Nel VII-VIII secolo. aC, è diffuso il culto di Dioniso, dio delle forze produttive della natura, della fertilità e del vino. Il culto di Dioniso era ricco di rituali di tipo carnevalesco. Numerose tradizioni furono dedicate a Dioniso e ad esse è associata l'emergere di tutti i generi del dramma greco, basati su giochi magici rituali. La messa in scena di tragedie nelle feste dedicate a Dioniso divenne ufficiale alla fine dell'VIII secolo aC durante l'era della tirannia.

La tirannia nacque nella lotta del popolo contro il potere della nobiltà tribale; i tiranni governavano lo stato, naturalmente, facevano affidamento su artigiani, commercianti e agricoltori. Volendo garantire il sostegno popolare al governo, i tiranni confermarono il culto di Dioniso, popolare tra i contadini. Sotto il tiranno ateniese Lisistrata, il culto di Dioniso divenne culto di stato e fu istituita la festa del “Grande Dionisio”. La produzione di tragedie fu introdotta ad Atene nel 534. Tutti gli antichi teatri greci furono costruiti secondo la stessa tipologia: all'aperto e sulle pendici delle colline.

Il primo teatro in pietra fu costruito ad Atene e poteva ospitare da 17.000 a 30.000 persone. La piattaforma rotonda era chiamata orchestra; ancora più lontana è la skena, la stanza in cui gli attori si cambiavano d'abito. All'inizio non c'erano decorazioni nel teatro. Entro la metà del V secolo. AVANTI CRISTO. Pezzi di tela iniziarono ad essere appoggiati alla facciata dei bozzetti, dipinti in modo convenzionale: "Gli alberi significavano la foresta, il delfino significava il mare, il dio del fiume significava il fiume". Solo gli uomini e solo i cittadini liberi potevano esibirsi nel teatro greco. Gli attori godevano di un certo rispetto e si esibivano in maschera. Un attore potrebbe, cambiando maschera, interpretare ruoli maschili e femminili.

Quasi nessuna informazione biografica è stata conservata su Eschilo. È noto che nacque nella città di Eleusi vicino ad Atene, che proveniva da una famiglia nobile, che suo padre possedeva vigneti e che la sua famiglia prese parte attiva alla guerra con i persiani. Lo stesso Eschilo, a giudicare dall'epitaffio che compose per se stesso, si apprezzava più come partecipante alla battaglia di Maratona che come poeta.

Sappiamo anche che è intorno al 470 a.C. fu in Sicilia, dove fu rappresentata una seconda volta la sua tragedia “I Persiani”, e ciò nel 458 a.C. ripartì per la Sicilia. Morì e fu sepolto lì.

Uno dei motivi della partenza di Eschilo, secondo gli antichi biografi, è il risentimento dei suoi contemporanei, che iniziarono a dare la preferenza all'opera del suo contemporaneo più giovane, Sofocle.

Già gli antichi chiamavano Eschilo “il padre della tragedia”, sebbene non fosse il primo autore della tragedia. I greci consideravano Tespi, vissuto nella seconda metà del IV secolo, il fondatore del genere tragico. AVANTI CRISTO. e, secondo le parole di Orazio, “portare la tragedia su un carro”. Apparentemente Thespil trasportava costumi, maschere, ecc. di villaggio in villaggio. Fu il primo riformatore della tragedia, poiché introdusse un attore che rispondeva al coro e, cambiando maschera, interpretava i ruoli di tutti i personaggi del dramma. Conosciamo anche altri nomi di poeti tragici vissuti prima di Eschilo, ma non apportarono modifiche significative alla struttura del dramma.

Eschilo fu il secondo riformatore della tragedia. Le sue opere sono strettamente correlate e talvolta direttamente dedicate ai problemi urgenti del nostro tempo, e il suo legame con il culto di Dioniso si concentrava nel suo dramma satirico. Eschilo trasformò la cantata primitiva in un'opera drammatica limitando il ruolo del coro e introducendo un secondo attore. Quei miglioramenti introdotti dai poeti successivi erano solo di natura quantitativa e non potevano modificare in modo significativo la struttura del dramma creato da Eschilo.

L'introduzione di un secondo attore ha creato l'opportunità di rappresentare un conflitto, una lotta drammatica. È possibile che sia stato Eschilo ad avere l'idea della trilogia, ad es. lo sviluppo di una trama in tre tragedie, che ha permesso di rivelare più completamente questa trama.

Eschilo può essere definito il poeta della formazione della democrazia. In primo luogo, l'inizio della sua opera coincide con il tempo della lotta contro la tirannia, l'instaurazione dell'ordine democratico ad Atene e la graduale vittoria dei principi democratici in tutte le sfere della vita pubblica. In secondo luogo, Eschilo era un sostenitore della democrazia, un partecipante alla guerra con i persiani, un partecipante attivo alla vita pubblica della sua città, e nelle tragedie difendeva il nuovo ordine e le norme morali ad esso corrispondenti. Delle 90 tragedie e drammi satirici da lui creati, 7 ci sono pervenute integralmente, e in tutte troviamo una premurosa difesa dei principi democratici.

La tragedia più arcaica di Eschilo è “Le Preghiere”: più della metà del suo testo è occupata da parti corali.

Aderente al nuovo ordine, Eschilo appare qui come difensore della legge paterna e dei principi di uno stato democratico. Rifiuta non solo l'usanza della faida, ma anche la purificazione religiosa del sangue versato, raffigurata in precedenza nel poema di Stesicoro, poeta lirico del VII-VI secolo a.C., che possiede uno degli adattamenti del mito di Oreste.

Gli dei preolimpici e gli antichi principi di vita non vengono rifiutati nella tragedia: ad Atene viene istituito un culto in onore delle Erinni, ma ora saranno venerate sotto il nome di Eumenidi, dee benevole, donatrici di fertilità.

Così, conciliando i vecchi principi aristocratici con quelli nuovi, democratici, Eschilo invita i suoi concittadini a una ragionevole soluzione delle contraddizioni, a reciproche concessioni per preservare la pace civile. Nella tragedia si ripetono appelli alla concordia e avvertimenti contro la guerra civile. Ad esempio, Atena:

“Possa l’abbondanza essere qui per sempre

Frutti della terra, lasciate che i giardini crescano rigogliosi,

E lascia che la razza umana si moltiplichi. E lascialo fare

Il seme degli audaci e degli arroganti perisce.

Come agricoltore, vorrei estirpare le erbacce

Un'erbaccia affinché non soffochi il nobile colore.

(Art. 908-913: traduzione di S. Apta)

Atena (Erinyam):

“Quindi non danneggiare la mia terra, non questa

Faide sanguinose, inebrianti i giovani

Inebriato dall'inebriante ebbrezza della rabbia. la mia gente

Non dategli fuoco come i galli perché non ci sia

Guerre intestine nel paese. Lasciamo che siano i cittadini

Non nutrono insolente inimicizia l’uno verso l’altro”.

(Art. 860-865; traduzione di S. Apta)

Se gli aristocratici non si fossero accontentati degli onori loro conferiti, ma avessero cercato di preservare tutti i loro precedenti privilegi, la costituzione di una polis democratica non sarebbe stata ottenuta con “poco sangue”, come di fatto avvenne; Avendo accettato il nuovo ordine a determinate condizioni, gli aristocratici agirono saggiamente, come le Erinni, che accettarono di svolgere nuove funzioni e rinunciarono alle loro pretese.

Eschilo ridusse il ruolo del coro e prestò maggiore attenzione all'azione scenica rispetto a prima, tuttavia, le parti corali occupano un posto significativo nelle sue tragedie, il che è particolarmente evidente se si confrontano i suoi drammi con le opere dei successivi poeti tragici. La tecnica artistica di Eschilo è solitamente chiamata “dolore silenzioso”. Questa tecnica era già stata notata da Aristofane in “Le rane”: l'eroe di Eschilo tace a lungo, mentre altri personaggi parlano di lui o del suo silenzio per attirare su di lui l'attenzione dello spettatore.

Secondo gli antichi filologi, le scene di silenzio di Niobe presso la tomba dei suoi figli, e di Achille presso il corpo di Patroclo, nelle tragedie di Eschilo “Niobe” e “I Mirmidoni” che non sono pervenute a noi, erano particolarmente lunghe.

In questa tragedia, Eschilo protesta contro la violenza da cui fuggono le figlie di Danae, contrappone la libertà ateniese al dispotismo orientale e sviluppa un sovrano ideale che non intraprende passi seri senza il consenso del popolo.

Il mito del titano umano Prometeo, che rubò il fuoco a Zeus per le persone, è la base della tragedia "Prometeo incatenato" (uno dei lavori successivi Eschilo).

Prometeo, incatenato a una roccia per ordine di Zeus come punizione per aver rubato il fuoco, pronuncia discorsi rabbiosi e accusatori contro gli dei e soprattutto contro Zeus. Non si deve però vedere in ciò una consapevole critica alla religione da parte di Eschilo: il mito di Prometeo viene utilizzato dal poeta per porre attuali problemi socio-etici. I ricordi della tirannia erano ancora freschi ad Atene e, in Prometeo incatenato, Eschilo mette in guardia i suoi concittadini dal ritorno della tirannia. Il volto di Zeus raffigura un tipico tiranno; Prometeo personifica il pathos della libertà e dell'umanesimo ostile alla tirannia.

L'ultima opera di Eschilo è la trilogia “Orestea” (458) - l'unica trilogia che ci è pervenuta completamente dal dramma greco. La sua trama è basata sul mito del destino del re argivo Agamennone, sulla cui famiglia pendeva una maledizione ereditaria. L'idea della punizione divina, che raggiunge non solo il criminale, ma anche i suoi discendenti, che a loro volta sono condannati a commettere un crimine, ha messo radici fin dai tempi del sistema tribale, che concepiva il clan come un unico insieme.

Di ritorno vittorioso dalla guerra di Troia, Agamenno fu ucciso dalla moglie Clitennestra il primo giorno. La trilogia prende il nome dal figlio di Agamennone, Oreste, che uccide sua madre per vendicare la morte del padre. La prima parte della trilogia: “Agamennone” racconta del ritorno di Agamennone, della finta gioia di Clitennestra, che gli organizza un incontro solenne; sul suo omicidio.

Nella seconda parte (“Coefori”), i figli di Agamennone vendicano la morte del padre. Obbedendo al volere di Apollo, e ispirato dalla sorella Elettra e dall'amico Pilade, Oreste uccide Clitennestra. Subito dopo, Oreste inizia a essere perseguitato dall'antica dea della vendetta, Erypnia, che, ovviamente, personifica il tormento della coscienza di Oreste: il matricidio.

L'omicidio della madre nella società antica era considerato il crimine più grave e irredimibile, mentre l'omicidio del marito può essere espiato: dopo tutto, il marito non è consanguineo della moglie. Per questo le Erinni difendono Clitennestra e chiedono la punizione di Oreste.

Apollo e Atena, i “nuovi dei” che qui personificano il principio di cittadinanza, aderiscono ad un punto di vista diverso. Apollo, nel suo discorso al processo, accusa Clitennestra di aver ucciso un uomo, cosa che secondo lui è molto più terribile che uccidere una donna, anche una madre.

Concetti chiave

Culto di Dioniso, grande Dionisia, tragedia antica, teatro antico, orchestra, skena, katurni, “Eschilo padre della tragedia”, “Prometeo incatenato”, “Orestea”, “dolore silenzioso”.

Letteratura

• 1. IM Tronskij: Storia letteratura antica. M.1998
• 2. V.N. Yarkho: Eschilo e i problemi dell'antica tragedia greca.
• 3. Eschilo “Prometeo incatenato”.
• 4. Eschilo “Orestea”
• 5. D. Kalistov “Teatro antico”. L.1970

Alla festa del “Grande Dionigi”, istituita dal tiranno ateniese Pisistrato, oltre ai cori lirici con il ditirambo obbligatorio nel culto di Dioniso, si esibivano anche cori tragici.

La tragedia antica nomina Atene Euripide come il suo primo poeta e indica il 534 a.C. e. come nella data della prima messa in scena della tragedia durante le “Grandi Dionisie”.

Questa tragedia si distingueva per due caratteristiche significative: 1) oltre al coro, si esibiva un attore, un gatto. mandava messaggi al coro, scambiava commenti con il coro o con il suo direttore (corifeo). Questo attore recitava versi trocaici o giambici; 2) il coro ha preso parte al gioco, raffigurando un gruppo di persone poste in connessione nella trama con quelle rappresentate dall'attore.

Le trame erano tratte dal mondo, ma in alcuni casi le tragedie furono scritte anche su temi moderni. i primi tragici non sono sopravvissuti e la natura dello sviluppo delle trame nella prima tragedia è sconosciuta, ma il contenuto principale della tragedia era l'immagine della “sofferenza”.

L'interesse per i problemi della "sofferenza" e la sua connessione con le modalità del comportamento umano fu generato dai fermenti religiosi ed etici del VI secolo, che riflettevano la formazione dell'antica società e stato schiavista, nuove connessioni tra le persone, una nuova fase nella il rapporto tra società e individuo. Miti sugli eroi, che appartengono ai fondamenti principali della vita cittadina e costituiscono uno dei le parti più importanti nella ricchezza culturale del popolo greco.

Aristotele fornisce informazioni molto importanti sulla genesi letteraria della tragedia attica. La tragedia ha subito molti cambiamenti prima di assumere la sua forma definitiva. In una fase precedente aveva un carattere “satirico”, si distingueva per una trama semplice, uno stile umoristico e un'abbondanza di elementi di danza; divenne un lavoro serio solo più tardi. Ritiene che la fonte della tragedia siano le improvvisazioni degli "iniziatori del ditirambo". Il momento decisivo per l'emergere della tragedia attica fu lo sviluppo delle “passioni” in un problema morale. La tragedia ha sollevato questioni sul comportamento umano usando l'esempio del destino degli eroi mitologici.

Eschilo (525-456) proveniva da una nobile famiglia agricola. Nacque a Eleusi, vicino ad Atene. È noto che Eschilo prese parte alle battaglie di Maratona (490 a.C.) e Salamina (480 a.C.). Lui, come testimone oculare, descrisse la battaglia di Samamin nella tragedia "I Persiani". Poco prima della sua morte si recò in Sicilia. Eschilo ha scritto almeno 80 opere teatrali: tragedie e drammi satirici. Solo 7 tragedie ci sono pervenute integralmente, delle restanti commedie rimangono solo estratti.

La gamma di idee che Eschilo propone nelle sue tragedie colpisce per la sua complessità: il progressivo sviluppo della civiltà umana, la difesa dell'ordine democratico di Atene e la sua opposizione al dispotismo persiano, una serie di questioni religiose e filosofiche - gli dei e il loro dominio sul mondo, il destino e la personalità dell'uomo, ecc. Nelle tragedie di Eschilo agiscono dei, titani ed eroi di straordinario potere spirituale. Spesso incarnano idee filosofiche, morali e politiche, e quindi i loro personaggi sono delineati in modo piuttosto generale. Sono monumentali e monolitici.

L'opera di Eschilo era fondamentalmente religiosa e mitologica. Il poeta crede che gli dei governino il mondo, ma nonostante ciò, il suo popolo non è una creatura dalla volontà debole subordinata agli dei. Secondo Eschilo, l'uomo è dotato di mente e volontà libere e agisce secondo la propria comprensione. Eschilo crede nel fato, o nel fato, a cui obbediscono anche gli dei. Tuttavia, utilizzando antichi miti sul destino che gravano su un certo numero di generazioni, Eschilo sposta ancora l'attenzione principale sulle azioni volitive degli eroi delle sue tragedie.

La tragedia "Prometeo incatenato" occupa un posto speciale nell'opera di Eschilo. Zeus è qui raffigurato non come portatore di verità e giustizia, ma come un tiranno che intendeva distruggere il genere umano e che condanna Prometeo, il salvatore dell'umanità, ribellatosi al suo potere, al tormento eterno. La tragedia ha poca azione, ma è piena di grande drammaticità. Nel tragico conflitto vince il Titano, la cui volontà non è stata spezzata dal fulmine di Zeus. Prometeo è raffigurato come un combattente per la libertà e la ragione delle persone, è lo scopritore di tutti i benefici della civiltà, punitore per "amore eccessivo per le persone".

