Wielcy pianiści w przeszłości i teraźniejszości są naprawdę najjaśniejszym przykładem podziwu i naśladowania. Każdy, kto interesuje się grą na fortepianie, zawsze starał się naśladować to, co najlepsze w twórczości wielkich pianistów: sposób, w jaki wykonują utwór, jak potrafili wyczuć tajemnicę każdej nuty, a czasami wydaje się, że tak właśnie jest. niesamowite i swego rodzaju magia, ale wszystko przychodzi z doświadczeniem: jeśli wczoraj wydawało się to nierealne, dziś sam człowiek może wykonać najbardziej skomplikowane sonaty i fugi.
Fortepian to jeden z najsłynniejszych instrumentów muzycznych, przenikający różnorodne gatunki muzyczne, na jego podstawie powstało wiele najbardziej poruszających i emocjonujących kompozycji w historii. A ludzie, którzy ją grają, uważani są za gigantów muzycznego świata. Ale kim są ci najwięksi pianiści? Przy wyborze najlepszego pojawia się wiele pytań: czy powinien on opierać się na umiejętnościach technicznych, reputacji, szerokości repertuaru, czy też umiejętności improwizacji? Pojawia się też pytanie, czy warto brać pod uwagę tych pianistów, którzy grali w minionych wiekach, bo wtedy nie było sprzętu nagrywającego, nie można było usłyszeć ich wykonań i porównać ich ze współczesnymi. Ale w tym okresie było mnóstwo niesamowitych talentów i jeśli stali się sławni na całym świecie na długo przed mediami, to słuszne jest złożenie im hołdu. Biorąc wszystkie te czynniki pod uwagę, oto lista 7 najlepszych pianistów przeszłości i teraźniejszości.
Fryderyk Chopin (1810-1849)
Najsłynniejszy polski kompozytor Fryderyk Chopin był jednym z najwybitniejszych wirtuozów i pianistów swoich czasów.
Zdecydowana większość jego utworów powstała na fortepian solo i choć nie zachowały się nagrania jego gry, jeden z jego współczesnych napisał: „Chopin jest twórcą fortepianu i szkoły kompozycji. Prawdę mówiąc, nic nie może się równać z łatwością i słodycz, z jaką kompozytor zaczął grać na fortepianie.” Fortepian zresztą jego dzieł, pełnych oryginalności, osobliwości i wdzięku, nie da się z niczym porównać.”
Franciszek Liszt (1811-1886)
O koronę największego wirtuoza XIX w. rywalizował z Chopinem Franciszek Liszt, węgierski kompozytor, pedagog i pianista.
Do jego najsłynniejszych dzieł należą szalenie skomplikowana sonata fortepianowa h-moll Années de pèlerinage i walc Mephisto Waltz. Poza tym jego sława jako performera przeszła do legendy, ukuto nawet słowo Lisztomania. Podczas ośmioletniego tournee po Europie na początku lat czterdziestych XIX wieku Liszt dał ponad 1000 występów, choć już w stosunkowo młodym wieku 35 lat porzucił karierę pianisty i całkowicie skupił się na komponowaniu.
Siergiej Rachmaninow (1873-1943)
Styl Rachmaninowa był być może dość kontrowersyjny jak na czas, w którym żył, starając się zachować XIX-wieczny romantyzm.
Wiele osób pamięta go ze względu na jego umiejętności rozciągnij rękę 13 nut(oktawa plus pięć nut) i nawet krótki rzut oka na napisane przez niego etiudy i koncerty można zweryfikować autentyczność tego faktu. Na szczęście zachowały się nagrania występów tego genialnego pianisty, począwszy od jego Preludium Cis-dur, zarejestrowanego w 1919 roku.
Artur Rubinstein (1887-1982)
Ten polsko-amerykański pianista jest często wymieniany jako najlepszy wykonawca Chopina wszechczasów.
W wieku dwóch lat zdiagnozowano u niego słuch doskonały, a w wieku 13 lat zadebiutował z Orkiestrą Filharmonii Berlińskiej. Jego nauczycielem był Karl Heinrich Barth, który z kolei uczył się u Liszta, zatem śmiało można go uznać za część wielkiej tradycji pianistycznej. Talent Rubinsteina, łączący elementy romantyzmu z bardziej nowoczesnymi aspektami technicznymi, uczynił go jednym z najlepszych pianistów swoich czasów.
Światosław Richter (1915 - 1997)
W wyścigu o tytuł najlepszego pianisty XX wieku Richter znalazł się w gronie wpływowych rosyjskich wykonawców, którzy pojawili się w połowie XX wieku. W swoich wykonaniach okazywał duże zaangażowanie kompozytorom, określając swoją rolę raczej jako „wykonawcy” niż interpretatora.
Richter nie był wielkim fanem procesu nagrywania, ale jego najlepsze występy na żywo przetrwały, w tym 1986 w Amsterdamie, 1960 w Nowym Jorku i 1963 w Lipsku. Trzymał się wysokich standardów i zdał sobie sprawę, że na koncercie włoskiego Bacha zagrał złą nutę, podkreślał konieczność odmowy wydania utworu na płycie CD.
Władimir Aszkenazy (1937 -)
Ashkenazi to jeden z liderów świata muzyki klasycznej. Urodzony w Rosji, obecnie posiada obywatelstwo islandzkie i szwajcarskie i nadal występuje jako pianista i dyrygent na całym świecie.
W 1962 zwyciężył w Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego, a w 1963 opuścił ZSRR i zamieszkał w Londynie. Jego obszerny katalog nagrań obejmuje wszystkie dzieła fortepianowe Rachmaninowa i Chopina, sonaty Beethovena, koncerty fortepianowe Mozarta, a także dzieła Skriabina, Prokofiewa i Brahmsa.
Marta Argerich (1941-)
Argentyńska pianistka Martha Argerich zadziwiła cały świat swoim fenomenalnym talentem, gdy w wieku 24 lat zwyciężyła w Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1964 roku.
Obecnie uznawana jest za jedną z najwybitniejszych pianistek drugiej połowy XX wieku i słynie z pasji gry i zdolności technicznych, a także wykonań dzieł Prokofiewa i Rachmaninowa.
Wybór ścieżki należy do Ciebie! Ale najpierw -
Każdy miłośnik muzyki klasycznej może wskazać swojego faworyta.
Alfred Brendel nie był cudownym dzieckiem, a jego rodzice nie mieli nic wspólnego z muzyką. Jego kariera rozpoczęła się bez większych rozgłosów i rozwijała się powoli. Być może w tym tkwi sekret jego długowieczności? Na początku tego roku Brendel skończył 77 lat, jednak jego harmonogram koncertów obejmuje czasami 8-10 występów miesięcznie.
Na 30 czerwca w sali koncertowej Teatru Maryjskiego zapowiedziano solowy występ Alfreda Brendela. Na oficjalnej stronie internetowej nie udało się znaleźć pianisty biorącego udział w tym koncercie. Ale jest data nadchodzącego koncertu w Moskwie, który odbędzie się 14 listopada. Jednak Gergiev wyróżnia się umiejętnością rozwiązywania nierozwiązywalnych problemów.
PRZECZYTAJ TAKŻE:
Kolejnym pretendentem do pierwszego miejsca w improwizowanym rankingu jest Grigorij Sokołow. Przynajmniej tak powiedzą w Petersburgu. Z reguły raz w roku Sokołow przyjeżdża do rodzinnego miasta i daje koncert w Sali Wielkiej Filharmonii w Petersburgu (ostatni odbył się w marcu tego roku), ale równie regularnie ignoruje Moskwę. Tego lata Sokolov gra we Włoszech, Niemczech, Szwajcarii, Austrii, Francji, Portugalii i Polsce. W programie sonaty Mozarta i preludia Chopina. Najbliżej Rosji punktami trasy będą Kraków i Warszawa, dokąd Sokołow dotrze w sierpniu.
Jeśli nazwiesz Martę Argerich najlepszą pianistką wśród kobiet, ktoś z pewnością się sprzeciwi: wśród mężczyzn także. Fanom temperamentnego Chilijczyka nie wstydzą się nagłe wahania nastroju pianisty czy częste odwoływanie koncertów. Stwierdzenie „koncert zaplanowany, ale nie gwarantowany” jest dokładnie tym, co oznacza.
Martha Argerich czerwiec tradycyjnie spędzi w szwajcarskim mieście Lugano, gdzie odbędzie się jej autorski festiwal muzyczny. Zmieniają się programy i uczestnicy, ale jedno pozostaje niezmienne: każdego wieczoru sama Argerich uczestniczy w wykonaniu jednego z dzieł. W lipcu Argerich koncertuje także w Europie: na Cyprze, w Niemczech i Szwajcarii.
Kanadyjczyk Marc-Andre Hamelin jest często nazywany spadkobiercą Glena Goulda. Porównanie jest kiepskie w obie strony: Gould był odludkiem, Hamelin aktywnie koncertuje, Gould słynie z matematycznie obliczonych interpretacji Bacha, Hamelin oznacza powrót romantycznego stylu wirtuozowskiego.
Marc-Andre Hamelin wystąpił w Moskwie jeszcze w marcu tego roku w ramach tej samej subskrypcji co Maurizio Pollini. Hamelin wyrusza w czerwcową trasę koncertową po Europie. Jego harmonogram obejmuje koncerty solowe w Kopenhadze i Bonn oraz występy na festiwalach w Norwegii.
Jeśli ktoś zobaczy Michaiła Pletnewa grającego na pianinie, natychmiast powiadom agencje prasowe, a staniesz się autorem światowej sensacji. Powód, dla którego jeden z najlepszych pianistów w Rosji zakończył karierę wykonawczą, nie jest w stanie zrozumieć zwykły umysł – jego ostatnie koncerty były jak zwykle wspaniałe. Dziś nazwisko Pletneva można znaleźć na plakatach jedynie jako dyrygent. Ale nadal będziemy mieć nadzieję.
Poważny chłopak ponad lata spędzone w pionierskiej służbie – tak do dziś wspomina się Jewgienija Kissina, chociaż ani pionierów, ani tego chłopca nie widziano od dawna. Dziś jest jednym z najpopularniejszych muzyków klasycznych na świecie. To właśnie jego Pollini nazwał kiedyś najzdolniejszym z muzyków nowego pokolenia. Jego technika jest wspaniała, choć często chłodna – jakby muzyk stracił wraz ze swoim dzieciństwem coś bardzo ważnego i nigdy tego nie odnajdzie.
W czerwcu Evgeny Kissin koncertuje z orkiestrą Kremerata Baltica w Szwajcarii, Austrii i Niemczech, wykonując 20. i 27. koncert Mozarta. Kolejna trasa koncertowa zaplanowana jest na październik: Kissin będzie towarzyszył Dmitrijowi Hvorostovsky'emu we Frankfurcie, Monachium, Paryżu i Londynie.
Arkady Volodos to kolejny z tych „młodych gniewnych” obecnego pianistyki, który z zasady odrzuca konkursy. Jest prawdziwym obywatelem świata: urodził się w Petersburgu, studiował w rodzinnym mieście, następnie w Moskwie, Paryżu i Madrycie. Najpierw do Moskwy przyjechały nagrania młodego pianisty, wydane przez Sony, a dopiero potem on sam się pojawił. Wygląda na to, że jego coroczne koncerty w stolicy stają się regułą.
Arkady Volodos rozpoczął czerwiec występem w Paryżu, latem można go usłyszeć w Salzburgu, Rheingau, Bad Kissingen i Oslo, a także w małym polskim miasteczku Duszniki na tradycyjnym festiwalu chopinowskim.
Ivo Pogorelich był zwycięzcą międzynarodowych konkursów, ale jego porażka przyniosła mu światową sławę: w 1980 roku pianista z Jugosławii nie został dopuszczony do III rundy Konkursu Chopinowskiego w Warszawie. W efekcie Martha Argerich zrezygnowała z zasiadania w jury, a sława spadła na młodego pianistę.
W 1999 roku Pogorelich przestał występować. Mówią, że powodem były przeszkody, jakim pianista był narażony w Filadelfii i Londynie przez niezadowolonych słuchaczy. Według innej wersji przyczyną depresji muzyka była śmierć żony. Pogorelich niedawno wrócił na scenę koncertową, ale niewiele koncertuje.
Najtrudniej obsadzić ostatnią pozycję na liście. Przecież zostało jeszcze tylu znakomitych pianistów: urodzony w Polsce Christian Zimmerman, Amerykanin Murray Perahia, Japończyk Mitsuko Ushida, Koreańczyk Kun Woo Peck czy Chińczyk Lang Lang. Vladimir Ashkenazy i Daniel Barenboim kontynuują karierę. Każdy miłośnik muzyki wymieni swojego ulubionego. Niech więc jedno miejsce w pierwszej dziesiątce pozostanie wolne.
Możesz zarabiać na muzyce, ale nigdy nie zarobisz fortuny na swoim talencie. Ale tym ludziom – najbogatszym pianistom świata – udało się przedostać do elity, a ich kapitał sięga milionów dolarów. To prawdziwe gwiazdy, które po mistrzowsku grają na pianinie, występują w przedstawieniach i dają wspaniałe koncerty, piszą własną muzykę lub po prostu wkładają w instrument całą duszę.
