Glenn Gould to człowiek, który sprawił, że muzyka brzmiała na swój własny sposób. Glena Goulda. W poszukiwaniu idealnej interpretacji

04.03.2019

Wieczorem 7 maja 1957 roku na koncercie w Duża sala W Konserwatorium Moskiewskim zebrało się bardzo niewiele osób. Nazwisko wykonawcy nie było znane żadnemu z moskiewskich melomanów i mało kto z obecnych wiązał duże nadzieje z tym wieczorem. Ale to, co wydarzyło się później, z pewnością wszyscy zapamiętają na długo.

Oto jak swoje wrażenia opisał profesor G. M. Kogan: „Już od pierwszych taktów pierwszej fugi z Sztuki fugi Bacha, którymi rozpoczął swój koncert kanadyjski pianista Glen Gould, stało się jasne, że mamy do czynienia z wybitne zjawisko w zakresie wykonawstwa artystycznego na fortepianie. Wrażenie to nie uległo zmianie, a jedynie wzmocniło się przez cały koncert. Glen Gould jest jeszcze bardzo młody (ma dwadzieścia cztery lata). Mimo to jest już dojrzałym artystą i doskonałym mistrzem o dobrze określonej, ostro określonej osobowości. Ta indywidualność odbija się zdecydowanie we wszystkim - zarówno w repertuarze, jak i w interpretacji, w technicznych metodach gry, a nawet w zewnętrznym sposobie wykonania. Trzon repertuaru Goulda stanowi główne dzieła Bacha (np. Partita szósta, Wariacje Goldbergowskie), Beethovena (np. Sonata op. 109, Koncert IV), a także Niemieccy ekspresjoniści XX w. (sonaty Hindemitha, Albana Berga). Dzieła takich kompozytorów jak Chopin, Liszt, Rachmaninow, nie mówiąc już o utworach o charakterze czysto wirtuozowskim czy salonowym, najwyraźniej kanadyjskiego pianisty w ogóle nie przyciągają.

To samo połączenie tendencji klasycznych i ekspresjonistycznych charakteryzuje także interpretację Goulda. Niezwykłe jest ogromne napięcie myśli i woli, niesamowicie odciśnięte w rytmie, frazowaniu, dynamicznych korelacjach, na swój sposób bardzo wyraziste; ale ta wyrazistość, dobitnie wyrazista, jest jednocześnie w jakiś sposób ascetyczna. Koncentracja, z jaką pianista „odrywa się” od otoczenia, zanurza się w muzyce, energia, z jaką wyraża i „narzuca” publiczności swoje zamierzenia wykonawcze, jest niesamowita. Być może te intencje są w pewnym sensie dyskusyjne; nie sposób jednak nie oddać hołdu imponującemu przekonaniu wykonawcy, nie sposób nie podziwiać pewności, klarowności, pewności jego wcielenia, precyzyjnego i nienagannego kunsztu pianistycznego – takiej równej linii dźwiękowej (zwłaszcza w fortepianie i pianissimo), takiego wyraziste przejścia, taka ażurowa, na wskroś polifonia. W pianistyce Goulda wszystko jest oryginalne – aż do techniki. Specyficzne jest jego wyjątkowo niskie lądowanie. Specyficzny jest sposób dyrygowania wolną ręką podczas występu… Glen Gould jest wciąż na samym początku swojej drogi artystycznej. Nie ma wątpliwości, że czeka go świetlana przyszłość. "

Tę krótką recenzję zacytowaliśmy niemal w całości nie tylko dlatego, że była to pierwsza poważna reakcja na grę kanadyjskiego pianisty, ale przede wszystkim dlatego, że portret nakreślony z taką przenikliwością przez czcigodnego Radziecki muzyk paradoksalnie zachowała swoją autentyczność głównie później, choć czas oczywiście dokonał w niej pewnych korekt. To, nawiasem mówiąc, dowodzi, jak dojrzały, dobrze ukształtowany mistrz młody Gould pojawił się przed nami.

Pierwsze lekcje muzyki pobierał w r rodzinne miasto Toronto wraz z matką, od 11 roku życia uczęszczał do tamtejszego Królewskiego Konserwatorium, gdzie uczył się gry na fortepianie w klasie Alberto Guerrero i kompozycji u Leo Smitha, uczył się także u najlepszych organistów w mieście. Gould zadebiutował jako pianista i organista już w 1947 roku, a ukończył konserwatorium dopiero w 1952 roku. Nic nie zapowiadało gwałtownie rośnie nawet po udanych występach w Nowym Jorku, Waszyngtonie i innych miastach USA w 1955 roku. Głównym efektem tych występów był kontrakt z wytwórnią płytową CBS, która przez długi czas zachowała swoją siłę. Wkrótce powstała pierwsza poważna płyta – „Goldbergowskie” wariacje Bacha – która później zyskała dużą popularność (wcześniej jednak nagrał już kilka dzieł Haydna, Mozarta i współcześni autorzy). I to właśnie ten wieczór w Moskwie położył podwaliny pod światową sławę Goulda.

Zajmując czołowe miejsce w gronie czołowych pianistów, przez kilka lat Gould prowadził działalność aktywną działalność koncertowa. To prawda, że szybko zasłynął nie tylko ze swojego osiągnięcia artystyczne, ale także ekstrawagancja zachowań, upór charakteru. Albo zażądał od organizatorów koncertów określonej temperatury na sali, wyszedł na scenę w rękawiczkach, potem odmówił gry, dopóki na pianinie nie pojawiła się szklanka wody, to zaczął skandalicznie próby, odwołane koncerty, następnie wyraziły niezadowolenie publiczności, popadły w konflikt z dyrygentami.

W prasie światowej krążyła zwłaszcza historia o tym, jak Gould podczas próby Koncertu d-moll Brahmsa w Nowym Jorku tak poróżnił się z dyrygentem L. Bernsteinem w interpretacji dzieła, że wykonanie niemal się rozpadło. Na koniec Bernstein zwrócił się do publiczności jeszcze przed rozpoczęciem koncertu, ostrzegając, że nie może „nie brać odpowiedzialności za wszystko, co się wydarzy”, ale mimo to będzie dyrygował, gdyż występu Goulda „warto posłuchać”.

