Dołączam również do ten film stary artykuł z pierwszej wersji kursu o kompozycjach narzędzi
Aby stworzyć prawidłową aranżację, należy przede wszystkim jasno zrozumieć, jaką funkcję pełni instrument muzyczny w tkance muzycznej dzieła. Dla lepszej orientacji wszystko instrumenty muzyczne podzielone na kilka grup. Każda grupa ma inne funkcje.
Każda grupa instrumentów ma swoje własne, ustalone zasady tworzenia partii, które brzmią dobrze w każdym stylu. Ponieważ w każdym stylu muzycznym istnieją bardzo różne kompozycje instrumentów i nie można ich wszystkich uwzględnić w tym artykule, rozważymy najczęstsze kompozycje i grupy instrumentów.
Wprowadzenie takiej definicji jest konieczne po pierwsze dlatego, że jest to historycznie ugruntowany rodzaj kompozycji. Po drugie, pomaga w jakiś sposób uporządkować ogromną liczbę zespołów, jakie można zorganizować w ramach danej grupy.
Przyjrzyjmy się teraz najczęstszym grupom narzędzi: 
Podstawą większości nowoczesnych aranżacji jest grupa -.
Diagram przedstawia klasyczną kompozycję: perkusja, bas, gitara, fortepian.
Z innych grup instrumentów bardzo ważne mają instrumenty dęte blaszane, smyczkowe i elektroniczne.
Główną funkcją tych instrumentów jest tworzenie pedałów oraz różnego rodzaju kontrapunktów, czyli solówek. Sporadycznie biorą także udział w organizacji, jednak z reguły pełnią funkcję mieszaną (tj. pełnią zarówno rolę instrumentu solowego, jak i rytmicznego)
Grupy instrumentów takie jak instrumenty dęte drewniane, perkusyjne pewna wysokość dźwiękowe itp. występują głównie w orkiestrowych kompozycjach instrumentów, ale chciałbym zauważyć, że współczesne aranżacje bardzo charakteryzują się użyciem tych instrumentów w nieoczekiwanym otoczeniu kompozycji kameralnych (na przykład flet, ksylofon, gitara, bas, perkusja).
Zatem rozpoczynając pisanie aranżacji ustalcie jaki skład instrumentów posiadacie lub jaki skład instrumentów odpowiada figuratywnej strukturze muzyki.
To bardzo ważny punkt.
Początkujący kompozytorzy i aranżerzy z reguły starają się używać wszystkich instrumentów, na które nauczyli się już pisać. Np. nie ma nic gorszego niż wkładanie strun, bębnów itp. w każde z nich w odpowiednim miejscu i nie na swoim miejscu. Przypomina to sytuację instrumentalisty, który stara się pokazać w jednym utworze całą posiadaną technikę.
Zasadniczo nie ma tajnych technik aranżacji i kompozycji. Główny sekret to jest umiar. Jeśli posłuchacie najwybitniejszych aranżacji, dostrzeżecie tylko jeden schemat – umiejętne wykorzystanie wyselekcjonowanych wcześniej zasobów.
Ponieważ muzyka daje nam nieograniczoną liczbę możliwości, umiejętność ograniczania się jest pierwszym krokiem w kierunku tworzenia dźwięku wysokiej jakości.
Zapisz na kartce papieru liczbę instrumentów, ich nazwy i rolę, jaką będą one odgrywać w Twojej aranżacji.
Zadanie: posłuchaj ulubionej muzyki i spróbuj sklasyfikować kompozycję, grupy instrumentów oraz prześledzić, jakie funkcje pełnią.
1) Sposoby i metody mocowania roślin w aranżacji. Narzędzia i materiały pomocnicze.
2) Naczynie jako element aranżacji.
3) Przygotowanie materiał roślinny.
4) Kwiaty suszone: techniki konserwacji i przetwarzania roślin.
Aranżacja kwiatowa to tworzenie różnorodnych kompozycji ze świeżych i suszonych kwiatów oraz innych części roślin, kory drzew, nasion i innych podobnych materiałów.
Kompozycja kwiatowa może pełnić funkcję dodatku do prezentu lub samego prezentu.
Materiały do mocowania roślin.
1) Gąbka kwiatowa(oaza) występuje w dwóch rodzajach: dla roślin żywych – zielonych oraz dla kwiatów sztucznych i suszonych – brązowych lub szarych. Zalety: łodygi roślin można mocować pod dowolnym kątem, zmniejszone jest ryzyko zgnilizny wodnej. Oazy dla świeżych kwiatów nie można na siłę zanurzać w wodzie, na powierzchnię wody kładzie się suchy blok, aż do całkowitego nasiąknięcia wodą.
2) Urządzenia do mocowania: tatuaże, drut, siatka druciana, podkładki z mchu, uchwyty do otworów. Jednocześnie można również użyć mokrego piasku, żwiru, plasteliny, tynku, szpachli okiennej i lejków.
· Tatuaże (kenzan) – służą do zabezpieczania oaz i są ołowianym okręgiem z pionowymi kolcami. Jeśli kompozycja jest bardzo duża i stosuje się kilka oaz, wówczas łączy się je kilkoma spinkami do włosów. Z kolei tatuaże mocuje się do naczynia specjalną masą lub plasteliną.
Gałęzie i łodygi można montować bezpośrednio na tatuażach.
- Drut i siatka druciana – łodygi niektórych roślin owija się drutem, aby je wzmocnić, aby nie mogły się wygiąć i zakłócić kompozycji. Jeśli jest dołączony do oazy duża liczba rośliny lub same rośliny są ciężkie, wówczas przed ich zamontowaniem na ich powierzchni układana jest siatka kwiatowa, która zapobiega zniszczeniu oazy pod ich ciężarem. Stanowi również wygodny uchwyt w wysokich wazonach z szeroką lub wąską szyjką. Siatkę wycina się w kształcie kwadratu, krawędzie zagina się na obwodzie szyi, wkłada do środka lub mocuje na zewnątrz. Zamiast siatki można zastosować kratki z gałązek, które przewiązuje się drutem, wstążką, rafią lub przykleja i mocuje do wazonu taśmą. Również zapięcie wykonane z gałązek może stanowić niezależny element dekoracyjny kompozycji.
- Podkładki mchowe - wykonane z zwilżonego mchu torfowca, uformowane w półkulę i owinięte drutem dla lepszego zabezpieczenia kwiatów. Podkładkę umieszcza się w wodzie na kilka minut i umieszcza w naczyniu. Za pomocą ostrego patyka wykonaj w nim wgłębienia, w które wbija się rośliny pod żądanymi kątami.
- Hydrożel to specjalny polimer pochłaniający wodę. Objętość absorbowanej wody jest kilkadziesiąt razy większa niż objętość samego polimeru. Hydrożel ma różne odcienie i wyrazisty połysk. Stopniowo, dozowo uwalniają wodę do roślin, zapobiegając gniciu.
- Uchwyty do otworów to płytki różne kształty o grubości kilku mm, w których wycinane są otwory. Mogą być ceramiczne, plastikowe, metalowe. Płytki te służą do przykrycia naczyń, do których wlewa się wodę, a do otworów wkłada się rośliny.
Narzędzia i materiały pomocnicze: sekatory, nożyczki, nóż do kwiatów, kilka rodzajów drutu, małe szczypce, drewniane patyczki do wzmacniania łodyg, plastelina lub szpachla okienna, plastikowe torby, taśma, probówki, styropian, papier pakowy, oplot, barwniki, klej, karton, żyłka.
