Francisco José de Goya y Lucientes – wielki hiszpański artysta, przedstawiciel romantyzmu. Urodzony w 1746 roku w Fuendetodos koło Saragossy. Na początku swojej twórczości artystycznej (1780) został wybrany do Akademii Sztuk Pięknych w Madrycie, a w 1786 został mianowany artystą nadwornym i okazał się pierwszym malarzem królewskim. W tym czasie Goya stał się powszechnie znany jako bardzo utalentowany malarz portretowy. Styl i charakter obrazów tego artysty zmieniły się radykalnie po Wielkiej Rewolucji Francuskiej na początku lat 90. XVIII w., ponadto stan artysty znacznie się pogorszył, a w wyniku choroby Francisco stracił słuch.

Od tego momentu w obrazach artysty coraz bardziej króluje ciemność, która nie tylko stanowi tło jego płócien, ale pochłania także same postacie. Zaczął częściej wykorzystywać niektóre techniki Rembrandta i przedstawiać pewną beznadziejność, wręcz śmiertelną grozę. Poczucie samotności, wewnętrzna konfrontacja, wrogie środowisko zewnętrzne – wszystko to przeniosło się na twórczość malarza. Mimo to Goya malował tak abstrakcyjnie i tak profesjonalnie, że jego obrazy były powszechnie znane za jego życia i są nie mniej znane w naszych czasach.

Jego słynny obraz Rodzina króla Karola IV (1800) zadziwił krytyków i koneserów sztuki. Nikt nigdy nie odważył się tak przedstawiać dworzan. Marie-Louise ukazana jest w nim jako władcza, a nawet nieco odrażająca w swojej nieatrakcyjności, a sam artysta stoi w ciemnym kącie, niemal w ciemności.

W latach 1797-98 artysta bez obaw przedstawił brzydotę fundamentów politycznych swojej ojczyzny. Wystarczy spojrzeć na obraz „Egzekucja buntowników w nocy 3 maja 1808 roku”, który jest pełen tragedii i niesprawiedliwości. Oto osobisty ból Goi z powodu Hiszpanii, protest przeciwko wojnie i rozlewowi krwi. Na obrazie " Saturn pożerający swoje dzieci” Goya przedstawił bezlitosny czas, który bezmyślnie i niezwykle okrutnie niszczy ludzi – przerażający i gorzko-groteskowy obraz.

Wielki hiszpański artysta malował przez siedemdziesiąt lat. Ostatnie lata życia spędził w Bordeaux, gdzie zmarł w 1828 roku.

Antonia Zarate

Maha nago

Mahi na balkonie

Portret żony artysty

Sprzedawca zastawy stołowej

Przeszłość i teraźniejszość

Nośnik wody

Saturn pożerający swoje dzieci

Obraz ten przez wielu uważany jest za pierwszy przejaw impresjonizmu w malarstwie. Lekkie pociągnięcia pędzla tworzą wizerunek pięknej siedzącej dziewczyny, która zadziwia koneserów sztuki swoją niezwykłością. Zatem zamiast niemal fotograficznej przejrzystości i skupienia się na [...]

Artysta współpracujący przez długi czas z Królewską Manufakturą Gobelinów malował w oleju na tekturze różnorodne tematy, które tkacze przenieśli następnie na tkane gobeliny. Jednym z takich kartonowych obrazów jest „Gra w blef ślepca”. Malownicze […]

Płótno należy do pędzla hiszpańskiego artysty Francisco Goyi. Dokładna data jego powstania nie jest znana. Uważa się, że obraz powstał w latach 1812–1819. Centralne miejsce na niej zajmuje szalejący tłum ludzi niosących transparent z […]

W XVIII wieku sytuacja z malarstwem hiszpańskim nie była łatwa. Dominacja obcości przeniknęła do sztuki Hiszpanii, do jej malarstwa. Władze, składając hołd modzie i ambicjom politycznym, awansowały malarzy zagranicznych na czołowe stanowiska i […]

Obraz Francisco Goyi „Winobranie” został namalowany w 1786 roku. Obecnie dzieło zdobi Muzeum Narodowe Prado w Madrycie. Wymiary płótna to aż 267,5 na 190,5 cm, pod względem stylistycznym praca może być […]

Goya Franciszek

Goya. Francisco José de Goya y Lucientes(Francisco Jose de Goya) 1746-1828 - Hiszpański artysta i rytownik, jeden z pierwszych i najwybitniejszych mistrzów sztuk pięknych epoki romantyzmu. Goya był artystą bardzo płodnym, zauważonym już w młodości. Jego kolosalna pracowitość pozwoliła mu pracować do późnej starości, a za życia pozostawił nam wiele pięknych dzieł. Dokładność jego portretów pozwala poznać wygląd hiszpańskiej szlachty i spojrzenie artysty na szereg wydarzeń historycznych.