Muzycy i showmani
Brytyjczyk Jools Holland (pełne imię i nazwisko Julian Miles Holland) doskonale łączy karierę muzyczną z pracą w branży telewizyjnej. Kompozytor i showman, już jako chłopiec pracował w londyńskich pubach i zarabiał własne pieniądze. Ponadto odkrył dobry głos i własny styl śpiewania, co stało się dodatkowym atutem dla młodego wykonawcy. Wydał kilka albumów i współpracował ze Stingiem i Georgem Harrisonem, Davidem Gilmourem i Erikiem Claptonem, Bono i Markiem Knopflerem. Występy na całym świecie przyniosły Julesowi majątek wart 2 miliony dolarów.
Amerykański piosenkarz i pianista Michael Feinstein daje ponad dwieście koncertów rocznie. Jego pasja do gry na fortepianie zrodziła się już w dzieciństwie – rodzice wysłali syna na lekcje muzyki i wtedy odkrył, że może grać bez nut przed oczami. W wieku 20 lat, podobnie jak Jules, zabawiał ludzi w barach, a potem miał szczęście, że dostał się do wspaniałego projektu. Nagrał bogaty zbiór płyt (utwory Iry Gershwina). Praca trwała 6 lat, w tym samym czasie muzyk występował na Broadwayu, a później poddały mu się Carnegie Hall, Opera w Sydney, Biały Dom i Pałac Buckingham - Michael wszędzie dawał wielkie koncerty. W rezultacie majątek Feinsteina wynosi 10 milionów dolarów.
Utalentowani pianiści do gry wieloosobowej
Na liście najbogatszych pianistów znalazła się także pochodząca ze Związku Radzieckiego Regina Spektor. Urodziła się w Moskwie, w muzycznej rodzinie, później jej rodzice (którzy udzielili dziewczynie pierwszych lekcji) przenieśli się do Ameryki. Tam zaczęła grać na pianinie w synagodze. Regina uczyła się u Soni Vargas, pisała piosenki, a później ukończyła konserwatorium. W 2001 roku ukazał się pierwszy album dziewczyny, a trzy lata później miała już kontrakt z Sire Records. Zainteresowania Reginy są różnorodne: nie tylko muzyka klasyczna, ale także folk, punk, hip-hop, rock, jazz, muzyka rosyjska i żydowska. Trasy koncertowe i nagrania przyniosły pianiście 12 milionów dolarów.
Rówieśniczka Spectora, 35-letnia Sara Bareilles, zaczynała jako członkini szkolnego chóru, a następnie dołączyła do zespołu a cappella. Jako studentka Sarah pracowała w nocnych klubach i barach, a później zaczęła występować na festiwalach i dużych scenach. Debiutancka płyta Bareilles zyskała uznanie, wkrótce podpisała kontrakt z Epic Records, jej kariera nabrała rozpędu – a teraz Sarah koncertuje w całej Ameryce. Jej styl to fortepianowy rock z wpływami jazzu i soulu, gra nie tylko na pianinie, ale także na gitarze, fisharmonii i ukulele. Koncerty, duety z Sheryl Crow i Norah Jones, występy dla rodziny Obamów, gościnne występy w programach telewizyjnych, albumach i singlach pozwoliły Sarah zarobić 16 milionów dolarów.
Fenomen azjatycki
A oto pianista klasyczny - jeden z najbogatszych pianistów naszej „parady hitów” - przedstawiciel China Lan Lan. On, najmłodszy w rankingu, dość wcześnie zdobył sławę (i 20-milionowy majątek). Jego pierwszym kontaktem z muzyką zachodnią był fragment kultowego serialu „Tom i Jerry” (gdzie bohaterowie wykonują „2. Rapsodię węgierską” Franza Liszta). Ukończył konserwatorium i po kilku zwycięstwach w konkursach został uznany za najlepszego pianistę w kraju. Już w wieku 14 lat Lan Lan przeprowadził się do Filadelfii i wstąpił do Curtis Institute of Music. Kontrakt na 3 miliony dolarów z Sony, koncerty dla światowych przywódców, trasy koncertowe po Europie, USA i Azji uczyniły go ulubieńcem wszystkich i pozwoliły mu wejść do setki najbardziej wpływowych osób na świecie według Forbesa.
Aranżer, improwizator, producent
Kompozytor, performer, producent muzyczny, aranżer, organizator zespołu własnego nazwiska, Yanni Chrysomallis urodził się w Grecji, ale obecnie mieszka w USA. Nie od razu zdecydował, że muzyka jest najważniejszą rzeczą w jego życiu. Początkowo Yanni wstąpił na wydział psychologii na Uniwersytecie w Minnesocie i tam zaczął uczyć się gry na klawiaturze. Pierwsze uznanie przyniosło mu tournee w latach 1988–1989, kiedy występował z Dallas Symphony Orchestra. Następnie Yanni zrobiła niesamowitą karierę dzięki ogromnej liczbie koncertów, nagród muzycznych i wyjątkowym nagraniom. Kapitał Chrisomallis wynosi dziś 40 milionów dolarów.
Dyrektor La Scali
Dyrektor muzyczny legendarnego teatru La Scala, 72-letni Daniel Barenboim, ma rosyjskie korzenie. Jego rodzice przenieśli się z ZSRR do Argentyny, gdzie Daniel dorastał. Zdolny chłopiec dał swój pierwszy koncert w wieku 7 lat (jego ojciec i matka byli pianistami i uczyli syna). Ścieżka twórcza muzyka jest niesamowita: kierował Chicagowską Orkiestrą Symfoniczną, Orkiestrą Paryską, Berlińską Operą Państwową, jest honorowym Komandorem Orderu Imperium Brytyjskiego, Orderu Legii Honorowej i otrzymał siódemkę nagrody Grammy czasy. Majątek pianisty szacuje się na 50 milionów dolarów.
Najczęściej nagradzany kompozytor filmowy
Najsłynniejszy i wielokrotnie nagradzany kompozytor filmowy, John Williams, jest jednocześnie jednym z najbogatszych pianistów na świecie. Kapitał 100 milionów dolarów, pięć Oscarów (i 49 nominacji), 21 nagród Grammy, 4 Złote Globy i wiele innych nagród – to bardzo znaczące! Williams napisał muzykę do wszystkich filmów Stevena Spielberga i arcydzieł George'a Lucasa, w tym do Gwiezdnych Wojen i serialu Indiana Jones. John zaczynał jako pianista jazzowy występujący w nowojorskich klubach. Muzykę do filmów zaczął pisać w latach 60. XX wieku i od tego czasu zyskał miano najsłynniejszego kompozytora filmowego wszechczasów.
Legendy muzyki
Drugą pozycję w naszym rankingu najbogatszych pianistów słusznie zajmuje Billy Joel. Jego „wartość netto” wynosi 160 milionów dolarów. Muzyk, piosenkarz i autor tekstów William Martin Joel dorastał w muzycznej rodzinie: jego ojciec był pianistą klasycznym, a on został nauczycielem syna. Billy zarabiał pieniądze grając na pianinie jeszcze w szkole, aby pomóc swojej matce. Później studiował na Uniwersytecie Columbia. Jego pierwszy solowy album, Cold Spring Harbor, okazał się kompletną katastrofą, ale niektóre utwory zaczęły lecieć w radiu, a Joelowi udało się podpisać kontrakt z Columbia Records, po czym wszystko zaczęło układać się pomyślnie.
Lider rankingu jest bajecznie bogaty – 440 milionów dolarów. Zaczął interesować się grą na fortepianie w wieku trzech lat, a naukę gry na fortepianie rozpoczął w wieku siedmiu lat. Bardzo szybko chłopcu udało się zdobyć stypendium Królewskiej Akademii Muzycznej, już w czasie studiów koncertował w pobliskim pubie. Ludzie ze wszystkich okolicznych ulic przybywali tutaj, aby posłuchać chłopca. Młody pianista stał się gwiazdą rocka, zyskał rzeszę fanów, podbił tysiące scen, śpiewał w duetach z największymi wokalistami wszechczasów, nagrał płyty i zdobył wiele nagród. Czy już zgadłeś, kto to jest? Najbogatszym (i najbardziej utalentowanym) pianistą na świecie jest Elton John.
Wyróżnienie jedynego najlepszego współczesnego pianisty na świecie jest zadaniem niemożliwym. Dla każdego krytyka i słuchacza idolami będą różni mistrzowie. I to jest siła ludzkości: na świecie żyje znaczna liczba godnych i utalentowanych pianistów.
Agrerich Marta Archerich
Pianista urodził się w argentyńskim mieście Buenos Aires w 1941 roku. Naukę gry na instrumencie rozpoczęła w wieku trzech lat, a w wieku ośmiu lat zadebiutowała publicznie, wykonując koncert samego Mozarta.
Przyszła gwiazda wirtuoz uczyła się u takich pedagogów jak Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy i Stefan Michelangeli – jednych z najwybitniejszych pianistów klasycznych XX wieku.
Od 1957 roku Argerich zaczęła brać udział w działalności konkursowej i odniosła pierwsze duże zwycięstwa: I miejsce na Konkursie Pianistycznym w Genewie i Międzynarodowym Konkursie Busoniego.
Prawdziwy, oszałamiający sukces Marty nastąpił jednak w momencie, gdy w wieku 24 lat udało jej się wygrać Międzynarodowy Konkurs Chopinowski w Warszawie.
W 2005 roku zdobyła najwyższą nagrodę Grammy za wykonanie dzieł kameralnych kompozytorów Prokofiewa i Ravela, a w 2006 roku za wykonanie utworu Beethovena z orkiestrą.
Również w 2005 roku pianista został uhonorowany Cesarską Nagrodą Japońskią.
Jej żarliwa gra i niesamowite umiejętności techniczne, za pomocą których po mistrzowsku wykonuje dzieła rosyjskich kompozytorów Rachmaninowa i Prokofiewa, nie pozostawiają nikogo obojętnym.
Jednym z najsłynniejszych współczesnych pianistów w Rosji jest muzyk Evgeniy Igorevich Kisin.
Urodził się 10 października 1971 roku w Moskwie, w wieku sześciu lat wstąpił do Szkoły Muzycznej im. Gnessina. Pierwszym i jedynym nauczycielem na całe życie została Anna Pawłowna Kantor.
Od 1985 roku Kissin zaczął demonstrować swój talent za granicą. W 1987 debiutuje w Europie Zachodniej.
Trzy lata później podbija Stany Zjednoczone, gdzie wykonuje I i II koncerty Chopina z Orkiestrą Filharmonii Nowojorskiej, a tydzień później występuje solo.
Kolejnym z najwybitniejszych współczesnych rosyjskich pianistów-wirtuozów jest słynny Denis Matsuev.
Denis urodził się w Irkucku w 1975 roku w rodzinie muzyków. Rodzice już od najmłodszych lat uczyli swoje dzieci sztuki. Pierwszą nauczycielką chłopca była jego babcia Vera Rammul.
W 1993 roku Matsuev wstąpił do Moskiewskiego Konserwatorium Państwowego, a 2 lata później został czołowym solistą Moskiewskiej Filharmonii Państwowej.
Światową sławę zyskał po zwycięstwie w Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego w 1998 roku, mając zaledwie 23 lata.
Swoje nowatorskie podejście do gry preferuje łączyć z tradycjami rosyjskiej szkoły pianistycznej.
Od 2004 roku prowadzi cykl koncertów pod nazwą „Solista Denis Matsuev”, zapraszając do współpracy czołowe orkiestry krajowe i zagraniczne.
Christiana Zimmermana
Christian Zimmerman (ur. 1956) to wybitny współczesny pianista polskiego pochodzenia. Oprócz tego, że jest instrumentalistą, jest także dyrygentem.
Początkowych lekcji muzyki uczył go ojciec, pianista-amator. Christian kontynuował następnie naukę w trybie prywatnym u nauczyciela Andrzeja Jasińskiego, a następnie przeniósł się do Konserwatorium w Katowicach.
Już w wieku 6 lat zaczął dawać pierwsze koncerty, a w 1975 roku zwyciężył w Konkursie Chopinowskim, stając się tym samym najmłodszym zwycięzcą w historii. Przez kolejny rok doskonalił swoje umiejętności gry na fortepianie u słynnego polskiego pianisty Artura Rubinsteina.
Christian Zimmermann uważany jest za genialnego wykonawcę dzieła Chopina. Jego dyskografia obejmuje nagrania wszystkich koncertów fortepianowych Ravela, Beethovena, Brahmsa i oczywiście jego głównego idola, Chopina, a także nagrania dźwiękowe dzieł Liszta, Straussa i Respihy.
Od 1996 roku prowadzi zajęcia dydaktyczne w Basel Hochschule für Musik. Otrzymał Oscary Chigi i Leonie Sonning.
W 1999 roku utworzył Polską Orkiestrę Festiwalową.
Wang Yujia to chiński przedstawiciel sztuki fortepianowej. Sławę zyskała dzięki wirtuozerii i niesamowicie szybkiej grze, za co otrzymała pseudonim „Latające Palce”.
Miejscem urodzenia chińskiej współczesnej pianistki jest Pekin, gdzie spędziła dzieciństwo w rodzinie muzyków. W wieku 6 lat rozpoczęła naukę gry na instrumencie klawiszowym, a rok później wstąpiła do Centralnego Konserwatorium w stolicy. W wieku 11 lat została zapisana na studia do Kanady i po 3 latach w końcu przeprowadziła się do obcego kraju na dalsze studia.
W 1998 roku otrzymała nagrodę Międzynarodowego Konkursu Młodych Pianistów w mieście Ettlingen, a w 2001 roku oprócz nagrody opisanej powyżej jurorzy przyznali Wangowi nagrodę przyznawaną pianistom do 20 roku życia w wysokości 500 000 jen (w rublach - 300 000).