Tak, Gould od samego początku zajmował szczególne miejsce wśród współczesnych artystów i wiele mu wybaczano właśnie za jego niezwykłość, za wyjątkowość jego sztuki. Nie można było do niego podejść tradycyjnymi standardami i on sam zdawał sobie z tego sprawę. Charakterystyczne jest, że po powrocie z ZSRR początkowo chciał wziąć udział w Konkursie Czajkowskiego, ale po namyśle porzucił ten pomysł; jest mało prawdopodobne, aby taka oryginalna sztuka zmieściła się w ramach konkurencji. Jednak nie tylko oryginalne, ale i jednostronne. A im dalej Gould koncertował, tym wyraźniejsze stawały się nie tylko jego mocne strony, ale i ograniczenia – zarówno repertuarowe, jak i stylistyczne. Jeśli jego interpretacje muzyki Bacha lub autorów współczesnych – przy całej swojej oryginalności – niezmiennie otrzymywały najwyższe oceny, to jego „wyprawy” w inne sfery muzyczne budził niekończące się spory, niezadowolenie, a czasem nawet wątpliwości co do powagi intencji pianisty.

Niezależnie od tego, jak ekscentryczny był Glen Gould, jego decyzja o ostatecznym opuszczeniu działalności koncertowej została przyjęta jak piorun. Od 1964 roku Gould nie wchodził na scenę koncertową, a w 1967 r ostatni raz pojawił się przed publicznością w Chicago. Następnie publicznie oświadczył, że nie ma zamiaru już występować i chce całkowicie poświęcić się nagrywaniu. Krążyły pogłoski, że powodem, ostatnią kroplą, było bardzo nieprzychylne przyjęcie go przez włoską publiczność po przedstawieniu sztuk Schönberga. Jednak sam artysta uzasadnił swoją decyzję względami teoretycznymi. Powiedział to w dobie technologii życie koncertowe powszechnie skazane na wymarcie, że dopiero nagranie daje artyście możliwość stworzenia idealnego wykonania, a publiczności warunki idealnego odbioru muzyki, bez ingerencji sąsiadów w sali koncertowej, bez wypadków. " Sale koncertowe znikną” – przewidywał Gould. „Zastąpią je zapisy”.

Decyzja Goulda i jego motywacje wywołały ostrą reakcję ekspertów i opinii publicznej. Niektórzy wyrażali ironię, inni poważnie się sprzeciwiali, jeszcze inni – nieliczni – ostrożnie się z tym zgadzali. Fakt pozostaje jednak faktem – przez około półtorej dekady Glen Gould komunikował się ze społeczeństwem jedynie zaocznie, jedynie za pomocą płyt.

Na początku tego okresu działał owocnie i intensywnie; jego nazwisko przestało pojawiać się w nagłówku skandalicznej kroniki, ale nadal przyciągało uwagę muzyków, krytyków i melomanów. Nowe płyty Goulda pojawiały się niemal co roku, ale Łączna one są małe. Znaczącą część jego nagrań stanowią dzieła Bacha: sześć Partit, koncerty D-dur, f-moll, g-moll, wariacje „Goldbergowskie” i „Well-Tempered Clavier”, wynalazki dwu- i trzyczęściowe, Suita francuska, Koncert włoski , „The Art of Fugue”.. Tutaj Gould raz po raz występuje w roli wyjątkowego muzyka, jak nikt inny, który słyszy i odtwarza złożoną polifoniczną tkankę muzyki Bacha z wielką intensywnością, ekspresją i dużą duchowością. Każdą swoją płytą raz po raz udowadnia możliwość współczesnego odczytania muzyki Bacha – bez względu na prototypy historyczne, nie odwołując się do stylu i instrumentarium z odległej przeszłości, czyli świadczy o głębokiej żywotności i nowoczesności dzisiejszej muzyki Bacha.

Kolejną ważną częścią repertuaru Goulda jest twórczość Beethovena. Już wcześniej (od 1957 do 1965) nagrał wszystkie koncerty, a następnie dodał do swojej listy nagrań wiele sonat i trzy duże cykle wariacyjne. Tutaj także przyciąga świeżością swoich pomysłów, choć nie zawsze - ich organicznością i przekonywalnością; czasami jego interpretacje całkowicie odbiegają, jak zauważył radziecki muzykolog i pianista D. Blagoy, „nie tylko z tradycjami, ale także z podstawami myślenia Beethovena”. Mimowolnie czasami pojawia się podejrzenie, że odstępstwa od przyjętego tempa, schematu rytmicznego, proporcji dynamicznych nie są spowodowane przemyślaną koncepcją, ale chęcią zrobienia wszystkiego inaczej niż inni. „Ostatnie nagrania sonat Beethovena z opusu 31 Goulda” – pisał w połowie lat 70. jeden z zagranicznych krytyków – „trudno zadowolić zarówno jego fanów, jak i przeciwników. Ci, którzy go kochają, bo przychodzi do studia dopiero wtedy, gdy jest gotowy powiedzieć coś nowego, czego inni jeszcze nie powiedzieli, uznają, że tym trzem sonatom brakuje właśnie twórczego wyzwania, innym zaś wszystko, co robi inaczej niż jego koledzy, nie będzie wydawać się szczególnie oryginalne.

Opinia ta odsyła nas do słów samego Goulda, który swego czasu tak definiował swój cel: „Przede wszystkim staram się unikać złotego środka, uwiecznianego na płycie przez wielu znakomitych pianistów. Uważam, że przy nagraniu jest to bardzo Ważne jest, aby podkreślić te aspekty, które rzucają światło ta praca z zupełnie innego punktu widzenia. Wykonanie musi być jak najbardziej zbliżone do aktu twórczego – to jest klucz, to jest rozwiązanie problemu. „Czasami ta zasada prowadziła do wybitne osiągnięcia, ale w przypadkach, gdy potencjał twórczy jego osobowość weszła w konflikt z naturą muzyki - ku porażce. Kupujący płyty są już przyzwyczajeni do tego, że każdy nowe wejście Gulda niosła niespodziankę, pozwoliła usłyszeć znajoma praca w nowym świetle. Jednak, jak słusznie zauważył jeden z krytyków, w ustawicznie zadziwiających interpretacjach, w wiecznym dążeniu do oryginalności czai się także zagrożenie rutyną – zarówno wykonawca, jak i słuchacz przyzwyczaja się do nich, po czym stają się one „znakami oryginalności”.

