaczęto nazywać baletem neoklasycznym. Jeśli jednak poczytasz badaczy europejskich, ojcem baletu neoklasycznego nazywają innego emigranta z Rosji Sowieckiej – Serge’a Lifara. Oboje pracowali ze słownictwem baletu klasycznego, uproszczonymi kostiumami i dekoracjami, skłaniając się ku małym formom i brakowi fabuły, więc może nie jest tak ważne, który z nich był pierwszy, zwłaszcza że rozwinęła się ich kariera na Zachodzie jednocześnie. Ważna jest jeszcze jedna rzecz: balet neoklasyczny to jeden z najpotężniejszych ruchów XX wieku. Zarówno Maurice Bejart, jak i Roland Petit czasami wystawiali ten styl, ale William Forsythe i Wayne McGregor odegrali naprawdę poważną rolę w jego promocji w XXI wieku.

Lata 40
Sambę

Carmen Miranda śpiewa „Kai-kai” w filmie Irvinga Cummingsa „Ta noc w Rio”. 1941
Rytmy brazylijskie nie raz podbiły świat: na początku XX wieku było to rytmy matchowe, a na początku lat 40. XX wieku była to samba.

Kultura muzyki i tańca byli niewolnicy, pochodzący z Afryki Zachodniej, w Brazylii został dość wcześnie zintegrowany z dominującą kulturą katolicką. W praktyce oznaczało to, że bóstwa Afryki Zachodniej zastąpiono chrześcijańskimi świętymi, a procesje religijne zamieniły się w barwny, wielokulturowy karnawał. Samba narodziła się z tradycyjnego rytuału, podczas którego ludzie (głównie kobiety) wpadali w trans, jakby opętani przez duchy. Taniec pojawił się po raz pierwszy podczas karnawału w 1917 roku i szybko stał się obowiązkowym elementem obchodów w Rio. Zawody tego tańca odbywały się na specjalnych sambadromach wielkości dobrego stadionu. Taniec zyskał światową popularność dzięki piosenkarce, aktorce i tancerce Carmen Mirandzie (1909-1955), zwanej „brazylijską bombą”. Urodzona w Portugalii, wcześnie przeniosła się do Brazylii, a od 1939 roku mieszkała w USA, występowała na Broadwayu i grała w Hollywood. Jej filmy, takie jak „Ta noc w Rio” (1941), „Weekend w Hawanie” (1941) i „Cała banda” (1943), stały się w czasie wojny rynkiem zbytu dla ludzi.

Sambę tańczy się w synkopowanym rytmie 4/4 z krokami w przód i w tył oraz ruchami wahadłowymi i kołysającymi.

Merce’a Cunninghama

„Ptaki plażowe do kamery wideo” w wykonaniu Merce Cunningham Dance Company. Choreografia: Merce Cunningham, muzyka: John Cage, adaptacja wideo: Elliot Kaplan. 1993

Merce Cunningham nazywany jest często modernistą lub postmodernistą, ale raczej uciekł od jednego i zainspirował drugiego, a sam pozostał odrębną postacią w historii tańca amerykańskiego.

Cunningham zaczął tańczyć w trupie Marthy Graham, jednak po sześciu latach pracy znienawidził zarówno technikę Graham, jak i jej koncepcję ruchu – i już w latach 40. od niej odszedł i założył własny zespół, w którym główne prace administracyjne wykonywała jego partnerka , kompozytor John Cage. Od Cage'a Cunningham zapożyczył zasadę losowości, czyli aleatorykę, a więc od Cage'a kostka do gry ustalił kolejność okresów w utwór muzyczny, a w Kanning-gem - kolejność scen tanecznych i który z wykonawców zatańczy którą część. Zasada ta w pełni odpowiadała idei Cunninghama o konieczności zniszczenia nawykowych wzorców i porzucenia naturalnych i wyuczonych ruchów. Pod koniec życia Cunningham zainteresował się technologią komputerową – zaczął tworzyć choreografię nie w sali, ale w programach Life Forms i DanceForms, a następnie zapraszał swoich artystów do realizacji jej na scenie.

Cunningham uważał, że na scenie wszystkie formy sztuki powinny współistnieć na równych prawach, a nie być podporządkowane jednemu – tańcu. Współpracował z artystami awangardowymi: muzykę komponował Cage, kostiumy często projektował Warhol, a scenografię Robert Rauschenberg. Jednocześnie każdy pracował, nie wiedząc, co robi drugi. Wszystko po raz pierwszy odbyło się w obecności publiczności. Nawet artyści często dowiadywali się, jakie ruchy i w jakiej kolejności wykonają już na kilka minut przed premierą, a muzykę po raz pierwszy słyszeli dopiero na scenie.

Początkowo trupa Cunninghama dawała jeden występ rocznie. Oczywiście nie przyniosło to wystarczającej ilości pieniędzy. Wtedy na ratunek przyszli przyjaciele i ludzie o podobnych poglądach - na przykład Rauschenberg mógł szybko zorganizować wystawę, sprzedać wszystkie obrazy, a pieniądze przekazać na rozwój trupy.

Lata 50
Rock'n'roll

Rock and roll z filmu Freda F. Searsa „Don’t Knock the Rock”. 1956

Po wojnie pojawiła się cała plejada muzyków grających coś w rodzaju przyspieszonego bluesa. Ale pierwsze nagrania nie nazywały się jeszcze rock and rollem, ale uważano je za wyrostek rytmu i bluesa, który w konserwatywnej Ameryce był silnie kojarzony z muzyką Afroamerykanów. Według powszechnego przekonania słowa „rock and roll” w tym znaczeniu po raz pierwszy użył prezenter radiowy Alan Freed, aby odtwarzać na antenie utwory Chucka Berry'ego, Little Richarda, Elvisa Presleya i Jerry'ego, w tym dla białej publiczności. Lee Lewis ( jak na ironię, w slangu afroamerykańskim „rock and roll” nazywano seksem).

Tańczyli do nowej muzyki, wykorzystując wszystkie ruchy tańców swingowych, ale z większą energią i większym stopniem improwizacji. Hollywoodzkie filmy „Rock Around the Clock”, „Don’t Knock the Rock” i „The Girl Can’t Help It” (wszystkie wydane w 1956 r.) ostatecznie przekształciły pokolenie powojenne w pokolenie rock’n’rolla. Ani Europa, ani ZSRR nie mogły oprzeć się pędzącym rytmom: nawet zespół Igora Moisejewa tańczył rock and rolla – jednak w formie parodii „burżuazyjnej moralności” i pod ironicznym tytułem „Back to the Monkey”.

Maurice Bejart i belgijscy choreografowie

„Święto wiosny” w reżyserii Maurice’a Bejarta. 1959

Maurice Béjart to najważniejsza postać zarówno baletu, jak i tańca współczesnego. Pracował we Francji, Belgii i Szwajcarii i pomimo całego zamknięcia ZSRR współpracował z Mają Plisetską, Ekateriną Maksimową i Władimirem Wasilewem. W Belgii mieszkał przez 30 lat, począwszy od 1959 roku, kiedy zwątpiwszy w uznanie i pomoc władz francuskich, Bejart przyjął zaproszenie dyrektora Théâtre de la Monnaie do utworzenia trupy baletowej w Brukseli. Jego pierwszą premierą w nowej lokalizacji było już legendarne „Święto wiosny”.

Można powiedzieć, że dzięki Maurice’owi Bejartowi taniec nowoczesny narodził się w Belgii: w 1970 roku stworzył w Brukseli interdyscyplinarną szkołę choreografii „Mudra”, gdzie uczyli baletu klasycznego, muzyki, śpiewu, sztuk walki i aktorstwa. Jej absolwentka Anne Teresa de Kers-macker stała się jedną z najpotężniejszych współczesnych belgijskich choreografek, a w 1995 roku otworzyła kolejną kultową szkołę P.A.R.T.S. (Pracownie badawcze i szkoleniowe w zakresie sztuk performatywnych). W częściach. Szkolą także artystów „syntetycznych”, wzbogacając repertuar „Mudry” choreografów XX wieku – od Williama Forsythe’a po Pinę Bausch.

Dziś Belgia jest jednym z ośrodków tańca współczesnego, którego zespoły i szkoły marzą o artystach z całego świata. Jednocześnie nie ma belgijskiej szkoły tańca jako takiej – każdy choreograf ma swój własny styl. Na przykład Anne Teresa de Keersmaeker bada relacje między muzyką i choreografią, a także geometryczne wzory tańca; Wim Vandekeybus przenosi taniec do filmu, zajmując wiodącą pozycję w świecie tańca filmowego; Sidi Larbi Cherkaoui łączy w swoich pracach kulturę Wschodu i Zachodu.

Lata 60
Skręcać

T wista do piosenki „Let's Twist Again” w wykonaniu Chubby Checkera

Twist zaczęto tańczyć już pod koniec lat pięćdziesiątych, ale gdy w 1960 roku 19-letni Afroamerykanin Chubby Checker (prawdziwe nazwisko Ernest Evans) wykonał piosenkę „The Twist” z grupą American Bandstand, Ameryka dosłownie poszła w zapomnienie. szalony (to zjawisko – błyskawiczna i krótkotrwała popularność tańca – nazwano nawet tanecznym szaleństwem), a za nim cały świat. Trzy lata później Checker ugruntował swój sukces singlem „Let’s Twist Again”.

Twist kończy długą ewolucję taniec klubowy którzy stopniowo przeszli od tańca w bliskim kontakcie z partnerem do tańca indywidualnego. Nawet w rock and rollu para trzyma się za ręce (nawet jeśli dotykają się tylko opuszkami palców), ale w pewnym sensie partner w zasadzie nie jest już potrzebny. A co najważniejsze, taniec był niezwykle prosty w wykonaniu: trzeba wykonać ruch nogą podpierającą, jakbyś miażdżył niedopałek papierosem podeszwą; druga noga macha. Biodra są włączone w ruch, a dłonie pracują tak, jakby po kąpieli wycierały plecy ręcznikiem. Między innymi te ruchy nie wymagają dużo miejsca: twist można tańczyć zarówno we własnej sypialni, jak i w ciasnym klubie nocnym.

