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È consuetudine chiamare una forma musicale una composizione, cioè le caratteristiche della costruzione di un'opera musicale: il rapporto e le modalità di sviluppo del materiale tematico musicale, il rapporto e l'alternanza delle chiavi.
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Quello che canta - il solista - è il canto della canzone. Hai mai prestato attenzione a come è composta la canzone? Soprattutto una canzone del genere che molte persone possono cantare insieme: a una manifestazione, a una campagna o la sera al fuoco dei pionieri. Sembra essere diviso in due parti, che vengono poi ripetute più volte. Queste due parti sono un ritornello o, altrimenti, un verso (la parola francese distico significa una strofa) e un ritornello, altrimenti chiamato ritornello (questa parola è anche francese - ritornello).
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Nelle canzoni corali, il ritornello viene spesso eseguito dal solo cantante e il coro riprende il ritornello. La canzone non è composta da una, ma di solito da più strofe. La musica in essi di solito non cambia o cambia molto poco, ma le parole sono diverse ogni volta. Il ritornello rimane sempre lo stesso sia nel testo che nella musica. Pensa a una qualsiasi canzone dei pionieri, oa una di quelle che canti quando vai in campeggio d'estate, e guarda di persona come è costruita. La forma in cui è scritta la stragrande maggioranza delle canzoni è quindi chiamata forma distico.
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Si basano su due (o - in un rondò - diversi) diversi materiali tematici. La forma in questi casi si basa su un confronto, uno sviluppo e talvolta anche una collisione di questi temi spesso contrastanti e talvolta persino contrastanti.
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Le tre parti sono costruite secondo lo schema, che di solito è raffigurato in lettere come questa: ABA. Ciò significa che l'episodio iniziale alla fine, dopo l'episodio intermedio contrastante, viene ripetuto. In questa forma vengono scritte le parti centrali di sinfonie e sonate, parti di suite, vari brani strumentali, ad esempio molti notturni, preludi e mazurche di Chopin, canzoni senza parole di Mendelssohn, romanzi di compositori russi e stranieri.
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La forma in due parti è meno comune, poiché ha una sfumatura di incompletezza, confronti, come se "senza conclusione", senza risultato. Il suo schema: AB. Esistono anche forme musicali basate su un unico tema. Queste sono, prima di tutto, variazioni, che possono essere più accuratamente chiamate tema con variazioni (anche una storia a parte in questo libro è dedicata alle variazioni). Inoltre, molte forme di musica polifonica, come la fuga, il canone, l'invenzione, la ciaccona e la passacaglia, sono costruite sullo stesso tema.
L'eroismo è un tema importante nel lavoro di molti compositori nazionali e stranieri. Possiamo dire che insieme al tema dell'amore, il tema eroico è il più comune nella musica. Qualsiasi trama di un'opera musicale è caratterizzata dalla presenza di un eroe (e spesso di un antieroe), e quindi l'autore affronta il compito di creare la sua immagine artistica.
Le immagini eroiche sono molto tipiche per, il compositore le crea, basate sui motivi del patriottismo, del sacrificio per la Patria, delle imprese militari e umane. E poiché la storia di ogni paese non manca di gers, a loro è dedicato lo strato principale della cultura musicale nazionale.
Il tema eroico ha sempre attirato l'attenzione dei compositori russi, nel lavoro di alcuni di loro è diventato il principale. Il rovesciamento del giogo mongolo-tataro, la guerra patriottica del 1812, la rivoluzione del 1917, la guerra civile e la grande guerra patriottica hanno lasciato un segno indelebile nella musica russa, ognuno di questi eventi ha i suoi eroi. Molti di questi eroi, o meglio le loro immagini, sono stati incarnati nelle opere di autori russi. Anche i compositori stranieri hanno dedicato molte opere agli eroi che hanno combattuto per la loro patria.
Delle immagini degli eroi russi, particolarmente amati nell'arte musicale, si possono nominare: il principe Igor Borodin, Ivan Susanin Glinka, Alexander Nevsky e Kutuzov delle opere di Prokofiev. In molte opere musicali viene mostrata un'immagine eroica collettiva del popolo russo, ad esempio nelle opere "Boris Godunov" e "Khovanshchina" di Mussorgsky.
Nell'opera di compositori stranieri vengono visualizzate anche molte immagini eroiche: Beethoven, Mozart, Liszt si sono rivolti all'eroismo in tempi diversi.
Glinka è stato il primo compositore russo a scrivere un'opera, ha vissuto in un periodo storico difficile - durante la guerra patriottica del 1812. Questa lotta del popolo russo non per la vita ma per la morte, il desiderio di proteggere la propria patria a tutti i costi, ha ispirato Glinka per scrivere l'opera Ivan Susanin.
La storia dello stesso Ivan Susanin riecheggia la realtà della guerra con Napoleone, nell'era in cui visse e lavorò il compositore. Come risulta dalla leggenda (alcuni storici sono convinti che in realtà l'impresa di Susanin sia fittizia), Susanin, non temendo per la sua vita, guidò un distaccamento di interventisti polacchi nella foresta, dove scomparvero. Lo stesso Susanin morì insieme ai nemici. Nella sua opera, Glinka disegna un'immagine multidimensionale dell'eroe, che appare davanti a noi come il servo Ivan Susanin. Un segno caratteristico di questa immagine è il suono della campana che accompagna la sua aria. Il suono simboleggia la vittoria del popolo sugli invasori stranieri, erano le campane in Rus' che chiamavano il popolo al consiglio e riportavano eventi significativi. Quindi Glinka ha collegato l'immagine dell'eroe con l'immagine del tocsin.
