Informacja prasowa udostępniona przez organizatorów koncertu
Zjednoczony zespół symfoniczny dwóch siostrzanych miast – Moskwy i Dusseldorfu – wystąpi 14 grudnia w Sali Koncertowej Czajkowskiego, podsumowując muzyczny dorobek roku 2017 – roku stulecia Rewolucja październikowa.
Persimfans (Pierwszy Zespół Symfoniczny) – orkiestra bez dyrygenta – zorganizowana w Moskwie w 1922 roku, stała się jednym z najwybitniejszych zjawisk życia kulturalnego Moskwy. sowiecka Rosja. Zespół daje w sezonie ponad siedemdziesiąt koncertów; nie występując ani razu poza Moskwą, Persimfans zyskał Światowa sława jako jeden z najlepszych zespołów symfonicznych tamtych czasów. Na jego podobieństwo organizowano orkiestry bez dyrygenta nie tylko w ZSRR, ale także za granicą - w USA i Niemczech.
W 2008 roku Persimfans został wznowiony z inicjatywy Petera Aidu po kilkudziesięciu latach przymusowej przerwy. Pod patronatem Persimfans prowadzone są badania kulturalne, organizowane są wystawy i przedstawienia teatralne. Persimfans jest dziś uniwersalnym kompleksem artystycznym.
Demonstracja najnowsze osiągnięcia Persimfans stał się wspólnym projektem z Düsseldorf Tonhalle: 7 i 8 października moskiewscy muzycy połączyli siły z artystami z Düsseldorfer Symphoniker.Występy międzynarodowego Persimfans wywołały prawdziwą sensację nie tylko w samym Düsseldorfie, ale w całym kraju od Media niemieckie - gazety, publikacje elektroniczne kilka stacji telewizyjnych i radiowych kompleksowo relacjonowało to wydarzenie.
Organizatorem jedynego koncertu w Moskwie jest agencja Apriori Arts reprezentowana przez niezależną producentkę Elenę Kharakidzyan we współpracy z agencją Helikon Artists oraz kierownictwo Tonhalle Düsseldorf przy wsparciu Goethe-Institut w Moskwie, niemieckiego Ministerstwa Spraw Zagranicznych i kraju związkowego Nadrenia Północna-Westfalia.
Persimfanowie na koncercie w KZCH. Zdjęcie – Ira Polyarnaya
Persimfans – czyli Pierwszy Zespół Symfoniczny, orkiestra bez dyrygenta, powstała w 1922 roku.
Muzycy młodego, jak się wówczas wydawało wolnego Kraju Sowietów, przyjmującego rewolucyjne idee, zjednoczyli się w zespół, w którym „każdy członek orkiestry słucha drugiego i wszystkich w ogóle”.
W ciągu dziesięciu lat istnienia, do 1932 roku, orkiestra uzyskała w 1927 roku tytuł Zasłużonego Zespołu Rzeczypospolitej.
Muzycy dawali w sezonie ponad 70 koncertów, jako soliści występowali z nim gwiazdy tamtych lat: J. Szigeti, K. Zecchi, V. S. Horowitz, S. S. Prokofiew, A. B. Goldenweiser, K. N. Igumnov, G. G. Neugauz, M. V. Yudina, V. V. Sofronitsky, M. B. Polyakin, A. V. Nezhdanova, N. A. Obukhova, V. V. Barsova i inni.
W połowie lat trzydziestych, w obliczu narastającego „kultu jednostki”, orkiestra bez dyrygenta wydawała się podejrzanie wolna i została rozwiązana.
Odrodzenie Persimfans nastąpiło w 2008 roku dzięki wysiłkom biznesowym i urokowi osobistemu, przyciągając współpracowników Petera Aidę i Grigorija Krotenko.
Persimfans XXI wieku to zespół najlepszych muzyków z orkiestr symfonicznych i operowych Moskwy, Petersburga, Permu i innych rosyjskich miast. Miłośnicy „Ostatniego Mohikanina” gotowi czas wolny, często prosząc o czas wolny od mojej głównej pracy, na próby dla zainteresowań, dla dobra Nowa Muzyka i radości współtworzenia na równych warunkach.
Za każdym razem skład wykonawców jest aktualizowany o około jedną trzecią, a każdy nadchodzący koncert niesie ze sobą pytanie: czy tym razem się uda?
Piotr Aidu. Zdjęcie – Ira Polyarnaya Ale to nie tylko się okazuje, ale staje się Wydarzeniem w życiu kulturalnym stolicy.
Wieczór Persimfans, który odbył się w Sali Koncertowej. P.I. Czajkowski 14 grudnia 2017 r. był wyjątkowy. Po raz pierwszy nasi muzycy połączyli siły z artystami z Düsseldorfer Symphoniker 7 i 8 października w sali koncertowej Tonhalle w Düsseldorfie.
Teraz 18 niemieckich kolegów, głównie muzyków dętych ze słynnej niemieckiej szkoły, mniej muzyków smyczkowych, zajęło miejsca przy konsolach w Persimfanach.
Organizatorem koncertu w Moskwie jest agencja Apriori Arts reprezentowana przez niezależną producentkę Elenę Kharakidzyan we współpracy z niemiecką agencją Helikon Artists oraz kierownictwo Tonhalle Düsseldorf przy wsparciu Goethe-Institut w Moskwie, niemieckiego Ministerstwa Spraw Zagranicznych i Federalnego Urzędu ds. Stan Nadrenia Północna-Westfalia. No cóż, jak nie pamiętać „niemieckiego śladu” w wydarzeniach października 1917 roku!
Swoją drogą, jak okazało się na odprawie przed startem, ani Ministerstwo Kultury Federacji Rosyjskiej, ani Komitet Kultury Miasta Moskwy, nie wyrażając słownie zainteresowania rosyjsko-niemieckim wydarzeniem, prawdziwe wsparcie oni tego nie zrobili.
Program koncertu to w istocie spektakl łączący muzykę, kino i elementy parodii rewolucyjnego teatru propagandowego. Tutaj wszystko, aż po „każdy w swoim” kostiumie członków orkiestry, z przewagą bieli, szkarłatu i pomarańczy, miało sens.
Wygląda na początek akademicki. Mozarta. Uwertura do Czarodziejskiego fletu. I właśnie tam mały druk: „zredagowany w 1930 r. dla kin, klubów i szkół”. Wyszedł zespół składający się z około 10 osób, pod przewodnictwem Petera Aidu przy fortepianie i jednym lub dwóch instrumentach z grupy, i harmonijnie i wesoło rozpoczął znane od dawna pasaże. Ale sekwencja wideo!
Utalentowane dzieło multimedialnego artysty Platona Infante, który stworzył kompilację kronik z początku XX wieku i materiałów filmowych Dzigi Wiertowa. Uderzanie w marszu, śmiech, budowanie nowe życie czarno-białe, dawno zmarłe małe ludziki w tempie rytmu Mozarta, w swej dialektycznej istocie są po prostu niesamowite. Jak powiedział pierwszy Ludowy Komisarz Spraw Zagranicznych Republika Radziecka Georgy Chicherin: „Miałem rewolucję i Mozarta”
„Przykład zawiłej poezji dźwiękowej przedstawiciela Dadaizmu, Konstruktywizmu, Surrealizmu, Ekspresjonizmu”
– według Wikipedii. Wygląda to na rytmiczny apel różnych, jakby, niemieckie słowa, frazy, dźwięki, spowalniając je i przyspieszając, muzykom podobało się to jako trening grupowy, rodzaj głupiej rozgrzewki przed najważniejszym. Solówki Grigorija Krotenko w falsecie wywoływały nieustanny uśmiech.
„Produkt epoki” jest ciekawy do przesłuchania raz. Skróciłbym o połowę.
