L’industria cinematografica russa ha un disperato bisogno di un suono nuovo. È la musica che pone accenti importanti nel film, aggiunge nuovi significati e aiuta il regista a ottenere l'effetto emotivo necessario. Nuovo programma“Composer in Cinema”, che non ha analoghi in Russia, è stato lanciato alla Scuola di cinema di Mosca da ottobre e apre orizzonti illimitati ai giovani appassionati di musica.
Chi è un compositore cinematografico?
Un compositore cinematografico è un musicista, un narratore e un'orchestra individuale. Lavorare nel cinema richiede altri talenti da parte del compositore, perché è anche un creatore e co-regista a tutti gli effetti del film.
Un compositore cinematografico è una persona versatile che padroneggia magistralmente stili e forme, che vanno dalla musica accademica alla musica elettronica moderna. Deve essere in grado di creare non solo temi luminosi, ma anche essere in grado di operare liberamente con gli stili, scegliere accuratamente il suono musicale e sentire sottilmente il ritmo della narrazione visiva.
Nonostante il fatto che il compositore cinematografico sia una specializzazione ristretta, in Russia c'è una crescente domanda di persone in questa professione da parte delle società di media. Secondo Yuri Poteenko, l'autore della musica per film come " Isola abitata", "Night Watch", "Spy", la professione di compositore nell'industria cinematografica è uno dei campi professionali più ricercati e in più rapida crescita.
Quali competenze dovrebbe avere una persona che scrive musica per film?
Yuri Poteenko osserva che il compositore deve avere un'ottima conoscenza degli stili, dei generi e delle forme musicali, nonché delle caratteristiche del dramma cinematografico moderno. Un compositore cinematografico deve essere esperto nell'orchestrazione moderna, sia nel campo della musica dal vivo che in formato elettronico.
È richiesto da un compositore che intraprende progetti grandi e seri grande conoscenza nel campo della musica accademica, una formazione seria, che richiede padronanza dell'orchestrazione e della strumentazione. Ma oltre a questo, è necessario capire cos'è la drammaturgia e quali sono i generi, quali modelli li caratterizzano.
Un compositore che lavora per il cinema deve avere molto grande quantità conoscenze e competenze di un compositore che non scrive per il cinema. Una persona che scrive per il cinema deve padroneggiare l'abilità della stilizzazione del genere canzone folk alla sinfonia, dal jazz al rock, deve comprendere le innovazioni tecniche e tecnologiche.
— Alexey Shelygin (compositore dei film “Shadowboxing”, “Brigada”, “Penal Battalion”)
Allo stesso tempo, è importante avere un dono creativo, perché il compositore genera nuovi pensieri e idee e quindi deve essere in grado di realizzare i suoi piani. Un compositore che ha messo radici nel settore trova il suo posto e lavora in molti generi, o in uno solo: scrive le canzoni finali e i temi principali, si occupa del design principale dell'immagine o fa entrambe le cose contemporaneamente.
"La cosa più difficile nel lavorare con un compositore è che devi affidare alla persona un ampio strato di lavoro",- dice il produttore, direttore del dipartimento di produzione televisiva e cinematografica di The Walt Compagnia Disney Vladimir Vereshchagin. — “Ciò significa che questa persona deve essere assolutamente responsabile e pronta per molto tempo processo produttivo. A volte tutto avviene velocemente, ma a volte tutto nasce da una lunga e dolorosa selezione. Non tutti sono pronti per questo."
È necessario studiare per scrivere musica per film?
L'emergere di tecnologie innovative per la produzione di contenuti video e audio sfida il compositore con nuovi modi di creare, modificare e registrare musica, e questo deve essere appreso.
Un compositore deve essere in grado di lavorare non solo con programmi musicali e biblioteche, ma anche con la sceneggiatura di un film, una serie o un programma televisivo. Sviluppare concetto musicale progetto, adattare la musica agli obiettivi creativi e integrare le tue idee in un lavoro audiovisivo non è un compito facile che solo un musicista istruito può affrontare.