Goya wyróżnia się od zwolenników akademizmu odważną innowacją artystyczną. Ciągłe zainteresowanie groteską, tworzenie rycin ośmieszających porządki społeczne i religijne panujące w społeczeństwie.

Przez całe życie Francisco Goya był doceniany w wyższych sferach za swój talent i ciężką pracę. Niezmiennie cieszy się patronatem przedstawicieli najszlachetniejszych rodów Hiszpanii. Chociaż w młodości otrzymał powierzchowne wykształcenie (Goya zawsze będzie pisać z błędami). Jego owocna twórczość przez całe długie życie, ciągłe dążenie do wiedzy i samodoskonalenia trwała aż do późnej starości (mimo choroby), dając wyraźny przykład bezgranicznej pracowitości utalentowanej osoby.

Obrazy Francisco de Goya:

Biografia Francisco Goyi:

1746 W Zarogosa w rodzinie mieszczańskiej urodził się Francisco Goya. Po urodzeniu rodzina przeniosła się na wieś w pobliżu Zarogosa i mieszkała tam do 1760 roku. W Saragossie młody Francisco został wysłany do warsztatu artysty Luzana y Martinez.

W 1763 roku wziął udział w konkursie na najlepszą kopię Silenusa w gipsie, jednak jego dzieło nie spotkało się z uznaniem.

W 1764 roku bezskutecznie próbował wstąpić do Akademii San Fernando w Madrycie.

W 1766 roku Goya udaje się do Madrytu i ponownie bierze udział w konkursie o przyjęcie do Akademii San Fernando, ale ponownie nie udaje mu się. W Madrycie Goya studiował u artystów dworskich, studiując ich dzieła. W tym samym roku Francisco Goya przeprowadził się do Rzymu.

W 1771 roku wziął udział w konkursie Akademii Parmeńskiej na obraz o tematyce starożytnej. Na konkursie jego twórczość zostaje zauważona i otrzymuje drugą nagrodę Akademii Sztuk Pięknych w Parmie. Goya wraca do Saragossy, a kościół Del Pilar zleca Francisco Goyi wykonanie szkiców kaplicy autorstwa architekta Ventury Rodrigueza i zleca mu wykonanie próbnego malowania. Dzieło Goi jest podziwiane przez kolegium księży.

1772 Goya zostaje zaproszony do namalowania oratorium w Pałacu Sobradiel. Otrzymuje patronat Ramony Pignatelli.

1772-1774 został zaproszony do klasztoru kartuzów w Aula Dei (niedaleko Saragossy) i stworzył 11 dużych kompozycji na tematy z życia Najświętszej Maryi Panny.

W 1773 roku Goya musiał poślubić Josefę (ze względu na jej ciążę), siostrę Francisco Bayeu (nadwornego artysty króla Karola IV i królowej Marii Luizy). Urodzony syn wkrótce zmarł. W sumie Goya i Josepha mieli 5 dzieci, ale przeżył tylko jeden syn (Francisco Javier Pedro), który również został artystą. Zdobywszy uznanie arystokracji (z pomocą Francisco Bayeu), Francisco Goya stracił zainteresowanie żoną, ale nadal pozostawał w związku małżeńskim z Josefą aż do jej śmierci w 1812 roku.

W 1775 Goya przeniósł się do Madrytu do Francisco Bayeu i pracował w jego warsztacie. W tym samym roku Goya otrzymał pierwsze zlecenie dworskie za sceny myśliwskie w Pałacu Escorial dla księcia Asturii (przyszłego Karola IV).

W 1778 roku Francisco ryci obrazy Diego Velazqueza w pałacu królewskim w Madrycie.

W 1779 roku artysta podarował królowi 4 swoje obrazy. Wkrótce Goya ubiega się już o stanowisko nadwornego artysty, ale zostaje odrzucony (z powodu protestów jego szwagra Francisco Bayeu). W tym czasie Goya był już zamożnym artystą.