Sofocle (496-406) nacque in una famiglia benestante. Il talento artistico di Sofocle era evidente fin dalla tenera età. Nelle sue tragedie sono già le persone ad agire, anche se un po' elevate al di sopra della realtà. Perciò si dice di Sofocle che fece cadere la tragedia dal cielo sulla terra. Il focus principale nelle tragedie di Sofocle è l'uomo con tutto il suo mondo spirituale. Ha introdotto un terzo attore, rendendo l'azione ancora più vivace. Perché l'obiettivo principale

Sofocle presta attenzione alla rappresentazione dell'azione e delle esperienze emotive degli eroi, quindi le parti dialogiche della tragedia sono state aumentate e le parti liriche sono state ridotte. L'interesse per le esperienze di un individuo costrinse Sofocle ad abbandonare la creazione di trilogie integrali, dove solitamente veniva tracciato il destino dell'intera famiglia. Il suo nome è anche associato all'introduzione della pittura decorativa.

Euripide. Poeta e pensatore solitario, ha risposto a questioni urgenti di carattere sociale e vita politica. Il suo teatro era una sorta di enciclopedia del movimento mentale della Grecia a San Pietroburgo. metà 5v. Nelle opere di Euripide furono posti una serie di problemi che interessarono il pensiero sociale greco e furono presentate e discusse nuove teorie. Euripide presta grande attenzione alle questioni familiari. Nella famiglia ateniese la donna era quasi una reclusa.

I personaggi di Euripide discutono se ci si debba sposare e se valga la pena avere figli. Il sistema matrimoniale greco è particolarmente duramente criticato dalle donne che lamentano il loro stato chiuso e subordinato, il fatto che i matrimoni si concludono previo accordo dei genitori senza incontrare il futuro coniuge, l'impossibilità di lasciare un marito odioso. Le donne dichiarano i loro diritti alla cultura e all'educazione mentale (“Medea”, frammenti de “La saggia Melanippe”).

Il significato dell'opera di Euripide per la letteratura mondiale risiede principalmente nella creazione di immagini femminili. La rappresentazione della lotta dei sentimenti e della discordia interna è qualcosa di nuovo che Euripide ha introdotto nella tragedia attica.

Le più antiche opere d'arte superstiti risalgono all'epoca primitiva (circa sessantamila anni fa). Tuttavia, nessuno conosce l'ora esatta della creazione della più antica pittura rupestre. Secondo gli scienziati, i più belli furono creati circa dieci o ventimila anni fa, quando quasi tutta l'Europa era ricoperta da uno spesso strato di ghiaccio e le persone potevano vivere solo nella parte meridionale del continente. Il ghiacciaio si ritirò lentamente e, dopo di esso, i cacciatori primitivi si spostarono a nord. Si può presumere che nelle condizioni più difficili di quel tempo, tutta la forza umana fosse spesa per combattere la fame, il freddo e bestie da preda, ma fu allora che apparvero i primi magnifici dipinti. Artisti primitivi conosceva molto bene gli animali da cui dipendeva l'esistenza stessa delle persone. Con una linea leggera e flessibile trasmettevano le pose e i movimenti dell'animale. Accordi colorati - nero, rosso, bianco, giallo - creano un'impressione affascinante. I minerali mescolati con acqua, grasso animale e linfa vegetale rendevano il colore delle pitture rupestri particolarmente vibrante. Sulle pareti delle grotte erano raffigurati animali che già allora sapevano cacciare, tra questi c'erano anche quelli che sarebbero stati domati dall'uomo: tori, cavalli, renne. C'erano anche quelli che in seguito si estinsero completamente: mammut, tigri dai denti a sciabola, orsi delle caverne. È possibile che i ciottoli rinvenuti nelle grotte con immagini di animali graffite su di essi fossero opere degli studenti delle “scuole d'arte” dell'età della pietra.

Le pitture rupestri più interessanti d'Europa sono state ritrovate del tutto per caso. Si trovano nelle grotte di Altamira in Spagna e Lascaux (1940) in Francia. Attualmente in Europa sono state rinvenute circa un centinaio di grotte con dipinti; e gli scienziati, non senza ragione, credono che questo non sia il limite, che non tutto sia stato ancora scoperto. Monumenti rupestri sono stati trovati anche in Asia e Nord Africa.

L'enorme numero di questi dipinti e il loro alto livello artistico per lungo tempo hanno portato gli esperti a dubitare dell'autenticità dei dipinti rupestri: sembrava che le persone primitive non potessero essere così abili nella pittura, e la straordinaria conservazione dei dipinti suggeriva un falso. Insieme a dipinti e disegni rupestri, sono state rinvenute varie sculture in osso e pietra, realizzate con strumenti primitivi. Queste statue sono associate a credenze primitive delle persone.

In un'epoca in cui l'uomo non sapeva ancora come lavorare il metallo, tutti gli strumenti erano fatti di pietra: questa era l'età della pietra. I primitivi realizzavano disegni su oggetti di uso quotidiano: strumenti di pietra e vasi di argilla, sebbene non ce ne fosse bisogno. Il bisogno umano di bellezza e la gioia della creatività è una delle ragioni dell'emergere dell'arte, l'altra sono le credenze di quel tempo. Le credenze sono associate a bellissimi monumenti dell'età della pietra dipinti con colori, così come immagini incise su pietra che coprivano le pareti e i soffitti delle grotte sotterranee - pitture rupestri. Non sapendo come spiegare molti fenomeni, le persone di quel tempo credevano nella magia: credevano che con l'aiuto di immagini e incantesimi fosse possibile influenzare la natura (colpire un animale disegnato con una freccia o una lancia per garantire il successo di una vera caccia). .

L’età del bronzo iniziò relativamente tardi nell’Europa occidentale, circa quattromila anni fa. Prende il nome dalla lega metallica allora diffusa: il bronzo. Il bronzo è un metallo tenero, è molto più facile da lavorare rispetto alla pietra, può essere colato in stampi e lucidato. Gli oggetti domestici iniziarono ad essere riccamente decorati con ornamenti in bronzo, che consistevano principalmente in cerchi, spirali, linee ondulate e motivi simili. Cominciarono ad apparire le prime decorazioni, che erano di grandi dimensioni e catturavano subito l'attenzione.

Ma forse la risorsa più importante dell’età del bronzo sono le enormi strutture che gli scienziati associano alle credenze primitive. In Francia, nella penisola della Bretagna, si estendono per chilometri campi su cui si ergono alti pilastri di pietra, alti diversi metri, che nella lingua dei Celti, gli abitanti indigeni della penisola, si chiamano menhir.

Già a quei tempi esisteva la credenza nell'aldilà, come testimoniano i dolmen - tombe originariamente utilizzate per le sepolture (le pareti fatte di enormi lastre di pietra erano coperte da un tetto fatto dello stesso blocco monolitico di pietra), e poi per il culto del sole. . Le posizioni dei menhir e dei dolmen erano considerate sacre.

Antico Egitto

Una delle culture più antiche e belle dell'antichità è la cultura Antico Egitto. Gli egiziani, come molte persone di quel tempo, erano molto religiosi, credevano che l'anima di una persona continuasse ad esistere dopo la sua morte e visitasse il corpo di tanto in tanto. Ecco perché gli egiziani conservavano così diligentemente i corpi dei morti; furono imbalsamati e conservati in strutture funerarie sicure. Affinché il defunto potesse godere di tutti i benefici nell'aldilà, gli furono dati tutti i tipi di oggetti domestici e di lusso riccamente decorati, nonché figurine di servi. Crearono anche una statua del defunto nel caso in cui il corpo non potesse resistere all'assalto del tempo, in modo che l'anima che tornava dall'altro mondo potesse ritrovare il guscio terreno. Il corpo e tutto il necessario erano murati in una piramide, un capolavoro dell'antica arte edilizia egiziana.

Con l'aiuto degli schiavi, anche durante la vita del faraone, enormi blocchi di pietra furono tagliati dalle rocce per la tomba reale, trascinati e messi in posizione. A causa del basso livello della tecnologia, ciascuna di queste costruzioni è costata diverse centinaia o addirittura migliaia di vite umane. La struttura più grande e sorprendente di questo tipo è inclusa nel famoso insieme delle piramidi di Giza. Questa è la piramide del faraone Cheope. La sua altezza è di 146 metri e, ad esempio, può facilmente adattarsi alla Cattedrale di Sant'Isacco. Nel corso del tempo iniziarono a essere costruite grandi piramidi a gradoni, la più antica delle quali si trova nel Sahara e fu costruita quattro millenni e mezzo fa. Stupiscono l'immaginazione con le loro dimensioni, la precisione geometrica e la quantità di lavoro spesa per la loro costruzione. Le superfici accuratamente lucidate brillavano abbaglianti ai raggi del sole del sud, lasciando un'impressione indelebile sui mercanti e sui vagabondi in visita.

Sulle rive del Nilo si formarono intere “città dei morti”, accanto alle quali sorgevano templi in onore degli dei. Enormi porte formate da due massicci blocchi di pietra affusolati verso l'alto - piloni - conducevano ai loro cortili e corridoi colonnati. Le strade conducevano alle porte, incorniciate da file di sfingi: statue con il corpo di un leone e una testa umana o di ariete. La forma delle colonne ricordava le piante comuni in Egitto: papiro, loto, palma. Luxor e Kariaka, fondati intorno al XIV secolo a.C., sono giustamente considerati uno dei templi più antichi.

Rilievi e dipinti adornavano le pareti e le colonne degli edifici egiziani; erano famosi per le loro tecniche uniche di raffigurazione di una persona. Parti delle figure sono state presentate in modo che fossero visibili il più completamente possibile: i piedi e la testa erano visti di lato, mentre gli occhi e le spalle erano visti di fronte. Il punto qui non era una questione di incapacità, ma di stretta aderenza a determinate regole. Una serie di immagini si susseguivano in lunghe strisce, delineate con linee di contorno incise e dipinte con toni ben scelti; erano accompagnati da geroglifici: segni, immagini della scrittura degli antichi egizi. Qui vengono mostrati per lo più eventi della vita di faraoni e nobili, ci sono anche scene di travaglio. Spesso gli egiziani dipingevano eventi desiderati, perché credevano fermamente che ciò che veniva raffigurato si sarebbe sicuramente avverato.

La piramide è costituita interamente da pietra, al suo interno si trova solo una piccola camera sepolcrale, alla quale conducono dei corridoi, murati dopo la sepoltura del re. Tuttavia, ciò non ha impedito ai ladri di trovare la strada per i tesori nascosti nella piramide; Non è un caso che in seguito la costruzione delle piramidi dovette essere abbandonata. Forse a causa dei saccheggiatori, o forse perché lavoro duro Smisero di costruire tombe nella pianura; cominciarono a scavarle nella roccia e a mascherare con cura l'uscita. Così, grazie al caso, nel 1922 fu ritrovata la tomba dove fu sepolto il faraone Tutankhamon. Ai nostri giorni, la costruzione della diga di Assuan ha minacciato di inondazioni il tempio scavato nella roccia di Abu Simbele. Per salvare il tempio, la roccia in cui era scolpito fu fatta a pezzi e rimontata in un luogo sicuro sull'alta sponda del Nilo.

Insieme alle piramidi, figure maestose portarono fama agli artigiani egiziani, la cui bellezza fu ammirata da tutte le generazioni successive. Particolarmente graziose erano le statue in legno dipinto o in pietra levigata. I faraoni erano solitamente raffigurati nella stessa posa, il più delle volte in piedi, con le braccia tese lungo il corpo e la gamba sinistra estesa in avanti. Nelle immagini della gente comune c'era più vita e movimento. Particolarmente accattivanti erano le donne snelle in leggere vesti di lino, decorate con numerosi gioielli. I ritratti di quel tempo trasmettevano in modo molto accurato le caratteristiche uniche di una persona, nonostante il fatto che tra altri popoli regnasse l'idealizzazione, e alcuni dipinti affascinavano con la loro sottigliezza e grazia innaturale.

L'arte dell'antico Egitto è sopravvissuta per circa due millenni e mezzo, grazie a credenze e regole rigide. Fiorì incredibilmente durante il regno del faraone Akhenaton nel XIV secolo a.C. (furono create meravigliose immagini delle figlie del re e di sua moglie, la bella Nefertiti, che influenzarono l'ideale di bellezza anche oggi), ma l'influenza dell'arte di altri popoli, soprattutto i greci, spensero definitivamente la fiamma dell'arte egizia all'inizio della nostra era.

Cultura dell'Egeo

Nel 1900, lo scienziato inglese Arthur Evans, insieme ad altri archeologi, condusse scavi sull'isola di Creta. Cercava conferma delle storie dell'antico cantante greco Omero, che raccontava in antichi miti e poesie, sullo splendore dei palazzi cretesi e sul potere del re Minosse. E trovò tracce di una cultura peculiare che cominciò a prendere forma circa 5.000 anni fa sulle isole e sulle coste del Mar Egeo e che, in base al nome del mare, venne poi chiamata Egeo o, in base ai nomi delle principali centri, Creta-Mykonian. Questa cultura durò quasi 2.000 anni, ma i bellicosi Greci, venuti dal nord, la sostituirono nel XII secolo a.C. Tuttavia, la cultura dell'Egeo non è scomparsa senza lasciare traccia, ha lasciato monumenti di straordinaria bellezza e finezza di gusto.

Solo parzialmente conservato è il Palazzo Kios, che era il più grande. Consisteva di centinaia di stanze diverse raggruppate attorno ad un ampio cortile anteriore. Questi includevano una sala del trono, sale con colonne, terrazze panoramiche e persino bagni. Le loro tubature dell'acqua e i loro bagni sono sopravvissuti fino ad oggi. Le pareti dei bagni sono decorate con murales raffiguranti delfini e pesci volanti, quindi appropriati per un posto del genere. Il palazzo aveva una pianta estremamente complessa. I passaggi e i corridoi si trasformano improvvisamente, si trasformano in salite e discese di scale e inoltre il palazzo era a più piani. Non sorprende che successivamente sia nato un mito sul labirinto cretese, dove viveva un mostruoso uomo-toro e dal quale era impossibile trovare una via d'uscita. Il labirinto era associato al toro, perché a Creta era considerato un animale sacro e ogni tanto attirava l'attenzione, sia nella vita che nell'arte. Perché il la maggior parte le stanze non avevano pareti esterne - solo tramezzi interni - era impossibile aprirvi delle finestre. Le stanze erano illuminate attraverso fori praticati nel soffitto, in alcuni punti si trattava di “pozzi di luce” che correvano su più piani. Le particolari colonne si espandevano verso l'alto e erano dipinte con solenni colori rosso, nero e giallo. I dipinti murali deliziavano lo sguardo con allegre armonie colorate. Le parti superstiti dei dipinti rappresentano eventi importanti, ragazzi e ragazze durante i giochi sacri con il toro, dee, sacerdotesse, piante e animali. Anche le pareti erano decorate con rilievi dipinti. Le immagini delle persone ricordano quelle dell'antico Egitto: i volti e le gambe sono di lato e le spalle e gli occhi sono di fronte, ma i loro movimenti sono più liberi e naturali rispetto ai rilievi egiziani.

A Creta sono state rinvenute molte piccole sculture, soprattutto figurine di dee con serpenti: i serpenti erano considerati guardiani del focolare. Le dee con gonne con volant, corpetti stretti e aperti e acconciature alte sembrano molto civettuole. I cretesi erano eccellenti maestri della ceramica: i vasi di argilla sono splendidamente dipinti, soprattutto quelli in cui gli animali marini sono raffigurati con grande vivacità, ad esempio i polpi, che ricoprono con i loro tentacoli il corpo arrotondato del vaso.

Nel XV secolo a.C. gli Achei, precedentemente subordinati ai Cretesi, arrivarono dalla penisola del Peloponneso e distrussero il Palazzo di Cnosso. Da quel momento in poi, il potere nella regione del Mar Egeo passò nelle mani degli Achei finché non furono conquistati da altre tribù greche: i Dori.

Sulla penisola del Peloponneso, gli Achei costruirono potenti fortezze: Micene e Tirinto. Sulla terraferma il pericolo di attacchi nemici era molto maggiore che sull'isola, quindi entrambi gli insediamenti furono costruiti sulle colline e circondati da mura fatte di enormi pietre. È difficile immaginare che una persona possa far fronte a tali carcasse di pietra, quindi le generazioni successive hanno creato un mito sui giganti - i Ciclopi - che hanno aiutato le persone a costruire queste mura. Qui sono stati rinvenuti anche dipinti murali e oggetti domestici eseguiti artisticamente. Tuttavia, rispetto all'arte cretese allegra e vicina alla natura, l'arte degli Achei sembra diversa: è più severa e coraggiosa, glorifica la guerra e la caccia.