Taniec postmodernistyczny

„Silnik wodny” Trishy Brown. 1978

W przeciwieństwie do wielu innych zjawisk w sztuce, taniec postmodernistyczny ma swoją datę urodzenia. Jest 6 lipca 1962 roku, dzień, w którym w Judson Memorial Baptist Church odbył się „Koncert taneczny ()”, podczas którego uczniowie klasy kompozycji Roberta Dunna pokazali swoje prace powstałe w ciągu dwóch lat zajęć. Nazywali siebie postmodernistami, wyrzekając się w ten sposób znienawidzonego tańca nowoczesnego, który ich zdaniem zamiast całkowicie z nich porzucić, zastąpił stare zasady nowymi. Słynny „No Manifesto”, napisany przez jedną z najwybitniejszych przedstawicielek tego ruchu, Yvonne Rainer, mówi o wyzwoleniu: nie trzeba tańczyć dla publiczności, nie trzeba się uczyć i umieć tańczyć wyrażaj swoje uczucia, nie musisz bawić się w księżniczki ani bohaterów, nie musisz tańczyć, aby opowiadać historie. Żyj ze sobą, tu i teraz. Tańcz w parku, reaguj tańcem na to, co dzieje się wokół Ciebie, eksperymentuj.

Lata 70
Gwar

Teledysk do utworu „The Hustle” Van McCoya. Lata 70

Muzyczno-taneczny styl disco (z angielskiej płyty - „płyta winylowa”) rozwinął się pod koniec lat 60. - na początku lat 70. XX wieku, kiedy w klubach zamiast grać zespoły jazzowe i grupy rockowe muzyka na żywo, zaczął skręcać talerze. Klub nocny w Paryżu przy rue Huchette, w którym zgromadzono całą bibliotekę płyt, zaczęto nazywać „Disco”. Styl disco łączył w sobie wiele różnych wpływów: jazz, rytm i blues, soul, gospel, latynoskie, dzięki czemu każdy mógł znaleźć w nim coś dla siebie. Pokoleniu singli, „jednostek zatomizowanych”, nie mogło nie spodobać się to, że disco można tańczyć bez kontaktu fizycznego, a tancerz ma pełną swobodę działania. Muzycy, którzy stworzyli ten styl – Donna Summer, Gloria Gaynor, Van McCoy, Grupa pszczół Ojej.

Disco hit Van McCoya „The Hustle” dał początek tańcowi o tej samej nazwie (który jednak zwykle tańczy się w parach). Hustle łączy w sobie rytmy latynoamerykańskie, a swoją strukturą rytmiczną przypomina dwuetapowy czy Lindy Hop – tańce, w których na każdy rytm wykonywane są dwa kroki. Podstawową strukturę kroków uzupełniają ruchy improwizowane, co czyni każdą tańczącą parę wyjątkową i niepowtarzalną.

Pina Bausch

„Cafe Müller” w reżyserii Piny Bausch. Lata 80

Pina Bausch to prawdopodobnie najsłynniejsza choreografka XX wieku. Była uczennicą Kurta Joossa, a następnie solistką jego Baletu Folkwang. Tam zaczęła samodzielnie wymyślać dla siebie choreografię (według niej nie zamierzała zostać choreografką, ale chciała więcej tańczyć), a w 1969 roku została dyrektor artystyczny teatr W 1973 roku została zaproszona do kierowania trupą baletową Opera w Wuppertalu i wkrótce trupa stała się odrębną jednostką Spółka taneczna— Teatr Tanz w Wuppertalu. Teatr tańca to gatunek wymyślony przez Kurta Joossa, w którym na scenie mieszają się balet, opera i dramat. W przedstawieniach Piny Bausch artystka potrafi tańczyć, a minutę później wziąć do ręki akordeon i śpiewać. Albo zapal papierosa i zacznij opowiadać o swoim dzieciństwie. Często Pina prosiła swoich artystów, aby zastanowili się nad czymś i przedstawili swoją historię na kolejnej próbie. Z takich skrawków mogłaby złożyć całe przedstawienie.

Święto wiosny, balet, który wystawiała na samym początku istnienia zespołu (choreografowie trafiają do niego zazwyczaj dopiero u szczytu kariery), przyniosło sławę Teatrowi Tańca Piny Bausch. Jej wersja eksploruje zderzenie człowieka ze społeczeństwem: w scenie poświęcenia Wybrana, w odróżnieniu od wersji klasycznej, nie jest gotowa oddać życia w imię urodzajności ziemi, lecz do końca walczy o swoje prawo mieć głos. Oczywiście publiczność nie mogła powstrzymać się od zachwytu nad jednym z nich rozwiązania scenograficzne: Aktorzy Teatru Tańca tańczą dosłownie wgnieceni w ziemię.

W 2011 roku Wim Wenders nakręciła film Pina, dzięki któremu stała się dziś najsłynniejszą choreografką tańca współczesnego.

Lata 80
Hip hop

Afrika Bambaataa i The Soul Sonic Force z piosenką „Planet Rock”. 1982

W latach 70. DJ-e zaczęli nie tylko odtwarzać płyty na gramofonach, ale także wykorzystywać gramofony do tworzenia muzyki (np. Powtarzając fragmenty muzyczne z płyt). Pojawili się DJ-e radiowi; zaczęła grać nowa, elektroniczna muzyka. W Nowym Jorku, w południowym Bronksie, narodził się pierwszy styl hip-hopu – breakdance. Ten atletyczny taniec łączy płynną pracę nóg z akrobatycznymi obrotami głowy, pleców i ramion. Do tego dodano przerywane, przypominające robota ruchy polegające na zamrażaniu i blokowaniu, a także płynniejsze ruchy trzaskające – tak jakby prąd elektryczny przepływał przez różne części ciała. Po b-boyach (Crazy Legs, Prince Ken Swift, Orko) pojawiły się b-girls (jedną z pierwszych była urodzona w Japonii Masami).

W latach 80. wraz z popularnego rapu na parkiety wkracza tzw. stara szkoła hip-hopu – bardziej inkluzywna, z większym naciskiem na pracę nóg niż akrobatykę; Pojawiają się nowe postacie: Robocop, Królik Roger, Biegacz.

Nowy taniec francuski i nietaniec

„Zwiastowanie” Angelina Preljocaja. 1996

We Francji taniec nowoczesny pojawił się bardzo późno: wpływ baletu klasycznego był zbyt silny. Do lat 70. taniec nieklasyczny uprawiano niemal potajemnie, na siłowniach, po normalnej pracy. W 1968 roku strajki studenckie wstrząsnęły Europą, wymuszając ponowne rozpatrzenie niektórych wartości w sztuce, a taniec nowoczesny mógł nagle pojawić się na prawdziwej scenie. A w latach 80-90 we Francji rozpoczęła się tzw. decentralizacja tańca: w całym kraju powstały profesjonalne centra tańca, na których czele stali młodzi choreografowie: Dominique Bague, Angelin Preljocaj, Magi Marin, Joseph Nadge i inni. Celem tej polityki kulturalnej było zniesienie podziału na sztukę prowincjonalną i metropolitalną, uznawaną za bardziej profesjonalną.

Ponadto w latach 80. i 90. z nowego tańca francuskiego wyrósł inny kierunek, który często nazywany jest francuską analogią amerykańskiego postmodernizmu - tzw. non-dance (lub non-danse). Prawie wszyscy jego przedstawiciele (przede wszystkim Jerome Bel, Boris Charmatz, Xavier Le Roy) to uczniowie lub uczniowie uczniów twórców nowego tańca francuskiego, którzy posiadają doskonałe zaplecze choreograficzne, jednak taniec nie jest już dla nich głównym środkiem ekspresja artystyczna: odchodzą od choreografii, wykorzystując w swoich performansach i performansach aktorstwo dramatyczne i improwizację, śpiew i stand-up, projekcje wideo i grafikę komputerową.

Lata 90
Lambady i Macareny

„Lambada” w wykonaniu grupy Kaoma. 1989

1989, kiedy upadł mur berliński i zaczęły pojawiać się pęknięcia związek Radziecki, okazał się ubarwiony dźwiękami lambady w wykonaniu grupy Kaoma. Ten taniec latynoamerykański jest bezpośrednim następcą tańca matchish: to samo szybkie tempo, równie, jeśli nie bardziej, erotyczne ruchy. Podobnie jak „tango brazylijskie”, lambada pochodziła z Rio. A jej melodia, jak melodia zapałkowa, została szybko zagrana, aż zęby zgrzytnęły.

Podobna historia wydarzyła się w połowie lat 90. z Macareną. Najpierw hiszpański duet popowy Los del Río wykonał piosenkę o dziewczynie o imieniu Macarena (Magdalena). Napisane w rytm muzyczny z clave typowym dla szalonej muzyki afro-kubańskiej, piosenka natychmiast stała się hitem. I nie tylko piosenka: w teledysku wykonano prosty taniec z zestawem ruchów, idealnie dopasowanym do tego, aby wszyscy mogli je wspólnie wykonać w ciasnej przestrzeni dyskoteki.

Zramolały

„Deca Dance” w choreografii Ohada Naharina. rok 2000

Zespół Batsheva Dance Company w Tel Awiwie został otwarty przez Martę Graham i baronową Batsheva de Rothschild w 1964 roku, ale prawdziwym centrum tańca nowoczesnego stał się w latach 90. XX wieku, kiedy na jego czele stał Ohad Naharin. Nakha-rin to prawdopodobnie najbardziej wpływowy współczesny choreograf, z którym marzą o współpracy zarówno baletowcy, jak i współcześni tancerze, a jego dzieła wystawiane są we wszystkich najważniejszych teatrach świata.

Ohad Naharin stworzył własny język choreograficzny, który nazywa się gaga. Według samego choreografa gaga nie jest stylem choreografii, ale sposobem ruchu. Gaga ćwiczy na sali bez luster (choć lustra są zwykle niezbędne w świecie tańca jako element samokontroli), osoby z zewnątrz nie są wpuszczane na samą praktykę, a nauczyciel tańczy, łącząc się ze swoimi uczniami. Istnieją zajęcia „Gaga/Dancers”, na których uczą się profesjonaliści, oraz „Gaga/People”, na które można przyjść z dowolnym treningiem tanecznym. Zadaniem gagi jest odczuwanie swojego ciała, odczuwanie każdej cząsteczki jego ciała, przebywanie jednocześnie w jego ciele i poza nim, nie tracąc przy tym autoironii. Jest to obecnie jedna z najpopularniejszych technik.