A jaką ulgą dla ucha był następujący po nim Kwartet nr 1 op. 24 Aleksandra Mosołowa. Piękna i czysta muzyka, inna niż wszystkie, autorstwa kompozytora, który w latach dwudziestych dorównywał Szostakowiczowi.
Następnie jego wyjątkowy dar został przerwany przez osiem lat spędzonych w obozach pod hasłem „wróg ludu”. Skrzypkowie Evgeniy Subbotin, Asya Sorshneva, Sergei Poltavsky na altówce i wiolonczelistka Olga Demina z duszą wykonali to wyjątkowe Requiem straconemu pokoleniu.
Aleksiej Worobiow i Persimfans. Zdjęcie – Ira Polyarnaya Po kameralnym Kwartecie w półmroku znów następuje kontrast. Wyszedł pełny skład Orkiestra jest już z instrumentami, wszyscy czekają. On, sam W.I. Lenin, wstał przez przejście na kramach, żeby klaskać!
Dramatycznym gestem uścisnął dłoń pierwszym skrzypcom i tą samą pionową dłonią dał znak obojowi – „A” do strojenia.
Iljicz, ku aprobacie śmiechu na sali i na scenie, udał się na swoje miejsce, okazując się kontrabasistą Aleksiejem Worobiowem. Własne wąsy i bródka, trzyczęściowy garnitur, nakrapiany krawat i prawa czapka – to jego sceniczny wizerunek.
„Radziecki i Kompozytor amerykański, pedagog muzyczny i muzykolog, znany przede wszystkim ze swojego systemu kompozycja muzyczna Schillingera.”
Urodzony w Charkowie, studiował w Petersburgu, po 1929 zamieszkał w USA, pochowany w 1943 w Nowym Jorku.
Schillinger napisał szczerze i poważnie rapsodię „Październik” w 1927 roku, niemal w przeddzień emigracji, czyli w planie był moment kpiny z sowieckiego folkloru, ale przeplatanie się „Padłeś ofiarą”, „Internationale”, „Odważnie, towarzysze, krok”, a zwłaszcza tarta „Prowadź nas, Budionny, śmiało do boju” w połączeniu z „Kurczakiem Smażonym” przez ponad 15 minut dostarczyły wyśmienitej zabawy średniemu i starszemu pokoleniu, które do dziś pamięta te piosenki.
Dość, czas na kodę – nagle powstało fugato poszczególnych grup, według wszelkich zasad. A na deser: „Jesteśmy kowalami, a nasz duch jest młody” oraz „Nasza lokomotywa, leć naprzód!”
Partytura napisana jest w sposób złożony i bogaty. I nie wyjechali bez konduktora! Wystarczyło aktywne karmienie głowy i smyczka akompaniatorów grupy, prowadzonych przez pierwszą skrzypaczkę Marinę Katarzhnovą.
Nudziciele i sceptycy mogli po przerwie zajrzeć na zajęcia z orkiestrą. Beethovena. Uwertura „Egmont”. Podstawowy element symfonicznych subskrypcji edukacyjnych. I już” wizytówka» nowe Persimfany.
Nie można było nic zarzucić, wszystko było na swoim miejscu – siła i czystość dęć, monolityczne smyczki, niuanse, końcowe przyspieszenie, wrażenie swobodnego lotu melodii Beethovena.
Grigorij Krotenko. Zdjęcie – Ira Polyarnaya Po późnym klasyku – prekursie romantyzmu, Beethovenie, ukochanym przez Lenina za „ nieludzka muzyka„, kolejne odkrycie. Orkiestra kameralna, wzmocniona ciężkimi instrumentami dętymi i perkusją Czarodziejskiego fletu, zagrała oryginalną partyturę Edmunda Meisela podczas berlińskiej premiery Pancernika Potiomkin Eisensteina w 1926 roku.
Zaprezentowano nam 5 i 6 akt filmu z autorskim oznaczeniem partytury. Z obrazu brutalnego stłumienia zamieszek armia carska i Kozaków w Odessie w 1905 r., poprzez zamieszki na statku, zakończone przejściem Potiomkina przez eskadrę admirała bez oddania strzału.
Ujęcia spadającego wózka z dzieckiem czy podniesienia pomalowanej na czerwono flagi na maszcie zbuntowanego pancernika, wytartego do granic podręczników, wyglądały jakby po raz pierwszy.
Surowa graficznie, mocna w swej lapidarium muzyka Meisela, brzmiąca tu i teraz, naśladując salwy armatnie, potwierdziła: to nie przypadek, że film „Pancernik Potiomkin” uznawany jest za arcydzieło na skalę światową. Jakie wielkie plany!
Cóż za montaż i dynamika, przy całkowitym braku technicznych chwytów w tamtym czasie. I choć scenariusz Eisensteina jest dalszy od prawdy historycznej o wydarzeniach 1905 roku w Odessie niż dramat Goethego „Egmont” od losów prawdziwego hrabiego z XVI wieku, który żył w przededniu rewolucji burżuazyjnej w Holandii, „ Będę płakać nad tą fikcją.”
A jak mogłoby być inaczej, skoro jest 14 grudnia, data Powstania Dekabrystów. Nieudane wyjście Plac Senacki szlachetni spiskowcy i potencjalni królobójcy czy „młodzi nawigatorzy przyszłej burzy”, jak nam mówiono w dzieciństwie?
Rozbawiwszy niepoprawnych romantyków, wieczorny program otrzeźwił kilkoma ironicznymi numerami na granicy skeczu. Julius Meitus, najbardziej znany z powojennej opery Młoda Gwardia, w młodości zręcznie pisał dzieła „duńskie”.
„Uderzenia komunarda” to rozbudowany monolog na śpiewaka i fortepian utrzymany w stylu tragicznym. Ale patos dzieła zamienił się w kpinę dzięki osobliwemu wokalowi Grigorija Krotenko.
Wirtuoz kontrabasisty, utalentowany dziennikarz muzyczny i prezenter radiowy ma dobry tenor-baryton lub baryton-tenor. Poszczególne nuty brzmiały niemal operowo! Ponieważ jednak Krotenko nie ma szkoły wokalnej, logiczne jest wpadnięcie jako „trup” pod fortepian pod koniec romansu obok „Iljicza”.
Andreq Tsitsernaki, Alexey Vorobyov, Peter Aidu, Grigorij Krotenko. Zdjęcie – Ira Polyarnaya Melodyjna deklaracja „O śmierci Iljicza” nad leżącym „ciałem Lenina” aktor dramatyczny Andrei Tsitsernaki, który stylowo wystąpił przez cały wieczór i wcielił się w rolę artysty retro, Petra Aidu zakończyła odcinek „muzycy żartują” przy żałobnych akordach fortepianu.
Suita symfoniczna Juliusza Meitusa „Na Dnieprostroju” (op. 1932) – finał programu. Był zaangażowany największy skład orkiestra, uzupełniona zestaw perkusyjny. Grali zaciekle, głośno, ciesząc się z własnej śmiałości. W końcowych taktach wszyscy muzycy grali na trąbkach i na stojąco machali smyczkami, podkreślając apoteozę „ludowej” konstrukcji.
Publiczność oszalała, naładowana młodą energią i nie odpuściła. Rozległ się bis koncert fortepianowy Mosołowa. Peter Aidu po raz kolejny pokazał nie tylko klasę przywódczą, ale i pianistyczną.
Taka rewolucyjna panorama na koncercie była nie do pomyślenia nie tylko w czasach sowieckich, ale także bezpośrednio po upadku Unii, kiedy z dnia na dzień wszystko, co wielkie i święte, stało się straszne i haniebne. W 1992 roku znajomy Francuz, który nagle w centrum Moskwy zaczął śpiewać „Internationale”, „bo lubię tę muzykę”, chciał zakryć usta, żeby nie zostać pobitym.