Statek może być różne kształty, kolorystyki i wykonane z wszelkiego rodzaju materiałów, najważniejsze jest, aby podkreślało piękno kompozycji, nie dominując i nie przyćmiewając jej. Wybór pojemnika zależy od charakteru składu, tekstury i koloru materiału roślinnego, tła, przeznaczenia i sposobu montażu.
1) Wazon- jest to naczynie, którego wysokość jest równa lub większa niż szerokość, zwykle z węższą szyjką, do robienia bukietów i kompozycji lepiej kupować wazony proste, skromne, w przyćmionych kolorach. Harmonijnie łączone z kwiatami dowolnego koloru, naczyniami wszystkich odcieni brązu i zielone kwiaty, a także biały i czarny. Do zimowych bukietów lepiej nadają się wazony w jaskrawych kolorach lub wazony ozdobione różnorodnym malowaniem lub modelowaniem.
Do prostych, skromnych kwiatów wybiera się proste wazony z nieszkliwionej gliny, naczynia drewniane i wiklinowe kosze ze słomy lub wierzby.
Kwitnące gałęzie, a także suche gałęzie i gałęzie z jagodami, bukiety roślin owłosionych, trawy łąkowe, turzyce, trzciny dobrze komponują się z ceramiką.
Bukiety zbóż lepiej wyglądają w szklanych wazonach.
W przypadku dużych, ciężkich kwiatów (dalii, chryzantem) lepiej wybrać masywne, szorstkie wazony ceramiczne.
Goździki, róże, orchidee, anturium umieszcza się w drogich wazonach lub ręcznie robionych metalowych wazonach.
Kwiaty o bezlistnej cienkiej łodydze (gerbera, rumianek), a także wdzięczne, delikatne kwiaty umieszcza się w porcelanowych lub szklanych wazonach.
Nisko rosnące rośliny lub kwiaty o krótkiej łodydze (fiołki, przebiśniegi, pierwiosnki, muscari, konwalie) umieszcza się w niskich płaskich wazonach lub małych kieliszkach do wina wykonanych z dymionego kryształu lub szkła.
Zasada wyboru wazonu:.
1) Najbardziej główna zasada– zasada analogii: kształt bukietu powinien albo powtarzać kształt wazonu, albo go kontynuować.
2) W smukłym, wysokim wazonie nie można umieszczać bukietów o okrągłym kształcie, kompozycję należy nadać jednakowo wydłużonemu kształtowi, dobierając rośliny o smukłych łodygach.
3) Wysoki wazon z szerokimi ustami nadaje się do jednostronnego bukietu z dobrze zaprojektowaną przednią częścią
4) Do krótkiego i szerokiego bukietu niezbędny jest niski i szeroki wazon.
Jeśli wazon wymaga „wpasowania” w nakrycie stołu, powinien być wykonany z tego samego materiału co naczynia.
5) Dzbanki – nadają się do tworzenia antycznych kompozycji i bukietów kuchennych
6) Kosze – najczęściej stosuje się kosze tkane naturalne materiały(winorośl, bambus). Wielkość kosza powinna odpowiadać wielkości roślin i materiału. Tkanie powinno być ciasne.
Taca to płaskie naczynie z podwyższonymi krawędziami. Służy do tworzenia kompozycji na stole.
Inne przedmioty - patelnie, chochle, dzbanki na mleko, czajniki, cukiernice, duże muszle, drewno wyrzucone na brzeg, zabawki dla dzieci, wazony z owocami itp.
Pojemnik pokrojonych arbuzów, melonów i cukinii.
Stojaki na wazony - wykonane z kawałków drzew, korzeni, grubych kawałków kory, płyt łupkowych, kamieni itp.
Kwiaty są cięte pod węzłem liściowym, pod kątem ostry nóż. Podczas używania tępego noża tkanki łodygi marszczą się, co uniemożliwia wnikanie wody. Liście są usuwane z dolnej części łodygi, która szybko gnije w wodzie. Nie robi się tego w przypadku róż i chryzantem, ponieważ... ich liście wchłaniają wodę, cierni i kory nie można usunąć. Aby zapewnić lepszą absorpcję wody, dolne cięcie jest odnawiane pod bieżącą wodą. Jeśli łodygi rośliny podczas cięcia wydzielają mleczny sok (mak, wilczomlecz, dalia, cynia), wówczas sekcje traktuje się płomieniem lub zanurza we wrzącej wodzie, a następnie umieszcza sekcje w zimna woda. Łodygi roślin cebulowych należy przycinać na zielono, ponieważ... Niepomalowana część łodygi nie wchłania dobrze wody i należy ją usunąć. Jesienne gałęzie i bambus nasączone są stężonym roztworem cukru, dzięki czemu nabiorą połysku i wytrzymają długo. Napar z kudły wstrzykuje się do łodyg lilii wodnych, dzięki czemu kwiat pozostaje otwarty i zachowuje trwałość przez długi czas. Stokrotki są traktowane solą. Cząsteczki kurzu są usuwane z lilii, tulipanów i niektórych innych kwiatów.
rośliny, ponieważ substancje wydzielane przez niektóre rośliny są toksyczne dla innych.
Niekompatybilne: goździki i róże; groszek i róże; ciemnoczerwone róże i róże herbaciane; konwalie i fiołki; konwalie i bez; lilie i stokrotki; lilie i maki; lilie i chabry; maki i orchidee; niezapominajki i tulipany; tulipany i żonkile; tulipany i konwalie; żółte pierwiosnki i muscari; pierwiosnki żółte i inne pierwiosnki.
Tak... Jest temat, o którym można rozmawiać dużo i długo, a po rozmowie nie można ruszyć się ani na krok. Pytanie „jak się umówić” stwarza beznadziejny impas. Zaczynasz zadawać sobie pytanie – jak wytłumaczyć komuś, jak to należy zrobić, skoro praca nad aranżacją wymaga nie tylko komputera z mnóstwem oprogramowania, a nawet studia pełnego syntezatorów i przetwarzania. To wymaga czegoś innego – gustu, wiedzy, słuchu, doświadczenia muzycznego, doświadczenia… No cóż, oczywiście ważne jest też przyzwoite pomieszczenie, odpowiednia kontrola i wysokiej jakości środowisko do nagrywania.
Jest więc mało prawdopodobne, że w ciągu kilkudziesięciu kolejnych akapitów i kilku tysięcy słów uda mi się dokładnie opisać algorytm tworzenia układu. Co więcej, nie jestem w stanie dać jednoznacznych zaleceń, co należy zrobić, aby Twoją aranżację od razu można było usłyszeć we wszystkich stacjach radiowych. Ale wciąż mogę ci coś powiedzieć. A to pozwoli Ci uniknąć najczęstszych błędów. No wiadomo, jak w przysłowiu – czysto jest nie tam, gdzie się myją, ale tam, gdzie nie śmiecą. O tym mniej więcej będziemy mówić – w większym stopniu nie o tym, co robić, ale o tym, czego nie robić.
Czyli najczęstsze problemy, z którymi musi się zmierzyć przeciętny aranżer i w związku z tym je rozwiązać.
Na początek musimy jasno zrozumieć, że aranżacja nie jest dziełem. Ten oprawę pracy, sposób jej przedstawienia. Warto zatem zastanowić się, czy treść odpowiada formie, jaką jej nadasz? Na przykład weź piosenkę z gatunku chanson i spróbuj zrobić z niej dyskotekę. Możliwe jest oczywiście, że skończy się na czymś a la disco, ale dla miłośników chanson będzie to policzek, a miłośnicy gatunków tanecznych najprawdopodobniej po prostu zignorują Twoją perełkę.