W latach 20. XX wieku szczególną popularność zyskał taniec Charleston. Uważa się, że Charleston ma afroamerykańskie korzenie i pochodzi z miasta Charleston (Karolina Południowa). Czy tak jest, nie wiadomo na pewno. Rytm tego tańca był tak ognisty, że cały świat zaczął tańczyć Charlestona. Taniec nie od razu się przyjął, wiele jego ruchów uznano nawet za nieprzyzwoite, jednak z czasem zyskał ogromną popularność, bo w 1926 roku. Reżyser Ernest Lubitsch, który wyreżyserował film „This Is Paris”, umieścił w nim imponujący numer „Un ballo in maschera”, w którym 2500 uczestników tańczyło Charlestona.
Nowoczesny
W latach 30 Na kontynencie amerykańskim i w Europie pojawia się fala nowych tańców. Jednym z nich jest Lindi Hop. Ten taniec towarzyski z podskokami otrzymał swoją nazwę na cześć słynnego lotnika Lindbergha, który jako pierwszy przeleciał przez Atlantyk. Pod wpływem jazzu Lindy Hop stopniowo zmienił się w swing, a temperamentne czarne melodie zapoczątkowały boogie wuggie. W Ameryce taniec ten częściej nazywano Jitterbag, na Wyspach Brytyjskich – jive. Teraz znamy ten taniec jako rock and roll. Sam jitterbug, łączący ruchy Lindy Hop i Charleston, dał początek dyskotece jako stylowi tańca.

Na początku lat 50. na świecie wybuchła gorączka rock and rolla. W 1954 r Na europejskich ekranach pokazywane były filmy „Rock Around the Clock” i „Seed of Violence” z udziałem Billa Haleya, co przyczyniło się do wzrostu popularności tańca. Na początku lat 60. pierwsza fala rock and rolla wygasła. Nadszedł czas na twist, shake, beat i inne tańce. Powrót tańca rozpoczął się w 1968 roku i wiązał się z twórczością Beatlesów. Od 1974 do 1975 roku rock and roll uznawany jest za jeden z modnych tańców i obecnie nazywany jest nowoczesnym tańcem sportowym.
W latach 70 Taniec disco zyskuje na popularności. Pojawienie się instrumentów elektronicznych nie mogło nie wpłynąć na charakter muzyki i sposób jej wykonania. Prawdziwy boom na dyskotekę spowodował film wydany w 1977 roku. film „Gorączka sobotniej nocy”. John Travolta tańczy w nim dyskotekę ze wszystkimi elementami charakterystycznymi dla tamtych czasów. W filmie „Chwała” z lat 80. tysiąc pięćset osób tańczyło dyskotekę na ulicy. W naszym kraju dużą popularność stylu disco ułatwiły występy baletu telewizyjnego NRD „Pałac Friedrichstadt”. Obecnie ruchy disco są używane przez prawie wszystkich wykonawców muzyki pop i tańca współczesnego.
Im bogatsza i bardziej różnorodna stawała się muzyka wraz z pojawieniem się nowych instrumentów elektromuzycznych, tym bardziej była inna style muzyczne, a wraz z nimi różne style taniec.
Pod koniec lat 80. i na początku 90., wraz z pojawieniem się wideo, popularne stały się pewne style. Twórczość Michaela Jacksona, znanego wówczas jako króla muzyki pop i króla tańca, dała początek nowemu typowi performansu – „a la Jackson”. Jego najsłynniejsze teledyski z albumów „Thriller”, „Bad” wykorzystywały ruchy disco, break, hip-hop.

Popularność tańców latynoamerykańskich dała początek tak popularnym tańcom jak Lambada i Macarena. Zapalające melodie o charakterystycznym sposobie wykonania dały początek pewnemu zestawowi ruchów, które stały się bardzo popularnymi tańcami – Lambadą i Macareną.

Style breakdance i hip-hop. Taniec bardzo podobny do łamania znany był już w czasach niewoli. W Nowym Orleanie nazywali to tańcem kwadratowym Kongo. Nazwę tę otrzymał od nazwy placu – placu Kongo, na którym niegdyś gromadzili się niewolnicy. Tam nie tylko porozumiewali się i relaksowali, ale także rywalizowali w sztuce tańca. Byli niewolnicy różne narodowości: Afrykanie, mieszkańcy Ameryki Łacińskiej itp. Podział na „zespoły” ze względu na pochodzenie etniczne nadał konkurencji szczególną pilność. Elementy akrobatyki w tańcu występują u wielu narodów. Przerwa zawiera elementy tańców afrykańskich, fragmenty brazylijskiej sztuki walki niewolników – „capoeira” i wiele więcej.

Historia samego przełomu rozpoczęła się w 1962 roku. w południowym Bronksie. Za założyciela uważa się DJ Cool Herk. Przyjechał do Bronxu z Jamajki i przywiózł ze sobą najlepsze tradycje Kingstona taniec uliczny. Wymyślił to już w 1969 r. Termin „B-Whoa” pochodzi od skrótu „break boy”, co oznacza „facet, który przerywa tańce”. Z tłumu tancerzy na scenę wyszli najlepsi z najlepszych tancerzy i pokazali swoje umiejętności. Tak zwane „walki na przerwę”.
Mniej więcej w tym samym czasie, w 1969 r. DJ Africa Bambaata ukuł termin „Hip-hop” jako określenie całej kultury młodszego pokolenia. Obejmował nie tylko taniec, ale także sztukę czytania tekstu do muzyki (rap) i graffiti (malowanie ścian farbą w sprayu).

Pod koniec lat 60. break istniał w postaci dwóch stylów tańca: nowojorskiego stylu akrobatycznego (low lub break) i stylu pantomimy z Los Angeles (up lub „electric boogie”). Wraz ze zmianami trendów muzycznych techniki breakdance zmieniają się i stają się bardziej złożone. W latach 80 Ukazują się filmy o breaku i hip-hopie: „Wild Style”, „Style Wars”, „Beat street”, „Graffiti Rock”. Rok później San Francisco Ballet Theatre otworzył sezon galowym koncertem 46 łamaczy. Setki breakersów tańczyło podczas ceremonii zamknięcia Igrzysk Olimpijskich w Los Angeles.

Breaking przybył do Rosji pod koniec lat 80. - filmy „Jak zostać gwiazdą”, „Kurier” itp. Festiwale breakdance odbywały się w Soczi, w regionie moskiewskim itp. Potem moda na łamanie opadła. W latach 1995 - 1997 Breaking znów stał się modny: bardziej energiczny, pełen elementów akrobatycznych i mocy, szybkich chodów i skoków. Zaczęły pojawiać się międzynarodowe bitwy - zawody drużynowe.
Hot top-techno, przetłumaczone z angielskiego slangu, to gorąca technika ruchowa. Styl pojawił się w latach 70. i na początku 80. Powstał pod wpływem współczesnego jazzu i innych szkół. Jest styl uliczny dance, zawiera elementy disco, flash, street jazzu. (Bonnie M, Afrique Simon, Milli Vanilli itp.)

Jeśli przyjrzysz się uważnie nowoczesne style i techniki tancerzy, można w nich łatwo dostrzec ruchy mające odpowiedniki w tańcu ludowym. Każdy styl w trakcie swojego powstawania wchłaniał specyfikę charakterystyczną dla środowiska narodowego lub narodowości wykonawcy.
Nie można powiedzieć, że wszystkie style taneczne są już w pełni ukształtowane. Każdy wykonawca, choreograf, reżyser cały czas coś do nich wnosi. Popularność tańca zapewniają występy dużej liczby grup i indywidualnych tancerzy. Tancerze profesjonalni i uliczni mieli ogromny wpływ na ukształtowanie się wielu stylów. Taniec współczesny to nie tylko taniec modny, ale także taniec uliczny.

Taniec nowoczesny jest synonimem wyrażenia „taniec popularny”, „taniec pop”. Taniec nowoczesny może być popowy, ale taniec popowy nie zawsze jest nowoczesny.

Termin „taniec pop” jest wytworem świeckiej historii sztuki i odzwierciedla przede wszystkim miejsce, do którego wkracza wykonawca. To znaczy nie scena teatru, ale scena przedstawienia rozrywkowego lub sali koncertowej. Pojęcie „pop dance” obejmuje także stylizacje tańców ludowych, tańców sportowych, półklasycznych, tańców w stylach choreografii codziennej, stepu; obecnie na scenie możemy zobaczyć sporo przedstawień wykonywanych środkami tańca jazzowego lub taniec nowoczesny. Zatem koncepcja „pop dance” łączy całkiem sporo dziedzin sztuki choreograficznej. Jednak obecnie wiele uniwersytetów oraz instytutów kultury i sztuki ma wydziały tańca „popowego”. Niestety, z tym zamieszaniem terminologicznym nic nie da się zrobić.

Podsumowując, obecnie istnieją 4 główne SYSTEMY tańca; taniec klasyczny, nowoczesny taniec jazzowy, taniec nowoczesny i taniec ludowy. Są to te dziedziny tańca, które mają swoją historię, własną szkołę, własny system szkolenia wykonawców, własne słownictwo.

Jednocześnie istnieją i rozwijają się kierunki sztuki tańca. Należą do nich taniec towarzyski, step, flamenco, taniec towarzyski czy codzienny.
Jednak w ostatnich latach pojawia się coraz więcej technik tańca mieszanego, które łączą wszystkie główne systemy. Choreografowie w swoich przedstawieniach starają się odnaleźć przede wszystkim coś nowego i niezwykłego, niezależnie od przynależności leksykalnej. Choreograf myśli ruchem, a ponieważ profesjonalni choreografowie opanowują wiele technik tanecznych, proces zapożyczania i łączenia jest nieunikniony. A w ostatnich latach pojawił się termin – TANIEC WSPÓŁCZESNY, kierunek tańca, którego nie da się przypisać żadnemu stylowi ani systemowi. I to jest naturalny proces integracji.

LITERATURA:
1. „Dancing” Lucy Smith, Moskwa „Astel” 2001
2. „Podstawy tańca współczesnego” S.S. Poliatkow, Rostów nad Donem „Feniks” 2006
3. „Nowoczesny taniec jazzowy. Etapy rozwoju. Metoda. Technika” V.Yu. Nikitin.
4. „Linia prowadząca do nieskończoności: subiektywne uwagi o nowoczesności
choreografia” Yu.M. Churko, Mn.: Polymya, 1999. 224 s.