L'ingresso alla fortezza micenea, da tempo in rovina, è ancora sorvegliato da due leoni scolpiti nella pietra sopra la famosa Porta dei Leoni. Nelle vicinanze si trovano le tombe dei sovrani, che furono esplorate per la prima volta dal mercante e archeologo tedesco Heinrich Schliemann (1822-1890). Fin dall'infanzia sognava di trovare e scavare la città di Troia; L'antico cantante greco Omero parlò della guerra tra Troiani e Achei e della morte della città (XII secolo a.C.) nel poema “Iliade”. Infatti, Schliemann riuscì a trovare sulla punta settentrionale dell'Asia Minore (nell'attuale Turchia) le rovine di una città considerata l'antica Troia. Purtroppo, a causa dell’eccessiva fretta e della mancanza di un’educazione speciale, distrusse gran parte di ciò che cercava. Tuttavia, fece molte scoperte preziose e arricchì la conoscenza del suo tempo su quest'epoca lontana e interessante.

Grecia antica

Senza dubbio, il massimo grande influenza l'arte ha influenzato le generazioni successive Grecia antica. La sua bellezza calma e maestosa, armonia e chiarezza servirono da modello e fonte per le epoche successive della storia culturale.

L'antichità greca è chiamata antichità e anche l'antica Roma è classificata come antichità.

Ci vollero diversi secoli prima che le tribù doriche arrivassero dal nord nel XII secolo a.C. e., nel VI secolo a.C. e. ha creato un'arte altamente sviluppata. Seguirono tre periodi nella storia dell'arte greca:

Periodo arcaico o antico: dal 600 al 480 a.C. circa. e., quando i Greci respinsero l'invasione dei Persiani e, dopo aver liberato la loro terra dalla minaccia di conquista, furono nuovamente in grado di creare liberamente e con calma.

Classico o periodo di massimo splendore: dal 480 al 323 a.C. e. - l'anno della morte di Alessandro Magno, che conquistò vaste zone, molto diverse nelle loro culture; questa diversità di culture fu una delle ragioni del declino dell'arte greca classica.

Ellenismo, o periodo tardivo; terminò nel 30 a.C. e., quando i romani conquistarono l'Egitto, che era sotto l'influenza greca.

La cultura greca si diffuse ben oltre i confini della sua patria: in Asia Minore e in Italia, in Sicilia e in altre isole del Mediterraneo, nel Nord Africa e in altri luoghi dove i Greci fondarono i loro insediamenti. Le città greche erano situate anche sulla costa settentrionale del Mar Nero.

Il più grande risultato dell'arte edilizia greca furono i templi. Le rovine più antiche dei templi risalgono all'era arcaica, quando, al posto del legno, come materiali da costruzione iniziarono ad essere utilizzati calcare giallastro e marmo bianco. Si ritiene che il prototipo del tempio fosse l'antica dimora dei Greci: una struttura rettangolare con due colonne davanti all'ingresso. Da questo semplice edificio si sono sviluppate nel tempo varie tipologie di templi, più complessi nella loro disposizione. Di solito il tempio poggiava su una base a gradoni. Era costituito da una stanza senza finestre dove era collocata una statua della divinità; l'edificio era circondato da una o due file di colonne. Sostenevano le travi del pavimento e il tetto a due falde. Nell'interno poco illuminato solo i sacerdoti potevano visitare la statua del dio, ma il popolo vedeva il tempio solo dall'esterno. Ovviamente è per questo che gli antichi greci prestavano particolare attenzione alla bellezza e all'armonia. aspetto tempio.

La costruzione del tempio fu subordinata certe regole. Le dimensioni, le proporzioni delle parti e il numero delle colonne sono state stabilite con precisione.

Tre stili dominavano nell'architettura greca: dorico, ionico, corinzio. Il più antico di essi era lo stile dorico, sviluppatosi già in epoca arcaica. Era coraggioso, semplice e potente. Ha ricevuto il suo nome dalle tribù doriche che lo hanno creato. La colonna dorica è pesante, leggermente ispessita appena sotto la metà: sembra essersi leggermente gonfiata sotto il peso del soffitto. La parte superiore della colonna - il capitello - è formata da due lastre di pietra; la piastra inferiore è rotonda e la piastra superiore è quadrata. La direzione verso l'alto della colonna è sottolineata da scanalature verticali. Il soffitto, sorretto da colonne, nella sua parte superiore è circondato lungo tutto il perimetro del tempio da una fascia di decorazioni - fregio. È costituito da placche alternate: alcune presentano due depressioni verticali, altre solitamente presentano rilievi. Cornici sporgenti corrono lungo il bordo del tetto: su entrambi i lati stretti del tempio sotto il tetto si formano triangoli - frontoni - che erano decorati con sculture. Oggi le parti superstiti dei templi sono bianche: le pitture che li ricoprivano si sono sgretolate nel tempo. I loro fregi e le cornici un tempo erano dipinti di rosso e blu.

Lo stile ionico ha origine nella regione ionica dell'Asia Minore. Da qui è già penetrato nelle regioni greche vere e proprie. Rispetto a quelle doriche, le colonne in stile ionico sono più eleganti e snelle. Ogni colonna ha la propria base: la base. La parte centrale del capitello ricorda un cuscino con gli angoli attorcigliati a spirale, le cosiddette volute.

In epoca ellenistica, quando l'architettura cominciò a aspirare a un maggiore splendore, i capitelli corinzi iniziarono ad essere usati più spesso. Sono riccamente decorati con motivi vegetali, tra cui predominano immagini di foglie di acanto.

Si dà il caso che il tempo sia stato clemente con i templi dorici più antichi, soprattutto al di fuori della Grecia. Molti di questi templi sono sopravvissuti nell'isola di Sicilia e nell'Italia meridionale. Il più famoso di questi è il tempio del dio del mare Poseidone a Paestum, vicino a Napoli, che sembra un po' massiccio e tozzo. Dei primi templi dorici presenti nella stessa Grecia, il più interessante è il tempio del dio supremo Zeus, ora in rovina, ad Olimpia, la città sacra dei Greci, dove ebbero origine i Giochi Olimpici.

Il periodo di massimo splendore dell'architettura greca iniziò nel V secolo a.C. e. Questa epoca classica è indissolubilmente legata al nome del famoso statista Pericle. Durante il suo regno iniziarono grandiosi lavori di costruzione ad Atene, il più grande centro culturale e artistico della Grecia. La costruzione principale ebbe luogo sull'antico colle fortificato dell'acropoli. Anche dalle rovine si può immaginare quanto fosse bella l'acropoli a suo tempo. Un'ampia scalinata di marmo conduceva su per la collina. Alla sua destra, su una piattaforma rialzata, come uno scrigno prezioso, si trova un piccolo ed elegante tempietto dedicato alla dea della vittoria Nike. Attraverso cancelli con colonne, il visitatore entrava nella piazza, al centro della quale sorgeva la statua della patrona della città, la dea della saggezza Atena; più avanti si vedeva l'Eretteo, tempio unico e complesso nella pianta. La sua caratteristica distintiva è il portico sporgente lateralmente, dove i soffitti erano sostenuti non da colonne, ma da sculture in marmo a forma di figura femminile, le cosiddette cariatidi.

L'edificio principale dell'Acropoli è il Tempio del Partenone dedicato ad Atena. Questo tempio - la struttura più perfetta in stile dorico - fu completato quasi duemila e mezzo anni fa, ma conosciamo i nomi dei suoi creatori: i loro nomi erano Iktin e Kallikrates. Nel tempio c'era una statua di Atena, scolpita dal grande scultore Fidia; uno dei due fregi marmorei, che cingevano il tempio con un nastro lungo 160 metri, rappresentava il festoso corteo degli Ateniesi. Nella creazione di questo magnifico rilievo, che ne raffigurava circa trecento figure umane e duecento cavalli, vi partecipò anche Fidia. Il Partenone è in rovina da circa 300 anni: da quando nel XVII secolo, durante l'assedio di Atene da parte dei veneziani, i turchi che vi governavano costruirono un magazzino di polvere da sparo nel tempio. La maggior parte dei rilievi sopravvissuti all'esplosione furono portati a Londra all'inizio del XIX secolo, Museo britannico, l'inglese Lord Elgin.

A seguito delle conquiste di Alessandro Magno nella seconda metà del IV secolo a.C. e. influenza Cultura greca e l’arte diffusa su vasti territori. Sorsero nuove città; I centri più grandi, tuttavia, si svilupparono al di fuori della Grecia. Questi sono, ad esempio, Alessandria d'Egitto e Pergamo in Asia Minore, dove l'attività edilizia era su vasta scala. In queste zone si preferì lo stile ionico; Un esempio interessante è stata l'enorme lapide del re dell'Asia Minore Mavsol, classificata tra le sette meraviglie del mondo. Era una camera funeraria su un'alta base rettangolare, circondata da un colonnato, e sopra di essa si ergeva una piramide a gradoni in pietra, sormontata da un'immagine scolpita di una quadriga, governata dallo stesso Mausolo. Dopo questa struttura, altre grandi strutture funerarie cerimoniali furono successivamente chiamate mausolei.

In epoca ellenistica si prestò meno attenzione ai templi e furono costruite piazze per passeggiate circondate da colonnati, anfiteatri all'aperto, biblioteche e cose di ogni genere. edifici pubblici, palazzi e impianti sportivi. Gli edifici residenziali furono migliorati: divennero a due e tre piani, con ampi giardini. Il lusso divenne l’obiettivo e diversi stili furono mescolati nell’architettura.

Gli scultori greci hanno regalato al mondo opere che hanno suscitato l'ammirazione di molte generazioni. Le sculture più antiche a noi conosciute sorsero in epoca arcaica. Sono in qualche modo primitivi: la loro posa immobile, le braccia strettamente premute contro il corpo e lo sguardo rivolto in avanti sono dettati dallo stretto e lungo blocco di pietra da cui è stata scolpita la statua. Di solito tiene una gamba spinta in avanti per mantenere l'equilibrio. Gli archeologi hanno trovato molte statue simili raffiguranti giovani uomini e ragazze nudi vestiti con pieghe larghe. I loro volti sono spesso ravvivati ​​da un misterioso sorriso “arcaico”.

L'attività principale degli scultori epoca classica era la creazione di statue di dei ed eroi. Tutti gli dei greci erano simili alla gente comune, sia nell'aspetto che nel modo di vivere. Erano ritratti come persone forti, ben sviluppate fisicamente e con un bel viso. A volte venivano raffigurati nudi per mostrare la bellezza di un corpo armoniosamente sviluppato. Anche i templi erano decorati con rilievi; Erano di moda immagini secolari, ad esempio statue di eminenti statisti, eroi e famosi guerrieri.

V secolo a.C e. famoso per i grandi scultori: Mirone, Fidia e Policleto, ognuno di loro ha portato uno spirito fresco nell'arte della scultura e l'ha avvicinata alla realtà. I giovani atleti nudi di Policleto, ad esempio il suo "Doriforo", poggiano su una sola gamba, l'altra è lasciata libera. In questo modo è possibile girare la figura e creare un senso di movimento. Ma alle figure di marmo in piedi non potevano essere dati gesti più espressivi o pose complesse: la statua potrebbe perdere l'equilibrio e il fragile marmo potrebbe rompersi. Uno dei primi a risolvere questo problema fu Miron (il creatore del famoso "Discobolo"), sostituì il fragile marmo con un bronzo più resistente. Uno dei primi, ma non l'unico. Fidia crea quindi un magnifico statua di bronzo Atene sull'Acropoli e la statua di Atena, alta 12 metri, ricoperta d'oro e d'avorio nel Partenone, che in seguito scomparve senza lasciare traccia. La stessa sorte attendeva un'enorme statua di Zeus seduto sul trono, realizzata con gli stessi materiali; fu realizzata per il tempio di Olimpia, una delle sette meraviglie. Le realizzazioni di Fidia non finiscono qui: supervisionò i lavori di decorazione del Partenone con fregi e gruppi di frontoni.

Al giorno d'oggi, le deliziose sculture dei Greci, create nel loro periodo di massimo splendore, sembrano un po' fredde. , manca la colorazione che un tempo le ravvivava; ma loro indifferenti e amico simile l'uno in faccia all'altro. In effetti, gli scultori greci dell'epoca non cercarono di esprimere alcun sentimento o esperienza sui volti delle statue. Il loro obiettivo era mostrare la perfetta bellezza corporea. Ecco perché le statue fatiscenti, alcune anche senza testa, ispirano un sentimento di profonda ammirazione.

Se prima del IV secolo venivano create immagini sublimi e serie, progettate per essere viste di fronte, allora il nuovo secolo tendeva all'espressione di tenerezza e morbidezza. Scultori come Prassitele e Lisippo cercarono di conferire il calore e il brivido della vita a una superficie liscia di marmo nelle loro sculture di dei e dee nudi. Trovarono anche l'opportunità di diversificare le pose delle statue, creando equilibrio con l'ausilio di appositi sostegni (Hermes, il giovane messaggero degli dei, si appoggia ad un tronco d'albero). Tali statue potevano essere viste da tutti i lati: questa era un'altra innovazione.

L'ellenismo nella scultura esalta le forme, tutto diventa lussureggiante e un po' esagerato. Le opere d'arte mostrano passioni eccessive o si nota un'eccessiva vicinanza alla natura. In questo periodo cominciarono a copiare diligentemente le statue dei tempi precedenti; Grazie alle copie, oggi conosciamo molti monumenti, irrimediabilmente perduti o non ancora ritrovati. Trasporto sculture in marmo forti sentimenti, creato nel IV secolo a.C. e. Skopás. La sua opera più grande a noi nota è la sua partecipazione alla decorazione del mausoleo di Alicarnasso con rilievi scultorei. Tra i più opere famose Età ellenistica - rilievi del grande altare di Pergamo raffiguranti la leggendaria battaglia; una statua della dea Afrodite ritrovata all'inizio del secolo scorso sull'isola di Melos, così come il gruppo scultoreo “Laocoonte”. Questa scultura trasmette con spietata verosimiglianza il tormento fisico e la paura del sacerdote troiano e dei suoi figli, che furono strangolati dai serpenti.

I dipinti vascolari occupano un posto speciale nella pittura greca. Spesso venivano eseguiti da maestri - ceramisti - con grande abilità; sono interessanti anche perché raccontano la vita degli antichi greci, il loro aspetto, gli oggetti domestici, i costumi e molto altro. In questo senso ci dicono ancor più delle sculture. Tuttavia, c'erano anche scene dell'epopea omerica, numerosi miti su dei ed eroi e sui vasi venivano raffigurate feste e competizioni sportive.

Per realizzare il vaso, sulla superficie rossa esposta sono state applicate sagome di persone e animali con vernice nera. I contorni dei dettagli venivano graffiati su di essi con un ago: apparivano sotto forma di una sottile linea rossa. Ma questa tecnica era scomoda e in seguito iniziarono a lasciare le figure rosse e a dipingere di nero gli spazi tra loro. In questo modo è stato più comodo disegnare i dettagli: sono stati realizzati su uno sfondo rosso con linee nere.

Da ciò possiamo concludere che nell'antichità fioriva la pittura (questo è testimoniato da templi e case fatiscenti). Cioè, nonostante tutte le difficoltà della vita, in ogni momento l'uomo ha cercato la bellezza.

Cultura etrusca

Gli Etruschi vissero nell'Italia settentrionale intorno all'VIII secolo a.C. e. Fino ad oggi sono sopravvissuti solo pietosi frammenti e scarse informazioni sulla grande cultura, da quando i Romani, liberati dal potere degli Etruschi nel IV secolo a.C. e., cancellarono le loro città dalla faccia della terra. Ciò ha impedito agli scienziati di comprendere appieno la scrittura etrusca. Tuttavia, hanno lasciato intatte le "città dei morti" - cimiteri, che a volte superavano le città dei vivi in ​​termini di dimensioni. Gli Etruschi avevano un culto dei morti: credevano nell'aldilà e volevano renderlo gradevole ai defunti. Pertanto, la loro arte, che serviva la morte, era piena di vita e di gioia luminosa. I dipinti sulle pareti delle tombe raffiguravano gli aspetti migliori della vita: feste con musica e balli, gare sportive, scene di caccia o un piacevole soggiorno in famiglia. I sarcofagi - i letti di quel tempo - erano fatti di terracotta, cioè argilla cotta. I sarcofagi venivano realizzati per sculture di coppie sposate, che vi giacevano sopra durante una conversazione amichevole o un pasto.

Molti artigiani greci lavoravano nelle città etrusche; insegnavano le loro abilità ai giovani etruschi e quindi influenzavano la loro cultura. Apparentemente, il sorriso caratteristico sui volti delle statue etrusche è stato preso in prestito dai Greci - ricorda molto il sorriso "arcaico" dei primi tempi statue greche. Eppure, queste terrecotte dipinte conservavano i tratti del viso inerenti alle sculture etrusche: un grande naso, occhi a mandorla leggermente obliqui sotto palpebre pesanti, labbra carnose. Gli Etruschi erano bravi nelle tecniche di fusione del bronzo. Una chiara conferma di ciò è la famosa statua della Lupa Capitolina in Etruria. Secondo la leggenda, con il suo latte diede da mangiare ai due fratelli Romolo, il fondatore di Roma, e Remo.