Wybierz gatunek, w którym piosenka będzie słuchana tak autentycznie i harmonijnie, jak to możliwe. Nie ma potrzeby udawać rosyjskiej piosenki o okrągłym tańcu jako bossa novy; nie ma potrzeby tworzenia kołysanki z heavy metalu. Nie, jeśli twoim celem są eksperymenty, to oczywiście flaga jest w twoich rękach. Ale tutaj będziemy mówić o mniej więcej standardowym, „akademickim” podejściu.
Następnie zastanów się, czy wybrany materiał jest wart spędzania nad nim dni i nocy, próbując doprowadzić go do stanu „przed hitem”. Zwróć uwagę na dane źródłowe. Czy tekst jest dobry? Czy muzyka jest interesująca? Jeśli tekst jest pełen błędów, szablonów i pomyłek, to najprawdopodobniej nawet przy najlepszym układzie końcowy wynik dla wielu będzie negatywny. Jeśli przekaz muzyczny jest słaby i nieciekawy, można oczywiście poćwiczyć podstawienia harmoniczne, przepisać większość linii melodycznych itp., ale pytanie brzmi: czy warto? Może łatwiej będzie zająć się czymś innym lub wymyślić Nowa piosenka od zera?
Oczywiście jeśli mówimy o o realizacji zamówienia handlowego na układ - będziesz musiał to znieść. I walnij głową w ścianę, próbując ją zabłysnąć i wyciągnij cios szczypcami ze smutnej, szarej masy dźwiękowo-literowej. Być może nawet uda ci się zrobić hit ze złej piosenki, ale nigdy nie będziesz w stanie uczynić jej dobrą. Oznacza to, że piosenka „zaśpiewa swój własny” w radiu i na imprezach firmowych i zostanie bezpiecznie zapomniana. Jeśli sprawa sprowadza się do pieniędzy, to niech ją Bóg błogosławi. Ale jeśli ma miejsce kreatywne podejście, staje się smutne…
Za dużo nie znaczy dobrze
Jednym z głównych problemów każdego aranżera – niezależnie od tego, czy doświadczonego, czy początkującego – jest trudność spojrzenia na swoją pracę uporządkowanym, świeżym spojrzeniem. A raczej ucho. Wymyślamy grę, doprowadzamy ją do stanu naszym zdaniem idealnego, a potem zaczynamy wymyślać coś innego. A pierwsza partia kręci się, kręci, kręci i z biegiem czasu tak się do tego przyzwyczajamy, że zaczynamy zapominać, że istnieje. Tworzymy coraz więcej gier. I do każdego z nich przywykliśmy. I wszyscy uważamy, że aranżacja brzmi słabo, że nasze umiejętności nie zostały jeszcze ujawnione, można to zrobić lepiej, ciekawiej, mocniej! I nikt nie doceni naszego geniuszu, jeśli nie dodamy tu jeszcze jednego instrumentu, a tu dwóch, trzech.
W pewnym momencie przychodzi świadomość, że muzyka nie może już oddychać. Umieściliśmy w nim tak wiele pomysłów, dźwięków, części i głosów, że nie było jasne, które z nich jest muzyką. Zaczynamy pamiętać - cóż, na samym początku wpadłem na „genialny ruch”, ale gdzie on jest? I cóż, został zablokowany przez inny „wspaniały fragment” lub zaginął pomiędzy tymi dwiema „wspaniałymi sekwencjami” lub pomiędzy stu czterdziestoma trzema głosami „oszałamiającego chorału”. I nadal dobrze jest, jeśli ta świadomość rzeczywiście się pojawi. Bo w większości przypadków bez interwencji z zewnątrz aranżer nigdy nie zrozumie, że „tego” nie da się posłuchać.
Co więc powinniśmy teraz zrobić? Trzeba się czegoś pozbyć... Tylko czego? I to jest dobre, i to jest świetne, to jest obraźliwe i żałosne, i tyle czasu zostało zmarnowane...
Nie zmuszaj go do wytężania uszu, próbując zrozumieć, co gdzieś słychać. Nie próbuj wypełniać każdej pauzy jakimś dźwiękiem. Jeśli wątpisz w potrzebę imprezy, zdecydowanie nie jest ona potrzebna. Na koniec pozwól kilku przyjaciołom posłuchać Twojej pracy pośredniej i poproś ich, aby ją skrytykowali. I pamiętaj, aby uderzyć się w dłonie.
Sprzedawaj wysoko
Często się to zdarza - wymyśliliśmy ruch, który naszym zdaniem jest interesujący, lub zaprojektowaliśmy bardzo piękny dźwięk na syntezatorze. Wstawili go po drugiej linijce. Słuchaliśmy – bardzo dobrze. I myślimy – co jeśli ktoś nie usłyszy tego ruchu lub dźwięku? Dodajmy go jeszcze raz po trzeciej linijce i zabezpieczmy po czwartej. I w ogóle, skoro tak bardzo „naciska” w zwrotce, czy można go wepchnąć do refrenu? Cóż, przynajmniej kilka razy? A potem w mostku, we wstępie, w kodzie...
I tak – nie jednym dźwiękiem, a wieloma. Co w efekcie otrzymamy? Bryłka, którą znaleźliśmy okazała się kawałkiem granitu, a dokładnie te same leżą wszędzie i zawsze pod naszymi stopami, a my jesteśmy zbyt leniwi, żeby się dla nich pochylić...
Bardzo ważne jest podkreślenie najbardziej udanych momentów aranżacji. Przynieś je słuchaczowi. Ale ważne jest również, aby nie napychać go papką marchewkową na śniadanie, lunch i kolację siedem dni w tygodniu.
Zatem wskazówka trzecia. Sprzedawaj mało, ale sprzedawaj wysoko. Powtórz swój udany ruch w innym wersecie lub jeszcze lepiej, w całym wersecie. Pozwól słuchaczowi odtworzyć piosenkę jeszcze raz od początku, aby jeszcze raz usłyszeć dokładnie ten moment.
Przykuć uwagę
Ludzki słuch jest częścią złożonego mechanizmu, częścią układu nerwowego. To nie tylko uszy z otworami, które wychwytują pulsację basu i przekazują rytmiczne polecenia do kończyn, aby „Twitch!” (a nawiasem mówiąc, wiele z nich jest nieregularnych).
Zadaniem aranżera jest pobudzać uwagę słuchacza, nie pozwól mu się nudzić, dorzucaj co jakiś czas pyszne wtrącenia dźwiękowe, dzięki którym nie będzie przełączał utworu.
Ludzka psychika jest zbudowana w ten sposób - uwaga trwa od 15 do 30 sekund na jednym obiekcie, po czym następuje uzależnienie, a mózg zaczyna szukać nowych wrażeń i doznań. Wiedząc o tym, wykorzystaj to. Masz wiele środków wyrazu: harmonia, rytm, tempo, rozwiązania brzmieniowe, dynamiczne akcenty i spadki, echa melodyczne, efekty specjalne, przetwarzanie przestrzenne, modulacja (zarówno w muzycznym sensie teoretycznym, jak i w sensie projektowania dźwięku) i tak dalej . Przestrasz słuchacza, rozśmiesz go lub wymyśl coś własnego. Twoim zadaniem jest jego uwaga.
Ale ważne, żeby nie przesadzić! Nie ma potrzeby tworzenia mozaiki z muzyki, chyba że otrzymasz właśnie takie zadanie techniczne.
