Il dramma appare in classico Periodo greco antico L-ry. È preceduto dal lungo predominio dell’epica (vedi “Poetica” di Aristotele per il confronto tra epica e dramma), e poi dalla poesia lirica. Nascita del greco il dramma e il teatro sono associati a giochi rituali in onore degli dei protettori dell'agricoltura: Demetra, sua figlia (la città di Eleusi - il luogo di nascita del dramma cultuale in onore di Demetra - Misteri Eleusini- sacramenti in cui erano ammessi solo gli iniziati), così come Dioniso - il dio delle forze vivificanti della natura, il dio della vinificazione e poi il dio del teatro. I partecipanti alla processione festosa in onore di Dioniso hanno ritratto i suoi compagni simili a capre - satiri Dai canti rituali (ditirambo- un genere di testi corali direttamente legati al culto di Dioniso) e giochi in onore di Dioniso, sorsero tre generi: 1) tragedia(lett. "canto delle capre") rifletteva il lato serio Dionisiaco culto, culto del dio morente (in partenza) e che ritorna (resuscita), delle sue imprese e sofferenze; 2) commedia("komos" e "ode" - "canzone di komos", cioè folle di festaioli travestiti durante feste rurali in onore di Dioniso) riflettevano la parte carnevalesco-satirica del culto; assorbirono attivamente i motivi quotidiani, che poi prevalsero su quelli mitologici: furono recitate scene di natura quotidiana, satirica, parodica - una forma elementare di teatro di farsa popolare, "meme"- illuminato. “imitazione, riproduzione”, gli interpreti sono anche mimi; 3) dramma satiresco- un'opera teatrale della vita dei satiri, è stata messa in scena come conclusione della rappresentazione di una tragedia (la necessità di un “doppio ridere”). (Il dramma dei satiri è un'opera comica basata su una trama mitologica, in cui il coro era composto da satiri). La tragedia, secondo Aristotele, ha origine dal canto dei ditirambi (il significato letterale della parola ditirambo è “nato due volte”, cioè Dioniso); commedia - dal cantante principale fallico canzoni, ad es. canzoni che glorificano le forze feconde della natura.

Dionisie - 4 volte l'anno: dicembre, gennaio, febbraio, marzo. Spettacolo teatrale – 4 giorni; Le tetralogie sono state rappresentate per 3 giorni: 3 tragedie + dramma satirico; Giorno 1 – commedia. Quasi tutta la popolazione adulta assiste allo spettacolo. La struttura del teatro è un theatron - posti a sedere per gli spettatori - a semicerchio, che si innalza verso l'alto con sporgenze. L'orchestra è la piattaforma di performance sottostante. Skene è una struttura per il cambio d'abito degli attori. Proskenium: colonnato davanti alla scena. Paraskenia. Ekkiklema - una piattaforma speciale su ruote (mostra eventi all'interno del palazzo)

Struttura del testo della tragedia: prologo, parod, stasi, episodio, commOs, esodo. Gli episodi sono scene dialogiche. Si nota la natura simmetrica della parod e delle stasi: stanze - antistrofi. Le strofe simmetriche possono essere concluse con un epod, la conclusione di una canzone. (Epod è la parte finale della stasi). Kommos è una parte vocale congiunta del solista e del coro. Esodo – partenza del coro in corteo solenne (o funebre).

La tragedia ha preso trame da miti noti allo spettatore (il ciclo troiano, insieme al destino della casa degli Atridi, il ciclo tebano, le fatiche di Ercole, la campagna degli Argo). Pertanto, l'interesse non è nella trama, ma nella sua interpretazione e nelle questioni morali associate a determinati episodi di miti. Il mito diventa un contenitore di questioni etiche, filosofiche, socio-politiche e religiose. Cominciarono a venire alla ribalta nei miti Non imprese epiche E Non valore aristocratico(il culto di Dioniso è essenzialmente democratico), ma sofferenza. La tragedia si è sviluppata dal VI secolo. AVANTI CRISTO. Il primo tragico fu Tespi ("il carro di Tespi" - una designazione metaforica per le origini del teatro), 534 a.C. – l’anno di nascita del teatro mondiale. Thespis ha scelto 1 artista del coro, un attore.

Poi sono apparsi il secondo e il terzo attore. Possono essere sul palco tre attori contemporaneamente. Coro – da 12 a 15 persone.

Evoluzione antica tragedia greca: Eschilo, Sofocle, Euripide.

Eschilo è il tragico più antico; nell'antichità era chiamato il "padre della tragedia". Lui stesso parlava del suo lavoro come di “briciole del banchetto di Omero”. Introdotto un secondo attore. Le opere di Eschilo (7 su circa 90 sono sopravvissute) sono i primi esempi del genere, da qui il loro carattere arcaico: poca azione dinamica, grandi parti del coro, che conferiscono alle tragedie un suono monumentale e patetico. L’impressione generale dell’opera di Eschilo è l’impressione del movimento del mondo dal Caos al Cosmo, la cosmizzazione del Caos (lo stile di Eschilo è la cosmografia arcaica). Ma l’imminente armonizzazione del mondo ha un prezzo alto, il prezzo sofferenza. La tragedia “Prometeo incatenato” è indicativa a questo proposito. Ovviamente, questo fa parte di una trilogia (Eschilo preferiva il principio della trilogia, la sua "Orestea" è stata conservata - tre parti interconnesse della tragedia sugli eventi nella casa di Atride); In connessione con il "Prometeo incatenato" sopravvissuto, gli scienziati ritengono che siano esistiti sia "Prometeo il portatore di fuoco" che "Prometeo liberato". (I poeti dei secoli successivi si rivolgono ripetutamente all'immagine di Prometeo - secondo Marx, "il più nobile santo e martire del calendario filosofico" - vedi Goethe, Shelley, Byron, ecc.)

Dal trattato di V. Hugo “William Shakespeare”

Un altro genio, Eschilo, fu esposto a rivelazioni spirituali a lui sconosciute, non conoscendo l'autodichiarazione del biblico Giobbe, completandolo spontaneamente con la ribellione di Prometeo: la grande lezione è diventata davvero onnipervasiva e il genere umano è già riconobbe a Giobbe i suoi obblighi, avendone acquisito il diritto da Prometea. Che sete invisibile si riversa in tutta la storia di Eschilo: un segreto profondamente nascosto si nasconde qui dietro le spalle dei suoi eroi, che vivono alla luce del giorno. Questo ha due Caines, Eteokles e Polinik, mentre “The Book of Buttya” ne ha solo uno. L'oscurità della linea delle Oceanidi, l'uccello silenzioso è allarmato. Eschil non si limita alle stesse proporzioni che per noi sono essenziali. Vin è cupo, selvaggio, abile fino all'estremo, impreparato a superare l'amaro kuti, forse spietato: la bellezza della sua creazione ricorda più il fascino dei fiori selvatici che crescono nel deserto. Le eumenidi sono spesso classificate come ninfe; Vin - dalla razza dei titani, Vin riunisce le dee più accigliate ed è pronto a lanciare ancora una volta un attacco alla roccaforte di Giove. Come se la sua creazione fosse arrivata fino ai nostri giorni, siamo in costante accordo, quasi come la Bibbia greca. Si sta sviluppando un'inimicizia che non è di vecchia data per lo stesso Omero... Forse l'intera storia di Eschilo si è persa nella nera sventura, che ha inondato la memoria umana per ricordare che 90 delle sue creazioni perirono per sempre, quella di 100 delle sue grandi creazioni e solo 7 dram ci sono pervenuti. Siamo stupiti di ciò che guardiamo a questo genio e siamo ansiosi di indovinare quelli a cui non possiamo più guardare. Eschilo è un genio, esperto nell'oscurità; fino alle spalle della stanchezza della polvere da sparo, siamo quasi oltre la sua testa, ed egli, di sua iniziativa, comanda, e in tal modo, non meno alto degli dei viventi, che stanno sui loro piedistalli. Ciò che è stato perso può essere guadagnato per la massima gloria. Quelli che svaniscono di notte aggiungono grandezza sconosciuta.

SOFOCLE(496-406 a.C.)

Ha partecipato a 30 concorsi, è arrivato primo 24 volte e secondo nelle restanti. Delle 123 opere teatrali, 7 sono sopravvissute.

Se in Eschilo i personaggi agiscono spesso come strumenti degli dei e di forze esterne, in Sofocle l'uomo è più libero. In Sofocle Moira(traduzione letterale - eredità, assegnazione - la nostra assegnazione nell'universo) è giusto, agisce semplicemente come la legge delle relazioni causali, indifferente al mondo interiore dell'uomo. Un reato che sia stato commesso, consapevolmente o meno, è un fatto reale e comporta conseguenze altrettanto reali. Ecco la fonte dell'antico terrore fati– paura del destino, di cui le maschere restavano mute testimoni Teatro greco. Ma sebbene il destino sconfisse Edipo esternamente, internamente rimase una persona libera, dotata di volontà morale, il dolore e il tormento lo purificarono. Gli obblighi morali sono adempiuti fino alla fine.

La principale contraddizione, il conflitto è il destino e il libero arbitrio umano. La Roccia assesta 4 colpi a Edipo (su André Bonnard). 1° – Tiresia, “animale domestico” notte eterna", "Tiresia, che tutto comprende." Le parole della corsa ad Edipo: “ Com'è spaventoso sapere quando la conoscenza / Non ci serve”; “Anche se hai la vista acuta, non vedi i tuoi problemi”; “Questo giorno ti partorirà e ti ucciderà”; “Oggi vedi la luce, ma vedrai l’oscurità.” Secondo colpo: Giocasta. La sua colpa come eroina tragica è che non crede alle profezie. Confusione di Edipo. Coro: "E tremiamo: così guardano le persone / All'alimentatore, spaventate dalla tempesta." Il terzo colpo, il culmine, è l'arrivo del Messaggero (euforbia) da Corinto. L'insolenza di Edipo: "Sono il figlio del destino, che ci dà il bene / E non abbiamo paura di alcuna vergogna." Il quarto è un confronto tra lo schiavo e il Messaggero. Composizione snella - ciascuno nuovo personaggio conduce l'azione alla denuncia del delitto, all'ammissione di colpa da parte dell'eroe stesso. Il mezzo principale per individualizzare un personaggio nell'antica comprensione è l'unicità della situazione in cui lo colloca il drammaturgo.

La democrazia ateniese univa la fede nella divina provvidenza e il bisogno di decisioni indipendenti, cosa che scosse questa fede.La storia testimonia la sfiducia nei confronti dei leader proposti dalla democrazia (Pisistratida, Milziade, Temistocle, Cimone, Pericle). L’equilibrio tra pubblico e personale che ha assicurato la grandiosa ascesa di Atene è di breve durata. L'illusione è la sorte delle persone di fronte agli dei onniscienti. Dietro le azioni dei mortali si nasconde una volontà incomprensibile.

“Edipo Re” è analizzato nella “Poetica” di Aristotele (vedi testo di Aristotele).

Le idee più importanti della “Poetica” di Aristotele, che per primo si rivolse alla riflessione teorica sulla letteratura - mimesi (imitazione) come base razionale per l'emergere dell'arte; catarsi(purificazione) – emotivo; (CATHARSIS - “completezza pacificante” (Goethe). V.E. Khalizev: “Essendo artisticamente compresa alla luce di valori più alti, la realtà con le sue contraddizioni e fenomeni negativi è in grado di rivelare una certa energia illuminante e armonizzante. Purificazione, riconciliazione, consolazione che l'arte porta , Aristotele chiamò catarsi. Il concetto di catarsi conserva il suo significato nel nostro secolo. Pertanto, L.S. Vygotsky ha sostenuto che la catarsi è una sorta di "scarica" ​​- liberazione da emozione negativa, che il soggetto dell'immagine è in grado di provocare. Discutendo dell'opera di Goethe, D. Lukács ha sostenuto che la catarsi segna non solo riconciliazione e calma, ma anche l'eccitazione di un impulso morale. Ha parlato dell’impatto “catartico-etico” dell’arte). Importante per la Poetica è l’idea di dividere i generi secondo modo di imitazione la realtà. Aristotele lo scrive la poesia è più filosofica che storica: la storia riguarda ciò che è stato, la poesia riguarda ciò che potrebbe essere. Lo scienziato si impegna confronto tra epica e tragedia a favore di quest'ultimo come genere più perfetto. (A proposito, il teorico letterario italiano Castelvetro scrisse per la prima volta delle tre unità come regola rigorosa del dramma nel 1570 - Aristotele non ha questa prescrizione rigorosa). Trama tragica associato al movimento degli eventi dalla felicità all'infelicità, dall'ignoranza alla conoscenza vicissitudini(transizione brusca). Si avvia anche la Poetica concetto eroe tragico – questa è una persona che è migliore anziché peggiore; si mette nei guai a causa di qualche errore e non a causa della sua depravazione; non è del tutto colpevole (i crimini di Edipo non sono intenzionali), ma non è nemmeno del tutto innocente (portatore di tragica colpa). Il destino di un tale eroe causerà paura e compassione, porterà alla catarsi (fornirà l'impatto morale di un'opera d'arte nel processo di empatia da essa evocato).

A questo appartiene un'interessante interpretazione della tragedia di Sofocle "Edipo Rex". Sergej Averintsev(Lavoro "Verso l'interpretazione del simbolismo del mito di Edipo"). Il destino di Edipo, scrive lo scienziato, è composto di due momenti: inconsciamente crimine commesso e ha deliberatamente accettato la punizione. All'inizio lui - eroe e agisce ciecamente, inconsciamente, adempiendo la volontà del destino - mentre è inebriato dalla sua saggezza, gloria, potere. Quando diventa un eroe malato, la sua sofferenza è la prima cosa che fa consapevolmente. Per vedere la luce ha bisogno di accecarsi. Il crimine di Edipo è diviso in due parti: parricidio e incesto, e il parricidio è solo un prerequisito dell'incesto. Il matrimonio con la madre aveva nei tempi antichi onirocriticismo(interpretazione dei sogni) un significato chiaramente fisso: il sovrano, nel suo rapporto con la madrepatria, passa dal ruolo di figlio-cittadino al ruolo di coniuge-regnante (usurpazione del potere = incesto). L'ostinazione del tiranno è libera da ogni divieto, come in un sonnolento oblio. Motivo dell'incesto ha rivelato una connessione non solo con simboli del potere, ma anche con simbolismo della conoscenza, inoltre, conoscenza del nascosto, del proibito, dello straordinario. L'incesto assume il carattere di un rito sacro; è proibito e terribile, ma anche i segreti degli dei sono proibiti e terribili. Questa è la connessione simbolica tra incesto e conoscenza. La straordinaria conoscenza di Edipo, attraverso la quale ottiene per sé un potere straordinario, è dimostrata di fronte a una creatura mitica chiamata sfinge(tra i greci è una creatura femminile - sfinga). Esiste una certa equivalenza tra la sfinga e Giocasta; indizio - una condizione della prima notte di nozze, il suo analogo (vedi nel folklore - una sposa che pone indovinelli ai ricorrenti). Quando la soluzione viene rivelata, entrambi se ne vanno suicidandosi. Per penetrare nel segreto carnale proibito è necessaria la penetrazione nel segreto intellettuale. La prospettiva simbolica identifica l'idea di potere e l'idea di conoscenza con il movente dell'incesto. Edipo uccide il padre all'incrocio di tre strade: la linea che porta all'idea dell'incesto, all'idea del potere, all'idea della conoscenza. Nel Medioevo, Agostino (uno dei padri della Chiesa) giudicherà l'antichità per tre vizi: libido carnalis, dominandi, curiositas (latino - desiderio carnale, desiderio di dominare, desiderio di sapere). Tutti e tre i percorsi conducono Edipo all'auto-divinizzazione, alla violazione dei confini tra il divino e l'umano. Allo stesso tempo, la conoscenza di Edipo si rivela come la più grave ignoranza. (Tragedia del destino = tragedia dell'ignoranza). La rappresaglia di Edipo ai propri occhi - informatore visibilità e contemplativo essenza deve essere cieco (come Tiresia, Omero, Demodoco, Democrito) - la visione si rivolge verso l'interno, questa è la saggezza della conoscenza di sé.