W 1780 roku Goya podpisuje kontrakt na pomalowanie kopuły katedry del Pilar. Umowa ta ostatecznie prowadzi do konfliktu pomiędzy Francisco a jego szwagrem (któremu jest zmuszony być posłuszny w tym projekcie). Rada Kapłanów zostaje wplątana w konflikt i zmusza Goyę do poddania się żądaniom Francisco Bayeu. Z powodu urazy Goya przez długi czas nie wracał do rodzinnej Saragossy.

W 1781 roku Goya wraz z Francisco Bayeu i Maellą namalowali kościół św. Franciszka Wielkiego w Madrycie. Pisze „Kazanie św. Bernardyna ze Sieny w obecności króla Aragonii” i tam Goya przedstawił się na lewo od świętego.

W 1783 namalował portret hrabiego Floridablanca.

W 1784 roku w Arenas de San Pedro maluje młodszego brata króla, infanta Don Luisa, jego żonę Marię Teresę Vallabriga i ich architekta Venturę Rodrigueza.

W 1785 roku Goya poznał rodzinę markiza de Penafel, który przez 30 lat był jego stałymi klientami.

W 1785 roku został wicedyrektorem Akademii Królewskiej.

W 1786 roku Goya został mianowany artystą królewskim i otrzymał zamówienie na serię obrazów do jadalni królewskiej w Pałacu Pardo. Najbardziej znane prace z tej serii to „Wiosna” („Dziewczyny z kwiatami”), „Lato” („Żniwa”) i „Zima” („Zamieć”). Później Goya namalował portrety hrabiego Altamiry i króla Karola III.

W 1789 roku zmarł Karol III, a Goya został nadwornym artystą Karola IV (a w 1799 jego pierwszym malarzem).

W 1789 roku Goya nie otrzymał żadnych rozkazów ze względu na wydarzenia Rewolucji Francuskiej. Dwór hiszpański stracił zainteresowanie dekorowaniem pałaców. Strach przed rewolucją powoduje prześladowania wykształconego narodu Hiszpanii, w tym Francisco Goya. W lipcu 1790 roku został wysłany do Walencji, lecz wkrótce powrócił do Madrytu, gdzie odzyskał swą poprzednią pozycję w intrygach dworskich. Ale wciąż nie ma zbyt wielu zamówień.

W 1793 roku Goya poważnie zachorował (w dokumentach nie zachowała się diagnoza), dopadł go paraliż i utrata słuchu.

W 1795 roku Goya stworzył portret księcia Alby i jego żony. Krążyły pogłoski o wspólnej pasji Goi i księżnej Alby, ale nie było ich bezpośredniego potwierdzenia. W malowanych portretach Alby można odnaleźć jedynie ślady możliwego powiązania. Goya ma także rysunki księżnej Alby (bardzo żrące). Znajduje się tu także mały obraz, na którym Goya przedstawia Albę i jej duennę w swobodnej, codziennej scenie.

W lipcu 1795 roku umiera szwagier Goi Francisco Bayeu (któremu zawdzięcza początek kariery). W tym samym roku Francisco Goya został wybrany dyrektorem wydziału malarstwa Akademii San Fernando i otrzymał dobrą pensję.

1796 Goya udał się z dworem królewskim do Andaluzji, aby oddać cześć szczątkom św. Ferdynanda z Sewilli. W tym samym czasie namalował 3 duże płótna z innowacyjnym przedstawieniem życia Chrystusa. Ukazał się „Sanlúcar Album” Goyi z jego pierwszymi szkicami.

W 1797 roku Goya namalował obraz „Księżna Alby w mantylce” przedstawiona w stroju mahi (czarna mantyla i spódnica) z napisem na piasku „Solo Goya” (Tylko Goya). Księżna Alby była już wtedy wdową. Ze względu na zły stan zdrowia Goya został zmuszony do rezygnacji ze stanowiska dyrektora wydziału malarstwa w Akademii San Fernando.

W 1798 roku król Karol IV zlecił Goi pomalowanie kopuły jego wiejskiego kościoła San Antonio de la Florida.

W 1799 r. w zakrystii katedry w Toledo zainstalowano obraz „Wzięcie Chrystusa pod opiekę”, który słynie z doskonałego odwzorowania nocnego oświetlenia. W tym samym roku ukazał się słynny cykl rycin Goi „Caprichos”, ośmieszający porządki społeczne i religijne panujące w społeczeństwie. (Słynne dzieło z tego cyklu to „Sen rozumu rodzi potwory”). Publikacja „Caprichos” zmusza Inkwizycję do interwencji i wstrzymania sprzedaży.