Il sentimento di orgoglio che nasce ascoltando l'opera di Glinka è stato senza dubbio un'idea dell'autore. Per questo, il compositore ha utilizzato l'intera ricca tavolozza di mezzi espressivi musicali e, in particolare, melodie simili alle canzoni popolari. Prima della sua morte, Susanin canta che ha paura di morire, ma non vede altra via d'uscita che morire per la Patria, ma non cedere al suo nemico. Anche a costo di terribili tormenti (i nemici lo torturano per mostrare loro la via d'uscita dalla boscaglia), Susanin non tradisce i suoi.
Nell'opera Ivan Susanin, Glinka ha anche creato l'immagine eroica del popolo, che recita la parte del coro e, per così dire, conferma le parole del protagonista, che, senza paura della morte, è pronto a dare la vita per la salvezza della Patria. L'intero popolo russo glorifica l'impresa di Susanin e, senza esitazione, andrà incontro alla morte, in nome della vita.
La trama dell'opera di Borodin "Prince Igor" è basata sulla storia della lotta degli antichi principi russi con i nomadi Polovtsiani. La storia stessa è stata descritta in The Lay of Igor's Campaign, che il compositore ha usato per scrivere il suo lavoro. Nell'opera di Borodin, come nell'opera di Glinka, viene prestata molta attenzione ai motivi popolari, soprattutto nelle parti corali. Il principe Igor è un vero eroe, ama appassionatamente la sua terra natale, la Russia, ed è pronto a difenderla dai nemici con il fuoco e la spada.
L'opera "Prince Igor" è una maestosa epopea popolare, che ricrea fedelmente in immagini generalizzate, vivide e vitalmente convincenti uno dei tragici periodi del passato del popolo russo nella sua lotta per l'unità e l'indipendenza nazionale. Nel concetto eroico dell'opera, nelle sue principali immagini musicali, Borodin incarnava i tratti più tipici del carattere nazionale e della composizione mentale del popolo russo: amore disinteressato e devozione alla Patria, resistenza morale ed eroica unità nella lotta contro il nemico, resistenza al dispotismo, alla violenza e all'arbitrarietà.
Nelle opere "Khovanshchina" e "Boris Godunov" il loro autore - M. Mussorgsky disegna un'immagine eroica del popolo.
Il lavoro su "Khovanshchina" è continuato fino agli ultimi giorni della vita del compositore, si potrebbe dire che è stato il lavoro di tutta la sua vita.
Al centro dell'opera "Khovanshchina" c'è l'idea di un tragico scontro tra la vecchia e la nuova Rus', la scomparsa del vecchio modo di vivere e la vittoria del nuovo. Il contenuto è costituito da autentici eventi storici della fine del XVII secolo, la lotta della nobiltà feudale reazionaria, guidata dal principe Khovansky, contro il partito di Pietro I. La trama è data in uno sviluppo complesso e sfaccettato, vengono mostrati vari gruppi sociali: arcieri, scismatici, contadini ("popolo alieno"), un rude signore feudale feudale Khovansky e un Vasily Golitsyn "mezzo europeo e mezzo asiatico". Non tutto nell'opera corrisponde agli eventi reali, ma il dramma del popolo russo è dato con una profondità sorprendente, la sua forza spirituale e la sua fermezza sono mostrate. In "Khovanshchina" Mussorgsky ha creato immagini del popolo russo (Dositheus, Martha), colpendo con la grandezza dell'anima.
Le persone sono al centro dell'azione Khovanshchina. Una caratteristica di quest'opera di Mussorgsky è che l'autore non mostra le persone nel loro insieme, ma individua vari gruppi sociali, che ricevono uno schema musicale speciale, e le caratteristiche di ciascun gruppo sono fornite in fase di sviluppo. Pertanto, le caratteristiche degli arcieri differiscono nettamente dalle caratteristiche degli scismatici; spicca in particolare un gruppo di "persone aliene", i contadini; Altre caratteristiche sono enfatizzate da Mussorgsky, raffigurante i servi di Khovansky. Diverse caratteristiche vengono date ai singoli gruppi attraverso diversi generi di canzoni e diversi caratteri delle canzoni. I cori di esuberanti arcieri sono costruiti sulle intonazioni di valorosi canti danzanti con ritmi energici e danzanti; la canzone "about Gossip" rifletteva le caratteristiche del folklore urbano. Il contrasto è rappresentato dai cori oranti degli arcieri e dai cori delle mogli degli arcieri nella scena della "processione verso l'esecuzione" - dove i lamenti popolari, le grida, i lamenti servono da base. I cori degli scismatici suonano arcaici, combinano le caratteristiche di un magazzino di canzoni popolari con la severità del canto znamenny (il coro "Pobedikhom", in cui viene rielaborata la melodia della canzone popolare "Stop, my caro round dance" ); nell'atto V ("In the skete"), antiche preghiere e canti scismatici sono ampiamente usati nella musica. I cori di "persone aliene" e servi della gleba usano direttamente il canto contadino: lirico, tirato fuori, maestoso.
Il tema eroico si riflette anche nell'opera di S. Prokofiev. Possiamo dire che tutta la musica che ha scritto è letteralmente satura di eroismo. La maggior parte delle opere del compositore sono state create utilizzando trame storiche e dove c'è storia, ci sono eroi. Le immagini degli eroi sono particolarmente vivide nella sua famosa opera "Guerra e pace", scritta sulla base dell'omonimo romanzo epico di L. Tolstoy. Con particolare cura, il compositore elabora l'immagine di Kutuzov, costretto a lasciare Mosca per essere saccheggiato dal nemico, e l'immagine collettiva di un soldato russo in lotta per la sua Patria.
L'idea per l'opera Guerra e pace venne a Prokofiev nella primavera del 1941. L'inizio della Grande Guerra Patriottica ha reso questo argomento particolarmente vicino e rilevante. Il compositore ha scritto: “... Anche allora, i pensieri che vagavano nella mia mente per scrivere un'opera basata sulla trama del romanzo di Tolstoj “Guerra e pace” hanno preso forme chiare. Le pagine che raccontano la lotta del popolo russo contro le orde di Napoleone nel 1812 e l'espulsione dell'esercito napoleonico dalla terra russa divennero in qualche modo particolarmente vicine. Era chiaro che erano queste pagine a costituire la base dell'opera.