Sofocle, secondo lui, raffigurava persone Il modo in cui dovrebbero essere(questa è la normatività dei classici; lo scultore Fidia, contemporaneo di Sofocle, ha la normatività plastica).

I generi più antichi sono la tragedia, l'epica, l'elegia. Generi junior: commedia, epillium, epigramma; contengono temi quotidiani.

Il dramma come opera d'arte indipendente ha avuto origine solo in Grecia e, inoltre, non prima del VI secolo. AC, ed è stato incarnato sotto forma di tragedia e commedia. Dopotutto, il dramma presuppone una maggiore indipendenza della personalità umana e uno scontro di personalità tra loro, nonché uno scontro di individui con la natura o la società. Ciò potrebbe apparire in Grecia solo in connessione con la nascita e l’instaurazione di una società democratica. L'individuo che una volta si distingueva dalla comunità del clan doveva padroneggiare il potere elementale del clan ed essere in grado di comprendere internamente le forze creative vivificanti del mondo naturale. Questo è il punto a cui si riferiva, ovviamente tempi primitivi il culto di tali divinità, che era principalmente una generalizzazione proprio di questi processi creativi.

Questo tipo di C'erano sempre molte divinità in tutto il mondo primitivo. Ma durante il periodo della nascita e dell’ascesa della democrazia greca, Dioniso si rivelò una divinità il cui culto dalle aree non greche della Tracia a nord, dell’Asia Minore a est e di Creta a sud si diffuse come un violento turbinio in tutta la Grecia durante i secoli VII-VI. AVANTI CRISTO.

Questo culto orgiastico catturò l'immaginazione dei greci di quel tempo. Gli stessi partecipanti al culto si rappresentavano come Dioniso, che aveva un altro nome: Bacco, e quindi erano chiamati Baccanti e Baccanti. E poiché Dioniso non era altro che una generalizzazione dei processi creativamente produttivi della natura e della società, si pensava che fosse incarnato in ogni creatura vivente, che sembrava essere fatta a pezzi e poi resuscitata, come la divinità stessa. Ciò ha senza dubbio contribuito all'emergere e alla crescita di vari tipi di idee sulla lotta di un'individualità con un'altra, cioè all'emergere e alla crescita di una comprensione drammatica della vita.

Il piacere dionisiaco e l'orgasmo per sua stessa natura hanno distrutto tutte le barriere tra le persone, e quindi l'ex clan e la nobiltà aristocratica in relazione a questa nuova divinità erano già allo stesso livello degli strati inferiori della popolazione.

Le rappresentazioni teatrali, nate dal culto di Dioniso, hanno sempre avuto in Grecia un carattere di massa e festoso. Le rovine degli antichi teatri greci stupiscono per la loro capacità di ospitare diverse decine di migliaia di visitatori. La storia dell'antico teatro greco è ben visibile nel cosiddetto Teatro di Dioniso ad Atene, situato all'aperto sul versante sud-orientale dell'Acropoli e in grado di ospitare circa 17mila spettatori. Fondamentalmente, il teatro era costituito da tre parti principali: una piattaforma compattata (orchestre, dal greco orhesis - "danza") con un altare a Dioniso al centro, posti a sedere per gli spettatori (teatro, cioè luoghi di intrattenimento), nella prima fila della quale c'era una sedia per il sacerdote di Dioniso, e skenes , cioè l'edificio dietro l'orchestra, in cui gli attori si cambiavano d'abito. Alla fine del VI secolo a.C., l'orchestra era una piattaforma rotonda e strettamente compattata , che era circondata da panche di legno per gli spettatori. All'inizio del V secolo le panche di legno furono sostituite da quelle di pietra, che scendevano a semicerchio lungo il pendio dell'acropoli. L'orchestra, sulla quale c'erano un coro e attori, divenne a ferro di cavallo (è possibile che gli attori recitassero su una piccola altura davanti al pendio).In epoca ellenistica, quando coro e attori non avevano più citofono, questi ultimi suonavano su un alto palco di pietra adiacente alla skene - proskenia - con due proiezioni ai lati, le cosiddette paraskenia. Il teatro aveva un'acustica eccellente, tanto che migliaia di persone potevano facilmente sentire gli attori che recitavano con voci forti. I posti per gli spettatori coprivano l'orchestra a semicerchio ed erano divisi in 13 cunei. Ai lati del proscenio c'erano dei parodi: passaggi per il pubblico, gli attori e il coro. Durante la messa in scena della tragedia, il coro era composto prima da 12, poi da 15 persone, guidate da un luminare - il capo del coro, diviso in due semicori, che eseguivano canti e danze, raffiguranti persone vicine ai personaggi principali, uomini o donne, vestite con costumi corrispondenti all'azione. Gli attori tragici, il cui numero passò gradualmente da uno a tre, recitavano con costumi estremamente colorati e magnifici, aumentando la loro altezza con coturni (scarpe con suola spessa come trampoli) e alti copricapi. Le dimensioni del corpo furono aumentate artificialmente, sui volti furono messe maschere dai colori vivaci certo tipo per eroi, anziani, giovani, donne, schiavi. Le maschere testimoniavano le origini del culto del teatro, quando una persona non poteva esibirsi nella sua forma abituale, ma indossare una specie di maschera. Nell'enorme teatro, le maschere erano comode da vedere per il pubblico e consentivano a un attore di interpretare diversi ruoli. Tutti i ruoli femminili erano interpretati da uomini. Gli attori non solo hanno recitato, ma hanno anche cantato e ballato. Nel corso dell'azione sono state utilizzate macchine di sollevamento, necessarie per l'apparizione degli dei. C'erano i cosiddetti ekkiklem: piattaforme su ruote che venivano spostate sulla scena dell'azione per mostrare cosa accadeva all'interno della casa. Le macchine venivano utilizzate anche per il rumore e gli effetti visivi (tuoni e fulmini). Nella parte anteriore della scena, solitamente raffigurante un palazzo, c'erano tre porte attraverso le quali uscivano gli attori. Questa parte del paravento venne dipinta con varie decorazioni, che divennero via via più complesse con lo sviluppo del teatro. Il pubblico - tutti cittadini ateniesi - ricevette dalla fine del V secolo. AVANTI CRISTO. dallo Stato denaro speciale per l'intrattenimento per la visita al teatro, in cambio del quale venivano emessi numeri metallici che indicavano il luogo. Poiché le rappresentazioni iniziavano al mattino e continuavano per tutto il giorno (per tre giorni consecutivi furono rappresentate tre tragedie e un dramma satirico), il pubblico veniva rifornito di cibo.

Un drammaturgo che scriveva una tetralogia o un dramma separato chiedeva all'arconte incaricato di organizzare la festa per un coro. L'arconte affidò un coreg scelto tra cittadini facoltosi, il quale era obbligato, come dovere statale, a reclutare un coro, addestrarlo, pagarlo e organizzare una festa al termine della festa. La coregia era considerata un dovere onorevole, ma allo stesso tempo molto gravoso, accessibile solo a una persona ricca.

I giudici venivano eletti tra i 10 phyla attici. Dopo tre giorni di competizione, cinque membri della giuria, estratti a sorte, hanno preso la decisione finale. Tre vincitori sono stati confermati e hanno ricevuto una ricompensa in denaro, ma le corone di edera sono state assegnate solo a coloro che hanno ottenuto la prima vittoria. Attore-protagonista che ha recitato ruolo principale, godette di grandi onori e svolse anche incarichi governativi. Il secondo e il terzo attore dipendevano interamente dal primo e ricevevano da lui il compenso. I nomi dei poeti, dei coreografi e degli attori-protagonisti venivano registrati in atti speciali e conservati archivio di stato. Dal IV secolo AVANTI CRISTO. Si è deciso di scolpire i nomi dei vincitori su lastre di marmo - didascalia, i cui frammenti sono sopravvissuti fino ad oggi. Le informazioni che utilizziamo dalle opere di Vitruvio e Pausania si riferiscono principalmente al teatro ellenistico, quindi alcuni aspetti dell'antico stato degli edifici teatrali in Grecia non si distinguono per chiarezza e certezza.

LAVORO DEL CORSO

Antico teatro greco

introduzione

Naturalmente, il teatro è una delle forme d'arte più misteriose. Questa è arte al confine tra due mondi, il nostro e l'altro mondo. Davanti agli occhi del pubblico prendono vita eroi morti da tempo, opere “morte” e storie famose. Ecco perché la consideravano un'opera demoniaca e del diavolo. Ma il teatro è anche un mezzo di propaganda e influenza su una persona che, mentre guarda lo spettacolo, percepisce inconsciamente ciò che l'autore, regista o attore vuole dirgli. Non è un caso che Giro nel suo libro “La vita privata e pubblica dei Greci” collochi la sezione “Spettacoli drammatici” nel capitolo “Religione”, cioè un'azione strettamente correlata al servizio degli Dei (cioè connessa con l'altro mondo) e che influenza un gran numero di persone.

Al giorno d'oggi, la vita teatrale è varia: ci sono teatri con un solo uomo, teatri in cui il pubblico stesso prende parte alla produzione e è un personaggio dello spettacolo, teatri in cui non ci sono attori e il pubblico osserva il movimento di vari oggetti, e molti altri tipi di teatri. Ma da qui è nato l’intero (quasi tutto) mondo del teatro moderno Teatro antico, che esisteva in Grecia antica molti secoli fa. Questo è esattamente ciò di cui voglio parlarti. Credo che questo argomento sia rilevante. Dato che oggi la gente va sempre meno a teatro, i genitori portano i loro figli in varie sale spettacoli teatrali. Se una persona capisse qual è l'essenza del vero teatro, qual è la sua bellezza, diventerebbe più ragionevole e onesta. Il teatro eleva le persone, le rende più pure e sincere.

L'antico teatro greco è uno dei teatri più antichi d'Europa. Raggiunse il suo apice nel V secolo. AVANTI CRISTO. L'eredità lasciataci dall'antichità nel campo della letteratura e dell'arte è enorme. I principali tipi di poesia - epica, lirica e drammatica - sono nati in Grecia. L'architettura, la scultura, la letteratura e il teatro antichi furono oggetto di studio e imitazione nei secoli successivi. Il significato del teatro antico va ben oltre quadro cronologico la società che lo ha generato. Ad esempio, durante il Rinascimento iniziarono a essere create le prime tragedie e commedie letterarie, le opere di autori antichi servirono da modello per loro. Ma anche per tutto il XIX e il XX secolo. I drammi antichi venivano rappresentati sui palcoscenici europei. Molte persone rimangono ancora sorprese quando visitano la Grecia dall'architettura dell'antico teatro greco. La sua enormità e grazia. Le opere dell'antico dramma greco vengono messe in scena sui palcoscenici dell'antica Grecia sopravvissuti anche oggi. Nel mio saggio mi sono posto l'obiettivo di parlare dell'origine dell'antico teatro greco, di come si è sviluppato e cambiato, della sua architettura e del suo dramma. Mi sono posto il compito di spiegare come si svolgeva il dramma greco antico grande influenza sullo sviluppo del teatro mondiale, su come lavoravano i maestri di quell'epoca e quali emozioni e sentimenti evocava il teatro in quel momento.

Avevo abbastanza fonti per analizzare e compilare il materiale qui presentato, credo che il mio lavoro meriti la vostra attenzione e apprezzamento. Il mio lavoro presenta quattro capitoli, alcuni di essi sono divisi in paragrafi, vi racconterò della storia della creazione del dramma greco antico, dei suoi albori, del suo sviluppo in epoca ellenistica e ovviamente della struttura stessa dell'antico teatro greco .

Nel passato storico dell'umanità non esiste epoca che avrebbe dato un contributo maggiore al suo sviluppo culturale di quella antica. Pertanto, ti invito a immergerti in quest'era con me e risolvere tutti i misteri dell'antico teatro greco.

1. Le origini del dramma greco antico

L'apparizione del dramma in Grecia fu preceduta da un lungo periodo, durante il quale il posto dominante fu occupato prima dall'epica e poi dalla lirica.

La nascita del dramma e del teatro greco è legata ai giochi rituali dedicati agli dei protettori dell'agricoltura: Demetra, sua figlia Kore, Dioniso. Tali rituali a volte si trasformavano in drammi di culto. Ad esempio, nella città di Eleusi, durante i misteri (sacramenti frequentati solo dagli iniziati), si svolgevano giochi durante i quali si svolgevano il matrimonio di Zeus e Demetra, il rapimento di Kore da parte di Plutone, il vagabondare di Demetra alla ricerca della figlia e il venivano raffigurati il ​​ritorno di Kore sulla terra.

Per gli Ateniesi, il più significativo dopo Atena era Dioniso, o Bacco. Il dio del vino, in onore del quale si tenevano le feste primaverili e del raccolto. Fin dall'antichità gli Ateniesi organizzavano gare tra gruppi di cantanti e ballerini durante la festa primaverile di Dioniso, che chiamavano la Grande Dionisia. La pista da ballo rotonda in terra battuta si trovava a due passi dall'Acropoli, che la incorniciava a semicerchio. Al centro del circolo da ballo, chiamato orchestra, c'era l'altare di Dioniso.

Dioniso era considerato il dio delle forze creative della natura; in seguito divenne il dio del vino, e poi il dio della poesia e del teatro. Le piante, soprattutto la vite, servivano come simboli di Dioniso. Era spesso raffigurato come un toro o una capra.

Durante le festività dedicate a Dioniso, venivano cantate non solo solenni, ma anche allegre canzoni di carnevale. Le mummers che costituivano il seguito di Dioniso organizzarono una festa rumorosa. I partecipanti alla processione festosa si imbrattavano il viso con fondi di vino e indossavano maschere e pelli di capra.

Dai giochi rituali e dai canti in onore di Dioniso, nacquero tre generi dell'antico dramma greco: tragedia, commedia e commedia satirica (dal nome del coro composto da satiri). La tragedia rifletteva il lato serio del culto dionisiaco, la commedia il lato carnevalesco-satirico. Il dramma satirovskaya sembrava essere un genere medio. Il suo carattere allegro e giocoso e il lieto fine determinavano il suo posto nelle feste in onore di Dioniso: il dramma satirico veniva messo in scena come conclusione della rappresentazione delle tragedie.

La tragedia, secondo Aristotele, ha avuto origine dal canto dei ditirambi, la commedia - dal canto delle canzoni falliche, ad es. canzoni in cui venivano glorificate le forze feconde della natura. Il dialogo che questi cantanti hanno condotto con il coro era mescolato con elementi di recitazione e il mito sembrava prendere vita davanti ai partecipanti alla festa.

Le stesse parole tragedia e commedia possono dirci molto sulle origini del dramma greco. La parola tragedia deriva da due parole greche: tragos - "capra" e ode - "canzone", cioè. "Il canto delle capre" Questo nome ci porta ancora una volta ai compagni satiri di Dioniso, creature dai piedi di capra che glorificavano le gesta e le sofferenze del dio. La parola commedia deriva dalle parole komos e ode. "Komos" è una processione di una folla ubriaca di mummers, che si inondano di scherzi e scherni, durante le feste rurali in onore di Dioniso. Pertanto, la parola commedia significa “canzone del komos”.

La tragedia greca, di regola, prendeva trame dalla mitologia, che era ben nota a ogni greco. L'interesse del pubblico si è concentrato non sulla trama, ma sull'interpretazione del mito da parte dell'autore, sulle questioni sociali e morali che si sono svolte attorno ai noti episodi del mito. Usando un guscio mitologico, il drammaturgo rifletteva nella tragedia la sua vita sociale e politica contemporanea, esprimeva le sue opinioni etiche, filosofiche e religiose. Pertanto, il ruolo delle idee tragiche nell'educazione socio-politica ed etica dei cittadini è stato enorme.

Già nella seconda metà del VI sec. AVANTI CRISTO. La tragedia ha raggiunto uno sviluppo significativo. La storia antica riporta che il primo poeta tragico ateniese fu Tespi (VI secolo aC), la cui prima rappresentazione della sua tragedia (di cui non si conosce il nome) ebbe luogo nella primavera del 534 aC. alla festa del Grande Dionisio. Quest'anno è considerato l'anno della nascita del teatro mondiale.