Allo stesso tempo, il musicista deve conoscere la storia del cinema e le peculiarità del linguaggio cinematografico. Studiare soluzioni musicali, caratteristiche del genere film, gli approcci alla drammaturgia sono importanti quanto la capacità di lavorare con editori musicali e attrezzature moderne.
Dove insegnano la professione di “Compositore cinematografico”?
Il primo luogo in Russia a prendere sul serio la questione della formazione dei compositori cinematografici è stata la Scuola di cinema di Mosca, che nel 2017 celebra il suo quinto anniversario. Il programma preparato alla Scuola di cinema di Mosca non ha analoghi, come altri professionisti istituti scolastici questo non lo insegnano.
L'obiettivo principale del programma di formazione è aiutare gli studenti a trovare il loro posto nella vita professionale e ad impegnarsi con successo in attività musicali pratiche, per essere richiesti come compositore, orchestratore e arrangiatore. Lo studente immediatamente, durante il processo di apprendimento, forma un portfolio di opere di diversi generi e formati, partendo dalla conoscenza dell'idea di un lavoro futuro fino alla creazione di una colonna sonora sotto forma di tesi (musica per un film, un film d'animazione, una pubblicità, una serie TV, un programma di documentari).
Come sta andando la formazione?
Il primo semestre è dedicato alla teoria e all'armonia della musica, allo sviluppo di una comprensione generale della professione del compositore e alle specificità del lavoro in diversi formati e generi. Inoltre, gli studenti seguono un corso sulla storia del cinema, studiandone lo sviluppo, i vari stili e movimenti, i film e i personaggi più importanti e ricevono strumenti di analisi dei film.
Il blocco pratico prevede il lavoro in Cubase, utilizzando una libreria musicale e un editor di spartiti. Gli studenti seguono un corso di arrangiamento e editing musicale e studiano l'orchestrazione moderna. Pratica, pratica e ancora pratica: tutto qui caratteristica principale programma "Compositore nel cinema".
La scuola fornisce l'accesso a una base di risorse molto ampia: la propria attrezzatura - questo è molto importante, perché gli studenti praticano la teoria proprio lì, in pratica, in un'aula dotata di apparecchiature audio standard del settore e di tutti i programmi necessari. I partner della scuola sono produttori leader di apparecchiature e software, questi sono il meglio del meglio: Roland, Sennheiser, Yamaha, Appolomusic e molti altri. Oltre ai progetti congiunti in corso con studenti di altri programmi, gli studenti compositori, ovviamente, lavoreranno sulla musica per progetti reali: sono vicino a questo approccio industriale all'educazione, che viene praticato alla Scuola di cinema di Mosca.
Chi insegna alla Scuola di cinema di Mosca?
YURIY POTEENKO. Ha scritto musica per più di 70 film. Compreso " La Guardia notturna», « Giorno di guardia", "Leningrado", "Isola abitata", "Ironia del destino. Continuazione", "Poddubny". Oltre a quelle russe, ha lavorato con le compagnie cinematografiche UNIVERSAL, DISNEY e WARNER BROTHERS.
Alexey Shelygin. Ha scritto musica per più di 140 film e serie TV. Tra i più opere famose film "The Sky in Diamonds", "Sky, Plane, Girl", "Shadowboxing 1,2" e la serie TV "Brigade", "Penal Battalion", "Capercaillie" e altri. Laureato Premio Nazionale critici cinematografici e stampa cinematografica “Golden Aries”, premi “Nika”.
DMITRI SELIPANOV. Autore di musiche per più di 15 anni artistici e documentari. Vincitore del TEFI 2015 (nomination “Progetto documentario” per il film “Brodsky non è un poeta”). Membro dei compositori della casa di produzione "RedCola" ( Los Angeles, USA), creando musica per i trailer dei film di Hollywood.