Pianistka z powodzeniem wykonuje także utwory kompozytorów rosyjskich: nagrała II i III Koncert Rachmaninowa oraz II Koncert Prokofiewa.
Fazil Say to turecki współczesny pianista i kompozytor urodzony w 1970 roku. Studiował w Konserwatorium w Ankarze, a następnie w miastach Niemiec – Berlinie i Dusseldorfie.
Oprócz twórczości fortepianowej warto zwrócić uwagę na jego walory kompozytorskie: w 1987 roku z okazji 750-lecia miasta wykonano kompozycję pianisty „Czarne hymny”.
W 2006 roku w Wiedniu odbyła się premiera jego baletu „Patara”, napisanego na podstawie tematu Mozarta, ale tym razem sonaty fortepianowej.
W repertuarze fortepianowym Sai ważne miejsce zajmują dwaj kompozytorzy: muzyczni tytani Bach i Mozart. Na koncertach przeplata kompozycje klasyczne z własnymi.
W 2000 roku podjął się niezwykłego eksperymentu, podejmując ryzyko nagrania baletu „Święto wiosny” na dwa fortepiany, wykonując obie części własnymi rękami.
W 2013 r. wszczęto wobec niego śledztwo w związku z wypowiedziami na portalu społecznościowym na temat islamu. Sąd w Stambule uznał, że słowa muzyka były skierowane przeciwko wierze muzułmańskiej i skazał Fazila Say na 10 lat więzienia w zawieszeniu.
W tym samym roku kompozytor złożył wniosek o ponowne rozpatrzenie sprawy, którego wyrok został ponownie uprawomocniony we wrześniu.
Inny
Po prostu nie da się w jednym artykule omówić wszystkich współczesnych pianistów. Dlatego wymieniamy tych, których nazwiska są dziś znaczące w świecie muzyki klasycznej:
- Daniel Barenboim z Izraela;
- Yundi Li z Chin;
- Z Rosji;
- Murray Perahia ze Stanów Zjednoczonych;
- Mitsuko Uchida z Japonii;
- z Rosji i wielu innych mistrzów.
MSE „Szkoła Artystyczna Akimata Rejonowego Szemonaikha”
Projekt badawczy
Wspaniali pianiści - wykonawcy
XIX, XX, XXI wiek
Przygotowane przez: Tayurskikh Daria 5. klasa
Podfatiłow Denis 3. klasa
Lider zespołu:
nauczyciel szkoły plastycznej
Dobzhanskaya Yu.B.
G. Szemonaikha, 2016.
Wprowadzenie…………………………………………………………...2
XIX wiek………………………………………………………..3
XX wiek……………………………………………………………………………..13
XXI wiek…………………………………………………………………………….24
Wniosek…………………………………………………..............
... "fortepian - to początek i koniec wszystkiego, nie tyle instrument muzyczny, ile sposób na życie, a znaczenie nie leży w muzyce dla muzyki, ale w muzyce ze względu na fortepian”.
Herolda Schonberga
Pianiści– Ten muzycy, specjalizująca się w wykonawstwie utworów muzycznych na fortepianie.
Wspaniali pianiści. Jak ludzie zostają wielkimi pianistami? To zawsze jest ogromny nakład pracy. A wszystko zaczyna się w dzieciństwie. Wielu pianistów i kompozytorów rozpoczęło naukę muzyki w wieku 4, a nawet 3 lat.Następnie powstaje „szeroki” kształt dłoni, który w przyszłości pomaga grać po mistrzowsku.
W zależności od epoki rozwoju muzyki fortepianowej przed pianistami stawiano niekiedy diametralnie różne wymagania. Ponadto zawód muzyka nieuchronnie pokrywa się z zawodem kompozytora. Większość pianistów komponuje własną muzykę fortepianową. I tylko nielicznym wirtuozom udało się zasłynąć, wykonując wyłącznie melodie innych ludzi.
W każdym razie, jak w przypadku każdego muzyka, ważne jest, aby pianista był szczery i emocjonalny, aby potrafił zatracić się w muzyce, którą wykonuje. 
Historia muzyki fortepianowej jest dość interesująca. Jest w nim kilka etapów, z których każdy ma swoje własne tradycje. Często kanony epoki wyznaczał jeden (rzadziej kilku) kompozytorów, którzy po mistrzowsku grali na instrumencie (najpierw na klawesynie, później na fortepianie). 
Dlatego też, podkreślając trzy epoki w historii pianistyki, nadano im imiona najsłynniejszych kompozytorów - Mozarta, Liszta i Rachmaninowa. Jeśli posłużymy się tradycyjną terminologią historyków, były to odpowiednio epoki klasycyzmu, następnie romantyzmu i wczesnego modernizmu.
Każdy z nich pozostał przez wieki wielkim kompozytorem, ale każdy w swoim czasie definiował także kluczowe nurty w pianistyce: klasycyzm, romantyzm i wczesny modernizm. Jednocześnie z każdym z nich grali jednocześnie inni wielcy pianiści. Niektórzy z nich byli także wielkimi kompozytorami. Byli to: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Fryderyk Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann i inni.
Jeśli wybierzesz się w podróż do historii pianistyki, możesz dowiedzieć się wielu ciekawych rzeczy. Na przykład, że w różnych czasach, w różnych epokach, kluczowe tradycje gry na fortepianie wyznaczał jeden lub kilku wielkich kompozytorów, którzy biegle grali na klawesynie, a później, wraz z pojawieniem się fortepianu, byli znakomitymi pianistami.
Wielu znanych pianistów na przestrzeni dziejów bawiło i zachwycało słuchaczy i melomanów. Fortepian stał się jednym z najpopularniejszych instrumentów od czasu jego wynalezienia ze względu na swoją wszechstronność i przyjemne brzmienie. Choć w historii zachowało się kilka nazwisk znakomitych pianistów, to jakakolwiek recenzja najsłynniejszych pianistów jest bardzo subiektywna, a nazwiska takich wykonawców trudno zmieścić w jednym wykazie.
Jednak wciąż są pianiści, którym udało się wspiąć na szczyt światowej sławy i uznania.
XIXwiek
W drugiej połowie XIX wieku w życie muzyczne wkroczył nowy instrument – fortepian. Wynalazcą tego „klawesynu z fortepianem i forte” był mistrz padewski
Bartolomeo Cristofori.
Stopniowo udoskonalając się, fortepian zajął dominujące miejsce w praktyce muzycznej. Instrument z mechaniką młoteczkową umożliwiał wytwarzanie dźwięków o różnej sile i stopniowe nakładanie crescendoIdiminuendo. Te cechy fortepianu odpowiadały pragnieniu emocjonalnej ekspresji dźwięku, transmisji w ich ruchu i rozwoju obrazów, myśli i uczuć, które niepokoiły ludzi.
Wraz z pojawieniem się fortepianu i wprowadzeniem go do praktyki wykonawczej narodzili się nowi przedstawiciele.
19 wiek przedstawił plejada wybitnych kompozytorów, którzy znacznie poszerzyli granice środków technicznych i wyrazowych fortepianu. W największych miastach, europejskich ośrodkach kultury muzycznej i wykonawczej, najważniejszych szkołach pianistycznych, Ten:
Londyn(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);
wiedeński(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Zygmunt Thalberg i in.);
Paryski, później znany jako Francuski(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer itp.);
Niemiecki(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow itp.);
Rosyjski(Aleksander Dubuk, Michaił Glinka, Anton i Mikołaj Rubinsteinowie itp.).
XIX-wieczny styl wykonawczy
Historia rozwoju techniki pianistycznej to historia kultur i stylów. Do niezbędnych umiejętności pianisty XVIII i XIX w. powinna należeć improwizacja, wówczas pianista nie oddzielił się jeszcze od kompozytora, a jeśli wykonywał cudzą muzykę, wówczas regułą uznawano za bardzo swobodne, indywidualne twórczego traktowania tekstu muzycznego panowała praktyka kolorowania i wariacji, która obecnie jest uważana za niedopuszczalną.
Styl XIX-wiecznych mistrzów przepełniony był taką artystyczną samowolą, że uznalibyśmy go za zupełnie niesmaczny i nie do przyjęcia.
Wybitną rolę w rozwoju muzyki fortepianowej i kultury pianistycznej odgrywa Szkoły w Londynie i Wiedniu.
Założycielem Szkoły Londyńskiej był słynny wirtuoz, kompozytor i pedagog
Muzio Clementi (1752 -1832)
Muzio Clementi i jego uczniowie grali na angielskim fortepianie, który miał świetne brzmienie i wymagał wyraźnego, mocnego naciśnięcia klawiszy, ponieważ instrument ten miał bardzo ciasną klawiaturę. Fortepian wiedeński, zaprojektowany przez mistrza Johanna Steina i ulubiony przez Mozarta, miał bardziej melodyjne, choć nie tak mocne brzmienie i miał stosunkowo lekką klawiaturę. Dlatego też, będąc dyrektorem, a następnie współwłaścicielem jednej z największych firm fortepianowych w Anglii, Clementi osiągnął ulepszenia w instrumentach angielskich, nadając im większą melodyjność i czyniąc klawiaturę lżejszą. Impulsem do tego było osobiste spotkanie Clementiego z Mozartem w 1781 roku w Wiedniu, gdzie na dworze cesarza austriackiego odbyła się ich swoista rywalizacja jako kompozytorów i pianistów. Clementiego uderzyła szczerość gry Mozarta i jego „śpiew na fortepianie”.
Muzio Clementi - autor licznych dzieł fortepianowych i wybitny pedagog, stworzył własną szkołę gry na fortepianie. Był autorem pierwszych w historii fortepianu pouczających ćwiczeń technicznych i etiud, dających wyobrażenie o jego założeniach metodologicznych.
Sam Clementi i jego uczniowie (I. Kramer, D. Field – jeden z najzdolniejszych uczniów, E. Brekr) – najwięksi wirtuozi początku XIX w. – wyróżniali się doskonałą techniką palcową. Clementi wraz ze swoimi uczniami stworzył postępową metodologię skupioną na opracowaniu nowych sposobów interpretacji instrumentu, wykorzystaniu pełnej „koncertowej” perspektywy brzmieniowej i reliefowej. Praca pedagogiczna M. Clementiego „Krok do Parnasu, czyli sztuka gry na fortepianie zawarta w 100 ćwiczeniach utrzymanych w surowym i eleganckim stylu”. Utwór ten stanowi podstawową szkołę doskonalenia umiejętności pianistycznych, a 100 ćwiczeń zadziwia różnorodnością treści i zakresem postawionych zadań wykonawczych. Wielu przedstawicieli szkoły londyńskiej było odważnymi innowatorami w dziedzinie pianistyki, którzy oprócz pasaży palców wykorzystywali w swoich kompozycjach podwójne nuty, oktawy, formacje akordowe, próby i inne techniki, które nadawały brzmieniu blask i różnorodność.
Szkoła Clementi dała początek pewnym tradycjom w pedagogice fortepianowej:
zasada wielogodzinnych ćwiczeń technicznych;
zabawa „izolowanymi” palcami w kształcie młotka nieruchomą ręką;
rygor rytmu i kontrastująca dynamika.
Założycielami Szkoły Wiedeńskiej byli wielcy pianiści-kompozytorzy: Haydn, Mozart i Beethoven.
Wybitny przedstawiciel postępowej pedagogiki fortepianowej cieszył się wielką sławą
Karol (Karel) Czerny (1791-1857)
„Teoretyczna i praktyczna szkoła fortepianu” Czernego ma wiele podobieństw z „Podręcznikiem” Hummla. Opowiadając szczegółowo o technice gry, o sposobach jej rozwoju i zdobywaniu umiejętności niezbędnych pianiście, w trzeciej części swego dzieła podkreśla, że to wszystko jest jedynie „środkiem do osiągnięcia prawdziwego celu sztuki , co niewątpliwie polega na włożeniu duszy w wykonanie i ducha, a tym samym na wpłynięcie na uczucia i myśli słuchaczy.”
Należy stwierdzić, że XIX-wieczne metody nauczania zostały zredukowane do zadań czysto technicznych, które opierały się na chęci rozwijania siły i płynności palców poprzez wielogodzinne treningi. Wraz z tym w pierwszej połowie XIX wieku najzdolniejsi wykonawcy, w większości uczniowie Clementiego, Adama, Czernego, Fielda i innych wybitnych pedagogów, którzy osiągnęli wysoką wirtuozerię, odważnie rozwijali nowe techniki gry na fortepianie, osiągając moc brzmienia instrumentu, jasność i blask skomplikowanych pasaży. Szczególne znaczenie w fakturze ich dzieł miały struktury akordowe, oktawy, podwójne nuty, próby, techniki przenoszenia rąk i inne efekty wymagające udziału całej ręki.
Paryż XIX w - jest ośrodkiem kultury muzycznej i umiejętności wirtuozowskich. Uważany jest za założyciela paryskiej szkoły gry na fortepianie kompozytor, pianista, pedagog
Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)
Jego dzieło „Sposób nauki gry na fortepianie za pomocą rękojeści” (1830) uzasadniło zastosowanie urządzeń technicznych do rozwoju różnych rodzajów techniki (drobnej, rozciągania mięśni itp.). Funkcja szkoły tego typu są wspólnotą autorytarną pedagogiczną instalacje. Naukę rozpoczynano od wyrobienia prawidłowej pozycji przy instrumencie i opanowania najprostszych formuł motoryczno-technicznych, dopiero znacznie później uczniowie rozpoczęli naukę utworów muzycznych.