A Thespis viene attribuito il merito di aver migliorato maschere e costumi teatrali. Ma la principale innovazione di Tespi fu la separazione di un esecutore, un attore, dal coro. Questo attore, o, come veniva chiamato in Grecia, ipocrito ("risponditore"), poteva rivolgersi al coro con domande, rispondere alle domande del coro, ritrarre vari personaggi durante l'azione, lasciare l'area del palco e ritornarvi.

Pertanto, la prima tragedia greca era una sorta di dialogo tra attori e coro e nella forma assomigliava più a una cantana. Allo stesso tempo, sebbene la parte dell'attore nel dramma originale fosse piccola in quantità e il ruolo principale fosse interpretato dal coro, è stato l'attore fin dal suo stesso aspetto a diventare portatore di un principio efficace ed energico.

La commedia è molto più ampia della tragedia motivi mitologici si mescolarono quelle quotidiane, che via via divennero predominanti o addirittura uniche, sebbene in generale la commedia fosse ancora considerata dedicata a Dioniso. Così, durante il komos, iniziarono ad essere rappresentate piccole scene di contenuto quotidiano e parodia-satirico. Queste scenette improvvisate rappresentavano una forma elementare di teatro popolare di farsa e venivano chiamate mimi (tradotto come "imitazione", "riproduzione"; gli interpreti di queste scenette erano anche chiamati mimi). Gli eroi dei mimi erano maschere tradizionali teatro popolare: aspirante guerriero, ladro di mercato, scienziato ciarlatano, sempliciotto che prende in giro tutti, ecc. Canzoni di komos e mimi sono le principali fonti dell'antica commedia attica.

Una commedia nata dal komos attico del V secolo. AVANTI CRISTO. aveva un contenuto politico. Sollevava costantemente domande sistema politico, politica estera Lo stato ateniese, le questioni relative all'educazione giovanile, la lotta letteraria, ecc.

L'attualità dell'antica commedia attica era aggravata dal fatto che essa lasciava completa libertà nella caricatura dei singoli cittadini, raffigurati anche con i loro veri nomi. Allo stesso tempo, l'antica commedia attica di solito crea un'immagine non individuale, ma generalizzata, vicina alla maschera del teatro della commedia popolare

A differenza del nuovo teatro europeo, l'antico teatro greco non era un luogo dove si poteva andare un giorno qualsiasi e, dopo aver pagato il biglietto, assistere a uno spettacolo scelto dal repertorio. Nel Teatro di Dioniso suonavano due volte l'anno: su Dionisia e su Linnea. Le tragedie venivano messe in scena per la celebrazione delle Grandi Dionisie sotto forma di una competizione drammatica. Tre poeti hanno proposto tre trilogie su soggetti, di regola, mitologici, al termine delle quali - per dessert - è stato rappresentato un leggero e divertente dramma “satirico”. La giuria ha selezionato e premiato la migliore trilogia. La vittoria è stata un grande onore non solo per il drammaturgo e l'attore principale, ma anche per i choregas, lo sponsor della produzione, molto spesso uno dei ricchi della città. La ricompensa era un treppiede di bronzo. Lo sponsor-vincitore ha sborsato una seconda volta e per questa occasione ha eretto un monumento - di solito un piedistallo di marmo per il treppiede vinto con varie iscrizioni orgogliose. (Due colonne sopra il teatro sotto il muro dell'acropoli, il monumento di Trasila davanti alla grotta di Dioniso e il monumento di Lisicrate sono tali monumenti). Le tragedie e le commedie erano sempre scritte in versi, e le loro produzioni erano un esempio di arte sintetica, che unisce la parola poetica, la musica, la danza e la pittura. Tutti i ruoli erano interpretati solo da uomini e solo con maschere. Lo spettacolo si svolgeva su un'“orchestra” rotonda e su un “proskenium”, dietro il quale si trovava un edificio “skena” (palcoscenico) che fungeva da decorazione.

Visitare il teatro era considerato un importante dovere civico. Durante il periodo di massimo splendore della democrazia greca, lo Stato pagava alla gente comune che andava a teatro un salario minimo giornaliero in modo che non si pentissero di aver perso il lavoro. Leader statali e filosofi credevano che visitare il teatro purifica e armonizza le anime, rendendo i cittadini migliori e persino più sani. Guardavamo le rappresentazioni senza nemmeno conoscerne i nomi in anticipo, perché erano tutte messe in scena per la prima volta e di solito non venivano mai ripetute.

Tre grandi classici - Eschilo, Sofocle ed Euripide - scrissero ciascuno un centinaio di tragedie. Eschilo e Sofocle vincevano quasi sempre la drammatica competizione, ma Euripide perdeva quasi sempre. Ma Euripide vinse in futuro. Di Eschilo e Sofocle sono sopravvissute fino ad oggi sette tragedie e di Euripide - diciassette.

2. La nascita del teatro greco antico

La festa della Grande Dionisia durò cinque giorni. Tutta la città e le zone circostanti si riunirono per la celebrazione, che iniziò con sacrifici, processioni e adorazione. Dall'alba del secondo giorno la gente cominciò a riempire il teatro. Al tempo di Pericle, la piattaforma su cui si svolgeva l'azione fu livellata forma corretta e installarono panche di legno, ad eccezione delle prime file di pietra per il clero, i funzionari della città, i personaggi famosi - Campioni olimpici e i figli dei soldati morti in battaglia per il loro paese. Il teatro poteva accogliere circa settantamila spettatori, e vi poteva essere presente ogni cittadino di Atene insieme alla sua famiglia. Anche le donne potevano partecipare alla festa delle Grandi Dionisie. I biglietti sotto forma di piccoli gettoni di piombo sono stati venduti in anticipo per evitare un eccessivo affollamento.

Pochi giorni prima dell'inizio, l'assemblea cittadina selezionò diversi uomini che fungessero da giudici. Di questi, dieci sono stati estratti a sorte il primo giorno delle vacanze. L'ultimo giorno, le loro voci furono registrate e poste in un'urna, che fu consegnata all'Arconte di Atene. Di questi ne ha selezionati cinque e in base alle loro opinioni è stato assegnato un premio. Pertanto, gli Ateniesi permettevano agli dei di esprimere le loro opinioni, ma conservavano il diritto di scegliere giudici competenti. Dopo la proclamazione dei vincitori, ai poeti e ai loro mecenati venivano assegnate corone d'edera. In tempi successivi venne assegnato un premio anche al miglior attore.

Se fossi abbastanza fortunato da vivere al tempo di Pericle, probabilmente augureresti la vittoria a Sofocle. Eschilo era già all'antica, ma Sofocle, nel suo modo speciale, espresse la perfezione della bellezza nelle sculture di Fidia. Oltretutto lo amavano tutti. Sofocle non era solo di bell'aspetto, ma affascinava anche con il suo ingegno. Anche a ottantanove anni sapeva scrivere gioco meraviglioso. Sofocle era infatti amato dagli dei, e Solone avrebbe potuto sceglierlo come uno di quelli che considerava veramente felici. Diciotto volte nel corso della sua lunga vita, Sofocle ricevette una corona d'edera. C'erano molti altri poeti, ma tutte le loro opere sono cadute nell'oblio. Anche Euripide ricevette l'onore di essere premiato, ma solo quattro volte.

Euripide, troppo critico per piacere a chi lo conosceva bene, era particolarmente popolare fuori Atene, e soprattutto tra i giovani. A loro piaceva il modo in cui interpretava le antiche leggende in modo moderno. Rimasero colpiti anche dalla sua visione beffarda delle imperfezioni degli dei.

L'arte teatrale dell'antica Grecia raggiunse il suo culmine più alto nelle opere di tre grandi tragediografi del V secolo. AVANTI CRISTO. Eschilo, Sofocle, Euripide e il comico Aristofane, le cui attività abbracciarono l'inizio del IV secolo. AVANTI CRISTO. Ora parliamo di loro in modo più dettagliato.

Eschilo (525-456 a.C.)

Il suo lavoro è associato all'era della formazione dello stato democratico ateniese. Questo stato si formò durante le guerre greco-persiane, combattute con brevi interruzioni dal 500 al 449 a.C. e aveva un carattere liberatorio per le città-stato greche.

Eschilo proveniva da una famiglia nobile. Nacque a Eleusi, vicino ad Atene. È noto che Eschilo prese parte alle battaglie di Maratona e Salamina. Ha descritto la battaglia di Salamina come un testimone oculare della tragedia dei persiani. Poco prima della sua morte, Eschilo si recò in Sicilia, dove morì (nella città di Gele). L'iscrizione sulla sua lapide, composta, secondo la leggenda, da lui stesso, non dice nulla di lui come drammaturgo, ma dice che si mostrò essere un guerriero coraggioso nelle battaglie con i persiani.

Eschilo scrisse circa 80 tragedie e drammi satirici. Solo sette tragedie ci sono pervenute integralmente; Sono sopravvissuti piccoli estratti di altre opere.

Le tragedie di Eschilo riflettono le principali tendenze del suo tempo, quegli enormi cambiamenti nella vita socio-economica e culturale che furono causati dal crollo del sistema dei clan e dall'emergere della democrazia ateniese proprietaria di schiavi.

La visione del mondo di Eschilo era fondamentalmente religiosa e mitologica. Credeva che esistesse un ordine mondiale eterno soggetto alla legge della giustizia mondiale. Una persona che viola volontariamente o inconsapevolmente un ordine giusto sarà punita dagli dei e quindi l'equilibrio verrà ristabilito. L'idea dell'inevitabilità della punizione e del trionfo della giustizia attraversa tutte le tragedie di Eschilo.

Eschilo crede nel destino - Moira, crede che anche gli dei le obbediscano. Tuttavia, questa visione del mondo tradizionale si mescola anche con le nuove visioni generate dallo sviluppo della democrazia ateniese. Pertanto, gli eroi di Eschilo non sono creature dalla volontà debole che eseguono incondizionatamente la volontà della divinità: il suo uomo è dotato di una mente libera, pensa e agisce in modo completamente indipendente. Quasi ogni eroe di Eschilo affronta il problema della scelta di una linea di comportamento. La responsabilità morale di una persona per le sue azioni è uno dei temi principali delle tragedie del drammaturgo.

Eschilo introdusse un secondo attore nelle sue tragedie e aprì così la possibilità di uno sviluppo più profondo tragico conflitto, ha rafforzato il lato efficace della rappresentazione teatrale. Questa è stata una vera rivoluzione nel teatro: invece della vecchia tragedia, dove le parti di un unico attore e coro riempivano l'intera commedia, è nata una nuova tragedia in cui i personaggi si scontravano tra loro sul palco e motivavano direttamente le loro azioni.

La struttura esterna della tragedia di Eschilo conserva tracce della vicinanza al ditirambo, dove le parti del cantante principale si alternavano a quelle del coro. Quasi tutte le tragedie che ci sono pervenute iniziano con un prologo, che contiene la trama dell'azione. Segue una parodia, una canzone eseguita dal coro mentre entrano nell'orchestra. Segue un'alternanza di pisodia (parti di dialogo eseguite da attori, a volte con la partecipazione di un coro) e stasim (canzoni del coro). La parte finale della tragedia si chiama esodo; Exodus è una canzone durante la quale il coro lascia il palco. Nelle tragedie ci sono anche iporema (un canto gioioso del coro, che suona, di regola, al culmine, prima della catastrofe), kommos (canzoni di lamento congiunte degli eroi e del coro) e monologhi degli eroi.

I canti del coro venivano sempre eseguiti con l'accompagnamento di un flauto. Inoltre, erano spesso accompagnati da danze. La danza tragica si chiamava emmeleya.

Tra le tragedie del grande drammaturgo sopravvissute fino ai nostri giorni, spiccano le seguenti: “I Persiani” (472 a.C.), che glorifica la vittoria dei Greci sui Persiani nella battaglia navale dell'isola di Salamina (480 a.C. ); "Prometeo incatenato" è forse la tragedia più famosa di Eschilo, che racconta l'impresa del titano Prometeo, che diede fuoco alle persone e per questo fu severamente punito; Trilogia dell'Orestea (458 a.C.), famoso per, che è l’unico esempio completo della trilogia giunta fino a noi, in cui l’abilità di Eschilo raggiunse il suo apice.

La tragedia ateniese, come concepita da Eschilo, è molto diversa da gioco moderno. Come ho detto, usava solo due attori e potevano esserci solo due personaggi nella commedia. Solo due attori potevano parlare in scena, ma era consentita la presenza silenziosa degli altri attori. E poiché un attore ha interpretato diversi ruoli, i suoi personaggi non potevano recitare insieme. Nel frattempo il coro era costantemente presente, riempiendo le pause durante i cambi di scena, come avviene oggi nelle produzioni teatrali.

Eschilo è conosciuto come il miglior esponente delle aspirazioni sociali del suo tempo. Nelle sue tragedie mostra la vittoria dei principi progressisti nello sviluppo della società, nella struttura statale, nella moralità. Il lavoro di Eschilo ha avuto un'influenza significativa sullo sviluppo della poesia e del dramma mondiale.

Sofocle (496-406 a.C.)

Sofocle proveniva da una famiglia benestante che possedeva un'armeria e ricevette una buona educazione. Il suo talento artistico si manifestò in tenera età: all'età di sedici anni guidò un coro di giovani che glorificavano la vittoria di Salamina, e in seguito recitò egli stesso come attore nelle proprie tragedie, riscuotendo un grande successo. Nel 486, Sofocle vinse la sua prima vittoria sullo stesso Eschilo in un concorso di drammaturgia. In generale, tutta l'attività drammatica di Sofocle è stata accompagnata da un successo costante: non ha mai ricevuto il terzo premio - molto spesso ha preso il primo e raramente il secondo posto.

Partecipò anche Sofocle vita statale ricoprire incarichi di responsabilità. Fu così eletto stratega (capo militare) e, insieme a Pericle, partecipò a una spedizione contro l'isola di Samo, che decise di separarsi da Atene. Dopo la morte di Sofocle, i suoi concittadini lo venerarono non solo come un grande poeta, ma anche come uno dei gloriosi eroi ateniesi. Ci sono pervenute solo sette tragedie di Sofocle, ma ne scrisse più di 120. Le tragedie di Sofocle portano nuove caratteristiche. Se in Eschilo i personaggi principali erano dei, allora in Sofocle i personaggi principali sono persone, anche se in qualche modo divorziate dalla realtà. Perciò si dice di Sofocle che fece discendere la tragedia dal cielo sulla terra. Sofocle presta principale attenzione all'uomo e alle sue esperienze emotive. Naturalmente, l'influenza degli dei si fa sentire nel destino dei suoi eroi, anche se non compaiono durante l'azione, e questi dei sono potenti quanto quelli di Eschilo: possono schiacciare una persona. Ma Sofocle descrive, prima di tutto, la lotta di una persona per raggiungere i suoi obiettivi, i suoi sentimenti e pensieri, e mostra la sofferenza che lo ha colpito.

Gli eroi di Sofocle di solito hanno gli stessi personaggi integrali degli eroi di Eschilo. Lottando per il loro ideale, non conoscono alcuna esitazione mentale. La lotta immerge gli eroi nella più grande sofferenza e talvolta muoiono. Ma gli eroi di Sofocle non possono rinunciare alla lotta, perché sono spinti dal dovere civico e morale.

I nobili eroi delle tragedie di Sofocle sono strettamente legati al collettivo di cittadini: questa è l'incarnazione dell'ideale di una personalità armoniosa, creata durante il periodo di massimo splendore di Atene. Pertanto, Sofocle è chiamato il cantante della democrazia ateniese.

Tuttavia, il lavoro di Sofocle è complesso e contraddittorio. Le sue tragedie riflettevano non solo il periodo di massimo splendore, ma anche la crisi in atto del sistema polis, che si concluse con la morte della democrazia ateniese.