Średni wiek uczestników Persimfans to 30+. To pokolenie nie nosiło już więzi pionierskich, nie studiowało „Historii KPZR” i nie śpiewało o „komisarzach w zakurzonych hełmach”. Być może to ich spojrzenie na rok 1917 jest bardziej obiektywne?
100 lat to wystarczający czas, aby zrozumieć i zaakceptować fakty w całej ich różnorodności. Kiedy ostatni żyjący świadkowie odeszli do innego świata i spisano wszystkie wspomnienia naocznych świadków, staje się możliwe odnotowanie istotna data uroczyście psotny koncert z elementami chuligaństwa „Inhuman Music”.
Tatiana Elagina
Barni, dziękuję bardzo za rip! :zvety_krasn:
Mogę jedynie dodać informacje z oficjalnej broszury:
Persimfans został stworzony przez wybitnego skrzypka, profesora Konserwatorium Moskiewskiego Lwa Tseytlina w 1922 roku. W pierwszych latach władzy radzieckiej Persimfans stał się symbolem triumfu kolektywizmu i edukacji muzycznej mas pracujących, wprowadzając w życie utopię równej inicjatywy twórczej bez nakazów dyrygenta monarchy. Orkiestrę, liczącą niekiedy nawet 150 osób, tworzyli muzycy czołowych zespołów tamtych czasów, czołowi pedagodzy i profesorowie konserwatoriów. W inny czas Solistami koncertów Persimfans byli S. Prokofiew i A. Rubinstein, E. Petri i J. Szigeti, I. Kozlovsky, V. Horowitz, A. Goedicke i wielu innych. W repertuarze orkiestry znajdowała się zarówno klasyka europejska, jak i rosyjska, począwszy od Bacha, a skończywszy na Skriabinie, oraz dzieła współczesnych kompozytorów: Ravel, Bartók, Strawiński, Mosołow itp. Koncerty Persimfana słynęły z tego, że odbywały się nie tylko w salach koncertowych, ale także w fabrykach i klubach robotniczych, przyciągając proletariat do muzyki akademickiej, który widział muzyków siedzących na scenie w kręgu, który bez dyrygenta, ale samodzielnie i harmonijnie wykonał najbardziej skomplikowane dzieła symfoniczne, ucieleśniając w ten sposób ideały nowego społeczeństwa. Kiedy prawdziwie socjalistyczne idee samoorganizacji kolektywu zaczęły zaprzeczać autorytarnym doktrynom totalitaryzmu, działalność zespołu została zmuszona do zaprzestania w 1933 roku.
W sezonie zimowym i wiosennym 2009/2010 Persimfans z sukcesem zorganizował szereg koncertów, podczas których wykonano Uwerturę do „Czarodziejskiego fletu” Mozarta w wydaniu specjalnym z 1930 r. „dla kin, klubów, radia, szkół i sceny ”, niemal zapomniany balet S. Prokofiewa Trapeze, I Koncert fortepianowy Aleksandra Mosołowa, a także III Symfonię „Eroiczną” Beethovena – utwór wykonany przez Persimfansa na jego pierwszym koncercie w 1922 roku. Tym samym w repertuarze Persimfansa znajdują się także dobrze: znane dzieła koncertowe, mało zbadane Muzyka radziecka Lata 20 (jednym z otwarcia koncertów powinna być prawie nigdy nie wykonywana suita symfoniczna Y. Meitusa „Na Dnieprostroju”), ale także muzyka współczesnych kompozytorów.
W zakresie odbudowy środowisko muzyczne lata 20 stworzono orkiestrę dźwiękową z domowej roboty autentyczne instrumenty I repertuar muzyczny, odpowiadający oryginalnym grupom dźwiękowym z lat 20-tych. Ponadto koncerty symfoniczne Persimfans często obejmują także chór, zespół baletowy i cyrkowy, montaż filmowy i montaż literacki, z których każdy stanowi niezależny numer wchodzący w skład całego zespołu wykonania.
Tym samym Persimfans jest laboratorium twórczym i badawczym skupiającym ludzi z różnych dziedzin sztuki, ucieleśniającym zasadę równego, różnorodnego i żywego dialogu twórczego.
Spinki do mankietów:
http://www.vedomosti.ru/newspaper/article/179135/
http://www.musiccritics.ru/?id=3&readfull=5281
Z okazji 100. rocznicy Rewolucji Październikowej moskiewska orkiestra Persimfans i Dusseldorf Orkiestra symfoniczna przygotował program koncertowy według zasad historycznych Persimfanów – grupy muzyków bez dyrygenta założonej w 1922 roku. Koncert zespołów miast partnerskich Moskwy i Dusseldorfu odbędzie się 14 grudnia 2017 w Sali Koncertowej. Filharmonia Moskiewska P.I. Czajkowskiego.
Po dwóch koncertach, które oba zespoły zagrały z dużym sukcesem w październiku w Tonhall w Dusseldorfie, planowana jest rewizyta: w Moskiewskiej Sali Koncertowej zaprezentuje się ponad 60 muzyków z Moskwy i 20 z Dusseldorfu. LICZBA PI. Program Czajkowskiego stworzony zgodnie z zasadami historycznych Persimfanów. Znalazły się w nim utwory grane przez dawnych Persimfanów, którzy w okresie rewolucji wywarli znaczący wpływ na rosyjską awangardę. Tym samym poprzez wspólne wykonanie utworów wyrosłych z ogólnoeuropejskiej tradycji muzycznej, w roku rocznicowym Rewolucji Październikowej, odtworzony zostanie dawno zapomniany aspekt europejskiej awangardy. Jednocześnie poczujesz się świeżo kreatywność, który zaprzecza hierarchii w muzyce, zostanie sprawdzony w dzisiejszym kontekście.
W 2008 roku moskiewski muzyk Peter Aidu, wnuk jednego z muzyków stojących u początków historycznego Persimfans, dał zespołowi odrodzenie – absolutnie w duchu poprzednika. Muzycy aktualny skład rozumieją swoje działania jako odrodzenie utopii europejskiej awangardy, zniszczonej przez dyktatury XX wieku. W niezwykle intensywnym procesie prób bez udziału dyrygenta rodzą się interpretacje utworów, które nie byłyby możliwe w codziennej działalności konwencjonalnej orkiestry symfonicznej. Towarzysząca temu ogromna odpowiedzialność każdego muzyka i potrzeba ciągłej komunikacji pomiędzy muzykami prowadzą do wyjątkowych rezultatów, które budują muzyczny pomost do sztuki teatralnej i performance.
Zespół definiuje się przede wszystkim jako grupa artystyczna, która obok koncertów realizuje interaktywne instalacje dźwiękowe oraz projekty z zakresu teatru i multimediów. Projekty Persimfansa – interaktywna instalacja dźwiękowa „Rekonstrukcja hałasu” (2012) oraz teatralno-multimedialny projekt sceniczny „Rekonstrukcja utopii” – cieszyły się dużym powodzeniem wśród publiczności i krytyki w Moskwie, Petersburgu, Władywostoku, Permie, Berlinie i inne miasta. Projekty te otrzymały wiele nagród, w szczególności Nagrodę Siergieja Kuriochina w 2014 roku.
Eksperymentalną sztukę dźwiękową będzie można usłyszeć i zobaczyć na koncercie 14 grudnia. Muzycy z Niemiec i Rosji – kierując się zasadą Persimfans, grając bez dyrygenta – opracowali ciekawy program koncertowy dla tego wspólnego projektu.