Repertuar Goulda zawsze był wyraźnie sprofilowany, choć nie aż tak wąski. Prawie nie grał Schuberta, Chopina, Schumanna, Liszta, wykonywał wiele muzyki XX wieku - sonaty Skriabina (nr 3), Prokofiewa (nr 7), A. Berga, E. Kshenecka, P. Hindemitha , wszystkie dzieła A. Schönberga, w których brał udział fortepian; wskrzesił twórczość autorów starożytnych – Byrda i Gibbonsa, zaskoczył miłośników muzyki fortepianowej nieoczekiwanym odwołaniem do dokonanej przez Liszta transkrypcji V Symfonii Beethovena (odtworzył pełnokrwiste brzmienie orkiestry przy fortepianie) oraz fragmentów oper Wagnera; niespodziewanie nagrał zapomniane przykłady muzyki romantycznej – Sonatę Griega (op. 7), Nokturn i Wariacje chromatyczne Wiese’a, a czasem nawet sonaty Sibeliusa. Gould komponował także własne kadencje do koncertów Beethovena i wykonywał partię fortepianu w monodramie R. Straussa „Enoch Arden”, wreszcie nagrał na organach Sztukę fugi Bacha i po raz pierwszy zasiadając przy klawesynie dał swoim wielbicielom znakomita interpretacja Suity Handla. Do tego wszystkiego Gould aktywnie działał jako publicysta, autor programy telewizyjne, artykuły i adnotacje do akt własnych, zarówno pisemnych, jak i ustnych; czasami jego wypowiedzi zawierały także oburzające ataki poważni muzycy, czasem wręcz przeciwnie - głębokie, choć paradoksalne myśli. Ale zdarzało się też, że obalał swoje literackie i polemiczne wypowiedzi własną interpretację.

Ta wszechstronna i celowa działalność dała powód do nadziei, o której artysta jeszcze nie mówił ostatnie słowo; że w przyszłości jego poszukiwania zaowocują znaczącymi wynikami rezultaty artystyczne. W niektórych jego nagraniach, choć bardzo niejasno, nadal można było dostrzec tendencję do odchodzenia od skrajności, które charakteryzowały go dotychczas. Elementy nowej prostoty, odrzucenia manier i ekstrawagancji, powracają do pierwotnego piękna dźwięk fortepianu najwyraźniej widoczne w jego nagraniach kilku sonat Mozarta i 10 intermezzo Brahmsa; performans artysty w niczym nie stracił inspirującej świeżości i oryginalności.

Trudno oczywiście powiedzieć, w jakim stopniu tendencja ta będzie się rozwijać. Jeden z zagranicznych obserwatorów, „przepowiadając” dalsze kierunki rozwoju Glenna Goulda, sugerował, że albo w końcu zostanie „normalnym muzykiem”, albo będzie grał w duecie z innym „awanturnikiem” – Friedrichem Guldą. Żadna z możliwości nie wydawała się nieprawdopodobna.

W ostatnie lata Gould – to” muzyczny rybak”, jak go nazywali dziennikarze, - trzymał się z daleka życie artystyczne. Osiadł w Toronto, w pokoju hotelowym, gdzie wyposażył małe studio nagrań. Stąd jego nagrania rozeszły się po całym świecie. On sam przez długi czas nie wychodził z mieszkania i spacerował samochodem jedynie nocą. Tutaj, w tym hotelu, artystę dopadła niespodziewana śmierć. Ale oczywiście dziedzictwo Goulda jest nadal żywe, a jego gra uderza dziś swoją oryginalnością, odmiennością od wszelkich znanych przykładów. Zainteresowanie również jest duże dzieła literackie, zebrane i skomentowane przez T. Page'a i opublikowane już w wielu językach.

Grigoriew L., Platek Ya.

Glenn Herbert Gould (25 września 1932, Toronto, Kanada – 4 października 1982, tamże) to jeden z najwybitniejszych pianistów XX wieku.

Biografia

Pierwsze lekcje muzyki Gould pobierał u swojej matki, Florence Emmy Grieg Gould, pra-siostrzenicy Edvarda Griega. W wieku dziesięciu lat zaczął uczęszczać na zajęcia w Konserwatorium w Toronto, ucząc się u Alberto Guerrero na fortepianie i Frederica Sylvestra na organach.

W 1945 roku Gould po raz pierwszy wystąpił publicznie (jako organista), rok później po raz pierwszy wykonał z orkiestrą IV Koncert Beethovena, a w 1947 dał swój pierwszy koncert solowy. W 1957 roku Gould odbył tournée po ZSRR, stając się pierwszym muzykiem z Ameryki Północnej, który wystąpił w Związku Radzieckim po zakończeniu II wojny światowej; Na sowieckich koncertach Goulda można było usłyszeć muzykę Bacha i Beethovena, a także dzieła Schönberga i Berga, które od wielu lat nie były wykonywane w ZSRR. 10 kwietnia 1964 Glenn Gould dał swoje ostatni koncert, po czym całkowicie się poddał Mowa publiczna i skupił się całkowicie na nagraniach studyjnych i występach radiowych.

kreacja

Repertuar Goulda był dość szeroki i obejmował kompozytorów awangardowych początku XX wieku. Charakterystyczne jest, że w swoim ostatnim koncercie zagrał Krenka wraz z Bachem i Beethovenem. Chwalono pracę Goulda kompletny zapis dzieła fortepianowe Schönberga; nagrał szereg rzadkich dzieł fortepianowych Sibeliusa, Richarda Straussa, Hindemitha. Jednocześnie dla niektórych najwspanialsze klasyki Muzykę fortepianową Gould wyrażał ostro sceptyczny stosunek – w szczególności wielokrotnie deklarował niechęć do muzyki Mozarta i Chopina (mimo że obaj byli obecni w jego repertuarze). Głównym kompozytorem Goulda był niewątpliwie Johann Sebastian Bach, a najważniejszym dziełem Bacha były Wariacje Goldbergowskie, które wykonywał przez całe życie (dwa słynne nagrania Goulda „Wariacje Goldbergowskie” pochodzą z lat 1955 i 1981). Spośród kompozytorów epoki przedbachowskiej Gould cenił przede wszystkim Orlando Gibbonsa, nazywając go swoim ulubionym autorem.