Ogólnie rzecz biorąc, wskazówka czwarta. Nie idź na pustynię z puszką coli w nadziei, że po kilku wydmach natkniesz się na stragan. Krótko mówiąc, zaprojektuj w utworze elementy stymulujące uwagę, aby zapobiec zasypianiu słuchacza z nudów.
Unikaj klisz
Dawno, dawno temu, studiując w ramach kursu kompozycji u wspaniałej nauczycielki i kompozytorki Poliny Viktorovnej Medyulyanovej, usłyszałem od niej doskonałe zdanie, które zapamiętałem na zawsze. Zapamiętałem wiele rzeczy, które powiedziała, ale to zdanie utkwiło mi w pamięci. „Kiedy kompozytor nie ma nic do powiedzenia, używa skala chromatyczna lub zmniejszony akord septymowy.” W tym zdaniu skupia się smak i mądrość muzyczna. I oczywiście oznacza to nie tylko same prymitywne środki wyrazu, którymi są wymienione elementy, ale także wiele innych standardowych gadżetów. Gadżety te można powiązać zarówno z kompozycją, jak i aranżacją, gdyż aranżacja niemal koniecznie uwzględnia początek kompozytora.
Pozwól, że trochę wyjaśnię. Niektóre elementy szablonu są bardzo przydatne, gdy jest to tego warte Szczególnym zadaniem i musi zostać ukończona w krótkim czasie. Na przykład proszą kompozytora o napisanie „łzawej piosenki o miłości” - trafia to w sedno „ złota sekwencja", standardowa rewolucja harmoniczna (przykład - Dm – G – C – F – Hm ♭ 5 – E7 – Am). W takich przypadkach szablony pomagają zadowolić wszystkich - klient jest zadowolony („co za genialny kompozytor!”), Kompozytor jest najedzony.
Ale nadal jest raczej szczególny przypadek, chociaż dość powszechne. I często muzyk, który wymyślił piosenkę, chce sam ją zaaranżować, co oznacza, że traktuje ten proces nie jako rzemiosło, ale jako twórczość. Ale kreatywność również musi mieć ścisłe granice, a jeśli w tych granicach zostaną naruszone jakiekolwiek zasady, to właśnie te naruszenia muszą być świadome i uzasadnione. Musisz więc przyjąć zasadę unikania szablonów i stereotypów, aby nie narazić się na krytykę ze strony innych muzyków, którzy są gotowi porównać Cię z jakimkolwiek śpiewającym tchórzem w telewizji.
Jakie są więc stereotypy w aranżacji? Jest ich wiele. Być może coś Cię irytowało nie raz w „hitach” w radiu. Na przykład ostatnie 3-4 słowa piosenki wypowiedziane żałosnym szeptem. Tak, tak, praca z głosem to też układ. A jeśli każdy aranżer zawsze robi przerwę pauzą (czasem zatrzymania) wypełnioną słodkimi szeptami przed ostatnim akordem, żartownisie z klubu komediowego wkrótce zaczną o tym mówić.
Innym przykładem wzorca jest użycie „ Efekt Cher„na głos. Dawno, dawno temu pod koniec lat 90. piosenkarka Cher wykonała znakomitą piosenkę Believe i wielu słuchaczy było zachwyconych sposobem, w jaki miejscami przetwarzano jej głos. Od tego czasu nawet najbardziej zamglony prowincjonalny producent uważa za swój obowiązek wepchnięcie takiego efektu do dowolnej piosenki, najwyraźniej uznając to za oznakę tworzenia hitów i umiejętności. Zasadniczo to przetwarzanie głosu nie jest niczym innym jak efektem ubocznym strojenia wokalu, a w wielu przypadkach jest raczej wadą. Ale nic nie da się zrobić – moda jest modą i na wszystkich kanałach muzycznych w każdym filmie widzimy i słyszymy piosenkarzy z „skręceniami” więzadeł, którzy zamiast śpiewać wydają dziwne dźwięki z macicy. Co więcej, teraz, po półtora dekadzie, efekt ten nie pojawia się sporadycznie. Czasami po włączeniu „twardego” strojenia śpiewany jest cały utwór.
Innym możliwym wzorem jest modulacja. Mówimy o modulacji tonu w w tym przypadku. Niemal zawsze modulacja jest przyznaniem się do własnej nieadekwatności jako aranżera. Kiedy aranżer sobie to uświadomi piosenka jest włączona do samego końca, ale brakuje już pomysłów na rozwinięcie i doprowadzenie do kulminacji – stosuje oklepaną, sprawdzoną technikę. I co? Bardzo dobry! Skopiuj jedną zwrotkę i refren, a potem jeszcze raz i podnieś wszystko o pół tonu lub tonu. Biznes na 15 sekund. Ale z jakiegoś powodu wszyscy zapominają, że modulacja jest środki wyrazu, co wymaga takiego samego ostrożnego podejścia, jak wymyślanie melodii, rozwijanie sekcji rytmicznej lub.
Istnieją pojedyncze przykłady twórczego wykorzystania modulacji w muzyce popularnej.
Ella Fitzgerald, wykonując Mack The Knife – przez cały utwór stale podnosiła tonację. Znaczenie tego nie leży w technice aranżacji, ale w metodzie wykazać zdolności wokalne najwspanialszy śpiewak.
Często robiłem to samo Freddiego Mercury'ego w piosenkach Queen i jego praca solowa. Wycie na górze przez cały utwór jest nieestetyczne, ale grzechem jest także kontrolowanie niezwykłych możliwości wokalnych. Dlatego w piosenkach często stosowano modulację, i to nawet nie o półton lub ton, ale także w szerszych odstępach czasu. Bardzo dobry przykład- piosenka Dave'a Clarka Time w wykonaniu Mercury. Napisany na potrzeby musicalu utwór uwzględnił charakterystykę wokalu piosenkarza i zaczynając od G-dur, pod koniec brzmi wielkoformatowo w C, wznosząc się o kwartę. Naturalnie, oprócz przejścia do samej tonacji, zastosowano inne sposoby podkreślenia napiętego ruchu w stronę kulminacji - odgrywanie, nasycenie partiami chóralnymi, tutti orkiestrowe i tak dalej.
Piosenka, która stała się bardzo popularna dzięki innemu musicalowi Piękność– kolejny przykład doskonałego opanowania technik modulacyjnych i subtelnego smaku kompozycyjnego. Riccardo Cocciante oczywiście mistrz w swoim fachu, co kilka taktów podnosi tonację o tercję małą w górę, zamykając płaszczyznę tonalną w ten sam zmniejszony akord septymowy, który teraz brzmi och, jakże niebanalnie.
Nawiasem mówiąc, nie możemy nie pamiętać naszych rodaków - piosenki „ Chistye Prudy» Dawid Tuchmanow, który stał się popularny w wykonaniu Igor Talkow. Zaczynając od C#m, następnie, pozornie prymitywnie, przechodzi się do Dm. I nie byłoby w tym nic niezwykłego, gdyby na samym końcu, podczas smutnego i dramatycznego solo na akordeonie, nie nastąpiła nagle niepokojąca pauza i tonacja nie wróciła z powrotem do C#m. Jak tego dokonano - Możesz znaleźć i odsłuchać to nagranie. To jest po prostu arcydzieło.
Modulacja jest dość wyraźna. Nie rób tego, jeśli tego nie potrzebujesz. Musi rozwiązywać problemy artystyczne, ale w żadnym wypadku nie być celem samym w sobie.