La tragedia greca raggiunge la sua perfezione nelle opere di Sofocle. Sofocle introdusse un terzo attore, aumentò le parti dialogiche della commedia (episodi) e ridusse le parti del coro. L'azione è diventata più vivace e autentica, poiché tre personaggi potevano esibirsi contemporaneamente sul palco e dare motivazione alle loro azioni. Tuttavia, il coro di Sofocle continua a svolgere un ruolo importante nella tragedia e il numero dei cori è stato addirittura aumentato a 15 persone. Inoltre, sotto Sofocle, lo scenario iniziò a essere dipinto su tela, pagato dall'organizzatore dello spettacolo.

L'interesse per le esperienze di un individuo spinse Sofocle ad abbandonare le trilogie, che di solito tracciavano il destino di un'intera famiglia. Secondo la tradizione, presentò al concorso tre tragedie, ma ciascuna di esse era un'opera indipendente.

L'introduzione della pittura decorativa è anche associata al nome di Sofocle.

Le tragedie più famose di Sofocle provengono dal ciclo di miti tebani. Si tratta di Antigone (circa 442 a.C.), Edipo re (circa 429 a.C.) ed Edipo a Colono (messo in scena nel 441 a.C., dopo la morte di Sofocle).

Al centro di queste tragedie, scritte e messe in scena tempo diverso, si trova il mito del re tebano Edipo e delle disgrazie che colpirono la sua famiglia. Senza saperlo, Edipo uccide suo padre e sposa sua madre. Molti anni dopo, appresa la terribile verità, si cava gli occhi e va volontariamente in esilio. Questa parte del mito costituì la base della tragedia “Edipo il re”.

Dopo lungo peregrinare, purificato dalla sofferenza e perdonato dagli dei, Edipo muore in maniera divina: viene inghiottito dalla terra. Ciò avviene in un sobborgo di Atene, Colon, e la tomba del sofferente diventa un santuario della terra ateniese. Ciò è descritto nella tragedia “Edipo a Colono”.

Le tragedie di Sofocle erano l'incarnazione artistica degli ideali civili e morali dell'antica democrazia schiavista durante il suo periodo di massimo splendore (Sofocle non visse abbastanza da vedere la terribile sconfitta degli Ateniesi nella guerra del Peloponneso del 431-404 a.C.). Questi ideali erano l'uguaglianza politica e la libertà di tutti i cittadini a pieno titolo, il servizio disinteressato alla patria, il rispetto per gli dei, la nobiltà delle aspirazioni e dei sentimenti, le persone volitive.

Euripide (485-406 a.C. circa)

La crisi sociale della democrazia ateniese proprietaria di schiavi e il conseguente crollo dei concetti e delle visioni tradizionali si riflettevano in modo più completo nell'opera del più giovane contemporaneo di Sofocle, Euripide.

I genitori di Euripide erano apparentemente persone benestanti e ricevette una buona educazione. A differenza di Sofocle, Euripide non prese parte direttamente alla vita politica dello Stato, ma si interessò vivamente agli eventi sociali. Le sue tragedie sono piene di varie dichiarazioni politiche e allusioni alla modernità.

Euripide non ebbe molto successo presso i contemporanei: in tutta la sua vita ricevette solo 5 primi premi, l'ultimo postumo. Poco prima della sua morte lasciò Atene e si trasferì alla corte del re macedone Archelao, dove era tenuto in grande stima. Morì in Macedonia (pochi mesi prima della morte di Sofocle ad Atene).

Di Euripide ci sono pervenuti integralmente 18 drammi (in totale ne scrisse da 75 a 92) e un gran numero di passaggi.

Il drammaturgo ha avvicinato i suoi personaggi alla realtà; lui, secondo Aristotele, rappresentava le persone come “quello che sono”. I personaggi delle sue tragedie, rimanendo, come quelli di Eschilo e Sofocle, eroi dei miti, erano dotati di pensieri, aspirazioni, passioni poeta contemporaneo delle persone.

Ci sono critiche in molte tragedie di Euripide credenze religiose e gli dei si rivelano più insidiosi, crudeli e vendicativi delle persone.

Nelle sue opinioni socio-politiche, era un sostenitore della democrazia moderata, il cui sostegno considerava i piccoli proprietari terrieri. In alcune delle sue opere ci sono aspri attacchi contro i politici demagoghi: adulando il popolo, ottengono il potere per usarlo per i propri scopi egoistici. In una serie di tragedie, Euripide denuncia appassionatamente la tirannia: il dominio di una persona su altre persone contro la loro volontà gli sembra una violazione dell'ordine civile naturale. La nobiltà, secondo Euripide, risiede nel merito e nella virtù personali, e non nella nascita e nella ricchezza nobili. Caratteri positivi Euripide esprime ripetutamente l'idea che il desiderio sfrenato di ricchezza può spingere una persona al crimine.

Merita attenzione l'atteggiamento di Euripide nei confronti degli schiavi. Crede che la schiavitù sia ingiustizia e violenza, che le persone abbiano la stessa natura e uno schiavo, se ha un'anima nobile, non è peggiore di uno libero.

Euripide risponde spesso nelle sue tragedie agli eventi della guerra del Peloponneso. Sebbene sia orgoglioso dei successi militari dei suoi compatrioti, generalmente ha un atteggiamento negativo nei confronti della guerra. Mostra la sofferenza che la guerra porta alle persone, in particolare alle donne e ai bambini. La guerra può essere giustificata solo se le persone difendono l’indipendenza della propria patria.

Queste idee collocano Euripide tra i pensatori più progressisti dell'umanità.

Euripide è diventato il primo drammaturgo a noi noto, nelle cui opere i personaggi dei personaggi non solo sono stati rivelati, ma anche sviluppati. Allo stesso tempo, non aveva paura di ritrarre in basso passioni umane, la lotta di aspirazioni contrastanti nella stessa persona. Aristotele lo definì il più tragico di tutti i drammaturghi greci.

La fama arrivò a Euripide dopo la sua morte. Già nel IV secolo. AVANTI CRISTO. fu definito il più grande poeta tragico, e questo giudizio su di lui rimase per tutti i secoli successivi.

Il teatro in età ellenistica

In epoca ellenistica (VI-I secolo a.C.), il teatro greco di epoca classica subì notevoli cambiamenti per quanto riguarda la drammaturgia, la recitazione e l'architettura. edificio del teatro. Questi cambiamenti sono associati a nuove condizioni storiche.

Commedie e tragedie vengono ancora messe in scena nel teatro di epoca ellenistica. Ma dalle tragedie del IV secolo. AVANTI CRISTO. Sono sopravvissuti solo piccoli frammenti e, a quanto pare, i meriti artistici della tragedia ellenistica erano piccoli. Sono disponibili molti più dati per giudicare la commedia, poiché sono sopravvissuti solo un'opera teatrale e diversi estratti di altre opere teatrali del più grande comico dell'epoca, Menandro.

La commedia dell'era ellenistica è chiamata nuova commedia attica (o neo-attica). Il suo periodo di massimo splendore fu la fine del IV-III secolo. AVANTI CRISTO. La nuova commedia attica rifletteva a modo suo i cambiamenti avvenuti nella vita socio-politica della Grecia entro la metà del IV secolo. AVANTI CRISTO. Le idee sull'ordine divino del mondo e la fede nel trionfo finale della giustizia vengono sostituite dalla fede nell'onnipotenza del caso. La vita di una persona, la sua felicità personale, stato sociale- tutto dipende dal caso. Il caso determina l'emergere e la risoluzione dei conflitti nella commedia stessa, che si pone il compito di riprodurre la vita contemporanea solo in termini di relazioni familiari e quotidiane. Il motivo dell'amore gioca un ruolo importante nella nuova commedia.

Gli autori della nuova commedia attica hanno ampiamente utilizzato la teoria psicologica dello studente di Aristotele Teofrasto, secondo la quale tutti i tratti caratteriali si manifestano nell'aspetto di una persona e nelle sue azioni. Le descrizioni fisionomiche di Teofrasto hanno indubbiamente influenzato il disegno delle maschere, che hanno aiutato gli spettatori a riconoscere questo o quel personaggio.

L'influenza di Euripide è evidente nella nuova commedia. La vicinanza di molti dei suoi eroi alla vita, la rivelazione delle loro esperienze emotive, è ciò che la nuova commedia ha preso da Euripide.

La caratteristica principale della nuova commedia era l'assenza di un coro, che sarebbe stato organicamente collegato allo sviluppo dell'azione; il coro si esibiva solo durante gli intervalli. Il prologo della nuova commedia ha fornito un breve riassunto degli eventi, che avrebbe dovuto aiutare lo spettatore a comprendere il complesso intrigo. Un'altra caratteristica del nuovo ballo comico è il suo orientamento filantropico umano. Le opere migliori portarono avanti le idee avanzate della filosofia ellenistica. Nonostante la mancanza di temi politici, la nuova commedia rifletteva quanto segue problemi importanti, come metodi di educazione, atteggiamento nei confronti delle donne, nei confronti dei rappresentanti di varie classi, verso gli estranei. Inoltre, venivano costantemente predicate relazioni più morbide e umane tra le persone. La nuova commedia attica ha avuto un enorme successo di pubblico. Il pubblico è stato attratto dal modo in cui è stata sviluppata anche una trama banale o una maschera familiare: la molla dell'azione è stata un intrigo abilmente organizzato, il cui sviluppo è stato portato avanti in modo sottile e abile.

Durante l'epoca ellenistica il teatro divenne uno dei conduttori della cultura greca in Oriente. I teatri furono costruiti non solo nei grandi centri commerciali appena emersi, ma anche nelle piccole città. Ad Alessandria, capitale del regno tolemaico in Egitto, sotto Tolomeo, si svolgevano festeggiamenti in onore di Dioniso, organizzati con grande sfarzo, durante i quali venivano messe in scena rappresentazioni di tragedie e commedie. Il regime monarchico instaurato negli stati ellenistici e il graduale declino della cultura classica greca si manifestano nel teatro e in altre forme d'arte. La commedia antica sta scomparendo completamente. La nuova commedia riproduceva la vita moderna solo in termini di relazioni familiari e quotidiane e di esperienze personali di una persona. Allo stesso tempo, le tendenze quotidiane della nuova commedia richiedevano agli artisti di cambiare di conseguenza il loro stile di recitazione. Il volto dell'attore conserva ancora una maschera, ma il numero delle maschere utilizzate è aumentato (9 per i ruoli maschili, 17 per i ruoli femminili, 11 per i giovani e 7 per gli schiavi), l'espressività di queste maschere indica un desiderio, forse, di una maggiore individualizzazione. tipologie tradizionali commedie. In epoca ellenistica si esibirono per la prima volta attori professionisti. Apparvero associazioni di recitazione che si impegnarono a proteggere gli interessi dei loro membri e agirono anche come organizzatori di concorsi drammatici e musicali. I membri delle associazioni erano solo uomini e per di più nati liberi. In epoca ellenistica, anche gli attori erano molto rispettati e le associazioni di attori avevano dei diritti entità legale. Per organizzare gli spettacoli, anche durante la guerra, gli attori potevano recarsi liberamente in altri Stati; la loro persona e i loro beni erano inviolabili. Gli attori stessi hanno ricevuto l'esenzione dal servizio militare.

Nella sua architettura, il teatro di epoca ellenistica differisce dal teatro epoca classica. Sono arrivate fino a noi le rovine dei teatri ellenistici, poiché erano già costruiti in pietra. Gli scavi permettono di ricostruirne la pianta e le componenti con grande precisione. Dei teatri dell'era ellenistica, i teatri sono conosciuti a Epidauro, Megalopoli (città del Peloponneso), Priene, Efeso ( Asia minore). Davanti al piano inferiore si trova un prolungamento in pietra costituito da pilastri con semicolonne poste frontalmente (in alcuni teatri da semicolonne e colonne piene) e dotato di copertura piana. Questa estensione è chiamata proskenium nell'iscrizione di Oropus, e proskenium e logeion nei documenti di costruzione di Delo. Le rappresentazioni della nuova commedia, in cui il coro non era più presente, furono eseguite non sull'orchestra, ma sul tetto piano che va dalle colonne del proscenio al 2° piano della skena. Questa zona scenica era chiamata logeion e talvolta semplicemente proscenio. La stanza sotto il proscenio era chiamata iposchenio. Dietro il logeion si trovava il 2° piano della skene-episkenium. La sua facciata, secondo alcuni ricercatori, all'inizio dell'era ellenistica era un solido muro con porte, davanti al quale si svolgeva l'azione. Tuttavia, intorno al 2 ° secolo. AVANTI CRISTO. Nel muro furono praticate ampie aperture e così furono predisposte le uscite dall'episkenium al logeion. Queste aperture, chiamate firom, servivano non solo per l'apparizione degli attori, ma anche per approfondire la zona scenica; in essi si nascondevano attori che, secondo la commedia, avrebbero dovuto rifugiarsi o impegnarsi in intercettazioni.

In tutti i teatri dell'epoca ellenistica l'orchestra forma un cerchio completo o quasi completo. Il suo diametro varia a seconda delle dimensioni degli edifici da circa 11 a 30 m, la scena ha solitamente la forma di un quadrilatero allungato, la cui profondità media è di 4 - 7 m e la larghezza massima è di 35 - 40 m. La paraskenia si estinse gradualmente in epoca ellenistica, il che si spiega con l'apparizione di un palcoscenico elevato. Con le somiglianze indicate, ogni singolo teatro ellenistico aveva una serie di caratteristiche nella sua struttura. Alcuni di questi teatri furono costruiti già nel V (teatro Eretrio) e nel IV secolo. aC, ma in epoca ellenistica subirono notevoli ristrutturazioni.

Struttura del teatro.Architettura del teatro

È necessario dire qualcosa sull'architettura dell'antico teatro greco, perché... influenzò notevolmente anche la successiva architettura dei teatri.

Il carattere popolare del teatro antico determinava le caratteristiche della sua organizzazione e struttura. L'antico teatro greco era costruito all'aperto ed era composto da 3 parti principali: orchestra (Orchestra - dal verbo orheomai - io ballo), theatron (Teatron - posti per gli spettatori) e skena (Skena - tenda, in seguito una struttura in legno) .

Inizialmente, il luogo degli spettacoli era allestito in modo estremamente semplice: il coro, con i suoi canti e danze, si esibiva su una piattaforma rotonda e compatta, attorno alla quale si radunava il pubblico. Ma quando l’importanza dell’arte teatrale aumentò nella vita sociale e culturale della Grecia e il dramma divenne più complesso, sorse la necessità di miglioramenti. Il paesaggio collinare della Grecia ha suggerito la disposizione più razionale del palco e dei posti per gli spettatori: l'orchestra cominciò a trovarsi ai piedi della collina e il pubblico si trovava lungo il pendio.

Tutti i teatri dell'antica Grecia erano aperti e potevano ospitare un numero enorme di spettatori. Il Teatro di Dioniso di Atene, ad esempio, poteva ospitare fino a 17mila persone, il teatro di Epidauro fino a 10mila.

La dimensione del teatro era determinata dal diametro dell'orchestra (da 11 a 30 m). La scena era situata tangenzialmente al cerchio dell'orchestra. La parete anteriore dello skene proskenium, che di solito aveva l'aspetto di un colonnato, raffigurava la facciata di un tempio o di un palazzo. Adiacenti alla skene c'erano due edifici laterali chiamati paraskenia. Paraskenia fungeva da luogo in cui conservare scenografie e altre proprietà teatrali.

Tra la scena e i posti per gli spettatori, che occupavano poco più della metà del cerchio, c'erano dei passaggi attraverso i quali gli spettatori entravano nel teatro prima dell'inizio dello spettacolo, e poi il coro e gli attori entravano nell'orchestra.

La semplicità dell'attrezzatura scenica non era dovuta al debole livello di sviluppo della tecnologia antica. Nel teatro dell'era classica, l'attenzione del pubblico era focalizzata sullo sviluppo dell'azione, sul destino degli eroi e non sugli effetti esterni.

La disposizione del teatro greco assicurava una buona udibilità. Inoltre, in alcuni teatri, tra i posti del pubblico venivano posizionati vasi risonanti per amplificare il suono. Tenda dentro antico teatro greco così non fu, anche se è possibile che in alcune rappresentazioni alcune parti del proscenio fossero temporaneamente chiuse al pubblico.

