Jazz to szczególny rodzaj muzyki, który łączy w sobie muzykę amerykańską poprzednich stuleci, rytmy afrykańskie, pieśni świeckie, robocze i obrzędowe. Fani tego rodzaju kierunku muzycznego mogą pobrać swoje ulubione utwory za pomocą strony http://vkdj.org/.
Cechy jazzu
Jazz wyróżnia się pewnymi cechami:
- rytm;
- improwizacja;
- polirytmia.
Otrzymał swoją harmonię w wyniku wpływów europejskich. Jazz opiera się na określonym rytmie pochodzenia afrykańskiego. Ten styl obejmuje kierunki instrumentalne i wokalne. Jazz istnieje dzięki wykorzystaniu instrumentów muzycznych, które w zwykłej muzyce mają drugorzędne znaczenie. Muzycy jazzowi muszą posiadać umiejętność improwizacji solowej i orkiestrowej.
Cechy charakterystyczne muzyki jazzowej
Głównym znakiem rozpoznawczym jazzu jest swoboda rytmu, która budzi w wykonawcach poczucie lekkości, odprężenia, swobody i ciągłego ruchu do przodu. Podobnie jak w utworach klasycznych, ten rodzaj muzyki ma swój własny rozmiar, rytm, który nazywa się swingiem. Dla tego kierunku bardzo ważna jest stała pulsacja.
Jazz ma swój charakterystyczny repertuar i nietypowe formy. Głównymi z nich są blues i ballada, które stanowią swego rodzaju podstawę dla wszelkiego rodzaju wersji muzycznych.
Ten kierunek muzyki to kreatywność tych, którzy ją wykonują. Podstawą jest specyfika i oryginalność muzyka. Nie da się tego nauczyć tylko z notatek. Ten gatunek zależy całkowicie od kreatywności i inspiracji wykonawcy w czasie gry, który wkłada w dzieło swoje emocje i duszę.
Główne cechy charakterystyczne tej muzyki to:
- Harmonia;
- melodyjność;
- rytm.
Dzięki improwizacji za każdym razem powstaje nowe dzieło. Nigdy w życiu dwa utwory w wykonaniu różnych muzyków nie zabrzmią tak samo. W przeciwnym razie orkiestry będą próbowały się naśladować.
Ten nowoczesny styl ma wiele cech muzyki afrykańskiej. Jednym z nich jest to, że każdy instrument może pełnić rolę instrumentu perkusyjnego. Podczas wykonywania kompozycji jazzowych wykorzystuje się dobrze znane tony potoczne. Inną zapożyczoną cechą jest to, że gra na instrumentach kopiuje rozmowę. Ten rodzaj profesjonalnej sztuki muzycznej, która bardzo zmienia się w czasie, nie ma ścisłych granic. Jest całkowicie otwarta na wpływ wykonawców.
Jak rozwijał się gatunek muzyczny na przełomie XIX i XX wieku? w wyniku syntezy elementów dwóch kultur muzycznych – europejskiej i afrykańskiej. Z elementów afrykańskich można zauważyć polirytmię, powtarzalność głównego motywu, wokalną ekspresję, improwizację, która przeniknęła do jazzu wraz z popularnymi formami muzyki murzyńskiej. folklor muzyczny- tańce rytualne, pieśni robocze, duchowe i bluesowe.
Słowo jazz, pierwotnie "zespół jazzowy", zaczęto stosować w połowie pierwszej dekady XX wieku. w południowych stanach odnosi się do muzyki tworzonej przez małe nowoorleańskie zespoły (składające się z trąbki, klarnetu, puzonu, banjo, tuby lub kontrabasu, perkusji i fortepianu) w procesie zbiorowej improwizacji na tematy bluesa, ragtime'u i popularnych piosenek europejskich i tańce.
Aby się zapoznać, możesz słuchać i Cesaria Evora, i, i wiele innych.
Więc co jest Kwasowy Jazz? To funkowy styl muzyczny z wbudowanymi elementami jazzu, funku z lat 70., hip-hopu, soulu i innych stylów. Może być samplowany, może być „na żywo”, może być mieszanką dwóch ostatnich.
Głównie, Kwasowy Jazz skupia się na muzyce, a nie na tekście/słowach. To muzyka klubowa, która ma na celu wprawić Cię w ruch.
Pierwszy singiel w dobrym stylu Kwasowy Jazz był „Fryderyk wciąż leży”, autor Galliano. To była wersja okładkowa Curtis Mayfield Freddie nie żyje z filmu „Super lot”.
Wielki wkład w propagowanie i wspieranie stylu Kwasowy Jazz wprowadzony Gillesa Petersona, który był DJ-em w KISS FM. Był jednym z pierwszych, który założył Kwasowy Jazz etykieta. Na przełomie lat 80-tych i 90-tych występowało wielu wykonawców Kwasowy Jazz, które były jak polecenia „na żywo” - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry i projekty studyjne - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, na zewnątrz, I Zjednoczona Organizacja Przyszłości.
Oczywiście nie jest to styl jazzu, ale rodzaj jazzu zespół instrumentalny, ale mimo to został uwzględniony w tabeli, ponieważ każdy jazz w wykonaniu „big bandu” bardzo mocno wyróżnia się na tle indywidualnych wykonawców jazzowych i małych grup.
Liczba muzyków w big bandach waha się zazwyczaj od dziesięciu do siedemnastu osób.
Utworzony pod koniec lat 20. XX wieku składa się z trzy zespoły orkiestrowe: saksofony - klarnety(Kołowrotki) instrumenty dęte blaszane(blaszane, wyróżniały się kolejne grupy piszczałek i puzonów), sekcja rytmiczna(sekcja rytmiczna - fortepian, kontrabas, gitara, instrumenty perkusyjne). Rozkwit muzyki duże zespoły, która rozpoczęła się w Stanach Zjednoczonych w latach 30. XX wieku, wiąże się z okresem masowego entuzjazmu dla swingu.