Glenn Gould miał wybitną technikę pianistyczną, co zwykle przypisuje się po części jego szczególnej pozycji: Gould uważał, że bardzo niska pozycja nad instrumentem pozwala mu na pełniejszą kontrolę nad klawiaturą. Gould słynął z przejrzystości dotyku nawet w bardzo wysokich tempach, zwłaszcza w utwory polifoniczne. Jednocześnie Gould był ostrym przeciwnikiem rozrywkowo-wirtuozowskiego podejścia do muzyki, traktującego tworzenie muzyki jako poszukiwanie duchowe i intelektualne. Prawdopodobnie dobrze znana zdolność Goulda do oferowania różnych interpretacji tego samego materiał muzyczny.

Oprócz nagrań Gould pozostawił po sobie kilka oryginalnych utworów, w tym sonatę na fortepian, sonatę na fagot i fortepian oraz Kwartet smyczkowy; pisma te kontynuują tradycję Schönberga i Drugiego szkoła wiedeńska.

Ponadto Gould sam napisał teksty książeczek towarzyszących wielu swoim nagraniom, wykazując w tych tekstach swoisty humor (w szczególności wprowadzając w nie różnych fikcyjnych muzyków).

Interesujące fakty

Glenn Gould słynął ze swojej ekscentryczności. On na przykład miał zwyczaj nucić lub nucić pod nosem podczas występów, co stwarzało pewne trudności inżynierom dźwięku swoich nagrań; Sam Gould stwierdził, że zdarza mu się to nieświadomie i im silniejszy, tym gorzej instrument ten służy jego wykonywanym zadaniom. Gould nie chciał się bawić, chyba że siedział na tym samym starym krześle wykonanym przez jego ojca (obecnie to krzesło jest wystawione w Biblioteka Narodowa Kanada pod szklanym słojem). Gould bardzo bał się przeziębienia i nawet w ciepłe dni nie zdejmował płaszcza i rękawiczek. Te i inne dziwactwa w charakterze i zachowaniu Goulda pozwoliły kilku ekspertom zasugerować to po jego śmierci świetny pianista cierpiał na chorobę neuropsychologiczną zwaną zespołem Aspergera (choroba ta nie została jeszcze wyizolowana za życia Goulda).

Glenn Gould otrzymał nagrodę Grammy czterokrotnie, ale tylko raz w ciągu swojego życia w 1974 roku – i to nie jako muzyk, ale jako autor tekstu towarzyszącego jego nagraniu wszystkich sonat fortepianowych Paula Hindemitha. Jednak po śmierci Goulda w 1983 roku jego nagranie Wariacji Goldbergowskich otrzymało dwie nagrody Grammy ( najlepsza wydajność akademicki solista muzyczny i najlepszy rekord muzyka klasyczna ogólnie), a w 1984 roku tę samą nagrodę otrzymało wykonanie przez Goulda sonat fortepianowych Beethovena.

Ku pamięci Glenna Goulda co trzy lata przyznawana jest prestiżowa nagroda Glenna Goulda.

Słynny kanadyjski pianista, najbardziej znany ze swoich interpretacji muzyki Bacha.

Glenn Gould urodził się 25 września 1932 roku w Toronto. Jego rodzice – Russell Herbert Gould i Florence Emma Grieg Gould – byli muzykami i Gould zachęcał go od dzieciństwa rozwój muzyczny. Pierwsze lekcje muzyki pobierał u swojej matki, pra-siostrzenicy Edvarda Griega. Od dziesiątego roku życia zaczął uczęszczać na zajęcia w Konserwatorium w Toronto, ucząc się u Alberto Guerrero na fortepianie i u Frederica Sylvestra na organach.

W 1945 roku Gould po raz pierwszy wystąpił publicznie (jako organista), rok później po raz pierwszy wykonał z orkiestrą IV Koncert Beethovena, a w 1947 dał swój pierwszy recital. W 1957 roku Gould odbył tournée po ZSRR, stając się pierwszym muzykiem z Ameryki Północnej, który wystąpił w Związku Radzieckim od zakończenia II wojny światowej; Na sowieckich koncertach Goulda można było usłyszeć muzykę Bacha i Beethovena, a także dzieła Schönberga i Berga, które od wielu lat nie były wykonywane w ZSRR. 10 kwietnia 1964 Glenn Gould dał swój ostatni koncert w Los Angeles, po którym całkowicie porzucił występy publiczne i całkowicie skupił się na nagraniach studyjnych i występach radiowych.

Repertuar Goulda był dość szeroki i obejmował kompozytorów awangardowych początku XX wieku. Charakterystyczne jest, że w swoim ostatnim koncercie zagrał Krenka wraz z Bachem i Beethovenem. Wysoko chwalono pełne nagranie dzieł fortepianowych Schönberga dokonane przez Goulda; nagrał szereg rzadkich dzieł fortepianowych Sibeliusa, Richarda Straussa, Hindemitha. Jednocześnie Gould wyrażał ostry sceptycyzm wobec niektórych z największych klasyków muzyki fortepianowej – w szczególności wielokrotnie deklarował niechęć do muzyki Mozarta i Chopina (mimo że obaj byli obecni w jego repertuarze). Głównym kompozytorem Goulda był z pewnością Johann Sebastian Bach, a najważniejszym dziełem Bacha były Wariacje Goldbergowskie, które wykonywał przez całe życie (z lat 1955 i 1981 pochodzą dwa słynne nagrania Wariacji Goldbergowskich Goulda). Spośród kompozytorów epoki przedbachowskiej Gould cenił przede wszystkim Orlando Gibbonsa, nazywając go swoim ulubionym autorem.