Jeden z najciekawszych i innowacyjnych projektów epoki świetności Kultura radziecka był Persimfans – Zespół I Symfonii. Powstał w Moskwie w 1922 roku i zgodnie z ideałami rewolucji rosyjskiej wykonywał muzykę bez autorytetu dyrygenta, interpretowanego jako symbol władzy absolutnej. Podczas występu muzycy orkiestry, której repertuar obejmował zarówno muzykę klasyczną, jak i dzieła współczesne, siedzieli w kręgu, aby utrzymywać ze sobą kontakt wzrokowy – warunek spójnego grania bez dyrygenta. W szczytowym okresie zespół dawał ponad 70 koncertów w sezonie i choć wszystkie odbywały się w Moskwie, Persimfans zyskało światową sławę i zostało uznane za najlepszą orkiestrę swoich czasów. Orkiestry bez dyrygenta na jego wzór zaczęły powstawać nie tylko w ZSRR, ale także za granicą, m.in. w Niemczech. W 1932 roku idealistyczny projekt padł ofiarą represji kulturowych Stalina.
A dziś odrodzona orkiestra bez dyrygenta była i pozostaje jedną z najciekawszych zespoły muzyczne nasz. A jego programy są jasne i „rewolucyjne”.
Zdjęcie: Ira POLARNAYA
Winylowa okładka CD z kompozycjami jazzowymi
Fabuła Radziecki jazz zaczyna się na początku lat dwudziestych, a dokładniej w 1922 roku, kiedy w Moskwie zorganizowano pierwszy radziecki zespół jazzowy, czyli, jak to wówczas nazywano, „zespół jazzowy”. Prawykonanie zespołu odbyło się w październiku 1922 r Sala Wielka Państwowego Instytutu Sztuki Teatralnej i to było bardzo udane. Krótko przed tym poeta Walenty Parnach opublikował kilka artykułów na temat jazzu i właściwie jako pierwszy zwrócił na niego uwagę opinii publicznej.
W ciągu tych lat wiele zrobiono, aby spopularyzować jazz. Leonid Warpakowski(w Moskwie) i Juliusz Meitus(w Charkowie), który organizował zespoły jazzowe. W tych latach jazz w naszym kraju stawiał pierwsze kroki. Nic więc dziwnego, że repertuar tych zespołów miał charakter przypadkowy i skupiał się głównie na muzyce zasłyszanej z zespołów amerykańskich, które w 1926 roku podróżowały po ZSRR pod dyrekcją Franka Withersa (wraz z Bechetem i Smithem) oraz czarna operetka „The Chocolate Boys” pod dyrekcją Sama Woodinga. Zespół Sama Woodinga był w tamtych latach jednym z najpopularniejszych zespołów z Harlemu, często koncertującym w Europie; Występ wzbudził duże zainteresowanie wśród radzieckich słuchaczy. Rozpoczęła się gorąca dyskusja na temat jazzu, która trwała długo.
Orkiestra pod dyrekcją Leopolda Teplickiego. Plakat
Utworzenie orkiestry w 1927 roku pod dyrekcją Aleksandra Tsfasman („AMA-jazz”) w Moskwie i niemal równocześnie z nim orkiestra prowadzona przez Leopold Teplicki w Leningradzie zapoczątkowały profesjonalny jazz w ZSRR. Repertuar tych orkiestr składał się głównie z utworów autorów zagranicznych, jazzowych transkrypcji dzieł kompozytorów klasycznych, bluesa i Spirituals. Teplitsky, wysłany przez Ludowy Komisariat ds. Edukacji do Nowego Jorku i Filadelfii w celu studiowania muzyki do niemych filmów, wrócił do Leningradu pod wielkim wrażeniem orkiestry Paula Whitemana. Styl orkiestry P. Whitemana, z zewnątrz błyskotliwy i dopracowany, choć nie prawdziwy jazz, odegrał jednak znaczącą rolę w jej rozwoju. Styl tej orkiestry przeszedł do historii pod nazwą „jazz symfoniczny”.
W 1929 roku w Leningradzie powstała kolejna orkiestra jazzowa pod dyrekcją Georgy Landsberg I Borys Krupyszew („Leningradzka Kaplica Jazzowa”), który w programie występów koncertowych, oprócz przedstawień zagranicznych, obejmuje dzieła młodych autorów radzieckich działających w dziedzinie jazzu - Aleksiej Żiwotow, Genrikh Terpilovsky, Nikolai Minha itp. Ich styl wyróżniała się powagą aspiracji estetycznych i pewnym akademizmem. „Jazz Capella” istniał do 1935 roku i wniósł znaczący wkład w rozwój radzieckiego jazzu.
Premiera odbyła się w marcu 1929 r „HERBATA-jazz”, zorganizowany przez aktora Leningradzkiego Teatru Satyry Leonid Utesow i trębacz Jakow Skomorowski. „HERBATA-jazz”, czyli jazz teatralny, budował swoje przedstawienia według określonego scenariusza, włączając w program numery odmian, piosenki, tańce, skecze itp. To właśnie dla tej grupy zaczął pisać muzykę Izaak Dunajewski. Choć repertuar tej orkiestry opierał się na pieśni, w jej programach często pojawiały się jazzowe utwory instrumentalne. Pojawiły się nowe orkiestry - J. Skomorowski, G. Landsberg, A. Tsfasman, I A. Warłamowa, (utworzony w 1933 roku i przez pewien czas występujący z czarną śpiewaczką Celestiną Kool) - wykonywał głównie muzykę instrumentalną bliską jazzowi. Główne miejsce w repertuarze orkiestry A. Warlamowa zajmowały, wykonane z wielkim kunsztem, własne aranżacje. Orkiestra rozpoczęła nagrywanie na płytach. Orkiestra A. Varlamova była wówczas orkiestrą jazzową, która była najbliżej zrozumienia prawdziwego stylu jazzowego.
W tych latach repertuar orkiestr jazzowych stopniowo poszerzał się o dzieła kompozytorów radzieckich. Suity jazzowe wykonają orkiestry D. Szostakowicz, A. Żiwotow, rapsodie jazzowe I. Dunajewskiego, sztuki G. Terpilowskiego, G. Landsberga, N. Minha, Y. Khaita, A. Varlamova, L. Schwartza, A. Tsfasmana, L. Diederichsa, Dm . i Dan. Pokrasow i inni.W 1938 r. w W Moskwie powstaje Państwowa Orkiestra Jazzowa(dyrektor artystyczny M.Blanter, główny dyrygent W. Knuszewski). W tym samym czasie zorganizowano orkiestrę Ogólnounijnego Komitetu Radia, którą początkowo kierował A. Warłamow, i wtedy A. Tsfasman. W radiu regularnie można było usłyszeć radziecką muzykę jazzową. W 1940 roku utworzono podobny zespół N. Minhoma w radiu Leningradu. W tym samym okresie w republikach związkowych pojawiły się zespoły jazzowe. Zachowały się nagrania niektórych orkiestr z tego okresu, na podstawie których możemy ocenić poziom artystyczny i wykonawczy czołowych radzieckich orkiestr jazzowych (pod dyrekcją L. Utesow, A. Warlamov, Y. Skomorovsky, A. Tsfasman, V. Knushevitsky itd.). Poziom ten jest dość wysoki i obecnie możemy docenić pomysłowość i świeżość myślenia kompozytorów i aranżerów oraz wirtuozerię solistów.
Pod koniec lat 30. w republikach związkowych pojawiły się orkiestry jazzowe: G Państwowa Orkiestra Jazzowa Azerbejdżanu (pod dyrekcją T. Kuliewa), Państwowa Orkiestra Jazzowa Armenii (pod dyrekcją A. Ayvazyana), Państwowa Orkiestra Jazzowa Gruzji (pod dyrekcją R. Gabichvadze).
Leningradzka Kaplica Jazzowa. Plakat
Wśród tematów instrumentalnych w tej sekcji zaprezentowano szereg najpopularniejszych i najchętniej wykonywanych melodii lat 30. XX wieku przez zespoły jazzowe. Niestety, wiele z tego, co powstało w latach 20., nie udało się odkryć ze względu na brak materiału muzycznego. Dokumenty sowieckie muzyka jazzowa Płyty zaczęto produkować pod koniec lat 20. XX wieku, więc pojęcie o muzyce jazzowej tamtych czasów można uzyskać jedynie z relacji naocznych świadków.