Pragnienie wirtuozerii doprowadziło do przyspieszenia tempa zajęć, nadużywania ćwiczeń o charakterze mechanicznym, co doprowadziło do chorób zawodowych i spadku kontroli słuchowej.
Niemcy XIX wiek Wpływ działalności literacko-krytycznej i pedagogicznej na romantyczną estetykę tego kraju jest znaczący
Roberta Schumann (1810-1856)
Znaczące miejsce w twórczości Roberta Schumanna zajmowało rozwinięcie zagadnień kształtowania się muzyka – prawdziwego artysty nowego typu, zasadniczo różniącego się od modnych wirtuozów. Kompozytor uważa to za jeden z najskuteczniejszych sposobów podnoszenia kultury muzycznej.
Problematykę pedagogiki muzycznej podejmują dzieła R. Schumanna „Zasady domu i życia muzyków”, „Dodatek do albumu dla młodzieży”, we wstępie do Etiud opartych na Kaprysach Paganiniego Or.Z. z głównych zagadnień muzycznych i pedagogicznych jest następujące: współdziałanie edukacji etycznej i estetycznej, zdobywanie głębokiej i wszechstronnej wiedzy stanowiącej podstawę każdego szkolenia, formułowanie zasad poważnej sztuki oraz krytyka trendu i pasji salonowej za „technikę dla techniki” w kompozycjach i sztukach performatywnych, walkę z amatorstwem. 
Poglądy muzyczne i pedagogiczne Schumanna służyły i nadal służą jako podstawa zaawansowanych nowoczesnych metod. Muzyka fortepianowa kompozytora jest nadal aktywnie wykorzystywana w programach edukacyjnych na wszystkich poziomach.
Nie sposób nie wspomnieć o tak wielkim kompozytorze i wirtuozie polskiego pianisty
Fryderyk Chopin (1810-1849)
W pierwszej połowie XIX wieku Fryderyk Chopin stał się pierwszym kompozytorem, który pisał muzykę wyłącznie na fortepian. Jako zdolne dziecko Chopin napisał wiele pięknych i skomplikowanych utworów fortepianowych, które przez lata zachwycały wielu uczniów i wykonawców. Chopin szybko podbił Paryż. Od razu zadziwił publiczność swoim oryginalnym i niezwykłym występem. W tym czasie Paryż został zalany muzykami z różnych krajów. Największą popularnością cieszyli się pianiści wirtuozi. Ich grę wyróżniała perfekcja techniczna i błyskotliwość, która wprawiła w osłupienie publiczność. Dlatego też pierwsze koncertowe wykonanie Chopina zabrzmiało tak ostrym kontrastem. Według wspomnień współczesnych jego występ był zaskakująco uduchowiony i poetycki. Pierwszy koncert Chopina wspomina słynny węgierski muzyk Franciszek Liszt. Rozpoczynający także swoją błyskotliwą karierę jako pianista i kompozytor: „Pamiętamy jego pierwszy występ w Sali Pleyela, kiedy oklaski, które wzmagały się ze zdwojoną siłą, zdawały się nie być w stanie dostatecznie wyrazić naszego entuzjazmu wobec talentu, który wraz z radością innowacje w dziedzinie jego sztuki otworzyły nowy etap w rozwoju uczucia poetyckiego”. Chopin podbił Paryż, tak jak kiedyś Mozart i Beethoven podbili Wiedeń. Podobnie jak Liszt, uznawany był za najlepszego pianistę świata.
Węgierski kompozytor, pianista, dyrygent, pedagog
Franciszek Liszt (1811-1886)
Współczesny i przyjaciel F. Chopina. Nauczycielem gry na fortepianie Ferenca był K. Czerny.
Występując na koncertach od dziewiątego roku życia Liszt zasłynął najpierw jako pianista-wirtuoz.
W latach 1823-1835. mieszkał i koncertował w Paryżu, gdzie prowadzona była także jego działalność pedagogiczna i kompozytorska. Tutaj muzyk poznał i zbliżył się do G. Berlioza, F. Chopina, J. Sanda i innych wybitnych osobistości sztuki i literatury.
W latach 1835-1839 Liszt podróżował do Szwajcarii i Włoch i w tym okresie doskonalił swoje umiejętności pianistyczne.
W swojej twórczości kompozytorskiej Liszt wysunął ideę syntezy kilku sztuk, przede wszystkim muzyki i poezji. Stąd jego główna zasada ma charakter programowy (muzyka jest komponowana pod konkretną fabułę lub obraz). Efektem podróży po Włoszech i zapoznania się z malarstwem włoskich mistrzów był cykl fortepianowy „Lata wędrówki” oraz sonata fantasy „Po przeczytaniu Dantego”.
Ogromny wkład w rozwój koncertowej muzyki fortepianowej wniósł także Franciszek Liszt.
Kultura muzyczna Rosji w XIX wieku. przypomina swego rodzaju „wehikuł czasu”. W ciągu stu lat Rosja przeszła trzystuletnią podróż, z którą nie można porównywać płynnego i stopniowego rozwoju narodowych szkół kompozytorskich w dużych krajach Europy Zachodniej. I tylko w tym czasie rosyjscy kompozytorzy byli w stanie, w prawdziwym tego słowa znaczeniu, opanować zgromadzone bogactwo sztuki ludowej i ożywić myśli ludu w pięknych i doskonałych formach muzyki klasycznej.
Pod koniec XVIII - na początku XIX wieku. Pedagogika muzyczna w Rosji stawia pierwsze kroki: powstaje rosyjska szkoła fortepianowa. Charakteryzuje się aktywnym rozwojem zagranicznych metod nauczania i jednocześnie pragnienie zaawansowanych rosyjskich nauczycieli stworzenia narodowej szkoły pianistycznej.
W przeciwieństwie do Europy Zachodniej, Rosja nie znała wysoko rozwiniętej kultury klawesynowej, choć klawesyn był znany już od XVI wieku. Rosyjscy słuchacze wykazali duże zainteresowanie wyłącznie muzyką wokalną, a do śpiewu i tańca wykorzystywano istniejące w Rosji instrumenty klawiszowe. Dopiero pod koniec XVIII w. Zainteresowanie nauką gry na clavier rośnie. Szkoła klawikordowa Simona Leleina oraz fragmenty „Szkoły Clavier” Daniela Gottlieba Türka zostały opublikowane w języku rosyjskim. 
Początek XIX wieku datuje się na publikację traktatu Vincenzo Manfrediniego „Zasady harmoniczne i melodyczne w nauczaniu wszelkiej muzyki”. Wraz z tym w pierwszej połowie XIX w. ukazały się w języku rosyjskim różne szkoły fortepianowe muzyków zagranicznych: „Szkoła gry na fortepianie” M. Clementiego (1816), „Kompletna praktyczna szkoła gry na fortepianie” D. Steibelta ( 1830), „Szkoła” F. Guntena (1838) i innych.
Wśród wybitnych muzyków-nauczycieli pierwszej połowy XIX wieku. byli tam I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.
W tych latach w Rosji powstały także szkoły autorów krajowych, których kompilatorzy starali się przybliżyć metody nauczania do zadań edukacji rosyjskich muzyków. W repertuarze „Szkoły” I. Pracy (Czecha, prawdziwe nazwisko Jan Bohumir, rok urodzenia nieznany, zm. 1818; kompozytor, który przez długi czas pracował w Petersburgu jako nauczyciel muzyki w różnych placówkach oświatowych) znalazł się m.in. , na przykład wiele dzieł autorów rosyjskich.
W oryginalnej instrukcji I. Pracha„Kompletna szkoła fortepianowa…” (1806) uwzględniała specyfikę rosyjskiej kultury wykonawczej; Poruszono kwestie edukacji muzycznej dzieci. Prach wniósł znaczący wkład w rozwój pedagogiki fortepianowej. Określa zapisy teoretyczne na podstawie instrukcji metodologicznych, które określają różne sposoby wykonania (figuracje harmoniczne, pasaże i akordy, łamane oktawy itp.) z przykładami ilustrującymi konkretną technikę lub ruch.
Działalność J. Pole jako muzyk i pedagog miał ogromne znaczenie dla rosyjskiej pedagogiki fortepianowej. Wychował plejada znanych muzyków, takich jak M. Glinka, A. Wierstowski, A. Gurilew, A. Gerke i wielu innych. Szkoła Polowa miała oczywiście ogromne znaczenie. Można go uważać za twórcę wiodącej szkoły pianistycznej. W latach 20-30. 19 wiek Field w swoich studiach starał się podporządkować prace techniczne celom artystycznym: ekspresyjnemu frazowaniu, filigranowemu wykończeniu brzmienia każdej nuty, odsłonięciu treści dzieła.
A. HenseltIA. Gehrke
Wykładali w placówkach oświaty ogólnokształcącej oraz w Konserwatorium w Petersburgu. Ich metoda pedagogiczna odzwierciedlała postępowy kierunek rosyjskiej szkoły fortepianowej, a mianowicie: rozwój horyzontów w oparciu o wykorzystanie szerokiego repertuaru, chęć wspierania samodzielności uczniów. Byli zagorzałymi przeciwnikami metod „szkolenia” i „wiercenia”.
A. Villuana był nauczycielem o poglądach postępowych. Jego historyczna rola polega na tym, że już w dzieciństwie odkrył talent muzyczny A. Rubinsteina i zdołał nadać mu właściwy kierunek rozwoju. Najlepsze aspekty metody pedagogicznej Villouina, przejawiające się w jego działalności praktycznej, znalazły odzwierciedlenie w jego „Szkole” (1863). Odkryta przez niego metoda wytwarzania dźwięku – „śpiew” na fortepianie – stała się jednym z potężnych artystycznych środków gry A. Rubinsteina. „Szkoła” obejmuje dużą ilość wiedzy związanej z przygotowaniem technicznym i edukacją muzyczną pianisty. Szczególnie cenne są poglądy Villouina na osiągnięcie melodyjnego, głębokiego brzmienia fortepianu, na rozwój legato, do którego wykorzystuje się sprawdzone techniki, które do dziś nie straciły na znaczeniu.
W historii rosyjskiej sztuki przedrewolucyjnej i porewolucyjnej wiodącą rolę odgrywa Konserwatoria w Petersburgu i Moskwie 
największych ośrodków kultury muzycznej w kraju. Działalność obu konserwatoriów rozwijała się w ścisłym kontakcie, o czym decydowała nie tylko wspólność ich zadań, ale także fakt, że studenci Konserwatorium Petersburskiego często pracowali w Moskwie, a Moskale zostali nauczycielami Konserwatorium Petersburskiego .
W ten sposób P. I. Czajkowski ukończył Konserwatorium w Petersburgu, a następnie został jednym z pierwszych profesorów Konserwatorium Moskiewskiego; L. Nikołajew (uczeń W. Safonowa w Konserwatorium Moskiewskim) – później jeden z czołowych przedstawicieli szkoły fortepianowej w Leningradzie; Uczniowie Mikołaja, W. Sofronitski i M. Judina, przez kilka lat pracowali w Moskwie.
Założyciele konserwatoriów w Petersburgu i Moskwie, bracia
Anton i Mikołaj Rubinsteinowie,
Przez lata kierowania konserwatoriami położyli podwaliny pod kształcenie młodych muzyków. Ich uczniowie (A. Siloti, E. Sauer – uczniowie Mikołaja; G. Cross, S. Poznańskaya, S. Drucker, I. Hoffman – uczniowie Antona) stali się pierworodnymi w galaktyce młodych wykonawców, którzy zdobyli uznanie światowa społeczność muzyczna. 
Staraniem braci Rubinsteinów rosyjska pedagogika fortepianowa nabyła się w ostatniej tercji XIX wieku. ogromny autorytet i międzynarodowe uznanie. To im Rosja zawdzięcza jedno z pierwszych miejsc w nauczaniu gry na fortepianie.
Można stwierdzić, że zarówno zachodnioeuropejscy, jak i rosyjscy zaawansowani muzycy-nauczyciele XIX wieku poszukiwali rozsądnych, oryginalnych sposobów oddziaływania na ucznia. Szukali skutecznych sposobów usprawnienia prac technicznych. Twórczo wykorzystując tradycje muzyki klawesynowej oraz wypracowane w poprzednich wiekach idee dotyczące istoty procesu kształtowania się techniki wykonawczej pianisty, metodologii XIX wieku. doszedł do uzasadnienia właściwej zasady gry – holistycznego wykorzystania aparatu pianistycznego. To właśnie w XIX wieku powstała naprawdę wspaniała baza etiud i ćwiczeń, która do dziś pozostaje niezastąpiona w nauczaniu gry na fortepianie. 
Analiza materiału muzycznego wskazuje, że jego twórcom wpisana jest chęć poszukiwania naturalnych ruchów gry, zasad palcowania związanych z cechami strukturalnymi ludzkiej ręki.
Jednocześnie należy zauważyć, że w XIX w. dał pedagogice i pedagogice muzycznej system błyskotliwie obiecujących idei, a przede wszystkim chęć wychowania dobrze wykształconego muzyka poprzez celowy rozwój jego indywidualności twórczej.
XXwiek
20 wiek - rozkwit sztuki fortepianowej. Okres ten jest niezwykle bogaty w wyjątkowo utalentowanych, wybitnych pianistów.