IVAN URYUPIN. Compositore, direttore d'orchestra. Collabora con compagnie cinematografiche: Bazelevs, Central Partnership, Starmedia e altri. Ha scritto musica per il primo russo lungometraggio in formato 3D "Belka e Strelka". Autore di lavori interdisciplinari ricerca scientifica e pubblicazioni internazionali sul tema degli effetti della musica sui processi cerebrali.
Come arrivare alla Scuola di Cinema di Mosca?
Per frequentare il corso Film Composer è necessario presentare domanda e superare un colloquio.
Un prerequisito per l'ammissione al programma è la conoscenza della notazione musicale, le basi della teoria musicale e la competenza nel suonare strumenti musicali. Disponibilità di un documento di completamento scuola di Musica e un portfolio non è un requisito obbligatorio, ma può essere un vantaggio in un colloquio.
Parte della prova d'ingresso sarà un test orecchio musicale e senso del ritmo. Inoltre in sede di colloquio ti verrà chiesto di comprendere la corrispondenza tra la componente audio e quella visiva dell'opera.
Avere un portfolio delle tue prime esperienze di registrazione audio o di progetti già completati in qualsiasi area dell'audio non è un prerequisito per l'ammissione, ma può essere un ulteriore vantaggio.
5. Analizzare brani musicali.
Vorrei menzionare un'altra risorsa che mi piace molto. Questo è il forum rmm, e in particolare la sezione " Musica orchestrale" In questo argomento, l'autore fornisce una selezione opere classiche, con cui dovresti assolutamente familiarizzare (i punteggi sono disposti secondo il principio “dal semplice al complesso”). Qui vengono forniti anche consigli su come studiare.
Per quelle persone che non possiedono notazione musicale, consiglierei di caricare le composizioni MIDI nel sequenziatore e, contemporaneamente alla registrazione audio, di studiarle in un rotolo da ubriaco. Ecco alcuni siti dove è possibile scaricare opere classiche (e non solo): www.kunstderfuge.com, www.midi-karaoke.info, www.midi.ru.
anche in scopi educativi puoi utilizzare il programma Band-in-a-Box, che contiene " materiale da costruzione» per diversi generi musicali. Permette di vedere da quali mattoni è costruito il “tessuto” musicale in un dato caso.
6. Non aver paura di imitare.
Qui non intendo plagio diretto, ma solo trasferimento indiretto di tecniche. Se analizziamo la musica dei classici, per quanto brillante e originale possa sembrarci il talento di questo o quel genio, sono tutti in primo periodo la loro creatività ha copiato i loro predecessori. E solo quando furono gettate basi decenti iniziò la formazione della sua visione, della sua calligrafia e del suo stile.
Vorrei soffermarmi più in dettaglio su un punto come l'adozione dell'esperienza di prodotti di gioco di successo, oltre a sottolineare l'importanza dei riferimenti.
Quando inizio a lavorare con un cliente, la prima cosa che faccio è chiedergli di esprimere i suoi desideri in termini di stile, di fornire esempi di composizioni musicali che, secondo lui, si adatterebbero bene al progetto. Di solito ricevo risposte molto vaghe o qualcosa del tipo "ci fidiamo completamente dei tuoi gusti". Poi io stesso comincio a porre domande importanti, a portare musica da giochi, film, classici, ecc. Durante la discussione, di regola, diventa chiara la direzione in cui muoversi. Se hai solo screenshot come ispirazione, puoi chiedere allo sviluppatore informazioni sui prototipi del suo prodotto. Se il gioco futuro non è particolarmente originale, dopo aver giocato ai prototipi, molto probabilmente saprai cosa ci si aspetta da te. Non resta che portare la tua “visione creativa” in modo che il gioco futuro in termini di musica sia ancora migliore e più interessante.