Gli Etruschi costruirono i loro templi di straordinaria bellezza in legno. Davanti all'edificio rettangolare c'era un portico con colonne semplici. Le travi del pavimento in legno hanno permesso di posizionare le colonne a notevole distanza l'una dall'altra. Il tetto aveva una forte pendenza, il ruolo di fregio era svolto da file di lastre di argilla dipinta. La caratteristica più distintiva del tempio era la sua base alta, ereditata dai costruttori romani. Gli Etruschi lasciarono in eredità ai Romani un'altra importante innovazione: la tecnica della volta. Successivamente i romani raggiunsero altezze senza precedenti nella costruzione di soffitti a volta.

Cultura dell'antica Roma

Lo stato romano sorse nel I millennio a.C. e. intorno alla città di Roma. Cominciò ad espandere i suoi possedimenti a spese dei popoli vicini. Lo Stato romano esistette per circa mille anni e visse attraverso lo sfruttamento del lavoro degli schiavi e la conquista dei paesi. Durante il suo periodo di massimo splendore, Roma possedeva tutte le terre adiacenti al Mar Mediterraneo, sia in Europa che in Asia e Africa. Leggi rigorose e un forte esercito hanno permesso di governare con successo il paese per lungo tempo. Anche l’arte, e soprattutto l’architettura, fu chiamata in aiuto. Con le loro incredibili strutture, hanno mostrato al mondo intero il potere incrollabile del potere statale.

I romani furono tra i primi ad utilizzare la malta di calce per tenere insieme le pietre. Questo è stato un enorme passo avanti nella tecnologia delle costruzioni. Ora era possibile realizzare strutture con layout più diversificati e coperture di grandi dimensioni spazi interni. Ad esempio, i locali di 40 metri (di diametro) del pantheon romano (tempio di tutti gli dei). E la cupola che copriva questo edificio è ancora oggi un modello per architetti e costruttori.

Avendo adottato lo stile corinzio delle colonne dai Greci, lo consideravano il più magnifico. Negli edifici romani, tuttavia, le colonne cominciarono a perdere la loro funzione originaria di sostegno di qualsiasi parte dell'edificio. Poiché gli archi e le volte reggevano senza di essi, le colonne cominciarono presto a servire semplicemente come decorazione. Cominciarono a prendere il loro posto pilastri e semicolonne.

L'architettura romana raggiunse il suo massimo splendore durante l'epoca degli imperatori (primi secoli dC). I monumenti più notevoli dell'architettura romana risalgono a quest'epoca. Ogni sovrano considerava una questione d'onore costruire eleganti piazze circondate da colonnati ed edifici pubblici. L'imperatore Augusto, che visse a cavallo tra l'era ultima e la nostra era, si vantava di aver trovato il capitello di mattoni, ma di averlo lasciato di marmo. Numerose rovine sopravvissute fino ad oggi danno un'idea del coraggio e della portata degli sforzi di costruzione di quel tempo. In onore dei comandanti vittoriosi eressero archi di trionfo. Gli edifici di intrattenimento hanno guadagnato un'incredibile popolarità e si sono distinti per il loro splendore architettonico. Così, il più grande circo romano, il Colosseo, ospitava 50.000 spettatori. Non lasciatevi confondere da tali numeri, perché già nei tempi antichi la popolazione di Roma contava milioni.

Tuttavia, il livello culturale dello stato era inferiore al livello culturale di alcuni popoli conquistati. Pertanto, molte credenze e miti furono presi in prestito dai Greci e dagli Etruschi.

Andre Bonnard ha scritto: “Di tutte le creazioni del popolo greco, la tragedia è forse la più alta e la più audace”. In effetti, il dramma greco e il teatro dell’era classica sono un fenomeno globale. Poi, nell’“età di Pericle”, furono gettate le basi per lo sviluppo del dramma, del teatro e della scenotecnica europea.

ORIGINI RITUALI POPOLARI DEL TEATRO. Il dramma e il teatro greci, come altre forme artistiche, avevano come base il terreno dell'orale arte popolare. Il folklore greco era “saturo” di vari culti e rituali, il cui elemento indispensabile era il travestimento, cioè il travestimento. Ciò era dovuto al fatto che le persone nella fase primitiva e iniziale erano convinte che, indossando la maschera di un dio, di una bestia, di un demone, ecc., avrebbero "ereditato" le qualità di una determinata creatura. Il mormorio era integrato da scenette e scherzi pratici, particolarmente popolari tra i contadini. Tali azioni e giochi di culto erano programmati per coincidere con il cambio delle stagioni, quando l'appassimento dei cereali o la loro fioritura, semina o raccolta erano associati a idee sulla "nascita" e "morte", sulla morte e resurrezione del demone della fertilità .

Qualcosa di simile si osserva anche tra le altre nazioni. Ad esempio, tra gli slavi, Maslenitsa era una festa del genere, nell'Europa occidentale corrispondeva in gran parte al carnevale. Gli antichi Celti avevano il cosiddetto. "Maggio balla" In Grecia esisteva il culto di numerosi dei che proteggevano le persone nelle loro attività. Ma uno dei principali era il culto di Dioniso. Inizialmente era considerato il dio delle forze creative della natura. I suoi animali sacri erano il toro e la capra. Lo stesso Dioniso veniva spesso raffigurato nelle sembianze di questi animali. Successivamente, Dioniso cominciò a essere percepito come il patrono delle muse.

In onore di Dioniso, più volte all'anno si tenevano feste, durante le quali i suoi ammiratori si esibivano vestiti con pelli di capra, a volte legandosi gli zoccoli e le corna. Vestendosi in questo modo, la persona sembrava uscire dal suo guscio. In questo stato, le persone raffiguravano il seguito di Dioniso, diventavano “possedute da Dio”, gli uomini si trasformavano in “Bacco”, le donne in “Baccanti”. Questi nomi derivano da Bacco, come a volte veniva chiamato Dioniso. Durante i festeggiamenti la gente era spesso ubriaca. Cantavano canti corali di lode in onore di Dioniso, chiamati ditirambi. Arione (2a metà del VII secolo – prima metà del VI secolo a.C.) fu considerato il poeta che diede forma letteraria al ditirambo. Dotò i ditirambi di trame non legate solo agli atti di Dioniso, e preparò così la nascita della tragedia. Sfortunatamente, le poesie di Arione non sono sopravvissute; ma popolare è la leggenda del miracoloso salvataggio del poeta da parte dei delfini, che lo trasportarono dal mare alla terra. Questa trama costituì la base del famoso poema di Pushkin “Arion” (1827).

GRANDE DIONISIA. Col tempo le feste in onore di Dioniso, piuttosto violente e caotiche, iniziarono ad acquisire sempre più ordine. Il tiranno ateniese Pisistrato (VI secolo aC) istituì la festa delle Grandi Dionisie: erano urbane e rurali, celebrate per cinque giorni tra febbraio e marzo. Tutto cominciò con i primi fiori primaverili usati per decorare vasi e per i bambini, ai quali venivano regalati anche dei giocattoli. Poi le mummers andarono in giro e si tennero le gare. Ad esempio, colui che riusciva a bere una coppa di vino più velocemente veniva incoronato con una ghirlanda di peluche. Gli è stata anche regalata una bottiglia di vino. Climax

Un altro punto della celebrazione è stato il cosiddetto. processioni falliche durante le quali veniva portato il fallo (organo maschile della fecondazione), simbolo di fertilità. A volte c'era un carro su cui c'era una persona, un adulto o un bambino, raffigurante Dioniso. Successivamente si è mossa la folla ballando e cantando, suonando strumenti musicali. A poco a poco la folla si trasformò in un coro, al quale stava assistendo uno speciale formazione musicale: prove, prove. Il coro era vestito con pelli di capra. Questo spiega l’origine della parola: tragedia. Questa è una combinazione di due parole: trakhos - capra; ode - canzone. Letteralmente: canto delle capre. Il coro potrebbe includere sia adulti che giovani. Il punto più importante c'è stato uno scambio di osservazioni tra il coro e il cantante. Questo scambio di osservazioni è diventato il dialogo, l'elemento primario di un'opera drammatica.

Oltre al cantante principale è comparso anche il direttore del coro, un luminare. Corypheus poteva entrare in dialogo con solisti e attori. Di solito il coro rimaneva sul posto mentre l'attore si muoveva liberamente, lasciava il palco, tornava e scambiava le battute con il coro. L'attore non solo parlava, ma poteva passare al recitativo e cantare. Le canzoni del coro e le osservazioni dell'attore erano piene di contenuti specifici. Una certa trama è stata padroneggiata e l'azione di culto si è trasformata in un'azione drammatica. Una tale “transizione” oltre l’ambito del culto religioso originario divenne possibile perché gli dei dei Greci, come forse nessun altro popolo, erano antropomorfi e vicini alle persone. In Grecia non esisteva una casta chiusa di sacerdoti che avrebbe proibito la raffigurazione degli dei in sembianze umane. Pertanto, le lodi in onore di Dioniso erano piene di contenuto vitale.

LA FORMAZIONE DELLA TRAGEDIA. Col passare del tempo, le rappresentazioni drammatiche del Grande Dionisio cominciano a basarsi su un testo specifico. Acquisiscono inoltre una struttura che si consolida progressivamente. L'attore esce per primo, seguito dal canto d'apertura del coro, chiamato parod. Successivamente, tra le canzoni del coro, si svolgono scene di discorsi: elisodie. Sono separati l'uno dall'altro da stasim (parti corali). La tragedia si conclude con un esodo: l'uscita del coro dal palco, accompagnata da una stasi finale. Inizialmente, la tragedia coinvolge un attore, che nelle prime fasi è un semplice narratore, che si limita a narrare gli eventi. A poco a poco ne prende possesso capacità di recitazione. Eschilo introduce un secondo attore, Sofocle un terzo. È fisso anche un certo volume della tragedia: contiene fino a 1400 versi.

I creatori di tragedie erano in competizione tra loro. La prima di queste competizioni ebbe luogo durante la 64a Olimpiade, cioè nell'ultimo terzo del VI secolo. AVANTI CRISTO e. Thesnides (2a metà del VI secolo a.C.) è considerato il primo drammaturgo tragico. Si dice che abbia viaggiato per demi, cioè distretti rurali, villaggi, e abbia dato spettacoli. Inoltre, anche il suo carro era una terra di Siena e fungeva da decorazione. È noto anche il suo allievo Frinico (seconda metà del V secolo a.C.), che vinse più volte concorsi. Fu il primo a introdurre personaggi femminili nella tragedia, ma delle sue tragedie sono sopravvissuti solo frammenti minori. Frinico ambientò la tragedia sulla trama storica della “Cattura di Mileto”. Il suo tema era la rivolta della città greca di Mileto in Asia Minore, l'assedio e il brutale massacro degli abitanti da parte dei persiani. La tragedia ha scioccato così tanto il pubblico che non hanno potuto trattenere le lacrime, per le quali Phrynichus è stato multato. Apparentemente, il motivo era che la tragedia conteneva critiche ad Atene, che non fornirono a Mileto l'aiuto necessario.

Affinché le rappresentazioni drammatiche raggiungessero una degna incarnazione, erano necessarie diverse condizioni. Prima di tutto, bene testo letterario. In secondo luogo, attori e coro ben preparati. In terzo luogo, la presenza di un'area scenica, luogo in cui si svolgeva l'azione drammatica.

STRUTTURA DEL TEATRO GRECO. Com'era il teatro greco? Possiamo giudicarlo con i nostri occhi dai resti del teatro conservato nella città di Epidauro. Fu costruito sul pendio della collina Kingria e poteva facilmente ospitare fino a 14mila persone. Lungo il fianco della montagna c'erano file di panchine per gli spettatori, una sopra l'altra. Erano divisi da passaggi orizzontali in livelli e passaggi verticali in cunei.

Al centro c'era un'orchestra, una piattaforma rotonda del diametro di 24 metri. C'erano un coro e degli attori. Sull'orchestra c'era una pietra: un altare in onore del dio Dioniso.

Spesso l'orchestra era separata auditorium fossato con acqua. Dal lato opposto dello spettatore, dietro l'orchestra, c'era una skene (“tenda”). All'inizio questo elemento era proprio una tenda, ma poi venne realizzata una solida opera in pietra, che poteva rappresentare il muro di un palazzo, l'elemento decorativo più familiare. Lì l'attore si è cambiato d'abito e lì sono state conservate anche le scene e gli oggetti di scena. La parte anteriore della skena era chiamata proskenium ed era collegata tramite gradini all'orchestra. Il teatro non aveva tetto; l'azione si svolgeva all'aperto.

CARATTERISTICHE DEL DRAMMA. Il dramma, essendo, insieme alla poesia epica e lirica, uno dei tipi di letteratura, ha le sue specificità. È destinato alla produzione sul palco. La parola dramma stessa significa azione. I personaggi si rivelano attraverso dichiarazioni e azioni. A differenza del poeta epico, il drammaturgo non aveva l'opportunità di catturare scene di folla, battaglie, naufragi, ecc. Il personaggio poteva parlarne, ma era impossibile mostrarlo visibilmente. Se nell'epica lo stile è narrativo, nel dramma è dialogico. Nella prima drammaturgia erano esclusi i monologhi interni e le “autocaratterizzazioni degli eroi”. L'autore non ha potuto interpretare, commentare il comportamento dei personaggi o valutare le loro azioni. Il giudice era lo spettatore.

Il drammaturgo era vincolato sia dal volume specifico dell'opera che dalle leggi del palcoscenico. La durata dell'azione non ha superato il giorno, lo scenario non è cambiato, tutto si è svolto in un unico luogo. Il drammaturgo è obbligato a presentare in modo chiaro e vivido i singoli personaggi, offrire una soluzione al conflitto e trasmettere l'idea allo spettatore. Il testo avrebbe dovuto fornire all'attore il materiale per creare l'immagine. Gli eroi, di regola, venivano mostrati nel “momento della verità”, in speciali situazioni estreme, quando l'essenza profonda del personaggio si rivela più decisiva che mai. Ogni frase, dettaglio, dettaglio doveva essere significativo. I grandi drammaturghi dell'antichità insegnarono ai loro discendenti preziose lezioni di abilità.

IL TEATRO NELLA VITA DELLA SOCIETÀ ANTICA. Nelle condizioni della democrazia ateniese, si realizzò l'enorme importanza del teatro come mezzo per educare la società. La tragedia classica si distingueva per la sua maestosità e plasticità delle forme. Ha impressionato con la sua profondità filosofica, toccando i problemi fondamentali dell'esistenza, il destino umano, il confronto tra l'individuo e il destino inesorabile, il dovere verso gli dei e lo Stato. Dai problemi universali passò ai problemi individuali, personali: amore e gelosia, brama di potere e sacrificio. Ai conflitti di interessi individuali e talvolta alle lotte interne che dilaniano l'anima di una determinata persona.

Le produzioni di opere drammatiche significative divennero eventi non solo nella vita artistica ma anche nella vita sociale. I drammaturghi di talento, come gli attori, erano rispettati nella società. Il grande tragico Sofocle, che suscitò amore e ammirazione universali per la versatilità dei suoi talenti, amico intimo di Pericle, ricoprì numerosi incarichi governativi prestigiosi e dopo la sua morte fu effettivamente divinizzato. Le opere dei drammaturghi erano protette dallo Stato dalla distorsione ed erano considerate un tesoro nazionale.

TEATRO GRECO: CARATTERISTICHE DELLE PRODUZIONI. Proviamo a ricostruire come si svolgevano le rappresentazioni nell'antico teatro greco. Non c'era il sipario nel teatro. I costumi degli attori si adattano al carattere delle produzioni e corrispondono all'età dei personaggi e alla loro posizione. Ad esempio, i re Atreo e Agamennone erano vestiti con abiti bellissimi e colorati; L'indovino Tiresia, l'eroe delle tragedie di Sofocle “Edipo re” e “Antigone”, aveva un abito speciale.

Gli attori indossavano maschere che coprivano la parte superiore della testa. Il loro utilizzo era dovuto al fatto che nelle condizioni dell'antico teatro di grandi dimensioni, il pubblico, soprattutto quello seduto nelle ultime file, semplicemente non riusciva a distinguere le espressioni facciali dell'attore. La maschera ingrandiva nettamente il volto dell'attore e poteva registrare un certo stato d'animo. Cambiando maschere e costumi, un attore poteva recitare in diversi ruoli.

