Można narysować czarno-białą martwą naturę różne sposoby. Może wyglądać jak standardowy szkic ołówkiem lub ciekawa ilustracja kropek lub liter. Dzisiaj porozmawiamy o różne techniki które można łatwo odtworzyć w domu.
Cętkowany wzór
Czarno-biała martwa natura jest najczęściej wykonywana dekoracyjnie. Dlaczego? Tak, bo wygląda tak dobrze. realistyczny obraz, pozbawiony koloru, może wyglądać odpowiednio, jeśli jest to portret, ilustracja lub coś podobnego, z wieloma szczegółami. Realistyczna martwa natura nie jest zbyt interesująca do rozważenia. Dlatego wielu artystów woli dzieła dekoracyjne. Czarno-biała martwa natura jest narysowana bardzo prosto. Najpierw musisz zbudować kompozycję. Możesz czerpać z natury, co będzie łatwiejsze, lub wymyślić oprawę w swojej wyobraźni. W naszym przypadku na stole stoi dzbanek i miska jabłek. Na ścianie wisi kokarda i draperia. Kiedy już znajdziemy na to wszystko odpowiednie miejsce na arkuszu i dopracujemy szczegóły, można przystąpić do dzielenia obiektów na części. Co więcej, nie należy tego robić w sposób chaotyczny, ale dokładnie przemyślany, aby białe części sąsiadowały z czarnymi i żaden z obiektów nie został zgubiony.
rysowanie linii
Można narysować martwą naturę w czerni i bieli różne techniki. Jednym z nich jest obraz rysunku za pomocą linii. Aby narysować taki obraz, musisz wziąć obiekty o wyraźnie określonej teksturze. Jeśli tak nie jest, trzeba będzie wymyślić ulgę. Musisz zacząć rysować czarno-białą martwą naturę, budując kompozycję. Najpierw zarysowujemy wszystkie elementy. W naszym przypadku jest to kubek z kwiatami, jabłkami i drewnianym stołem. Gdy wszystkie elementy zajmą już swoje miejsca, zaczynamy opracowywać kształt, a następnie szczegóły. Ostatnią czynnością jest obraz tekstury. Kubek zyskuje poziome paski, kwiaty i jabłka - ściętą obwódkę. Pamiętaj, aby pokazać teksturę stołu. W martwej naturze pożądane jest łączenie poziomych i Pionowe linie tak, aby obiekty nie zlewały się, ale korzystnie wyróżniały na tle innych.
Powiązane wideo
Rysowanie z liter
Ten obraz będzie wyglądał jak czarno-biała grafika. Martwa natura składa się z liter, które płynnie zamieniają się w słowa, a nawet zdania. Jak narysować tak oryginalną kompozycję dekoracyjną? Najpierw musisz narysować szkic. Nakreśl kubek oraz gazetę, które będą leżały w tle. Następnie musisz podzielić rysunek według tonów. Na przykład kawa w kubku powinna być najbardziej nasycona tonem, drugie miejsce zajmuje padający cień, a trzecie własne. W ten sposób możliwe jest podzielenie całego szkicu liniami. Następnie, jeśli jesteś pewien swoich umiejętności, możesz zamalować rysunek długopisem żelowym, a jeśli obawiasz się, że coś nie wyjdzie, najpierw wykonaj podmalowanie liter ołówkiem. To prawda, że w tym przypadku litery będą musiały być zakreślone atramentem. Długopis żelowyźle rysuje ołówkiem. Litery należy nakładać na siebie zgodnie z kształtem obiektów. I pamiętaj, aby bawić się wysokością i szerokością. Jedno słowo może być bardzo wąskie, a drugie dwa lub trzy razy większe. Możesz zaszyfrować niektóre frazy na takim obrazku lub możesz wpisać dowolne słowa.
Źródło: fb.ru
Rzeczywisty
Różnorodny
Różnorodny
Szachowa stylizacja martwej natury. Klasa mistrzowska ze zdjęciem
Elena Aleksiejewna Nadieńska, nauczycielka Dzieła wizualne MOU „Szkoła średnia Arsenyevskaya”, wieś Arsenyevo, obwód Tula.Opis: materiał zainteresuje nauczycieli sztuk pięknych, pedagogów, nauczycieli dodatkowa edukacja, kreatywne dzieci w wieku 10-12 lat.