W 1799 roku Goya został mianowany pierwszym nadwornym artystą z pensją 50 000 reali rocznie

1800 namalowano słynny obraz „Naga Macha”.

1801 Goya ukończył słynny „Portret rodziny Karola IV”

1802 pojawił się obraz „Mach Dressed”, na którym pojawił się ten sam model i w tej samej pozie, co w „Mach Nude”. Wkrótce zmarła patronka Goi, księżna Alby, Goya pracował nad szkicem grobowca dla księżnej (rysunek zachował się).

W latach 1803-1808 Francisco Goya tworzył wyłącznie portrety.

1808 Hiszpania została zajęta przez Francuzów. Powstanie w Madrycie doprowadziło do wojny partyzanckiej. Nowy król Ferdynand VII udając się do Bajonny, zleca Goi namalowanie swojego portretu. Zostanie jednak aresztowany wraz z całą rodziną królewską, a artysta będzie musiał dokończyć portret z pamięci. Razem z krajem Goya czuje nienawiść do wojny i Napoleona I, co znajduje odzwierciedlenie w serii małych obrazów.

1814 Ferdynand VII uchylił konstytucję z 1812 roku. W Hiszpanii groziła sytuacja dyktatury. Chociaż Ferdynand VII był wrogo nastawiony do Goi, wszystkie stawiane mu zarzuty zostały wycofane, a jego pensja została zwrócona.

W 1818 roku Goya ukończył duże płótno przedstawiające dwóch patronów Sewilli, Justę i Rufinę, w formie bujnych huśtawek dla katedry w Sewilli. Później ukończył obraz „Ostatnia komunia św. Józefa z Kalasanu” dla kościoła Escuelas Pias w Madrycie. Taka ciężka praca jest niesamowita, biorąc pod uwagę, że artysta ma już 72 lata!

W 1820 roku Goya poważnie zachorował i przestał być obecny na Akademii.

W 1823 roku Francisco Goya poznał Leocadię de Weiss, która rozwiodła się z mężem i urodziła córkę Rosaritę (Goya miała wtedy 77 lat). W 1824 roku Goya wraz z Leocadią i małą Rosaritą wyjechały do ​​Francji, a później zamieszkały u przyjaciół w Bardo. Jednocześnie kontynuował malowanie obrazów i tworzenie litografii.

W 1826 roku Goya wrócił do Madrytu i poprosił o pozwolenie na przejście na emeryturę z nienaruszoną pensją.

16 kwietnia 1828 roku Francisco Goya zmarł w swoim mieszkaniu w Fosse de l'Intendance w Bordeaux.

Sławny artysta Francisco de Goya urodził się 30 marca 1746 r w Fuendetodos w Hiszpanii. Zaczął studia artystyczne jako nastolatek, a nawet spędził trochę czasu w , aby doskonalić swoje umiejętności. W latach siedemdziesiątych XVIII wieku Goya pracował na hiszpańskim dworze królewskim. Oprócz zamawiania portretów szlachty tworzył dzieła krytykujące problemy społeczne i polityczne swojej epoki.

Goya, syn guldena, spędził część swojej młodości w Saragossie. Tam zaczął malować w wieku około czternastu lat. Był uczniem Jose Martineza Luzana. Kopiował dzieła wielkich mistrzów, czerpiąc inspirację z twórczości takich artystów jak Diego Rodriguez de Silva Velazquez i.

Później Goya przeniósł się do , gdzie rozpoczął współpracę z braćmi Francisco i Ramonem Bayeu w Subías w ich studiu. Swoją edukację artystyczną starał się kontynuować w latach 1770 lub 1771, podróżując po Włoszech. W Rzymie Goya studiował klasykę i tam pracował. Obraz prezentował na konkursie Akademii Sztuk Pięknych w Parmie. Choć jurorom spodobała się jego praca, nie udało mu się zdobyć głównej nagrody.

Za pośrednictwem niemieckiego artysty Antona Raphaela Mengsa Goya zaczął tworzyć prace dla hiszpańskiej rodziny królewskiej. Najpierw rysował karykatury gobelinów, które służyły jako modele w madryckiej fabryce. Dzieła te przedstawiały sceny z życia codziennego, takie jak „Parasol” (1777) i „Wytwórca ceramiki” (1779).

W 1779 roku Goya otrzymał nominację na malarza na dworze królewskim. Jego status wciąż rósł, a w następnym roku został przyjęty do Królewskiej Akademii San Fernando. Z biegiem czasu Goya zyskał reputację malarza portretów. Doskonale ilustruje to dzieło „Książę i księżna Osuny i ich dzieci” (1787–1788). Umiejętnie malował najmniejsze elementy ich twarzy i ubioru.