Koniec XIX - początek XX wieku charakteryzował się różnorodnością zjawisk, stylów i ruchów kulturowych i artystycznych. Kultura afroamerykańska ma ogromny wpływ na sztukę światową, przede wszystkim dzięki muzyce oraz nowym gatunkom i trendom muzycznym, takim jak jazz, blues, ragtime. W oparciu o nową muzykę i ruchy afrykańskie pojawiają się nowe tańce i style taneczne - „Shimmy”, „Black Bottom”, „Charleston”, „Two-step”, „cakewalk” itp.

Wszystkie te tańce łączy lekkość, swoboda i, można by rzec, wygłupy. Na podstawie tych tańców pojawiają się następnie nowe style i podtypy tańca. Na przykład pojawienie się niektórych rodzajów profesjonalnego tańca towarzyskiego - foxtrot, jive i Quickstep, jest ściśle powiązane z tańcami cakewalk, dwuetapowymi, shimmy ( Koszulka dziecka) i Czarny dół. Styl tańców z początku XX wieku odnaleźć można w balecie „Złoty Wiek” D. Szostakowicza, w operetce „Bayadera” I. Kalmana oraz w innych przedstawieniach.

Stopniowo taniec jazzowy przybiera formy teatralne, co prowadzi do pojawienia się nowego stylu - jazzu na Broadwayu. Termin Broadway jazz pochodzi od nazwy teatru mieszczącego się przy ulicy o tej samej nazwie w Nowym Jorku. Broadwayowski jazz można spotkać przede wszystkim w musicalach, ale można go także zobaczyć w kinie, w różnych przedstawieniach i przedstawieniach dramatycznych.

Choreograf i reżyser Bob Fosse ma ogromny wpływ na rozwój jazzu na Broadwayu. Popularne są jego filmy „Cabaret”, „Sweet Charity”, „All That Jazz” itp., A także tańce dla nich Wielki sukces i dzisiaj. Fabuła filmu muzycznego „Sweet Charity” powstała na podstawie filmu F. Felliniego „Noce Cabirii”. Bob Fosse odkrywa nietypowe charaktery ludzi z wyższych sfer świat duchowy- świat rzeczy jest im bliski i aktywa materialne. Idea ta przekazywana jest poprzez bardzo precyzyjne ruchy taneczne, które ujawniają osobowości bohaterów.

Na początku XX wieku pojawił się także styl secesyjny i taniec wolny. Pierwszą tancerką, która sprzeciwiła się surowym formom baletu klasycznego, była Amerykanka Isadora Duncan. Jej tańce były swobodne, lekkie i zawierały elementy starożytnych greckich póz i gestów. Angielski reżyser Gordon Craig napisał o niej: „Co w niej było innego niż to, nikt nigdy nie będzie w stanie ustalić. Była prekursorką. Cokolwiek zrobiła, wszystko zostało zrobione z wielką łatwością - a przynajmniej tak się wydawało. To właśnie nadawało jej wygląd siły. Wpuściła taniec do naszego świata z niezachwianą pewnością, że tworzy coś wielkiego i prawdziwego.

Swobodny taniec powstał także dzięki amerykańskiej tancerce Ruth St. Denis i jej mężowi, aktorowi i choreografowi Tedowi Shawnowi. Ruth Saint Denis występowała w egzotycznych strojach z luksusowymi dekoracjami, co czyniło jej koncerty bardziej widowiskowymi. Wśród jej przedstawień znalazł się balet „Radha” do muzyki L. Delibesa (1906), w którym wykorzystano motywy indyjskiego tańca świątynnego. Tak mówiła o tańcu: „Postrzegam taniec jako sposób komunikacji duszy z duszą, poprzez ekspresję wszystkiego, co jest bardzo głębokie, bardzo subtelne do przekazania słowami”. W 1915 roku Ruth St. Denis wraz z mężem Tedem Shawnem zorganizowała trupę i szkołę tańca Denishawn w Los Angeles. W tej szkole uczyło się wiele czołowych postaci tańca współczesnego, w tym Martha Graham, Doris Humphrey i Charles Weidman.

Cechami charakterystycznymi tańca i stylu nowoczesnego jest odrzucenie prostych, klasycznych linii i form na rzecz bardziej naturalnych, „naturalnych”, a także zainteresowanie wszystkim, co nowe. Styl ten był popularny nie tylko w tańcu, ale także w malarstwie, rzeźbie, architekturze, a nawet w ubiorze i wystroju wnętrz. Cechy secesji odnaleźć można w twórczości G. Klimta, A. Muchy, L. Baksta, A. Benois, M. Vrubela i innych.Artyści secesji czerpali inspiracje ze sztuki Japonii, Starożytny Egipt i inne starożytne cywilizacje.

XX wiek to okres rozkwitu rosyjskiego baletu. Balet „Pory roku rosyjskie” Diagilewa wywołał prawdziwą sensację w Paryżu i na całym świecie. To nie był zwykły balet, to było wyjątkowe połączenie choreografii, muzyki, scenografii i umiejętności tancerzy. Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Wasław Niżyński, Serge Lifar i inni błyszczeli w trupie „Rosyjskie pory roku”. W trupie „Rosyjskie pory roku” rozkwitła kreatywność choreografów Michaiła Fokina, Leonida Myasine’a i innych. Powstały innowacyjne kostiumy i scenografie przez artystów Benois, Baksta, Serowa, Picassa, a muzykę do baletów napisali Igor Strawiński, Erik Satie, Siergiej Prokofiew, Claude Debussy i inni.

„Rosyjskie pory roku” Picassa. Kostium do baletu „Cocked Corner”

Coco Chanel współpracowała także z trupą Diagilewa - stworzyła kostiumy do baletu „Blue Express”. Były to klasyczne dresy, swetry i podkolanówki w paski oraz tuniki tenisowe. Naturalnie „rosyjskie pory roku” były uosobieniem wszystkiego, co nowe, modne i postępowe, dlatego francuska publiczność oszalała z zachwytu i szoku.

Balet „Blue Express” Portret Diagilewa (artysta V. Serov)

Z Diagilewem współpracował także wybitny choreograf XX wieku George Balanchine. W sezonach rosyjskich wystawiał balety „Apollo Musagete” do muzyki Igora Strawińskiego i „Syn marnotrawny” do muzyki Siergieja Prokofiewa. Obydwa balety odniosły sukces, ale wkrótce George Balanchine opuścił „rosyjskie sezony” i udał się najpierw do Londynu i Kopenhagi, a później do USA. Wraz ze słynnym artystą L. Kersteinem Balanchine tworzy amerykańską szkołę baletową, a następnie grupę zawodową, znaną dziś wszystkim jako New York City Ballet . Tutaj wystawiał swoje słynne balety - „Serenada” do muzyki Czajkowskiego, „Concerto Baroque” do muzyki Koncertu na dwoje skrzypiec Bacha, „Symfonia C-dur” do muzyki. Symfonie Bizeta, „Genialne Allegro” do muzyki. III Koncert fortepianowy Czajkowskiego „Caracol” do muzyki. Mozart, „Odcinki” o muzyce. Webern i in. Balanchine wniósł ogromny wkład w rozwój tradycji tańca klasycznego w Ameryce. Jego balety są kombinacją klasyczna choreografia z nową estetyką póz, wzorów tanecznych i akcentów muzycznych. Balanchine stworzył nowy styl tańca, „neoklasyczny”, który stał się bliski wielu choreografom - Jerome'owi Robbinsowi, Aleksiejowi Ratmanskiemu, Benjaminowi Millepiedowi i innym.

Balanchine i jego trupa. Zdjęcie: Duane Michels

Na rozwój baletu rosyjskiego (radzieckiego) w XX wieku wpłynął m.in duży wpływ choreograf i reżyser Rostislav Zakharov. Balety Zacharowa to dzieła kompletne dramatyczne, kompetentnie skonstruowane pod względem reżyserskim. Na szczególną uwagę zasługuje balet” Fontanna Bakczysaraju„do muzyki Asafiewa w wykonaniu dwóch legendarnych baletnic – Galiny Ulanovej i Mayi Plisetskiej. Balet kontrastuje autorytet i pasję Zaremy (Plisieckiej) z czułością i duchowym wyrafinowaniem Marii (Ulanovej). Charakter dwóch przeciwieństw oddaje się nie tylko grą aktorską, ale także wymyślonymi przez choreografa ruchami i pozami, a także ekscytującą muzyką Asafiewa.

Balet „Fontanna Bakczysaraja”

Galina Ulanova i Maya Plisetskaya

Wielki choreograf Jurij Grigorowicz odcisnął ogromne piętno na historii rosyjskiego baletu. Jego balety „Romeo i Julia”, „Spartakus”, „Legenda miłości” i inne tworzą złotą kolekcję spektakli Teatru Bolszoj. Balety Grigorowicza cechuje siła ducha, skala i heroizm, co znajduje odzwierciedlenie w choreografii, scenografii i muzyce. Grigorowicz współpracował z scenografem teatralnym Simonem Virsaladze, który zaprojektował wszystkie jego balety. Grigorowicz większą uwagę poświęca muzyce. Jego balety przekazują nie tylko treść fabuły, ale także treść muzyki. Ściśle współpracował z kompozytorami S. Prokofiewem, A. Mielichowem, A. Chaczaturianem, D. Szostokowiczem i innymi.V. Vanslov zauważa niesamowitą jedność muzyki, choreografii i projektu artystycznego baletów Grigorowicza: „W przedstawieniach Yu.N. Grigorowicz osiągnął niezwykle organiczną syntezę sztuk. Trudno wymienić inne kreacje sceniczne, w których muzyka, choreografia, sztuki wizualne, choreografia i umiejętności wykonawcze pojawiałyby się w tak niesamowitej fuzji, jakby wszystko pochodziło z jednego źródła i wylewało się od jednego twórcy, jakby jednym oddechem. Pogłębianie syntezy sztuk – plastycznej, scenicznej i każdej innej – to także jeden z trendów kultura artystyczna XX wiek”.