Później, aż do chwili obecnej, big bandy występowały i wykonują muzykę w różnych stylach. Jednak w gruncie rzeczy era big bandów zaczyna się znacznie wcześniej i sięga czasów amerykańskich teatrów minstreli drugiej połowy XIX wieku, które często powiększały obsadę do kilkuset aktorów i muzyków. Słuchać The Original Dixieland Jazz Band, King Oliver's Creole Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra i jego orkiestra i docenisz cały urok jazzu w wykonaniu big-bandów.
Styl jazzowy, który rozwinął się na początku - połowy lat 40. XX wieku i otworzył erę nowoczesnego jazzu. Charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na zmianach harmonii, a nie melodii.
Superszybkie tempo występu zostało wprowadzone przez Parkera i Gillespiego, aby powstrzymać nieprofesjonalistów od ich nowych improwizacji. Między innymi, piętno wszystkie bebopovtsev stały się skandaliczne zachowanie. Zakrzywiona trąbka Dizzy'ego Gillespiego, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp.
Powstał jako reakcja na wszechobecność swingu, bebop nadal rozwija swoje zasady w użyciu środki wyrazu, ale jednocześnie stwierdzono szereg przeciwstawnych tendencji.
W przeciwieństwie do swingu, przez większą część czyli muzyka dużych komercyjnych zespołów tanecznych, bebop to eksperymentalny kierunek twórczy w jazzie, kojarzony głównie z praktyką małych składów (combos) i antykomercyjny w swoim kierunku.
Faza bebopowa była znaczącym przesunięciem punktu ciężkości w jazzie z popularnej muzyki tanecznej na bardziej artystyczną, intelektualną, ale mniej mainstreamową „muzykę dla muzyków”. Muzycy bopowi woleli złożone improwizacje oparte na brzdąkaniu akordów zamiast melodii.
Głównymi inicjatorami narodzin byli: saksofonista, trębacz, pianiści Buda Powella I Theloniousa Monka, perkusista Maks Roach. Jeśli chcesz Bądź bopem, Słuchać , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.
Jeden ze stylów jazzu nowoczesnego, ukształtowany na przełomie lat 40. - 50. XX wieku w oparciu o rozwój dorobku swingu i bopu. Geneza tego stylu związana jest przede wszystkim z nazwiskiem murzyńskiego saksofonisty swingowego. L. Młody, którzy rozwinęli „zimny” sposób wydobywania dźwięku (tzw. dźwięk Lestera) przeciwny dźwiękowemu ideałowi gorącego jazzu; po raz pierwszy wprowadził też termin „fajny”. Ponadto przesłanki cool jazzu znajdują się w twórczości wielu muzyków bebopowych, jak np. C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson i inni.
Jednakże, fajny jazzik ma istotne różnice w stosunku do bop. Przejawiało się to w odejściu od tradycji gorącego jazzu, którymi podążał bop, w odrzuceniu nadmiernej rytmicznej ekspresji i niestabilności intonacyjnej, w celowym podkreślaniu specyficznie murzyńskiego koloru. Grał w tym stylu: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.
Wraz ze stopniowym upadkiem muzyki rockowej, który rozpoczął się na początku lat 70., wraz ze spadkiem napływu idei ze świata rocka, muzyka fusion stała się prostsza. W tym samym czasie wielu zaczęło zdawać sobie sprawę, że jazz elektryczny może stać się bardziej komercyjny, producenci i niektórzy muzycy zaczęli szukać takich kombinacji stylów, aby zwiększyć sprzedaż. Naprawdę udało im się stworzyć rodzaj jazzu, który jest bardziej przystępny dla przeciętnego słuchacza. W ciągu ostatnich dwóch dekad było ich wiele różne kombinacje dla którego promotorzy i publicyści lubią używać określenia „Modern Jazz”, używanego na określenie „fuzji” jazzu z elementami popu, rytmu i bluesa oraz „ Muzyka Światowa".
Dokładniej jednak oddaje istotę sprawy słowo „crossover”. Crossover i fusion osiągnęły swój cel i zwiększyły grono odbiorców jazzu, zwłaszcza dzięki tym, którzy mieli dość innych stylów. W niektórych przypadkach ta muzyka zasługuje na uwagę, choć generalnie zawartość jazzu jest w niej zredukowana do zera. Przykłady stylu crossover sięgają od (Al Jarreau) i nagrań wokalnych (George Benson) do (Kenny G), „Spyro Gyra” I " " . W tym wszystkim jest wpływ jazzu, ale mimo to ta muzyka wpisuje się w dziedzinę pop-artu, którą reprezentuje Geralda Albrighta, George'a Duke'a, saksofonista Billa Evansa, Dave'a Grusina,.
Dixieland- najszersze określenie styl muzyczny najwcześniejsi muzycy jazzowi z Nowego Orleanu i Chicago, którzy nagrywali płyty od 1917 do 1923 roku. Koncepcja ta rozciąga się także na okres późniejszego rozwoju i odrodzenia nowoorleańskiego jazzu – Odrodzenie Nowego Orleanu kontynuowane po latach 30. Niektórzy historycy przypisują Dixieland tylko do muzyki białych zespołów grających w nowoorleańskim stylu jazzowym.
W przeciwieństwie do innych form jazzu, repertuar muzyków to utwory Dixieland pozostawał dość ograniczony, oferując nieskończone wariacje tematów w ramach tych samych melodii skomponowanych przez pierwszą dekadę XX wieku i obejmował ragtime, blues, jednoetapowe, dwuetapowe, marsze i popularne melodie. Dla stylu wydajności Dixieland charakterystyczne było złożone przeplatanie się poszczególnych głosów w kolektywną improwizację całego zespołu. Solista, który otworzył solo i inni soliści, którzy grali dalej, niejako sprzeciwiali się „riffowaniu” reszty instrumentów dętych aż do końcowych fraz, zwykle wykonywanych przez perkusję w formie czterotaktowych refrenów, na które z kolei odpowiadał cały zespół.