Zamiar: zastosowanie na lekcjach plastyki, praca może służyć jako dekoracja wnętrza, świetny prezent lub eksponat.
Cel: wykonanie martwej natury poprzez podział obrazu na części (komórki)
Zadania:
- zapoznanie z różnymi technikami dekoracyjnego obrazu martwej natury;
- rozwijać zmysł kompozycji, wyobraźnię, rozwijać zdolności twórcze;
- doskonalenie umiejętności pracy z gwaszem; ćwiczenie umiejętności pracy pędzlem o różnej wielkości w zależności od zadania,
- wzbudzać zainteresowanie podstawami umiejętności wizualnych.
- kultywować dokładność, miłość do sztuk pięknych.
Materiały:
- czarny gwasz (można użyć tuszu)
- szczotki nr 2, nr 5
-ołówek
-linijka
-gumka do mazania
- Arkusz A3
Martwa natura- Jest to gatunek sztuki poświęcony przedstawianiu przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp.
Jak niezależny gatunek martwa natura powstała w XVII wieku. w kreatywności Holenderscy artyści. A obecnie gatunek ten jest dość szeroko stosowany współcześni artyści i projektanci. Wraz z realistycznym obrazem często można spotkać się z koncepcją „dekoracyjnej martwej natury”.
Martwa natura dekoracyjna charakteryzuje się warunkowym, uproszczonym przedstawieniem form, stylizacją.
Bardzo duże skupienie dany roztwór koloru, kolor – kombinacja kolorów zastosowana w kompozycji. Powszechne jest stosowanie kontrastujących kolorów. Najbardziej harmonijną kontrastową kombinacją jest stosunek czerni i bieli. To połączenie jest aktywnie wykorzystywane w grafice, ubraniach, wnętrzach itp.
Naszą dzisiejszą martwą naturę postaramy się wykonać za pomocą połączenia czerni i bieli, ale do koloru dodamy także koncepcję podziału płaszczyzny na części - komórki. Przypomnijmy sobie układ kolorowych komórek-pól na szachownicy, zwróćmy uwagę, aby pola tego samego koloru nigdy nie łączyły się wspólnym bokiem, stykały się tylko w jednym punkcie. Tę cechę będziemy starali się wykorzystać w pracy nad kompozycją martwej natury.
Postęp
1. Po przemyśleniu kompozycji wybieramy lokalizację arkusza. Planujemy lokalizację obiektów. Jeśli pracujesz w tej technice po raz pierwszy, staraj się nie komplikować kompozycji poprzez nakładanie kształtu jednego obiektu na drugi.
2. Nakreślamy projekt obiektów przerywane linie. Ponieważ martwa natura będzie dekoracyjna, nie ma potrzeby starania się o oddanie objętości, wystarczy płaska konstrukcja.
3. Udoskonalamy kontury kształtu obiektów. Więcej gładkie linie zakreślamy kontury wazonu, filiżanki, rysujemy łodygi kwiatów, owoców. Usuń linie konstrukcyjne.
4. Obrysowujemy spadające cienie. Za pomocą linijki dzielimy płaszczyznę arkusza na komórki tej samej wielkości. Optymalny rozmiar komórki dla arkusza poziomego (A4) wynosi 3 cm, jeśli arkusz jest większy (A3), wówczas długość boku komórki można zwiększyć do 5 cm Jeśli nie ma doświadczenia w takiej martwej naturze obrazie, staraj się nie komplikować zadania, zmniejszając rozmiar komórek.
5. Zaczynamy malować komórki czarnym gwaszem. Staramy się brać grubą farbę, aby warstwa farby była wystarczająco gęsta i jednolita. Jeżeli kształt przedmiotów mieści się w klatce, wówczas pozostawiamy ją niepomalowaną. Lepiej zacząć pracę od skrajnych komórek, stopniowo przechodząc do środka kompozycji.