Voglio anche tenere conto di come è stato organizzato tutto sul palco stesso dove si è svolta l'azione. C'era una volta un piccolo baldacchino, dietro il quale il solista del coro cambiava i costumi, faceva da sfondo al palco. Aveva tre porte e, a seconda di quale di esse appariva l'attore, veniva da una casa vicina, dalla città o da lontano. Le scene dipinte rendevano le performance degli attori più espressive e potevano essere cambiate. Furono inventati alcuni dispositivi: un'alta piattaforma su cui il dio poteva apparire fluttuante nell'aria, corde speciali con l'aiuto delle quali poteva scendere dal cielo alla terra. C'era anche una piattaforma rotante, dove potevano mostrare gli eventi che si svolgevano all'interno della stanza. È così che apparve Clitennestra con un'arma insanguinata in mano, in piedi accanto al cadavere di suo marito, il re Agamennone.

Lo sviluppo della drammaturgia determinò l'evoluzione delle tecniche di messa in scena nel teatro greco. Nelle prime tragedie di Eschilo, lo scenario era di legno massiccio. Sotto Sofocle apparvero decorazioni dipinte che contribuirono a trasformare il proskenium nella facciata di un palazzo o tempio, nella parete anteriore della tenda del leader. In alcune commedie, l'azione veniva trasferita da un luogo all'altro e nel teatro si trovavano una accanto all'altra. Il contenuto del dramma greco richiedeva l'uso di macchine teatrali. Le divinità volavano su e giù con l'aiuto di blocchi, e nulla era nascosto al pubblico e erano sempre visibili la corda e il gancio, che servivano per agganciare alla cintura l'attore “librato nell'aria”. Nell'antichità esisteva l'espressione latina Deus ex machina (dio dalla macchina). Con l'aiuto di queste macchine, la divinità appariva sulla scena e risolveva facilmente i rapporti troppo complicati tra i personaggi. I più comuni erano: ekkiclema (una piattaforma retrattile su ruote basse, che mostrava al pubblico cosa stava accadendo o accadeva all'interno della stanza) (nelle tragedie, solitamente scene di omicidi), eorema (un dispositivo che permetteva agli dei e ad altri personaggi di sollevarsi in aria e caduta).

Attori, maschere e costumi

Grazie allo stretto legame del teatro greco con il culto di Dioniso, gli attori erano tenuti in grande considerazione in Grecia e occupavano un'elevata posizione sociale. Solo un nato libero poteva essere un attore. Loro, come i drammaturghi, potrebbero prendere parte attiva alla vita della Grecia. Potrebbero essere eletti a posizioni governative di alto livello ad Atene e inviati come ambasciatori in altri stati. All'inizio, solo i coreghi e il drammaturgo furono riconosciuti come vincitori nelle competizioni drammatiche. Ma a partire dalla seconda metà del V sec. AVANTI CRISTO. I protagonisti hanno preso parte anche a concorsi teatrali. Nel dramma greco, il numero degli attori non superava le tre persone, quindi lo stesso attore doveva interpretare diversi ruoli durante lo spettacolo. Se nelle commedie c'erano ruoli muti, erano interpretati da comparse.

I ruoli delle donne sono sempre stati interpretati dagli uomini. Gli attori tragici e comici dovevano non solo recitare bene la poesia, ma possedere anche abilità vocali, poiché nelle parti più patetiche del dramma gli attori eseguivano arie. Attraverso l'esercizio costante, gli attori greci hanno sviluppato la forza, la sonorità e l'espressività delle loro voci, una dizione impeccabile e hanno portato l'arte del canto a una grande perfezione. Ma oltre a questo, l'attore greco doveva padroneggiare l'arte della danza e, in generale, l'arte del movimento nel senso più ampio del termine. Pertanto, l'attore greco ha dovuto lavorare molto sulla flessibilità e sull'espressività del suo corpo.

Gli attori teatrali greci indossavano maschere. Ogni personaggio aveva la sua maschera, erano dipinti con colori vivaci ed erano chiaramente visibili da lontano, in modo che a prima vista fosse chiaro quale ruolo stesse interpretando l'attore. Probabilmente a quei tempi il palco non era illuminato come adesso, e dalle ultime file non era facile scorgere l’espressione del volto dell’attore. Le maschere venivano scolpite e dipinte con grande cura per rispecchiare le caratteristiche principali del personaggio a cui appartenevano. Avevano un foro per la bocca dell'attore in modo che si potesse sentire il suo discorso, e gli occhi avevano la forma di fessure strette o trasparenti.

Le maschere penetrarono nel teatro greco per il primordiale legame di quest'ultimo con il culto di Dioniso. Il sacerdote che ritraeva la divinità indossava sempre una maschera. Tuttavia, a teatro periodo classico le maschere non avevano più un significato di culto. Ma ha soddisfatto gli obiettivi del teatro greco di creare immagini ampie e generalizzate. “Quindi, ad esempio, il carattere o l'umore momentaneo del personaggio è stato determinato dalla maschera che l'attore ha messo sul suo viso: ridente, triste, pacifico. Cambiavano ogni volta che l'esecutore passava, rispettivamente, dalla gioia alla tristezza, dal dolore allo stato d'animo calmo. Inoltre, il colore della maschera aveva un certo significato: ad esempio, dal suo colore cremisi, gli spettatori riconoscevano una persona irritabile, e dal rosso una persona astuta e insidiosa. Le maschere erano di legno o di lino; in quest'ultimo caso il lino veniva teso su un telaio, ricoperto di gesso e dipinto. Le maschere coprivano non solo il viso, ma l'intera testa, in modo che l'acconciatura fosse fissata sulla maschera, alla quale, se necessario, veniva attaccata anche la barba. La maschera tragica aveva solitamente una sporgenza sopra la fronte, che aumentava l'altezza dell'attore. Nella commedia antica, la maggior parte delle maschere avevano lo scopo di evocare la risata, da qui il loro carattere caricaturale e grottesco. Oltre ai personaggi di fantasia, i poeti della commedia antica portavano in scena anche i loro contemporanei. La maschera in questi casi era solitamente un ritratto caricaturale.

Il costume degli attori tragici era una modifica dei magnifici abiti indossati dai sacerdoti di Dioniso durante lo svolgimento delle cerimonie religiose. Il chitone teatrale (abito in tessuto di lino) aveva maniche lunghe e scendeva fino alla punta dei piedi. I mantelli erano usati principalmente in due tipi: gilmatiya (un ampio mantello con pieghe attorno al corpo) e clamide (un mantello corto con una fibbia sulla spalla). Alcuni personaggi indossavano abiti speciali. Su chitoni e mantelli teatrali venivano ricamati vari disegni, spesso complessi: fiori, palme, stelle, spirali, arabeschi, nonché figure di persone e animali. Anche il colore sugli abiti aveva un certo significato: i ruoli dei fortunati venivano interpretati con abiti a strisce gialle o rosse, e le strisce blu o verdi indicavano gli sfortunati. Le scarpe dell'attore tragico erano chiamate coturni (scarpe con la tomaia alta). I coturni da palcoscenico avevano suole spesse costituite da diversi strati, che aumentavano l'altezza dell'attore. Per conferire ancora maggiore maestosità alla loro figura, gli attori tragici posizionavano sotto i vestiti speciali imbottiture o piccoli cuscini, mantenendo le proporzioni naturali del corpo. Nella commedia, l'uso di cuscini e imbottiture, al contrario, era causato dal desiderio di sconvolgere le normali proporzioni del corpo umano e quindi provocare risate. Personaggi femminili le commedie erano ordinarie vestito da donna, personaggi maschili- corto o impermeabile.

Molte figurine raffiguranti attori dell'antica commedia greca sono sopravvissute fino ad oggi. La maschera ha gli occhi sporgenti, un naso brutto, una bocca spalancata e lo stomaco e il sedere sono ingranditi con l'aiuto di cuscini appoggiati.

Se ricordiamo che il dramma greco ebbe origine dalla danza e veniva rappresentato alla presenza di un coro i cui membri sapevano cantare e ballare, possiamo confrontarlo con il balletto moderno e capire meglio perché la gente lo ama così tanto.

Coro e pubblico

C'era molta musica nelle commedie greche. Uno dei ruoli più importanti apparteneva necessariamente al coro, una sorta di personaggio collettivo. Il coro non ha preso parte all'azione, ma la ha commentato attivamente, ha valutato i personaggi, li ha condannati o lodati, entrando in conversazione con loro e talvolta si è lasciato andare a ragionamenti filosofici. Nelle tragedie, il coro era serio e premuroso. Molto spesso, come intendeva l'autore, rappresentava i rispettabili cittadini della città in cui si svolge l'azione. Nelle commedie, il coro era spesso composto da personaggi comici. In Aristofane, ad esempio, queste sono rane, uccelli, nuvole. Le sue famose commedie hanno nomi corrispondenti. Le esibizioni erano basate sull'alternanza di canto e recitazione. Anche la commedia greca cambiò aspetto. Le commedie iniziarono ad essere messe in scena nel V secolo. AVANTI CRISTO. Le produzioni comiche di questo periodo avevano le loro regole. Gli attori hanno aperto lo spettacolo; questa scena fu chiamata prologo; dopo Eschilo, i prologhi apparvero anche nelle tragedie. Poi è entrato il coro. Anche la commedia consisteva in episodi, ma non c'erano stasi, poiché il coro non si bloccava in un punto, ma interveniva direttamente nell'azione. Quando gli eroi litigavano, litigavano o litigavano, dimostrando di avere ragione, il coro veniva diviso in due semicori e aggiungeva benzina sul fuoco con commenti appassionati. La commedia includeva una parabassa (greco per “passare”), una parte corale che non aveva quasi nulla a che fare con la trama. Nel parabasso il coro sembrava parlare a nome dell'autore, che si rivolgeva al pubblico, caratterizzando la propria opera.

Non ci sono battute crude qui,

non ci sono danze, cordak,

C'è un vecchio qui, che mormora poesie,

bastone dell'interlocutore

Non colpisce per coprire

sale di piccante inzuppato.

Qui non gridano “Guai alla sfortuna!”,

Non vanno in giro con una torcia.

Crede nel potere delle sue canzoni

e una commedia in sé.

Aristofane. “Nuvole” (traduzione di A.I. Piotrovsky)

Nel corso del tempo, le parti corali nella commedia furono ridotte, e già nel IV secolo. AVANTI CRISTO. La commedia greca, come la tragedia, si avvicinava nella forma e nel contenuto al dramma quotidiano. Molte parole del lessico teatrale greco sono rimaste nelle moderne lingue europee, spesso con significati diversi. E la parola "teatro" deriva dal greco "theatron" - "un luogo dove le persone si riuniscono per guardare".

Il coro tragico inizialmente era composto da 12 persone, poi la sua composizione fu aumentata a 15. Nella commedia, il coro era sempre composto da 24 persone. I membri del coro erano chiamati coreuti, il leader del coro era chiamato luminare. Entrando nell'orchestra, il coro era guidato da un flautista che si fermava sui gradini dell'altare situato al centro dell'orchestra.

Nella tragedia, il coro di solito rappresentava persone vicine al personaggio principale. Così, nel “Prometeo incatenato” di Eschilo, il coro è formato dalle Oceanidi, figlie dell'Oceano, che simpatizzano con la sofferenza di Prometeo e sono pronte a condividere il suo destino.

Il coro comico rappresentava non solo persone, ma anche animali e creature fiabesche. Ad esempio, nella commedia "Nuvole" di Aristofane il coro è composto da nuvole.

C'è un'opinione secondo cui nella tragedia il coro rallenta l'azione ed è un omaggio alla tradizione del culto. Tuttavia non lo è. La tragedia si è sviluppata sulla base di un coro tragico, dal quale è stato successivamente individuato un attore. Con l'avvento del secondo e del terzo attore il ruolo del coro si indebolisce, drammatico conflitto ora può svolgersi tra gli eroi e senza la partecipazione del coro. Ma il coro non scompare. Esiste come componente indispensabile in tutti i poeti tragici del periodo classico, sebbene non sempre porti lo stesso carico drammatico. La vitalità del coro in questo periodo si spiega con il fatto che nella tragedia fu necessario come portavoce dell'opinione pubblica. Il coro era un eroe collettivo, le sue parti aiutano ancora a comprendere il significato filosofico e umano della tragedia in termini di risoluzione del conflitto principale.

Gli spettacoli teatrali si svolgevano nei giorni delle feste nazionali di Dioniso. Tutte le attività in questo momento sono state sospese. I tribunali furono chiusi, i debitori furono liberati dal pagamento dei debiti per tutti i giorni delle vacanze. Anche i prigionieri sono stati rilasciati dal carcere per poter partecipare alla celebrazione generale. Oltre agli uomini, nel teatro c'erano donne, bambini e persino servi e schiavi domestici. Le persone si radunavano per questi spettacoli dall'alba. All'inizio veniva loro concesso il diritto di occupare da soli qualsiasi posto, e spesso si trattava di scontri; i combattenti venivano separati da servi assunti per questo scopo. Successivamente, per sedare i disordini e coprire i costi di manutenzione degli edifici teatrali, le autorità cittadine introdussero l'emissione di biglietti d'ingresso: cerchi di rame simili a monete e chiamati simboli. Sotto Pericle, i cittadini poveri ricevevano speciali soldi per l'intrattenimento per visitare il teatro.

Il teatro aveva posti rigorosamente designati gruppi diversi spettatori. Il primo era assegnato a funzionari governativi, sacerdoti e generali. Loro, seduti sulle poltrone, non avevano bisogno dei biglietti. Dietro le sedie, separate da un passaggio, c'erano le panchine per il pubblico facoltoso. Ogni settore era etichettato con una lettera, iniziando con A (alfa). La stessa lettera veniva utilizzata anche per contrassegnare il retro dei biglietti simbolo con l'immagine della testa della dea Atena o del volto di un leone, considerato guardiano contro tutto il male.

Simboli coniati significativamente peggiori, senza immagini e contrassegnati con la stessa lettera su entrambi i lati, servivano come biglietti per il livello successivo. Le lettere su questi biglietti corrispondevano alla designazione dei settori per gli spettatori con un reddito medio.

C'erano simboli resi ancora più rozzamente e contrassegnati con due lettere identiche sul davanti e lati inversi. Questi biglietti erano destinati al livello superiore, dove le panchine dei settori in cui si trovavano i poveri spettatori erano contrassegnate da quattro lettere.

Il numero di persone che ricevono i simboli contemporaneamente non deve superare il numero di posti sulle panchine. I biglietti sono stati ritirati all'ingresso. Gli spettacoli drammatici ad Atene iniziarono all'alba e continuarono fino alla sera. Il pubblico ha mangiato e bevuto nel teatro stesso. Tutti erano vestiti con abiti festivi, le loro teste erano decorate con ghirlande. Alle Grandi Dionisie ci fu un enorme raduno di cittadini, a cui si unirono anche residenti di altre città-stato provenienti da tutta la Grecia.

I lotti determinavano l'ordine in cui venivano presentate le opere dei drammaturghi in competizione. Il suono di una tromba annunciava l'inizio di ogni brano. Il pubblico ateniese fu molto ricettivo e spontaneo. Se lo spettacolo piaceva, il pubblico esprimeva la sua approvazione con applausi e grida. Tra gli spettatori c'erano anche polene. Si dice che il comico Filemone (IV secolo a.C.) li usò più di una volta con successo contro il suo avversario Menandro. Se lo spettacolo non piaceva, il pubblico fischiava, schioccava la lingua e batteva i piedi. Ci sono stati anche casi in cui un attore è stato scacciato dal palco con delle pietre e ha chiesto di interrompere lo spettacolo e iniziarne uno nuovo. Pertanto, il giudizio del pubblico era essenziale per la buona riuscita dello spettacolo.