Ekaterina Maksimowa i Władimir Wasiliew, Maris Liepa, Natalya Bessmertnova i inni błyszczeli w baletach Grigorowicza, który stworzył nowe obrazy i nowe postacie w balecie. Pisze o tym V. Vanslov: „W przedstawieniach Grigorowicza ujawnił się i rozwinął nowy typ tancerza-aktora, zdolnego do ucieleśnienia głębokich treści dramatycznych i psychologicznych w złożonej partii tanecznej. To nie wirtuozeria techniczna poza obrazem i nie obraz poza ekspresją taneczną, ale organiczne połączenie kreatywności aktorskiej z rozwiniętym i bogatym tańcem charakteryzuje styl wykonawczy baletów Grigorowicza.

Balet „Spartakus”

Scenografia do baletu „Iwan Groźny”

Balety współczesnego rosyjskiego choreografa Borisa Eifmana wyróżniają się skalą i głębią choreografii. Jego balety, oparte na dziełach Tołstoja, Dostojewskiego, Czechowa i innych, to prawdziwe dzieła sztuki. Balety przepojone są głęboką filozofią, a Eifmana nazywa się „choreografem-filozofem”. Pozy choreograficzne wymyślone przez Eifmana można porównać z obrazami i rzeźbami wielkich artystów, a plastik ma swoje własne unikalny styl, łącząc podstawy tańca klasycznego z nowoczesnymi trendami. Możliwości techniczne tancerzy zadziwiają i zachwycają koneserów sztuki baletowej. „Nauczyciel Eifman (a jego zasługi są w tym nie mniejsze niż zasługi choreografa) wychował nowy typ uniwersalnego tancerza, który może wszystko. Tancerze Eifmana unoszą się w powietrzu, jakby pozbawieni powaga. Nie znają ograniczeń w kontrolowaniu swojego ciała. Poradzą sobie z najtrudniejszymi akrobatycznymi trikami i najbardziej niewyobrażalnymi ruchami. W tańcu angażują nie tylko ręce i nogi, ale całe ciało. Baleriny Eifmana są pozbawione kości i eteryczne: w duetach owijają się wokół partnera jak winorośl; odważnie tańczą Charlestona jak prawdziwi tancerze kabaretowi; stanąć na pointach i ze spuszczonymi oczami pływać po scenie, jakby „ jezioro łabędzie„Od dawna nic nie tańczyliśmy” – pisze Bella Yezerskaya.

Balet „Czerwona Giselle”. Choreograf B. Eifman, na zdjęciu Vera Arbuzova (fot. Nina Alovert)

Balet „Anna Karenina”

Eifman szczególną uwagę zwraca na corps de ballet, jak pisze Bella Yezerskaya: „Eifman stworzył corps de ballet, który jest rzadki pod względem synchroniczności, wyrazistości i precyzji każdego ruchu. Statyści w jego przedstawieniach zyskują albo groteskową ostrość, jak na przykład w scenie demonstracji rewolucyjnego plebsu w „Czerwonej Giselle”, albo rzeźbiarską ekspresję, jak w „Requiem” Mozarta, albo klasyczną kompletność, jak u „Czajkowskiego”. ” Uderzająca jest końcowa scena baletu „Anna Karenina”, w której artyści za pomocą choreografii wiernie przedstawili ruch pociągu, a także wyrafinowany i wyrafinowany smak choreografii, kostiumów i scenografii nieodłącznie związany z baletami Eifmana.

Jeśli chodzi o balet zachodni, to tam o losach sztuki baletowej zadecydowali wybitni choreografowie: Jose Limon, John Cranko, Roland Petit, Maurice Bejart, Jiri Kylian, John Neumeier itd. Wszyscy pozostawili swój niepowtarzalny ślad w historii, docierając do serca publiczności poprzez swoje produkcje i stworzenie własnego, niepowtarzalnego i zapadającego w pamięć stylu tanecznego, stworzonego na bazie klasyki z dodatkiem nowoczesnej choreografii.

Szczególną uwagę chciałbym zwrócić na twórczość Jiriego Kyliana. W jego choreografii kryje się lekkość, precyzja póz i układów oraz niesamowita muzykalność. Jak napisał Rudolf Nureyev: „Jest Jiri Kylian, który, powiedziałbym, ma najbardziej „złote” uszy. Zamienia metafory w ruchy: Kilian słyszy muzykę i widzi ruchy.” Często jego prace przepełnione są humorem, psotami i zręcznością ruchu. Widać to w jego produkcjach „Sześć tańców”, „Symfonia w D”, „Urodziny” itp. To wielka zaleta dla choreografa, bo humor jest potrzebny i niezbędny człowiekowi i sztuce. W twórczości jest miejsce zarówno dla baletu dziecięcego „Dziecko i magia”, jak i poważnego dzieła dramatycznego „Historia żołnierza” do złożonej muzyki Strawińskiego.

Balet „Dziecko i magia”

„Sześć tańców”

Duży wpływ na sztukę tańca wywarły koncepcje postmodernizmu, które pojawiły się w drugiej połowie XX wieku. Za główną i jedyną wartość sztuki postmodernistycznej uważa się nieograniczoną swobodę wypowiedzi artysty, wolność myśli i twórczości. Wszystko to było także charakterystyczne dla sztuki tańca, która uwzględniała podstawowe zasady postmodernizmu. Nie mając ograniczeń i wyraźnych granic, sztuka postmodernistyczna dała początek wielu stylom i nowym nurtom w sztuce. W przypadku tańców są to taniec współczesny, improwizacja kontaktowa, taniec hip-hopowy, taniec pop, prawo latania itp.

Taniec współczesny kojarzony jest z takimi nazwiskami jak Robert Dunn, Anna Halprin, Simon Forti, David Gordon, Trisha Brown, Steve Paxton, Deborah Hay, Lucinda Childs i Meredith Monk itp. Za początek postmodernizmu w tańcu należy uznać dzieło Judson Church Theatre (Teatr Tańca Judson). Judson Church Theatre zgromadził grupę tancerzy eksperymentalnych, którzy od 1962 roku występowali w Nowym Jorku w Judson Memorial Church w Greenwich Village, galeriach sztuki i muzeach.

Nowe eksperymenty taneczne opierały się na zasadach improwizacji i współczesnej choreografii; duży wpływ na nich wywarł kompozytor John Cage i choreograf Merce Cunningham. John Cage interesował się buddyzmem zen i bronił zasady przypadku w procesie twórczym.

Tej samej zasady bronił Merce Cunningham, wierząc, że przy komponowaniu kompozycji pozwala to na pozbycie się fabuły i stereotypowych rozwiązań (choć naszym zdaniem brak fabuły w choreografii jest przeoczeniem). Ale w tańcu współczesnym często ważny jest proces tworzenia tańca, a nie wynik .

Z Judson Theatre współpracował także artysta konceptualny Robert Morris: „W niedzielne wieczory spotykaliśmy się z małą grupą tancerzy, malarzy, muzyków i poetów i eksperymentowaliśmy w studiu z dźwiękiem, światłem, językiem i ruchem. To był mój pierwszy raz zaangażowanie badawcze, związane z tańcem. Kiedy w 1961 roku przeprowadziłam się do Nowego Jorku, zajęcia te były jeszcze świeże w mojej pamięci, więc podeszło do mnie Judson Open Meeting – choć nie pamiętam dokładnie, jak się z nimi związałam” (R. Morrisa).

Robert Morris, Lucinda Childs, Steve Paxton, Yvonne Rainer, Deborah High, Tony Holder, Sally Gross, Robert Rauschenberg, Judith Dunne i Joseph Schlichter.

Ponadto powstawały podobne grupy wyznające podobne zasady, jak Grand Union, Living Theatre, Open Theatre itp. Stowarzyszenia te również broniły idei przypadku, a często sam proces tworzenia tańców był ważniejszy niż wynik. Jednym z członków grupy był Steve Paxton, twórca stylu contact improwizacji, którego idea polega na spontanicznym kontakcie ciał ludzi.

Steve'a Paxtona

Jeśli chodzi o taniec hip-hopowy, narodził się on pod koniec lat 60. w afroamerykańskich dzielnicach Nowego Jorku znajdujących się w niekorzystnej sytuacji. Początkowo kultura i taniec hip-hopowy skupiały się na imprezach i relaksie (porasowana muzyka jamajskich DJ-ów i recytatyw), później kultura hip-hopowa została przesiąknięta agresywnie wyzywającymi tekstami społecznego rapu, odzwierciedlającymi trudną rzeczywistość ( gangsta rap z lat 90.) i stopniowo przedostała się do mas, wchodząc do show-biznesu. Odpowiednio taniec hip-hopowy dzieli się na oldschoolowy (oldschoolowy hip-hop) i nowy styl ( Nowa szkoła). Stara szkoła obejmuje popping, lock, breakdance, a nowa szkoła reprezentuje bardziej komercyjny hip hop z dodatkiem różnych stylów choreograficznych - taniec jazzowy, taniec współczesny, taniec pop itp. Hip-hop charakteryzuje się swobodą, rytmem, i kierunek ruchów w ziemię, a także rozluźnienie kolan i kołysanie ciałem, tzw. „kach”. Taniec hip-hopowy jest obecnie bardzo popularny i można go zobaczyć wszędzie – w różnych przedstawieniach, filmy muzyczne, występy itp. Oparty na skomplikowanych akrobacjach i akrobacjach, jest dość trudny do wykonania. Teraz najlepsi tancerze hip-hop to duet taneczny Les Twins, a można też wymienić francuskiego tancerza Dedsona i amerykańskiego piosenkarza Chrisa Browna.

Oldschoolowy hip-hop

Kultura tańca XX i początku XXI wieku jest niezwykle bogata i różnorodna. Pod wpływem nowych nurtów muzycznych i nowych nurtów w sztuce taniec i choreografia wzbogaciły się o nowe style i kierunki. Na przestrzeni stulecia zmieniło się postrzeganie, wizja i podejście do tańca i choreografii. Taniec klasyczny żyje i rozwija się, wzbogacając się nowoczesne ruchy, zachowując klasyczny styl i fundamenty ustanowione przez wieki historii. I jest to słuszne, ponieważ możliwe i konieczne jest nadążanie za duchem czasu, nie zapominając o swojej przeszłości.