Na początku XX wieku zasłynęli Hoffmana I Cortot, Schnabel I Paderewskiego. I naturalnie, Z. Rachmaninow, geniusz srebrnej epoki, który zapoczątkował nową erę nie tylko w muzyce fortepianowej, ale także w całej kulturze światowej.
Druga połowa XX wieku to era tak znanych pianistów jak Światosław Richter, Emil Gilels, Włodzimierz Horowitz, Artur Rubinstein, Wilhelm Kempff.I tak dalej...
Styl wykonawczy XX wieku
***
Jest to pragnienie głębokiego zrozumienia tekstu muzycznego i trafnego przekazania intencji kompozytora, a także zrozumienia stylu i charakteru muzyki jako podstawy realistycznej interpretacji osadzonych w dziele obrazów artystycznych.
***
Koniec XIX - początek XX wieku. - niezwykle burzliwy okres w historii światowej kultury artystycznej. Niezwykle zaostrzyła się konfrontacja pomiędzy demokratyczną kulturą mas, które coraz bardziej wdawały się w walkę o swoje prawa społeczne, a elitarną kulturą burżuazji.
Najwięksi artyści tego czasu dostrzegli cechy kryzysu w ewolucji nowej muzyki: „Żyjemy w czasach, w których podstawa ludzkiej egzystencji przeżywa szok” – przekonywał I. F. Strawiński, współczesny człowiek traci poczucie wartości i stabilności .... Skoro sam duch jest chory, to muzyka naszych czasów, a zwłaszcza to, co tworzy, co uważa za prawdziwe, niesie ze sobą znamiona patologicznej niewydolności. Podobne wyznania można było usłyszeć nie raz z ust innych główni muzycy.
Jednak pomimo kryzysowych skutków tamtej epoki, muzyka osiągnęła nowe, wspaniałe wyżyny. Pedagogika fortepianowa została wzbogacona o wiele ciekawych dzieł. Uwaga autorów opublikowanych prac skierowana była na zagadnienia umiejętności artystycznych studentów.
Najwybitniejsi pedagodzy-pianiści G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan opracowane metody skutecznej nauki uczniów.
Heinrich Gustawowicz Neuhaus (1888-1964) - pianista, pedagog, autor muzyki. Założyciel największej radzieckiej szkoły pianistycznej. Wszystko, o czym pisze, przepojone jest żarliwą miłością do sztuki, muzyki fortepianowej i performansu.
Najbardziej interesuje nas książka „O sztuce gry na fortepianie”.
Książka napisana żywym, obrazowym językiem, pełna ocen na temat wielu kompozytorów, wykonawców i pedagogów. Stawia nowe problemy i pytania nurtujące każdego pianistę. Jest w niej wiele stron, które mają charakter autobiografii muzycznej, poświęconej wspomnieniom własnej drogi twórczej. Jednak w tej improwizacji wyraźnie ujawniają się poglądy autora na sztukę fortepianową i zadania nauczyciela. W swoich utworach Neuhaus pisze o obrazie artystycznym, rytmie, dźwięku, pracy nad techniką, palcowaniu i pedałowaniu, zadaniach nauczyciela i ucznia oraz działalności koncertowej muzyka.
Z wielką przekonywalnością pokazuje, że tzw. metoda „podręcznikowa”, która podaje przede wszystkim receptę – „twarde zasady”, nawet jeśli jest prawdziwa i sprawdzona, zawsze będzie jedynie metodą wyjściową, uproszczoną, ciągle wymagającą rozwoju, doprecyzowania w konfrontacji z realnym życiem, dodatek, czyli jak sam mówi, „w dialektycznej przemianie”. Ostro i z temperamentem sprzeciwia się „metodzie coachingowej” i „niekończącemu wysysaniu tych samych dzieł” w pracy pedagogicznej, fałszywemu stanowisku, że „reżyseria może z uczniami zrobić wszystko”. Stara się dialektycznie rozwiązywać nie tylko ogólne problemy muzyczne i wykonawcze, ale także bardziej szczegółowe problemy techniczne.
Definiując rolę nauczyciela, Neuhaus uważa, że nauczyciel powinien dążyć do tego, aby być nie tyle nauczycielem gry na fortepianie, ile nauczycielem muzyki.
W swojej pracy pedagogicznej Neuhaus zwracał szczególną uwagę na relację pomiędzy „muzyką” i „technicznością”. Poszukiwał zatem przede wszystkim przezwyciężenia niepewności technicznej i sztywności ruchów ucznia w sferze oddziaływania na psychikę ucznia, w drogach samej muzyki. Podobnie postępował, polecając swoim uczniom metody pracy w „trudnych miejscach”. Jego zdaniem wszystko, co „trudne”, „złożone”, „nieznane” należy, jeśli to możliwe, sprowadzić do czegoś bardziej „łatwego”, „prostego”, „znajomego”; jednocześnie zdecydowanie odradzał rezygnację z metody zwiększania trudności, ponieważ za pomocą tej metody gracz nabywa umiejętności i doświadczenie, które pozwolą mu całkowicie rozwiązać problem. 
Wreszcie Neuhaus dołożył wszelkich starań, aby przybliżyć ucznia do muzyki, odsłonić mu treść pokazywanego utworu i nie tylko zainspirować go żywym obrazem poetyckim, ale także dać mu szczegółową analizę formy i struktura utworu – melodia, harmonia, rytm, polifonia, faktura – jednym słowem odkrywają przed uczniem prawa muzyki i sposoby jej realizacji.
Rozmawiać o rytm Jako jeden z najważniejszych elementów składających się na proces wykonawczy Neuhaus podkreśla ogromne znaczenie „poczucia całości”, zdolności „długiego myślenia”, bez których pianista nie jest w stanie zadowalająco wykonać żadnego większego dzieła z punktu widzenia widok formy.
Autor uważa niedocenianie za duży błąd pianisty. dźwięk (niewystarczające wsłuchanie się w dźwięk) i jego przewartościowanie, czyli „delektowanie się jego zmysłowym pięknem”. Stawiając to pytanie w ten sposób, Neuhaus na nowo definiuje pojęcie piękna dźwięku – nie abstrakcyjnie, bez związku ze stylem i treścią, ale wywodząc je ze zrozumienia stylu i charakteru wykonywanej muzyki.
Jednocześnie podkreśla, że sama praca muzyczna i „muzyczna pewność siebie” nie rozwiązują problemu opanowania techniki fortepianowej. Niezbędny jest także trening fizyczny, polegający na grze wolnej i mocnej. „Przy wykonywaniu tego rodzaju pracy” – dodaje – „trzeba przestrzegać następujących zasad: należy zwracać uwagę, aby ramię, całe ramię, od dłoni do stawu barkowego, było całkowicie swobodne, nigdzie nie „zamarzło”, nie nie szczypie, nie „twardnieje”, nie traci swojej potencjalnej (!) elastyczności zachowując przy tym całkowity spokój i wykonując tylko te ruchy, które są ściśle „niezbędne”.
Określenie swojego poglądu na aplikatura, Neuhaus pisze, że najlepsze palcowanie to takie, które pozwala dokładniej oddać sens danej muzyki. Palcowanie związane z duchem, charakterem i stylem muzycznym autora nazywa najpiękniejszym i najbardziej uzasadnionym estetycznie.
Neuhaus definiuje problem w podobny sposób pedałowanie. Słusznie twierdzi, że ogólne zasady brania pedału odnoszą się do pedałowania artystycznego, gdyż pewna część składni odnosi się do języka poety. Jego zdaniem w zasadzie nie ma prawidłowego pedału. Pedał artystyczny jest nierozerwalnie związany z obrazem dźwiękowym. Myśli te poparte są w książce szeregiem ciekawych przykładów, z których jasno wynika, jaką wagę autor przywiązywał do różnych technik pedałowania.
Można jedynie powiedzieć, że Neuhaus postrzegał technikę pianisty jako coś organicznie związanego z rozumieniem muzyki i aspiracjami artystycznymi. Na tym właśnie opiera się w ogóle sowiecka szkoła wykonawcza, a w szczególności szkoła Neuhaus, która kształciła tak wspaniałych wykonawców, jak S. Richter, E. Gilels, J. Zak i wielu innych wybitnych pianistów.
Artykuły i książki stanowią wyjątkowy wkład w sowiecką szkołę fortepianu
Grigorij Michajłowicz Kogan (1901-1979)
W książce „U bram mistrzostwa” autor opowiada o psychologicznych przesłankach powodzenia twórczości pianistycznej. W pracy tej identyfikuje „trzy główne ogniwa”: jasną wizję celu, skupienie się na tym celu oraz wytrwałą wolę jego osiągnięcia. Słusznie zauważa, że wniosek ten nie jest nowy i dotyczy nie tylko pianistów, ale każdej dziedziny sztuki i działalności człowieka.
We wstępie do książki mówi o znaczeniu psychiki pianisty, o roli, jaką w jego twórczości odgrywa prawidłowe dostrojenie psychiczne, które jest warunkiem koniecznym udanej praktyki. Temat ten cieszy się dużym zainteresowaniem nie tylko wykonawców, ale także nauczycieli, od których wiele zależy w kształtowaniu psychiki ucznia i jego dostrojeniu psychicznym.
Mówiąc o celu, woli, uwadze, koncentracji, samokontroli, wyobraźni i innych elementach decydujących o sukcesie w twórczości pianisty, Kogan dodaje do nich potrzebę żarliwego pragnienia wyrażenia wymyślonych i ukochanych obrazów muzycznych w idealnej formie. Szczególną uwagę poświęca zagadnieniu „twórczego spokoju” i ekscytacji wykonawcy przed występem i podczas grania na koncercie.
Rozpatrując poszczególne etapy pracy pianisty nad utworem, Kogan szczegółowo charakteryzuje trzy etapy tego procesu: 1) oglądanie i wstępne odtwarzanie, 2) nauka fragmentami, 3) „składanie” dzieła jako etap końcowy.
Kogan szczegółowo omówił kwestie frazowania, palcowania, technicznego przegrupowania i mentalnej reprezentacji trudności. Prawie wszystko, co analizował, opiera się na zasadach pianistycznych Busoniego.
Książka zawiera także analizę niektórych aspektów sztuk performatywnych, którym w literaturze metodologicznej poświęcono stosunkowo niewiele uwagi. Należą do nich na przykład kwestia podtekstu werbalnego różnych epizodów w utworach fortepianowych, który może służyć jako „pomocniczy przewodnik intonacyjny”, pozwalający „łatwiej odnaleźć naturalny rozkład oddechów, przekonującą „wymowę” indywidualne intonacje.”
Studiując dorobek pedagogiczny Kogana, możemy stwierdzić, że dzieła Kogana w dużej mierze charakteryzują podstawowe wytyczne metodologiczne współczesnej radzieckiej szkoły pianistycznej w sztuce fortepianowej.
Jeden z najwybitniejszych pianistów początku naszego stulecia, jest chwałą sztuk performatywnych XX wieku
Józef Hoffman (1876-1957)
Losy podróżującego artysty – zjawiska, które w cywilizowanej formie podtrzymuje tradycje wędrownych muzyków – na długi czas stały się udziałem Hoffmanna. Hoffman zajmował się także działalnością pedagogiczną, jednak nie była ona tak bystra jak performerska.
Hoffmann przywiązywał dużą wagę do okresu szkolenia. Potrzeba Nauczyciela, potrzeba zaufania mu, jego znaczenie dla formacji performera – to motywy, które wielokrotnie pojawiają się na kartach książek Hoffmanna. Sam Hoffmann miał szczęście do swoich nauczycieli – byli to słynny pianista i kompozytor Moritz Moszkowski (autor znakomitych etiud wirtuozowskich i sztuk salonowych) oraz słynny Anton Rubinstein, z którym spotkanie stało się jednym z głównych wydarzeń w życiu twórczym Hoffmanna.
Kolejnym ważnym wydarzeniem w życiu Hoffmana, które radykalnie wpłynęło na jego twórcze losy, sposób myślenia i sposób życia, była przeprowadzka do Ameryki (a później przyjęcie obywatelstwa amerykańskiego). Stąd - trzeźwe, praktyczne spojrzenie na życie, biznesowe podejście do wszelkich, w tym kreatywnych, problemów; Ta czysto amerykańska praktyczność jest zauważalna zarówno w książkach, jak i artykułach.
W opublikowanej w 1914 roku książce zatytułowanej „Gra na fortepianie – odpowiedzi na pytania dotyczące gry na pianinie” ważne jest, aby Hoffmann określił ogólne zasady, które przyczyniają się do dobrej gry na pianinie. Podkreśla zalety ćwiczeń rano. Zaleca się, aby nie uczyć się dłużej niż godzinę, maksymalnie dwie godziny na raz. Wszystko powinno zależeć od Twojej kondycji fizycznej. Doradza także zmianę czasu i kolejności studiowanych dzieł. Pianista koncentruje się na dyskusjach na temat „technologii” gry na fortepianie, którą doskonale rozumiał. Dla Hoffmanna ważna jest praca bez instrumentu (także z nutami i bez nut).
Szczególnie istotne są przemyślenia Hoffmanna na temat „techniki mentalnej” – konieczności rozpoczynania analizy spektaklu od analizy formy i faktury; ponadto w procesie analizy każdy fragment „musi zostać całkowicie przygotowany mentalnie, zanim zostanie wypróbowany na fortepianie”.