Se non lo fai, potrebbe accadere che il tuo lavoro futuro sarà come “vagare nel buio”. I tuoi schizzi verranno rifiutati “immeritatamente” e non sapranno nemmeno spiegarti veramente il motivo. E dato che il tempo necessario per creare una colonna sonora può essere molto limitato, alla fine le incomprensioni e la tensione possono avere un effetto indesiderato sulla musica stessa.
Succede anche il contrario, quando lo sviluppatore stesso fornisce un riferimento e chiede di fare qualcosa di simile. Ad esempio, una squadra si è rivolta a me con la richiesta di comporre musica simile al tema di Harry Potter, ma, ovviamente, in modo tale che non fosse plagio, ma creasse solo l'atmosfera giusta. Dopo aver ascoltato e analizzato la melodia, ne ho identificati alcuni caratteristiche distintive in armonia e strumentazione, e utilizzando le stesse tecniche con cui ho composto il mio.
Di conseguenza, il cliente è rimasto soddisfatto. E non ci ho messo molto a farlo ricerca creativa. Questo approccio rende il compito del musicista molto più semplice, poiché entrambe le parti sanno esattamente cosa vogliono.
7. Se non suoni nessuno strumento musicale, impara.
Per qualche ragione, molte persone credono che padroneggiare uno strumento sia possibile solo attraverso prima infanzia. Naturalmente, questa è un'affermazione vera se stiamo parlando sulla formazione di un artista professionista. Ma nella storia della composizione ci sono esempi che dimostrano che per un compositore non è mai troppo tardi.
Leggi la biografia di Aram Khachaturian. Dissero che all'età di 19 anni, dopo essersi trasferito a Mosca, vide un violoncello in un angolo e disse che voleva imparare a suonare "questo grande violino" Nonostante la mancanza di una formazione di base, ma con buon udito e grande desiderio, Khachaturian fu accettato a Gnesinka.
Sento spesso: "Perché ne ho bisogno, posso disegnarlo perfettamente con una matita o suonare una parte con un dito nel sequenziatore!" Potrebbe essere così, ma se sai suonare, scriverai una frase musicale molto più velocemente e sarà molto più naturale. Non sto nemmeno parlando dell'arte dell'improvvisazione. Bach, Mozart, Liszt, Chopin, Rachmaninov e altri: erano tutti interpreti eccezionali. Temo che se non padroneggiassero la tecnica esecutiva, la loro creatività sarebbe molto più scarsa.
8. Impara le basi dell'ingegneria del suono.
Materiali didattici, ci sono più che sufficienti articoli sul mixaggio e il mastering su Internet. Chatta con le persone, "curiosia" le loro ricette, sperimenta con il suono. Dopotutto, alla fine, l'intero processo di creazione della musica ricade sulle tue spalle. Dovrai combinare le posizioni di compositore, interprete e tecnico del suono. E il lavoro di ingegneria del suono non occuperà affatto l'ultimo posto.
Infine, ricorda: la sola teoria, non supportata dalla pratica, non ti darà alcun risultato.
III. Ripresa
(o tornare al punto di partenza)Quindi, poiché non sei limitato da alcun intervallo di tempo, prova a rendere le tue tracce demo il più vicino possibile all'ideale e mirate al tuo pubblico. In primo luogo, se le tracce si rivelano interessanti, attireranno l'attenzione dei tuoi primi clienti sul tuo lavoro. In secondo luogo, tutti i demo che ho scritto prima o poi hanno trovato il proprio progetto.
Prova ad aggiornare di tanto in tanto la pagina con nuovi lavori, anche se ti sembra che ci siano abbastanza tracce, non aver paura di aumentarne il numero. Il cliente cerca ogni volta qualcosa di nuovo. E quando visiterà di nuovo la tua pagina dopo un po' di tempo e troverà la stessa coppia di pubblicazioni, la chiuderà immediatamente.
Naturalmente, la portata di un articolo non ci consente di svelare tutti i problemi, ma penso che tutto quanto scritto sopra ti darà uno slancio o almeno ti farà riflettere.