6. Przejdźmy do malowania komórek w środku kompozycji, nie wychodząc poza kontury obiektów.
7. Po zakończeniu kolorowania tła zaczynamy opracowywać kolor części obiektów, które spadły na białe komórki.
8. Kontynuując prace nad wybarwieniem poszczególnych elementów, zbliżamy się do zakończenia prac. Udoskonalamy linie kształtu obiektów, korygujemy niedokładności i niechlujne kontury komórek.
Praca jest gotowa.
Dziękuję za uwagę! Życzę wszystkim twórczych sukcesów!
Czarno-białą martwą naturę można malować na różne sposoby. Może wyglądać jak standardowy szkic ołówkiem lub ciekawa ilustracja kropek lub liter. Dzisiaj porozmawiamy o różnych technikach, które możesz łatwo powtórzyć w domu.
Cętkowany wzór
Czarno-biała martwa natura jest najczęściej wykonywana dekoracyjnie. Dlaczego? Tak, bo wygląda tak dobrze. Realistyczny obraz, pozbawiony koloru, może wyglądać odpowiednio, jeśli jest to portret, ilustracja lub coś podobnego, z wieloma szczegółami. Realistyczna martwa natura nie jest zbyt interesująca do rozważenia. Dlatego wielu artystów woli dzieła dekoracyjne. Czarno-biała martwa natura jest narysowana bardzo prosto. Najpierw musisz zbudować kompozycję. Możesz czerpać z natury, co będzie łatwiejsze, lub wymyślić oprawę w swojej wyobraźni. W naszym przypadku na stole stoi dzbanek i miska jabłek. Na ścianie wisi kokarda i draperia. Kiedy już znajdziemy na to wszystko odpowiednie miejsce na arkuszu i dopracujemy szczegóły, można przystąpić do dzielenia obiektów na części. Co więcej, nie należy tego robić w sposób chaotyczny, ale dokładnie przemyślany, aby białe części sąsiadowały z czarnymi i żaden z obiektów nie został zgubiony.
rysowanie linii
Martwą naturę czarno-białą można malować różnymi technikami. Jednym z nich jest obraz rysunku za pomocą linii. Aby narysować taki obraz, musisz wziąć obiekty o wyraźnie określonej teksturze. Jeśli tak nie jest, trzeba będzie wymyślić ulgę. Musisz zacząć rysować czarno-białą martwą naturę, budując kompozycję. Najpierw zarysowujemy wszystkie elementy. W naszym przypadku jest to kubek z kwiatami, jabłkami i drewnianym stołem. Gdy wszystkie elementy zajmą już swoje miejsca, zaczynamy opracowywać kształt, a następnie szczegóły. Ostatnią czynnością jest obraz tekstury. Kubek zyskuje poziome paski, kwiaty i jabłka - ściętą obwódkę. Pamiętaj, aby pokazać teksturę stołu. W martwej naturze wskazane jest łączenie linii poziomych i pionowych, aby obiekty nie łączyły się, ale wyróżniały na tle innych.
Rysowanie z liter
Ten obraz będzie wyglądał jak czarno-biała grafika. Martwa natura składa się z liter, które płynnie zamieniają się w słowa, a nawet zdania. Jak narysować tak oryginalną kompozycję dekoracyjną? Najpierw musisz narysować szkic. Nakreśl kubek oraz gazetę, które będą leżały w tle. Następnie musisz podzielić rysunek według tonów. Na przykład kawa w kubku powinna być najbardziej nasycona tonem, drugie miejsce zajmuje padający cień, a trzecie własne. W ten sposób możliwe jest podzielenie całego szkicu liniami. Następnie, jeśli jesteś pewien swoich umiejętności, możesz zamalować rysunek długopisem żelowym, a jeśli obawiasz się, że coś nie wyjdzie, najpierw wykonaj podmalowanie liter ołówkiem. To prawda, że w tym przypadku litery będą musiały być zakreślone atramentem. Długopis żelowy słabo rysuje ołówkiem. Litery należy nakładać na siebie zgodnie z kształtem obiektów. I pamiętaj, aby bawić się wysokością i szerokością. Jedno słowo może być bardzo wąskie, a drugie dwa lub trzy razy większe. Możesz zaszyfrować niektóre frazy na takim obrazku lub możesz wpisać dowolne słowa.