La resilienza del personaggio russo, che ha resistito, non si è spezzata di fronte alle dure prove che gli sono cadute durante i difficili anni dell'invasione nemica, è mostrata nell'opera in scene sul campo di battaglia, immagini popolari (soldati, milizie , residenti di Mosca, partigiani) e nelle immagini dei singoli eroi . Spicca in particolare la figura maestosa del comandante, il feldmaresciallo Kutuzov, la cui caratteristica musicale consiste in frasi senza fretta separate da pause, recitativi, il suo tema principale e l'aria del monologo che completa l'immagine. Nell'opera di Prokofiev si concentrano due principi, generalmente espressi nel tema della guerra, del disastro nazionale e nel tema di Mosca: la Patria. Il primo tema, con il suo suono acuto e insistente della tromba e dei corni sullo sfondo dell'ostinato della tromba e dei fagotti, forma un'introduzione sinfonica. Questo formidabile e inquietante "salvaschermo" svolge un importante ruolo drammatico, suona come un allarme, annunciando il pericolo mortale che incombe su Mosca e la Russia. Il secondo tema - il simbolo dell'immortalità della Patria - risuona nell'aria di Kutuzov. Il maestoso monologo strutturalmente completato di Kutuzov è il culmine della decima immagine. Quest'aria, scritta in una complessa forma in tre parti con un'introduzione declamatoria e una parte centrale, si staglia come un possente apice sopra la musica recitativa "fluida" dei precedenti dialoghi dei partecipanti al consiglio militare. È stato creato sulla base delle caratteristiche epiche del ritratto dell'eroe russo nelle opere di Glinka e Borodin, che sono state menzionate sopra. I pensieri e i sentimenti di Kutuzov sono rivolti al destino di Mosca e della Patria.
Tra i compositori stranieri vale la pena sottolineare Beethoven, che ha scritto la famosa ouverture di Coriolan. Coriolano era un generale romano e visse nel I secolo a.C. Il nome Coriolanus gli fu dato in onore della sua conquista della città volsca di Coriola. Beethoven ha scritto la sua musica per una produzione dell'opera di Collin. Nell'ouverture, il compositore traccia un "ritratto" psicologico di Coriolano, mostrando il tragico conflitto della sua anima. Secondo Beethoven, è una grande disgrazia che consente a una persona di diventare coraggiosa, che è ciò che vediamo in Kriolan. L'intera ouverture è il monologo interiore dell'eroe, la formazione della sua immagine eroica.
Riassumendo quanto sopra, notiamo che i compositori russi nel loro lavoro si sono spesso rivolti al tema eroico-patriottico, poiché era sempre rilevante. La cosa principale è che le immagini eroiche create nella musica riflettono l'idea di difendere la Patria, glorificare la vita pacifica e mostrare che gli eroi difendono solo la Patria dal nemico, ma non attaccano mai. L'eroe in generale porta solo del bene alle persone, le protegge e le protegge e di per sé appartiene all'ambiente delle persone. Tale è Ivan Susanin, la cui immagine è raffigurata nell'opera di Glinka, tale è il popolo della Khovanshchina di Mussorgsky, tale è il Kutuzov di Prokofiev, costretto a cedere la capitale al nemico, in nome della salvezza dell'intero paese.
Una condizione necessaria per il significato delle immagini eroiche incarnate dal compositore è lo storicismo del pensiero dell'autore. Le opere musicali eroiche tracciano il collegamento dei tempi dalla scintilla dello spirito nazionale che divampò in un lontano passato, affermando la necessità di combattere per se stessi, il proprio clan, la propria nazione, alla lotta disinteressata per la liberazione dei popoli d'Europa dal fascismo nella Grande Guerra Patriottica, per la pace universale sulla Terra per tutti i popoli - nel nostro tempo. L'aspetto di ogni composizione - opera, sinfonia, cantata - è sempre condizionato dalle esigenze della sua epoca. O come si suol dire, ogni epoca ha il suo eroe. Ma la cosa importante è che nessuna epoca può esistere senza eroi.
La musica obbedisce alle leggi della vita, è la realtà, quindi ha un impatto sulle persone. È molto importante imparare ad ascoltare e comprendere la musica classica. Anche a scuola i bambini imparano cos'è un'immagine musicale e chi la crea. Molto spesso, gli insegnanti danno una definizione al concetto di immagine: una particella di vita. Le più ricche possibilità del linguaggio delle melodie consentono ai compositori di creare immagini nelle opere musicali per realizzare le loro idee creative. Immergiti nel ricco mondo dell'arte musicale, scopri i diversi tipi di immagini in essa contenute.
Cos'è un'immagine musicale
È impossibile padroneggiare la cultura musicale senza la percezione di quest'arte. È la percezione che rende possibile svolgere attività compositive, di ascolto, esecutive, pedagogiche, musicologiche. La percezione permette di capire cos'è un'immagine musicale e come nasce. Va notato che il compositore crea un'immagine sotto l'influenza delle impressioni con l'aiuto dell'immaginazione creativa. Per facilitare la comprensione di cosa sia un'immagine musicale, è meglio immaginarla come una combinazione di mezzi espressivi musicali, stile, carattere della musica, costruzione di un'opera.
La musica può essere definita un'arte vivente che riunisce molte attività. I suoni delle melodie incarnano il contenuto della vita. L'immagine di un'opera musicale significa pensieri, sentimenti, esperienze, azioni di certe persone, varie manifestazioni naturali. Inoltre, questo concetto implica eventi della vita di qualcuno, le attività di un'intera nazione e dell'umanità.