Skale chromatyczne, zmniejszone akordy septymowe, zatrzymanie czasu szeptem – z tym wszystkim też trzeba zachować szczególną ostrożność.
O kilku innych kliszach pisałem też w artykule o. Tekst jest także częścią pieśni i praca nad tekstem, nad jego rytmem, nad jego melodyjnością odbywa się w ten sam sposób. Być może ten artykuł będzie również dla kogoś przydatny.
Ogólnie rzecz biorąc, wskazówka numer pięć. Lustra są bezużyteczne w pomieszczeniu bez światła. Używaj dostępnych środków wyrazu tylko wtedy, gdy są one uzasadnione. Za każdym razem zadawaj sobie pytanie: „Dlaczego to robię?”
Podstawowe zasady
I trochę więcej o tym, jakich podstawowych zasad należy przestrzegać pracując nad aranżacją.
Zasada kontrastów
Zasada kontrastu leży u podstaw każdej formy sztuki. Malarstwo, literatura, muzyka, kino – są wszędzie kontrastujące linie. Martwa natura – jasne owoce na monotonnym tle. W filmach i powieściach - pozytywnych i negatywni bohaterowie, teksty i przejmująca fabuła. Podobnie jest w muzyce – nie zapominajmy o kontrastach.
Zwrotka jest wykończona, refren jest zabójczy. Czy piosenkarka ma niską barwę głosu? Dodaj subtelny, wysoki dźwięk solo w przerwach między frazami. Sekcja rytmiczna? W zwrotce hi-hat – w refrenie ride, w zwrotce side stick – w refrenie werbel z rim shotem.
Zasada rozwoju
Nie zapomnij o Złoty podział , którego zasady najwyraźniej sformułował m.in Leonardo da Vinci w swoim Człowieku witruwiańskim. Aby zrozumieć, w jaki sposób zasada złotego podziału jest realizowana w muzyce, nie trzeba studiować twórczości da Vinci (choć z punktu widzenia wszechstronnego rozwoju jest to bardzo przydatne). Wystarczy zrozumieć, że ten właśnie punkt znajduje się mniej więcej w trzeciej ćwiartce Twojego dzieła. Mniej więcej w tym momencie powinieneś zrobić wszystko, aby rozwój osiągnął punkt kulminacyjny. To właśnie w tej części zdarza się to najczęściej punkt kulminacyjny, po czym następuje rozkład trwający około jednej czwartej produktu.
Nie zapomnij też o stopniowaniu rozwój z wiersza na wiersz. Co więcej, rozwój nie musi oznaczać zagęszczania tkanki czy dodawania innych narzędzi. Być może znajdziesz własną drogę rozwoju.
Czasami rozwój może być prawie niezauważalny. Cóż, powiedzmy, że dodaliśmy jedno wypełnienie perkusyjne lub daliśmy trochę więcej opóźnienia lub pogłosu na wokalu. Albo uruchomili jakiś jednorazowy efekt specjalny. Generalnie zrobiliśmy jakiś krok do przodu.
Często aranżerzy używają pianina lub gitary jako akompaniamentu w pierwszej zwrotce, dodają bas i perkusję w drugiej, przesterowaną gitarę lub syntezatory w refrenie i tak dalej. To też jest swego rodzaju szablon, ale jest to, że tak powiem, klasyka, a klasyka, jak wiemy, nie traci na aktualności. To prawda, nie oznacza to, że każda aranżacja powinna być zbudowana dokładnie w ten sposób.
Jednym z najbardziej uderzających przykładów pracy nad rozwojem dzieła muzycznego jest piosenka grupy królowa zatytułowany Chcę to wszystko. Dość często przytaczam przykłady z twórczości tej grupy – po pierwsze ze względu na jej Wielka miłość do ich muzyki, a po drugie, ze względu na jej wyjątkową równowagę. Nie bez powodu „ klasyczny rock„- przestrzega prawie wszystkich praw muzyki klasycznej. Jak jednak już zauważyliście, nie publikuję ich wpisów, aby nie naruszać praw autorów. Każdy może sam zdecydować, gdzie i jak ich słuchać, ja tylko daję wskazówki. Gorąco polecam uważne przesłuchanie wskazanej kompozycji. Przykład genialnej dramaturgii, zbudowanej na zaledwie trzech, czterech akordach z niewielkimi odchyleniami. Są zmiany rytmów, płynne nasycenie zwrotek, zastosowanie różnych faktur akompaniamentu, potężne dramatyczne solówki na gitarze, wysokiej jakości opracowanie kody, wspaniała partia środkowa i ogólnie chorały - sama aranżacja jest dziełem sztuki .
Smukłość formy
Nie zapomnij także o formie muzycznej. O „trzeciej części”, o „mostach” (pisałem o tym we wspomnianym już artykule o tekście piosenki). Nie zapominaj, że czasami po szybkim rozwoju chcesz czegoś zrelaksowanego i abstrakcyjnego.
Studiuj, czytaj w Internecie, jakie istnieją formy dzieł muzycznych. Studenci muzyki instytucje edukacyjne tego uczą z grubej księgi” Analiza dzieł muzycznych» Mazela i Zuckermana. Jeśli to znajdziesz i opanujesz, będzie to duży plus. Ale nawet jeśli nie, przynajmniej zapytaj wyszukiwarki o główne typy formy muzyczne. Najczęstszymi formami w muzyce popularnej są pieśni ( AABA), zwrotka-refren ( ABAB), czasami używana jest także forma rondo ( ABAVAG Lub BAWAGA) lub prostą formę okresową ( AAA). Również doświadczeni kompozytorzy i aranżerzy posługują się rozwiniętą formą, w której oprócz zwrotki i refrenu występuje część łącząca - pomost ( ABCBBC). Jest mało prawdopodobne, że od razu będziesz chciał opanować techniki forma sonatowa Jeśli jednak zagłębisz się w to pytanie, może się to okazać całkiem przydatną wiedzą.
Po prostu wydaje się, że forma ma dla słuchacza niewielkie znaczenie. Jest naprawdę bardzo potężny środek psychoakustyczny do podświadomości. Naprzemienne partie wprowadzają słuchacza w rodzaj transu, urzekając i utrzymując jego uwagę. Jeżeli jedna z części jest za ciasna lub za krótka, może wypaść pożądany stan, rozpraszać i sprawić, że stracisz zainteresowanie muzyką.
W przypadku formy nie trzeba niczego wymyślać. Przez stulecia muzyczne umysły skrystalizowały „działające” wzorce, których możemy teraz po prostu używać. Schematy te oddziałują przede wszystkim na podświadomość, więc świadomie jest mało prawdopodobne, aby ktokolwiek oskarżył Cię o plagiat. Wręcz przeciwnie, jeśli ktoś nazwie Twoją pracę harmonijną w formie, możesz być pewien, że usłyszałeś bardzo pochlebną recenzję od profesjonalisty.
Oprzyrządowanie
Podstawy oprzyrządowanie leżeć w innym nauka muzyczna- V kontrapunkt. Wcześniej, gdy nie było tak różnorodnego instrumentarium, najczęściej rolą orkiestry (która, notabene, w klasycznym sensie też jeszcze nie istniała) były albo jedne organy, albo chór, albo np. klawesyn. A partie często dzieliły nie instrumenty, ale głosy, rejestry. Jest głos wyższy, środkowy, dolny... Najczęściej były cztery głosy - zgodnie z zasadą chorału (dwa głosy kobiet- sopran i alt oraz dwa męskie - tenor i bas). Potem zaczęły pojawiać się wynalazki i fugi o bardziej złożonych wzorach melodycznych, a co za tym idzie, często z mniejszą liczbą głosów (dwa lub trzy).