L'abbigliamento degli attori tragici somigliava al costume dei sacerdoti di Dioniso durante il periodo delle loro cerimonie religiose. Era un chitone che somigliava a una camicia. Per gli attori arrivava fino ai piedi, mentre nella vita reale arrivava solo al ginocchio. Invece di semplici spacchi per le braccia, il chitone degli attori aveva maniche lunghe che arrivavano fino alle mani. I chitoni, così come i mantelli, avevano ricche decorazioni, in particolare ricami multicolori. I re indossavano un lungo mantello viola, le regine indossavano un himation bianco bordato di viola sopra un chitone con strascico. Gli dei erano vestiti con un mantello di lana che copriva tutto il loro corpo.

La maschera, che risale alle rappresentazioni di culto, era abbinata ad una parrucca teatrale. Le maschere erano varie per tragedia e commedia, per età e classi diverse, nonché per immagini individuali, ad esempio per Achille, che si tagliò i capelli dopo la morte del suo amico Patroclo; c'erano maschere per muse, ninfe, per personificazioni di concetti astratti come, ad esempio, Morte, Violenza. Poiché gli attori si esibivano con maschere, che potevano cambiare durante l'azione, le espressioni facciali erano nascoste e venivano trasmesse dai movimenti delle mani e del corpo. L'eminente critico e teorico dell'arte tedesco Lessing ha scritto: “Sappiamo molto poco della chironimia degli antichi, cioè della totalità delle regole che attribuivano ai movimenti delle mani. Sappiamo però che hanno portato il linguaggio dei segni a un livello di perfezione tale che non possiamo nemmeno immaginare”.

Gli attori entravano in scena con stivali di morbida pelle con suola alta, chiamati coturni, che ne aumentavano l'altezza e permettevano loro di essere visti chiaramente dallo spettatore da qualsiasi luogo. Lo scenario, solitamente semplice, non cambiava quasi mai. Lo spettatore doveva avere immaginazione per immaginare che l'azione potesse svolgersi in luoghi diversi durante lo spettacolo. Ad esempio, nella parte finale della trilogia di Eschilo “Orestea” (“Eumenide”), l’azione si svolgeva prima a Delfi davanti al tempio di Apollo, poi ad Atene davanti al tempio di Atena.

Tra i pochi dispositivi teatrali, il cosiddetto eorema, cioè ascensore. A volte veniva chiamata "la macchina". Eorema poteva sollevare l'attore in aria e portarlo fuori dal palco, cosa necessaria durante il corso dello spettacolo. In molte opere di Euripide l'azione terminava con l'apparizione del dio su una macchina sollevatrice, il che costituiva un finale inaspettato. Da qui il termine speciale: “dio dalla macchina” (deus ex machina). Veniva utilizzata anche un'ekkiclema, una piattaforma di legno su ruote, che veniva fatta rotolare nell'orchestra dalla porta centrale della skene. Di solito mostrava al pubblico cosa stava succedendo all'interno del palazzo o della casa.

AGIRE. I ruoli delle donne erano interpretati dagli uomini. L'attore del teatro antico era, per usare il termine moderno, “sintetico”, universale: aveva parti del parlato, del recitativo e del canto, era carico della capacità di ballare e ballare, di avere un carattere forte e con una bella voce. Per amplificare la voce nel teatro, nelle nicchie venivano posti speciali recipienti chiamati “casse vocali” o risonatori. Aristotele scriveva che “i discorsi degli intemperanti dovrebbero essere immaginati come i discorsi di un attore”. Ciò ci permette di concludere che gli attori si sono espressi in modo accentuato e deliberato.

Lo spirito di competizione creativa, così importante per gli Elleni, ha contribuito al miglioramento dell'abilità degli attori. È stata valutata la loro capacità, utilizzando varie modulazioni di voce e ritmo, di incarnare l'intera gamma di esperienze ed emozioni umane. L'aspetto, i modi e i gesti dell'attore dovevano corrispondere al carattere dell'eroe incarnato. Ad esempio, l'attore Apollon, che ha interpretato il ruolo di fisicamente forte, persone coraggiose- Achille, Ercole, Antea - era un pugile prima di apparire sul palcoscenico teatrale. La capacità dell'attore non solo di trasmettere i sentimenti del suo personaggio, ma anche di far entrare attivamente in empatia il pubblico è stata molto apprezzata. Ciò è stato espresso con precisione dal poeta e critico romano Orazio: "Se vuoi ottenere le mie lacrime, devi addolorarti sinceramente". A questo proposito, l'attore e tragico ateniese Teodoro era famoso. Si diceva di lui che interpretasse il ruolo di Merope in modo così organico da costringere il tiranno Alessandro di Feraeus a scoppiare in lacrime e ad abbandonare il teatro. Quando Theodore suonava, proibiva anche agli attori minori di salire sul palco prima di lui, poiché si sforzava di essere il primo a comparire davanti al pubblico, in modo che anche il suono e il timbro della sua voce li sintonizzassero su una certa onda emotiva. Anche gli attori avevano i loro ruoli preferiti, i propri ruoli. Lo stesso Theodore, ad esempio, ha interpretato con successo i ruoli delle donne sofferenti.

È successo che dopo la morte del drammaturgo, se la sua opera è rimasta nel repertorio, gli attori si sono lasciati diventare “coautori” e hanno apportato arbitrariamente le proprie modifiche al testo. Poi, però, fu approvata una legge che confermò l'inviolabilità del testo di classici come Eschilo, Sofocle, Euripide.

In realtà. A differenza del Medioevo, quando la professione di attore non aveva status legale e la recitazione stessa era considerata un'attività poco rispettata, gli artisti ad Atene e in Grecia erano persone rispettate. La Grecia era l'unico stato dell'Hellas in cui l'esibizione sul palco non impediva l'accesso ai più alti livelli di onore se l'attore era veramente talentuoso. Ad esempio, gli Ateniesi inviarono due volte il tragico Aristogem come ambasciatore presso il re macedone Filippo per negoziare l'estradizione dei prigionieri.

Per quanto riguarda il coro, la sua composizione è cambiata: inizialmente era composto da 12 persone, poi è cresciuto fino a 15 persone. Doveva essere un insieme armonioso e armonioso, che nel processo di azione si è diviso in semi-cori. Attraverso le espressioni facciali, i gesti e la danza, oltre al canto, il coro ha partecipato agli eventi e ha creato una certa atmosfera emotiva dello spettacolo. Come nel corpo di ballo, per il coro venivano selezionate persone di altezza e corporatura simili.

A volte venivano a teatro persone assoldate, clackers, e sostenevano questo o quell'attore con applausi. Le rappresentazioni si sono svolte a giorno, quindi non era necessaria alcuna illuminazione speciale. Inoltre, lo spettacolo di solito durava più a lungo che in un teatro moderno, perché a volte venivano rappresentate più rappresentazioni di seguito. Pertanto, il pubblico si è rinforzato con prelibatezze. Aristotele testimonia: “A teatro si mangiano dolci soprattutto quando gli attori sono cattivi”. Se gli attori si comportavano male, potevano essere fischiati. Ed è successo che le autorità li hanno puniti con le verghe.

L'organizzazione degli spettacoli drammatici è stata affidata ad alti funzionari. Solo nella piccola Megara potevano venire a teatro fino a 45mila spettatori, quasi l'intera popolazione adulta. Agli spettacoli partecipavano non solo cittadini liberi, uomini, ma anche donne, bambini e talvolta schiavi.

Il teatro ha avuto un potente impatto educativo sulla vita della società ellenica, soprattutto ad Atene.

IL MONDO È IL PALCOSCENICO DEL TEATRO. Un eminente studioso dell'antichità, il professor A.A. Tahoe-Godi, avanzano un'ipotesi secondo la quale i greci immaginavano la vita in una forma palcoscenico teatrale, in cui le persone, come gli attori, interpretano determinati ruoli. Vengono dal nulla e non vanno da nessuna parte. Questo sconosciuto è lo spazio in cui si dissolvono come gocce nel mare. "Il cosmo stesso compone i drammi e le commedie che recitiamo", commenta A.F. su questa ipotesi. Losev. – ...Il nostro concetto di “personalità” è spesso espresso in greco con il termine “soma”. E “soma” non è altro che “corpo”. Ciò significa che gli stessi Greci rivelarono nella loro lingua la comprensione della personalità. La personalità è un corpo vivente e ben organizzato”.

Successivamente, lo scrittore di prosatore romano Petronio divenne l'autore dell'aforisma: "Il mondo intero recita". In una forma leggermente modificata: "Il mondo intero è un palcoscenico" - è stato riprodotto sulla facciata del famoso Globe Theatre di Londra, dove sono state messe in scena le opere del grande Shakespeare...

Tragedia

letteratura teatrale della cultura greca

Teatro di Atene

Durante il periodo di massimo splendore della società greca, le rappresentazioni teatrali facevano parte del culto di Dioniso e si svolgevano esclusivamente durante le feste dedicate a questo dio. Ad Atene nel V secolo. In onore di Dioniso furono celebrate numerose festività, ma i drammi furono messi in scena solo durante le “Grandi Dionisie” (intorno a marzo - aprile) e Lena (in gennaio - febbraio). La “Grande Dionisia” è una festa dell'inizio della primavera, che allo stesso tempo segnava l'apertura della navigazione dopo i venti invernali; in questa festa, i rappresentanti delle comunità che facevano parte dell'unione marittima ateniese venivano a pagare le tasse al tesoro dell'unione; La “Grande Dionisia” veniva quindi celebrata con grande sfarzo e durava sei giorni. Il primo giorno si svolgeva una solenne processione di trasferimento della statua di Dioniso da un tempio all'altro, e si immaginava che il dio fosse presente alle gare poetiche che occupavano il resto della festa; il secondo e il terzo giorno erano dedicati alle lodi dei cori lirici, gli ultimi tre giorni ai giochi drammatici. Le tragedie, come già accennato, vanno in scena fin dal 534, cioè dall'epoca in cui venne istituita la festività; intorno al 488-486 le commedie si unirono a loro. Il Leney, festa più antica, solo successivamente si arricchì di gare drammatiche; Intorno al 448 iniziarono ad essere messe in scena commedie e intorno al 433 tragedie. Tutti questi giochi avevano il carattere di spettacoli di massa ed erano progettati per un gran numero di spettatori. Ai concorsi del V sec. salvo rare eccezioni, erano consentite solo nuove rappresentazioni; Successivamente, le nuove opere sono state precedute da un'opera del vecchio repertorio, che però non è stata oggetto di concorso.

Le opere dei drammaturghi ateniesi erano quindi destinate alla produzione una tantum, e ciò contribuì alla saturazione dei drammi con contenuti attuali e persino attuali.

L'ordine fu stabilito intorno al 501-500. per Il Grande Dionigi, prevedeva tre autori in un concorso tragico, ciascuno dei quali rappresentava tre tragedie e un dramma di satiri. Ai concorsi comici, i poeti dovevano scrivere solo un'opera teatrale. Il poeta compose non solo il testo, ma anche le parti musicali e di balletto del dramma; fu anche regista, coreografo e spesso, soprattutto in passato, attore. L’ammissione del poeta al concorso dipendeva dall’arconte (membro del governo) che era responsabile della festa; in questo modo veniva esercitato anche il controllo ideologico sulle opere teatrali. Lo Stato assegnava i costi della messa in scena dei drammi di ciascun poeta a qualche cittadino facoltoso, che veniva nominato coreg (direttore del coro). Il coreg reclutò un coro di 12 persone, poi 15 per la tragedia, 24 per la commedia, pagò i membri del coro, la sala in cui il coro preparava, le prove, i costumi, ecc. Lo splendore della produzione dipendeva dalla generosità del coro. coreg. Le spese dei coreografi erano molto significative e le vittorie al concorso venivano assegnate congiuntamente al coreografo e al regista-poeta. Con l'aumento del numero degli attori e la separazione dell'attore dal poeta, il terzo partecipante indipendente alla il concorso diventava l'attore principale (“protagonista”), che selezionava i suoi assistenti: uno per il secondo, l'altro per i terzi ruoli (“deuteragonista” e “tritagonista”). La nomina del suo poeta al corego e del suo attore principale al poeta avvenne mediante sorteggio nell'assemblea popolare presieduta dall'arconte. Nel IV secolo, quando il coro perse la sua importanza nel dramma e il baricentro si spostò sulla recitazione, quest'ordine fu considerato scomodo, poiché rendeva il successo del coreografo e del poeta eccessivamente dipendente dalla prestazione dell'attore loro assegnato e il successo dell'attore sulla qualità dello spettacolo e della produzione. Poi fu stabilito che ogni protagonista dovesse apparire per ogni poeta in una delle sue tragedie.

La giuria era composta da 10 persone, un rappresentante per ciascun distretto ateniese. Sono stati estratti a sorte all'inizio del concorso da una lista precompilata. La decisione finale è stata presa sulla base dei voti espressi da cinque membri della giuria, anch'essi estratti a sorte. Alla festa di Dioniso erano ammesse solo le “vittorie”; la giuria ha stabilito il primo, il secondo e il terzo “vincitori” sia in relazione ai poeti e ai loro coreografi, sia soprattutto in relazione ai protagonisti. Veri vincitori compaiono solo le coreghe, il poeta e il protagonista, riconosciuti come “primi”; furono incoronati d'edera proprio lì nel teatro. La terza “vittoria” equivaleva in realtà a una sconfitta. Tutti e tre i poeti e protagonisti ricevettero però dei premi, che costituivano anche il loro compenso. La decisione della giuria è stata mantenuta archivio di stato. A metà del IV secolo. Aristotele ha pubblicato questi materiali d'archivio. Dopo la comparsa della sua opera, i registri consolidati delle vittorie ad ogni festival e gli elenchi dei vincitori iniziarono a essere scritti su pietra, e numerosi frammenti di queste iscrizioni ci sono pervenuti.

Lo Stato ateniese affidò la cura dei locali per spettatori e artisti, prima con la costruzione di strutture temporanee in legno, e successivamente con la manutenzione e riparazione del teatro permanente, a imprenditori privati, affittando i locali. "L'ingresso al teatro era quindi a pagamento. Tuttavia, per garantire che tutti i cittadini, indipendentemente dalla loro situazione finanziaria, avessero l'opportunità di assistere al teatro, la democrazia fin dai tempi di Pericle forniva a ogni cittadino interessato un sussidio pari a biglietto d'ingresso per un giorno, e nel IV secolo e per tutti e tre i giorni di rappresentazioni teatrali.

Una delle differenze più importanti tra il teatro greco e il teatro moderno “è che lo spettacolo si svolgeva all'aperto, alla luce del giorno. La mancanza di tetto e l'uso della luce naturale erano, a proposito, collegati alle enormi dimensioni dell'edificio greco? teatri, significativamente più grandi anche dei più grandi teatri moderni. Data la rarità degli spettacoli teatrali, gli antichi locali teatrali dovevano essere costruiti pensando alle masse di cittadini che celebravano la festività. Il teatro di Atene, secondo gli archeologi, poteva ospitare 17.000 spettatori, il teatro della città di Megalopoli in Arcadia - 44.000 persone. Ad Atene, gli spettacoli si sono svolti per la prima volta in una delle piazze della città e sono state erette piattaforme temporanee di legno per il pubblico; quando un giorno crollarono durante una partita, il pendio roccioso meridionale dell'acropoli fu adattato a scopi teatrali, a cui furono fissati dei sedili di legno. Il teatro in pietra fu finalmente completato solo nel IV secolo.

Fino alla seconda metà del XIX secolo. la struttura del teatro greco era conosciuta solo sulla base di una descrizione contenuta nel trattato dell'architetto romano Vitruvio “Sull'architettura”, scritto intorno al 25 a.C. e. Attualmente, le rovine di un gran numero di Teatri greci di epoche diverse, tra cui il Teatro ateniese di Dioniso, dove un tempo erano destinati alla produzione quasi tutti i drammi del repertorio classico greco.

A causa delle origini corali del dramma attico, una delle parti principali del teatro è l'orchestra (“piattaforma danzante”), sulla quale si esibivano sia cori drammatici che lirici. L'orchestra più antica Teatro di Atene era una piazza d'armi rotonda e compattata, di 24 metri di diametro, con due ingressi laterali; il pubblico li attraversò e poi entrò il coro. Al centro dell'orchestra c'era l'altare di Dioniso. Con l'introduzione di un attore che recitava in ruoli diversi, era necessario uno spogliatoio. Questa stanza, la cosiddetta skena (“palcoscenico”, cioè tenda), aveva carattere temporaneo ed era inizialmente collocata alla vista del pubblico; presto iniziarono a costruirlo dietro l'orchestra e a disegnarlo artisticamente come sfondo decorativo per il gioco. La scena ora raffigurava la facciata di un edificio, molto spesso un palazzo o un tempio, davanti alle cui mura si svolge l'azione (nel dramma greco l'azione non si svolge mai all'interno di una casa). Di fronte ad essa fu eretto un colonnato (proskenium); Tra le colonne erano collocate tavole dipinte, che fungevano da sorta di decorazione convenzionale: raffiguravano qualcosa che ricordava l'ambientazione dell'opera. Successivamente, la skene e il proskenium divennero edifici permanenti in pietra (con estensioni laterali - paraskenia).