Hoffman jest bardzo nowoczesny w wielu cechach swojego stylu. Jest nam bliski w swojej praktyczności - wszystko jest w zasadzie, nic zbędnego.
Geniusz Srebrnego Wieku, wielki pianista, kompozytor, dyrygent
Siergiej Rachmaninow (1873-1943)
Zaczął systematycznie uczyć się muzyki w wieku pięciu lat wiek. W 1882 r. Siergiej wszedł do Petersburga konserwatorium. W 1885 przeniósł się do Moskwy i został studentem Konserwatorium Moskiewskiego, gdzie studiował najpierw u słynnego pianisty-nauczyciela N. S. Zvereva (którego uczniem był także rosyjski kompozytor i pianista Aleksander Nikołajewicz Skriabin), a od 1888 u pianisty i dyrygenta Aleksander Iljicz Ziloti (fortepian); kompozytor, pianista i dyrygent Anton Stepanovich Arensky (kompozycja, instrumentacja, harmonia); kompozytor, pianista oraz działacz muzyczny i publiczny Siergiej Iwanowicz Tanejew (kontrapunkt dla ścisłego pisania).
Rachmaninow to jeden z najwybitniejszych muzyków przełomu XIX i XX wieku. Jego sztukę wyróżnia żywotna prawdomówność, demokratyczna orientacja, szczerość i emocjonalna pełnia wypowiedzi artystycznej. Rachmaninow nawiązał do najlepszych tradycji klasyki muzycznej, przede wszystkim rosyjskiej. Był uduchowionym piosenkarzem o rosyjskiej naturze.
W jego twórczości ściśle współistnieją namiętne impulsy nieprzejednanego protestu i cichej kontemplacji, drżąca czujność i determinacja silnej woli, ponura tragedia i entuzjastyczny hymn. Muzyka Rachmaninowa, posiadająca niewyczerpane bogactwo melodyczne i subwokalne, polifoniczne, wchłonęła korzenie rosyjskiej pieśni ludowej i pewne cechy chorału Znamennego. Jednym z oryginalnych fundamentów stylu muzycznego Rachmaninowa jest organiczne połączenie szerokości i swobody melodyjnego oddechu z rytmiczną energią. Temat ojczyzny, centralny dla dojrzałej twórczości Rachmaninowa. Nazwisko Rachmaninowa jako pianisty dorównuje nazwiskom F. Liszta i A. G. Rubinsteina. Fenomenalna technika, melodyjna głębia tonu, giętki i władczy rytm zostały całkowicie podporządkowane grze Rachmaninowa.
Sława Rachmaninowa jako pianisty była ogromna i wkrótce stała się prawdziwą legendą. Szczególnym sukcesem cieszyły się jego interpretacje muzyki własnej oraz dzieł kompozytorów romantycznych – Fryderyka Chopina, Roberta Schumanna, Franciszka Liszta. Działalność koncertowa Rachmaninowa jako podróżującego pianisty-wirtuoza po miastach i krajach trwała nieprzerwanie przez prawie 25 lat.
W Ameryce, gdzie przypadkiem zamieszkał, odniósł oszałamiający sukces, jaki kiedykolwiek towarzyszył tu zagranicznemu wykonawcy. Słuchaczy przyciągały nie tylko wysokie umiejętności wykonawcze Rachmaninowa, ale także jego styl gry i zewnętrzna asceza, za którą kryła się bystra natura genialnego muzyka. „Człowiek, który potrafi tak i z taką siłą wyrażać swoje uczucia, musi przede wszystkim nauczyć się doskonale je panować, być ich panem…” – napisano w jednej z recenzji.
Nagrania gramofonowe gry Rachmaninowa dają wyobrażenie o jego fenomenalnej technice, wyczuciu formy i wyjątkowo odpowiedzialnym podejściu do detalu. Pianizm Rachmaninowa wywarł wpływ na tak wybitnych mistrzów fortepianu, jak Władimir Władimirowicz Sofronitski, Władimir Samojłowicz Horowitz, Światosław Teofilowicz Richter, Emil Grigoriewicz Gilels.
Pianista amerykański – wirtuoz pochodzenia ukraińsko-żydowskiego, jeden z najwybitniejszych pianistów XX wieku
Władimir Samojłowicz Horowitz
(1903-1989)
Urodzony w Rosji, od 1928 roku w USA. Przedstawiciel romantycznego stylu wykonawczego (utwory F. Liszta, w tym we własnych transkrypcjach, Fryderyk Chopin, kompozytorzy rosyjscy itp.).
Włodzimierz Horowitz studiował u W. Puchalskiego, S. W. Tarnowskiego i F. M. Blumenfelda w Kijowskiej Szkole Muzycznej, przekształconej we wrześniu 1913 roku w Konserwatorium Kijowskie. Po ukończeniu gimnazjum w 1920 r. V. Horowitz nigdy nie otrzymał dyplomu, gdyż nie posiadał świadectwa ukończenia gimnazjum. Swój pierwszy solowy koncert dał w Charkowie w 1920 r. (ale pierwszy udokumentowany publiczny koncert miał miejsce w grudniu 1921 r. w Kijowie). Następnie koncertował w różnych miastach Rosji wraz z młodym skrzypkiem z Odessy Nathanem Milsteinem, za co często otrzymywał wynagrodzenie w postaci chleba, a nie pieniędzy, ze względu na trudną sytuację ekonomiczną kraju.
Od 1922 roku Horowitz koncertując w miastach Rosji, Ukrainy, Gruzji i Armenii zgromadził gigantyczny repertuar. Na przykład w ciągu trzech miesięcy (listopad 1924 - styczeń 1925) wykonał ponad 150 utworów w słynnym „serialu leningradzkim”, składającym się z 20 koncertów. Pomimo wczesnych sukcesów jako pianista Horowitz utrzymywał, że chce zostać kompozytorem, ale wybrał karierę pianisty, aby pomóc swojej rodzinie, która straciła całą fortunę w czasie rewolucji 1917 roku. Sukces „dzieci rewolucji” (jak nazwał je Łunaczarski w jednym ze swoich artykułów) był oszałamiający. W wielu miastach powstały kluby miłośników tych młodych muzyków.
We wrześniu 1925 roku Włodzimierz Horowitz miał okazję wyjechać do Niemiec (oficjalnie wyjeżdżał na studia). Przed wyjazdem uczył się i grał na I koncercie P. I. Czajkowskiego w Leningradzie. Dzięki tej kompozycji zasłynął w Europie. Koncert ten odegrał w życiu pianisty „fatalną” rolę: za każdym razem, odnosząc triumf w Europie i Ameryce, Horowitz wykonywał I koncert Czajkowskiego. W ślad za pianistą w grudniu 1925 roku do Niemiec wyjechał także Milstein. W Europie obaj muzycy szybko zyskali sławę jako znakomici wirtuozi. Horowitz został wybrany przez władze sowieckie do reprezentowania Ukrainy na inauguracyjnym Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku, pianista jednak zdecydował się pozostać na Zachodzie i dlatego nie wziął udziału w konkursie. Do 1940 roku koncertował niemal we wszystkich krajach Europy i wszędzie odnosił oszałamiające sukcesy. W Paryżu, gdy grał V. Horowitz, wezwano żandarmów, aby uspokoić publiczność, która w ekstazie łamała krzesła. W 1928 roku Vladimir Horowitz dał znakomity występ w Carnegie Hall w Nowym Jorku i odbył tournée po wielu amerykańskich miastach, odnosząc ogromny sukces.
Rosyjski pianista o niemieckich korzeniach
Światosław Teofilowicz Richter
(1915 – 1997)
Dzieciństwo i młodość spędził w Odessie, gdzie uczył się u ojca, wykształconego w Wiedniu pianisty i organisty, a także pracował jako akompaniator w operze. Swój pierwszy koncert dał w 1934 roku. W wieku 22 lat, formalnie będąc samoukiem, wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, gdzie studiował u Heinricha Neuhausa. W 1940 po raz pierwszy wystąpił publicznie w Moskwie, wykonując VI Sonatę Prokofiewa; następnie został pierwszym wykonawcą swoich 7. i 9. sonat (ta ostatnia zadedykowana Richterowi). W 1945 roku został zwycięzcą Ogólnounijnego Konkursu Muzyków Wykonawczych.
Od pierwszych kroków na polu zawodowym był postrzegany jako wirtuoz i muzyk wyjątkowego kalibru.
Richter przez kilka pokoleń sowieckich i rosyjskich muzyków i melomanów był nie tylko wybitnym pianistą, ale także nosicielem najwyższego autorytetu artystycznego i moralnego, uosobieniem współczesnego uniwersalnego muzyka-pedagoga. Ogromny repertuar Richtera, poszerzany aż do ostatnich lat jego aktywnego życia, obejmował muzykę różnych epok, od Klawierszowca dobrze temperowanego Bacha i Suity Haendla po Koncert Gershwina, Wariacje Weberna i Ruchy Strawińskiego.
We wszystkich obszarach repertuaru Richter dał się poznać jako artysta wyjątkowy, łącząc absolutny obiektywizm w podejściu do tekstu muzycznego (staranne przestrzeganie wskazówek autora, pewna kontrola nad szczegółami, unikanie retorycznej przesady) z niezwykle wysokim tonem dramatycznym i duchowym skupienie interpretacji
Wyraźna świadomość Richtera w zakresie odpowiedzialności za sztukę i umiejętność poświęcenia przejawiała się w jego szczególnym zaangażowaniu w grę zespołową. Na początku kariery Richtera jego głównymi partnerami w zespole byli: pianista, student Neuhaus Anatolij Vedernikov, śpiewaczka Nina Dorliak (sopran, żona Richtera), skrzypaczka Galina Barinova, wiolonczelista Daniil Shafran, Mścisław Rostropowicz (ich doskonała, prawdziwie klasyczna współpraca sama w sobie sposób - wszystkie sonaty wiolonczelowe Beethovena). W 1966 roku rozpoczęła się współpraca Richtera i Davida Ojstracha; w 1969 roku odbyło się prawykonanie Sonaty skrzypcowej Szostakowicza. Richter był częstym partnerem Kwartetu. Borodina i chętnie współpracował z muzykami młodszego pokolenia, m.in. z Olegiem Kaganem, Elizawietą Leonską, Natalią Gutman, Jurijem Bashmetem, Zoltanem Kocsisem, pianistami Wasilijem Łobanowem i Andriejem Gawriłowem. Twórczość Richtera jako solisty i muzyka zespołowego została uwieczniona w ogromnej liczbie nagrań studyjnych i koncertowych.
Radziecki pianista, Artysta Ludowy ZSRR
Emil Grigoriewicz Gilels (1916-1985)
Emil zaczął grać na fortepianie w wieku pięciu i pół roku, jego pierwszym nauczycielem był Jakow Tkach. Szybko odnosząc znaczący sukces, Gilels po raz pierwszy wystąpił publicznie w maju 1929 roku, wykonując dzieła Liszta, Chopina, Scarlattiego i innych kompozytorów. W 1930 roku Gilels wstąpił do Odeskiego Instytutu Muzycznego (obecnie Konserwatorium w Odessie).
A w następnym roku wygrywa Ogólnoukraiński Konkurs Pianistyczny, a rok później spotyka Artura Rubinsteina, który z aprobatą wypowiada się o jego występie.
Sława przyszła do muzyka po zwycięstwie w 1933 roku na I Ogólnounijnym Konkursie Muzyków Wykonawczych, po którym odbyły się liczne koncerty w całym ZSRR. Po ukończeniu Konserwatorium w Odessie w 1935 roku Gilels rozpoczął studia podyplomowe w Konserwatorium Moskiewskim w klasie Heinricha Neuhausa.
W drugiej połowie lat trzydziestych pianista odniósł duży międzynarodowy sukces: zajął drugie miejsce na międzynarodowym konkursie w Wiedniu (1936), przegrywając jedynie z Jakowem Flierem, a dwa lata później zemścił się na nim, wygrywając Konkurs Ysaïe w Bruksela, gdzie Flier pozostał na trzecim miejscu. Po powrocie do Moskwy Gilels rozpoczął naukę w konserwatorium jako asystent Neuhausa.
W czasie wojny Gilels brał udział w działalności mecenatu wojskowego, jesienią 1943 roku koncertował w oblężonym Leningradzie, a po zakończeniu wojny powrócił do aktywnej działalności koncertowej i pedagogicznej. Często występował ze swoją młodszą siostrą, skrzypaczką Elizavetą Gilels, a także z Jakowem Zakiem. W 1950] wraz z Leonidem Koganem (skrzypce) i Mścisławem Rostropowiczem (wiolonczela) założył trio fortepianowe, a w 1945 po raz pierwszy koncertował za granicą (stając się jednym z pierwszych muzyków radzieckich, któremu pozwolono to zrobić), odbył tournee we Włoszech, Szwajcarii, Francji i krajach skandynawskich. W 1954 roku jako pierwszy radziecki muzyk wystąpił w sali Pleyela w Paryżu. W 1955 roku pianista jako pierwszy muzyk radziecki przyjechał z koncertami do Stanów Zjednoczonych, gdzie wykonał I Koncert fortepianowy Czajkowskiego i III Koncert Rachmaninowa z Orkiestrą Filadelfijską pod dyrekcją Eugene'a Ormandy'ego, a wkrótce dał koncert solowy w Carnegie Hall, co było ogromnym sukcesem. W latach 60. i 70. Gilels był jednym z najbardziej rozchwytywanych muzyków radzieckich na świecie, spędzając około dziewięciu miesięcy w roku na koncertach i trasach zagranicznych.