L'immagine musicale nella musica è la complessità del carattere, dei mezzi musicali ed espressivi, delle condizioni socio-storiche di origine, dei principi di costruzione e dello stile del compositore. Ecco i principali tipi di immagini nella musica:
- Lirico. Trasmette le esperienze personali dell'autore, rivela il suo mondo spirituale. Il compositore trasmette sentimenti, stati d'animo, sensazioni. Non ci sono azioni qui.
- Epico. Narra, descrive alcuni eventi della vita delle persone, racconta la loro storia e le loro imprese.
- Drammatico. Raffigura la vita privata di una persona, i suoi conflitti e scontri con la società.
- Fata. Mostra fantasie e immaginazioni fittizie.
- Comico. Espone tutto il male, usando situazioni divertenti e sorpresa.
immagine lirica
Nei tempi antichi esisteva uno strumento a corde così popolare: la lira. I cantanti hanno trasmesso le loro varie esperienze ed emozioni con l'aiuto di esso. Da lui è nato il concetto di testi, che trasmettono profonde esperienze emotive, pensieri e sentimenti. L'immagine musicale lirica ha elementi emotivi e soggettivi. Con l'aiuto di esso, il compositore trasmette il suo mondo spirituale individuale. Un'opera lirica non include alcun evento, trasmette solo lo stato d'animo dell'eroe lirico, questa è la sua confessione.
Molti compositori hanno imparato a trasmettere i testi attraverso la musica, perché è molto vicino alla poesia. Le opere liriche strumentali includono opere di Beethoven, Schubert, Mozart, Vivaldi. Anche Rachmaninov e Čajkovskij hanno lavorato in questa direzione. Hanno formato immagini liriche musicali con l'aiuto di melodie. È impossibile formulare lo scopo della musica meglio di Beethoven: "Ciò che viene dal cuore deve condurci ad esso". Formando la definizione dell'immagine dell'arte musicale, molti ricercatori prendono proprio questa affermazione. Nella sua Sonata primaverile, Beethoven ha fatto della natura un simbolo del risveglio del mondo dal letargo. L'immagine musicale e l'abilità dell'esecutore aiutano a vedere nella sonata non solo la primavera, ma anche gioia e libertà.
Si dovrebbe anche ricordare la "Sonata al chiaro di luna" di Beethoven. Questo è un vero capolavoro con un'immagine musicale e artistica per pianoforte. La melodia è appassionata, persistente, che termina in una disperazione senza speranza.
La lirica nei capolavori dei compositori si collega al pensiero figurativo. L'autore cerca di mostrare quale impronta questo o quell'evento ha lasciato nella sua anima. Prokofiev ha semplicemente trasmesso abilmente le "melodie dell'anima" nel valzer di Natasha Rostova nell'opera "Guerra e pace". La natura del valzer è molto gentile, si avverte timidezza, lentezza e, allo stesso tempo, eccitazione, sete di felicità. Un altro esempio dell'immagine e della maestria musicale lirica del compositore è Tatyana dell'opera Eugene Onegin di Tchaikovsky. Inoltre, le opere di Schubert "Serenade", Tchaikovsky "Melody", Rachmaninov "Vocalise" possono servire come esempio di un'immagine musicale (lirica).
Immagine musicale drammatica
In greco, "dramma" significa "azione". Con l'aiuto di un'opera drammatica, l'autore trasmette gli eventi attraverso i dialoghi dei personaggi. Nella letteratura di molti popoli, tali opere esistevano molto tempo fa. Ci sono anche immagini musicali drammatiche nella musica. I loro compositori mostrano attraverso le azioni degli eroi che cercano una via d'uscita dalla situazione, entrando in una lotta con i loro nemici. Queste azioni provocano sentimenti molto forti che ti fanno compiere azioni.
Il pubblico vede l'eroe drammatico in una lotta costante, che lo porta alla vittoria o alla morte. Le azioni vengono prima, non i sentimenti. I personaggi drammatici più sorprendenti sono quelli di Shakespeare: Macbeth, Otello, Amleto. Otello è geloso, il che lo porta alla tragedia. Amleto è sopraffatto dal desiderio di vendetta sugli assassini di suo padre. La forte sete di potere di Macbeth lo spinge a uccidere il re. Senza un'immagine musicale drammatica nella musica, il dramma è impensabile. È il nervo, la fonte, il fulcro del lavoro. L'eroe drammatico è presentato come uno schiavo della passione, che lo porta al disastro.
Un esempio di conflitto drammatico è l'opera di Tchaikovsky The Queen of Spades basata sull'omonima storia di Pushkin. All'inizio, il pubblico conosce il povero ufficiale Herman, che sogna di arricchirsi rapidamente e facilmente. Non aveva mai giocato d'azzardo prima, anche se in fondo era un giocatore d'azzardo. Herman è stimolato dal suo amore per la ricca ereditiera di una vecchia contessa. L'intero dramma è che il matrimonio non può aver luogo a causa della sua povertà. Presto Herman scopre il segreto della vecchia contessa: presumibilmente mantiene il segreto di tre carte. L'ufficiale è sopraffatto dal desiderio di scoprire a tutti i costi questo segreto per vincere il grosso jackpot. Herman arriva a casa della contessa e la minaccia con una pistola. La vecchia muore di paura, senza tradire il segreto. Di notte, un fantasma viene da Herman e sussurra le carte preziose: "Tre, sette, asso". Viene dalla sua amata Lisa e le confessa che la vecchia contessa è morta a causa sua. Lisa, per il dolore, si gettò nel fiume e si annegò. Le care parole del fantasma perseguitano Herman, va alla casa da gioco. Le prime due puntate, su un tre e un sette, si sono rivelate vincenti. La vincita ha fatto girare così tanto la testa a Herman che va all-in e punta tutti i soldi vinti sull'asso. L'intensità del dramma si sta avvicinando al suo apice, invece di un asso nel mazzo c'è una regina di picche. In questo momento, Herman riconosce la vecchia contessa nella dama di picche. La perdita finale porta l'eroe al suicidio.