Słowo „martwa natura” pochodzi od francuskiego wyrażenia „nature morte” i oznacza umartwioną lub martwą naturę. Wydaje mi się jednak, że lepiej oddaje się istota tego typu sztuki Wyrażenie angielskie„martwa natura” - „nieruchome, zamarznięte życie”. W istocie martwa natura to nic innego jak uchwycony fragment życia.
Zbierając materiał do tego artykułu, napotkałem pewne trudności. Na pierwszy rzut oka fotografowanie martwej natury jest łatwe. Postaw filiżankę na stole, dodaj do niej kilka detali, ustaw światło i sam kliknij spust migawki. Modele fotograficzne są zawsze pod ręką, nieograniczony czas na zdjęcia. Wygodny i minimalny koszt. Dlatego początkujący fotografowie tak bardzo kochają ten gatunek. A niektórzy osiągają bardzo równo ciekawe wyniki. Wejdź na dowolną stronę fotograficzną, wybierz odpowiednią sekcję i podziwiaj naprawdę eleganckie zdjęcia. Ale czas mija i pojawia się wiele pytań: „Po co to kręcić? Komu to potrzebne? Co będę z tego miał?” Nie mogąc znaleźć odpowiedzi na te pytania, wiele osób decyduje się na fotografię ślubną, dziecięcą lub zwierzęcą, co zapewnia pewien dochód. Martwa natura nie cieszy się szczególnym szacunkiem wśród mistrzów fotografii. To nie jest dochodowy biznes. Jeśli cokolwiek może przynieść, to tylko satysfakcję estetyczną. I od czasu do czasu fotografują martwą naturę, że tak powiem, aby doskonalić swoje umiejętności.
Ale jest kilku, którzy widzą w martwej naturze coś więcej niż tylko piękne zdjęcie. Właśnie tym mistrzom martwej natury dedykuję swój artykuł.
Przyznam, że na początku chciałem dokonać selekcji prac fotografów, których lubię i którzy słusznie zajmują pierwsze miejsca w rankingach na różnych portalach fotograficznych. I wtedy pojawiło się pytanie: „dlaczego?” Każdy wie, jak korzystać z Internetu, większość z nich studiowała strony ze zdjęciami więcej niż raz najlepsze prace są znajome, a informacje o interesującym ich fotografie zawsze można znaleźć za pomocą wyszukiwarki. Postanowiłam opowiedzieć Wam o Fotografach Specjalnych - tych, których twórczość wywraca do góry nogami uznane kanony, którzy naprawdę wnieśli coś nowego do fotografii martwej natury, którym udało się dostrzec coś niezwykłego w zwykłych rzeczach. Możesz odnosić się do ich pracy na różne sposoby: podziwiać lub odwrotnie, nie akceptować. Ale na pewno ich twórczość nie może pozostawić nikogo obojętnym.
1. Cara Barer
Kara Barer (1956), fotografka z USA, wybrała jeden temat do zdjęć – książkę. Przekształcając je, tworzy niesamowite rzeźby książkowe, które fotografuje. Jej zdjęcia można oglądać bez końca. Przecież każdy taki rzeźba książkowa ma określone znaczenie i jest niejednoznaczne.
2. Guido Mocafico
Szwajcarski fotograf Guido Mocafico (1962) w swojej twórczości nie ogranicza się do jednego tematu. Interesuje się różnymi rzeczami.
Ale nawet biorąc pojedynczy przedmiot, dostaje niesamowitą pracę. Znany z serialu „Ruch” („Ruch”). Wydaje się, że mechanizmy zegara są po prostu wzięte, ale każdy, jeśli przyjrzysz się uważnie, ma swój własny charakter.
Jak wiadomo, w martwych naturach usunięto ” przyroda nieożywiona W swoim serialu „Węże” Guido Mocafico naruszył tę zasadę i wziął Żyjąca istota. Zwinięte węże tworzą niesamowity, jasny i niepowtarzalny obraz.
Ale fotograf tworzy także tradycyjne martwe natury, fotografując je holenderski styl i używanie prawdziwie „przedmiotów nieożywionych” jako rekwizytów.