Wniosek:

Sztuka choreografii jest różnorodna i niepowtarzalna. Choreografia przekazuje nam treść i określone znaczenie nadane przez tancerza lub choreografa za pomocą tajemniczego i enigmatycznego języka Ludzkie ciało. Jak powiedziała Martha Graham: „Taniec jest sekretnym językiem duszy”, a „ciało mówi to, czego nie mogą wyrazić słowa”.

W trakcie badań prześledziliśmy, jak taniec zmieniał się na przestrzeni wieków, jakie nabył cechy i jaką rolę odgrywał w życiu ludzi. Każdy okres w historii pozostawił swój niepowtarzalny i niepowtarzalny ślad w sztuce tańca. Taniec od zawsze jednoczył ludzi, służył jako sposób komunikacji między ludźmi, a także środek wyrażania siebie i odnowienia energii. Choreografka Alla Rubina mówi o tym: „Taniec to wyrażanie siebie. Oznacza to, że poprzez taniec człowiek wyraża siebie, swoje myśli, swoje życie i rozumienie życia. To wiedza o pięknie, samopoznanie, które występuje zarówno u tańczących, jak i u tych, którzy patrzą... Tańcząc, gromadzisz energię i odnawiasz się. Każdy ruch jest odnowieniem pola energetycznego. Jest to funkcja czysto medyczna…”

Bez scenografii, kostiumów i muzyki spektakl taneczny nie jest możliwy lub bardzo ubogi. Na przestrzeni dziejów taniec, a później balet, był ściśle kojarzony z muzyką i sztukami wizualnymi. J. J. Nover zidentyfikował istotne elementy spektaklu baletowego: „Scena jest, że tak powiem, płótnem, na którym choreograf utrwala swoje myśli; poprzez odpowiedni dobór muzyki, scenografii i kostiumów nadaje obrazowi koloryt, gdyż choreografem jest ten sam malarz.” O związkach muzyki i tańca pisze także V. Vanslov: „Pojawienie się tańca nie byłoby możliwe, gdyby muzyka nie pomogła sztukom plastycznym. Zwiększa wyrazistość plastyczności tańca i nadaje mu emocjonalną i rytmiczną podstawę. Wszystko to wskazuje, że choreografia jest syntetyczną formą sztuki, łączącą w sobie kilka rodzajów sztuk.

Sztuka tańca stale się wzbogaca i posuwa do przodu, wchłaniając wszystkie podstawowe nastroje społeczne, a także odzwierciedlając ważne wydarzenia historyczne, życie społeczno-kulturalne i polityczne. Ciekawie było dla mnie śledzić proces rozwoju tańca, rozszyfrowywać jego znaczenie i znaczenie na przestrzeni dziejów.

Lista wykorzystanej literatury:

1. Thino Arbaud „O tańcu i muzyce”

2. V. Vanslov „O muzyce i balecie”

3. Yu Bakhrushin „Historia baletu rosyjskiego”

4. Vera Krasovskaya „Historia baletu zachodniego”

5. S. Chudekov „Historia tańca”

6. Taniec „Modern” http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1

7. V. Vanslov „Balety Grigorowicza i problemy choreografii” http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/

8. Hip-hop http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm

9. Lucian „Traktat o tańcu”

10. Encyklopedia baletu http://www.krugosvet.ru/

Sztuka taka jak taniec zaczęła się rozwijać u zarania ludzkości. Prymitywne plemiona mieli swoje własne, specjalne tańce rytualne, które były ważną częścią ich tradycji i istnienia. Ich potomkowie, którzy zaczęli budować pierwsze państwa, zamienili te gesty w część suwerennych symboli. W ten sposób pojawiły się pierwsze rodzaje tańców, które w większym stopniuświadczyło o pochodzeniu człowieka, jego korzeniach. Dziś ludzie tańczą wszędzie, a ich ruchy nie są już ograniczone żadnymi granicami wyznaczonymi przez państwo. Cóż, przyjrzyjmy się bliżej, jakie rodzaje tańców istnieją w niektórych częściach planety i jak stały się popularne na całym świecie.

Czym jest taniec

Termin ten odnosi się do rodzaju sztuki, w której obrazy artystyczne przekazywane są poprzez plastyczne i rytmiczne ruchy ciała. Każdy taniec jest nierozerwalnie związany z określoną muzyką, która pasuje do jego stylu. Podczas tego „rytuału” bardzo ważne są określone pozycje ciała danej osoby, figury, które może ona pokazać, oraz przejścia z jednej pozycji do drugiej. Biorąc pod uwagę, jakie rodzaje tańców istnieją w naszych czasach, łatwo założyć, że istnieje po prostu niezliczona liczba takich figur i ruchów. Dlatego podzielono je na kategorie, które w dużej mierze zależą od miejsca pochodzenia danego tańca, a także od innych jego cech (pary, grupa, singiel itp.).

Historia początków sztuki tańca

Już w czasach prymitywnych plemion powstały najwcześniejsze rodzaje tańców. Nadano im imiona w zależności od emocji, jakie im towarzyszyły. Przykładowo plemię mogło po długiej suszy próbować sprowadzić deszcz i w tym celu skomponowano specjalny rytuał, podczas którego ludzie poruszali się w określony sposób. Poprzez rytmiczne ruchy ciała dziękowali swoim bogom, witali narodziny dzieci i odprawiali zmarłych przodków. Taniec jako forma sztuki powstał już w starożytności. W tym czasie w Grecji i Rzymie zaczęły pojawiać się specjalne przedstawienia choreograficzne poświęcone bogom. W tym samym czasie pierwsze orientalne rodzaje tańców rozwinęły się w Babilonie, Asyrii, królestwie perskim i innych krajach azjatyckich. W średniowieczu sztuka ta znalazła się poza linią legalności ze względu na duchowe poglądy ludzkości. Ale wraz z nadejściem renesansu zaczął się ponownie rozwijać i ulepszać. W XVI wieku pojawił się rodzaj choreografii zwany baletem, który wkrótce stał się odrębną formą sztuki.

Klasyka i jej odmiany

Profesjonalne szkolenie tancerzy tę sztukę Już od najmłodszych lat opanowują początkowo tańce klasyczne. Ich typy zależą od tego, który program zostanie przyjęty jako podstawa - europejski lub łaciński. Te dwie podgrupy łączy stara, dobra, klasyczna choreografia, która ma wiele wspólnego z baletem. Najważniejsze jest to, że odbywają się próby do muzyki klasycznej, tancerze ćwiczą rozciąganie, naukę pozycji, plie, pique i inne techniki choreograficzne. W przyszłości jakość tańca będzie zależeć właśnie od czystości i poprawności wszystkich tych ruchów.

programu europejskiego

Powolny walc. Ten złoty klasyk taniec, któremu zawsze w trzech ćwiartkach towarzyszy odpowiednia muzyka. Na każde uderzenie tancerze wykonują trzy kroki, z czego pierwszy jest głównym, drugi określa kąt obrotu, a trzeci pomocniczy, umożliwiający przeniesienie ciężaru na drugą nogę.
Tango. Początkowo było to popularne Taniec argentyński, ale później zyskał ogromną popularność na całym świecie i przeniósł się do kategorii europejskiej klasyki. Jego istota polega na tym, że dwoje partnerów porusza się energicznie i rytmicznie w takt odpowiedniej muzyki (nazywa się to także tangiem).
Walc Wiedeński. Jest to swego rodzaju analogia do prostego walca, tyle że tańczy się go nieco szybciej i bardziej energetycznie.
Fokstrot. Jest to taniec szybki i energiczny, wykonywany zarówno w parach, jak i w grupach. Został wynaleziony przez Harry'ego Foxa (stąd nazwa) na początku XX wieku i od tego czasu jego popularność nie maleje.
Szybki krok. To najszybszy taniec z klasyki europejskiej. Wykonywany jest w rytmie 4/4, a na minutę przypada aż 50 taktów. Prawidłowe zatańczenie fokstrota wymaga lat ćwiczeń i wyczerpujących treningów. Ważne jest, aby wszystkie ruchy wyglądały na łatwe, zrelaksowane i wykonywane z niesamowitą precyzją.

Program latynoamerykański

Wymienione zostaną tutaj popularne rodzaje tańców, które dziś często wykraczają poza klasykę. Na ich podstawie tworzone są różnorodne wariacje, aby uprościć choreografię i uczynić te tańce dostępnymi dla każdego.

Sambę. Taniec brazylijski, który powstał z połączenia tradycji afrykańskiej i portugalskiej. Jest tańczony w metrum 2/4, z częstotliwością do 54 taktów na minutę. W wersji klasycznej wykonywany jest w rytm bębnów lub innych latynoskich instrumentów perkusyjnych.
Cha cha cha. Charakteryzuje się znacznie wolniejszą choreografią. Metrum to 4/4, na minutę przypada 30 taktów. Taniec ten jest najbardziej popularny na Kubie, gdzie powstał w latach dwudziestych XX wieku ostatni wiek. Dziś jest częścią programu tańca klasycznego.
Rumba. Najwolniejszy i najbardziej intymny taniec, który zawsze wykonuje się w parach. Dokładność nie jest tu istotna, jak w innych rodzajach choreografii. Ważne jest tylko, aby pozy partnerów były bardzo piękne, aby tworzyły niepowtarzalne sylwetki, a jednocześnie każdy ich ruch powinien być jak najbardziej elastyczny.
Paso Doble. Taniec ten ma swoje korzenie w hiszpańskich walkach byków. Tutaj partner często przedstawia torreadora, a jego partner - płaszcz. Istotą choreografii jest podwójny krok (stąd nazwa).
Jive. Choreografia afroamerykańska, która również powstała w XX wieku i rozpowszechniła się w Stanach Zjednoczonych. Jive tańczy się w trybie swingowym, ale jednocześnie bardzo różni się od swojego współczesnego odpowiednika o tej samej nazwie. Metrum – 4/4, liczba uderzeń na minutę – 44.