Vale la pena confrontare il modo in cui Pushkin e Ciajkovskij mostrano il dramma del loro eroe. Alexander Sergeevich ha mostrato a Hermann di essere freddo e prudente, voleva usare Lisa per il proprio arricchimento. Čajkovskij ha adottato un approccio leggermente diverso per interpretare il suo personaggio drammatico. Il compositore cambia leggermente i caratteri dei suoi personaggi, perché la loro immagine ha bisogno di ispirazione. Čajkovskij ha mostrato Herman come romantico, innamorato di Liza, con un'immaginazione ardente. Solo una passione sposta l'immagine dell'amato dalla testa di un ufficiale: il segreto delle tre carte. Il mondo delle immagini musicali di questa opera drammatica è molto ricco e impressionante.
Un altro esempio di ballata drammatica è The Forest King di Schubert. Il compositore ha mostrato la lotta di due mondi: reale e immaginario. Schubert era caratterizzato dal romanticismo, era affascinato dal misticismo e il lavoro si rivelò piuttosto drammatico. La collisione di due mondi è molto luminosa. Il mondo reale è incarnato nell'immagine di un padre che guarda la realtà in modo sensato e calmo e non si accorge del Re della Foresta. Suo figlio vive in un mondo mistico, è malato e gli sembra il re della foresta. Schubert mostra un'immagine fantastica di una foresta misteriosa avvolta da una foschia cupa e un padre che la attraversa di corsa su un cavallo con un bambino morente tra le braccia. Il compositore dà la sua caratteristica a ciascun eroe. Il ragazzo morente è teso, spaventato, nelle sue parole c'è una richiesta di aiuto. Un bambino delirante entra nel terribile regno del formidabile Re della Foresta. Il padre fa del suo meglio per calmare il bambino.
Tutta la ballata è permeata da un ritmo pesante, il calpestio del cavallo dipinge una frazione di ottava ininterrotta. Schubert ha creato una completa illusione visivo-uditiva piena di drammaticità. Alla fine, la dinamica dello sviluppo musicale della ballata si conclude, mentre il padre tiene tra le braccia il bambino morto. Queste sono le immagini musicali (drammatiche) che hanno aiutato Schubert a creare una delle sue creazioni più impressionanti.
Ritratti epici in musica
Tradotto dal greco, "epos" significa una storia, una parola, una canzone. Nelle opere epiche, l'autore racconta le persone, gli eventi a cui prendono parte. Vengono in primo piano i personaggi, le circostanze, l'ambiente sociale e naturale. Le opere letterarie epiche includono storie, leggende, poemi epici, romanzi. Molto spesso, i compositori usano poesie per scrivere opere epiche, raccontano gesta eroiche. Dall'epopea puoi conoscere la vita degli antichi, la loro storia e le loro imprese. Le principali immagini musicali drammatiche e l'abilità del compositore rappresentano personaggi, eventi, storie, natura specifici.
L'epopea si basa su eventi reali, ma contiene anche una parte di finzione. L'autore idealizza e mitizza i suoi personaggi. Sono dotati di eroismo, compiono imprese. Ci sono anche personaggi negativi. L'epopea nella musica mostra non solo persone specifiche, ma anche eventi, natura, che simboleggiano la terra natale in una particolare epoca storica. Così, molti insegnanti presentano una lezione di immagine musicale in prima media con l'aiuto di brani tratti dall'opera "Sadko" di Rimsky-Korsakov. Gli studenti cercano di capire con quale mezzo musicale il compositore è riuscito a disegnare un ritratto dell'eroe dopo aver ascoltato la canzone di Sadko "Oh, quercia oscura". I bambini sentono una melodia melodiosa e fluida, un ritmo uniforme. A poco a poco, il maggiore viene sostituito da un minore, il tempo rallenta. L'opera è piuttosto triste, triste e riflessiva.
Il compositore di The Mighty Handful, A. P. Borodin, ha lavorato in uno stile epico. L'elenco delle sue opere epiche può includere la "Bogatyr Symphony" n. 2, l'opera "Prince Igor". Nella Sinfonia n. 2, Borodin ha catturato la potente ed eroica Patria. All'inizio va una melodia melodiosa e fluida, poi si trasforma in una a scatti. Il ritmo uniforme è sostituito da uno punteggiato. Il tempo lento è combinato con minore.
Il famoso poema "The Tale of Igor's Campaign" è considerato un monumento della cultura medievale. L'opera racconta la campagna del principe Igor contro i Polovtsiani. Qui sono stati creati luminosi ritratti epici di principi, boiardi, Yaroslavna, khan polovtsiani. L'opera inizia con un'ouverture, poi c'è un prologo su come Igor prepara il suo esercito per una campagna, guardando un'eclissi solare. Seguono quattro atti dell'opera. Un momento molto suggestivo dell'opera è il pianto di Yaroslavna. Alla fine, il popolo canta gloria al principe Igor e sua moglie, anche se la campagna si è conclusa con la sconfitta e la morte dell'esercito. Per mostrare l'eroe storico di quell'epoca, l'immagine musicale dell'esecutore è molto importante.
Vale anche la pena includere nell'elenco delle creazioni epiche il lavoro di "Bogatyr Gates" di Mussorgsky, "Ivan Susanin" di Glinka, "Alexander Nevsky" di Prokofiev. I compositori hanno trasmesso le gesta eroiche dei loro eroi con vari mezzi musicali.