Głównymi przedstawicielami tej epoki byli The Original Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver i jego słynna orkiestra, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke i Jimmy McPartland. Muzycy Dixieland zasadniczo szukali odrodzenia klasycznego nowoorleańskiego jazzu z przeszłości. Próby te były bardzo udane i dzięki kolejnym pokoleniom trwają do dziś. Pierwsze odrodzenie tradycji Dixieland miało miejsce w latach czterdziestych XX wieku.
Oto tylko niektórzy jazzmani, którzy grali Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.
Osobną niszę w środowisku stylów jazzowych od początku lat 70. zajmowała niemiecka firma ECM (Wydanie muzyki współczesnej- Wydawca muzyka współczesna), które stopniowo stało się ośrodkiem stowarzyszenia muzyków, którzy wyznawali nie tyle przywiązanie do afroamerykańskiego pochodzenia jazzu, co umiejętność rozwiązywania różnorodnych zadań artystycznych, nie ograniczając się do określonego stylu, ale zgodnie z kreatywnym procesem improwizacji.
Z czasem jednak wykształciło się pewne oblicze firmy, co doprowadziło do wyodrębnienia się artystów tej wytwórni na dużą skalę i wyrazisty kierunek stylistyczny. Orientacja założyciela wytwórni Manfred Eicher (Manfred Eicher) na łączenie różnych idiomów jazzowych, światowego folkloru i nowej muzyki akademickiej w jeden impresjonistyczny dźwięk umożliwiła osiągnięcie głębi i filozoficznego zrozumienia wartości życiowych za pomocą tych środków.
Znajduje się w Oslo pracownia główna Nagrania firmy są wyraźnie skorelowane z wiodącą rolą w katalogu muzyków skandynawskich. Przede wszystkim Norwegowie Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. Jednak geografia ECM obejmuje cały świat. Oto Europejczycy Dave Holland, Tomasz Stańko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Mikhail Alperin oraz przedstawiciele kultur pozaeuropejskich Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem i wiele innych. Nie mniej reprezentatywny jest Legion Amerykański - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. Początkowy rewolucyjny impuls wydawnictw firmy przekształcił się z czasem w medytacyjne, zdystansowane brzmienie otwartych form o starannie dopracowanych warstwach brzmieniowych.
Niektórzy zwolennicy głównego nurtu zaprzeczają ścieżce obranej przez muzyków tego kierunku; jednak jazz, jako kultura światowa, rozwija się mimo tych obiekcji i daje bardzo imponujące rezultaty.
W przeciwieństwie do wyrafinowania i chłodu stylu cool, racjonalności progresywnego na wschodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych, młodzi muzycy na początku lat 50. nadal rozwijali pozornie już wyczerpany styl bebopowy. Znaczącą rolę w tym trendzie odegrał charakterystyczny dla lat 50. wzrost samoświadomości Afroamerykanów. Ponownie zwrócono uwagę na zachowanie wierności afroamerykańskim tradycjom improwizacji. Jednocześnie zachowano wszystkie osiągnięcia bebopu, ale dodano do nich wiele fajnych osiągnięć zarówno w dziedzinie harmonii, jak iw dziedzinie struktur rytmicznych. Muzycy nowej generacji mieli z reguły dobre wykształcenie muzyczne. Prąd ten nazywa się „hardkor” okazała się dość liczna. Dołączyli trębacze Milesa Davisa, Fatsa Navarro, Clifforda Browna, Donalda Byrda, pianiści Thelonious Monk, Horacy Silver, perkusista Arta Blake'a, saksofoniści Sonny'ego Rollinsa, Hanka Mobleya, Cannonball Adderley, kontrabasista Paweł Chambers i wiele innych.
Dla rozwoju nowego stylu znacząca była kolejna innowacja techniczna, polegająca na pojawieniu się płyt długogrających. Teraz możesz nagrywać długie solówki. Dla muzyków stało się to pokusą i trudnym sprawdzianem, ponieważ nie każdy jest w stanie wypowiadać się w pełni i zwięźle przez długi czas. Trębacze jako pierwsi wykorzystali te zalety, modyfikując styl Dizzy'ego Gillespiego na spokojniejsze, ale głębsze granie. Najbardziej wpływowi byli Tłuszcze Navarro I Clifforda Browna. Muzycy ci skupili się nie na wirtuozowskich szybkich pasażach w górnym rejestrze, ale na przemyślanych i logicznych liniach melodycznych.
Hot jazz uważany jest za muzykę nowoorleańskich pionierów drugiej fali, których największa aktywność twórcza zbiegła się w czasie z masowym exodusem nowoorleańskich muzyków jazzowych na Północ, głównie do Chicago. Proces ten, który rozpoczął się wkrótce po zamknięciu Storyville w związku z wejściem Stanów Zjednoczonych do Pierwszej wojna światowa iz tego powodu ogłoszenie Nowego Orleanu portem wojskowym wyznaczyło w historii jazzu tzw. erę chicagowską. Głównym przedstawicielem tej szkoły był Louis Armstrong. Wciąż występując w King Oliver Ensemble, Armstrong dokonał wówczas rewolucyjnych zmian w koncepcji improwizacji jazzowej, przechodząc od schematy tradycyjne kolektywnej improwizacji do wykonania poszczególnych partii solowych.
Sama nazwa tego typu jazzu związana jest z emocjonalną intensywnością charakterystyczną dla sposobu wykonania tych partii solowych. Termin Hot był pierwotnie synonimem solowej improwizacji jazzowej, aby podkreślić różnice w podejściu do solówki, które miały miejsce na początku lat dwudziestych. Później, wraz z zanikiem improwizacji kolektywnej, pojęcie to kojarzono ze sposobem wykonania materiału jazzowego, w szczególności ze szczególnym brzmieniem, które określa instrumentalny i wokalny styl wykonania, tzw. metody rytmizacji i specyficzne cechy intonacyjne.