IV. Codice
Coloro che hanno provato a scrivere musica sanno quanto sia duro il lavoro. Sì, a volte è la musica stessa a venire al compositore, ma poi, di regola, ci vogliono ore per perfezionare l'idea lavoro scrupoloso. Quindi l’espressione “il genio è il 99% del lavoro e solo l’1% del talento” è molto rilevante nella musica.
Infine, la cosa più importante: devi credere in te stesso e, se ami davvero quello che fai, allora avrai senza dubbio successo!
PS
Lo studio Martamusic è aperto alla collaborazione!
Se il tuo progetto necessita di musica o sound design, inviami un'e-mail a: [e-mail protetta]
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“L’unica cosa che cerco di fare quando compongo musica è far sì che esprima direttamente e semplicemente ciò che ho nel cuore” S.V. Rachmaninov La professione è adatta a chi è interessato al canto, alla musica e alla cultura artistica mondiale (vedi scelta della professione in base all'interesse per le materie scolastiche).
Compositore(compositore latino “compilatore”) - autore opere musicali; una persona che crea (compone) musica. Il compositore è lo stesso musicista, differisce dall'esecutore solo per il fatto che scrive musica, mentre il secondo la esegue. La professione di compositore è simile alle professioni di scrittore, drammaturgo e regista. Il compositore propone anche immagini, che poi sviluppa e completa, inventa e racconta storie. L'unica differenza sta nei mezzi.
Il termine "compositore" si diffuse in Italia nel XVI secolo e da allora riflette la tradizione scritta professionale nata nella pratica della cultura musicale dell'Europa occidentale. I compositori più grandi e riconosciuti di tutti i tempi sono Ludwig van Beethoven (1770 - 1827), Johann Sebastian Bach (1685 - 1750), Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791), Richard Wagner (1813 - 1883), Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893) , Giuseppe Verde (1813 - 1901), Igor Fedorovich Stravinsky (1882 - 1971), Johann Strauss (1825 - 1899), Sergei Vasilyevich Rachmaninov (1873 - 1943), Franz Peter Schubert (1797 - 1828).
La professione di compositore, come altre professioni nel campo dell'arte, è complessa e responsabile, e allo stesso tempo creativa e interessante. Il compositore deve conoscere bene non solo la teoria della sua opera, ma anche essere un ottimo praticante. Un compositore di solito compone musica su ordinazione, ad esempio per film, opere teatrali, nonché musica per cantanti pop. Spesso, i creatori di musica eseguono personalmente le loro canzoni, sono anche arrangiatori delle loro opere e arrangiano le loro creazioni per strumenti diversi. I compositori creano un'ampia varietà di opere, dall'opera a canzoni popolari. Un compositore professionista può scrivere sia musica per voce che opere strumentali. Di solito il compositore compone non solo il motivo principale creazione musicale, ma anche le sue altre parti: introduzione, conclusione, ecc.
Prima di tutto, il compositore deve esserlo persona talentuosa in grado di esprimere i propri sentimenti, emozioni, esperienze in musica. Ma deve anche conoscere le basi della teoria musicale, dell'armonia, della polifonia e, soprattutto, forme musicali. Il compositore deve essere in grado di suonarne almeno uno strumento musicale, preferibilmente al pianoforte, un modo di suonare che sviluppa l'udito strutturato. Le nuove opere musicali vengono solitamente inventate mentre si suona uno strumento musicale. Il compositore deve capire stili musicali e direzioni, padroneggiare la storia delle opere musicali e comprendere l'arte contemporanea.