Favolosa immagine musicale
La stessa parola "favoloso" sta nella trama di tali opere. Il creatore più sorprendente di creazioni fiabesche può essere chiamato Rimsky-Korsakov. Anche dal curriculum scolastico, i bambini impareranno la sua famosa fiaba-opera "The Snow Maiden", "The Golden Cockerel", "The Tale of Tsar Saltan". Impossibile non ricordare anche la suite sinfonica "Scheherazade" tratta dal libro "1001 Nights". Le immagini fiabesche e fantastiche nella musica di Rimsky-Korsakov sono in stretta unità con la natura. Sono le fiabe che pongono le basi morali in una persona, i bambini iniziano a distinguere il bene dal male, imparano la misericordia, la giustizia, condannano la crudeltà e l'inganno. In qualità di insegnante, Rimsky-Korsakov ha parlato di alti sentimenti umani nel linguaggio di una fiaba. Oltre alle opere di cui sopra, si possono nominare "Kashchei l'Immortale", "La notte prima di Natale", "May Night", "La sposa dello zar". Le melodie del compositore hanno una complessa struttura melodico-ritmica, sono virtuose e commoventi.
musica fantastica
Vale la pena menzionare le fantastiche immagini musicali nella musica. Ci sono un sacco di opere fantastiche create ogni anno. Sin dai tempi antichi, sono note varie ballate e canzoni folcloristiche che lodano vari eroi. La cultura musicale cominciò a riempirsi di fantasia nell'era del romanticismo. Elementi di fantasia si trovano nelle opere di Gluck, Beethoven, Mozart. Gli scrittori più importanti di motivi fantastici erano compositori tedeschi: Weber, Wagner, Hoffmann, Mendelssohn. Le intonazioni gotiche suonano nelle loro composizioni. L'elemento favoloso-fantastico di queste melodie si intreccia con il tema dell'opposizione dell'uomo al mondo che lo circonda. L'epopea popolare con elementi di fantasia è la base per le opere del compositore norvegese Edvard Grieg.
Le immagini fantastiche sono insite nell'arte musicale russa? Il compositore Mussorgsky ha riempito le sue creazioni Quadri di una mostra e Una notte sul Monte Calvo con motivi fantastici. Gli spettatori possono assistere al sabba notturno delle streghe durante la festa di Ivan Kupala. Mussorgsky ha anche scritto un'interpretazione della "Fiera Sorochinsky" di Gogol. Elementi di fantasia possono essere visti nelle opere di "Mermaid" di Tchaikovsky e "The Stone Guest" di Dargomyzhsky. Maestri come Glinka ("Ruslan e Lyudmila"), Rubinstein ("Il demone"), Rimsky-Korsakov ("Il galletto d'oro") non sono rimasti in disparte dalla fantasia.
Una vera svolta rivoluzionaria nell'arte sintetica è stata fatta dallo sperimentatore Scriabin, che ha utilizzato elementi di musica leggera. Nelle sue opere, ha inserito appositamente le linee per la luce. I suoi scritti "The Divine Poem", "Prometheus", "The Poem of Ecstasy" sono pieni di fantasia. Alcuni espedienti della fantasia erano presenti anche tra i realisti Kabalevsky e Shostakovich.
L'avvento della tecnologia informatica ha reso la musica fantastica la preferita di molti. Film con composizioni fantastiche iniziarono ad apparire sugli schermi televisivi e nei cinema. Dopo l'avvento dei sintetizzatori musicali, si aprirono grandi prospettive per motivi fantastici. È arrivata l'era in cui i compositori possono scolpire la musica come scultori.
Spettacoli comici in opere musicali
È difficile parlare di immagini comiche nella musica. Pochi critici d'arte caratterizzano questa tendenza. Il compito della musica comica è correggere con le risate. Sono i sorrisi i veri compagni della musica comica. Il genere comico è più leggero, non ha bisogno di condizioni che portino sofferenza agli eroi.
Per creare un momento comico nella musica, i compositori usano l'effetto sorpresa. Così, J. Haydn in una delle sue sinfonie londinesi ha creato una melodia con una parte di timpani, che scuote all'istante gli ascoltatori. Un colpo di pistola spezza la dolce melodia di un valzer con una sorpresa ("Bullseye!") di Strauss. Questo rallegra immediatamente la stanza.
Qualsiasi battuta, anche musicale, porta con sé divertenti assurdità, divertenti incongruenze. Molti hanno familiarità con il genere delle marce comiche, marce scherzose. La marcia di Prokofiev dalla raccolta "Children's Music" è dotata di commedia dall'inizio alla fine. I personaggi comici possono essere visti in "Le nozze di Figaro" di Mozart, dove già nell'introduzione si sentono risate e umorismo. Allegro e intelligente Figaro abilmente astuto davanti al conte.
Elementi di satira in musica
Un altro tipo di fumetto è la satira. La rigidità è insita nel genere satirico, è formidabile, frizzante. Con l'aiuto di momenti satirici, i compositori esagerano, esagerano alcuni fenomeni per esporre volgarità, malvagità e immoralità. Quindi, Dodon dell'opera The Golden Cockerel di Rimsky-Korsakov, Farlaf di Glinka's Ruslan e Lyudmila possono essere definiti immagini satiriche.
Immagine della natura
Il tema della natura è molto rilevante non solo nella letteratura, ma anche nella musica. Mostrando la natura, i compositori descrivono il suo vero suono. Il compositore M. Messiaen imita semplicemente le voci della natura. Maestri inglesi e francesi come Vivaldi, Beethoven, Berlioz, Haydn sono stati in grado di trasmettere le immagini della natura e le sensazioni che evocano con una melodia. Rimsky-Korsakov e Mahler hanno una speciale immagine panteistica della natura. La percezione romantica del mondo circostante può essere osservata nell'opera teatrale di Čajkovskij "Le stagioni". Un personaggio gentile, sognante e affabile è la composizione di Sviridov "Primavera".
Motivi folcloristici nell'arte della musica
Molti compositori hanno utilizzato le melodie delle canzoni popolari per creare i loro capolavori. Semplici melodie di canzoni sono diventate la decorazione delle composizioni orchestrali. Le immagini di racconti popolari, poemi epici, leggende hanno costituito la base di molte opere. Sono stati usati da Glinka, Ciajkovskij, Borodin. Il compositore Rimsky-Korsakov nell'opera "The Tale of Tsar Saltan" ha utilizzato la canzone popolare russa "In the garden, in the garden" per creare l'immagine di uno scoiattolo. Nell'opera Khovanshchina di Mussorgsky si sentono melodie popolari. Il compositore Balakirev basato sulla danza popolare kabardiana ha creato la famosa fantasia "Islamey". La moda per i motivi folcloristici nei classici non è scomparsa. Molte persone hanno familiarità con la moderna azione sinfonica di V. Gavrilin "Chimes".