Con questa struttura del teatro, una domanda molto importante per il business teatrale rimane poco chiara: dove recitavano gli attori? Informazioni precise al riguardo si hanno solo per la tarda antichità; Gli attori si esibivano poi sul palco, in alto sopra l'orchestra, e venivano così separati dal coro. Per un dramma dei suoi tempi d'oro un simile espediente era impensabile: a quel tempo il coro era direttamente coinvolto nell'azione, e gli attori dovevano spesso entrare in contatto con esso durante lo svolgimento dello spettacolo. È quindi necessario supporre che gli attori del V sec. suonavano nell'orchestra davanti al proscenio, allo stesso livello del coro o su una leggerissima sopraelevazione; in alcuni casi, il tetto del boccascena poteva essere utilizzato per interpretare attori, e il drammaturgo aveva l'opportunità di strutturare l'opera in modo che alcuni personaggi fossero ad un livello superiore rispetto ad altri. Il palco alto, come luogo permanente in cui gli attori recitavano, apparve molto più tardi, probabilmente già in epoca ellenistica, quando il coro perse la sua importanza nel dramma.

Terzo parte integrale teatro, ad eccezione dell'orchestra e della scena." erano luoghi per gli spettatori. Erano situati su sporgenze, che delimitavano l'orchestra come un ferro di cavallo, ed erano tagliati da passaggi radiali e concentrici. Nel V secolo si trattava di panche in legno, poi sostituite da sedili in pietra (vedi disegno a pag. 270).

Congegni meccanici nel teatro del V secolo. c'era ben poco. Quando era necessario mostrare allo spettatore cosa accadeva all'interno della casa, dalle porte della skena veniva fatta rotolare una piattaforma su ruote di legno (ekkiklema), insieme agli attori o alle bambole posti su di essa, e poi, quando se ne presentava la necessità passato, è stato ripreso. Per sollevare in aria i personaggi (ad esempio gli dei), veniva utilizzata una cosiddetta macchina, qualcosa come una gru. Il periodo di massimo splendore del dramma greco ebbe luogo nelle condizioni della tecnologia teatrale più primitiva.

I partecipanti al gioco indossavano maschere. Teatro greco periodo classico conservò completamente questa eredità di dramma rituale, sebbene non avesse più alcun significato magico. La maschera corrispondeva alla direttiva dell'arte greca di presentare immagini generalizzate, inoltre, non ordinarie, ma eroiche, che sovrastano livello familiare, o grottesco-comico. Il sistema di maschera è stato sviluppato in grande dettaglio. Coprivano non solo il viso, ma anche la testa dell'attore. Il colore, l'espressione della fronte, le sopracciglia, la forma e il colore dei capelli della maschera caratterizzavano il sesso, l'età, lo status sociale, le qualità morali e lo stato mentale della persona raffigurata. Quando si è verificato un brusco cambiamento nel suo stato mentale, l'attore ha indossato maschere diverse nelle sue diverse parrocchie. In altri casi, la maschera potrebbe essere adattata ad un'immagine in più tratti individuali, riproducendo le caratteristiche dell'aspetto abituale di un eroe mitologico o imitando una somiglianza del ritratto con i contemporanei ridicolizzati nella commedia. Grazie alla maschera, l'attore poteva facilmente recitare in diversi ruoli durante uno spettacolo. La maschera rendeva immobile il volto ed eliminava dall'antica arte recitativa le espressioni facciali, che però ancora non sarebbero arrivate alla stragrande maggioranza degli spettatori date le dimensioni del teatro greco e l'assenza di strumenti ottici. L’immobilità del volto era compensata dalla ricchezza ed espressività dei movimenti del corpo e dall’arte declamatoria dell’attore. Nella mente dei greci, gli eroi mitici superavano la gente comune in altezza e larghezza delle spalle. Gli attori tragici indossavano quindi coturni (scarpe con suola alta a forma di trampoli), un alto copricapo da cui scendevano lunghi riccioli e mettevano cuscini sotto i costumi. Si esibivano indossando abiti lunghi e solenni, gli antichi paramenti dei re, che solo i sacerdoti continuavano a indossare. (Per il costume dell'attore comico, vedi sotto, p. 156).

I ruoli delle donne erano interpretati dagli uomini. Gli attori erano considerati servitori di culto e godevano di alcuni privilegi, come l'esenzione fiscale. Il mestiere di attore era quindi accessibile solo a chi era libero. A partire dal IV secolo, quando in Grecia apparvero molti teatri e aumentò il numero degli attori professionisti, iniziarono a formare associazioni speciali di “maestri dionisiaci”.

Teatro e letteratura greca. La crescente popolarità degli spettacoli teatrali portò al fatto che non solo occuparono un posto dominante nelle celebrazioni religiose e pubbliche, ma si separarono dalle cerimonie religiose e divennero una forma d'arte indipendente che occupava un posto speciale nella vita degli antichi greci. Nel periodo arcaico gli spettacoli teatrali venivano rappresentati in luoghi diversi, nel V secolo. AVANTI CRISTO e. appare una piattaforma appositamente designata per le rappresentazioni teatrali.

Di regola, veniva scelto ai piedi di una dolce collina, i cui pendii erano lavorati sotto forma di gradini di pietra su cui erano seduti gli spettatori (i posti per gli spettatori erano chiamati theatron dalla parola teaomai - guardo). Le gradinate erano disposte a semicerchio, divise in gradinate successive e settori separati da passaggi, come negli stadi moderni.

L'azione scenica vera e propria si svolgeva su una piattaforma rotonda compattata, successivamente pavimentata con lastre di marmo e chiamata orchestra. Al centro dell'orchestra c'era un altare dedicato a Dioniso, nell'orchestra si esibivano attori e un coro. Dietro l'orchestra c'era una tenda dove gli attori si cambiavano e da dove uscivano tra il pubblico. Questa tenda era chiamata skena. Successivamente, al posto di una piccola tenda per il cambio d'abito, che si perdeva sullo sfondo della vasta orchestra, si cominciò a costruire una tenda permanente edificio alto, sul muro sporgente verso il pubblico, veniva disegnato uno scenario, raffigurante, di regola, la facciata di un palazzo, un tempio, le mura della fortezza, una strada cittadina o una piazza.

L'azione scenica si è svolta come un dialogo tra un attore e il coro. Nel V secolo AVANTI CRISTO uh, altri due attori sono stati introdotti sul palco, e l'azione scenica è diventata più complessa, e il ruolo del coro è diminuito. Gli attori si esibivano con maschere che coprivano non solo i loro volti, ma anche le loro teste. Le maschere raffiguravano le persone stesse vari tipi, età, stato sociale, trasmettevano anche il loro stato d'animo e le loro qualità morali. Cambiando maschera, un attore poteva interpretare diversi ruoli durante l'azione; tuttavia, la maschera rendeva impossibile vedere le espressioni facciali dell'attore, ma questa circostanza era compensata dai suoi movimenti espressivi del corpo. Eroi mitologici oppure gli dei venivano rappresentati come molto più grandi delle persone comuni; per questo, gli attori indossavano scarpe speciali con suole alte di coturno, indossavano un alto copricapo e mettevano delle imbottiture sotto i vestiti per apparire più potenti. Questo sostegno era necessario anche perché, date le dimensioni molto grandi dei teatri greci e la distanza dei posti del pubblico dall'orchestra, gli attori in tali costumi diventavano più visibili ed era più facile seguire la loro esibizione. Giocavano con lunghe vesti che, secondo la leggenda, nei tempi antichi venivano indossate da re e sacerdoti. Sono stati utilizzati anche alcuni dispositivi meccanici. Ad esempio, se era necessario mostrare l'azione all'interno di una casa, sull'orchestra veniva stesa una speciale piattaforma di legno, dove si trovavano gli attori. Se durante l'azione era necessario mostrare un dio che svettava nel cielo, veniva utilizzato un dispositivo speciale. Uno speciale dispositivo acustico potrebbe riprodurre i tuoni.

I teatri greci erano progettati per quasi tutta la popolazione della città e contavano diverse decine di migliaia di posti. Il Teatro di Dioniso ad Atene aveva 17mila posti, il famoso teatro di Epidauro (è stato ben conservato fino ad oggi, e qui gli attori greci moderni recitano antiche tragedie) - 20mila posti. I teatri di Megalopoli erano grandiosi: con 40mila posti, e il teatro di Efeso addirittura con 60mila posti. Gli spettacoli teatrali sono diventati parte integrante della vita quotidiana. Ad Atene, ad esempio, uno speciale fondo statale, i cosiddetti "soldi del teatro", che dovevano essere distribuiti ai cittadini poveri affinché potessero acquistarli biglietti per il teatro. E questo fondo non è stato toccato nemmeno durante le maggiori difficoltà finanziarie dello Stato, nemmeno in caso di ostilità.

Nei teatri venivano rappresentate opere di famosi drammaturghi greci, che ponevano le questioni scottanti della vita moderna e poiché nei teatri era solitamente presente la maggioranza della società civile, il pubblico approvava o condannava vigorosamente l'autore. I drammaturghi greci si ritrovarono così al centro dell'attenzione della loro polis, e questo, naturalmente, divenne un potente stimolo per la loro creatività. V secolo AVANTI CRISTO AC - un periodo di straordinaria fioritura del dramma greco classico, l'emergere di titani della letteratura greca e mondiale, i grandi tragediografi Eschilo, Sofocle ed Euripide, l'autore delle commedie immortali di Aristofane. Il loro lavoro ha segnato una nuova tappa nel processo letterario mondiale.

Eschilo di Eleusi (525-456 a.C.) è considerato il padre della tragedia greca. Gli anni della sua maturità furono trascorsi nel periodo eroico guerra vittoriosa Greci con l'impero persiano. Eschilo prese parte alle più grandi battaglie di questa guerra (a Maratona, Salamina e Platea). Prese parte attiva alla vita pubblica di Atene, viaggiò in Sicilia e lì trascorse i suoi ultimi anni. Ad Eschilo viene attribuita la creazione di 90 tragedie, di cui sette sopravvivono. I più famosi sono I Persiani (472 a.C.), Prometeo incatenato (470 a.C.) e la trilogia dell'Orestea (458 a.C.), composta dalle tragedie "Agamennone", "Coefora" ed "Eumenidi". Le trame delle tragedie di Eschilo sono racconti mitologici noti da tempo sul titano Prometeo e sui crimini dei re argivi della famiglia Atride. Solo in "Persiani" si trattava di eventi reali: la vittoria dei Greci sui Persiani nella battaglia navale di Salamina. Tuttavia, Eschilo ripensa miti noti e semplici, ne introduce di nuovi trame, riempie la storia con idee del suo tempo. Eschilo riflette nelle sue opere il trionfo dell'ordine della polis e della sua ideologia, glorifica il coraggio, la volontà, il patriottismo dei greci, contrastandoli con l'arroganza e la spavalderia del despota orientale Serse nella tragedia “Persiani”, glorifica l'impavidità degli eroi, per il bene delle persone pronte a discutere con gli dei stessi, il trionfo della vita civile in “Prometeo incatenato” e allo stesso tempo dipinge il dispotismo e la tirannia di Zeus nei colori più oscuri. Nella trilogia dell'Orestea, il suo lavoro è permeato di discussioni filosofiche sul significato esistenza umana, rapporti tra persone e dei. Per Eschilo una vita libera e morale è possibile solo in una comunità polis protetta da leggi giuste. Non c'è posto qui per quei gravi crimini che hanno riempito la precedente era prepoli. Una vita così organizzata piace agli dei. L'opera di Eschilo glorificava i fondamenti politici, ideologici e morali della polis greca.

Le opere di Sofocle di Atene sollevano le questioni più importanti dell'esistenza (496-406 aC). Sofocle, secondo la leggenda, scrisse oltre 120 tragedie, di cui solo sette sono sopravvissute. Tra questi, due divennero i più famosi: “Edipo Re” (429-425 a.C.) e “Antigone” (442 a.C.). In essi Sofocle parla del posto dell'uomo nella società e nel mondo. Cos'è una persona: un burattino nelle mani di dei onnipotenti o il creatore del proprio destino? Nelle immagini del re tebano Edipo e di sua figlia Antigone, Sofocle delinea la sua soluzione a questo argomento. Edipo è saggio, virtuoso e semplicemente re, amato dal suo popolo, ma nonostante ciò è un giocattolo nelle mani di potenti dei. Gli dei lo avevano destinato a condurre una vita criminale: uccidere suo padre, sposare sua madre e dare alla luce strane creature che fossero suoi figli, ma allo stesso tempo suoi fratelli. La profezia si avvera, anche se Edipo sembra aver fatto di tutto per scongiurarla. E quando avviene una crudele epifania, Edipo non si rassegna al suo terribile destino. Si ribella all'ingiustizia del destino, alla crudeltà degli dei. È rotto, ma non schiacciato. Sfida gli dei. Accecatosi, lascia Tebe e vaga per la Grecia, cercando di purificarsi dal crimine imposto dal destino. Dopo aver lasciato il mondo, vecchio e malato, ma non moralmente distrutto, Edipo raggiunge la purificazione spirituale, trova il suo ultimo rifugio nel sobborgo ateniese di Colon e diventa l'eroe protettore di Colon. Edipo, con la forza della sua sofferenza, riuscì a superare i pesanti colpi del destino pianificati dagli dei, e così li sconfisse. Sofocle afferma l'idea dell'onnipotenza dell'uomo, dell'infinità dei suoi poteri e della capacità di resistere al destino inevitabile. L'idea centrale della tragedia è da lui espressa in bellissimi versi:

Ci sono molte forze meravigliose in natura,

Ma non c'è nessuno più forte dell'uomo.

È un ululato ribelle sotto la bufera di neve

Va audacemente oltre il mare:

Le onde si alzano tutt'intorno -

Sotto di loro galleggia un aratro...

E stormi spensierati di uccelli,

E le razze degli animali della foresta,

E una tribù di pesci sottomarina

Ha sottomesso le autorità alle sue.

Il problema del posto dell'uomo nel mondo e nella società posto da Sofocle diventerà un tema eterno di tutta l'arte mondiale. Nell'opera di Euripide di Salamina (480-406 a.C.), il dramma greco si arricchì di nuove conquiste. L'opera più famosa di Euripide, che riflette la sua innovazione, è la famosa "Medea", messa in scena nel 431 a.C. e. La commedia racconta la terribile vendetta di Medea, la figlia del re della Colchide, che il capo degli Argonauti Giasone portò dalla Colchide in Grecia e qui abbandonò in balia del destino, contraendo un vantaggioso matrimonio con la figlia del re di Corinto . Offesa nel profondo dal tradimento di Giasone, che aiutò a ottenere il vello d'oro, che salvò dalla morte a costo della morte di suo fratello, e lasciò il suo paese per amor suo, Medea escogita piani per una crudele vendetta. In modo del tutto inaspettato per se stessa, Medea arriva all'idea di uccidere i suoi figli avuti da Giasone. Euripide descrive psicologicamente sottilmente la terribile confusione dei sentimenti di una madre amorevole e di un vendicatore crudele. In questa commedia, Euripide sviluppa diverse tecniche artistiche fondamentalmente nuove. L'immagine di Medea è data nello sviluppo: una moglie amorevole, una madre gentile si trasforma in una donna che odia suo marito e un'assassina dei suoi stessi figli. L'uomo di Euripide cambia internamente, la sua anima, dilaniata da passioni contraddittorie, soffre, e quale di queste passioni prevarrà, a quali terribili conseguenze ciò porterà, l'uomo stesso non lo sa. Il risultato imprevedibile della lotta delle passioni nell'anima di una persona è il suo destino. Nelle opere di Euripide è stata sviluppata una meravigliosa idea artistica sullo studio del mondo interiore dell'uomo, sulle passioni basse e alte che infuriano lì.

Una tale interpretazione delle immagini divenne la scoperta artistica di Euripide e ebbe un enorme impatto sul successivo destino della letteratura greca e mondiale. Non sorprende che siano sopravvissute 18 opere di Euripide (su 92), vale a dire più delle opere di Eschilo e Sofocle messe insieme. Il metodo artistico di Euripide ha influenzato Shakespeare; la sua immortale “Medea” è messa in scena nei teatri del nostro tempo, e la furiosa tempesta delle passioni contrastanti del personaggio principale ci sciocca ancora con la sua verità artistica.