Glenn Gould miał wybitną technikę pianistyczną, co zwykle przypisuje się po części jego szczególnej pozycji: Gould uważał, że bardzo niska pozycja nad instrumentem pozwala mu na pełniejszą kontrolę nad klawiaturą. Gould słynął z przejrzystości dotyku nawet w bardzo wysokich tempach, zwłaszcza w utworach polifonicznych. Jednocześnie Gould był ostrym przeciwnikiem rozrywkowo-wirtuozowskiego podejścia do muzyki, traktującego tworzenie muzyki jako poszukiwanie duchowe i intelektualne. Być może dobrze znana umiejętność Goulda do oferowania za każdym razem różnych interpretacji tego samego materiału muzycznego wiąże się z ideą poszukiwań.

Oprócz nagrań Gould pozostawił po sobie kilka oryginalnych dzieł, m.in. sonatę fortepianową, sonatę na fagot i fortepian oraz kwartet smyczkowy; pisma te kontynuują tradycję Schönberga i Drugiej Szkoły Wiedeńskiej.

Ponadto Gould sam napisał teksty książeczek towarzyszących wielu swoim nagraniom, wykazując w tych tekstach swoisty humor (w szczególności wprowadzając w nie różnych fikcyjnych muzyków).

Glenn Gould słynął ze swojej ekscentryczności. On na przykład miał zwyczaj nucić lub nucić pod nosem podczas występów, co stwarzało pewne trudności inżynierom dźwięku swoich nagrań; Sam Gould stwierdził, że zdarza mu się to nieświadomie i im silniejszy, tym gorzej instrument ten służy jego wykonywanym zadaniom. Gould nie chciał się bawić, chyba że siedział na tym samym starym krześle wykonanym przez jego ojca (obecnie krzesło to jest wystawione w Bibliotece Narodowej Kanady pod szklaną osłoną). Gould bardzo bał się przeziębienia i nawet w ciepłe dni nie zdejmował płaszcza i rękawiczek. Te i inne dziwactwa w charakterze i zachowaniu Goulda pozwoliły kilku ekspertom założyć po jego śmierci, że wielki pianista cierpiał na chorobę neuropsychologiczną zwaną zespołem Aspergera (choroba ta nie została jeszcze wyizolowana za życia Goulda).

Chociaż Gould nie lubił konkurować w muzyce, przed śmiercią i po niej otrzymał wiele nagród. W 1983 roku został zaliczony do Kanady hala muzyczna chwała.

W 1983 roku w Toronto założono Fundację Glen Gould, aby uczcić i zachować pamięć o Gouldu. Organizacja ta prezentuje między innymi co trzy lata prestiżowa nagroda Glenna Goulda.

W 1997 roku jego imieniem nazwano szkołę Glenna Goulda w Toronto.

Jego imieniem nazwano także Glenn Gould Studio w Toronto.

Glenn Gould zdobył cztery nagrody Grammy:

1983 - Jego nagranie Wariacji Goldbergowskich zdobyło dwie nagrody Grammy (najlepsze wykonanie instrumentalne). artysta solowy bez orkiestry” i „Najlepszy klasyczna płyta»).

1984 - Uhonorowany Nagrody Grammy„Najlepsze wykonanie instrumentalne wykonawcy solowego bez orkiestry” za wykonanie sonat fortepianowych Beethovena.

Słynny kanadyjski pianista, najbardziej znany ze swoich interpretacji muzyki Bacha.

Glenn Gould urodził się 25 września 1932 roku w Toronto. Jego rodzice, Russell Herbert Gould i Florence Emma Grieg Gould, byli muzykami i od dzieciństwa wspierali Goulda w rozwoju muzycznym. Pierwsze lekcje muzyki pobierał u swojej matki, pra-siostrzenicy Edvarda Griega. Od dziesiątego roku życia zaczął uczęszczać na zajęcia w Konserwatorium w Toronto, ucząc się u Alberto Guerrero na fortepianie i u Frederica Sylvestra na organach.

Repertuar Goulda był dość szeroki i obejmował kompozytorów awangardowych początku XX wieku. Charakterystyczne jest, że w swoim ostatnim koncercie zagrał Krenka wraz z Bachem i Beethovenem. Wysoko chwalono pełne nagranie dzieł fortepianowych Schönberga dokonane przez Goulda; nagrał szereg rzadkich dzieł fortepianowych Sibeliusa, Richarda Straussa, Hindemitha. Jednocześnie Gould wyrażał ostry sceptycyzm wobec niektórych z największych klasyków muzyki fortepianowej – w szczególności wielokrotnie deklarował niechęć do muzyki Mozarta i Chopina (mimo że obaj byli obecni w jego repertuarze). Głównym kompozytorem Goulda był z pewnością Johann Sebastian Bach, a najważniejszym dziełem Bacha były Wariacje Goldbergowskie, które wykonywał przez całe życie (z lat 1955 i 1981 pochodzą dwa słynne nagrania Wariacji Goldbergowskich w wykonaniu Goulda). Spośród kompozytorów epoki przedbachowskiej Gould cenił przede wszystkim Orlando Gibbonsa, nazywając go swoim ulubionym autorem.

Glenn Gould miał wybitną technikę pianistyczną, co zwykle przypisuje się po części jego szczególnej pozycji: Gould uważał, że bardzo niska pozycja nad instrumentem pozwala mu na pełniejszą kontrolę nad klawiaturą. Gould słynął z przejrzystości dotyku nawet w bardzo wysokich tempach, zwłaszcza w utworach polifonicznych. Jednocześnie Gould był ostrym przeciwnikiem rozrywkowo-wirtuozowskiego podejścia do muzyki, traktującego tworzenie muzyki jako poszukiwanie duchowe i intelektualne. Być może dobrze znana umiejętność Goulda do oferowania za każdym razem różnych interpretacji tego samego materiału muzycznego wiąże się z ideą poszukiwań.

Ponadto Gould sam napisał teksty książeczek towarzyszących wielu swoim nagraniom, wykazując w tych tekstach swoisty humor (w szczególności wprowadzając w nie różnych fikcyjnych muzyków).