Najwcześniejsze przykłady tematów zawartych w tym dziale pochodzą z repertuaru Leningradzka Kaplica Jazzowa(p/u G. Landsberg). Ten „Bryza od Newy” N. Minha(1929), napisany w tradycji wczesnego swingu z elementami stylu Dixieland i „Gorączka jazzowa” G. Terpilovsky(1929) to spektakl, którego charakter i kolejność odcinków formy nawiązuje do stylu ragtime.
Tradycje radzieckiego jazzu lat 30. są w dużej mierze odzwierciedlone w muzyce A. Tsfasman I A. Warłamowa. Warto podkreślić, że młodzi wówczas twórcy, mając dokładne wyczucie stylistyki gatunku i podążając za tym, co najcenniejsze, jakie w tym czasie zgromadziło się w muzyce jazzowej w ogóle, wyraźnie manifestowali te indywidualne cechy, które przyczyniły się do powstania i rozwój wczesnego radzieckiego jazzu. Ich utwory instrumentalne wydają się być typowymi przykładami radzieckiej muzyki jazzowej lat 20. i 30. XX wieku, choć oczywiście nie są one wyczerpujące.
Źródłem materiału pieśniowego dla tej sekcji były claviery i zbiory pieśni. Jeśli przypomnimy sobie historię jazzu w latach 30., to nie tylko w naszym kraju, ale także w innych krajach, materiałem tematycznym kompozycji jazzowych była głównie muzyka wokalna. Wystarczy zapamiętać tematy George’a Gershwina, Jerome’a Kerna i Kurta Weilla- oba utwory były podstawą wielu instrumentalnych aranżacji jazzowych i improwizacji. W naszym kraju pojawił się nawet termin „piosenka jazzowa”, z którym był kojarzony TEA-jazz L. Utesova z muzyką I. Dunaevsky'ego. Popularne piosenki Dunaevsky'ego szybko podchwyciły radzieckie orkiestry jazzowe - pojawiło się wiele instrumentalnych parafraz, fantazji i aranżacji; W zespołach jazzowych muzycy improwizowali na te tematy. To właśnie te tematy obejmują melodie zawarte w tym zbiorze. Równie dobrze znane melodie pieśni w instrumentalnej muzyce jazzowej są tematami L. Knnpera, M. Blanter, Y. Khait, V. Pushkov oraz utwory już napisane specjalnie dla jazzu A. Tsfasman i A. Varlamov.
Występ Państwowego Jazzu RSFSR pod dyrekcją Leonida Utesowa na placu Swierdłowa w Moskwie 9 maja 1945 r.
Podczas Wielkiego Wojna Ojczyźniana Radziecka sztuka muzyczna aktywnie przyczyniła się do mobilizacji duchowych sił ludu na rzecz zwycięstwa nad faszyzmem. Radziecka muzyka jazzowa i popowa, jako część radzieckiej kultury muzycznej, także przez całe lata wojny, wraz z jej główną, podnoszącą na duchu sztuką, zaszczepiała optymizm i wzmacniała morale z przodu i z tyłu, przyczyniły się do niezachwianej pewności w pokonaniu wroga.
Od pierwszych dni wojny muzycy zaangażowani byli w życie frontowe. Orkiestry jazzowe jak najszybciej przygotowują nowe programy i idą na przód. Pop i orkiestry jazzowe Aleksandra Warlamowa, Aleksandra Tsfasmana, Viktora Knushevitsky'ego, Borisa Karamysheva, Klavdiyi Shulzhenko, Dmitry Pokrass, Leonid Utesov, Isaac Dunaevsky, Boris Rensky, Yuri Lavrentiev, Yakov Skomorovsky, Nikolai Minkha i wiele innych. A ile amatorskich zespołów i orkiestr zorganizowano w jednostkach wojskowych! Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej radziecki jazz skłaniał się bardziej w stronę gatunków piosenek. W tym okresie powstało wiele wspaniałych piosenek. Urodzeni w latach wojny, żyją nadal. Wysoki duch duchowy tych pieśni zapewnił ich długie życie nawet po zwycięskim zakończeniu wojny. Piosenki takie jak « Ciemna noc» N. Bogosłowski, „Wieczór na redzie” W. Sołowjow-Sedogożyją dziś nie tylko jako dzieła z gatunku pieśni, ale także jako instrumentalne kompozycje jazzowe.
W czasie wojny stworzyli dzieła orkiestrowe dla jazzu A. Tsfasman, A. Warłamow, A. Ostrowski i inni. Ciekawostką jest również fakt, że w tym okresie w repertuarze radzieckich orkiestr jazzowych pojawiły się niektóre amerykańskie kompozycje jazzowe. Tak więc w nagraniach z lat 44–45. grają jakieś sztuki D. McHugh, K. Porter, I. Berlin, G. Miller itp. Miało to oczywiście pozytywny wpływ na twórczość radzieckich kompozytorów i aranżerów zajmujących się tym gatunkiem, zwłaszcza w dziedzinie instrumentacji. Należy zaznaczyć, że w latach wojny i amerykański jazz Wyraźnie słychać było „temat rosyjski”. Orkiestra Glenna Millera na przykład często wykonywany na koncertach „Polyuszko” I „Tłuczek” w taktownie wykonanym przetwarzaniu; Orkiestra Benny'ego Goodmana- obróbka fragmentów opowieści symfonicznej „Piotr i wilk” S. Prokofiew, „Intermezzo na klarnet i orkiestrę jazzową” A. Tsfasman I cała linia inne dzieła autorów radzieckich.
Radziecki kompozytor Aleksander Naumowicz Tsfasman (1906-1971)
W okresie powojennym zaczęto stopniowo wytyczać dalsze ścieżki rozwoju jazzu w ZSRR. Coraz bardziej zauważalne stało się zainteresowanie orkiestr różnymi gatunkami. Muzycy z pierwszej linii zostali czołowymi członkami popowej orkiestry Ogólnounijnego Radia. Był prowadzony W. Knuszewski, Dokonano wówczas wielu nagrań lekka muzyka, napisane D. Szostakowicz, W. Sołowjow-Sedy, M. Blanter, A. Tsfasman, Yu.Milyutin, A. Polonsky, A. Arsky, V. Knushevitsky, A. Ayvazyan itd.
W 1946 r Aleksander Tsfasman zorganizował dużą orkiestrę popową ( „Symfojazz”) w Teatrze Ermitaż. Do tej orkiestry przybyło wielu utalentowanych młodych muzyków – absolwentów konserwatorium. Następnie można było ich zobaczyć w gronie najlepszych sowieckich instrumentalistów.
Ale jazz, jako sztuka improwizacji, naturalnie potrzebował twórczego „klimatu” małych kompozycji – „combo”. Dlatego muzycy jazzowi, którzy pracowali w dużych popowych orkiestrach symfonicznych w radiu i teatrach, oprócz swojej głównej pracy, łączyli siły z innymi muzykami, aby wspólnie grać. W Moskwie jednym z takich miejsc była restauracja „Metropol”, na którym wystąpił zaskakująco zgrany zespół jazzowy (Aleksander Rivchun – klarnet, saksofony altowy i tenorowy, Ian Frenkel – skrzypce, Leonid Kaufman i Viktor Andreev – fortepian, Alexander Rosenwasser – kontrabas i Sergey Sedykh – perkusja). Ważną rolę w rozwoju radzieckiego jazzu tamtych lat odegrała orkiestra jazzowa pod dyrekcją A. Shulmana, złożona głównie z muzyków Komitetu Radiowego.