3. Carla Kleinera
Szwedzki fotograf Karl Kleiner (1983) w swoich martwych naturach wykorzystuje najzwyklejsze przedmioty, komponując z nich dziwaczne obrazy. Fotografie Karla Kleinera są kolorowe, graficzne i eksperymentalne. Jego wyobraźnia jest nieograniczona, wykorzystuje zupełnie inne materiały, od papieru po jajka. Wszystko, jak mówią, idzie do pracy.
4. Charlesa Grogga
Martwe natury Amerykanina Charlesa Grogga wykonane są w czerni i bieli. Fotograf używa również zwykłych artykuły gospodarstwa domowego dostępny w każdym domu. Ale eksperymentowanie z ich lokalizacją i łączenie niezwykłe kombinacje, fotograf tworzy naprawdę fantastyczne zdjęcia.
5. Chema Madoz
Jestem pewien, że twórczość Chem Madoza (1958), fotografa z Hiszpanii, jest znana wielu osobom. Jego czarno-białe martwe natury, wykonane w surrealistycznym stylu, nie pozostawiają nikogo obojętnym. Godne podziwu jest wyjątkowe spojrzenie fotografa na zwykłe rzeczy. Dzieła Madozy są pełne nie tylko humoru, ale także głębokiego wydźwięku filozoficznego.
Sam fotograf twierdzi, że jego zdjęcia powstają bez żadnej obróbki cyfrowej.
6. Marcin Klimas
W pracach Martina Klimasa (1971), fotografa z Niemiec, również nie ma Photoshopa. Tylko krótki, a raczej bardzo krótki czas otwarcia migawki. Jego specjalnie opracowana technika pozwala uchwycić wyjątkowy moment, którego ludzkie oko nie jest w stanie dostrzec. Martin Klimas fotografuje swoje martwe natury w całkowitej ciemności. Za pomocą specjalnego urządzenia w momencie rozbicia przedmiotu na ułamek sekundy włączana jest lampa błyskowa. A kamera uchwyciła Cud. Tutaj masz po prostu wazon z kwiatami!
7. Jan Czerwiński
Amerykanin John Chervinsky (1961) – naukowiec zajmujący się fizyką stosowaną. A jego martwe natury są mieszanką nauki i sztuki. Tutaj nie zrozumiesz: albo martwa natura, albo instruktaż w fizyce. Tworząc swoje martwe natury, John Chervinsky wykorzystuje prawa fizyki, uzyskując niezwykle interesujący wynik.
8. Daniela Gordona
Daniel Gordon (1980), amerykański fotograf, niezajmujący się zagadnieniami naukowymi. Fotografując martwe natury wybrał inną drogę. Drukuje na drukarce kolorowe zdjęcia pobrane z Internetu, zgniata te kartki papieru, a następnie je w nie zawija różne przedmioty. Okazuje się, że coś takiego rzeźby z papieru. Jasne, piękne, oryginalne.
9. Andrew B. Myersa
Martwych natur Andrew Myersa (1987), fotografa z Kanady, nie da się pomylić z żadnymi innymi – zawsze są rozpoznawalne. Proste, delikatne, spokojne tło, dużo pustej przestrzeni, co stwarza wrażenie pełni obrazu światłem i powietrzem. Najczęściej do tworzenia martwych natur wykorzystuje przedmioty z lat 70. i 80. XX wieku. Jego prace są graficzne, stylowe i wywołują pewną nostalgię.
10. Regina DeLuise Regina DeLuise
Regina DeLuise (1959), fotografka z USA, w swoich pracach nie używa lustrzanek. Wybrała inny sposób – drukuje negatywy z kliszy na specjalnym, szmatowanym papierze. Jej obrazy poetyckie zawierają szeroką gamę tonów i wiele tekstur. Martwe natury są bardzo delikatne i poetyckie. Niesamowita gra świateł i cieni.
11. Bohchang Koo
Bohchang Koo (1953), fotograf z Korea Południowa, woli biały kolor. Martwe natury, które stworzył – białe na białym – są po prostu niesamowite. Są nie tylko piękne, ale także mają określone znaczenie - zachowanie starożytności Kultura koreańska. Przecież fotograf specjalnie podróżuje po świecie, szukając obiektów w muzeach dziedzictwo kulturowe ich kraju.