W 1792 roku Goya całkowicie ogłuchł, po czym zapadł na nieznaną chorobę. Jego styl nieco się zmienił. Kontynuując rozwój zawodowy, Goya został w 1795 roku mianowany dyrektorem Akademii Królewskiej, ale nigdy nie zapomniał o trudnej sytuacji narodu hiszpańskiego i odzwierciedlał to w swoich pracach.

W 1799 roku Goya stworzył serię fotografii zatytułowanych „Caprichos”. Naukowcy uważają, że nawet w swojej oficjalnej pracy rzucał krytyczne spojrzenie na swoich poddanych. Około 1800 roku namalował portret rodziny króla Karola IV, który pozostaje jednym z jego najsłynniejszych dzieł.

Sytuacja polityczna w kraju stała się później tak napięta, że ​​Goya dobrowolnie udał się na wygnanie w 1824 r. Pomimo złego stanu zdrowia uważał, że poza Hiszpanią będzie bezpieczniejszy. Goya przeprowadził się do Bordeaux, gdzie spędził resztę życia. Tutaj kontynuował pisanie. Niektóre z jego późniejszych prac to portrety przyjaciół i życia na wygnaniu. Artysta zmarł 16 kwietnia 1828 roku w Bordeaux we Francji.

Podczas podróży po Hiszpanii w 1824 roku Eugene Delacroix zapisał w swoim dzienniku: „Goya drżał wokół mnie”. Goya to nie tylko najbardziej narodowy artysta Hiszpanii, z jego imieniem wiąże się powstanie sztuki współczesnej.

Twórczość Goi, współczesnego Rewolucji Francuskiej, wojny narodowowyzwoleńczej Hiszpanii z Francją napoleońską, szybkiego wzrostu sił społecznych i brutalnej reakcji, miała miejsce w jednym z najbardziej dramatycznych okresów w historii Hiszpanii. Łączył w sobie postępową myśl epoki i echa stabilnych popularnych idei, szerokość stanowisk społecznych i najsilniejszy ślad jego subiektywnych doświadczeń, ognisty temperament, impulsywną naturę i nieograniczoną wyobraźnię. Sztuka Goi emanuje ekscytującą mocą, jest naprawdę niewyczerpana i nie poddawana zimnej analizie. Jego język artystyczny jest ostro wyeksponowany, bezlitośnie ostry, a jednocześnie skomplikowany, zaszyfrowany, zmiennie mobilny, a czasem trudny do wyjaśnienia.

Goya urodził się we wsi Fuendestodos niedaleko Saragossy w rodzinie rzemieślnika złotnika. Studiował w Saragossie u J. Luzana Martineza, następnie w Madrycie u F. Bayeu, którego córkę Josefę poślubił w 1773 roku. Burzliwa i pełna przygód młodość Goi jest mało znana. Odwiedził Włochy, gdzie wziął udział w konkursie Akademii w Parmie i otrzymał II nagrodę. Od 1773 mieszkał i pracował w Madrycie, a w 1786 został mianowany malarzem nadwornym.

Goya jako główny artysta pojawił się stosunkowo późno. Pierwszy znaczący sukces przyniosły mu dwie serie (1776-1791) licznych paneli (tektur na dywany) dla Królewskiej Manufaktury Santa Barbara w Madrycie, przedstawiających spacery, pikniki, tańce, biesiady miejskiej młodzieży, sceny na targowiskach , praczki nad brzegiem Manzanares, biedni przy studni, niewidomy gitarzysta, wiejskie wesele. Goya wzbogacił malarstwo dekoracyjne innowacjami kompozycyjnymi, powiększaniem postaci, barwnymi ustaleniami kolorystycznymi, a co najważniejsze - bezpośrednim sensem życia narodowego, które postrzegał nie okiem zewnętrznego obserwatora, ale jakby od wewnątrz; to środowisko było mu znane od młodości.

Parasol (Madryt, Prado), napisany w 1777 roku, nie ma rozwiniętej fabuły. Modny wówczas w malarstwie rodzajowym motyw zainspirował go do stworzenia urzekającego obrazu malarskiego, w którym twarz dziewczyny i część jej sylwetki, osłonięte zieloną parasolką od promieni słonecznych, pełne są jasnych, kolorowych refleksów. Tutaj widać, jak wiele Goya zawdzięcza Velazquezowi, którego obok natury i Rembrandta uważał za swojego nauczyciela.