Glenn Gould słynął ze swojej ekscentryczności. On na przykład miał zwyczaj nucić lub nucić pod nosem podczas występów, co stwarzało pewne trudności inżynierom dźwięku swoich nagrań; Sam Gould stwierdził, że zdarza mu się to nieświadomie i im silniejszy, tym gorzej instrument ten służy jego wykonywanym zadaniom. Gould nie chciał się bawić, chyba że siedział na tym samym starym krześle wykonanym przez jego ojca (obecnie krzesło to jest wystawione w Bibliotece Narodowej Kanady pod szklaną osłoną). Gould bardzo bał się przeziębienia i nawet w ciepłe dni nie zdejmował płaszcza i rękawiczek. Te i inne dziwactwa w charakterze i zachowaniu Goulda pozwoliły kilku ekspertom założyć po jego śmierci, że wielki pianista cierpiał na chorobę neuropsychologiczną zwaną zespołem Aspergera (choroba ta nie została jeszcze wyizolowana za życia Goulda).

Chociaż Gould nie lubił konkurować w muzyce, przed śmiercią i po niej otrzymał wiele nagród. W 1983 roku został wprowadzony do Canadian Music Hall of Fame.

W 1983 roku w Toronto założono Fundację Glen Gould, aby uczcić i zachować pamięć o Gouldu. Organizacja ta przyznaje między innymi co trzy lata prestiżową nagrodę Glenna Goulda.

W 1997 roku jego imieniem nazwano szkołę Glenna Goulda w Toronto.

Jego imieniem nazwano także Glenn Gould Studio w Toronto.

Glenn Gould zdobył cztery nagrody Grammy:

1983 - Jego nagranie „Wariacji Goldbergowskich” zdobyło dwie nagrody Grammy („Najlepsze wykonanie instrumentalne artysty solowego bez orkiestry” i „Najlepszy album klasyczny”).

1984 - Otrzymał nagrodę Grammy w kategorii „Najlepsze wykonanie instrumentalne wykonawcy solowego bez orkiestry” za wykonanie sonat fortepianowych Beethovena.

Glena Goulda

(25. 09 1932 — 04.10. 1982)

Wieczorem 7 maja 1957 roku na koncercie w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego zebrało się niewiele osób. Nazwisko wykonawcy nie było znane żadnemu z moskiewskich melomanów i mało kto z obecnych wiązał duże nadzieje z tym wieczorem. Ale to, co wydarzyło się później, z pewnością wszyscy zapamiętają na długo. Tak swoje wrażenia opisuje profesor G. M. Kogan: „Już od pierwszych taktów pierwszej fugi z Sztuki fugi Bacha, którymi rozpoczął swój koncert kanadyjski pianista Glenn Gould, stało się jasne, że mamy do czynienia z wybitnym zjawiskiem w sztuce fugi Bacha. dziedzina wykonawstwa artystycznego na fortepianie.

Wrażenie to nie uległo zmianie, a jedynie wzmocniło się przez cały koncert. Glenn Gould jest jeszcze bardzo młody (ma dwadzieścia cztery lata). Mimo to jest już dojrzałym artystą i doskonałym mistrzem o dobrze określonej, ostro określonej osobowości. Ta indywidualność odbija się zdecydowanie we wszystkim - zarówno w repertuarze, jak i w interpretacji, w technicznych metodach gry, a nawet w zewnętrznym sposobie wykonania. Podstawą repertuaru Goulda są najważniejsze dzieła Bacha (np. VI Partita, Wariacje Goldbergowskie), Beethovena (np. Sonata op. 109, IV Koncert), a także niemieckich ekspresjonistów XX wieku ( sonaty Hindemitha, Albana Berga). Dzieła takich kompozytorów jak Chopin, Liszt, Rachmaninow, nie mówiąc już o utworach o charakterze czysto wirtuozowskim czy salonowym, najwyraźniej pianisty w ogóle nie przyciągają. To samo połączenie tendencji klasycznych i ekspresjonistycznych charakteryzuje także interpretację Goulda. Wyróżnia się ogromnym wysiłkiem myśli i woli, niesamowicie odciśniętym w rytmie, frazowaniu, dynamicznych korelacjach, na swój sposób bardzo wyrazistym; ale ta wyrazistość, dobitnie wyrazista, jest jednocześnie w jakiś sposób ascetyczna. Koncentracja, z jaką pianista „odrywa się” od otoczenia, zanurza się w muzyce, energia, z jaką wyraża i „narzuca” publiczności swoje zamierzenia wykonawcze, jest niesamowita. Być może te intencje są w pewnym sensie dyskusyjne; nie sposób jednak nie oddać hołdu imponującemu przekonaniu wykonawcy, nie sposób nie podziwiać pewności, klarowności, pewności jego wcielenia, precyzyjnego i nienagannego kunsztu pianistycznego – takiej równej „linii dźwiękowej (zwłaszcza w fortepianie i pianissimo), takiej wyraźne przejścia, takie ażurowe, na wskroś” » polifonia. W pianistyce Goulda wszystko jest osobliwe – łącznie z techniką. Jego wyjątkowo niskie lądowanie jest osobliwe. Jego sposób dyrygowania wolną ręką podczas występu jest specyficzny... Glenn Gould jest wciąż na samym początku swojej drogi artystycznej. Nie ma wątpliwości, że czeka go świetlana przyszłość.” Tę krótką recenzję przytoczyliśmy niemal w całości nie tylko dlatego, że była to pierwsza poważna reakcja na występ kanadyjskiego pianisty, ale przede wszystkim dlatego, że portret nakreślony z taką wnikliwością przez czcigodnego radzieckiego muzykologa, paradoksalnie, zachował swoją autentyczność w główny i dzisiaj, chociaż czas oczywiście dokonał pewnych zmian. To, nawiasem mówiąc, dowodzi, jak dojrzałym i dojrzałym mistrzem wydawał się nam młody Gould.
Pierwsze lekcje muzyki pobierał w rodzinnym Toronto od matki, od jedenastego roku życia uczęszczał do tamtejszego Królewskiego Konserwatorium, gdzie uczył się gry na fortepianie w klasie Alberto Guerrero i kompozycji u Leo Smitha, a także u najlepszych organistów w mieście. Gould zadebiutował jako pianista i organista już w 1946 roku, a ukończył konserwatorium dopiero w 1952 roku. Nic nie zapowiadało szybkiego rozwoju, nawet po udanych występach w Nowym Jorku, Waszyngtonie i innych miastach USA w 1955 roku. Głównym efektem tych występów był kontrakt z wytwórnią CBS, który obowiązuje do dziś. Wkrótce powstała pierwsza poważna płyta - „Goldbergowskie” wariacje Bacha, które później zyskały dużą popularność (wcześniej jednak nagrał już w Kanadzie kilka dzieł Haydna, Mozarta i autorów współczesnych). A początek światowej sławy Goulda przypadł właśnie na ten wieczór w Moskwie, który stał się pierwszym koncertem jego europejskiej trasy koncertowej. Echa triumfalnego debiutu rozeszły się błyskawicznie: następnego dnia bilety na dwa pozostałe moskiewskie koncerty artysty zostały wyprzedane, a w Leningradzie, Berlinie Zachodnim, Wiedniu i Salzburgu z niecierpliwością czekano na niego. Kiedy więc ukazała się cytowana przez nas recenzja, Gould był już sławny.