Organizzazione di spettacoli teatrali

Il teatro in Grecia era un'istituzione statale e l'organizzazione degli spettacoli teatrali veniva intrapresa dallo stato stesso, incaricando questi scopi persone speciali. I drammi venivano messi in scena in tre festività in onore di Dioniso: Dionisie piccole o rurali (dicembre-gennaio); Leneiakh (gennaio - febbraio); Dionisie Grandi o Urbane (marzo-aprile). Spettacoli drammatici si sono svolti come concorsi per drammaturghi. Vi hanno preso parte tre poeti tragici e comici. Ciascuno dei tragici deve presentare quattro commedie: tre tragedie e un dramma satirico (questa è un'opera divertente su una trama mitologica con un coro composto da satiri). Tre tragedie collegate dall'unità della trama costituivano una trilogia, dopo la quale veniva messo in scena un dramma satirico. Una trilogia e un dramma satirico costituivano una tetralogia. La competizione è durata tre giorni. Ogni giorno al mattino venivano rappresentate tre tragedie e un dramma satirico. La sera hanno rappresentato una commedia di uno dei poeti comici partecipanti al concorso. I drammaturghi ricevevano un coro dall'arconte (il più alto funzionario di Atene), ma tutti i costi associati alla formazione del coro erano a carico di ricchi concittadini (un corego è un cittadino ricco che preparava il coro per concorsi drammatici). Khoreg ha dovuto organizzare un coro con i propri soldi e realizzarne i costumi. Per i concorsi drammatici erano necessari sei choreg: tre per le tetralogie e tre per le commedie. Il coregi eleggeva gli amanti del teatro, di cui non mancavano in quell'epoca. All'inizio i drammaturghi scrivevano da soli la musica e formavano il coro da soli, ma ben presto dovettero ricorrere all'aiuto di insegnanti speciali. L'adempimento dei doveri di choregas e la partecipazione al tragico coro erano molto rispettati. Si credeva che i coreografi, gli attori e i membri del coro fossero sotto la protezione speciale della divinità. Tutti loro erano addirittura esentati dal servizio militare mentre si preparavano per i concorsi teatrali. Funzionari eletti speciali hanno giudicato la competizione. Sono stati istituiti tre premi per i drammaturghi vincitori. Il drammaturgo che si classificò al terzo posto nel concorso fu considerato sconfitto. Oltre al compenso, il drammaturgo ha ricevuto come ricompensa una corona d'edera dallo Stato. I coreografi che hanno preparato il coro per i drammaturghi vincitori hanno avuto un grande onore. Tale corega aveva il diritto di erigere un monumento per commemorare la sua vittoria. Su questo monumento erano scritti l'orario dello spettacolo, il nome del drammaturgo vincitore, il titolo della sua opera teatrale e anche il nome del coreografo. I risultati delle gare venivano inseriti nel didaskal (protocollo in cui venivano inseriti i risultati delle gare), che era conservato nell'Archivio di Stato di Atene.

Spettacolo di marionette

L'inventore, lo scienziato greco Heron, creò il primo teatro delle marionette. Questo teatro si muoveva su ruote nascosto al pubblico ed era una piccola struttura architettonica: quattro colonne con base e architrave comuni. Sul suo palco i pupi, azionati da un complesso sistema di corde e ingranaggi, anch'essi nascosti alla vista del pubblico, rievocavano la cerimonia della festa in onore di Dioniso. Non appena il teatro si trasferì al centro della piazza della città, un fuoco divampò sul palco davanti alla figura di Dioniso, il vino fu versato da una ciotola sulla pantera sdraiata ai piedi della divinità e il seguito cominciò a ballare al ritmo della musica. Poi la musica e la danza si fermarono, Dioniso si voltò nella direzione opposta, una fiamma divampò sul secondo altare e l'intera azione si ripeté da capo. Dopo questa esibizione, le bambole si fermarono e lo spettacolo finì. Il secondo teatro, Girona, era di dimensioni molto piccole e tutto poteva essere facilmente spostato da un posto all'altro. Era una piccola colonna, in cima alla quale, nascosto dietro le porte, c'era un modello di palcoscenico teatrale. Si aprivano e chiudevano cinque volte, dividendo in atti il ​​dramma del triste ritorno dei vincitori di Troia. Su un minuscolo palcoscenico, con eccezionale abilità, mostrarono come le guerre costruirono e vararono velieri, li navigarono su un mare in tempesta e morirono nell'abisso sotto il lampo di fulmini e tuoni.

Conclusione

Riassumendo il lavoro del mio corso, posso dire di aver ripassato tutti gli argomenti indicati nel piano, imparato molte cose nuove e ammirare ancora di più gli antichi maestri greci che eressero teatri così enormi in quei tempi lontani, senza l'uso di macchine scientificamente progresso tecnico, cosa che non avrebbero potuto. Conoscevano e usavano la matematica alla perfezione nella pratica, calcolando la costruzione dell'edificio in modo tale che gli spettatori seduti nelle ultime file potessero ascoltare e vedere cosa stava succedendo sul palco, sarebbe bello se i nostri architetti potessero usare almeno leggermente la conoscenza degli antichi costruttori greci e ottenere la loro grazia ed estetica. Mi sono convinto che il dramma dell'antica Grecia abbia avuto un'enorme influenza sullo sviluppo del teatro mondiale. Ciò che è particolarmente attraente nel dramma greco antico è la presentazione di grandi questioni socio-politiche e filosofiche, la saturazione delle opere del teatro antico con idee di patriottismo, l'attenzione all'uomo con tutta la ricchezza della sua vita spirituale e la profonda rappresentazione di personaggi eroici che educano la coscienza del pubblico.

In un'opera sull'antico teatro greco, e non sulla sua influenza sui secoli successivi, compreso il nostro, non è necessario sollevare domande sull'enorme ruolo che hanno svolto e svolgono gli antichi teatri greci nella storia del teatro europeo e moderno. Ognuna di queste domande rappresenta un argomento ampio, vorrei solo dire che basterà ricordare che le opere degli antichi drammaturghi sono costantemente messe in scena sui palcoscenici dei teatri moderni, mentre nel dramma del nostro tempo ci sono intere direzioni che sono orientati verso il patrimonio antico.

Le spiegazioni per questo, ovviamente, dovrebbero essere cercate principalmente nel fatto che molte delle idee che hanno guidato autori greci antichi nella loro creatività, così come le immagini che hanno creato, sono più o meno in sintonia con la nostra epoca. L’umanità è sopravvissuta da tempo al sistema schiavista e feudale. Anche il sistema di oppressione capitalista è diventato obsoleto e siamo entrati saldamente nella via di nuove relazioni sociali. Tuttavia, grande morale e problemi filosofici, apparsi sul palcoscenico dell'antico teatro greco, rimangono rilevanti per noi come per le persone dell'antichità.

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DRAMMA GRECO. Tutti hanno popoli primitivi C'erano rituali religiosi e storie epiche che divennero fonti di dramma, ma i Greci furono i primi a dare alle idee primitive una forma drammatica altamente sviluppata.

L'età d'oro del dramma greco fu il V secolo. AVANTI CRISTO. La città-stato di Atene stava vivendo il culmine della situazione politica, economica e sviluppo artistico. I drammi venivano messi in scena in altre zone della Grecia, ma il dramma ateniese, o attico, si distingueva per la sua particolare raffinatezza e raffinatezza. Le rappresentazioni si tenevano tre volte l'anno in occasione dei festival dedicati a Dioniso: le Grandi Dionisie (in marzo - aprile secondo il nostro calendario), Lenee (in gennaio - febbraio) e le Dionisie rurali (in dicembre - gennaio). La festa principale era la Grande Dionisia, in cui ogni poeta tragico presentava tre tragedie e un dramma satirico - una breve farsa in cui la parte del coro veniva eseguita dai satiri, i compagni di Dioniso dalle zampe di capra. Il poeta comico ha presentato una commedia.

Gli spettacoli sono stati messi in scena in grande teatri aperti. Il teatro consisteva in una skena, una tenda dove gli attori si cambiavano (serviva anche da scenografia); orchestra: una piattaforma rotonda su cui si esibivano gli attori e il coro e un anfiteatro semicircolare dove sedeva il pubblico. Allo spettacolo prendeva sempre parte un coro, il numero dei partecipanti variava: Sofocle ne aveva 15, Aristofane 24. Il dramma non coinvolgeva mai più di tre attori, quindi ognuno interpretava più ruoli. I ruoli delle donne erano interpretati dagli uomini. Nelle tragedie gli attori indossavano lunghe tuniche riccamente decorate. Gli attori comici indossavano tuniche corte e i loro costumi erano spesso di natura grottesca o fantastica. Le maschere aiutavano a riconoscere i personaggi e ne amplificavano il suono con l'aiuto di un campanello in bocca. Grazie a maschere dai lineamenti larghi ed espressivi, coturni e scarpe con suole molto spesse, gli attori erano chiaramente visibili da tutte le file dell'immenso anfiteatro.

La parola "tragedia" tradotta dal greco significa "canto della capra". L'origine del nome potrebbe essere legata al sacrificio di una capra, accompagnato da danze rituali. Poetica Aristotele (384–322 a.C.) è la principale fonte di informazioni sul dramma greco. Aristotele credeva che la tragedia avesse origine dagli antichi ditirambi, inni che il coro cantava in onore di Dioniso. Si crede che forma letteraria per la recitazione, il poeta Arione (600 aC circa) diede il ditirambo. Apparentemente, dramma greco del V secolo. AVANTI CRISTO. ha origine rituale.

La tragedia è composta da un prologo, parti del coro, episodi ed esodo. Il prologo precede l'apparizione del coro. Venendo all'orchestra, il coro ha eseguito una parodia; Le parti del coro durante l'azione erano chiamate stasim. Gli episodi sono dialoghi tra attori tra parti del coro. Il canto del coro che concluse la tragedia si intitolava Esodo. Nei lamenti, cosiddetti commos, le parti del coro e degli attori potrebbero alternarsi, come, ad esempio, in Hoeforach Eschilo. Il poeta Tespi (VI secolo a.C.) è riconosciuto come il primo a mettere in scena una tragedia in cui l'attore era separato dal coro. Platino (534 a.C. circa) fu il primo a comporre un dramma satirico, ma delle sue opere sopravvive solo un frammento. Un altro famoso tragico fu Frinico, che per primo vinse nel 511 a.C. I nomi e i frammenti sopravvissuti delle sue tragedie indicano che erano basate non solo su argomenti mitologici, ma anche su eventi storici recenti.

Uno di più grandi scrittori Nell'antica Grecia, Eschilo (525–456 a.C.) ridusse il ruolo del coro, introdusse un secondo attore e fece del dialogo la parte principale della tragedia. Fu forse Eschilo il primo a riunire in una trilogia le tre tragedie presentate nelle Grandi Dionisie, in modo che diventassero essenzialmente tre atti tragici con un'unica trama. Eschilo vinse 13 gare drammatiche. Solo 7 delle 90 tragedie da lui scritte sono sopravvissute: Persiani, Sette contro Tebe, Richiedenti, Prometeo incatenato e trilogia Orestia, che include Agamennone, Khoefors E Eumenidi. IN Richiedentiè evidente che all'inizio Tragedia in soffitta il coro ha avuto il ruolo principale. Le eroine della tragedia sono le 50 figlie di Danae (Danaida), fuggite dagli odiati corteggiatori dall'Egitto alla Grecia. Persiani- l'unica tragedia sopravvissuta, la cui azione non è collegata al mito, ma a un evento storico: la vittoria dei Greci a Salamina nel 480 a.C. IN Prometeo incatenato Il titano Prometeo viene sconfitto e punito per la sua arroganza da Zeus, la nuova divinità suprema. Sette contro Tebe- la terza parte della trilogia perduta, che racconta la lotta per il trono tebano di Eteocle e Polinice, i figli di Edipo. Trilogia Orestia- Capolavoro di Eschilo. Nella prima parte, Agamennone, racconta del ritorno del re Agamennone dalla guerra e della sua morte per mano della stessa moglie Clitennestra e del suo amante Egisto. IN Hoeforach Il figlio di Agamennone, Oreste, vendica la morte del padre. IN Eumenidi Oreste è inseguito dalla dea vendicatrice Erinni. Al termine della tragedia viene assolto dal tribunale dell'Areopago istituito dalla dea Atena. La tragedia è contemporaneamente dedicata a diversi temi: la vittoria degli dei saggi e misericordiosi sulle dee della cieca vendetta; l'emergere di una corte civile in sostituzione della corte primitiva; l’abolizione della maledizione ancestrale.

Il secondo grande tragico greco, Sofocle (496–406 a.C.), era più interessato al mondo interiore dell'uomo che alla volontà degli dei nel suo destino. Sofocle ridusse il ruolo del coro e introdusse un terzo attore. Il drammaturgo ha ottenuto più di 20 vittorie e ha scritto oltre 110 tragedie, di cui 7 sono sopravvissute: Ajax, Antigone, Edipo re, Ragazze del cazzo, Elettra, Filottete, Edipo a Colono. Tre di essi sono dedicati alla famiglia del re Edipo. Non è possibile per una persona comprendere le forze incomprensibili che influenzano il suo destino ( Edipo re). L'onnipotente Edipo è perseguitato dal destino, sul quale non ha alcun controllo, ma lui stesso si sforza di scoprire la verità, a qualunque costo. IN Edipo a Colono il re appare come un vecchio vagabondo cieco, accompagnato solo dalla figlia Antigone. Si rifugia ad Atene, dove muore, benedicendo questa regione e maledicendo i suoi figli in guerra, Eteocle e Polinice. La loro guerra fratricida costituì la base Antigoni. Violando il divieto di Creonte, re di Tebe, Antigone seppellisce il fratello Polinice, come impone la consuetudine. Per questo viene condannata a morte. Due drammi di Sofocle Ajax E Filottete, dedicato agli eroi della guerra di Troia.

Sofocle presumibilmente disse di aver raffigurato le persone come dovrebbero essere, ed Euripide (485–406 a.C.) - come sono realmente. Euripide vinse solo 5 concorsi, ma nelle epoche successive le sue tragedie furono lette e messe in scena con entusiasmo. Il dramma satiresco di Euripide è stato conservato Ciclope e 18 delle sue tragedie: Alcesti, Medea, Ippolito, Andromaca, Ecuba, Eracleidi, Richiedenti, Ercole, Donne troiane, Elettra, E lui, Ifigenia in Tauride, Elena, Donne fenicie, Oreste, Baccanti, Ifigenia in Aulide E Ris(drammatizzazione infruttuosa della decima canzone Iliade; si ritiene che sia un falso). Le migliori tragedie di Euripide descrivono la sofferenza mentale di una donna. IN Medea La principessa della Colchia, che sapeva evocare, tradì suo padre e la sua patria per fuggire con Giasone. Quando Jason la tradì, in un impeto di gelosia uccise non solo la sua nuova sposa, ma anche i suoi due figli avuti da Jason. Nei lunghi monologhi di Medea, Euripide rivela magistralmente i sentimenti contrastanti dell'eroina. Le esperienze d'amore sono al centro Ippolita, ma la colpa è della dea Afrodite, che fu respinta da Ippolito, che fece voto di verginità ad Artemide. Per vendetta, Afrodite costringe la matrigna di Ippolito, Fedra, ad innamorarsi del figliastro. Di conseguenza, Fedra si suicida e Ippolito, falsamente accusato di aver tentato di disonorare la matrigna, muore tragicamente. La regina Alcesti, l'esatto opposto di Fedra e Medea, va volontariamente nella tomba al posto di suo marito.

Cinque delle tragedie di Euripide sono legate alla guerra di Troia: Donne troiane, Ecuba, Ifigenia in Aulide, Elena, Andromaca. È interessante notare che la guerra appare in loro come sofferenza senza senso e morte inutile. IN Ifigenia in Aulide Agamennone è costretto a sacrificare sua figlia Ifigenia ad Artemide affinché soffi un vento favorevole e le navi possano salpare per Troia. IN Donne troiane E Ecuba racconta la sofferenza che la moglie e la figlia del re troiano sopportano in prigionia tra i Greci. Complotto Oreste E Elettra lo stesso della grande trilogia di Eschilo. Baccanti- l'unica tragedia conosciuta in cui Dioniso è l'eroe. Ciclope, la cui trama è tratta da Odissea, è l'unico dramma satirico completamente conservato. Durante la vita di Euripide, la sua opera suscitò accuse di immoralità, poiché i suoi eroi non onoravano gli dei ed erano inclini all'amore illecito.