12. Chen Weia
Z kolei Chen Wei (1980), chińska fotografka, inspirację do swoich prac czerpie blisko domu. Przedstawiając dziwne przestrzenie, sceny i przedmioty, wykorzystuje rekwizyty wyrzucone na wysypiska śmieci przez innych.
13. Alejandra Laviada
Alejandra Laviada, fotografka z Meksyku, do swoich fotografii wykorzystuje zrujnowane i opuszczone budynki, tworząc martwe natury ze znalezionych tam przedmiotów. Jej martwe natury opowiadają prawdziwe historie o ludziach, którzy mieszkali w tych budynkach i używali rzeczy pozostawionych jako niepotrzebne.
W programie dla dzieci Szkoła Artystyczna dyscyplina „Rysunek” jest uważana za podstawową. Rysujemy dużo i poważnie. Zasadniczo jest to praca nad martwą naturą - od pierwszej do ostatniej klasy główną formą edukacji jest rysowanie nieruchomej natury. W rezultacie studenci męczą się długimi występami w nauce i tracą zainteresowanie dyscypliną. Aby aktywować kreację proces poznawczy, już od pierwszej klasy zaczynam wprowadzać zadania przetwarzania martwej natury w technologii czarno-biała grafika. A ponieważ w pierwszej klasie podział na rysunek i kompozycję jest bardzo warunkowy, zadania z kompozycji mają także charakter graficzny i pomagają uczniom zrozumieć prawa i zasady tej techniki. Z każdym rokiem studiów stopień skomplikowania zadań staje się coraz bardziej skomplikowany, pojawia się zmienność, swoboda wyboru i indywidualne preferencje studentów. Ale podstawowe zasady obraz graficzny- rytm czarno-białych plam, wyrazistość linii i sylwetki, integralność i uogólnienie pozostają i z biegiem czasu ulegają automatyzacji. Posiadanie techniki grafiki czarno-białej pomaga dziecku umiejętnie organizować kompozycję (niezależnie od tego, czy jest to oprawa malarska czy rysunkowa, kompozycja sztalugowa czy dekoracyjna), aby osiągnąć wyrazistość obraz artystyczny ogólnie oraz czytelność cech poszczególnych elementów. Dlatego w szkole zadania studyjne zacznij od opracowania czarno-białej wersji szkicu - podstawy do dalszej udanej pracy.
Co to jest grafika? Grafika to rodzaj sztuki pięknej, który obejmuje rysunek i drukowane typy dzieła sztuki, bazujące na sztuce rysunku, posiadające jednak własne środki wizualne i możliwości wyrazu. Termin „grafika” pochodzi od greckiego czasownika grapho – piszę, rysuję, rysuję i pierwotnie był używany wyłącznie w odniesieniu do pisma i kaligrafii, ale już na przełomie XIX i XX wieku. w związku z rozwojem produkcji poligraficznej, nabrało nowego znaczenia. Grafikę zdefiniowano jako sztukę, która opiera się na linii, kontraście czarnego obrazu i białego papieru. Jako główny środki wizualne, oprócz linii konturu, w grafice zastosowano kropkę, obrys i plamkę. Istnieje jedenaście możliwości łączenia elementów graficznych:
linia i punkt;
linia i udar;
kropka i linia;
kropka i obrys;
plamka i udar;
plamka i kropka;
kropka, linia i miejsce;
kropka, linia i obrys;
punkt, kropka i obrys;
linia, punkt i obrys;
kropka, linia, punkt i obrys;
Posiadanie tego zestawu środki wyrazu grafiki, studenci mają nieograniczone możliwości ekspresja twórcza. Ale najczęściej dzieci pracują w wersji graficznej liniowej lub punktowej.
Grafika liniowa jest najbardziej zrozumiała dla dziecka, szczególnie lubią ją uczniowie. niższe stopnie. Jest jednocześnie najbardziej dekoracyjna, gdyż różnorodność linii w połączeniu z licznymi fakturami pozwala na tworzenie indywidualnych kompozycji w oparciu o ustaloną martwą naturę.