In generale, l'opera dei tragediografi ateniesi del V secolo. AVANTI CRISTO e. è stata una meravigliosa scoperta artistica mondo antico, determinò molte direzioni per l'ulteriore movimento della letteratura mondiale.

Anche il genere commedia era molto popolare. La commedia è nata da canti e balli di carnevale rilassati, a volte molto liberi, durante le allegre vacanze rurali in onore del dio Dioniso - Dionisia rurale. Le condizioni più favorevoli per la creazione di commedie si svilupparono nell'Atene democratica, dove era consentita una maggiore libertà di critica sia degli individui che delle leggi e delle istituzioni. Inoltre, il carattere pubblico delle riunioni dell'Assemblea popolare, del Consiglio dei 500 e dei consigli di amministrazione ha fornito agli autori di commedie materiale ricco. A partire dalla seconda metà del V sec. AVANTI CRISTO e. Poiché i problemi politici divennero centrali nella vita pubblica dello stato ateniese e furono discussi attivamente e apertamente dalle grandi masse di cittadini, i temi politici iniziarono a predominare nelle prime commedie ateniesi.

La commedia politica raggiunse il suo culmine più alto nell'opera del grande drammaturgo ateniese Aristofane (445-388 a.C.). Sono sopravvissute 11 commedie, in cui descrive i segmenti più diversi della popolazione, sollevando molti problemi attuali della società ateniese: atteggiamento nei confronti degli alleati, questioni di guerra e pace, corruzione dei funzionari e mediocrità dei comandanti. Mette in ridicolo la stupidità di alcune decisioni delle assemblee popolari, gli eloquenti sofisti e il filosofo Socrate, il trambusto della panchina e l'amore per il contenzioso, parla della distribuzione ineguale della ricchezza e della vita difficile dei contadini ateniesi. Aristofane non pose profonde questioni filosofiche nelle sue commedie, come i grandi tragici, ma diede una descrizione realistica di molti aspetti della vita ateniese; le sue commedie sono una preziosa fonte storica dell'epoca. Nelle sue opere Aristofane sviluppò molte situazioni comiche spiritose, che furono ampiamente utilizzate dai comici successivi fino ai giorni nostri. Le commedie di Aristofane sono scritte in un linguaggio ricco e figurato.

Tragedie e commedie appartenevano ai generi poetici della letteratura. Opere in prosa sono stati creati da storici, autori di narrazioni monumentali. La storia stessa, a differenza comprensione moderna La sua disciplina scientifica nell'antichità era considerata una narrativa artistica. Ottimi esempi di prosa greca dei secoli V-IV. AVANTI CRISTO e. diventare opere storiche Erodoto, Tucidide, Senofonte. La finzione è rappresentata anche dai discorsi degli oratori ateniesi, in particolare Isocrate, Demostene, opere filosofiche Platone e Aristotele, che attribuivano grande importanza alla rifinitura letteraria delle loro opere.

"Anacreontici" secoli XVIII-XIX. è stato ispirato da questa collezione tardoantica ed è servito come fonte di numerose traduzioni russe “da Anacreonte” (Pushkin: “Riconosco i cavalli zelanti”).

Ivik (seconda metà del VI secolo) - originario della città italiana di Regia. Era di famiglia nobile, ma preferiva la vita di poeta errante. Fu ucciso dai briganti durante un viaggio a Corinto, dove nacque la leggenda delle “gru di Ivik” (prima di essere ucciso, Ivik riuscì a chiamare a testimoni della sua morte le gru che volavano davanti a lui. Queste stesse gru apparvero in cielo durante un vacanza a Corinto, e uno di Lui si tradì davanti al pubblico rivolgendosi al suo compagno: "Eccoli, i vendicatori di Ivik!" "Le gru di Ivik" divenne un proverbio applicato ai casi in cui un crimine viene risolto grazie all'intervento divino) . L'inno arriva fino all'elogio delle qualità puramente umane, all'encomio. Gli inni di Ivik erano di natura amorosa, con un debole per motivi epici.

Stesicoro (VII-VI secolo a.C.) – siciliano. Scrisse inni, opere bucoliche (pastorali) ed erotiche. L'area principale del suo lavoro sono gli inni eroici. C'è una leggenda su "Elena" secondo cui Stesicoro la ritrasse per la prima volta in cattiva luce e divenne cieco, e poi inventò la versione secondo cui il fantasma di Elena era stato rapito, e non lei stessa, e dopo ciò riacquistò la vista. Ha introdotto la triade nei testi: strofa, antistrofe, epod. Il passaggio più grande - sei versi - riguarda la coppa d'oro in cui il Sole fluttua di notte attraverso l'oceano. I critici successivi lo paragonarono a Omero.

Prime forme di meliki cerimoniale (Arion, Las Hermione). Melika corale solenne: Simonide di Keos. Poetesse greche.

La melika solenne corale era associata a culti/festività. I cori furono creati nei templi per cantare i culti.

Las Hermione (VI secolo) - ditirambista (ditirambo, inno di culto in onore di Dioniso). Consentito un brusco passaggio da un argomento all'altro; accreditato con la prima composizione sulla musica greca. La base dei ditirambi sono i miti sugli dei e sugli eroi.

Simonide di Keos (seconda metà del VI - prima metà del V secolo a.C.) - fu il primo a dirigere il coro di Keos alle feste di Apollo. Visse alla corte di vari tiranni siciliani. Ha anche cantato dei loro eventi eroici. Inoltre, ha anche glorificato la gente comune, in particolare i vincitori dei concorsi. Una filosofia speciale basata sulla pietà e sulla compassione per una persona debole. I lamenti funebri si distinguevano per naturalezza e realismo. Epigrammi funebri. Sviluppa l'idea della somiglianza della vita con l'eterno cambiamento del fogliame sugli alberi. Ha anche scritto che una persona non può essere sicura del futuro.

Fantasia è una leggendaria poetessa greca antica della guerra di Troia. Le furono attribuite poesie sulla guerra di Troia e sul ritorno di Ulisse a Itaca, da cui Omero avrebbe compilato la sua epopea quando visitò Menfi, dove viveva Fantasia.

Saffo (7-6 secoli a.C.) – aristocratica; tornata a Lesbo, aprì una scuola per insegnare alle ragazze la scienza e la musica. Il tema principale è l'amore. Una sinfonia di sentimenti e sensazioni. Un altro tema principale è la natura, anch'essa intrisa di atmosfere erotiche. L'amore per lei è sia amaro che dolce. Saffo scrisse anche degli inni, di cui è conservato l'inno ad Afrodite, dove chiede alla dea di avere pietà di lei. C'è più realismo negli inni. Canzoni per amiche: il tema è la convivenza e il lavoro a scuola, l'amore reciproco, l'odio e la gelosia. Sensualità raffinata.

Corinna - scritta in dialetto beotico e basata su miti locali.

Praxilla (metà V secolo a.C.) – ditirambi in onore di Adone.

Melika corale solenne: Pindaro e Bacchilide. Caratteristiche del genere epinik nel loro lavoro.

Pindaro (V secolo a.C.) - nato vicino a Tebe. Ha ricevuto un'educazione musicale. Viaggiò molto, godette di una fama senza precedenti e fu citato da Erodoto. Tutte le sue epinizie sono elogi dei vincitori delle competizioni, principalmente governanti, ma anche comuni cittadini. Tutte queste odi sono state scritte su ordinazione, ma tuttavia non contengono alcuna adulazione. Si lodano fama, ricchezza, salute, forza, fortuna, vitalità. Ma senza fanatismo.

Bacchilide (V secolo a.C.) - nipote di Simonide di Keos. Elogio del famoso eroe ateniese Teseo, il ditirambo “Teseo” come inizio del dramma. Viene raffigurata l'attesa di Egeo e del popolo per l'avvicinarsi del figlio. L'eccitazione dionisiaca del coro è impreziosita dal mito e dalla visione dati nella storia di Egeo. Si sforza sempre di catturare i dettagli. Pessimismo un po’ più evidente. La sua divinità dà felicità a pochi. L'ideale della felicità è una vita libera da preoccupazioni e preoccupazioni. Le tendenze democratiche stanno progredendo.

Periodo classico (attico) della letteratura greca antica. Caratteristiche generali della situazione storica e culturale. La nascita di nuovi generi.

La società schiavistica greca visse nel V secolo. AVANTI CRISTO. il periodo della sua massima prosperità: economica, politica, artistica. Questa fioritura è indissolubilmente legata all'ascesa di Atene e allo sviluppo della democrazia ateniese che seguì le guerre greco-persiane.

Atene era una democrazia proprietaria di schiavi; L’“uguaglianza” dei cittadini ateniesi era possibile solo grazie al fatto che gli elementi privati ​​dei diritti civili, gli schiavi*, che di fatto costituivano la maggioranza della popolazione, erano esclusi dal godimento dei benefici della democrazia.

L'ascesa e la crisi della democrazia ateniese furono accompagnate da notevoli cambiamenti nella coscienza pubblica. Proteggendo rigorosamente le basi della vita polis, la democrazia ateniese si distingueva per un certo conservatorismo religioso. Le idee radicali della filosofia ionica penetrarono molto lentamente ad Atene, e tra gli scrittori attici dell'era della crescente democrazia, il controllo divino del mondo non solleva ancora il minimo dubbio. Tuttavia, le loro idee religiose stanno diventando sempre più astratte. La divinità perde il suo soprannaturalismo e si dissolve nella natura e nella società.

IV secolo AVANTI CRISTO. – collasso delle politiche. Il tempo della predominanza dei generi di prosa. Nelle condizioni della democrazia siciliana e ateniese, l'eloquenza è ampiamente sviluppata: giudiziaria, politica e cosiddetta "solenne", cioè discorsi in riunioni pubbliche durante festività, funerali, feste. La cultura dell'antica polis richiedeva la conoscenza di miti e tradizioni; la nuova cultura preparata dai sofismi, rifiutando una parte significativa di queste tradizioni, si basa sulla conoscenza teorica delle questioni della moralità e dello stato e richiede la capacità di esprimere i propri pensieri in modo bello e convincente. Da questa esigenza nasce una nuova disciplina, la retorica.

Sviluppo di generi teatrali: dramma, commedia, tragedia.

L'emergere del dramma greco antico. Tipi di dramma. La struttura dell'antico teatro greco e l'organizzazione degli spettacoli.

L'origine del dramma - VI secolo. aC, regione dell'Attica. Dialogo + movimento scenico richiesti. L'elemento principale è un coro eseguito con l'accompagnamento di un flauto. Il dramma, in quanto processo sociale complesso, affonda le sue radici nel culto di Dioniso. Dialogo tra il coro e il luminare, vestito con la maschera e il costume di un dio, e il coro - nei satiri. Misteri che descrivono miti, ad esempio il rapimento della figlia di Demetra, Persefone.

la tragedia è il canto dei satiri, compagni di Dioniso.

commedia - il canto di un'allegra processione rurale in onore di Dioniso.

Lo spettacolo teatrale è un programma obbligatorio del festival. Le tragedie e le commedie greche sono state presentate al pubblico sotto forma di un concorso di poeti tragici. Hanno presentato domanda, poi hanno scelto i 3 più meritevoli e gli è stato assegnato un coro. All'interno della tragedia c'è un monologo e un dialogo minore con il coro. Giudicato da una giuria speciale di 10 persone, cittadini ateniesi. La ricompensa è una ghirlanda realizzata con un albero o una pianta sacra in onore della quale viene celebrata la festa (nelle Dionisie - edera). I risultati furono impressi su una grande stele di pietra.

Ogni poeta tragico gareggiava con una tetralogia (quattro drammi collegati da una trama comune), che comprendeva una trilogia + dramma satirico. Successivamente, le competizioni drammatiche non sono collegate tra loro. La trilogia ha permesso di considerare la storia di generazioni. Si basa su una trama mitologica legata alla situazione sociale o politica.

Il teatro era composto da tre parti: un'orchestra per il coro con al centro un altare dedicato a Dioniso, sedili per gli spettatori, nella prima fila della quale c'era una sedia per il sacerdote di Dioniso, e gli skenas, edifici dietro l'orchestra dove gli attori si sono cambiati d'abito + una parete di legno con decorazioni. Non c'erano soffitti né illuminazione artificiale: la competizione durava finché c'era la luce del sole. Non c'era nessuna tenda. Ogni attore ha interpretato diversi ruoli. Non c'erano scene di omicidio. Nel ruolo di un cadavere: una borsa di paglia coperta da un mantello. Un mezzo coro sosteneva l'eroe, l'altro sosteneva il nemico. Il coro è sempre statico.

L'azione di una commedia è una strada, una tragedia è un tempio o un palazzo, un dramma è un prato, l'ingresso di una grotta.

Origine e struttura della tragedia greca antica. I primi poeti tragici. Dramma satirico. Aristotele sull'origine della tragedia (“Poetica”).

Tuttavia, anche se la tragedia attica si è sviluppata sulla base del gioco folcloristico delle “capre” del Peloponneso e del ditirambo di tipo Arion, il momento decisivo per la sua emergenza è stato lo sviluppo delle “passioni” in un problema morale. La crescita del significato sociale dell'individuo nella vita della polis e il crescente interesse per la sua rappresentazione artistica portano al fatto che in ulteriori sviluppi nella tragedia diminuisce il ruolo del coro, aumenta l'importanza dell'attore e aumenta il numero degli attori; ma rimane invariata la stessa struttura in due parti, la presenza di parti corali e parti di attori.

Non c'erano intervalli nel senso moderno del termine nella tragedia attica. Il gioco è andato avanti ininterrottamente e il coro non si è quasi mai allontanato dal luogo del gioco durante l'azione. Le componenti necessarie della tragedia attica sono la “sofferenza”, il messaggio del messaggero e il lamento del coro. Per lei una fine catastrofica non è affatto necessaria; molte tragedie hanno avuto un esito riconciliatore.

L'antico dramma satirico era, come abbiamo già detto, un dramma del corpo e della vita corporea.

I primi poeti tragici: Eschilo, Sofocle, Euripide.

Aristotele sull'origine della tragedia: “la tragedia è l'imitazione di un'azione importante e completa, avente un certo volume, con l'aiuto della parola, diversamente decorata in ciascuna delle sue parti; attraverso l’azione, e non il racconto, operando, attraverso la sofferenza e la paura, la purificazione di tali affetti”.

Eschilo è il “padre della tragedia”. Fasi della creatività di Eschilo. Visioni religiose e morali di Eschilo. Caratteristiche drammatiche delle tragedie di Eschilo. Linguaggio e stile di Eschilo.

Con l'aiuto di immagini mitologiche, ha rivelato il contenuto storico della rivoluzione di cui era contemporaneo: l'emergere di uno stato democratico da una società tribale.

Nato nel 525/4 ad Eleusi e proveniva da una nobile famiglia di proprietari terrieri. Dalle tragedie è chiaro che il poeta era un sostenitore di uno stato democratico, sebbene appartenesse a un gruppo conservatore all'interno della democrazia.

Tre fasi nelle opere di Eschilo, che allo stesso tempo sono fasi della formazione della tragedia come genere drammatico: “I Persiani”, una delle prime tragedie, sono caratterizzati dalla predominanza di parti corali, dal debole sviluppo del dialogo e dalle immagini astratte.

Il periodo centrale comprende opere come “I sette contro Tebe” e “Prometeo incatenato”. Appare un'immagine centrale dell'eroe, caratterizzata da diverse caratteristiche principali; il dialogo si sviluppa maggiormente; Anche le immagini delle figure episodiche diventano più chiare.

La terza fase è rappresentata dall'Orestea, con la sua composizione più complessa, la crescente drammaticità, numerosi personaggi secondari e l'utilizzo di tre attori.

Elementi della visione del mondo tradizionale sono strettamente intrecciati con gli atteggiamenti generati dalla statualità democratica. Crede nell'esistenza reale delle forze divine che influenzano l'uomo e spesso gli tendono insidiosamente trappole, e aderisce persino all'antica idea della responsabilità ereditaria del clan. D'altra parte, gli dei di Eschilo diventano custodi delle basi legali del nuovo sistema statale, e sottolinea fortemente il punto della responsabilità personale di una persona per il suo comportamento liberamente scelto. A questo proposito, le idee religiose tradizionali vengono modernizzate. Il rapporto tra l'influenza divina e il comportamento cosciente delle persone, il significato dei percorsi e degli obiettivi di questa influenza, la questione della sua giustizia e bontà costituiscono la problematica principale di Eschilo, che sviluppa nella rappresentazione del destino umano e della sofferenza umana. I racconti eroici servono come materiale per Eschilo. Tuttavia, prendendo in prestito trame dall'epopea, Eschilo non solo drammatizza le leggende, ma le reinterpreta anche e le permea con i suoi problemi.