Kolejnym ośrodkiem muzyki jazzowej było kino "Sztuka". Wystąpiła tu orkiestra pod dyrekcją Laci Olah, wspaniałego wirtuoza perkusisty. Wraz z dziełami autorów radzieckich sukces odniósł także muzyka z filmu „Serenada Doliny Słońca”. Wykonywało go wówczas wiele naszych orkiestr i każdy aranżer mógł znaleźć opcję orkiestracji melodii z tego filmu (m.in. N. Minkh, A. Tsfasman, E. Geigner itd.).
Pojawiły się orkiestry i zespoły wykonujące repertuar jazzowy w innych miastach: Leningradzie, Rydze, Tallinie. W 1947 roku ukazało się kilka płyt z nagraniami małych składów. Spektakle cieszyły się dużym powodzeniem "Szczęśliwy dzień" A. Tsfasman I "Dziecko" I. Klyuchinsky. „Kwitnący maj” A. Połońskiego wciąż cieszy się popularnością.
W 1949 roku pierwsza w naszym kraju odbyła się w Tallinie festiwal jazzowy. W Leningradzie w latach 50. rozpoczęła działalność orkiestra, zrzeszająca młodych muzyków jazzowych, wśród nich G. Golszteina, K. Nosowa i in. Pomogły zaproponowane przez L. Utesowa pod koniec lat 40. terminy „Variety Orchestra” i „Variety Music”. proces różnicowania się tego gatunku.
Znajomość muzyki bebopowej wpłynęła na styl wielu zespołów i charakter improwizacji. Był to okres przejściowy od myślenia swingowego do nowego stylu, chociaż muzyka swingowa („swing” jest rozumiana jako styl) nadal żyła. Hołd oddano także bardziej tradycyjnym stylom: w połowie lat 50 Władimir Rubaszewski zorganizował w Moskwie Dixieland, w którym wykonywano klasykę jazzu i dzieła kompozytorów radzieckich.
Duże orkiestry tamtych lat akompaniowały głównie śpiewakom, chociaż w ich repertuarze znajdowały się utwory wirtuozowskie i liryczne, niektóre o charakterze jazzowym. W tym okresie po raz pierwszy usłyszano nazwiska młodych kompozytorów, aranżerów i dyrygentów: V. Ludvikovsky, K. Orbelyan, P. Saul, A. Kalvarsky. Wśród muzyków uczestnicy małych zespoły jazzowe Saksofoniści przełomu lat 40. i 50. nie sposób wymienić: Alexander Rivchun, Emil Geigner, Michaił Yakon, Piro Rustambekov, Władimir Kudryavtsev, pianiści Leonid Kaufman, Jewgienij Rokhlin, Aleksander Osnowikow, akordeoniści Evgenia Vystavkina i Wiaczesław Semenow, perkusista Borys Matwiejew.
Odegrał główną rolę w konsolidacji sił twórczych wokół gatunku w latach 50-tych programy z muzyką taneczną, które powstały w Ogólnounijnym Radiu. To dla tych programów pisali swoje eseje A. Eshpai, A. Babajanyan, Y. Frenkel, A. Ostrovsky. Wiele tematów z tych programów na stałe zadomowiło się w praktyce zespołów tanecznych i jazzowych.
Orkiestra pod dyrekcją Olega Lundstrema
Na początku lat 50. orkiestra jazzowa koncertowała w Moskwie O. Lundstrema. Mieszcząca się wówczas w Kazaniu orkiestra wykazała się bardzo ciekawymi i obiecującymi doświadczeniami w komponowaniu i wykonywaniu utworów jazzowych z wykorzystaniem folkloru ( „Marzenia” A. Monasypowa, „Samba tatarska” A. Klyuchareva). Pod koniec lat 50. orkiestra osiadła w Moskwie i stała się jedną z czołowych zespoły jazzowe kraju, w którym w różnych okresach pracowało wielu utalentowanych mistrzów jazzu.
Od drugiej połowy lat 50-tych rolę wielkie orkiestry w republikach Zakaukazia - Państwowa Orkiestra Rozrywki Azerbejdżanu pod dyrekcją R. Hajiyeva, Państwowa Orkiestra Rozrywki Gruzji „Rero” pod dyrekcją K. Pevznera, Państwowa Orkiestra Armenii pod dyrekcją K. Orbelyana. W programach tych grup, obok piosenek, stale słychać było kompozycje jazzowe. Wśród tematów instrumentalnych w tym dziale znajdują się dzieła A. Tsfasman, A. Polonsky, O. Lundstrem, A. Eshpai, V. Lyudvikovsky, U. Naissoo, A. Monasypov.
Podobnie jak w latach 30., w tym okresie powstało wiele utworów, które nie były stworzone specjalnie dla jazzu, ale często były wykonywane w zespołach jazzowych; Powstało wiele pomysłowych podejść do tematów tych piosenek. W tym okresie powstały pieśni takich znanych mistrzów jak I. Dunajewski I M.Blanter; w repertuarze zespołów jazzowych znajdowały się utwory melodie lat wojny - W. Sołowjow-Sedogo, N. Bogosłowski, B. Mokrousow. Melodie pieśni powojennych, lirycznych i humorystycznych, często wykorzystywano także do aranżacji dużych kompozycji i improwizacji w „combo”. Tutaj wystarczy pamiętać motywy piosenek T. Khrennikova, A. Babajanyan, A. Eshpaya, V. Muradeli i inne Niektóre piosenki zabrzmiały szczególnie pomyślnie w Dixielandzie (N. Budashkin i Yu. Milyutin).
Radziecki saksofonista i kompozytor Georgy Aramovich Garanyan (1934-2010)
Pod koniec lat 50-tych - na początku 60-tych. Radziecki jazz osiągnął nowe granice.
Co jest charakterystyczne dla powstania nowego okresu radzieckiego jazzu w tych latach? Traktowanie jazzu jako poważnej formy sztuki muzycznej, dogłębne poznanie podstaw muzyki jazzowej, zwrócenie uwagi na bardziej nowoczesne nurty w jazzie, zwiększenie zainteresowania folklorem narodów naszego kraju, opanowanie profesjonalnej umiejętności gry na instrumentach, zrozumienia sztuki gry zespołowej w dużej orkiestrze. I na koniec najważniejsze – młodzi muzycy przyszli zgłębić tajemnice najbardziej złożona sztuka improwizacja.
Pod koniec lat 50. w Moskwie pojawiła się grupa bardzo młodych wówczas muzyków, którą nazwano „Złotą Ósemką”. Wśród nich byli saksofoniści Georgy Garanyan I Aleksiej Zubow, trębacz Wiktor Zelczenko, puzonista Konstanty Bakholdin, pianista Jurij Rychkow, perkusista Aleksander Salganik. Grupa ta stała się podstawą orkiestry młodzieżowej Centralnego Domu Artystów (początkowo prowadził ją Borys Figotin, Następnie - Jurij Saulski), która zdobyła VI miejsce na konkursie jazzowym Światowy Festiwal młodzieży i studentów w Moskwie, srebrny medal i tytuł laureata. Komunikacja z zagranicznymi kolegami stała się bardzo ważnym kamieniem milowym w rozwoju radzieckiego jazzu. Członkowie Orkiestry Centralnego Domu Sztuki, podobnie jak inni moskiewscy muzycy, odkryli dla siebie nowe horyzonty stylistyczne i prawdopodobnie tym razem można uznać za początek nowego etapu w rozwoju radzieckiej muzyki jazzowej. Wzrost zainteresowania publiczności jazzem znalazł wyraz w twórczości kluby jazzowe w Leningradzie (1958) i w Moskwie (1960) przy czynnej pomocy komitetów miejskich Komsomołu. Wkrótce kluby jazzowe zaczęły otwierać się w innych miastach związek Radziecki. Kluby te miały na celu tworzenie zespołów jazzowych, występowanie na koncertach i wykładach oraz studiowanie radzieckiej i zagranicznej muzyki jazzowej.