Competenze e conoscenze professionali richieste
- capacità di comporre musica
- conoscenza dell'armonia, della polifonia, della strumentazione, dell'analisi della forma
- conoscenza della storia, delle tradizioni arte musicale e direzioni, stili, generi e forme di opere musicali
- conoscenza musica moderna e arte contemporanea
Qualità personali
- talento musicale, talento
- prestazione
- padronanza di uno strumento musicale
- orecchio per la musica
Luogo di lavoro e carriera
Posto opere del compositore forse è come arredamento, così come uno studio o un conservatorio. L'autore può scrivere appunti sia su carta che su computer. A vendita di successo della sua opera, il compositore riceve una percentuale su ogni esecuzione pubblica della sua musica. Ma nella maggior parte dei casi passano molti anni prima che un giovane compositore possa guadagnare un sacco di soldi. Per fare questo, devi farti un nome, stabilire i contatti necessari, confermare il tuo talento e acquisire clienti abituali.
I giovani autori devono partecipare a vari concorsi per compositori. Ad esempio, nel Concorrenza internazionale giovani compositori "Inno a Lomonosov", che si tiene presso la Facoltà di Lettere dell'Università Statale di Mosca o nel Concorso Internazionale di Giovani Compositori intitolato a P. I. Tchaikovsky al Conservatorio di Mosca. PI Čajkovskij. Tali concorsi consentono di attirare l'attenzione di potenziali clienti, nonché di acquisire esperienza e competenze.
Stipendio
Stipendio al 04/04/2019
Russia 19751—80000 ₽
Mosca 80000—90000 ₽
Contro della professione
- piccolo stipendio del compositore in assenza di riconoscimento (mancanza di ordini)
- necessario nella maggior parte dei casi fonti alternative esistenza, per lo più vicina al mestiere principale della professione: insegnante di musica, direttore d'orchestra, interprete, editore, ecc.
Pro della professione
- possibilità di realizzazione creativa
- lo stipendio del compositore è piuttosto elevato se c'è un costante interesse per il lavoro da parte di musicisti e clienti (il che garantisce la presenza di ordini regolari)
Formazione scolastica
La presenza di un'educazione speciale è considerata obbligatoria per la professione di compositore, così come per altri tipi di attività creativa. Tuttavia, si possono citare molti esempi di compositori brillanti e molto eruditi che non hanno ricevuto un'educazione sistematica: I.F. Stravinsky (1882 - 1971), M.I. Glinka (1804 - 1857), Richard Wagner (1813 - 1883), Hector Berlioz (1803 - 1869), Carlo Ives(1874 - 1954), George Gershwin (1898 - 1937) e altri.
Attualmente un gran numero di le persone che si definiscono anche compositori non hanno un'educazione speciale e, in alcuni casi, nemmeno talento compositivo, ma hanno conoscenze di vario genere programmi per computer e riempiono con le loro composizioni il vasto mercato delle opere musicali, il cosiddetto “pop” - radio, cinema, televisione.
Tuttavia, la maggioranza è ancora del parere che l’educazione speciale sia necessaria. Fornisce le conoscenze necessarie e insegna un atteggiamento professionale nei confronti della sana organizzazione del tempo. Per molti musicisti l'istruzione continua per tutta la vita, e non solo in istituzioni speciali, come ad esempio il Conservatorio di Mosca. PI Čajkovskij, ma anche la presenza di un insegnante o l'autoeducazione. Con un insegnante personale, oltre allo studio dettagliato delle cose necessarie, puoi discuterne esperienza personale o semplicemente avere una conversazione “cuore a cuore”, che è necessaria per tutti personalità creativa alla ricerca di sé e alla realizzazione di sé.
Anton Vereshchagin
direttore artistico OPEN Alliance Media studio, regista e supervisore di produzione
Prendo la musica il più seriamente possibile. Naturalmente, non si può parlare di librerie già pronte. Quando frequentavo l'Università di Cinema e Televisione, il mio master mi ha insegnato che nell'animazione la musica rappresenta il sessanta per cento del successo. E ne sono stato convinto più di una volta. Spesso la musica si sviluppa parallelamente all'animazione, rivelando ulteriormente i personaggi e le azioni all'interno della scena.