Naturalnie, gdy różne głosy grają na organach mniej więcej ten sam dźwięk, należy zadbać o czytelność tych głosów. W związku z tym partie ustawiano w szeregu według określonych przepisów (ścisłych pism), które zapewniały, że każdy głos będzie traktowany indywidualnie.
Teraz to środki muzyczne stały się niezwykle dostępne, aranżerzy skorumpowani tą okolicznością często dopuszczają chaos w swoich kreacjach. Nie ma żadnych ograniczeń zasobów - hamulec wewnętrzny również jest wyłączony. Rezultatem jest przeciążony i przesycony układ.
Wszelkie instrumentarium powinno opierać się na elementach kontrapunktu. Jednocześnie (najlepiej nie więcej!) powinny brzmieć następujące głosy:
— instrument solowy(wokal, gitara, syntezator);
- instrument harmoniczny (fortepian, smyczki, gitara lub ich zgrabna kombinacja);
— rytm (perkusja, perkusja, );
— bas (podstawa aranżacji, fundament);
— kontradodanie (głosy podrzędne, uzupełnienia, dodatkowa partia solowa).
Można do tego dodać ewentualnie różne efekty specjalne i wtedy trzeba się opanować, żeby nie przesadzić. Chórki nie powinny przytłaczać wokalu, powinny go wyróżniać. Instrumenty grupy harmonicznej nie powinny kolidować ze sobą ani w częściach, ani w rejestrach.
Czasami może brakować niektórych z wymienionych elementów. Czasami możesz przeplatać dodatkowe gry - ale główny materiał nie powinien być przeciążany.
Mówiąc obrazowo, jeśli śliczna kobieta zważyć to wszystko złotem - nie tylko nie będzie jeszcze lepsze, ale grozi upadek, połamanie nóg i uduszenie. Podobnie jest z muzyką. Udekoruj go łańcuszkiem, pierścionkiem i kolczykami, przeczesz, ubierz, załóż buty. I będzie pięknie. A jeśli to wszystko dekoracje – upadek.
Opinia inżyniera dźwięku
Pamiętaj, że po zakończeniu aranżacji utwór nie jest natychmiast wysyłany do radia. Aranżacja ta wymaga jeszcze nagrania, miksu i masteringu. Dlatego pracując nad umową, pomyśl o tych, którzy zastąpią Cię na stanowisku.
Jeśli wokalista ma trudności ze śpiewaniem, dobry występ nie zadziała. Śpiewacy to ludzie kruchi, najmniejsza rzecz działa im na nerwy, martwią się, nic z tego nie wychodzi... Jeśli aranżacja nie pozwala wykonawcy oddychać, to jest to zła aranżacja. Piosenkarz musi czuć się komfortowo. Wtedy zaśpiewa pięknie i z duszą. Wtedy słuchanie Twojej aranżacji będzie łatwiejsze i przyjemniejsze.
Jeśli inżynier miksujący na nagraniu uzna, że dopasowanie Twoich partii do miksu jest zbyt trudne, możesz pożegnać się z połową znalezisk, a on po prostu je wytnie. Ponieważ dobrze zmiksowana mniejsza liczba części jest lepsza niż źle zmiksowany zestaw dźwięków. Każdy aranżer powinien mieć przynajmniej pewną wiedzę na temat procesu miksowania. Wymyślając gry, trzeba się martwić, jaki będzie ich przyszły los.
Pamiętajmy o zgodności formy z treścią. Dobra piosenka jest dobrze zaaranżowana. Dobra aranżacja dobrze się komponuje. Dobrego produktu łatwo się słucha. Przepis, jak widać, jest prosty. Wszystko powinno być w porządku.
Bądź kreatywny
Generalnie tak jak mówiłem, pod koniec długiej rozmowy na temat układu można dojść do wniosku, że nigdzie się nie przeprowadziłeś. Tak naprawdę nie powiedziałem nic nowego ani tajnego; każdy, kto czytał ten artykuł, prawdopodobnie przyłapał się na myśleniu więcej niż raz: „ i już to wiedziałem! Tak, wszystko opisane jest logiczne i proste. Ale w tej prostocie trudność polega czasem na konieczności złożenia wszystkich tez w jedną całość, sensownego podejścia do procesu i uzyskania przewidywalnego rezultatu.
Mam nadzieję, że udało mi się jakoś usystematyzować wszystkie niezbędne informacje. Dobrze więc główna rada, który można podarować dowolnemu aranżerowi – posłuchajcie dobra muzyka, wchłoń to w siebie i, jeśli to możliwe, przeanalizuj. A wtedy żadne zasady i prawa nie odciągną Cię od kreatywności.
Osobno Chcę podziękować subskrybentom tego bloga i tylko czytelnicy. Bardzo mnie cieszy, że codziennie zagląda tu średnio 4-5set osób, a liczba abonentów w ciągu zaledwie kilku miesięcy już wzrosła zbliża się do setki. Postaram się ujawnić jak najwięcej ciekawych i istotnych tematów muzycznych. Mam nadzieję, że grono czytelników będzie się zwiększać. Jeszcze raz dziękuję wszystkim. Cóż, jeśli jeszcze nie subskrybowałeś, możesz to zrobić teraz.
Przy okazji chciałbym również zaprosić na mój profil wszystkich zainteresowanych dźwiękiem i syntezatorami
Artykuł ten poświęcony jest badaniu najczęstszych błędów, jakie popełniają początkujący kompozytorzy podczas tworzenia muzyki/aranżacji Orkiestra symfoniczna. Jednak błędy, które zostaną omówione, są dość powszechne nie tylko w muzyka symfoniczna, ale także w aranżacjach muzyki pop, rock itp.
Wyróżnia się dwie grupy błędów charakterystycznych dla kompozytorów:
- 1. Pierwsza grupa wynika z braku wiedzy i doświadczenia. Ten problem jest łatwy do rozwiązania.
- 2. Druga grupa jest wynikiem niedoboru doświadczenie życiowe i nieuformowany smak. Czynnik ten jest trudny do wyjaśnienia, ale często gra jeszcze bardziej ważna rola niż trening.
Porozmawiamy o tym poniżej.
Przyjrzyjmy się więc głównym błędom, które zasługują na szczególną uwagę.
1. Nieświadome zaciąganie pożyczek
Nieświadome zapożyczenie można nazwać także niezamierzonym plagiatem. Prawie każdy napotyka ten błąd. Aby rozwiązać ten problem, należy słuchać jak największej liczby różnych rodzajów muzyki. Często słuchanie jednego kompozytora lub wykonawcy ma silny wpływ w Tobie istnieje ścisły związek pomiędzy Tobą a elementami muzyki.
Jeśli jednak posłuchasz wystarczającej liczby różnych kompozytorów i zespoły muzyczne, to nie będziesz ich nieświadomie kopiować, ale napiszesz własne unikalny materiał. Pożyczki mogą ci pomóc, ale nie powinny sprawić, że staniesz się kopią jakiegoś innego kompozytora.
2. Brak równowagi
3. Nudne tekstury
Tekstury tego samego typu nudziły słuchacza przez dłuższy czas. Jeśli posłuchasz partytur profesjonalistów, często możesz zobaczyć, że w każdym takcie orkiestry wprowadzane są pewne zmiany, które nadają jej nowy kolor. Bardzo rzadko zdarza się, że do wykonania melodii używa się jednego instrumentu. Ciągle dodawane są duplikacje, zmieniane są barwy itp.