Goya stał się modnym portrecistą, zasypywanym zamówieniami. Trudno znaleźć drugiego tak wybitnego portrecistę, który tak zdecydowanie oddałby swój osobisty stosunek do przedstawianych przez siebie postaci. Na niektóre z nich pozostał całkowicie obojętny, a wtedy jego portrety na zamówienie wydają się dziwnie martwe, odrętwiałe. Artysta, który doskonale włada formą plastyczną, staje się niespodziewanie bezradny i pozwala na zaniedbania w rysunku i kompozycji. To nie przypadek, że w liście do przyjaciela Goi dyrektor Królewskiej Akademii Historycznej prosi o wywarcie wpływu na artystę, aby namalował swój portret „tak, jak potrafi i kiedy chce”.

Portrety Goi przedstawiają społeczeństwo tamtych czasów w całej jego rozciągłości. Skala jego twórczej ewolucji jest zadziwiająca, od portretów ceremonialnych w tradycji XVIII wieku po dzieła antycypujące najśmielsze osiągnięcia sztuki XIX wieku. Bliskość Goi do postępowego narodu hiszpańskiego napełniła jego sztukę nowym sensem życia. Wśród jego przyjaciół są pisarze, poeci, politycy i aktorzy. Ze szczególną uwagą traktuje ich portrety (portrety artysty F. Bayeu, doktora Perala, osoby publicznej Jovellanosa, poety L. Moratina). Na początku XIX wieku w portretach Goi pojawiły się pełne energii i pewności siebie obrazy bliskie ideałom epoki romantyzmu. Na słynnym portrecie Isabel Cobos de Porcel (1806, Londyn, National Gallery) pojawienie się młodej kwitnącej kobiety o ognistym spojrzeniu i czarnej hiszpańskiej koronce naznaczone jest ostrym charakterem narodowym.

Pod koniec stulecia dworska kariera Goi, która osiągnęła swój apogeum w 1799 r., kiedy został pierwszym malarzem króla, przyniosła mu wiele goryczy i rozczarowań.

Pod koniec lat 90. XVIII wieku, coraz wyraźniej i wyraźniej dostrzegając ciemne i brzydkie strony otaczającego go życia, Goya przeżył kryzys psychiczny, pogłębiony utratą słuchu w wyniku poważnej choroby. Artysta z rzadką odwagą znosił swoją głuchotę, próbując znaleźć sposób na komunikację ze światem zewnętrznym.

Potężne impulsy twórczej inspiracji zawładnęły sprzeczną naturą Goi. Koniec XVIII wieku charakteryzował się wysokimi osiągnięciami artystycznymi w jego twórczości. Ukończył prace nad cyklem rycin zwanych Caprichos, które umieściły go w gronie największych mistrzów światowej grafiki. W tym niezrównanym przykładzie tragicznej groteski Goya obnażył wrzody feudalno-katolickiej Hiszpanii.

W 1798 roku Goya stworzył freski dla madryckiego kościoła San Antonio de la Florida. Triumfuje w nich jasna, afirmująca życie zasada. Malowidło na kopule przedstawia średniowieczną legendę o cudownym zmartwychwstaniu w Lizbonie zamordowanego mężczyzny przez św. Antoniego z Padwy, który podał imię swojego prawdziwego zabójcy. Cud został przez artystę przeniesiony w scenerię współczesnego życia, rozgrywającego się na tle wolnej kastylijskiej przyrody, w plenerze, w obecności zbuntowanego tłumu. Malowidła kościelne są wspaniałym osiągnięciem Goi jako mistrza malarstwa monumentalnego. Przyjęto je z zachwytem i entuzjazmem; jeden z jego biografów napisał, że w Madrycie miały miejsce dwa cuda, jeden dokonał Antoniego z Padwy, drugi zaś artysta Goya.