Balet

Wszystkie obecnie istniejące rodzaje tańca opierają się w mniejszym lub większym stopniu na balecie. Sztuka ta oficjalnie oddzieliła się od ogólnej choreografii w XVII wieku, kiedy powstała pierwsza francuska szkoła baletowa. Jakie są cechy baletu? Choreografia jest tu nierozerwalnie związana z muzyką i mimiką wykonawców. Z reguły każda produkcja ma specyficzny scenariusz, dlatego często nazywana jest mini-playem. To prawda, że \u200b\u200bw niektórych przypadkach istnieją również balety „nieskryptowane”, w których tancerze po prostu demonstrują swoje niezrównane i precyzyjne umiejętności. Balet dzieli się na trzy kategorie: romantyczny, klasyczny i nowoczesny. Pierwsza to zawsze minigra o tematyce miłosnej („Romeo i Julia”, „Carmen” itp.). Klasyczny może uosabiać dowolną fabułę (na przykład „Dziadek do orzechów”), ale jego ważnym elementem jest choreografia oparta na akrobacjach i doskonałej plastyczności. W ramkach nowoczesny balet dołączony różne rodzaje taniec. Są w nim elementy jive’u, choreografii latynoskiej i muzyki klasycznej. Charakterystyczną cechą jest to, że wszyscy tańczą w pointach.

Nowoczesna choreografia

Obecnie tańce nowoczesne są popularne na całym świecie, niezależnie od tradycji i religii. Ich nazwy są znane każdemu, a jednocześnie niemal każdy może nauczyć się je wykonywać. Takie ruchy ciała nie wymagają specjalnego rozciągania, przygotowania ani naturalnej plastyczności. Najważniejsze to zgrać się z rytmem i zjednoczyć się z muzyką. Od razu zauważmy, że wszystkie tańce, które zostaną wymienione poniżej, stanowią podstawę tzw. „choreografii klubowej”. Współczesna młodzież szybko uczy się tych ruchów i je miksuje, czego efektem jest wyjątkowa mieszanka, którą można zobaczyć w każdym nocnym klubie w dowolnym mieście na świecie.

Taniec nowoczesny

Architektoniczny. Powstał w XXI wieku na bazie jumpstyle'u, hip-hopu, poppingu, stylu techno itp. Zawsze tańczy do szybkiej muzyki elektronicznej.
Striptiz. Na tym polega każdy striptiz, czyli taniec, który może wiązać się z dalszym rozbieraniem. Istota tkwi w ruchach plastycznych, a często także w interakcji z innymi przedmiotami. Tak narodził się słynny taniec basenowy, taniec na kolanach itp.
Idź idź. Taniec erotyczny nie wymagający rozbierania się. Ma na celu rozbawienie publiczności w klubie. Może zawierać dowolne elementy plastikowe, które będą nawiązywać do odtwarzanej muzyki.
Haka. Taniec wywodzący się z Holandii, z kręgów hardcorowych. Jego ruchy opierają się na muzyce tego stylu.
Styl skokowy. Taniec oparty na skokach jest jednym z nielicznych współczesnych, tańczonych w parach. Ale jednocześnie ma to swoją specyfikę - partnerzy nie powinni się dotykać.
Krok D'n'B. Jest to wyłącznie cecha stylu Drum and Bass. Choreografia zawsze zależy od rytmu i tempa muzyki.
Człapać. Taniec wywodzi się z Australii i opiera się na jazzie. Wszystkie części, a w szczególności kroki charakterystyczne dla tego stylu, wykonywane są do szybkiej muzyki elektronicznej w szybszym tempie.

Na podstawie fabuły filmu „Step Up”...

Po tym jak ukazała się pierwsza część wspaniały film młodzi ludzie zaczęli aktywnie uczyć się wszelkiego rodzaju tańców ulicznych, które charakteryzują się freestylem, a jednocześnie niesamowitą plastycznością i precyzją ruchów. Wymieńmy ich główne typy, które stały się już „ulicznymi klasykami”:

Hip hop. To cały ruch kulturalny, który powstał w latach 70. w Nowym Jorku wśród przedstawicieli klasy robotniczej. Obejmuje nie tylko wyjątkową choreografię, ale także slang, modę, zachowania i inne obszary życia. W kulturze hip-hopowej istnieje wiele rodzajów tańca, mniej lub bardziej trudnych do wykonania. Obejmuje to breaking, DJing, MCing, klubowy hip-hop i wiele więcej.
Breakdance, zwany także b-boyingiem. Początkowo był częścią kultury hip-hopowej, później ze względu na swoją wyjątkowość stał się odrębnym tańcem.
Cripsowy spacer. Taniec wywodzący się z Los Angeles. Charakteryzuje się krokami wykonywanymi w duchu improwizacji, w bardzo szybkim tempie.
Popping. Taniec opiera się na szybkim skurczu i rozluźnieniu mięśni, przez co ludzkie ciało drży. Ważne jest, aby obserwować pewne pozycje i postawy, w których takie ruchy wyglądają najbardziej efektownie.

W duchu tradycji ludowych

W każdym stanie oprócz flagi i hymnu istnieje jeszcze jeden, nie mniej ważny atrybut – taniec. Każdy naród charakteryzuje się własnymi ruchami, rytmami i tempami, które rozwinęły się w historii. Na podstawie charakterystyki choreografii można łatwo określić, jakiej narodowości jest dana osoba i jaki kraj reprezentuje. Takie występy wykonuje się głównie w grupie, choć zdarzają się wyjątki, gdy występuje tylko dwóch partnerów. Teraz przyjrzymy się rodzajom tańców ludowych, które są najpopularniejsze na całym świecie. Nawiasem mówiąc, niektóre z nich stały się podstawą klasycznej choreografii, a niektóre stanowiły doskonały początek rozwoju tańca ulicznego.

Tańce narodów świata

Attan to oficjalny taniec ludowy Afganistanu. Wykonywane również przez wielu sąsiadujące narody w różnych odmianach.
Hopak – taniec narodów Ukrainy. Wykonywany jest zawsze w strojach ludowych, w bardzo szybkim i energicznym rytmie. Charakteryzuje się joggingiem, przysiadami, skakaniem i innymi aktywnymi ruchami ciała.
Trepak to rodzimy taniec rosyjski, powszechny także na Ukrainie. Wykonuje się go zawsze w metrum dwudzielnym i towarzyszą mu kroki ułamkowe i stemplowanie.
Zika - sławny Taniec czeczeński, którą wykonują wyłącznie mężczyźni. Z reguły jest elementem towarzyszącym ważnym wydarzeniom religijnym.
Krakowiak to najsłynniejszy polski taniec. Wykonywany w szybkim rytmie, zawsze z prostymi plecami.
Okrągły taniec. Gra taneczna, która była wcześniej popularna wśród wielu narodów. Zasady są wszędzie inne, ale chodzi o to, że ludzie biorą udział w okrągłym tańcu. wielka ilość ludzi.
Lezginka to najsłynniejsze przedstawienie choreograficzne na Kaukazie. Tańczą go Czeczeni, Ormianie, Gruzini, Azerbejdżanie i wiele innych narodów.

Rodzaje tańców orientalnych

Na wschodzie sztuka tańca miała zupełnie inny rozwój niż w krajach Europy i Ameryki. Panowie zawsze wykonywali tu grupowe mini-przedstawienia, które towarzyszyły ważnym wydarzeniom. Taniec kobiety jest rodzajem sakramentu. Żona może tańczyć tylko dla męża i sama. Ta kultura choreograficzna jest od wieków szeroko rozpowszechniona w całej Azji Zachodniej, ale w każdym kraju ma swoją własną charakterystykę. Dlatego teraz przyjrzymy się, jakie rodzaje tańców istnieją w tym czy innym państwie wschodnim i jak są charakterystyczne.

Turecki. Występują zawsze w jaskrawych kostiumach, przy akompaniamencie szybkiej muzyki. Charakteryzują się rytmicznymi ruchami, bardzo dużą plastycznością, a nawet akrobacjami.
Egipcjanin. To najskromniejsza choreografia orientalna. Kostiumy są powściągliwe, podobnie jak ruchy, a muzyka jest powolna i wyważona. W tańcach egipskich nie ma miejsca na frywolne ruchy ciała – jest to uważane za rozpustę.
Arabski. To prawdziwe pole do improwizacji i wariacji. Jeśli wiesz, jakie rodzaje tańców są na Wschodzie i jak są wykonywane, możesz połączyć wszystkie techniki i techniki, a otrzymasz doskonały występ w stylu arabskim.
Libański. Najbardziej wyjątkowy i niezwykły. Łączą elementy choreografii tureckiej i egipskiej. Dlatego szybkie i rytmiczne ruchy przeplatają się z powolnymi i miarowymi. Akcję charakteryzuje także wykorzystanie przedmiotów obcych (talerze, laski itp.).
Taniec perski składa się z pełne wdzięku ruchy, podczas którego zaangażowane są głównie ręce, głowa i długie włosy.

Jak powstał taniec brzucha?

Prawie wszystkie kobiety na świecie marzą o opanowaniu tego stylu choreograficznego, ale tylko nielicznym udaje się go opanować doskonale. Wielu przypisuje jego pochodzenie Bliskiemu Wschodowi, choć tak naprawdę taniec ten wywodzi się z Indii. Jeszcze przed narodzeniem Chrystusa zwyczaj ten został przeniesiony przez Cyganów z ich ojczyzny do Egiptu, gdzie stał się popularny. Zaczęły się tam pojawiać różne rodzaje tańca brzucha, które bardzo szybko rozprzestrzeniły się na cały Bliski Wschód. Przyjrzyjmy się, które z nich są teraz najbardziej znane:

Tańcz z wężem. Wymaga połączenia elastyczności i odwagi, a także umiejętności radzenia sobie z tym zwierzęciem.
Taniec z ogniem. Podczas występu można wykorzystać pochodnie, świece, lampy z olejkami eterycznymi i wiele innych, które sławią kult ognia.
Taniec z cymbałami. Ten ręczny instrument perkusyjny jest krewnym hiszpańskich kastanietów. Wykonując rytmiczne ruchy, tancerka akompaniuje sobie.
Raqs el-Sharqi to taniec brzucha, który obejmuje obszar od pępka do bioder.
Raqs el-Shamadam to spektakl, w którym tańczy kobieta z kandelabrem na głowie. Bardzo popularny w Egipcie.

Rodzaje tańców sportowych

Taniec sportowy jest rodzajem analogii do klasycznej choreografii towarzyskiej. Różnica polega na tym, że tancerze trenują według bardziej rygorystycznego i intensywnego programu, ze szczególnym naciskiem na rozciąganie, precyzję ruchów i szybkość ich wykonania. Ważnym elementem każdego tańca sportowego nie jest piękno wykonania, ale technika wykonania wszystkich ruchów. Generalnie na tę podgrupę składają się znane nam produkcje choreograficzne, wśród których znajdują się standardowe programy europejskie i latynoskie.