Le gare tra tragici continuarono ad Atene per diversi secoli, ma nessuna delle tragedie del IV secolo. AVANTI CRISTO. e nei secoli successivi non fu preservato. Nel 3 ° secolo. AVANTI CRISTO. l'interesse per la tragedia divampò brevemente ad Alessandria. Le tragedie di sette poeti, i cosiddetti. Le Pleiadi brillavano più per l'erudizione che per l'abilità drammatica. La storia della tragedia greca si conclude con la loro opera.

La parola "commedia" deriva dal greco. le parole “festa” e “canto”. Aristotele credeva che la commedia nascesse dai canti festivi che venivano eseguiti durante le feste in onore di Dioniso, ma già ai tempi di Aristotele si sapeva poco della storia della commedia attica. C'erano diversi tipi di commedia dorica; a Sparta attori mascherati rappresentavano scene farsesche della vita quotidiana; nelle città Magna Grecia sono stati posizionati phylaki, cioè scenette comiche che parodiavano storie mitologiche. A Sikyon (Peloponneso), un corteo di festaioli ubriachi ha eseguito davanti alla folla inni giocosi in onore di Dioniso. A Siracusa, il filosofo Epicarmo (500 aC circa) scrisse, per quanto si può giudicare dai frammenti sopravvissuti, commedie estremamente divertenti e spiritose. Grazie ai dipinti su vasi attici del VI sec. AVANTI CRISTO. è noto che ad Atene si tenevano spettacoli, forse legati al culto di Dioniso, in cui le persone si travestivano da animali. Forse queste rappresentazioni servirono come base per la prima commedia attica. Secondo le fonti, il primo comico ateniese fu Chionide, che vinse la competizione alle Grandi Dionisie nel 487 a.C. Il più famoso tra i primi comici ateniesi è Kratin (che vinse per primo nel 453 a.C.), che fece molto per la formazione della commedia attica.

Naturalmente, il teatro è una delle forme d'arte più misteriose. Questa è arte al confine tra due mondi, il nostro e l'altro mondo. Davanti agli occhi del pubblico prendono vita eroi morti da tempo, opere “morte” e storie famose. Ecco perché il teatro in Rus' (e in tutto il mondo) era considerato un'opera demoniaca e proveniente dal diavolo. Ma il teatro è anche un mezzo di propaganda e influenza su una persona che, mentre guarda lo spettacolo, percepisce inconsciamente ciò che l'autore, regista o attore vuole dirgli. Non è un caso che Giro nel suo libro “La vita privata e pubblica dei Greci” collochi la sezione “Spettacoli drammatici” nel capitolo “Religione”, cioè un'azione strettamente correlata al servizio degli Dei (cioè connessa con l'altro mondo) e che influenza un gran numero di persone.

Al giorno d'oggi la vita teatrale è varia: ci sono teatri con un solo uomo, teatri in cui il pubblico stesso prende parte alle rappresentazioni e è un personaggio dello spettacolo, teatri in cui non ci sono attori e il pubblico osserva il movimento di vari oggetti, e molti altri tipi di teatri. Ma l'intero (quasi tutto) mondo teatrale moderno è nato dal teatro antico che esisteva nell'antica Grecia molti secoli fa.

Bersaglio: considerazione del teatro greco antico.

Questo obiettivo implica la risoluzione di quanto segue compiti:

1. Considera il teatro dell'antica Grecia e formula le caratteristiche dei generi drammatici di questo periodo.
2. Considera l'architettura dell'antico teatro greco.

1. L'origine del dramma e del teatro greco antico.

L'apparizione del dramma in Grecia fu preceduta da un lungo periodo, durante il quale il posto dominante fu occupato prima dall'epica e poi dalla lirica. Conosciamo tutti la ricca epopea eroica - le poesie "Iliade" e "Odissea", l'epopea didattica (istruttiva) - le poesie di Esiodo (VII secolo aC); Queste sono opere di poeti lirici del VI secolo. AVANTI CRISTO.

La nascita del dramma e del teatro greco è legata ai giochi rituali dedicati agli dei protettori dell'agricoltura: Demetra, sua figlia Kore, Dioniso. Tali rituali a volte si trasformavano in drammi di culto. Ad esempio, nella città di Eleusi, durante i misteri (sacramenti frequentati solo dagli iniziati), si svolgevano giochi durante i quali si svolgevano il matrimonio di Zeus e Demetra, il rapimento di Kore da parte di Plutone, il vagabondare di Demetra alla ricerca della figlia e il venivano raffigurati il ​​ritorno di Kore sulla terra.

Dioniso (o Bacco) era considerato il dio delle forze creative della natura; in seguito divenne il dio del vino, e poi il dio della poesia e del teatro. Le piante, soprattutto la vite, servivano come simboli di Dioniso. Era spesso raffigurato come un toro o una capra.

Durante le festività dedicate a Dioniso, venivano cantate non solo solenni, ma anche allegre canzoni di carnevale. Le mummers che costituivano il seguito di Dioniso organizzarono una festa rumorosa. I partecipanti alla processione festosa si imbrattavano il viso con fondi di vino e indossavano maschere e pelli di capra.

Dai giochi rituali e dai canti in onore di Dioniso, nacquero tre generi dell'antico dramma greco: tragedia, commedia e commedia satirica (dal nome del coro composto da satiri). La tragedia rifletteva il lato serio del culto dionisiaco, mentre la commedia rifletteva il lato carnevalesco-satirico. Il dramma satirovskaya sembrava essere un genere medio. Divertente

il suo carattere giocoso e il lieto fine ne determinarono il posto nelle feste in onore di Dioniso: il dramma satirico veniva messo in scena come conclusione della rappresentazione delle tragedie.

La tragedia, secondo Aristotele, ha avuto origine dal canto dei ditirambi, la commedia - dal canto delle canzoni falliche, ad es. canzoni in cui venivano glorificate le forze feconde della natura. Il dialogo che questi cantanti hanno condotto con il coro era mescolato con elementi di recitazione e il mito sembrava prendere vita davanti ai partecipanti alla festa.

Le stesse parole tragedia e commedia possono dirci molto sulle origini del dramma greco. La parola tragedia deriva da due parole greche: tragos - "capra" e ode - "canzone", cioè. "canzone delle capre" Questo nome ci porta ancora una volta ai compagni satiri di Dioniso, creature dai piedi di capra che glorificavano le gesta e le sofferenze del dio. La parola commedia deriva dalle parole komos e ode. "Komos" è una processione di una folla ubriaca di mummers, che si inondano di scherzi e scherni, durante le feste rurali in onore di Dioniso. Di conseguenza, la parola commedia significa "canzone del komos".

La tragedia greca, di regola, prendeva trame dalla mitologia, che era ben nota a ogni greco. L'interesse del pubblico si è concentrato non sulla trama, ma sull'interpretazione del mito da parte dell'autore, sulle questioni sociali e morali che si sono svolte attorno ai noti episodi del mito. Usando un guscio mitologico, il drammaturgo rifletteva nella tragedia la sua vita sociale e politica contemporanea, esprimeva le sue opinioni etiche, filosofiche e religiose. Pertanto, il ruolo delle idee tragiche nell'educazione socio-politica ed etica dei cittadini è stato enorme.

Già nella seconda metà del VI sec. AVANTI CRISTO e. La tragedia ha raggiunto uno sviluppo significativo. La storia antica riporta che il primo poeta tragico ateniese fu Tespi (VI secolo aC). La prima rappresentazione della sua tragedia (il cui nome è sconosciuto) ebbe luogo nella primavera del 534 a.C. e. alla festa del Grande Dionisio. Quest'anno è considerato l'anno della nascita del teatro mondiale.

A Thespis viene attribuito il merito di aver migliorato maschere e costumi teatrali. Ma la principale innovazione di Tespi fu la separazione di un esecutore, un attore, dal coro. Questo attore, o, come veniva chiamato in Grecia, ipocrito ("risponditore"), poteva rivolgersi al coro con domande, rispondere alle domande del coro, ritrarre vari personaggi durante l'azione, lasciare l'area del palco e ritornarvi.

Pertanto, la prima tragedia greca era una sorta di dialogo tra attori e coro e nella forma assomigliava più a una cantana. Allo stesso tempo, sebbene la parte dell'attore nel dramma originale fosse piccola in quantità e il ruolo principale fosse interpretato dal coro, è stato l'attore dal suo stesso aspetto a diventare portatore di un principio efficace ed energico.

Nella commedia, molto più ampia che nella tragedia, i motivi quotidiani si mescolavano a quelli mitologici, che via via divennero predominanti o addirittura unici, sebbene in generale la commedia fosse ancora considerata dedicata a Dioniso. Così, durante il komos, iniziarono ad essere rappresentate piccole scene di contenuto quotidiano e parodia-satirico. Queste scenette improvvisate rappresentavano una forma elementare di teatro popolare di farsa e venivano chiamate mimi (tradotto come "imitazione", "riproduzione"; gli interpreti di queste scenette erano anche chiamati mimi). Gli eroi dei mimi erano maschere tradizionali del teatro popolare: un aspirante guerriero, un ladro di mercato, uno scienziato ciarlatano, un sempliciotto che inganna tutti, ecc. Canzoni di komos e mimi sono le principali fonti dell'antica commedia attica.

Una commedia nata dal komos attico del V secolo. AVANTI CRISTO e. aveva un contenuto politico. Ha costantemente toccato questioni del sistema politico, politica estera dello stato ateniese, questioni relative all'educazione giovanile, alla lotta letteraria, ecc.

L'attualità dell'antica commedia attica era aggravata dal fatto che lasciava completa libertà nella caricatura dei singoli cittadini, che venivano raffigurati anche con i loro veri nomi (i poeti Eschilo, Sofocle, Euripide, Agatone, il leader della democrazia ateniese Cleone , il filosofo Socrate e altri - in Aristofane) . Allo stesso tempo, l'antica commedia attica di solito crea un'immagine non individuale, ma generalizzata, vicina alla maschera del teatro della commedia popolare. Ad esempio, Socrate nelle "Nuvole" di Aristofane non è dotato delle caratteristiche di una persona reale, ma di tutte le proprietà di uno scienziato ciarlatano, una delle maschere preferite dei carnevali popolari. Una commedia del genere poteva esistere solo nelle condizioni della democrazia ateniese proprietaria di schiavi.

2. Teatro dell'Atene democratica (V secolo a.C.)

L'arte teatrale dell'antica Grecia raggiunse il suo culmine più alto nelle opere di tre grandi tragediografi del V secolo. AVANTI CRISTO. - Eschilo, Sofocle, Euripide e il comico Aristofane, la cui attività abbraccia l'inizio del IV secolo. AVANTI CRISTO. Nello stesso periodo scrissero anche altri drammaturghi. Tuttavia, delle loro opere ci sono pervenuti solo piccoli frammenti, e talvolta solo nomi e scarse informazioni.

2.1. Eschilo (525-456 a.C.).

Il suo lavoro è associato all'era della formazione dello stato democratico ateniese. Questo stato si formò durante le guerre greco-persiane, combattute con brevi interruzioni dal 500 a 449 a.C e aveva un carattere liberatorio per le città-stato greche.

Eschilo proveniva da una famiglia nobile. Nacque a Eleusi, vicino ad Atene. È noto che Eschilo prese parte alle battaglie di Maratona e Salamina. Ha descritto la battaglia di Salamina come un testimone oculare della tragedia dei persiani. Poco prima della sua morte, Eschilo si recò in Sicilia, dove morì (nella città di Gele). L'iscrizione sulla sua lapide, composta, secondo la leggenda, da lui stesso, non dice nulla di lui come drammaturgo, ma dice che si mostrò essere un guerriero coraggioso nelle battaglie con i persiani.

Eschilo scrisse circa 80 tragedie e drammi satirici. Solo sette tragedie ci sono pervenute integralmente; Sono sopravvissuti piccoli estratti di altre opere.

Le tragedie di Eschilo riflettono le principali tendenze del suo tempo, quegli enormi cambiamenti nella vita socio-economica e culturale che furono causati dal crollo del sistema dei clan e dall'emergere della democrazia ateniese proprietaria di schiavi.

La visione del mondo di Eschilo era fondamentalmente religiosa e mitologica. Credeva che esistesse un ordine mondiale eterno soggetto alla legge della giustizia mondiale. Una persona che viola volontariamente o inconsapevolmente un ordine giusto sarà punita dagli dei e quindi l'equilibrio verrà ristabilito. L'idea dell'inevitabilità della punizione e del trionfo della giustizia attraversa tutte le tragedie di Eschilo.

Eschilo crede nel destino - Moira, crede che anche gli dei le obbediscano. Tuttavia, questa visione del mondo tradizionale si mescola anche con le nuove visioni generate dallo sviluppo della democrazia ateniese. Pertanto, gli eroi di Eschilo non sono creature dalla volontà debole che eseguono incondizionatamente la volontà della divinità: il suo uomo è dotato di una mente libera, pensa e agisce in modo completamente indipendente. Quasi ogni eroe di Eschilo affronta il problema della scelta di una linea di comportamento. La responsabilità morale di una persona per le sue azioni è uno dei temi principali delle tragedie del drammaturgo.

Eschilo ha introdotto un secondo attore nelle sue tragedie, aprendo così la possibilità di uno sviluppo più profondo del conflitto tragico e rafforzando il lato efficace della rappresentazione teatrale. Questa è stata una vera rivoluzione nel teatro: invece della vecchia tragedia, dove le parti di un unico attore e coro riempivano l'intera commedia, è nata una nuova tragedia in cui i personaggi si scontravano tra loro sul palco e motivavano direttamente le loro azioni.

La struttura esterna della tragedia di Eschilo conserva tracce della vicinanza al ditirambo, dove le parti del cantante principale si alternavano a quelle del coro. Quasi tutte le tragedie che ci sono pervenute iniziano con un prologo, che contiene la trama dell'azione. Segue una parodia, una canzone eseguita dal coro mentre entrano nell'orchestra. Segue un'alternanza di pisodia (parti di dialogo eseguite da attori, a volte con la partecipazione di un coro) e stasim (canzoni del coro). La parte finale della tragedia si chiama esodo; Exod è una canzone durante la quale il coro lascia il palco. Nelle tragedie ci sono anche iporema (un canto gioioso del coro, che suona, di regola, al culmine, prima della catastrofe), kommos (canzoni di lamento congiunte degli eroi e del coro) e monologhi degli eroi.

Tipicamente, una tragedia consisteva in 3-4 episodi e 3-4 stasi. Le stasi sono divise in parti separate: strofe e antistrofi, strettamente corrispondenti tra loro nella struttura. Durante l'esecuzione di strofe e antistrofe, il coro si muoveva attorno all'orchestra prima in una direzione e poi nell'altra.

Una strofa e la corrispondente antistrofe vengono scritte sempre nello stesso metro, mentre le nuove strofe e antistrofe vengono scritte in un metro diverso. Esistono diverse coppie di questo tipo nella stasima; sono chiuse da un epod comune (conclusione).

I canti del coro venivano sempre eseguiti con l'accompagnamento di un flauto. Inoltre, erano spesso accompagnati da danze. La danza tragica si chiamava emmeleya.

Tra le tragedie del grande drammaturgo sopravvissute fino ai nostri giorni, spiccano le seguenti: “I Persiani” (472 a.C.), dove la vittoria dei Greci sui Persiani nella battaglia navale dell'isola di Salamina (480 a.C.) è glorificato; "Prometeo incatenato" è forse la tragedia più famosa di Eschilo, che racconta l'impresa del titano Prometeo, che diede fuoco alle persone e per questo fu severamente punito; la trilogia dell'Orestea (458 aC), famosa per essere l'unico esempio completo della trilogia in cui la maestria di Eschilo raggiunse il suo culmine giunto fino a noi.

Eschilo è conosciuto come il miglior esponente delle aspirazioni sociali del suo tempo. Nelle sue tragedie mostra la vittoria dei principi progressisti nello sviluppo della società, nella struttura statale, nella moralità. Il lavoro di Eschilo ha avuto un'influenza significativa sullo sviluppo della poesia e del dramma mondiale.