W czerwcu 1800 roku Goya rozpoczął „Portret rodziny króla Karola IV” (Madryt, Prado), który zjednoczył czternaście postaci. Zamrożone osoby z domu królewskiego, ustawione w jednej z komnat pałacu Aranjuez, wypełniają płótno od krawędzi do krawędzi. Wszystko jest zdane na łaskę panującego napięcia i wzajemnej wrogości. Portret mieni się magicznym blaskiem barw, zdaje się, że jest ułożony ze szlachetnych kamieni. Z tego królewskiego splendoru wyłaniają się odrętwiałe postacie, ale twarze są szczególnie nagie i ostro pomalowane - nieistotne, nabrzmiałe, zadowolone z siebie. Słynne dzieło Goi nie ma odpowiednika w malarstwie światowym. Łamie tradycję uroczystych oficjalnych wizerunków. Byłoby skrajnym uproszczeniem widzieć w tym karykaturę, bo wszystko tutaj jest najokrutniejszą prawdą. Ci, którzy ją zamówili, wyniesieni na szczyt mocy, nie mieli możliwości zrozumienia jej odkrywczej mocy. Portret mi się spodobał i został pozytywnie przyjęty. To samo wydarzyło się w 1803 roku, kiedy Goya w obawie przed Inkwizycją zdecydował się na odważny krok i z szacunkiem podarował królowi tablice do akwaforty Caprichos.

Szczególne miejsce wśród jego dzieł z początku XIX w. zajmuje wizerunek młodej kobiety, uchwycony dwukrotnie – ubranej i nagiej. Nie należy ściśle do gatunku portretu. Tutaj ucieleśnia się charakterystyczny dla kraju typ zmysłowej kobiecej urody, który przyciągnął artystkę, nieskończenie daleki od akademickich kanonów. Nieregularność delikatnego, bladozłotego i pozornie namacalnie żywego nagiego ciała kryje się w jego ekscytującym uroku. Płynne i gładkie malowanie jest plastyczne i nieskazitelne. Do dziś wiele pozostaje niejasnych: okoliczności kolejności obu obrazów, ich dokładne datowanie i ostateczny tytuł, pytanie, kim była ta kobieta, tak odważnie przedstawiona przez artystę nago z naruszeniem zakazu Inkwizycji. Zwykle podwójne obrazy nazywane są „Mają ubraną” i „Mają nagą” (oba - ok. 1800 r., Madryt, Prado), ale samo słowo „Maja” – „miejski dandys” – pojawiło się w odniesieniu do nich dopiero w 1831 r., a w w starych inwentarzach była mowa o Cygance, Wenus. Założenie, że dla Goi pozowała jego ukochana księżna Cayetana Alba, zostało odrzucone ze względu na różnice fizyczne i wiekowe pomiędzy księżną a nieznaną dziewczyną, która służyła za modelkę artysty. Malowidłami zainteresowała się Inkwizycja i w 1815 roku artysta został wezwany przed Trybunał Madrycki, gdzie miał je zidentyfikować oraz wyjaśnić, dla kogo i w jakim celu zostały stworzone. Nie zachował się jednak protokół przesłuchania. Oba Machy należą do najsłynniejszych dzieł Goi, otoczone romantyczną aurą i różnymi spekulacjami.

W kraju szalała krwawa wojna przeciwko tym, których Goya i jego „francuscy” przyjaciele do niedawna uważali za nosicieli długo oczekiwanej wolności. Hiszpański patriota, głęboko cierpiał i był oburzony. Na małym obrazie „Kolos” (1810-1812, Madryt, Prado) następuje spektakl ogólnego chaosu wywołany nieoczekiwanym pojawieniem się kolosalnej postaci nagiego olbrzyma, który strasznie wyrasta poza kontury gór i dotyka chmur . Fantastyczny obraz był interpretowany na różne sposoby. Prawdopodobnie kolos, zaciskając groźnie pięść i odwracając się plecami do doliny, gdzie ludzie i zwierzęta rozpraszają się w dzikim zamieszaniu, padają jeźdźcy i wozy, uosabia bezlitosne siły wojenne, niosące powszechną ruinę, panikę i śmierć. To, czego Goya – świadek najazdu napoleońskiego – przeżył w okupowanym Madrycie, w cierpiącej od dawna Saragossie, zniszczonej oblężeniami francuskimi, którą odwiedził jesienią 1808 roku, nadało nowy potężny impuls jego twórczości zarówno w malarstwie, jak i grafice, prowadzące do powstania dzieł o tragicznym i heroicznym brzmieniu. Siła dramatu zawarta w jego twórczości osiągnęła najwyższe natężenie.