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z nadejściem „free jazzu”. Chociaż elementy Darmowy jazz istniał na długo przed pojawieniem się samego terminu, w „eksperymentach” Colemana Hawkinsa, Pee Wee Russella i Lenny'ego Tristano, ale dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych staraniem takich pionierów jak saksofonista i pianista Cecila Taylora, kierunek ten ukształtował się jako niezależny styl.
Co ci dwaj muzycy zrobili z innymi, w tym Johna Coltrane'a, Alberta Eulera i społeczności jak Orkiestra Sun Ra a grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble składała się z różnych zmian w strukturze i charakterze muzyki.
Wśród innowacji wprowadzonych z wyobraźnią i wielką muzykalnością była rezygnacja z progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszać się w dowolnym kierunku. Kolejna fundamentalna zmiana została znaleziona w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, pulsacja, metrum i groove nie były już istotnym elementem takiego odczytania jazzu. Inny kluczowy składnik kojarzyła się z atonalnością. Teraz powiedzenie muzyczne nie było już zbudowane na zwykłym systemie tonalnym.
Przenikliwe, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat. Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak u zarania jego powstania.
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z nadejściem „free jazzu”.
Kierunek stylu nowoczesnego, który powstał w latach 70. na bazie jazz-rocka, będący syntezą elementów europejskiej muzyki akademickiej i pozaeuropejskiego folkloru.
Dla najbardziej ciekawe kompozycje Jazz-rock charakteryzuje się improwizacją połączoną z rozwiązania kompozycyjne, wykorzystanie zasad harmonicznych i rytmicznych muzyki rockowej, aktywne ucieleśnienie melodii i rytmu Wschodu, wprowadzenie do muzyki elektronicznych środków przetwarzania i syntezy dźwięku.
W tym stylu rozszerzył się zakres stosowania zasad modalnych, rozszerzył się zestaw różnych trybów, w tym egzotycznych. W latach 70. jazz-rock stał się niesamowicie popularny, wkroczyły do niego najbardziej aktywne siły muzyczne. Bardziej rozwinięty w stosunku do syntezy różnych środków muzycznych, jazz-rock został nazwany „fusion” (stop, fusion). Dodatkowym impulsem do „fusion” był kolejny (nie pierwszy w historii jazzu) ukłon w stronę europejskiej muzyki akademickiej.
W wielu przypadkach fusion faktycznie staje się połączeniem jazzu ze zwykłym popem i lekkim rytmem i bluesem; krzyżowanie. Ambicje muzyki fusion dotyczące muzycznej głębi i mocy pozostają niespełnione, choć w rzadkie przypadki poszukiwania trwają na przykład w zespołach takich jak „Tribal Tech” i zespoły Chicka Corei. Słuchać: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, from New Niacin, Tunnels, CAB.
Nowoczesny boj nawiązuje do popularnych stylów jazzowych lat 70. i 80., w których akompaniatorzy grają w stylu black pop soul, a solowe improwizacje mają bardziej kreatywny i jazzowy charakter. Większość saksofonistów tego stylu używa własnego zestawu prostych fraz, na które składają się bluesowe okrzyki i jęki. Opierają się na tradycji przejętej z solówek na saksofonie w rytmicznych i bluesowych nagraniach wokalnych, jak King Curtis w „Coasters” Młodszy Walker z zespołami wokalnymi wytwórni Motown, Dawid Sanborn z „Blues Band” Paula Butterfielda. Wybitna postać tego gatunku - często grająca solo w stylu Hanka Crawforda z funkowym akompaniamentem. Dużo muzyki , i ich uczniowie stosują to podejście. , działają również w stylu „modern funk”.
Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, jest środkiem wyrazu w jazzie. charakterystyczny typ pulsacja oparta na stałych odchyleniach rytmu od udziałów referencyjnych. Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który ukształtował się na przełomie lat 20. i 30. w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form stylistycznych muzyki jazzowej.
oryginalna definicja „jazzowy rock” była najczystsza: połączenie jazzowej improwizacji z energią i rytmami muzyki rockowej. Do 1967 roku światy jazzu i rocka istniały niemal oddzielnie. Ale w tym czasie rock staje się bardziej kreatywny i złożony, pojawia się psychodeliczny rock, muzyka soul. W tym samym czasie niektórzy muzycy jazzowi znudzili się czystym hardbopem, ale nie chcieli też grać muzyki awangardowej, trudnej do odbioru. W rezultacie dwa różne idiomy zaczęły wymieniać się pomysłami i łączyć siły.
Od 1967 gitarzysta Larry'ego Coryella, wibrafonista Gary'ego Burtona, w 1969 perkusista Billy'ego Cobhama z grupą „Dreams”, w której grali bracia Brecker, zaczęli odkrywać nowe przestrzenie stylu.
Pod koniec lat 60. Miles Davis miał potencjał przejścia na jazz-rock. Był jednym z twórców jazzu modalnego, na bazie którego wykorzystując rytmy 8/8 i instrumenty elektroniczne stawia nowy krok nagrywając płyty „Bitches Brew”, „In a Silent Way”. Razem z nim w tym czasie jest genialna plejada muzyków, z których wielu później staje się fundamentalnymi postaciami tego kierunku – (John McLaughlin), Józef Zawinul(Joe Zawinul) Herbiego Hancocka. Charakterystyczna dla Davisa asceza, zwięzłość i filozoficzna kontemplacja okazały się w nowym stylu bardzo mile widziane.