Zajmując czołowe miejsce w gronie czołowych pianistów, Gould przez kilka lat prowadził aktywną działalność koncertową. To prawda, że szybko zasłynął nie tylko ze swoich osiągnięć artystycznych, ale także z ekstrawagancji zachowań i uporu charakteru. Albo zażądał od organizatorów koncertów określonej temperatury na sali, wyszedł na scenę w rękawiczkach, potem nie chciał grać, dopóki na fortepianie nie pojawiła się szklanka wody, potem wszczynał skandaliczne procesy sądowe, odwoływał koncerty, wreszcie wyrażał niezadowolenie publiczności, popadło w konflikt z dyrygentami.

W szczególności światowa prasa rozeszła się po historii, jak Gould podczas próby Koncertu d-moll Brahmsa w Nowym Jorku tak bardzo nie zgodził się z dyrygentem L. Bernsteinem w interpretacji utworu, że wykonanie prawie się rozpadło. Na koniec Bernstein jeszcze przed rozpoczęciem koncertu zwrócił się do publiczności, ostrzegając, że nie może „brać odpowiedzialności za wszystko, co się teraz stanie”, ale nadal będzie dyrygował, gdyż wykonanie „suit” Goulda będzie słychać "...

Tak, Gould od samego początku zajmował szczególne miejsce wśród współczesnych artystów i wiele mu wybaczano właśnie za jego niezwykłość, za wyjątkowość jego sztuki. Nie można było do niego podejść tradycyjnymi standardami i on sam zdawał sobie z tego sprawę. Charakterystyczne jest, że po powrocie z ZSRR początkowo chciał wziąć udział w Konkursie Czajkowskiego, ale po namyśle porzucił ten pomysł; jest mało prawdopodobne, aby taka oryginalna sztuka zmieściła się w ramach konkurencji. Jednak nie tylko oryginalne, ale i jednostronne. A im dalej Gould występował koncertowo, tym wyraźniejsze stawały się nie tylko jego mocne strony, ale i ograniczenia, zarówno repertuarowe, jak i stylistyczne. O ile jego interpretacje muzyki Bacha czy autorów współczesnych – przy całej swojej oryginalności – niezmiennie cieszyły się najwyższym uznaniem, to jego „wypady” w inne sfery muzyczne wywoływały i nadal budzą kontrowersje, niezadowolenie, a czasem wręcz wątpliwości co do powagi twórczości zamierzeń pianisty.

Niezależnie od tego, jak ekscentryczny był Glenn Gould, jego decyzja o ostatecznym opuszczeniu działalności koncertowej spotkała się z gromkim grzmotem. Od 1964 roku Gould nie pojawiał się w programach scena koncertowa, a w 1967 roku publicznie oznajmił, że nie zamierza już występować przed publicznością i chce całkowicie poświęcić się nagrywaniu. Krążyły pogłoski, że powodem, ostatnią kroplą, było bardzo nieprzychylne przyjęcie go przez włoską publiczność po przedstawieniu sztuk Schönberga. Jednak sam artysta uzasadnił swoją decyzję względami teoretycznymi. Stwierdził, że w dobie technologii życie koncertowe jest generalnie skazane na wymarcie, że dopiero nagranie daje artyście możliwość stworzenia idealnego wykonania, a publiczności warunki idealnego odbioru muzyki bez ingerencji sąsiadów w sala koncertowa bez wypadków. „Sale koncertowe znikną” – przewidywał Gould, „zastąpią je płyty”.

Decyzja Goulda i jego motywacje wywołały ostrą reakcję ekspertów i opinii publicznej. Niektórzy szydzili, inni poważnie sprzeciwiali się, jeszcze inni – nieliczni – ostrożnie się zgodzili. Czasem nadal dochodzi do potyczek słownych, jednak praktyka, jak wiemy, nie potwierdza ponurych przewidywań artysty: życie koncertowe kwitnie, żaden z jego kolegów nie idzie za jego przykładem, nagrania spokojnie współistnieją z praktyką wykonawczą „na żywo”. Fakt jednak pozostaje faktem – od dziesięciu lat Glenn Gould komunikuje się ze społeczeństwem jedynie zaocznie, wyłącznie za pomocą płyt.

Przez lata działał owocnie i ciekawie, jego nazwisko przestało pojawiać się w nagłówku skandalicznej kroniki, ale wciąż przyciąga uwagę muzyków, krytyków i melomanów.

Nowe rekordy Goulda pojawiają się niemal co roku, jednak ich łączna liczba jest niewielka. Znaczącą część jego nagrań stanowią dzieła Bacha: sześć Partit, koncerty D-dur, f-moll, g-moll, Wariacje Goldbergowskie i Klavier Dobrze temperowany, Wynalazki dwu- i trzyczęściowe, Suita francuska, Koncert włoski, Sztuka fugi... Tutaj Gould raz po raz występuje w roli wyjątkowego muzyka, jak żaden inny, który słyszy i odtwarza złożoną polifoniczną tkankę muzyki Bacha z wielką intensywnością, ekspresją i dużą duchowością. Każdą swoją płytą niezmiennie udowadnia możliwość współczesnego odczytania muzyki Bacha – bez oglądania się na historyczne pierwowzory, bez powrotu do stylu i instrumentarium z odległej przeszłości, czyli udowadnia głęboką witalność i nowoczesność twórczości Bacha muzyka dzisiaj.