Wielkie płótna w Prado, tworzące historyczny dyptyk i przedstawiające „Powstanie na Puerta del Sol 2 maja 1808” i „Egzekucję rebeliantów w noc 3 maja”, na zawsze pozostaną w pamięci. Kompozycja pierwszego obrazu spleciona jest w jeden elastyczny węzeł. Goya obserwował z domu swojego syna bitwę pomiędzy ludem Madrytu a kawalerią francuską na Puerta del Sol. Drugie zdjęcie jest znane na całym świecie. Nad Madrytem i otaczającymi go nagimi wzgórzami panuje nudna i pozornie wieczna noc. Pod czarnym niebem czaił się zniewolony i zdeptany Madryt. Stamtąd, niczym ciemna rzeka, tłum ofiar przemieszcza się wzdłuż wzgórz w kierunku miejsca egzekucji. Do salwy pozostała ostatnia chwila. Złowieszcze żółte światło latarni wyciąga z ciemności grupę rebeliantów przyciśniętych do zbocza wzgórza, w których wycelowane są wzniesione działa bezimiennego szeregu francuskich żołnierzy. Nieubłaganość zbliżającej się zagłady ostro kontrastuje z siłą ludzkich uczuć. Artysta po prostu, ostro, nago, a jednocześnie głęboko po ludzku przekazuje poczucie zagłady, strach graniczący z szaleństwem, silną wolę i miażdżącą nienawiść do wroga.

Wrodzona zdolność Goi do reagowania z całą pasją swego temperamentu na wydarzenia naszych czasów znalazła najjaśniejszy wyraz w serii rycin znanych jako „Klęski wojny”, podarowanych jej przez Akademię San Fernando po opublikowaniu w 1863 roku. Tragedia narodowa ukazana jest tu w całej jej bezlitosności. Są to góry trupów, egzekucje partyzantów, zacięte bitwy, napady rabusiów, ataki głodu, wyprawy karne, zhańbione kobiety, osierocone dzieci.

Późniejsza twórczość Goi zbiega się z latami gwałtownych reakcji po klęsce dwóch hiszpańskich rewolucji burżuazyjnych. W stanie zamętu psychicznego i ponurej rozpaczy zamieszkał w nowym domu zwanym „Quinta del Sordo” („Dom Głuchych”). Goya pokrył ściany dwupiętrowego domu czternastoma ciemnymi, fantastycznymi obrazami olejnymi. Pełne alegorii, aluzji i skojarzeń, są całkowicie wyjątkowe pod względem struktury figuratywnej i potężnego oddziaływania artystycznego. „Czarnym obrazom” – jak się je powszechnie nazywa – groziło całkowite zniknięcie po zburzeniu Quinta del Sordo w 1910 roku. Na szczęście obraz Goi został przeniesiony na płótno, odrestaurowany i znajduje się w Prado.

W obrazach dominuje zasada diabelska, przerażająca, nienaturalna, złowieszczy obraz pojawia się jak z koszmaru. Bezzębne lisy lub starcy z gołymi czaszkami - podobieństwo samej Śmierci - łapczywie siorbią gulasz, wrzeszczący, wściekły tłum dziwaków maszeruje do źródła San Isidro, diabeł w postaci ogromnej czarnej kozy w klasztornej szacie prowadzi zgromadzenie złych czarownic. Zestaw kolorów jest ostry, skąpy, niemal monochromatyczny - czerń, biel, czerwonawo, ochra, kolory zdają się wchłaniać odcienie hiszpańskiej ziemi spalonej słońcem, rdzę skał, tlący się płomień czerwonych gleb, uderzenia są zamaszyste i szybkie. Graficzną paralelą do obrazów Kinty był cykl „Disparates” („Przysłowia”, 1820-1823) z jeszcze bardziej złożonymi, zaszyfrowanymi obrazami.

W 1824 roku, w latach reakcji, Goya został zmuszony do emigracji do Francji, do miasta Bordeaux, gdzie zmarł. Niewyczerpane pragnienie kreatywności nie opuściło go aż do ostatnich lat życia. Całkowicie głuchy i ślepy artysta kontynuował prace malarskie, portretowe, miniaturowe i litograficzne. „...Tylko Will mnie wspiera” – napisał do przyjaciół.

W swoich najnowszych pracach Goya powraca do obrazu triumfującej młodości (Mleczarka z Bordeaux, 1826, Madryt, Prado).

Dzieła literackie, fabularyzowane biografie i filmy poświęcone są życiu Goi. Jego twórczość wywarła ogromny wpływ na hiszpańską kulturę artystyczną XIX-XX wieku, nie tylko na malarstwo i grafikę, ale także na literaturę, dramat, teatr i kino. Do Goi zwróciło się wielu mistrzów światowej kultury, od Delacroix po Picassa, od Edouarda Maneta po meksykańskich mistrzów grafiki ludowej. A dziś Goya pozostaje niesłabnąco nowoczesna.

Tatiana Kapterewa