Reasumując, pragnę zauważyć, że zasady metodologiczne i książki najwybitniejszych przedstawicieli pianistyki radzieckiej pokazują, że poglądy tych muzyków, pomimo odrębności ich podejścia do gry na fortepianie i pedagogiki, miały wiele wspólnego. Jest to pragnienie głębokiego zrozumienia tekstu muzycznego i trafnego przekazania intencji kompozytora, a także zrozumienia stylu i charakteru muzyki jako podstawy realistycznej interpretacji osadzonych w dziele obrazów artystycznych.
Typowym stwierdzeniem w tym zakresie jest G. G. Neuhaus: „Wszyscy mówimy o tym samym, ale innymi słowami”. Ta ogólność określa zasady radzieckiej szkoły pianistycznej, która kształciła wspaniałych pianistów i wybitnych nauczycieli.
XXIwiek
Jaka była i jaka była sztuka fortepianowa w XX wieku?
Co nowego pojawia się na początku XXI wieku?
Jak popularna jest gra na pianinie obecnie, w drugiej dekadzie XXI wieku?
Styl wykonawczy XXI wieku
***
Na początku XXI wieku nadal istnieją dwa główne kierunki muzycznej sztuki performatywnej - transcendentalna wirtuozja i sensowna interpretacja. Pod koniec XX wieku kierunki te ulegały coraz większej koncentracji, izolowały się od siebie. Pojawiło się jednak nowe zjawisko, gdy pianiści mogli jednocześnie służyć obu nurtom sztuki performatywnej.
***
Wpływ na tradycje wykonawcze mają m.in totalna mania rywalizacji, w W tym przypadku wyjątkowy, konkurencyjny poziom wykonania utworów muzycznych staje się coraz powszechniejszym wzorcem, którego należy przestrzegać, także na scenie koncertowej.
Ideały rejestracji dźwięku i konkurencyjny poziom wykonawstwa, wpływające na tradycje koncertowe, wymagały znacznego podniesienia jakości gry na fortepianie. Każdy element programu, a nie tylko bisy, powinien brzmieć na poziomie arcydzieła sztuki performatywnej. To, co było możliwe w studiu dzięki inżynierii dźwięku i komputerowemu montażowi z kilku opcji wykonawczych, na scenie powinno wydarzyć się w tej chwili, tu i teraz.
Międzynarodowe konkursy i festiwale przyczyniają się do globalizacji sztuki fortepianowej.
Ich nazwiska najczęściej poznajemy po konkursie Czajkowskiego. Konkurs ten przyniósł sławę takim pianistom jak: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Michaił Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhaniya Aubakirova…
Amerykański pianista, który podbił rosyjskie serca
Pierwszy zwycięzca Międzynarodowego Konkursu im. Czajkowskiego (1958)
Van Cliburna (1934-2013)
Amerykański pianista Van Cliburn (aka Harvey Levan Clyburn) to chyba najbardziej lubiany muzyk zagraniczny w naszym kraju. To rosyjska publiczność jako pierwsza doceniła umiejętności wykonawcze Van Cliburna, to właśnie po wizycie w Rosji stał się on muzykiem światowej sławy.
Pierwsze lekcje gry na fortepianie pobierał w wieku trzech lat od swojej matki. Kiedy Cliburn miał sześć lat, rodzina przeniosła się do Teksasu, gdzie w wieku trzynastu lat wygrał konkurs i wkrótce zadebiutował w Carnegie Hall.
W 1951 roku wstąpił do Juilliard School w klasie Rosiny Leviny, a w kolejnych latach otrzymał szereg nagród na prestiżowych konkursach amerykańskich i międzynarodowych.
Nazwisko Cliburna zyskało światową sławę po jego sensacyjnym zwycięstwie na pierwszym Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego w Moskwie w 1958 roku. Młody pianista zdobył sympatię zarówno jurorów, jak i publiczności. Było to tym bardziej zaskakujące, że akcja rozgrywała się w szczytowym okresie zimnej wojny. Po powrocie do ojczyzny Cliburn spotkał się ze wspaniałym, entuzjastycznym przyjęciem. Muzyk przepojony miłością i szacunkiem do ZSRR, po konkursie przyjeżdżał niejednokrotnie koncertować.
Van Cliburn koncertował zarówno w swoim kraju, jak i za granicą. Występował przed członkami rodziny królewskiej i głowami państw, a także przed wszystkimi prezydentami USA. Został pierwszym wykonawcą muzyki klasycznej, który miał platynową płytę. Jego wykonanie I Koncertu fortepianowego Czajkowskiego sprzedało się w ponad milionie egzemplarzy.
Od 1962 roku w Fort Worth w Teksasie odbywa się Konkurs Pianistyczny im. Van Cliburna.
Rosyjski pianista, nauczyciel muzyki, osoba publiczna
Władimir Wsiewołodowicz Krainew
(1944-2011)
Talent muzyczny Władimira Krainewa objawił się w średniej specjalistycznej szkole muzycznej w Charkowie, do której wstąpił w wieku 5 lat. Dwa lata później miał miejsce jego pierwszy występ na dużej scenie – wraz z orkiestrą wykonał Koncert Haydna i I Koncert Beethovena.
Dzięki wsparciu nauczycieli z Charkowa Krainev wstąpił do Moskiewskiej Centralnej Szkoły Muzycznej przy Konserwatorium. Czajkowskiego do klasy Anaidy Sumbatyan. W 1962 roku wstąpił do Konserwatorium. Czajkowskiego w klasie Heinricha Neuhausa, a po jego śmierci studiował u swojego syna Stanisława Neuhausa, u którego ukończył studia magisterskie w 1969 roku.
Światowe uznanie zyskał Władimir Krainew na początku lat 60. XX wieku, kiedy zdobył główne nagrody na najważniejszych międzynarodowych konkursach w Leeds (Wielka Brytania, 1963) i Lizbonie (Portugalia, 1964). Po występie w Leeds młody pianista otrzymał zaproszenie na tournée po USA. W 1970 roku odniósł wspaniałe zwycięstwo na IV Międzynarodowym Konkursie im. P.I. Czajkowskiego w Moskwie.
Od 1966 roku Władimir Krainew jest solistą Moskiewskiej Filharmonii Państwowej. Od 1987 profesor Konserwatorium Moskiewskiego. Od 1992 - profesor Wyższej Szkoły Muzyki i Teatru w Hanowerze (Niemcy).
Vladimir Krainev intensywnie koncertował w Europie i USA, występując z tak wybitnymi dyrygentami, jak Giennadij Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.
Krainev był organizatorem festiwalu „Vladimir Krainev Invites” na Ukrainie oraz Międzynarodowego Konkursu Młodych Pianistów w Charkowie (od 1992), nazwanego jego imieniem.
W 1994 roku pianista utworzył Międzynarodową Fundację Charytatywną na rzecz Młodych Pianistów. Fundacja udzielała pomocy i wsparcia przyszłym zawodowym muzykom, stwarzała warunki dla ich twórczości w Rosji i za granicą, organizuje tournée i koncerty młodych muzyków, wspiera instytucje edukacyjne kultury i sztuki.
Znany dyrygent i pianista, Artysta Ludowy RSFSR, założyciel i dyrektor od 1990 do 1999 i od 2003 do chwili obecnej Rosyjskiej Orkiestry Narodowej. Zdobywca złotego medalu na Międzynarodowym Konkursie Czajkowskiego w 1978 r. i nagrody Grammy w 2004 r.
Urodził się Michaił Wasiliewicz Pletnev1957
Dzieciństwo Pletnev spędził w Saratowie i Kazaniu, a w wieku 7 lat rozpoczął naukę w szkole muzycznej przy Konserwatorium w Kazaniu w klasie gry na fortepianie. Od 13 roku życia uczył się w Centralnej Szkole Muzycznej przy Konserwatorium Moskiewskim im. Czajkowskiego. W 1973 roku 16-letni Pletnev zdobył Grand Prix na Międzynarodowym Konkursie Młodzieży w Paryżu, a rok później wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, studiując pod kierunkiem profesorów Jakowa Fliera i Lwa Własenko.
W 1977 Pletnev zdobył pierwszą nagrodę na Ogólnounijnym Konkursie Pianistycznym w Leningradzie, a w 1978 zdobył złoty medal i pierwszą nagrodę na Międzynarodowym Konkursie im. Czajkowskiego w Moskwie. W 1979 r. Pletnev ukończył konserwatorium, a w 1981 r. ukończył studia podyplomowe, po czym został asystentem Własenki, a następnie rozpoczął naukę we własnej klasie fortepianu.
Po zostaniu solistą Koncertu Państwowego w 1981 roku Pletnev zyskał sławę jako wirtuoz pianisty, prasa odnotowała jego interpretacje dzieł Czajkowskiego, ale także wykonania Bacha, Beethovena, Rachmaninowa i innych kompozytorów. Pletnev współpracował z tak znanymi dyrygentami jak Władimir Aszkenazy, Aleksander Wiedernikow, Mścisław Rostropowicz, Walerij Gergiew, Rudolf Barszaj oraz z najsłynniejszymi orkiestrami symfonicznymi na świecie, m.in. z London Symphony i Los Angeles Philharmonic.
W 1980 roku Pletnev zadebiutował jako dyrygent, a dziesięć lat później, w 1990, przy pomocy zagranicznych darowizn, utworzył niezależną Rosyjską Narodową Orkiestrę Symfoniczną (później przemianowaną na Rosyjską Orkiestrę Narodową, RNO) i do 1999 roku była jej artystyczną dyrektor, główny dyrygent i prezes funduszu. W 2008 roku Pletnev został gościnnym dyrygentem Orkiestry Symfonicznej Włoskiej Szwajcarii (Orchestra della Svizzera italiana). W 2006 roku Pletnev utworzył Narodowy Fundusz Wspierania Kultury. Od 2006 do 2010 roku Pletnev był członkiem Rady Prezydenckiej Federacji Rosyjskiej ds. Kultury i Sztuki, a od 2007 do 2009 roku był członkiem Komisji Federacji Rosyjskiej ds. UNESCO.
Kazachski pianista, pedagog, profesor i rektor Kazachskiego Narodowego Konserwatorium im. Kurmangazego,
Artysta Ludowy Kazachstanu, laureat międzynarodowych konkursów, profesor
Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova urodziła się w 1957 roku
Ukończył Państwowe Konserwatorium w Alma-Acie im. Kurmangazy’ego z Moskiewskiego Konserwatorium Państwowego. P. I. Czajkowskiego i szkoła podyplomowa (u profesora L. N. Własenko).
Od 1979 - akompaniator Państwowego Akademickiego Teatru Opery i Baletu im. Abai i asystent stażysty w Moskiewskim Konserwatorium Państwowym. PI Czajkowski. 1981 - starszy nauczyciel, profesor nadzwyczajny, kierownik katedry fortepianu specjalnego w Państwowym Konserwatorium w Alma-Ata im. Kurmangazy. Od 1983 r. – solista Kazachskiej Państwowej Filharmonii im. Dzhambula. Od 1993 r. - profesor Państwowego Konserwatorium w Ałmaty im. Kurmangazy. 1994 - powstała „Szkoła Autorska im. Zhanii Aubakirovej”, pracująca w oparciu o nowoczesne metody i technologie edukacyjne. Od 1997 r. - rektor Kazachskiego Narodowego Konserwatorium im. Kurmangazego. Pod jej kierownictwem konserwatorium stało się wiodącą uczelnią muzyczną w kraju oraz centrum kulturalno-edukacyjnym republiki, a w 2001 roku uzyskało status narodowy.
1998 - Z inicjatywy Zhanii Aubakirovej zorganizowano agencję muzyczną „Classics”, która z wielkim sukcesem zorganizowała „Pory Kazachskie we Francji”, zorganizowała koncerty w ponad 18 krajach, nagrała ponad 30 płyt CD i ponad 20 musicali filmy o kazachskich wykonawcach. 2009 - w listopadzie Studencka Orkiestra Symfoniczna Kazachskiego Narodowego Konserwatorium. Kurmangazy koncertował w pięciu głównych miastach USA: Los Angeles, San Francisco, Waszyngtonie, Bostonie i Nowym Jorku. Młodzi muzycy wraz ze swoją rektorką Artystką Ludową Republiki Kazachstanu Zhaniya Aubakirovą wystąpili w najsłynniejszych salach świata – Kennedy Center i Carnegie Hall.
Solowe koncerty i występy Zhanii Aubakirovej ze znanymi orkiestrami, promujące światową klasykę muzyki i twórczość kazachskich kompozytorów, regularnie odbywają się w Kazachstanie, największych salach koncertowych Francji, Anglii, Niemiec, Japonii, Rosji, Polski, Włoch, USA, Izrael, Grecja i Węgry. Duże sale Konserwatorium im. Czajkowskiego w Moskwie i Filharmonii Petersburskiej, Moskiewskiego Domu Muzyki.
Wybitny pianista naszych czasów
Borys Bieriezowskiurodzony w 1969 r
Rozpoczyna naukę w Konserwatorium Moskiewskim w klasie wybitnego pianisty Eliso Virsaladze. Po pewnym czasie Bieriezowski czuje się „zatłoczony” w klasie Eliso Virsaladze, gdzie gra się wyłącznie tradycyjny repertuar, więc zaczyna pobierać prywatne lekcje u Aleksandra Satsa. Sats otwiera przed Borysem Bieriezowskim nowe horyzonty rosyjskiej muzyki klasycznej. Wraz z nim Bieriezowski zaczyna grać Medtnera, wielu Rachmaninowa i wielu innych. Jednak Borysowi Bieriezowskiemu nigdy nie udało się ukończyć studiów w Konserwatorium Moskiewskim, został wydalony za udział w Konkursie Czajkowskiego podczas zdania egzaminów końcowych. Ale ta okoliczność wcale nie przeszkodziła mu stać się najbardziej wirtuozem i poszukiwanym wykonawcą naszych czasów.