Radziecki trębacz i kompozytor niemiecki Konstantinowicz Łukjanow (ur. 1936)
Na początku lat 60-tych pojawiło się kilka ciekawych młodzieżowych zespołów jazzowych: „Siedmiu chłopców z Dixielandu” I „Doktor Jazz” granie tradycyjnego jazzu, „Kwintet Eksperymentalny” A. Liskowicz, kwartet Yu Vikhareva, kwintety V. Rodionova, R. Vilksa i inni (Leningrad). Zespoły te coraz częściej wykonują muzykę rosyjską, aranżacje pieśni radzieckich i własne kompozycje.
Na początku lat 60. Wielu młodych ludzi zainteresowanych jazzem przeszło od słuchania jazzu do grania muzyki, czasami bez profesjonalnego przygotowania muzycznego. W tym okresie narodziło się wiele amatorskich zespołów jazzowych, w których poziom wykonania nie nadążał za poziomem repertuaru. Proces ten był zapewne na tamte czasy naturalny, jednak z biegiem czasu najbardziej utalentowani i dociekliwi muzycy, którzy postanowili zostać profesjonalistami, zaczęli oddzielać się od tej ogólnej masy amatorów. To właśnie w tym okresie intuicyjny proces rozumienia jazzu został zastąpiony skupionym, systematycznym podejściem do tematu.
Jednym z uderzających fenomenów przełomu lat 50. i 60. były nagrania „combo”, w skład którego wchodzili młodzi moskiewscy muzycy z byłego „Złota ósemka” Orkiestra Centralnego Domu Artystów. Dołączył do nich trębacz pochodzący z Leningradu Niemiecki Łukjanow i pianista moskiewski Borys Rychkow. Seria utworów wykonanych przez tę kompozycję stała się pierwszym profesjonalnym nagraniem studyjnym Nowa fala Radziecki jazz. Warto zauważyć, że muzycy improwizowali nie tylko na tematy klasyczny jazz, ale także na tematy słynnych pieśni radzieckich ( "Ciemna noc", „Samotny akordeon” itd.).
Nie sposób omówić wielu ważnych aspektów i wydarzeń w rozwoju radzieckiego jazzu w tym okresie, ale zatrzymamy się na najbardziej ważne kamienie milowe konieczny jest rozwój nowoczesnego jazzu krajowego. Jest to okres formowania się, szkolenia w radzieckim jazzie, zrozumienia nowego stylu i nie można go sobie wyobrazić bez przestudiowania klasycznych przykładów jazzu tamtych czasów. Zespoły odegrały znaczącą rolę w zapoznawaniu muzyków radzieckich z najlepszymi przykładami sztuki jazzowej - a tak naprawdę przez cały czas istnieje wiele przykładów tego gatunku niskiej jakości. Benny Goodman, Duke Ellington, Willie Ruff – Dwike Mitchell, Thad Jones – Mel Lewis, Kurt Edelhagen, Michel Legrand, a także szereg innych ciekawych grup z krajów socjalistycznych, a wśród nich: Orkiestra Gustava Broma(Czechosłowacja), pianista Adam Makowicz, zespół Zbigniewa Namysłowskiego(Polska) itp.
Zespół jazzowy Igora Brila. Płyta winylowa „Poranek Ziemi”. 1978 Okładka
Jako materiał tematyczny do kompozycji wraz z melodie klasycznego i współczesnego jazzu znane nadal były używane Tematyka pieśni radzieckich oczywiście takie, które zgodnie ze swoim planem harmonicznym i strukturą intonacyjno-melodyczną mogłyby znaleźć organiczne zastosowanie w jazzie. Są wśród nich oczywiście te „wiecznie zielone” utwory, które wiele lat temu karmiły wyobraźnię muzyków jazzowych, oraz nowe tematy piosenek, które powstały w tych latach ( T. Chrennikow, A. Eszpai, A. Fattah, A. Flyarkovsky itp.), pojawił się także duży zasób tematów instrumentalnych; Tematy piosenek, oprócz ich aranżacji na big band i combo, są coraz częściej interpretowane przez zespoły w stylu Dixieland.
W międzynarodowej praktyce jazzowej pojawiło się w tym okresie znacznie więcej tematów instrumentalnych niż kiedykolwiek wcześniej.
W naszym kraju dzieła jazzowe tego okresu tworzyli zarówno profesjonalni kompozytorzy, jak i muzycy jazzowi, z których najbardziej uzdolnieni twórczo zaczęli coraz częściej zwracać się w stronę komponowania muzyki. Wśród kompozytorów zawodowych w Związku Kompozytorów Radzieckich rośnie zainteresowanie nowoczesnymi formami muzyki jazzowej i popowej. Po spotkaniu poświęconym tematyce muzyki rozrywkowej w 1962 r., zorganizowanym przez Sekretariat Związku Kompozytorów ZSRR, wzrosła rola komisji pop-instrumentalnej moskiewskiej organizacji kompozytorskiej, zrzeszającej kompozytorów tworzących ten gatunek. Wiele piosenek było szeroko wykonywanych na scenie koncertowej, nagrywanych w radiu i na płytach. kompozycje jazzowe i symfoniczne B. Trocyuk, I. Jakuszenko, M. Kazhlaev, V. Rubashevsky, V. Terletsky, Y. Saulsky, K. Orbelyan, U. Naissoo, V. Ojakäär. Wielu z tych autorów entuzjastycznie pracowało w tym stylu "progresywny", „trzeci prąd” (symfonia jazzowa B. Trocyuka, koncerty na orkiestrę jazzową M. Kazhlaeva i I. Yakushenko), twórczość innych zwróciła się ku połączeniu pisarstwa jazzowego z cechami określonej narodowej tradycji muzycznej ( K. Orbelyan, U. Naissoo, M. Kazhlaev), jeszcze inne były bliskie bardziej tradycyjnym formom jazzowym. Tematyka niektórych z tych kompozycji znalazła szerokie zastosowanie w małych kompozycjach improwizacyjnych. Zostały one uwzględnione w tematach opublikowanych w tym dziale.
Dążenie do własną twórczość występuje wśród wielu improwizujących muzyków jazzowych. To naturalne pragnienie w latach 60., a później 70. urzeczywistniło się w tym, że wiele Radzieckie motywy jazzowe. Jednak tylko tematy charakteryzujące się cechami indywidualności twórczej (w formie, strukturze harmoniczno-intonacyjnej czy strukturze rytmicznej) włączane są do publikowanej w naszym zbiorze antologii rodzimych tematów jazzowych.
W niektórych przypadkach są to tematy, które w jakiś sposób obejmują elementy folkloru, na przykład - stworzony w latach 60-tych. Tematy A. Tovmasyan, G. Garanyan, G. Lukyanov itp. Wśród tematów nawiązujących do ogólnych kanonicznych przykładów jazzu, ale charakteryzujących się oryginalnością pisma autora, znajdują się tematy powstałe w latach 60. i 70. XX wieku. G. Golsztein, Y. Markin, A. Kozlov. N. Levinovsky, I. Bril, B. Frumkin, L. Chizhik, A. Kroll itp. Twórczość radzieckich kompozytorów i muzyków znacznie się zintensyfikowała dzięki ożywieniu życia koncertowego i festiwalowego w radzieckim jazzie.
Od lat 60. i obecnie różne miasta i republiki naszego kraju są trzymane festiwale jazzowe. W Moskwie taki festiwal odbywa się co dwa lata (od 1978 r.). Organizowane są tygodnie jazzu Leningrad, Jarosław, Donieck, Nowosybirsk, Tbilisi... W 1967 roku oprócz zespołów radzieckich w festiwalu w Tallinie wzięli udział muzycy z Polski, Szwecji, USA, Finlandii i Szwajcarii.