"Jingliks" contiene musica completamente originale, scritta dai compositori più talentuosi che hanno studiato non solo in Russia, ma anche all'estero (i primi due episodi sono stati scritti da Volodya Podgoretsky, dal terzo episodio la musica è stata scritta da James Maxwell Norwood) . Ci stiamo lavorando temi musicali per ogni personaggio, temi musicali per luoghi, per momento della giornata e stagione. La musica all'interno della serie scorre quasi ininterrottamente. Anche se il silenzio è anche musica.
Consento l'uso di composizioni già pronte nelle scene di clip. Ad esempio, nella nostra serie di Capodanno abbiamo utilizzato una composizione già pronta. Questa è la canzone “Peace” (spagnolo di K. Butusova, musica/testi di I. Angazorov, arrangiamento di O. Volyando), è stata scritta per spettacolo sul ghiaccio"Jingliki" e si adatta perfettamente lieto fine serie e passaggio ai titoli di coda.
Ci sono solo pochi compositori di talento. Il settore è ristretto. Pertanto, ho semplicemente incontrato alcuni dei migliori compositori il cui lavoro ho trovato più interessante e ho parlato, parlato, parlato. Per me è importante che una persona sia sulla mia stessa lunghezza d'onda e mi capisca senza parole. Ho avuto la fortuna di trovare proprio queste persone, perché senza questo contatto è produttivo collaborazione impossibile.
Decine di dipendenti remoti stanno lavorando su “Jingles” specialità diverse da paesi diversi. Il lavoro a distanza è una realtà che non può essere evitata, che ti piaccia o no. In caso contrario, vista la carenza di personale, non sarà possibile far fronte ai compiti assegnati. Sceglierò sempre un dipendente remoto di talento e di alta qualità rispetto a un dipendente interno mediocre. Bene tecnologie moderne consentono di organizzare efficacemente il lavoro da remoto senza compromettere la produzione.
Anna Piastra
I monolocali sono gratuiti biblioteche musicali per i loro progetti o assumere compositori e scrivere musica originale?
Persone provenienti da 10 città possono ora lavorare da remoto sulla musica per il cartone animato. Come si sentono gli studi metropolitani riguardo a tale cooperazione?
Gli studi utilizzano librerie musicali gratuite per i loro progetti o assumono compositori e scrivono musica originale?
Persone provenienti da 10 città possono ora lavorare da remoto sulla musica per il cartone animato. Come si sentono gli studi metropolitani riguardo a tale cooperazione?
Anna Piastra
Manager delle Risorse Umane studio di animazione"Locomotiva"
Gli studi utilizzano librerie musicali gratuite per i loro progetti o assumono compositori e scrivono musica originale?
Lavoriamo solo con compositori. Non utilizziamo librerie musicali. Non posso giudicare gli altri studi, ma per quanto ne so, spesso scrivono musica originale per l'animazione (a differenza delle serie di film russi, dove possono utilizzare la musica dalle librerie acquistate).
Molto spesso collaboriamo con compositori che già conosciamo. Se dobbiamo attirare una nuova persona, ad esempio per un nuovo progetto, e i nostri compositori sono occupati, seguiamo i consigli o consideriamo le richieste che ci arrivano via e-mail. Il regista o il direttore creativo dà l'incarico al nuovo compositore e, in base ai risultati, si decide se la musica è adatta o meno. Quindi non esiste concorrenza in quanto tale e non pubblichiamo posti vacanti da nessuna parte.
Persone provenienti da 10 città possono ora lavorare da remoto sulla musica per il cartone animato. Come si sentono gli studi metropolitani riguardo a tale cooperazione?
Non posso dire come vanno le cose negli altri studi. A Parovoz, lavorare a distanza con i compositori è una pratica comune. I compositori e gli ingegneri del suono, invece, sono locali: gli ingegneri del suono lavorano direttamente in studio (ce ne sono in totale in questo momento due), e i compositori, come ho già accennato, a distanza.
Gli studi utilizzano librerie musicali gratuite per i loro progetti o assumono compositori e scrivono musica originale?