Na początku lat 70 rocka jazzowego miał swoją odrębną tożsamość jako kreatywny styl jazzowy, choć wyśmiewany przez wielu jazzowych purystów. Głównymi grupami nowego kierunku były „Powrót na zawsze”, „Prognoza pogody”, „Orkiestra Mahavishnu”, różne zespoły Milesa Davisa. Grali wysokiej jakości jazz-rock, który łączył ogromny zestaw technik zarówno z jazzu, jak i rocka. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- zdecydowanie warto posłuchać, żeby zrozumieć, jak różnorodna jest muzyka progresywna i jazz-rockowa.
Styl rapu jazzowego była próbą połączenia muzyki afroamerykańskiej minionych dekad z nową dominującą formą teraźniejszości, aby złożyć hołd i zainspirować nowe życie w pierwszy element tego - fuzję - a także poszerzyć horyzonty drugiego. Rytmy jazz-rapu zostały całkowicie zapożyczone z hip-hopu, podczas gdy sample i tekstury dźwiękowe pochodziły głównie z cool jazzu, soul-jazzu i hard bopu.
Ten styl był najfajniejszym i najbardziej znanym hip-hopem, a wielu artystów wykazywało afrocentryczną świadomość polityczną, dodając temu stylowi historyczną autentyczność. Biorąc pod uwagę intelektualne zacięcie tej muzyki, nie jest zaskoczeniem, że jazz-rap nigdy nie stał się ulubieńcem ulicznych imprez; ale wtedy nikt o tym nie myślał.
Sami przedstawiciele jazz-rapu nazywali się zwolennikami bardziej pozytywnej alternatywy dla ruchu hardcore/gangsta, który na początku lat 90. wyparł rap z czołowych pozycji. Starali się szerzyć hip-hop wśród słuchaczy, którzy nie mogą zaakceptować ani zrozumieć rosnącej agresji miejskiej kultura muzyczna. Tak więc jazz-rap znalazł większość swoich fanów w akademikach, a także był wspierany przez wielu krytyków i białych fanów. alternatywny rock.
Zespół Języki ojczyste (Afrika Bambaataa)- ten nowojorski kolektyw afroamerykańskich grup rapowych - stał się potężną siłą reprezentującą ten styl rapu jazzowego i obejmuje takie grupy jak A Tribe Called Quest, De La Soul i The Jungle Brothers. Wkrótce rozpoczęli pracę Planety cyfrowe I gwiazda gangu zyskał również rozgłos. W połowie późnych lat 90. zaczął pojawiać się alternatywny rap duża liczba sub-style, a jazz-rap nie był już często elementem nowego brzmienia.
Jazz to kierunek muzyczny, który narodził się na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych. Jej powstanie jest wynikiem przeplatania się dwóch kultur: afrykańskiej i europejskiej. Ten nurt połączy spirytualistykę (śpiewy kościelne) amerykańskich Murzynów, afrykańskie rytmy ludowe i europejską harmonijną melodię. Charakteryzuje się: elastycznym rytmem opartym na zasadzie synkopy, wykorzystaniem instrumentów perkusyjnych, improwizacją, ekspresyjnym sposobem wykonania, wyróżniającym się brzmieniem i napięciem dynamicznym, niekiedy dochodzącym do ekstazy. Początkowo jazz był połączeniem ragtime'u z elementami bluesa. W rzeczywistości wynikało to z tych dwóch kierunków. Cechą stylu jazzowego jest przede wszystkim indywidualna i niepowtarzalna gra wirtuoza jazzmana, a improwizacja nadaje temu ruchowi stałą aktualność.
Po powstaniu samego jazzu rozpoczął się ciągły proces jego rozwoju i modyfikacji, co doprowadziło do wyłonienia się różnych kierunków. Obecnie jest ich około trzydziestu.
Jazz nowoorleański (tradycyjny).
Ten styl zwykle oznacza dokładnie ten jazz, który był wykonywany w latach 1900-1917. Można powiedzieć, że jego geneza zbiegła się z otwarciem Storyville (dzielnica czerwonych latarni Nowego Orleanu), które zyskało popularność dzięki barom i tym podobnym lokalom, w których muzycy grający muzykę synkopowaną zawsze mogli znaleźć pracę. Popularne wcześniej zespoły uliczne zaczęły być wypierane przez tzw. „zespoły storyville”, których gra stawała się coraz bardziej indywidualna w porównaniu z poprzednikami. Zespoły te stały się później twórcami klasycznego jazzu nowoorleańskiego. Żywe przykłady wykonawcami tego stylu są: Jelly Roll Morton („His Red Hot Peppers”), Buddy Bolden („Funky Butt”), Kid Ory. To oni dokonali przejścia afrykańskiej muzyki ludowej w pierwsze formy jazzowe.
chicagowskiego jazzu.
W 1917 następny kamień milowy rozwój muzyki jazzowej, naznaczony pojawieniem się w Chicago imigrantów z Nowego Orleanu. Powstają nowe orkiestry jazzowe, których gra wprowadza nowe elementy do wczesnego jazzu tradycyjnego. Tak powstaje niezależny styl chicagowskiej szkoły performansu, który dzieli się na dwa kierunki: gorący jazz czarnych muzyków i dixieland białych. Głównymi cechami tego stylu są: zindywidualizowane partie solowe, zmiana gorących inspiracji (oryginalne swobodne, ekstatyczne wykonanie stało się bardziej nerwowe, pełne napięcia), synth (muzyka zawiera nie tylko elementy tradycyjne, ale także ragtime, a także słynne amerykańskie przeboje ) oraz zmiany w grze instrumentalnej (zmieniła się rola instrumentów i techniki wykonawcze). Podstawowe postacie tego kierunku („What Wonderful World”, „Moon Rivers”) i („Someday Sweetheart”, „Ded Man Blues”).