Il potere del denaro, il trattamento disumano degli schiavi, le guerre di conquista: tutto ciò incontra una condanna incondizionata, la cui dura visione si basa sulla profonda simpatia per la sofferenza umana.

Una certa solennità e maestosità sono caratteristiche, soprattutto nelle parti liriche. Lo stile solenne, “ditirambico” di Eschilo e il basso dinamismo delle sue opere sembravano già alla fine del V secolo. alquanto arcaico. Delle immagini create da Eschilo, Prometeo era di grande importanza. La potenza e la grandezza delle tragedie di Eschilo ricevettero il dovuto apprezzamento solo a partire dalla fine del XVIII secolo; tuttavia, i ricercatori borghesi distorcono ancora l'immagine del fondatore della tragedia, sottolineando il lato esclusivamente conservatore, religioso e mitologico della sua opera e ignorando la sua essenza profondamente progressista.

Sofocle – le fasi principali della creatività. Riforme teatrali di Sofocle. Opinioni religiose, morali e politiche di Sofocle. Caratteristiche del linguaggio e dello stile di Sofocle.

Tappe: mito troiano (“Ajax”), ciclo tebano (“Antigone”, “Edipo re”), miti su Ercole.

Il secondo grande poeta tragico di Atene del V secolo. AVANTI CRISTO. La città natale di Sofocle era Colon, un sobborgo di Atene. Per origine, Sofocle apparteneva a circoli ricchi. Fino alla fine della sua vita mantenne solo opinioni democratiche moderate. Il libero pensiero sofistico quasi non influenzò Sofocle: credeva negli oracoli e nelle guarigioni miracolose. Il rispetto per la religione e la moralità della polis e allo stesso tempo la fede nell'uomo e nei suoi poteri sono le caratteristiche principali della visione del mondo di Sofocle. Il poeta era uno dei preferiti dei suoi contemporanei; dopo la sua morte fu canonizzato come “eroe”.

I problemi che preoccupano Sofocle sono legati al destino dell'individuo e non a quello della famiglia. Parlando con tre tragedie, rende ciascuna di esse un insieme artistico indipendente, contenente tutti i suoi problemi. Descrivendo la grandezza dell'uomo, la ricchezza dei suoi poteri mentali e morali, Sofocle descrive allo stesso tempo la sua impotenza, i limiti delle capacità umane.

Un'altra significativa innovazione drammatica di Sofocle è l'inclusione di un terzo attore. Le scene con la partecipazione simultanea di tre attori hanno permesso di diversificare l'azione introducendo personaggi minori e non solo contrastano gli avversari diretti, ma mostrano anche diverse linee di comportamento nello stesso conflitto.

I drammi di Sofocle sono solitamente strutturati in modo tale che l'eroe, già nelle prime scene, prende una decisione ferma, con un piano d'azione che determina l'intero corso ulteriore dell'opera. I prologhi servono a questo scopo espositivo; Il prologo di Antigone contiene anche un'altra caratteristica molto comune in Sofocle: l'opposizione di personaggi duri e morbidi: l'irremovibile Antigone è in contrasto con la timida Ismene, che simpatizza con la sorella, ma non osa agire con lei.

Sofocle è molto spesso soddisfatto della convinzione che gli dei siano giusti, non importa quanto incomprensibili possano rimanere le loro azioni. Descrivendo il destino crudele di Edipo, evita di sollevare domande che potrebbero confondere la fede nella giustezza degli dei. Ciò è dovuto anche al fatto che Sofocle nelle sue tragedie successive è già un difensore dell'antichità della polis. Presta grande attenzione alle immagini femminili.

La lingua era vicina discorso colloquiale. Tecniche di stichomythia (lanciare linee tra i personaggi che si interrompono a vicenda). Molta attenzione veniva ancora prestata al dialogo.

Euripide - "filosofo sul palco". Nuovo tipo tragedia. Visioni sociali e religioso-morali di Euripide. Il mito nelle opere di Euripide. Lingua e stile di Euripide.

480-406 a.C Origine nobile; parlato con filosofi e matematici. Alla fine della sua vita si trasferì in Macedonia. L'aristocrazia romana amava moltissimo le sue tragedie.

L'idea di glorificare Atene, la "città ideale", e il tema della guerra, nonostante fosse un pacifista; il tema del sacrificio di sé, l'unico tipo di guerra è la difesa.

Lo chiamavano “un filosofo in scena”, con disprezzo.

Il coro cessa di essere attore e diventa lo sfondo dell'azione. Tutta l'attenzione è focalizzata sugli attori. Il tema dell'amore viene introdotto come base della trama; tema famiglia/domestico. I contemporanei lo definiscono misogino per la sua eccessiva crudeltà nelle tragedie.

Un intrigo complesso risolto con l'aiuto di un eroe o di una divinità (tecniche del deus ex machina, sollevamento dell'attore su un ascensore). Ha preso come base versioni rare e poco conosciute dei miti. Un'interpretazione unica dei prologhi: per avvicinare il pubblico al massimo dettaglio e velocità. Molto spesso, la trama era narrata da un eroe o da una divinità.

Conflitto tra dei ed eroi/persone; invidia o rabbia degli dei, che causa molti problemi, spesso portando alla morte.

Un nuovo tipo di eroina femminile: amorevole, ma anche vendicativa. La psicologia dell'uomo con tutti i suoi difetti è stata trasferita alle immagini degli dei, come metodo di riduzione, per il quale il pubblico non provava simpatia.

Lingua e stile:

conoscenza della retorica, dell'eloquenza, del dibattito nelle scene di dialogo.

alternanza di commenti, “interruzione”.

un messaggero o messaggero, il suo monologo, il più vicino possibile al discorso colloquiale, con accenni epici.

argomenti: problemi morali ed etici, ragionamento filosofico.

Periodizzazione della commedia greca antica. Origine e struttura della commedia greca antica. I primi poeti comici.

Vecchia commedia attica (antica) – 2a metà del V secolo. AVANTI CRISTO.

Attico medio - metà del IV secolo. AVANTI CRISTO.

Nooattica - fine del IV secolo. AVANTI CRISTO. – III e II secolo. AVANTI CRISTO.

I concorsi di "cori comici" furono istituiti alle "Grandi Dionisie" solo intorno al 488 - 486. Prima di allora, la commedia faceva parte delle feste di Dioniso solo come gioco rituale popolare, e lo stato non si assumeva la sua organizzazione.

La commedia attica “antica” è qualcosa di estremamente unico: in essa si intrecciano in modo intricato giochi arcaici e rozzi di feste della fertilità con la formulazione dei problemi sociali e culturali più complessi che la società greca deve affrontare.

Basandosi sul ridicolo. Caratterizzato da una forte critica agli eventi moderni, un carattere politico pronunciato, i volti dei (veri) contemporanei in forma farsesca, ma la trama è spesso fantastica. Il suo oggetto non è il passato mitologico, ma la modernità vivente, le questioni attuali, a volte anche attuali, della vita politica e culturale.

Inizia con un prologo; scenetta (canzone introduttiva del coro, che indica l'azione nella commedia nel ruolo di uccelli, animali); agon (un conflitto tra il personaggio principale e il suo rivale, che si conclude con la vittoria morale dell'eroe); episodico (difendere la verità attraverso la lotta); esodo (canto finale del coro).

I primi poeti comici: i mimi siciliani Sofrone e Xenarca (V secolo aC); Epicarmo (520-500 aC) introdusse la trama nella commedia; Aristofane (450-390 a.C.).

Aristofane è un rappresentante della commedia antica. Fasi della creatività di Aristofane. Visioni socio-politiche di Aristofane. Il linguaggio e lo stile delle sue commedie.

425-421 a.C – “Nuvole”, “Mondo”. Coincide con la prima guerra tra Atene e Sparta, da qui la glorificazione di Atene e le speranze in un'alleanza.

414-405 a.C - vittoria di Sparta. "Uccelli", "Rane", "Lisistrata". Gli attacchi personali contro politici e militari stanno quasi scomparendo; problemi del mondo, letteratura; un gran numero di parodie di tragedie e di Euripide.

390-388 a.C - “Le donne nell’Assemblea nazionale”. Transizione dalla politica agli argomenti di tutti i giorni. Aspetto fantastico.

Si prende spesso gioco dei poeti lirici alla moda. La sua commedia riflette gli strati più diversi della società, uomini e donne, statisti e generali, poeti e filosofi, contadini, abitanti delle città e schiavi; le maschere tipiche caricaturali assumono il carattere di immagini chiare e generalizzanti.

Per la prima volta viene sollevata la questione del significato della creatività. Aristofane si definiva un purificatore e un critico. Mezzi di influenza: un misto di serietà e umorismo, dire la verità. Idealizzazione: l’era degli eroi della maratona. Ideali positivi- nei villaggi. Chiamava tutte le nuove scuole un mucchio di ciarlatani; aveva un atteggiamento negativo nei confronti della cultura urbana.

Lingua e stile:

Riproduzione degli stili della tragedia, poesia lirica, parodia di oracoli e terminologia giuridica, recitazioni sofistiche, oratoria e dibattito pubblico. Mutilare il discorso + inventare nuove parole o scioglilingua.

La lingua è un esempio di discorso attico. Nel coro - imitazione degli animali.

Leggi estetiche della creatività di Aristofane. L'immagine ideale di un poeta tragico (“Rane”). Euripide e Aristofane.

Le opinioni letterarie ed estetiche di Aristofane si esprimono principalmente nelle commedie "Le rane" e "Le donne alle Tesmoforie", dove confronta lo stile di Euripide, che gli sembra soggettivista e declamatorio, con l'antico stile solenne di Eschilo, e dà la preferenza a quest'ultimo.

Ha molti principi nelle sue opinioni religiose, ma ciò non gli ha impedito di ritrarre gli dei in modo divertente, persino clownesco, e di dare caricature di preghiere e profezie.

In "Le rane" Euripide è raffigurato come un poeta sentimentale, viziato e antipatriottico. Eschilo è un poeta di alta ed eroica moralità, un patriota serio, profondo e tenace. I versi dei tragici sono pesati sulla bilancia, i versi di Eschilo risultano solidi, pesanti, i versi leggeri di Euripide saltano in alto. Per Euripide è personale, quotidiano, per Eschilo è eterno. E l'obiettivo dell'arte tragica è renderlo immortale + educazione morale.

La lotta dei tragici è di natura politica: qui viene giustificato il vecchio sistema politico forte e viene condannata la democrazia moderna, ricca, ma molto pietosa.

Prosa filosofica: Aristotele. La teoria letteraria di Aristotele.

Aristotele della città di Stagira (384-322 a.C.), educatore di Alessandro Magno, allievo di Platone.

Si opponeva ai principi fondamentali della filosofia idealistica del suo maestro: innanzitutto negava l’esistenza di due mondi, il mondo delle idee e il mondo delle cose, credendo che esista un solo mondo: quello materiale.

Insieme ai principi materialistici, non gli sono estranee le visioni idealistiche: riconosce la forma pura senza contenuto.

Nel suo trattato “Poetica” solleva la questione dell'essenza della bellezza. Parte da una comprensione etica della bellezza, e vede la bellezza nella forma stessa delle cose e nella loro disposizione. Credeva che l'arte fosse un'imitazione creativa della natura, che l'arte aiuta le persone a comprendere la vita. Secondo lui, il compito del poeta è "non parlare di ciò che è realmente accaduto, ma di ciò che potrebbe accadere, quindi del possibile, secondo probabilità o necessità". Credevo che la poesia fosse più filosofica e più serio della storia. La poesia viene in primo piano tra tutte le forme d'arte e tra le forme di poesia la tragedia è posta soprattutto.

Un esempio di personaggio tragico è l'immagine dell'Edipo di Sofocle. Aristotele insisteva sull'unità di azione, richiedendo solo la rappresentazione di persone nobili nel modo di pensare, nel comportamento e non nella loro origine.

Il problema della catarsi:

etico: purificare una persona dai vizi.

estetico: la combinazione di ritmo musicale e armonia è raggiunta in una persona da un sentimento di paura o compassione, il concetto di giustizia.

la catarsi è il punto emotivo più alto, come risultato della compassione per ciò che sta accadendo.

religioso.

Le visioni estetiche di Platone.

427-347 a.C

Veniva da un'antica famiglia aristocratica. Nella sua giovinezza era un drammaturgo, musicista, pittore e atleta. Tuttavia, tutte queste attività si interruppero dopo l'incontro con Socrate. E la sua morte ebbe un tale effetto su Platone che Socrate divenne un eroe costante in quasi tutte le sue opere.

Fondò l'Accademia ad Atene, dove trascorse tutta la vita insegnando filosofia.

Secondo gli insegnamenti di Platone, esiste un mondo di idee eterne e immutabili. Il mondo materiale non potrà mai essere perfetto. Da qui nasce l'estetica. Se il mondo materiale è solo un riflesso del mondo ideale, e l'artista e il poeta nelle loro opere si sforzano di imitare il mondo che li circonda, la sua abilità è falsa ed è solo una pallida copia delle idee superiori. Questo tipo di arte non può esistere in una società ideale, e quindi anche Omero deve essere espulso dalle mura di una città governata dai filosofi.

Per Platone, la più alta incarnazione della bellezza è un cosmo proporzionato e armonioso.

I dialoghi di Platone sono scene drammatiche uniche. Il dramma del pensiero umano, perché la ricerca della verità non è meno drammatica degli eventi della vita.

Il dialogo “Festa” consiste in discorsi di banchetto, ognuno dei quali è dedicato alla definizione di eros. Utilizza spesso i miti creati da lui stesso.

Storiografia greca. "Storia" di Erodoto: tema, composizione, caratteristiche di stile. Novella di Erodoto.

Gli antichi chiamavano Erodoto di Alicarnasso (484-426 aC) “il padre della storia”. La vita e il lavoro si svolgevano negli anni successivi alle grandi vittorie dei Greci sui Persiani, durante gli anni delle brillanti conquiste della cultura ateniese.

Erodoto è un ardente patriota di Atene; viaggiò molto nel Mediterraneo, studiò profondamente l'Egitto e la Scizia. Le opere di Erodoto sono divise in nove libri, che prendono il nome dalle muse.

La composizione di “Storie” ricorda un poema epico in prosa. Il tema principale è l'eroica lotta dei Greci con i Persiani; Il pensiero progressista sulla superiorità dei greci - guerrieri patriottici, ben addestrati nella ginnastica e negli affari militari - sulle orde di persiani, guidati dalle fruste, risuona particolarmente forte in questo argomento.

Insieme alle osservazioni scientifiche e alle descrizioni geografiche, ci sono molti racconti leggendari e mitologici provenienti dagli storici antichi. Molti racconti popolari e racconti conferiscono alla storia specificità letteraria e artistica. Il dramma viene introdotto se la storia viene raccontata di personaggi famosi dell'antichità (Solone, Policrate). Allo stesso tempo, Erodoto persegue l'idea principale: il destino e gli dei puniscono crudelmente una persona "orgogliosa", esiste una dura legge sulle vicissitudini della vita.

Il secondo libro della Storia è dedicato alla descrizione di ciò che vide e udì durante i suoi viaggi in Egitto. È stupito dalla potenza e dalla bellezza del Nilo. Ricchissimo materiale sugli edifici degli egiziani, sulle leggi, sui costumi, sulle piante e sugli animali, sui papiri, perfino sulla morale. La vita di tribù ed eroi, racconti semi-mitici.

Le opere di Erodoto avevano caratteristiche razionalistiche caratteristiche dell'epoca. I capitoli del terzo libro forniscono materiale sulla vita degli Sciti.

Storiografia greca. “Storia” di Tucidide – tema, caratteristiche compositive e stile. Funzioni dei discorsi.

460-396 a.C Nato in Attica, apparteneva a una famiglia nobile e ricca. Prese parte alla guerra del Peloponneso. Fu eletto stratega, ma non fornì in tempo assistenza alla città di Anfipoli, fu accusato di alto tradimento e trascorse circa vent'anni in esilio.

Sincero patriota della democrazia ateniese, apprezzò molto Pericle e glorificò la cultura di Atene. Le sue opinioni politiche e la sua concezione del processo storico sono influenzate dall'era di Pericle con il suo alto livello di scienza, arte e filosofia, l'era della critica razionalistica dei miti e lo sviluppo delle scuole sofisticate. Tucidide si adoperò per una verifica critica sistematica delle fonti e per un chiarimento della causalità e dei modelli di eventi. I suoi interessi risiedevano nella modernità. Una rassegna dei periodi precedenti ha lo scopo di analizzare e mostrare le caratteristiche degli eventi contemporanei della guerra del Peloponneso.