ISTITUTO EDUCATIVO COMUNALE STATALE PER L'ISTRUZIONE SUPPLEMENTARE DEI BAMBINI
Scuola d'arte per bambini Penzhinsky
SCRITTURA DELLA CONVERSAZIONE
"EROI LETTERARI E MUSICALI NELLE OPERE DEI COMPOSITORI - CLASSICI"
per gli studenti delle scuole secondarie
Compilato da: Selezneva TI,
insegnante di pianoforte e musica
discipline teoriche del PDSH
Con. Kamenskoe
2016
Sceneggiatura di conversazione
"Eroi letterari e musicali nelle opere di compositori classici"
Buon pomeriggio nostri cari telespettatori. Benvenuti nel mondo della musica e della letteratura. L'incontro con il bello è sempre una vacanza. Per tradizione, a Capodanno, invitiamo gli studenti delle scuole secondarie ai concerti preparati dagli studenti del dipartimento di pianoforte. Gli argomenti delle conversazioni sono molto diversi, le opere rappresentano diversi stili e tendenze nell'arte della musica. Oggi abbiamo deciso di organizzare il nostro evento insieme agli studenti di quarta elementare.
I giovani musicisti hanno preparato un piccolo programma di concerti, hanno fatto presentazioni sui compositori e gli studenti di una scuola comprensiva ci presenteranno gli eroi delle opere letterarie, leggeranno brani poetici. Per rendere l'evento più interessante, abbiamo inserito nel nostro programma quiz, test, visione e ascolto di brani di opere musicali.
Ogni lavoro ha contenuto e immagine, rivela qualche argomento.
Il tema può essere eroico, patriottico, lirico, favoloso.
Facciamo esempi di opere letterarie e musicali su soggetti eroici, fiabeschi, lirico-drammatici, lirico-psicologici, quotidiani. (Elenco bambini)
Ogni opera ha un carattere, uno stato d'animo, un'immagine.
In una poesia possiamo presentare un'immagine della natura, l'immagine di una persona (triste o allegra, coraggiosa o codarda, ecc.). Se in un'opera letteraria un poeta o uno scrittore trasmette l'atmosfera con l'aiuto delle parole, allora nella musica il contenuto viene rivelato attraverso suoni, note.
Dmitry Eremenko apre il nostro programma, eseguirà due opere diverse, dopo averle ascoltate, determina il carattere, l'umore, trova un nome per l'immagine musicale.
Suona "Etude" e "Sonatina" (Eremenko Dmitry)
Nel repertorio dei nostri musicisti ci sono opere che differiscono per stile e direzione. Ricordiamo quali tendenze musicali si trovano nella musica e nella letteratura, cosa distingue le opere classiche da quelle moderne. (Stile barocco, classico, romantico, impressionismo).
Suoni "Etude" e "Samba" (Deinega Polina)
Le opere musicali, come le opere letterarie, hanno il loro genere. In letteratura, questa è una storia, una storia, una poesia, un'epopea, una storia, un romanzo, una favola. I generi musicali includono: opera, balletto, concerto per alcuni strumenti, operetta, opere musicali e sinfoniche.
Ogni genere è diviso in determinati tipi: vocale, dance, strumentale.
Suona "Waltz" eseguito da Vasina Elizaveta. Questo è un pezzo strumentale che ha le caratteristiche di una danza del valzer. Dai un nome alle caratteristiche di questa danza. (Dimensioni di tre quarti, carattere aggraziato, si riferiscono al ballo da sala).
Molti compositori, prima di scrivere un'opera, si rivolgono a una fonte letteraria. Ricordiamo quali fiabe hai letto, qual è il tuo eroe delle fiabe preferito.
I bambini elencano opere e autori.
Insegnante. Ora i giovani musicisti ci elencheranno le opere scritte sulle fiabe.
I bambini elencano brani musicali.
Insegnante. Ti suggerisco di giocare a un videogioco: identifica l'eroe dal costume.
(Visualizza file video)
Ragazzi, conoscete bene gli eroi letterari e musicali, sapete che per mettere in scena uno spettacolo musicale servono musica e un'immagine letteraria, una trama. Per vedere lo spettacolo, suggerisco di andare al teatro musicale. Di cosa è fatto il teatro?
Bambini. Il teatro è costituito da un palcoscenico, una platea, un palco, balconi, un sipario, apparecchi di illuminazione, una buca dell'orchestra, prese, grate, ecc.
Quale performance musicale abbiamo visto?
Bambini. Abbiamo visto Cenerentola, Lo Schiaccianoci, Romeo e Giulietta.
Insegnante. Qual è il nome dello spettacolo in cui gli attori non dicono nulla, ballano e usano solo gesti.
Bambini. Una tale esibizione si chiama balletto (dalla parola ballo - "ballare").
Insegnante. Elenca le parti del balletto.
Bambini. Pas de deux, padet - trois, divertissement, scena finale - l'apoteosi.
Oggi, al nostro incontro, verranno eseguite opere di vari generi musicali, uno dei quali è il balletto. Il balletto ha una trama favolosa. Questa è La bella addormentata di P. I. Tchaikovsky. Questo compositore sarà presentato da Dmitry Eremenko
Alunno. Racconta la biografia del compositore, mostra una presentazione
Visualizzazione di una presentazione.
Insegnante. Il contenuto della musica di Ciajkovskij copre le immagini della vita e della morte, dell'amore, della natura, dell'infanzia, della vita circostante, rivela in un modo nuovo le opere della letteratura russa e mondiale: A. S. Pushkin e N. V. Gogol, W. Shakespeare e Dante. Elenchiamo questi lavori.