Aby uniknąć monotonii, przestudiuj aranżacje innych osób i przeanalizuj techniki, które w nich widzisz.
4. Dodatkowy wysiłek
Rozmawiamy o niezwykłe techniki gry wymagające maksymalnej koncentracji od wykonawcy. Często więcej proste techniki pomogą uzyskać bardziej harmonijną aranżację. Stosowanie rzadkich technik jest wskazane wtedy, gdy jest to uzasadnione, czyli gdy pożądanego efektu emocjonalnego nie da się osiągnąć w żaden inny sposób.
Oczywiście znani kompozytorzy wykorzystują wszystkie maksymalne możliwości orkiestry, ale ile ich to kosztuje nerwów? złota zasada- im prościej, tym lepiej. Jeśli rzeczywiście skłaniasz się ku awangardzie, spróbuj najpierw znaleźć orkiestrę, która chce i potrafi ją zagrać.
5. Brak emocji i pełni intelektualnej
Powtarzam, że najważniejsza jest równowaga. Twoja muzyka będzie miała intelektualną i emocjonalną głębię tylko wtedy, gdy będziesz prowadzić ciekawe i satysfakcjonujące życie.
Prawie wszyscy kompozytorzy dużo czasu podróżowali i aktywnie brali w nich udział życie publiczne. Skąd weźmiesz nowe pomysły, jeśli całe życie skupisz się w czterech ścianach? Czynnik intelektualny polega na odzwierciedlaniu twojego światopoglądu w twojej muzyce.
Studiuj filozofię, ezoterykę i pokrewne dyscypliny- to pomoże Ci rozwijać się twórczo. Tylko osoba z wielka dusza. Aby pisać muzykę, nie wystarczy nauczyć się, jak to zrobić. Ogromne znaczenie ma umiejętność komunikowania się z ludźmi i otoczeniem.
6. Histeria i przeciążenie intelektualne
Nadmierne uczucia i zimna inteligencja nie prowadzą do niczego dobrego. Musisz umieścić emocje kontrolowane przez umysł w muzyce. W przeciwnym razie stracisz samą istotę sztuki muzycznej.
7. Korzystanie z szablonów
Kreatywność umiera tam, gdzie używa się ustalonych klisz, klisz itp. Korzystając z tego wszystkiego, stajesz się niczym autoaranżer. Należy dążyć do tego, aby każda Twoja praca była wyjątkowa, odzwierciedlała w niej Twoją indywidualność. Dotyczy to również aranżacji utworu popowego. Dlatego należy stale poszukiwać nowych technik, krzyżować style i unikać powtórzeń.
Dobrze brzmiące szablony z pewnością mogą ci dobrze służyć, ale w rezultacie możesz się zatracić.
8. Nieznajomość narzędzi
Nieprawidłowe użycie zakresów instrumentów nie jest rzadkością. Nie znając technik, możesz napisać partie, których muzycy po prostu nie są w stanie wykonać.
Warto też zwrócić uwagę na to, że dobrze napisana partia ma dobre brzmienie nawet przy wykonaniu na instrumentach wirtualnych, natomiast partie, które nie zostały napisane z uwzględnieniem specyfiki instrumentu, nawet na żywo zabrzmią nieprzekonująco.
Profesjonalny muzyk musi jedynie spojrzeć na nuty, aby zrozumieć, w jakim stopniu dana część jest kompatybilna z jego instrumentem. Innymi słowy, większość partii da się zagrać, ale mogą być one na tyle niewygodne, że nauka ich nie ma sensu, lub napisane w taki sposób, że nawet grając np. na gitarze, ich brzmienie będzie przypominało inny instrument.
Aby tego uniknąć, powinieneś uważnie słuchać utworów solowych na instrumentach, na których pracujesz. Najlepszą opcją jest opanowanie podstawowych technik gry. Możesz także skonsultować się z solistą, pokazując mu swoją pracę.
Dzięki temu szybko nauczysz się pisać wygodne partie, na których będziesz mógł grać. Kiedy piszesz dla muzyków sesyjnych, duże znaczenie ma to, jak łatwo Twoje partie mogą zostać zagrane wzrokowo lub jak szybko można je zdjąć.
9. Partytury ze sztucznym dźwiękiem
Ponieważ większość autorzy pracują na komputerze z instrumentami wirtualnymi, bardzo ważne jest, aby uzyskać realistyczne brzmienie swoich aranżacji, praktycznie bez poprawek. Jak wspomniano powyżej, dobrze napisane partie brzmią dobrze nawet podczas odtwarzania na komputerze. To stwierdzenie odnosi się zarówno do zespołu rockowego, jak i pełnej orkiestry symfonicznej.
Należy dążyć do uzyskania efektu, w którym słuchacz nie zastanawia się, czy orkiestra brzmi mechanicznie, czy też perkusja jest zaprogramowana. Oczywiście, słuchając uważnie, można łatwo zrozumieć, czy jest to występ na żywo, czy program.
Dłonie i uszy są Twoimi głównymi pomocnikami.
______________________
Tematem dzisiejszego artykułu jest struktury i techniki aranżacyjne (układ angielski). Nie jest tajemnicą, że układ słów często wywołuje strach i przerażenie wśród uczniów i studentów kursy wstępne wszyscy uniwersytety muzyczne Państwa. I nic dziwnego – w końcu ta wyłącznie twórcza nauka wymaga gigantycznych wysiłków i ciągłego samorozwoju. Ale przede wszystkim – wyłącznie kreatywne podejście do momentu, prawdziwą miłość do muzyki.
Często zdarza się, że któryś z Twoich ulubionych fragmentów, lub bardzo długi i intensywny fragment aranżacji okazuje się zupełnie niepotrzebny i dla powodzenia trzeba to przekreślić Duży obraz kompozycje. Najlepszy dźwięk
W naszym artykule staraliśmy się zrozumieć niektóre cechy, techniki aranżacji, a także zrozumieć strukturę jej tworzenia. Zawód ten nie stoi w miejscu; to, co było istotne jeszcze 10-20 lat temu, dziś pod względem technicznym – w kwestiach procesu pracy – zmieniło się diametralnie.
Ceny usług nagrywania |
||
|---|---|---|
| Praca | Metoda płatności | Cena |
| Nagrywanie głosu | Cogodzinny | 750 rubli/godz |
| Miksowanie i mastering | Cogodzinny | 750 rubli. |
| RAP minus | Naprawił | 3000 rubli. |
| RAP minus „Premium” (z dodatkowymi efektami) | Naprawił | 4000 rubli |
| Piosenka z minusem „Light” (1 godzina nagrania + obróbka bez strojenia) | Naprawił | 3000 rubli. |
| Piosenka z minusem „Premium” (1 godzina nagrania + obróbka i głębokie strojenie) | Naprawił | 5000 rubli. |
Tradycyjne instrumenty
Oto kilka podstawowych technik aranżacji przy użyciu popularnych standardowych instrumentów muzycznych.
Zwykle saksofony lub trąbki, ale także gitary (tzw. instrumenty transponujące) są pisane jako pierwsze w tonacji C. Należy je zapisać w tym samym zakresie, w którym występuje ich rzeczywisty dźwięk.
Każdy uwielbia używać pociągnięć notacja dynamiczna, takie jak forte, crescendo, fortepian itp. We współczesnych szablonach z reguły nie są one wskazane, więc wszystkie te elementy są całkowicie i całkowicie zależy od Twojej osobistej wyobraźni.