Wniosek

Przyjrzeliśmy się, jakie rodzaje tańców istnieją różne kraje, zdecydował się na ich styl i cechy. Jak się okazało, każde przedstawienie choreograficzne ma swoje tempo, rytm i charakter wykonania. Ponadto wiele tańców nie może istnieć bez mimiki, określonych kostiumów, stylu, a nawet nastroju tych, którzy je wykonują. Dlatego jeśli zamierzasz opanować tę sztukę, ważne jest, aby początkowo zdecydować, w jakim stylu lubisz tańczyć i który z nich jest dla Ciebie najbardziej odpowiedni pod względem możliwości, a nawet cech strukturalnych Twojej sylwetki. A w przyszłości do samodoskonalenia będziesz potrzebować jedynie pracowitości i praktyki. Idź po to!

Taniec towarzyski należy wykonywać w parach. Takie tańce są dziś zwykle nazywane standaryzowanymi tańcami sportowymi wykonywanymi na nich konkursy taneczne i wydarzenia specjalne. Dziś w świecie tańca istnieją dwie główne klasyfikacje, składające się łącznie z dziesięciu stylów tanecznych: programy europejskie i latynoamerykańskie. Przeczytaj więcej o tańcu poniżej.

Historia tańca towarzyskiego

Skąd pochodzi pojęcie „taniec towarzyski”. Słowo łacińskie„ballare”, czyli „tańczyć”. W dawnych czasach tańce te miały charakter świecki i były przeznaczone wyłącznie dla osób wysokich rangą, natomiast tańce ludowe pozostawały dla biednych. Od tego czasu taki podział klasowy w tańcu już oczywiście nie istnieje, a wiele tańców towarzyskich to właściwie tańce ludowe uszlachetnione. W szczególności na nowoczesny taniec towarzyski duży wpływ miała kultura ludów Afryki i Ameryki Łacińskiej.

To, co nazywa się tańcem towarzyskim, zależy od epoki. Na balach inny czas Zaprezentowano różnorodne tańce, takie jak polonez, mazurek, menuet, polka, kadryl i inne, które obecnie uznawane są za historyczne.

W latach dwudziestych XX wieku w Wielkiej Brytanii powstała Rada Tańca Towarzyskiego. Dzięki jego działaniom taniec towarzyski nabrał wówczas formatu konkursowego i zaczął dzielić się na dwie grupy – sportowe i tzw. tańce towarzyskie. W programie: walc, tango, a także wolne i szybkie odmiany fokstrota.

W latach 30. - 50. wzrosła liczba tańców: w programie znalazły się takie pary tańców latynoamerykańskich jak rumba, samba, cha-cha-cha, paso doble i jive. Jednak w latach 60. taniec towarzyski przestał być zwykłą rozrywką, gdyż wymagał od tancerzy pewnego przygotowania technicznego, a został wyparty przez nowy taniec zwany twistem, którego nie trzeba było tańczyć w parach.

Europejskie tańce programowe

W programie tańców europejskich, czyli Standard, znajdują się: walc wolny, tango, fokstrot, Quickstep i walc wiedeński.

Powolny walc

W XVII wieku walc był tańcem ludowym na wsiach austriackich i bawarskich, dopiero na początku XIX wieku wprowadzono go na bale w Anglii. Uznano to wówczas za wulgarne, ponieważ był to pierwszy taniec towarzyski, podczas którego tancerz mógł trzymać partnera tak blisko siebie. Od tego czasu walc zabrał wielu Różne formy, ale każdy z nich łączy niepowtarzalna elegancja i romantyczny nastrój.

Osobliwością walca jest wielkość muzyczna w trzech czwartych i powolne tempo (do trzydziestu uderzeń na minutę). Podstawowe figury możesz opanować samodzielnie w domu.

Tango to taniec towarzyski wywodzący się z Argentyny. koniec XIX wiek. Na początku tango było częścią Program latynoamerykański taniec, ale potem został przeniesiony do standardowego programu europejskiego.

Być może, choć raz zobaczywszy tango, każdy będzie w stanie rozpoznać ten taniec – tego asertywnego, namiętnego sposobu bycia nie da się z niczym pomylić. Cechą tanga jest zamaszysty krok na całej stopie, co odróżnia je od klasycznego „przepływu” od pięty do palców.

Powolny fokstrot

Foxtrot to stosunkowo prosty taniec towarzyski, który daje początkującym doskonałą podstawę dalszy rozwój. Foxtrota można tańczyć w wolnym, średnim lub szybkim tempie, co pozwala nawet początkującym, bez specjalnych umiejętności, z wdziękiem poruszać się po parkiecie. Taniec jest dość łatwy do nauczenia się od zera.

Główną cechą fokstrota jest naprzemienność rytmów szybkich i wolnych, ale zawsze płynność i lekkość kroków, co powinno sprawiać wrażenie, jakby tancerze fruwali nad salą.

Szybki krok

Quickstep pojawił się w latach 20-tych XX wieku jako połączenie foxtrota i charlestona. Ówczesne zespoły muzyczne grały muzykę zbyt szybką na ruchy fokstrota, dlatego zmodyfikowano je do szybkiego kroku. Od tego czasu, w miarę ewolucji, ten taniec towarzyski stał się jeszcze bardziej dynamiczny, pozwalając tancerzom pochwalić się techniką i atletyką.

Quickstep łączy w sobie wiele różnych elementów, takich jak podwozie, progresywne zakręty i stopnie, żeby wymienić tylko kilka.

Walc wiedeński to jeden z najstarszych tańców towarzyskich, wykonywany w szybkim tempie, charakterystycznym dla pierwszych walców. Złoty wiek walca wiedeńskiego w Europie przypada na początek XIX wieku, kiedy żył i tworzył jeszcze słynny kompozytor Johann Strauss. Popularność tego walca rosła i spadała, ale nigdy nie wyszedł z mody.

Rozmiar walca wiedeńskiego jest taki sam jak walca wolnego, wynosi trzy czwarte, a liczba uderzeń na sekundę jest dwukrotnie większa – sześćdziesiąt.

Tańce latynoskie

Program tańca latynoamerykańskiego reprezentowany jest zazwyczaj przez następujące sportowe tańce towarzyskie: cha-cha-cha, samba, rumba, jive i paso doble.

Sambę

Ten taniec towarzyski jest uważany za taniec narodowy Brazylii. Świat zaczął odkrywać sambę w 1905 roku, ale ten taniec towarzyski stał się sensacją w Stanach Zjednoczonych dopiero w latach 40. za sprawą piosenkarki i gwiazdy filmowej Carmen Mirandy. Samba ma wiele odmian, na przykład sambę, na której się tańczy Brazylijskie karnawały i taniec towarzyski o tej samej nazwie to nie to samo.

Samba łączy w sobie wiele ruchów charakterystycznych dla innych tańców towarzyskich Ameryki Łacińskiej: obejmuje okrężne ruchy bioder, „sprężyste” nogi i mierzone rotacje. Nie jest jednak zbyt popularna w nauce: szybkie tempo występów i konieczność przygotowania fizycznego często pozbawiają początkujących tancerzy entuzjazmu.

Nazwa tego tańca nawiązuje do dźwięków wydawanych stopami przez tancerzy tańczących w rytmie marakasów. Taniec ten wywodzi się z rumby i mambo. Mambo było szeroko rozpowszechnione w Stanach Zjednoczonych, ale jego szybka muzyka była bardzo trudna do tańca, więc kubański kompozytor Enrique Jorin zwolnił muzykę i tak narodził się taniec cha-cha-cha.

Cechą szczególną cha-cha-cha jest tak zwany potrójny krok z dwóch powodów. Ta cecha uczyniła cha-cha-cha odrębnym tańcem, odróżniającym go od mambo, chociaż inne ruchy są dość podobne do tego stylu. Cha-cha-cha charakteryzuje się także minimalnym ruchem po sali, w zasadzie ten taniec towarzyski wykonywany jest niemal w jednym miejscu.

Rumba ma dość bogatą historię – wyłoniła się zarówno jako gatunek muzyczny, jak i styl taneczny, którego korzenie sięgają Afryki. Rumba to bardzo rytmiczny i złożony taniec, który dał początek wielu innym stylom tańca, w tym salsie.

Wcześniej ten taniec latynoamerykański był uważany za zbyt wulgarny ze względu na swobodne ruchy. Do dziś nazywany jest tańcem miłości. Nastrój tańca może zmieniać się w trakcie jego wykonywania – od miarowego do agresywnego. Styl wykonania przypomina style mambo i cha-cha-cha. Głównymi miarami rumby są QQS lub SQQ (z angielskiego S - „wolny” - „wolny” i Q - „szybki” - „szybki”).

„Paso doble” oznacza po hiszpańsku „dwa kroki”, co określa jego marszowy charakter. Jest to mocny i rytmiczny taniec charakteryzujący się prostymi plecami, spojrzeniem brwi i dramatycznymi pozami. Wśród wielu innych tańców latynoamerykańskich Paso Doble wyróżnia się tym, że w jego pochodzeniu nie doszukamy się afrykańskich korzeni.

Inspiracją dla tego hiszpańskiego tańca ludowego były walki byków, w których mężczyzna niezmiennie wcielał się w poskramiacza matadora, a kobieta w rolę jego peleryny lub byka. Jednak podczas wykonywania paso doble na konkursach tanecznych partner nigdy nie przedstawia byka, a jedynie pelerynę. Taniec towarzyski ze względu na swoją stylizację i dużą liczbę przepisów praktycznie nie jest wykonywany poza konkursami tanecznymi.

Jive

Jive powstał w klubach afroamerykańskich na początku lat 40-tych. Samo słowo „jive” oznacza „wprowadzającą w błąd paplaninę” – popularne wówczas slangowe słowo wśród Afroamerykanów. Personel wojskowy USA sprowadził taniec do Anglii podczas II wojny światowej. Tam jive został dostosowany do brytyjskiej muzyki pop i przyjął dzisiejszą formę.

Cechą charakterystyczną jive jest szybkie tempo tańca, dzięki któremu ruchy są sprężyste. Kolejną cechą jive'a są proste nogi. Ten sportowy taniec towarzyski można tańczyć w rytmie sześciu lub ośmiu taktów.