Swing to orkiestrowy styl jazzu z lat 20. i 30. XX wieku, który wywodzi się bezpośrednio ze szkoły chicagowskiej i był wykonywany przez duże zespoły (The Original Dixieland Jazz Band). Charakteryzuje się przewagą muzyki zachodniej. W orkiestrach pojawiły się osobne sekcje saksofonów, trąbek i puzonów; banjo zostaje zastąpione przez gitarę, tubę i sazofon - kontrabas. Muzyka odchodzi od kolektywnej improwizacji, muzycy grają ściśle według ustalonych wcześniej partytur. Charakterystyczną techniką było współdziałanie sekcji rytmicznej z instrumentami melodycznymi. Przedstawiciele tego kierunku:, („Creole Love Call”, „The Mooche”), Fletcher Henderson („When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra,.
Bebop to nowoczesny jazz, który narodził się w latach 40. i był kierunkiem eksperymentalnym, antykomercyjnym. W przeciwieństwie do swingu, jest to styl bardziej intelektualny, z dużym naciskiem na złożoną improwizację i nacisk na harmonię, a nie melodię. Muzykę tego stylu wyróżnia również bardzo szybkie tempo. Najjaśniejszymi przedstawicielami są: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker („Noc w Tunezji”, „Manteca”) i Bud Powell.
Główny nurt. Obejmuje trzy prądy: Stride ( północno-wschodni jazz), stylu Kansas City i jazzu z Zachodniego Wybrzeża. W Chicago królował hot stride, prowadzony przez takich mistrzów jak Louis Armstrong, Andy Condon, Jimmy Mac Partland. Kansas City charakteryzuje się lirycznymi utworami w bluesowym stylu. Jazz z Zachodniego Wybrzeża rozwinął się w Los Angeles pod kierunkiem cool jazzu, a następnie zaowocował nim.
Cool Jazz (cool jazz) powstał w Los Angeles w latach 50. jako przeciwieństwo dynamicznego i impulsywnego swingu i bebopu. Za twórcę tego stylu uważa się Lestera Younga. To on wprowadził nietypowy dla jazzu sposób wydobywania dźwięku. Ten styl charakteryzuje się zastosowaniem instrumenty symfoniczne i powściągliwości emocjonalnej. W tym duchu swój ślad zostawili tacy mistrzowie jak Miles Davis („Niebieski w zieleni”), Gerry Mulligan („Walking Shoes”), Dave Brubeck („Pick Up Sticks”), Paul Desmond.
Awangarda zaczęła się rozwijać w latach 60. Ten awangardowy styl opiera się na zerwaniu z oryginałem tradycyjne elementy i charakteryzuje się wykorzystaniem nowych technik i środków wyrazu. Dla muzyków tego nurtu autoekspresja, którą realizowali poprzez muzykę, była na pierwszym miejscu. Wśród wykonawców tego nurtu są: Sun Ra („Kosmos in Blue”, „Moon Dance”), Alice Coltrane („Ptah The El Daoud”), Archie Shepp.
Jazz progresywny powstał równolegle z bebopem w latach 40., ale wyróżniał się saksofonową techniką staccato, złożonym przeplataniem politonalności z pulsacją rytmiczną i elementami symfojazzu. Stana Kentona można nazwać założycielem tego nurtu. Wybitni Reprezentanci Opowiadanie: Gil Evans i Boyd Ryburn.
Hard bop to rodzaj jazzu, który ma swoje korzenie w bebopie. Detroit, Nowy Jork, Filadelfia - w tych miastach narodził się ten styl. Pod względem agresywności bardzo przypomina bebop, ale nadal dominują w nim elementy bluesa. W rolach głównych występują Zachary Breaux („Uptown Groove”), Art Blakey i The Jass Messengers.
Soulowy jazz. Termin ten jest używany w odniesieniu do całej muzyki murzyńskiej. Opiera się na tradycyjnym bluesie i folklorze afroamerykańskim. Muzyka ta charakteryzuje się basowymi figurami ostinato i rytmicznie powtarzanymi samplami, dzięki czemu zyskała dużą popularność wśród różnych mas społeczeństwa. Do hitów tego kierunku należą kompozycje Ramseya Lewisa „The In Crowd” i Harris-McCain „Compared To What”.
Groove (aka funk) jest odgałęzieniem soulu, wyróżnia go jedynie rytmiczne skupienie. Zasadniczo muzyka tego kierunku ma główny koloryt, a pod względem struktury jest to wyraźnie określona część każdego instrumentu. Występy solowe harmonijnie wpisują się w całość brzmienia i nie są zbyt zindywidualizowane. Wykonawcy tego Styl Shirley Scott, Richard „Groove” Holmes, Gene Emmons, Leo Wright.
Free Jazz narodził się pod koniec lat 50. dzięki wysiłkom takich nowatorskich mistrzów, jak Ornette Coleman i Cecil Taylor. Jego charakterystyczne cechy są atonalność, naruszenie kolejności akordów. Styl ten często nazywany jest „free jazzem”, a jego pochodnymi są loft jazz, modern creative i free funk. Do muzyków tego stylu należą: Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier („Varech”), AMM („Sedimantari”).
Twórczość pojawiła się dzięki szeroko rozpowszechnionej awangardzie i eksperymentalizmowi form jazzowych. Trudno jednoznacznie scharakteryzować taką muzykę, gdyż jest zbyt wieloaspektowa i łączy w sobie wiele elementów poprzednich części. Pierwsi użytkownicy tego stylu to Lenny Tristano („Line Up”), Gunther Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cyril („The Big Time Stuff”).
Fuzja łączyła elementy prawie wszystkich istniejących wówczas ruchów muzycznych. Jego najbardziej aktywny rozwój rozpoczął się w latach 70. XX wieku. Fusion to usystematyzowany styl instrumentalny charakteryzujący się złożonymi metrum, rytmem, wydłużonymi kompozycjami i brakiem wokali. Ten styl jest przeznaczony dla mniej szerokich mas niż soul i jest jego całkowitym przeciwieństwem. Na czele tego ruchu stoją Larry Corell i Eleventh, Tony Williams i Lifetime („Bobby Truck Tricks”).