Grafika liniowa jest ściśle związana z przeniesieniem objętości i faktury przedstawianych obiektów. Wcześniej uczniowie mieli za zadanie wymyślić różne tekstury, a w pracy graficznej muszą być one różne. środki techniczne potrafić oddać tekstury drewna, szkła, futra, liści itp. Oczywiście, w zależności od wieku uczniów, stopień umowności tekstur powinien być zróżnicowany. Zadania związane z grafiką liniową wykonuje się tuszem, długopisem lub długopisem żelowym.
Grafika punktowa jest najbardziej rygorystyczna, najbardziej integralna i uogólniona; pracując w tej technice, dziecko wykonuje ogromną pracę analityczną, przetwarzając przestrzeń trójwymiarową w dwuwymiarową, aby zidentyfikować płaskie cechy obiektów, wyrazistość ich sylwetek. Złożoność wykonania grafiki punktowej polega na tym, że w zestawie martwej natury dziecko widzi nie tylko światło i cień, ale także mnóstwo półtonów, które musi świadomie uogólniać w kierunku białych lub czarnych plam. Następnie plamy grupuje się w jedną grupę, w której uwaga skupia się na charakterze ich relacji przestrzennych i wagowych. Na lekcjach stale powtarzam, że wewnątrz arkusza należy monitorować proporcje masy czerni i bieli oraz rytm naprzemienności elementów czerni i bieli - tzw. „Zasada domina”. To właśnie w grafice spotowej studenci najmniej angażują się w kopiowanie z natury, ale pracują nad świadomym doborem zbędnych elementów, doborem plam pod względem wagi i charakteru, przez strukturę kompozycji, która z pewnością w pewnym stopniu z drugiej prowadzi do uogólnionego postrzegania produkcji i całościowej konstrukcji kompozycja graficzna. Słowo „wybór” powinno przewijać się przez całą pracę nad graficzną wersją martwej natury.
Kolejnym typem obróbki graficznej martwej natury jest grafika w trzech tonacjach – czerni, bieli i szarości. Co więcej, szary może być prostą kolorystyką lub można go zastąpić dowolną teksturą (na przykład suchym pędzlem). Ta technika jest uważana za bardziej złożoną, zapewnia różnorodność proces edukacyjny i pozwala oderwać się od dwuwymiarowości przestrzeni i objętości.
Zajmując się obróbką graficzną martwej natury, poza sposobami przedstawiania, uczniowie rozwijają także twórcze myślenie związane z przeniesieniem przestrzeni. Przestrzeń może być zarówno liniowo-powietrzna, jak i semantyczna. Zadania liniowa perspektywa powietrzna rozwiązywane są w trakcie realizacji edukacyjnych przedstawień edukacyjnych, a uczniowie sami tworzą przestrzeń semantyczną: pracują z formatem i skalą obrazu, podkreślają centrum kompozycji, buduj plany semantyczne, a nie przestrzenne.
Polegając na Twoim doświadczenie pedagogiczne, zauważyłem, że grafiki martwej natury są bardzo atrakcyjne dla uczniów szkół artystycznych, chętnie poddają się jakiejkolwiek obróbce graficznej. W ich realizacji pomaga im umowność języka graficznego, jego wyrazistość, zwięzłość i dekoracyjność. kreatywne pomysły nie tylko w rysunku, ale także w kompozycji i malarstwie dekoracyjnym.
Stopień warunkowości i płaskości obrazu ma kilka poziomów złożoności:
1. Wzór tonowy z plamką.
2. Rysunek tonalny kreską z przeniesieniem światłocienia i faktury.
3. Wzór tonalny z plamą z podkreśleniem konturu.
4. Rysowanie linii: przerywana, kropkowana, ciągła.
5. Kontrastowy czarno-biały wzór.
6. Rysunek sylwetki o różnym stopniu objętości.
Klasyfikacja ta jest dość zwięzła, ale daje jasne zrozumienie sekwencji prac od trójwymiarowego rysunku do stylizacji sylwetki. Konwencjonalność języka graficznego, jego wyrazistość, zwięzłość i dekoracyjność pomagają uczniom szkoły artystycznej w realizacji twórczych pomysłów nie tylko w rysunku, ale także w kompozycji.