Od ponad dziesięciu lat Borys Bieriezowski występuje z najsłynniejszymi orkiestrami świata: BBC Orchestra, London and New York Philharmonics, New Japan Philharmonic Orchestra, Birmingham i Philadelphia Symphony Orchestra. Bieriezowski stale bierze udział w różnych festiwalach muzyki kameralnej, a jego solowe koncerty można usłyszeć w Berlinie i Nowym Jorku, Amsterdamie i Londynie. Mówi biegle po angielsku i francusku.
Pianista może pochwalić się dość obszerną dyskografią. Najnowsze nagrania jego koncertów cieszą się najwyższymi ocenami krytyków. Niemieckie Towarzystwo Nagraniowe przyznaje wysoką nagrodę sonatom Rachmaninowa w interpretacji Borysa Bieriezowskiego. Nagrania utworów Ravela gościły na klasycznych listach przebojów Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine i Independent.
Borys Bieriezowski jest zdobywcą złotego medalu na IX Międzynarodowym Konkursie Czajkowskiego, nazywany jest „nowym Richterem”, brzmienie Bieriezowskiego, z przejrzystym pianissimo i bogatą gamą odcieni dynamicznych, uznawane jest za najdoskonalsze wśród pianistów swojego pokolenia . Dziś coraz częściej można usłyszeć Borysa Bieriezowskiego na najważniejszych scenach koncertowych w Rosji.
Jeden z natchnionych, inteligentnych wykonawców, Rosyjski pianista , nauczyciel, solista Moskiewska Filharmonia Państwowa , Artysta Ludowy Rosji
NikolatLeẃ HIVŁąkí język angielski urodzony w1972
W jego grze udało się wchłonąć wszystko, co mogła zaoferować centralna szkoła muzyczna i konserwatorium w Moskwie.
Ten natchniony interpretator, posiadający znakomitą technikę gry, posiada obecnie rzadki dar twórczego podejścia do materiału, jako jeden z nielicznych potrafi wydobyć na światło dzienne iskrę Bożą w dziełach Beethovena, ujawnić rzadkie „piekielne dźwięk” Mozarta, odtwórz jakikolwiek wartościowy materiał, aby znużony widz na nowo odkrył melodie odtwarzane tysiące razy w zupełnie innym wykonaniu.
Teraz w Rosji jest wielu specjalistów, którzy mogą wykazać się wysoką klasą. Jednak w niczym nie gorszy od swoich wybitnych kolegów Ługański pozostaje wyjątkowym zjawiskiem w muzyce rosyjskiej.
Klasykę można grać na różne sposoby: każda szkoła – francuska, niemiecka, włoska – oferuje własne rozwiązanie wysokich problemów z unikalnym dźwiękiem.
Ale każdy prawdziwy wirtuoz pianisty „tworzy własną klasykę”, co jest dowodem geniuszu. Nikołaj Ługański u zarania swojej kariery muzycznej nazywany był „pianistą Richtera”, porównywany wówczas także do Alfreda Cortota.
Nikołaj Ługański pozostaje wyjątkowym zjawiskiem w muzyce rosyjskiej.
Znany rosyjski pianista, muzyk klasyczny
Jewgienij Igrewicz Kissin urodził się w 1971 r
W wieku 6 lat wstąpił do Szkoły Muzycznej w Gnessin. Pierwszą i jedyną nauczycielką jest Anna Pawłowna Kantor.
Początkowo jako cudowne dziecko występował pod pseudonimem Zhenya Kissin. W wieku 10 lat po raz pierwszy wystąpił z orkiestrą, wykonując 20. koncert Mozarta. Rok później dał swój pierwszy solowy koncert. W 1984 roku (w wieku 12 lat) wykonał I i II Koncerty na fortepian i orkiestrę Chopina w Sali Wielkiej Konserwatorium Moskiewskiego.
W 1985 Evgeny Kissin po raz pierwszy wyjechał z koncertami za granicę, a w 1987 zadebiutował w Europie Zachodniej na Festiwalu w Berlinie. W 1988 roku wystąpił z Herbertem von Karajanem na koncercie noworocznym Orkiestry Filharmonii Berlińskiej, wykonując I koncert Czajkowskiego.
We wrześniu 1990 roku Kissin zadebiutował w Stanach Zjednoczonych, gdzie wykonał I i II koncerty Chopina z Orkiestrą Filharmonii Nowojorskiej pod batutą Zubina Mehty. Tydzień później muzyk daje solowy koncert w Carnegie Hall. W lutym 1992 roku Kissin wziął udział w ceremonii wręczenia nagród Grammy w Nowym Jorku, transmitowanej w telewizji dla szacunkowej widowni liczącej miliard sześćset milionów widzów. W sierpniu 1997 dał recital na festiwalu Proms w londyńskiej Albert Hall – pierwszym wieczorze fortepianowym w ponad 100-letniej historii festiwalu.
Kissin prowadzi intensywną działalność koncertową w Europie, Ameryce i Azji, zbierając stale wyprzedane tłumy; występował z czołowymi orkiestrami świata pod batutą takich dyrygentów jak Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mścisław Rostropowicz, Evgeniy Svetlanov, Yuri Temirkanov, Georg Solti i Maris Jansons; wśród partnerów kameralnych Kissina są Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalya Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern i inni.
Evgeny Kissin prowadzi także wieczory poetyckie w języku jidysz i rosyjskim. W 2010 roku ukazała się płyta CD z nagraniami dzieł poezji współczesnej w języku jidysz w wykonaniu E. Kissina „Af di klavn fun jidiszer poezja” (Na klawiszach poezji żydowskiej). Według samego Kissina od dzieciństwa ma on silną tożsamość żydowską i publikuje materiały proizraelskie na swojej osobistej stronie internetowej.
Rosyjski pianista, osoba publiczna, Artysta Ludowy Rosji
Denis Leonidovich Matsuev urodził się w 1975 roku
Denis Matsuev spędził dzieciństwo w rodzinnym Irkucku. Urodzony w kreatywnej rodzinie chłopiec od najmłodszych lat uczył się muzyki. Najpierw uczęszczał do miejskiego gimnazjum nr 11 im. V.V. Majakowskiego i jednocześnie rozpoczął naukę w miejscowej szkole artystycznej. W wieku szesnastu lat Denis Matsuev wstąpił do Irkuckiej Szkoły Muzycznej. Szybko jednak zdał sobie sprawę, że jego talent wymaga dokładniejszego dopracowania. Na radzie rodzinnej zdecydowano o przeprowadzce do stolicy. Rodzice zrozumieli, że ich utalentowany syn może mieć bardzo udaną twórczą biografię. Denis Matsuev przeprowadził się do Moskwy w 1990 roku.
W 1991 roku został laureatem Międzynarodowej Fundacji Dobroczynności Publicznej „Nowe Imiona”. Dzięki tej okoliczności już w młodości odwiedził z występami koncertowymi ponad czterdzieści krajów świata. Jego wirtuozowskiej gry słuchały najważniejsze osobistości: królowa Anglii, papież i inni. W 1993 roku Denisowi Matsuevowi udało się wstąpić do Moskiewskiego Konserwatorium Państwowego. Jednocześnie występował w programach fundacji publicznej Nowe Imiona, które odbywały się pod przewodnictwem patrona Denisa, Światosława Bełza. W 1995 roku artysta został przyjęty jako solista Moskiewskiej Filharmonii Państwowej. Pozwoliło to Denisowi Leonidowiczowi rozszerzyć zakres swojej działalności koncertowej.
Wraz ze zwycięstwem na XI Międzynarodowym Konkursie im. Piotra Iljicza Czajkowskiego muzyk zyskał światową sławę. Jego biografia została ozdobiona tym fatalnym wydarzeniem w 1998 roku. Denis Matsuev stał się jednym z najpopularniejszych pianistów na świecie. Jego mistrzowskie występy wywołały wielki oddźwięk w świecie. Artysta zaczął być zapraszany na najbardziej prestiżowe wydarzenia. Na przykład wystąpił podczas ceremonii zamknięcia igrzysk olimpijskich w Soczi.
Od 2004 roku Denis Matsuev co roku prezentuje swoją osobistą subskrypcję. Z tamtejszym muzykiem występują najlepsze orkiestry symfoniczne z Rosji i zagranicy.
Robi wiele dla swojego kraju. Chcąc zaszczepić w ludziach miłość do muzyki, artysta organizuje wszelkiego rodzaju festiwale i konkursy. Ponadto stara się organizować je w różnych regionach Rosji, aby wszyscy mieszkańcy kraju mogli dotknąć wysokiej sztuki i usłyszeć wspaniałe wykonania najlepszych dzieł muzycznych.
Podsumowując, podsumowujemy główne kierunki i trendy rozwoju sztuki fortepianowej w XXI wieku. W wirtuozowskich i znaczących kierunkach sztuki fortepianowej rozwojowi towarzyszą następujące czynniki: skupienie się na jakości i estetyce nagrania dźwiękowego, zwiększona wyrazistość koniugacji tonów, poszerzone możliwości w zakresie agogii i barwy dźwięku, spowolnienie tempo i obniżenie średniego poziomu dynamiki wykonania, polifonizacja faktury. Czynniki te przyczyniają się do wzrostu głębi i nowoczesnego odnowienia treści spektaklu. Równolegle aktualizowany jest repertuar koncertów fortepianowych w związku z odkryciem nowych, nie docenianych wcześniej dzieł o charakterze wysoce artystycznym.
Niemniej jednak to uogólnienie i sensowność intonacji są głównymi nurtami rozwoju sztuki fortepianowej XXI wieku.
Ta lista występujących pianistów pokazuje, że fortepian oferuje praktycznie nieograniczoną inspirację. Od trzech stuleci wykonawcy muzyki fortepianowej zachwycają słuchaczy i inspirują ich do własnych poczynań w świecie muzyki.
Nieważne, do której epoki należał muzyk, o wielkości czynił go nie tylko talent, ale także całkowite zaabsorbowanie muzyką!!!
PSPo zapoznaniu się z literaturą dotyczącą tego zagadnienia doszliśmy do wniosku, że o rozwoju szkół fortepianowych od momentu ich powstania do naszych czasów determinowała duchowa wszechstronność osobowości mistrza, a poszukiwania pedagogiczne stanowiły podstawę twórczą i, w w rzeczywistości zachętą do kreatywności. Postępowi muzycy edukacyjni wspierali wszystko, co uważali za cenne w sztuce; wysokie ideały obywatelskie, misyjny cel twórczości.
Myśli czołowych muzyków i pedagogów zawsze zmierzały ku opracowaniu zasad nauczania odpowiadających wyobrażeniom o zadaniach wykonawczych. To w dużej mierze zdeterminowało treść prac naukowych poświęconych grze na tym instrumencie.
Starożytne traktaty epoki klawieryzmu mówiły o komponowaniu muzyki, technikach improwizacji i aranżowaniu utworów muzycznych, siedzeniu przy instrumencie, palcowaniu i zasadach gry. Wszystko to tłumaczy się faktem, że w epoce przedfortepianowej wykonawcą był kompozytor, który zapoznawał słuchaczy z własną twórczością i umiejętnościami improwizacji. Zawód wykonawcy-interpretatora (ale nie kompozytora) nie był jeszcze w tamtych latach utożsamiany ze szczególną formą aktywności twórczej muzyka. Dopiero w XIX wieku, wraz z pojawieniem się na scenie koncertowej nowego instrumentu – fortepianu – i zamiłowania do wirtuozerii w grze, nastąpiło stopniowe różnicowanie muzyków, kompozytorów, wykonawców i nauczycieli uczących gry na tym instrumencie.
Pod wieloma względami zmieniała się także treść prac naukowych z zakresu sztuki muzycznej. Różne opracowania, podręczniki i prace dotyczące metod nauczania nie uwzględniały już wszystkich zagadnień związanych z twórczością muzyczną, wykonawstwem i pedagogiką. Tematem każdego dzieła był wyłącznie konkretny obszar muzykologii. Autorzy książek o sztuce fortepianowej interesowali się głównie zagadnieniami opanowania techniki pianistycznej i właśnie tej tematyce poświęcona była większość prac metodycznych i pomocy dydaktycznych. Tym samym przez wiele lat prace teoretyczne dotyczące gry na fortepianie sprowadzały się do problemów ustalenia racjonalnych technik gry, które umożliwiłyby osiągnięcie techniki wirtuozowskiej. Dopiero pod koniec XIX i XX w. wybitni muzycy zwrócili się w stronę artystycznej problematyki sztuki performatywnej, która wyznaczyła zadania interpretacyjne, rozumienie stylu i treści dzieł muzycznych. Problemy te wiązały się także z zagadnieniami techniki gry na fortepianie. Najważniejszym celem nauczyciela było wykształcenie muzyka, którego sztuka wykonawcza nie jest demonstracją umiejętności technicznych, ale umiejętnością przekazania najgłębszego znaczenia dzieła sztuki w żywych, figuratywnych formach wyrazu.