Bambini. Opera "Eugene Onegin", "Queen of Spades", ouverture - fantasia "Romeo e Giulietta", "Amleto". I balletti "Il lago dei cigni", "Lo schiaccianoci", "La bella addormentata" sono stati scritti sulle fiabe.
Insegnante. E chi ha scritto la fiaba?
Bambini. Scrittore francese Ch. Perro.
Insegnante. Ricordiamo il contenuto del racconto, i personaggi principali.
Alunno. Racconta il contenuto della storia.
Insegnante. Come finisce il balletto? (vittoria del bene sul male, vita sulla morte)
Insegnante. Ti suggerisco di guardare un estratto dal balletto "La bella addormentata"
Insegnante. E ora, per passare al prossimo lavoro, propongo di fare un gioco. I bambini sono divisi in due gruppi, si fanno domande a turno, vince chi dà le risposte più corrette.
Le domande sono suggerimenti.
Da quale personaggio prende il nome l'opera di Rimsky-Korsakov? (Sadko)
Qual era il nome della principessa del mare? (Volchova)
Quale epopea ha costituito la base della trama dell'opera "Sadko"
Chi era il padre di Volchov? (re del mare)
Lo strumento suonato da Sadko? (gusli)
In cosa si trasforma uno stormo di cigni? (Nelle belle ragazze)
Sulla riva di quale lago Sadko ha cantato la sua canzone? (Lago Ilmen)
Insegnante. Ragazzi, ricordate bene gli eroi dell'epopea. E cosa sai del compositore Rimsky-Korsakov e dell'opera, ricordiamo i suoi componenti.
Alunno. Racconta la biografia di Rimsky-Korsakov.
Bambini. I componenti dell'opera rispondono. Opera (in latino opus) significa azione, lavoro, composizione. Si riferisce al genere vocale, comprende 4 atti.
Ha un'ouverture, un'introduzione, un epilogo, un'aria, un'arietta, un ariose, un divertissement, ecc.
Insegnante. Chi ci dirà il contenuto di questa epopea?
Bambini. Leggi estratti dal lavoro.
Insegnante. Ascoltiamo un estratto dall'opera Sadko.
Insegnante. Nelle lezioni di letteratura, memorizzi estratti di opere. Ora Eremenko Dmitry eseguirà un estratto per noi e tu determinerai l'autore e nominerai l'opera.
Alunno. Legge un estratto dalla fiaba di Pushkin "The Tale of Tsar Saltan" (Eremenko D) I bambini determinano un'opera letteraria e musicale.
Insegnante. Abbiamo già detto che il compositore compone la musica, lo scrittore scrive il libretto e l'orchestra sinfonica esegue la musica.
Avremo un po' di concorrenza. Per ciascuna delle lettere proposte è necessario comporre il nome degli strumenti, scegliere tra loro gli strumenti dell'orchestra sinfonica e folk.
È in corso il gioco "Crea un'orchestra".
Insegnante. I ragazzi vorrebbero che nominassi un altro compositore russo, nel cui lavoro ci sono molti romanzi scritti sui versi di A. S. Pushkin "Ricordo un momento meraviglioso", "Marshmallow notturno", "Il fuoco del desiderio brucia nel sangue" , “Sono qui, Inezilla"; E. Baratynsky "Non tentare"; N. Kukolnik "The Lark", "Following", "Doubt"; Zhukovsky "Recensione notturna". Nell'opera di questo compositore c'è anche un'opera scritta sulla base del poema di Pushkin. Nominalo e i principali personaggi recitanti, a quale genere appartiene.
Bambini. Questa è l'opera "Ruslan e Lyudmila", un genere favoloso.
Insegnante. Voglio portare alla tua attenzione un quiz musicale. Estratti di opere musicali suoneranno sullo schermo e dovrai determinare il nome e il compositore dell'opera e determinare il frammento dell'opera Ruslan e Lyudmila.
I temi vengono ascoltati in registrazioni video e audio.
Nella nostra conversazione abbiamo parlato di opera e balletto. Vorrei presentarvi opere sinfoniche, ma non grandi sinfonie, ma piccole miniature, quadri musicali. Perché esattamente per l'orchestra, perché ci sono molti strumenti nell'orchestra, quindi è più facile disegnare un'immagine. In musica, una piccola opera si chiama miniatura. Il prefisso "mini" significa "piccolo". Nella musica russa, il maestro di tali miniature sinfoniche era Anatoly Konstantinovich Lyadov. (1855 - 1914).
I dipinti sinfonici sono chiamati "Kikimora", "Magic Lake", "Baba Yaga".
Nel musical "quadro da favola" A.K. Lyadov ha raffigurato non solo il "ritratto" di Kikimora, ma anche il suo carattere malizioso. "Kikimora (shishimora, maara) - uno spirito malvagio, un bambino - una femmina invisibile, che vive in una casa dietro la stufa e fa filatura e tessitura." Il personaggio di Kikimora è meravigliosamente rappresentato nella fiaba di A. N. Tolstoy .. L'opera musicale "Kikimora" è preceduta da un tale programma, preso sotto forma di un estratto dalla raccolta di I. Sakharov "Racconti del popolo russo" .
Alunno. Legge una descrizione di Kikimora.
Insegnante. Ascoltiamo il pezzo.
Ascoltando l'opera "Kikimora"
Insegnante. Ti consiglio di fare un gioco di prova.
Test condotto - gioco.
Conclusione
Al nostro incontro, avete imparato tutti molte cose nuove, scoperto compositori e poeti di cui potreste aver sentito parlare prima, ma non sapevate molto bene come il loro lavoro sia interconnesso. Ora, quando leggi o ascolti opere, presterai attenzione alla fonte letteraria e ricorderai il compositore che ha scritto l'opera o il balletto su questa trama.