Po raz pierwszy w 1962 r zagraniczny festiwal jazzowy Zespół radziecki opuścił: A. Kozlov, A. Tovmasyan, N. Gromin, A. Bulanov, A. Egorov, którego występ na Warszawskim Festiwalu Jazzowym (1962) okazał się wielkim sukcesem. Od tego momentu nasi muzycy jazzowi zaczęli regularnie występować na zagranicznych festiwalach, m.in. z grupą G. Garanyana-N. Gromin (w Pradze), „Leningrad Dixieland”, big band pod dyrekcją V. Ludvikovsky'ego, pod dyrekcją O. Lundstrema, K. Orbelyana, A. Krolla (w Warszawie i Pradze). Następnie, począwszy od lat 70. Geografia występów radzieckich zespołów jazzowych poszerza się. Oprócz udziału w festiwalach i koncertach w krajach socjalistycznych nasi muzycy jazzowi podróżują do Indii (A. Kuzniecow, T. Kuraszwili, N. Levinowski), Berlina Zachodniego (Arsenal pod dyrekcją A. Kozłowa), Anglii i Włoch (trio V. Ganelina ), do Francji (L. Chizhik), do Niemiec (I. Bril), do Holandii (G. Lukyanov), do USA (orkiestra pod dyrekcją K. Orbelyana).
Aleksiej Bataszew. Książka „Radziecki jazz”. Okładka
Począwszy od lat 60., następnie w latach 70. i 80. muzyczna myśl teoretyczna stara się analizować i uogólniać procesy zachodzące w gatunku muzyki jazzowej w ogóle, a w jazzie radzieckim w szczególności. Wśród książek poruszających tę tematykę znajdują się: „Narodziny jazzu”, „Blues i XX wiek” V. Konen, Stanowisko A. Bataszewa „Radziecki jazz”, broszura W. Mysowski i W. Feyertag "Jazz" i szereg innych. Do rozwoju gatunku przyczyniają się także liczne artykuły w radzieckich magazynach muzycznych, występy w gazetach, programach radiowych i telewizyjnych oraz różnorodna działalność wielu najlepszych klubów jazzowych w naszym kraju.
Profesjonalizacja muzyków jazzowych została znacznie ułatwiona poprzez wprowadzenie systematyki Edukacja muzyczna, wyrażający się w otwarciu w 1974 roku wydziałów pop-jazzu w szkołach muzycznych RFSRR i niektórych innych republik, a obecnie w szeregu uczelni wyższych. Powstały pierwsze krajowe podręczniki z zakresu muzyki jazzowej: „Podstawy improwizacji jazzowej” (I. Bril), „Harmonia w jazzie” (Yu Czugunow), "Układ" (G. Garanyana), cały szereg podręczników dotyczących gry na instrumentach. Obok specjalnych placówek oświatowych powstały studia zrzeszające miłośników jazzu; najbardziej znanym z nich jest „Studio Improwizacji Muzycznej” w Centrum Kultury Moskvorechye.
Radziecki saksofonista i kompozytor Aleksiej Siemionowicz Kozłow (ur. 1935)
Nie sposób sobie wyobrazić tak długiego okresu rozwoju radzieckiego jazzu (od 57 r. do dnia dzisiejszego) jako czegoś jednoznacznego. I tak na przykład w latach 70. rozpoczął się okres poszukiwania nowych środków wyrazu i nowego stylu. Wielu muzyków jazzowych, zarówno w ZSRR, jak i na całym świecie, początkowo nie akceptowało popularnej w tamtych latach muzyki rockowej, choć później nie ignorowało jej najbardziej ciekawe funkcje. W rezultacie część zwolenników myślenia wyłącznie jazzowego zaczęła pracować na polu nowych fuzji gatunkowych. Proces ten można prześledzić w szczególności poprzez działalność zespołu Arsenal oraz twórczość jego lidera, saksofonisty i kompozytora Aleksiej Kozłow, starając się łączyć w swoich kompozycjach elementy jazzu, muzyki kameralnej i folkloru, i w Ostatnio przyciągające elementy pantomimy. Część z nich prezentowana jest w kolekcji. Chęć połączenia stylu jazzowego z nowymi trendami przejawiało się na swój sposób w kreatywności N. Levinovsky, I. Bril, L. Chizhik, których szereg tematów również znajduje się w zbiorze. Ale niektórzy muzycy zachowali swoje zaangażowanie w jazz w swojej najbardziej charakterystycznej, czystej postaci nurty muzyki rockowej i fusion wpływały na nią w znacznie mniejszym stopniu. Można tu wymienić wielu naszych muzyków, którzy do dziś wykonują kompozycje w stylistyce „hard bop”, „cool”, a także zwracają się ku modal jazzowi. To jest przede wszystkim G. Łukjanow ze swoim zespołem „Kadans”, utrzymując styl, który wybrał w swojej twórczości wiele lat temu. Ten - G. Golsztein, Y. Markin, D. Goloshchekin, A. Kuznetsov, M. Okun, V. Sadykov itp. Wielu muzyków rozwija się w swojej twórczości i działalności wykonawczej styl free jazzowy z elementami aleatoryki i groteskowej teatralności, - to muzycy z Litwy - V. Ganelin. W. Czekasin, P. Wiszniauskas itd.
Na przełomie lat 70. i 80. rozwijał się bardzo intensywnie narodowe szkoły radzieckiego jazzu w różnych regionach naszego kraju. Było to szczególnie widoczne na moskiewskim festiwalu jazzowym w 1982 roku, poświęconym 60. rocznicy powstania ZSRR (był to także rok 60. rocznicy radzieckiego jazzu). Połączenie folkloru z nowoczesnym jazzem, zwłaszcza z jego formami modalnymi, okazało się bardziej organiczne niż wcześniejsze próby połączenia folkloru z jazzem. style jazzowe. Pomyślne poszukiwania w tym kierunku wykazali muzycy z Zakaukazia, Kazachstanu, Azji Środkowej, krajów bałtyckich i szeregu autonomicznych republik RFSRR. Niestety w publikacji tej nie udało się zaprezentować wielu tematów z kompozycji stworzonych przez utalentowanych muzyków z naszych republik.
W tym okresie w różne lata nosiciele dobrej szkoły w tradycji głównego nurtu jazzu istniały i nadal istnieją duże zespoły V. Lyudvikovsky, O. Lundstrem, K. Orbelyan, Y. Saulsky, A. Kroll, G. Gachicheladze, A. Kalvarsky, B. Rychkov, G. Rosenberg. Niektórzy z nich ( orkiestry O. Lundströma, K. Orbelyana, A. Krolla, G. Rosenberga) nadal z sukcesem działają - dają mnóstwo koncertów, biorą udział w festiwalach jazzowych, nagrywają płyty. Trudno przecenić ich rolę edukacyjną i popularyzatorską w jazzie. Wielkie orkiestry przyciągają szczególną uwagę kompozytorów, którzy od lat pozostają wierni muzyce jazzowej: w zbiorze znajdują się tematy A. Eshpaya, M. Kazhlaeva, I. Yakushenko, A. Mazhukova, V. Dolgova.
W latach 70. szereg najważniejszych zespołów jazzowych uzyskało status filharmonii zawodowych. Umożliwiło to regularną promocję najlepsze próbki muzyka jazzowa.
Komisja ds. popowej i jazzowej muzyki instrumentalnej nadal aktywnie działa w moskiewskim oddziale Związku Kompozytorów RFSRR. Wielu utalentowanych radzieckich kompozytorów jazzowych w latach 70. i 80. przyjęty na członka Związku Kompozytorów Radzieckich, biuro tej komisji bierze czynny udział w organizowaniu Związku Radzieckiego festiwale jazzowe i koncerty, w promowaniu najlepszych przykładów muzyki jazzowej w Telewizji Centralnej i Ogólnounijnym Radiu (np. program telewizyjny „Jazz Panorama”).