Kolejną ważną częścią repertuaru Goulda jest twórczość Beethovena. Już wcześniej (od 1957 do 1965) nagrał wszystkie koncerty, a następnie dodał do swojej listy nagrań wiele sonat i trzy duże cykle wariacyjne. Tutaj także przyciąga świeżością swoich pomysłów, jednak nie zawsze ich organicznością i przekonywalnością; czasami jego interpretacje są całkowicie sprzeczne, jak zauważył radziecki muzykolog i pianista D. Blagoy, „nie tylko z tradycjami, ale także z podstawami myślenia Beethovena”. Mimowolnie pojawia się czasem podejrzenie, że odstępstwa od przyjętych temp, schematu rytmicznego, proporcji dynamicznych nie są spowodowane przemyślaną koncepcją, ale chęcią zrobienia wszystkiego inaczej niż inni. „Najnowsze nagrania Goulda sonat Beethovena z opusu 31” – napisał niedawno jeden z zagranicznych krytyków, raczej nie usatysfakcjonują zarówno jego wielbicieli, jak i przeciwników. Ci, którzy go kochają, bo do studia wchodzi dopiero wtedy, gdy jest gotowy powiedzieć coś nowego, czego inni jeszcze nie powiedzieli, przekonają się, że tym trzem sonatom brakuje właśnie twórczego wyzwania; dla innych wszystko, co robi inaczej niż jego koledzy, nie będzie wydawać się szczególnie oryginalne.

Opinia ta przywraca nas do słów samego Goulda, który swego czasu tak definiował swój cel: „Przede wszystkim staram się unikać złotego środka uwiecznianego na płycie przez wielu znakomitych pianistów. Myślę, że bardzo ważne jest podkreślenie tych aspektów nagrania, które rzucają światło na utwór z zupełnie niezwykłego punktu widzenia. Wykonanie powinno być jak najbliżej aktu twórczego – to jest klucz, to jest rozwiązanie problemu. Czasem ta zasada prowadzi go do wybitnych osiągnięć, ale tam, gdzie twórczy potencjał jego osobowości koliduje z naturą muzyki, do porażki. Kupujący płyty są już przyzwyczajeni do tego, że każde nowe nagranie Goulda niesie ze sobą niespodziankę, pozwala usłyszeć znane dzieło w nowym świetle. Jednak, jak słusznie zauważył jeden z krytyków, w wiecznie zaskakujących interpretacjach, w wiecznym dążeniu do oryginalności czai się także zagrożenie rutyną – zarówno wykonawca, jak i słuchacz przyzwyczajają się do nich, a potem stają się „znakami oryginalności”.

Repertuar Goulda jest nadal wyraźnie sprofilowany, choć już nie tak wąski. W ogóle nie nawiązuje do Schuberta, Chopina, Schumanna, Liszta, wykonuje bardzo dużo muzyki XX wieku - sonaty Skriabina (nr 3), Prokofiewa (nr 7), A. Berga, E. Kshenecka, P. Hindemitha, wszystkie dzieła A. Schönberga, w które zaangażowany jest fortepian; ożywia twórczość autorów starożytnych – Bairda i Gibbonei, zaskakuje miłośników muzyki fortepianowej nieoczekiwanym odwołaniem do dokonanej przez Liszta transkrypcji V Symfonii Beethovena (odtwarzającej pełnokrwiste brzmienie orkiestry przy fortepianie) i fragmentów z oper Wagnera; nieoczekiwanie nagrywa zapomniane próbki muzyki romantycznej - Sonatę Griega (op. 7), Nokturn i Wariacje chromatyczne Bizeta. Gould komponuje także własne kadencje do koncertów Beethovena i wykonuje partię fortepianu w monodramie R. Straussa Enoch Arden, wreszcie nagrywa na organach Sztukę fugi Bacha i po raz pierwszy zasiadając przy klawesynie daje swoim wielbicielom doskonałą interpretację z Apartamentu Handla. Do tego wszystkiego Gould aktywnie działa jako publicysta, autor programów telewizyjnych, artykułów i adnotacji do własnych nagrań – zarówno pisemnych, jak i ustnych; czasami w jego wypowiedziach pojawiają się ataki oburzające poważnych muzyków, czasami wręcz przeciwnie, zawierają głębokie, choć paradoksalne myśli. Ale zdarza się też, że swoje literackie i polemiczne wypowiedzi obala własną interpretacją dzieł muzycznych.

Ta wszechstronna i celowa działalność daje nadzieję, że artysta nie powiedział jeszcze ostatniego słowa; że w przyszłości jego poszukiwania zaowocują znaczącymi rezultatami artystycznymi. W niektórych jego nagraniach, choć bardzo niejasno, nadal widać tendencję do odchodzenia od skrajności, które charakteryzowały go dotychczas. Symptomy nowej prostoty, odrzucenia maniery i ekstrawagancji, powrotu do pierwotnego piękna brzmienia fortepianu najlepiej widać w nagraniach kilku sonat Mozarta i 10 intermezów Brahmsa: gra artysty nie straciła bynajmniej na swej inspirującej świeżość i oryginalność.

Jest oczywiście zbyt wcześnie, aby określić, w jakim stopniu tendencja ta będzie się rozwijać. Jeden z zagranicznych obserwatorów, „przepowiadając” ścieżkę przyszłego rozwoju Glenna Goulda, sugerował, że albo w końcu zostanie „normalnym muzykiem”, albo będzie grał w duecie z innym „awanturnikiem” – Friedrichem Guldą. Żadna z możliwości nie jest niewiarygodna.

Oświetlony. Rabinovich D. Na koncertach symfonicznych. „SM”, 1957, nr 7; Kogan G / Zagadnienia pianistyczne, M., 1968, s. 23. 401-402.

Artykuł pochodzi z książki Współcześni pianiści”, Opracowano przez L. Grigoriewa, J. Platka, M.: Kompozytor radziecki, 1977