Acid jazz (groove jazz lub jazz klubowy) powstał w Wielkiej Brytanii pod koniec lat 80. (rozkwit 1990 - 1995) i łączył funk lat 70., hip-hop i muzykę taneczną lat 90. Pojawienie się tego stylu było podyktowane powszechnym stosowaniem sampli jazz-funk. Założycielem jest DJ Giles Peterson. Wśród wykonawców tego kierunku są Melvin Sparks („Dig Dis”), RAD, Smoke City („Flying Away”), Incognito i Brand New Heavies.
Post bop zaczął się rozwijać w latach 50. i 60. i ma podobną strukturę do hard bopu. Wyróżnia się obecnością elementów soul, funk i groove. Często, charakteryzując ten kierunek, rysują paralelę z blues-rockiem. Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey („Jak ktoś zakochany”) i Lee Morgan („Yesterday”), Wayne Shorter pracowali w tym stylu.
Smooth jazz to nowoczesny styl jazzowy, który wywodzi się z ruchu fusion, ale różni się od niego celowo dopracowanym brzmieniem. Cechą tego kierunku jest powszechne stosowanie elektronarzędzi. Znani artyści: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater („All Of Me”, „God Bless The Child”), Larry Carlton („Dont Give It Up”).
Jazz manush (cygański jazz) - kierunek jazzowy specjalizujący się w grze na gitarze. Łączy w sobie technikę gry na gitarze cygańskich plemion grupy manush i swing. Założycielami tego kierunku są bracia Ferre i. Najsłynniejsi wykonawcy: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen („Stella By Starlight”, „Fiso Place”, „Autumn Leaves”).
Czym jest jazz, historia jazzu
Co to jest jazz? Te ekscytujące rytmy, przyjemna muzyka na żywo, która ciągle ewoluuje i porusza. Być może z tym kierunkiem nie można porównać żadnego innego i nie można go pomylić z żadnym innym gatunkiem, nawet dla początkującego. Co więcej, oto paradoks, łatwo to usłyszeć i rozpoznać, ale nie tak łatwo to opisać słowami, ponieważ jazz ciągle ewoluuje, a stosowane dziś koncepcje i cechy dezaktualizują się w ciągu roku lub dwóch.
Jazz - co to jest
Jazz to kierunek w muzyce, który powstał na początku XX wieku. Ściśle splata afrykańskie rytmy, rytualne śpiewy, pieśni pracy i świeckie, muzykę amerykańską minionych wieków. Innymi słowy, jest to gatunek na wpół improwizowany, który powstał z połączenia muzyki zachodnioeuropejskiej i zachodnioafrykańskiej.
Skąd wziął się jazz
Powszechnie przyjmuje się, że pojawił się z Afryki, o czym świadczą złożone rytmy. Dodajmy do tego jeszcze taniec, wszelkiego rodzaju deptanie, klaskanie i mamy ragtime. Czyste rytmy tego gatunku w połączeniu z bluesowymi melodiami dały początek nowemu nurtowi, który nazywamy jazzem. Zastanawiasz się, skąd to się wzięło? Nowa Muzyka, każde źródło da ci odpowiedź, że z pieśni czarnych niewolników, którzy zostali przywiezieni z powrotem do Ameryki początek XVII wiek. Dopiero w muzyce znaleźli ukojenie.
Początkowo były to motywy czysto afrykańskie, jednak po kilku dekadach zaczęły one mieć charakter bardziej improwizacyjny i przerośnięte nowymi melodiami amerykańskimi, głównie melodiami religijnymi - spirituals. Później dodano do tego narzekania na piosenki - bluesowe i małe Orkiestry dęte. I tak powstał nowy kierunek – jazz.
Jakie są cechy muzyki jazzowej
Pierwszy i najbardziej ważna cecha jest improwizacją. Muzycy muszą umieć improwizować zarówno w orkiestrze, jak i solo. Kolejną nie mniej istotną cechą jest polirytmia. Wolność rytmiczna, być może tak główna cecha muzyka jazzowa. To właśnie ta swoboda sprawia, że muzycy czują się lekko i ciągle idą do przodu. Pamiętasz jakąś jazzową kompozycję? Wydaje się, że wykonawcy z łatwością grają cudowną i przyjemną dla ucha melodię, nie ma sztywnych ram, jak w muzyce klasycznej, tylko niesamowita lekkość i odprężenie. Oczywiście utwory jazzowe, podobnie jak klasyczne, mają swój własny rytm, metrum itp., ale dzięki specjalnemu rytmowi zwanemu swingiem (od angielskiego swingu) jest takie poczucie wolności. Co jeszcze jest ważne dla tego kierunku? Z pewnością trochę lub w inny sposób regularne tętnienie.
Rozwój jazzu
Pochodzący z Nowego Orleanu jazz szybko się rozprzestrzenia, stając się coraz bardziej popularny. Grupy amatorskie, składające się głównie z Afrykanów i Kreoli, zaczynają występować nie tylko w restauracjach, ale objeżdżają też inne miasta. Tak więc na północy kraju powstaje kolejne centrum jazzowe - Chicago, gdzie nocne występy są szczególnie poszukiwane. zespoły muzyczne. Wykonywane kompozycje komplikują aranżacje. Wśród wykonawców tego okresu wyróżnia się Louis Armstrong który przeniósł się do Chicago z miasta, w którym narodził się jazz. Późniejsze style z tych miast połączyło się w Dixieland, który wyróżniał się kolektywną improwizacją.
Ogromny szał na jazz w latach trzydziestych i czterdziestych XX wieku doprowadził do zapotrzebowania na większe orkiestry, które mogłyby grać różne melodie taneczne. Dzięki temu pojawił się swing, który jest pewnym odstępstwem od schematu rytmicznego. Stał się głównym nurtem tamtych czasów i zepchnął kolektywną improwizację na dalszy plan. Zespoły swingowe stały się znane jako big bandy.