2.2. Sofocle (496-406 a.C.).

Sofocle proveniva da una famiglia benestante che possedeva un'armeria e ricevette una buona educazione. Il suo talento artistico si manifestò in tenera età: all'età di sedici anni guidò un coro di giovani che glorificavano la vittoria di Salamina, e in seguito recitò egli stesso come attore nelle proprie tragedie, riscuotendo un grande successo. Nel 486, Sofocle vinse la sua prima vittoria sullo stesso Eschilo in un concorso di drammaturgia. In generale, tutta l'attività drammatica di Sofocle è stata accompagnata da un successo costante: non ha mai ricevuto il terzo premio - molto spesso ha preso il primo e raramente il secondo posto.

Sofocle prese parte anche alla vita pubblica, ricoprendo incarichi di responsabilità. Fu così eletto stratega (capo militare) e, insieme a Pericle, partecipò a una spedizione contro l'isola di Samo, che decise di separarsi da Atene. Dopo la morte di Sofocle, i suoi concittadini lo venerarono non solo come un grande poeta, ma anche come uno dei gloriosi eroi ateniesi.

Ci sono pervenute solo sette tragedie di Sofocle, ma ne scrisse più di 120. Le tragedie di Sofocle portano nuove caratteristiche. Se in Eschilo i personaggi principali erano dei, allora in Sofocle i personaggi principali sono persone, anche se in qualche modo divorziate dalla realtà. Perciò si dice di Sofocle che fece discendere la tragedia dal cielo sulla terra. Sofocle presta principale attenzione all'uomo e alle sue esperienze emotive. Naturalmente, l'influenza degli dei si fa sentire nel destino dei suoi eroi, anche se non compaiono durante l'azione, e questi dei sono potenti quanto quelli di Eschilo: possono schiacciare una persona. Ma Sofocle descrive, prima di tutto, la lotta di una persona per raggiungere i suoi obiettivi, i suoi sentimenti e pensieri, e mostra la sofferenza che lo ha colpito.

Gli eroi di Sofocle di solito hanno gli stessi personaggi integrali degli eroi di Eschilo. Lottando per il loro ideale, non conoscono alcuna esitazione mentale. La lotta immerge gli eroi nella più grande sofferenza e talvolta muoiono. Ma gli eroi di Sofocle non possono rinunciare alla lotta, perché sono spinti dal dovere civico e morale.

I nobili eroi delle tragedie di Sofocle sono strettamente legati al collettivo di cittadini: sono l'incarnazione dell'ideale di una personalità armoniosa, creato durante il periodo di massimo splendore di Atene. Pertanto, Sofocle è chiamato il cantante della democrazia ateniese.

Tuttavia, il lavoro di Sofocle è complesso e contraddittorio. Le sue tragedie riflettevano non solo il periodo di massimo splendore, ma anche la crisi in atto del sistema polis, che si concluse con la morte della democrazia ateniese.

La tragedia greca raggiunge la sua perfezione nelle opere di Sofocle. Sofocle introdusse un terzo attore, aumentò le parti dialogiche della commedia (episodi) e ridusse le parti del coro. L'azione è diventata più vivace e autentica, poiché tre personaggi potevano esibirsi contemporaneamente sul palco e dare motivazione alle loro azioni. Tuttavia, il coro di Sofocle continua a svolgere un ruolo importante nella tragedia e il numero dei cori è stato addirittura aumentato a 15 persone.

L'interesse per le esperienze di un individuo spinse Sofocle ad abbandonare le trilogie, che di solito tracciavano il destino di un'intera famiglia. Secondo la tradizione, presentò al concorso tre tragedie, ma ciascuna di esse era un'opera indipendente.

L'introduzione della pittura decorativa è anche associata al nome di Sofocle.

Le tragedie più famose di Sofocle provengono dal ciclo di miti tebani. Si tratta di "Antigone" (442 aC circa), "Edipo re" (429 aC circa) e "Edipo a Colono" (messo in scena nel 441 aC, dopo la morte di Sofocle).

Queste tragedie, scritte e messe in scena in tempi diversi, si basano sul mito del re tebano Edipo e sulle disgrazie che colpirono la sua famiglia. Senza saperlo, Edipo uccide suo padre e sposa sua madre. Molti anni dopo, appresa la terribile verità, si cava gli occhi e va volontariamente in esilio. Questa parte del mito ha costituito la base della tragedia "Edipo re".

Dopo lungo peregrinare, purificato dalla sofferenza e perdonato dagli dei, Edipo muore in maniera divina: viene inghiottito dalla terra. Ciò avviene in un sobborgo di Atene, Colon, e la tomba del sofferente diventa un santuario della terra ateniese. Ciò è descritto nella tragedia "Edipo a Colono".

Le tragedie di Sofocle erano l'incarnazione artistica degli ideali civili e morali dell'antica democrazia schiavista durante il suo periodo di massimo splendore (Sofocle non visse abbastanza da vedere la terribile sconfitta degli Ateniesi nella guerra del Peloponneso del 431-404 a.C.). Questi ideali erano l'uguaglianza politica e la libertà di tutti i cittadini a pieno titolo, il servizio disinteressato alla patria, il rispetto per gli dei, la nobiltà delle aspirazioni e dei sentimenti delle persone volitive.

2.3. Euripide (485-406 a.C. circa).

La crisi sociale della democrazia ateniese proprietaria di schiavi e il conseguente crollo dei concetti e delle visioni tradizionali si riflettevano in modo più completo nelle opere di Sofocle-Euripide, un suo contemporaneo più giovane.

I genitori di Euripide erano apparentemente persone benestanti e ricevette una buona educazione. A differenza di Sofocle, Euripide non prese parte direttamente alla vita politica dello Stato, ma si interessò vivamente agli eventi sociali. Le sue tragedie sono piene di varie dichiarazioni politiche e allusioni alla modernità.

Euripide non ebbe molto successo presso i contemporanei: in tutta la sua vita ricevette solo 5 primi premi, l'ultimo postumo. Poco prima della sua morte lasciò Atene e si trasferì alla corte del re macedone Archelao, dove era tenuto in grande stima. Morì in Macedonia (pochi mesi prima della morte di Sofocle ad Atene).

Di Euripide ci sono pervenuti integralmente 18 drammi (in totale ne scrisse da 75 a 92) e un gran numero di passaggi.

Il drammaturgo ha avvicinato i suoi personaggi alla realtà; lui, secondo Aristotele, rappresentava le persone come “quello che sono”. I personaggi delle sue tragedie, pur rimanendo, come quelli di Eschilo e Sofocle, eroi dei miti, erano dotati dei pensieri, delle aspirazioni e delle passioni di persone contemporanee al poeta.

In una serie di tragedie di Euripide, le credenze religiose vengono criticate e gli dei risultano essere più insidiosi, crudeli e vendicativi delle persone.

Nelle sue opinioni socio-politiche, era un sostenitore della democrazia moderata, il cui sostegno considerava i piccoli proprietari terrieri. In alcune delle sue opere ci sono aspri attacchi contro i politici demagoghi: adulando il popolo, ottengono il potere per usarlo per i propri scopi egoistici. In una serie di tragedie, Euripide denuncia appassionatamente la tirannia: il dominio di una persona su altre persone contro la loro volontà gli sembra una violazione dell'ordine civile naturale. La nobiltà, secondo Euripide, risiede nel merito e nella virtù personali, e non nella nascita e nella ricchezza nobili. I personaggi positivi di Euripide esprimono ripetutamente l'idea che il desiderio sfrenato di ricchezza può spingere una persona al crimine.

Merita attenzione l'atteggiamento di Euripide nei confronti degli schiavi. Crede che la schiavitù sia ingiustizia e violenza, che le persone abbiano la stessa natura e uno schiavo, se ha un'anima nobile, non è peggiore di uno libero.

Euripide risponde spesso nelle sue tragedie agli eventi della guerra del Peloponneso. Sebbene sia orgoglioso dei successi militari dei suoi compatrioti, generalmente ha un atteggiamento negativo nei confronti della guerra. Mostra la sofferenza che la guerra porta alle persone, in particolare alle donne e ai bambini. La guerra può essere giustificata solo se le persone difendono l’indipendenza della propria patria.

Queste idee collocano Euripide tra i pensatori più progressisti dell'umanità.

Euripide è diventato il primo drammaturgo a noi noto, nelle cui opere i personaggi dei personaggi non solo sono stati rivelati, ma anche sviluppati. Allo stesso tempo, non aveva paura di rappresentare le basse passioni umane, la lotta di aspirazioni contrastanti in una stessa persona. Aristotele lo definì il più tragico di tutti i drammaturghi greci.

La fama arrivò a Euripide dopo la sua morte. Già nel IV secolo. AVANTI CRISTO e. fu definito il più grande poeta tragico, e questo giudizio su di lui rimase per tutti i secoli successivi.

3. Teatro di età ellenistica

In epoca ellenistica (VI-I secolo a.C.), il teatro greco di epoca classica subì notevoli modifiche riguardanti la drammaturgia, la recitazione e l'architettura dell'edificio teatrale. Questi cambiamenti sono associati a nuove condizioni storiche.

Commedie e tragedie vengono ancora messe in scena nel teatro di epoca ellenistica. Ma dalle tragedie del IV secolo. AVANTI CRISTO e. Sono sopravvissuti solo piccoli frammenti e, a quanto pare, i meriti artistici della tragedia ellenistica erano piccoli. Sono disponibili molti più dati per giudicare la commedia, poiché sono sopravvissuti solo un'opera teatrale e diversi estratti di altre opere teatrali del più grande comico dell'epoca, Menandro.

La commedia dell'era ellenistica è chiamata nuova commedia attica (o neo-attica). Il suo periodo di massimo splendore fu la fine del IV-III secolo. AVANTI CRISTO. La nuova commedia attica rifletteva a modo suo i cambiamenti avvenuti nella vita socio-politica della Grecia entro la metà del IV secolo. AVANTI CRISTO. Le idee sull'ordine divino del mondo e la fede nel trionfo finale della giustizia vengono sostituite dalla fede nell'onnipotenza del caso. La vita di una persona, la sua felicità personale, la posizione sociale: tutto dipende dal caso. Il caso determina l'emergere e la risoluzione dei conflitti nella commedia stessa, che si pone il compito di riprodurre la vita contemporanea solo in termini di relazioni familiari e quotidiane. Il motivo dell'amore gioca un ruolo importante nella nuova commedia.

Gli autori della nuova commedia attica hanno ampiamente utilizzato la teoria psicologica dello studente di Aristotele Teofrasto, secondo la quale tutti i tratti caratteriali si manifestano nell'aspetto di una persona e nelle sue azioni. Le descrizioni fisionomiche di Teofrasto hanno indubbiamente influenzato il disegno delle maschere, che hanno aiutato gli spettatori a riconoscere questo o quel personaggio.

L'influenza di Euripide è evidente nella nuova commedia. La vicinanza di molti dei suoi eroi alla vita, la rivelazione delle loro esperienze emotive: questo è ciò che la nuova commedia ha preso da Euripide.

La caratteristica principale della nuova commedia era l'assenza di un coro, che sarebbe stato organicamente collegato allo sviluppo dell'azione: il coro si esibiva solo durante gli intervalli. Il prologo della nuova commedia ha fornito un breve riassunto degli eventi, che avrebbe dovuto aiutare lo spettatore a comprendere il complesso intrigo.

Un'altra caratteristica del nuovo ballo comico è il suo orientamento umano e filantropico. Le opere migliori portarono avanti le idee avanzate della filosofia ellenistica. Nonostante la mancanza di temi politici, la nuova commedia rifletteva problemi importanti come i metodi di educazione, l'atteggiamento nei confronti delle donne, dei rappresentanti di varie classi e degli stranieri. Inoltre, venivano costantemente predicate relazioni più morbide e umane tra le persone.

La nuova commedia attica ha avuto un enorme successo di pubblico. Il pubblico è stato attratto dal modo in cui è stata sviluppata anche una trama banale o una maschera familiare: la molla dell'azione è stata un intrigo abilmente organizzato, il cui sviluppo è stato portato avanti in modo sottile e abile.

4. Architettura dell'antico teatro greco

È necessario dire qualcosa sull'architettura dell'antico teatro greco, perché influenzò notevolmente anche la successiva architettura dei teatri.

Inizialmente, il luogo per gli spettacoli era allestito in modo estremamente semplice: il coro, con i suoi canti e danze, si esibiva su un'orchestra-piattaforma rotonda e compattata (dal verbo orheomai - "io ballo"), attorno alla quale si radunava il pubblico. Ma quando l’importanza dell’arte teatrale aumentò nella vita sociale e culturale della Grecia, e man mano che il dramma divenne più complesso, sorse la necessità di miglioramenti. Il paesaggio collinare della Grecia ha suggerito la disposizione più razionale del palco e dei posti per gli spettatori: l'orchestra cominciò a trovarsi ai piedi della collina e il pubblico si trovava lungo il pendio.

Tutti i teatri dell'antica Grecia erano aperti e potevano ospitare un numero enorme di spettatori. Il Teatro di Dioniso di Atene, ad esempio, poteva ospitare fino a 17mila persone, il teatro di Epidauro fino a 10mila.

Nel V secolo AVANTI CRISTO. In Grecia si sviluppò un tipo stabile di struttura teatrale, caratteristica dell'intera epoca dell'antichità. Il teatro aveva tre parti principali: l'orchestra, il theatron (posti a sedere per gli spettatori, dal verbo teaomai - "io guardo") e la skene (skene - "tenda", più tardi una struttura in legno o pietra).

La dimensione del teatro era determinata dal diametro dell'orchestra (da 11 a 30 m). La scena era situata tangenzialmente al cerchio dell'orchestra. La parete anteriore della scena - il proskenium, che di solito aveva l'aspetto di un colonnato - raffigurava la facciata di un tempio o di un palazzo. Adiacenti alla skene c'erano due edifici laterali chiamati paraskenia. Paraskenia fungeva da luogo in cui conservare scenografie e altre proprietà teatrali.

Tra la scena e i posti per gli spettatori, che occupavano poco più della metà del cerchio, c'erano dei passaggi attraverso i quali gli spettatori entravano nel teatro prima dell'inizio dello spettacolo, e poi il coro e gli attori entravano nell'orchestra.

La semplicità dell'attrezzatura scenica non era dovuta al debole livello di sviluppo della tecnologia antica. Nel teatro dell'era classica, l'attenzione del pubblico era focalizzata sullo sviluppo dell'azione, sul destino degli eroi e non sugli effetti esterni.

La disposizione del teatro greco assicurava una buona udibilità. Inoltre, in alcuni teatri, tra i posti del pubblico venivano posizionati vasi risonanti per amplificare il suono. Nell'antico teatro greco non esisteva il sipario, anche se è possibile che in alcune rappresentazioni alcune parti del proskenium fossero temporaneamente chiuse alla vista del pubblico.

Conclusione

Nel corso dei secoli, l'umanità ha creato molti capolavori dell'arte teatrale, che, di fatto, hanno segnato l'inizio della letteratura. Durante questo periodo si possono rintracciare due tendenze nella creazione di opere. Dalle origini del teatro fino all'inizio del XX secolo, il teatro fu rappresentato da personaggi come Eschilo e Sofocle nella letteratura greca antica.

IN ultimi decenni Il teatro è rappresentato più da attori e registi che dagli stessi autori delle opere. Allo stesso tempo, l'importanza del teatro diminuì notevolmente.

Ma l'emergere di numerosi e diversi teatri offre ampie prospettive per l'ulteriore sviluppo del dramma.

L'arte teatrale può essere definita uno dei fattori che aiutano a superare la separazione territoriale e nazionale delle persone.

Elenco della letteratura usata

1. Grande Enciclopedia Sovietica. 2a edizione, volume 18, pp. 507-510.
2. Giroscopio. P. Vita privata e pubblica dei Greci. - Pubblicazione di T-va O.N. Popova - San Pietroburgo, 1913
3. Storia del teatro straniero/a cura del prof. Boyadzhieva G.N. E

prof. Obraztsova A.G. "Formazione scolastica". - M., 1981

1. Panevin K.V. “Storia dell'antica Grecia” Casa editrice “Polygon”, San Pietroburgo, 1999 p.574-579.
2. Tronskij. LORO. Storia della letteratura antica. "Scuola superiore", - M., 1988