Selezione arrangiamento musicale i progetti oggi si svolgono in modo diverso. Sinceramente, dirò onestamente che dipende principalmente dal budget. Tutto è individuale. Oggi in Russia la tendenza sta cambiando in meglio e i compositori vengono assunti abbastanza spesso. Produttori e registi comprendono il valore della musica e il suo enorme impatto sulla qualità della produzione. Questa tendenza mi rende molto felice.
Naturalmente non possiamo fare a meno dell'utilizzo delle biblioteche. Si tratta principalmente di produzioni straniere, perché, in primo luogo, biblioteche straniere selezione enorme musica. In secondo luogo, poiché i meccanismi di vendita della musica sono ben consolidati e i prezzi e i tipi di licenze sono trasparenti e comprensibili, le persone ne sono attratte. grande quantità compositori di talento provenienti da tutto il mondo, inclusa la Russia. Di conseguenza, c'è molto da scegliere e creare qualità.
In Russia la situazione è leggermente diversa. Sono poche le biblioteche che stanno muovendo i primi passi in questa difficile impresa. Qui devi capire una cosa importante: le librerie riducono notevolmente il prezzo per traccia (album, licenza annuale). Pertanto, sono attratti da un contingente completamente diverso: aspiranti compositori che vogliono in qualche modo entrare in questo mondo. Di conseguenza, la qualità ne risente. Penso che questo sia sbagliato. Devi pagare per la musica. I produttori devono capirlo. Quando la musica è di alta qualità (qui puoi scrivere un intero tesi di dottorato sul tema “cos’è la musica di qualità”), il progetto non potrà che trarne beneficio. Per essere precisi, ad esempio, è ancora praticamente impossibile creare un'orchestra dal suono eccezionale su un computer. Perché quando giocano persone reali, il risultato è un'energia completamente diversa.
La situazione qui è abbastanza semplice, secondo me. E tutti sanno di lei. Per lo più ciò avviene attraverso la conoscenza. Ecco perché è così difficile entrare in questo mondo.
Il primo consiglio per gli aspiranti compositori è parlare con le persone. Fare molto musica diversa, imparare, sviluppare. In generale, ho da tempo l'idea di cambiare questa situazione. Ciò è piuttosto difficile (alcuni direbbero impossibile), poiché lavorare “secondo i conoscenti” è una caratteristica della mentalità russa. E ancora. Mi sembra che un posto del genere debba essere creato, potrebbe essere semplicemente una comunità dove, sotto un nome, o magari sotto la guida di una persona, si riuniranno i migliori professionisti in quell'altra area della musica. Intendo i generi. Poiché la professione di compositore cinematografico implica semplicemente un'enorme quantità di conoscenze, mi sembra che sarebbe razionale unire persone che possono fare questo o quel lavoro.
Ad esempio, devi scrivere musica usando strumenti etnici. Ma per fare questo, devi prima studiarli. Di norma, non c'è assolutamente tempo per questo. E ci sono ragazzi meravigliosi e talentuosi che lo capiscono. Sarebbe razionale affidare loro questa parte del lavoro. In generale, sono per l’unità in una forma o nell’altra.
Persone provenienti da 10 città possono ora lavorare da remoto sulla musica per il cartone animato. Come si sentono gli studi metropolitani riguardo a tale cooperazione?
Naturalmente, un vantaggio importante del lavoro a distanza è la riduzione dei tempi di produzione. Dopotutto, creare musica nel cinema è la penultima fase nella formazione di qualsiasi opera audiovisiva (l'ultimo è il missaggio). Di norma, non c'è più tempo. È difficile per una persona sopravvivere in un regime continuo di scadenze urgenti.
Ma mi sembra che la collaborazione remota sia utile solo quando si tratta di questioni tecniche, no lavoro creativo. Tuttavia, in ogni progetto deve esserci una persona che comunichi sia con il regista che con il produttore. È la cosa più importante. Questo è l'unico modo per capire cosa è esattamente richiesto.