Przykładowe portfele z aranżacją (ROCK, POP, REP)
TZPrzykład 1. SKAŁA
Grupa „Wires” – piosenka „Deep”
Przykład 2. SKAŁA
Grupa „Hellya” – piosenka „Coco”
Przykład 3. POP
Grupa „The Produkt$” – piosenka „Mam marzenie”
Przykład 4. POP
Piosenka „Zatrzymaj się” Układ pod klucz
Przykład 5. REP
Piosenka „Daj mi to” Aranżacja + miksowanie
Przykład 6. REP
Piosenka „Tomboy”. Aranżacja + miksowanie
Trudno jest zapewnić zgodność z rzeczywistą rozpiętością instrumentu, dla którego partia muzyczna została napisana. Na początku może być szczególnie trudno rozgryźć bas, gitarę itp. Ale to nie ma znaczenia, doświadczony muzyk będzie w stanie to „poprawić” na miejscu.
Czy słyszałeś o General MIDI? Zawsze możesz użyć własnych, nagranych przez siebie dźwięków, ale muszę powiedzieć, że wszystkie syntezatory mają swój własny bank standardowych dźwięków. Z reguły właśnie na nich opiera się dobór barw.
Cechy instrumentów perkusyjnych
Nagrywaj dźwięki perkusji w prostych nutach. Aby to zrobić, musisz zrozumieć standard GM (General MIDI). Prostą zasadą pracy z tym formatem jest próba napisania partii perkusyjnych o kilka oktaw wyżej niż ich normalna wysokość, jeśli partia jest łatwa do odczytania.
Zauważ to większość nowoczesne style zawiera wiele instrumentów perkusyjnych. Zostaną zapisane na kilku pięcioliniach. Następnie transponuje się je na wygodną tonację, redukując liczbę niepotrzebnych znaków i dogodny dla muzyka zakres (czyli 1-2 oktawy). Nie zapomnij także o przetłumaczeniu nut dla prawdziwego perkusisty na jego profesjonalny „język”.
Obejrzyj wideo. Świetny przykład tego, jak perkusja jest nagrywana przy użyciu MIDI. Sygnały przesyłane są ze sterownika (w tym przypadku perkusji elektronicznej) do komputera, gdzie w sekwencerze są „zawieszane” i konfigurowane są żądane dźwięki. Jako kontroler możesz używać zwykłej klawiatury midi z tradycyjnymi klawiszami lub padami (nawet niedrogi syntezator z wyjściem midi też będzie działał).
Perkusję tradycyjnie dzieli się tylko na 5 grup. Główny obejmuje wszystkie rozmiary bębnów. A także tomy, które pozwalają zobaczyć główną linię bębnów i całą dodatkową pracę z pałeczkami na częściach bębna. Następny ważna grupa– pedały zamknięte i otwarte. Ta grupa nazywa się hi-hat. W muzyce latynoamerykańskiej trzecia wspólnota osobno traktuje pracę kong, bongosów i timbalesów. Istnieją również instrumenty perkusyjne z tzw. miękkimi i ostrymi atakami. Do tych pierwszych zaliczają się shakery i marakasy, do drugich – trójkąty i claves.
O nagrywaniu bębnów i instrumentów perkusyjnych przeczytasz w naszym artykule.
Zrozumienie struktury układu
Aby zacząć, zajmij się czymś tworzenie i rysowanie konstrukcji. Na tym etapie ważne jest, aby określić dokładną liczbę prętów dla wszystkich części. Ile będzie zwrotek i refrenów, jaka będzie koda i jakie będzie gitarowe solo. Do tego będziesz potrzebować kartki nutowej lub zwykłej, wystarczy oznaczyć ją kreskami, zachowując przy tym strukturę utworu.
Następnym krokiem jest wybranie tonów, które wykorzystasz w swojej aranżacji. Teraz musimy zdecydować o funkcjach każdego z nich, który z nich będzie solo, a który akompaniamentem.
Trzeci etap - weź za podstawę szablon książki lub jeszcze lepiej taki, który sam wymyśliłeś, i wykonaj główne żmudne zadanie - napisz do nich notatki.
Z reguły szablon powinien wyglądać na przystępny i prosty, dlatego jest w języku C-dur (ułatwia to pracę z materiałem ze względu na brak kluczy przeróbkowych na łacie) i ma długość 1-2 taktów. Wystarczy go przerobić, aby pasował do potrzebnych kluczy i dopasować go do wymaganej liczby prętów. W ten sposób powstaje utwór muzyczny. Może to powodować, że niektóre instrumenty będą miały zbyt wiele pustych słupków. To normalne, bo w odróżnieniu od klasycznej aranżacji – uproszczenia cudzej pracy, teraz mówimy o prawdziwej kreatywności. Nie ma znaczenia, czy chcesz coś później dodać, więc aby uniknąć nieporozumień, zalecamy zapisywanie pustych taktów. Ogólnie rzecz biorąc, na tym etapie należy się przygotować spersonalizowane nuty dla wszystkich Twoich instrumentów.
Po wykonaniu tytanicznej pracy warto pozwolić sobie na krótką przerwę, a potem rozpoczyna się nowa runda równie głębokiej kreatywności. Zbierz wstępny szkic całej partytury utworu. Pamiętaj, nie musisz żałować zapisów nutowych, spisać wszystkie puste takty, chyba że oczywiście piszesz przejrzystą wersję dla studia, dla wydawnictwa lub, powiedzmy, orkiestry. Zdarza się, że kompozytor zaoszczędziwszy kilka nut, traci godziny i dni na odtworzenie potrzebnego mu obrazu.
Następnie musisz wprowadzić wszystkie partie i ścieżki do sekwencera urządzenia, na którym pracujesz, czy to syntezatora, czy komputera. Nie ma potrzeby długo zagłębiać się w poszczególne partie, jednak lepiej jest wykonać tę pracę jak najszybciej. Dlaczego pytasz. Tylko, czas upłynie i zawsze możesz do nich wrócić, jeśli chcesz je zmienić. Szkoda, ale naprawdę często zdarza się, że któryś z Twoich ulubionych fragmentów, lub bardzo długi i intensywny fragment aranżacji okazuje się zupełnie niepotrzebny i trzeba to przekreślić ze względu na sukces ogólnego obrazu kompozycji.
Część końcowa
Teraz czas przesłuchać gotowe nagranie, zrobić to dokładnie, a potem zdecydować, czy je poprawić, czy zostawić arcydzieło takim, jakie jest. Uwaga, ten etap jest naprawdę bardzo ciekawy, najważniejszy w całej pracy. Teraz będziesz musiał popracować nad dostosowaniem tonów skończone prace. Najprawdopodobniej będziesz musiał przesunąć niektóre fragmenty o oktawę w dół lub w górę. Nagraj ponownie nieudane sekcje lub części. Spróbuj „ożywić” partie solowe
W ten sposób dotarliście już prawie do końca. Teraz, jeśli masz możliwość i chęć, dodaj pogłos lub inne elementy przetwarzania dźwięku. A także poprawne zrównoważyć głośność każdej jednostki muzycznej w zespole.
Wszystko! Na koniec wystarczy zadzwonić do Eltona Johna i powiedzieć piosenkarzowi, że wszystko jest gotowe. Pozwól mu oczywiście szybko zabrać twoją pracę, jeśli nie masz nic przeciwko oddaniu jej.