Oczywiście takie odejście swingu od cech charakterystycznych dla wczesnego jazzu, od melodii narodowych, wywołało niezadowolenie wśród prawdziwych koneserów muzyki. Dlatego big-bandom i wykonawcom swingu zaczyna przeciwstawiać się gra małych składów, w skład których wchodzili czarnoskórzy muzycy. Tak więc w latach czterdziestych XX wieku wyłonił się nowy styl bebop, wyraźnie wyróżniający się na tle innych dziedzin muzyki. Charakteryzował się niewiarygodnie szybkimi melodiami, długimi improwizacjami i najbardziej złożonymi układami rytmicznymi. Wśród wykonawców tego czasu wyróżniają się postacie Charliego Parkera i Dizzy'ego Gillespiego.
Od 1950 roku jazz rozwijał się w dwóch różnych kierunkach. Z jednej strony zwolennicy klasyki powrócili do muzyki akademickiej, odsuwając na bok bebop. Powstały chłodny jazz stał się bardziej powściągliwy i suchy. Z drugiej strony, druga linia nadal rozwijała bebop. Na tym tle powstał hard bop, powracający do tradycyjnych ludowych intonacji, wyraźnej rytmiki i improwizacji. Styl ten rozwinął się w połączeniu z takimi dziedzinami jak soul jazz i jazz funk. Przede wszystkim zbliżyli muzykę do bluesa.
Darmowa muzyka
W latach 60. przeprowadzano różne eksperymenty i poszukiwanie nowych form. Rezultatem jest jazz-rock i jazz-pop, połączenie dwóch różne kierunki, a także free jazz, w którym wykonawcy całkowicie odmawiają regulowania schematu rytmicznego i tonu. Wśród muzyków tamtych czasów Ornette Coleman, Wayne Shorter, Pat Metheny zasłynęli.
radzieckiego jazzu
Początkowo występowały głównie radzieckie orkiestry jazzowe tańce modowe takich jak fokstrot, charleston. W latach 30. XX wieku coraz większą popularność zaczyna zdobywać nowy kierunek. Mimo dwuznacznego stosunku władz sowieckich do muzyki jazzowej nie została ona zakazana, ale jednocześnie ostro skrytykowana jako przynależność do kultury zachodniej. Późne lata 40 zespoły jazzowe i byli prześladowani. W latach 50. i 60. wznowiono działalność orkiestr Olega Lundstrema i Eddiego Rosnera, a nowym kierunkiem zainteresowało się coraz więcej muzyków.
Nawet dzisiaj jazz stale i dynamicznie się rozwija, istnieje wiele kierunków i stylów. Ta muzyka wciąż pochłania dźwięki i melodie ze wszystkich zakątków naszej planety, nasycając ją coraz większą ilością kolorów, rytmów i melodii.
Jazz to kierunek w muzyce charakteryzujący się połączeniem rytmu i melodii. Osobną cechą jazzu jest improwizacja. Kierunek muzyczny zyskał popularność dzięki niezwykłemu brzmieniu i połączeniu kilku zupełnie różnych kultur.
Historia jazzu rozpoczęła się na początku XX wieku w Stanach Zjednoczonych. W Nowym Orleanie tradycyjny jazz nabrał kształtu. Następnie w wielu innych miastach zaczęły pojawiać się nowe odmiany jazzu. Pomimo całej różnorodności brzmień różnych stylów, muzykę jazzową można od razu odróżnić od innego gatunku ze względu na jej charakterystyczne cechy.
Improwizacja
Improwizacja muzyczna to jedna z głównych cech jazzu, obecna we wszystkich jego odmianach. Wykonawcy tworzą muzykę spontanicznie, nigdy nie myślą z wyprzedzeniem, nigdy nie ćwiczą. Granie jazzu i improwizowanie wymaga doświadczenia i umiejętności w tej dziedzinie muzykowania. Ponadto jazzman musi pamiętać o rytmie i tonacji. Relacje między muzykami w grupie mają niemałe znaczenie, ponieważ powodzenie powstającej melodii zależy od wzajemnego zrozumienia nastrojów.
Improwizacja w jazzie pozwala za każdym razem stworzyć coś nowego. Dźwięk muzyki zależy tylko od entuzjazmu muzyka w momencie gry.
Nie można powiedzieć, że jeśli w spektaklu nie ma improwizacji, to już nie jest jazz. Ten rodzaj muzykowania trafił do jazzu ludów afrykańskich. Ponieważ Afrykanie nie mieli pojęcia o nutach i próbach, muzyka była przekazywana sobie nawzajem tylko poprzez zapamiętywanie jej melodii i tematu. I każdy nowy muzyk mogli już grać tę samą muzykę w nowy sposób.
Rytm i melodia
Drugą ważną cechą stylu jazzowego jest rytm. Muzycy mają zdolność do spontanicznego tworzenia dźwięku, ponieważ ciągłe pulsowanie daje efekt ożywienia, gry, podniecenia. Rytm ogranicza również improwizację, wymagając wydobywania dźwięków według zadanego rytmu.
Podobnie jak improwizacja, rytm przybył do jazzu z kultur afrykańskich. Ale ta funkcja jest główna cecha przepływ muzyczny. Pierwsi wykonawcy free jazzu całkowicie zrezygnowali z rytmu, aby mieć całkowitą swobodę w tworzeniu muzyki. Z tego powodu nowy kierunek w jazzie przez długi czas nie był rozpoznawany. Rytm zapewniają instrumenty perkusyjne.
Z kultury europejskiej jazz odziedziczył melodyjność muzyki. To właśnie połączenie rytmu i improwizacji z harmonijną i łagodną muzyką nadaje jazzowi niezwykłe brzmienie.