ماهی در هنر قرن هفدهم. طبیعت بی جان در قرن 17 هلند

النا کونکوا نماینده روشن مدرن است نخبگان فکری، که Spirit of the age (یا اگر ترجیح می دهید Zeitgeist) در فرم های پر زرق و برق قرار می دهد، بدون فراموش کردن محتوای درونی.

او در این فیلم در مورد جنبه های عرفانی صحبت خواهد کرد نقاشی اروپایی، معنای مخفی رمزگذاری شده در ویژگی های ترسناک، خنده دار و ساده غیرمعمول طبیعت های بی جان هلندی را آشکار می کند و با ظرافت از همه دعوت می کند تا شروع به جمع آوری این نوع هنرهای زیبا یا نقاشی کنند...


در زیر مطالبی وجود دارد که کمی مکمل مجموعه تصویری ایجاد شده توسط خانم کونکوا در متن چاپ شده است.

بنابراین، در سال 1581، ساکنان هلند شمالی، پس از سال ها جنگ برای رهایی از سلطه اسپانیا، جمهوری مستقل استان های متحد را اعلام کردند. از جمله در اقتصاد و بطور فرهنگیهلند پیشتاز بود، بنابراین به زودی کل کشور به این نام خوانده شد. ساختار اجتماعیهلند جدید در مقایسه با قرن شانزدهم کمی تغییر کرد، اما تغییرات قابل توجهی در زندگی معنوی به دنبال داشت. کالوینیسم دین دولتی شد. این آموزه نمادها و هنر کلیسا را ​​به طور کلی به رسمیت نمی شناخت (این جنبش در پروتستانیسم به نام بنیانگذار آن، متکلم فرانسوی جان کالوین (1509-1564) نامگذاری شده است.

هنرمندان هلندی ناگزیر مجبور شدند مضامین مذهبی را کنار بگذارند و به دنبال موضوعات جدید بگردند. آنها به واقعیت اطراف خود روی آوردند، به اتفاقات روزمره ای که هر روز در اتاق کناری یا خیابان بعدی رخ می داد. و مشتریان - اغلب نه اشراف‌زاده‌ها، بلکه بورگرهایی با تحصیلات ضعیف - بیشتر به آثار هنری ارزش می‌دادند زیرا «درست مثل زندگی» بودند.

تابلوها به کالاهای بازار تبدیل شدند و رفاه نقاش کاملاً به توانایی او در جلب رضایت مشتری بستگی داشت. بنابراین، هنرمند تمام زندگی خود را صرف بهبود در یک ژانر خاص کرد. حال و هوایی که در آثار نفوذ می کند مدرسه هلندی، و حتی فرمت کوچک آنها به عنوان یک قاعده نشان می دهد که بسیاری از آنها برای کاخ ها در نظر گرفته نشده بودند، بلکه برای اتاق های نشیمن ساده و خطاب به مردم عادی بودند.

طبیعت بی جان هلندی قرن هفدهم. با غنای مضامین خود شگفت زده می شود. در هر مرکز هنری کشور، نقاشان ترکیب های خود را ترجیح می دادند: در اوترخت - از گل ها و میوه ها، در لاهه - از ماهی. در هارلم صبحانه‌های ساده نوشتند، در آمستردام - دسرهای مجلل، و در دانشگاه لیدن - کتاب‌ها و اشیاء دیگر برای مطالعه علم یا نمادهای سنتی غرور دنیوی - جمجمه، شمع، ساعت شنی.

در طبیعت‌های بی‌جان که به اوایل قرن هفدهم برمی‌گردد، اشیا به ترتیبی دقیق چیده می‌شوند، مانند نمایشگاه‌های موجود در ویترین موزه. در چنین نقاشی هایی، جزئیات دارای معنای نمادین هستند. سیب یادآور سقوط آدم است و انگور یادآور قربانی کفاره مسیح است. صدف صدفی است که توسط موجودی که زمانی در آن زندگی می کرده به جا گذاشته است؛ گل های پژمرده نماد مرگ هستند. پروانه ای که از پیله به دنیا می آید به معنای رستاخیز است. به عنوان مثال، نقاشی های بالتاسار ون در آست (1590-1656) از این قبیل است.

برای هنرمندان نسل بعدی، چیزها دیگر آنقدر یادآور حقایق انتزاعی نیستند، بلکه بیشتر در خدمت خلق تصاویر هنری مستقل هستند. در نقاشی های خود، اشیاء آشنا زیبایی خاصی را به دست می آورند که قبلاً به آن توجه نشده بود. پیتر کلاس، نقاش هارلم (1597-1661) به طرز ماهرانه ای بر منحصر به فرد بودن هر ظرف، لیوان، قابلمه تاکید می کند و محله ایده آلی را برای هر یک از آنها پیدا می کند. طبیعت بی جان هموطنش ویلم کلاس هدا (حدود 1594 - حدود 1680) مملو از بی نظمی زیبا است. او اغلب می‌نوشت: «صبحانه‌های منقطع». یک سفره مچاله، اقلام سرو مخلوط، غذایی که به سختی لمس شده است - همه چیز در اینجا یادآور حضور اخیر یک شخص است. این نقاشی‌ها با نقاط مختلف نور و سایه‌های چند رنگ روی شیشه، فلز و بوم جان می‌بخشند ("صبحانه با خرچنگ"، 1648).

در نیمه دوم قرن هفدهم. طبیعت بی جان هلندی، مانند منظره، دیدنی تر، پیچیده تر و رنگارنگ تر شد. نقاشی های آبراهام ون بیرن (1620 یا 1621-1690) و ویلم کالف (1622-1693) اهرام عظیمی از ظروف گران قیمت و میوه های عجیب و غریب را به تصویر می کشد. در اینجا می‌توانید نقره‌ای تعقیب‌شده، سفال‌های سفید و آبی، جام‌هایی از صدف‌های دریایی، گل‌ها، خوشه‌های انگور و میوه‌های نیمه‌پوست پیدا کنید.

می‌توان گفت که زمان مانند لنز دوربین عمل می‌کند: با تغییر فاصله کانونی، مقیاس تصویر تغییر می‌کند تا جایی که فقط اشیا در کادر باقی می‌مانند و فضای داخلی و شکل‌ها از تصویر بیرون رانده می‌شوند. طبیعت بی جان "طبیعت بی جان" را می توان در بسیاری از نقاشی های هنرمندان هلندی قرن شانزدهم یافت. به راحتی می توان میز چیده شده از «پرتره خانوادگی» اثر مارتین ون هیمسکرک (حدود 1530) را به عنوان یک نقاشی مستقل تصور کرد. موزه های دولتی، کاسل) یا گلدانی با گل از ترکیب یان بروگل بزرگ. خود یان بروگل چنین کاری کرد و در کتاب خود نوشت اوایل XVII V. اولین طبیعت بی جان مستقل گل. آنها در حدود سال 1600 ظاهر شدند - این زمان به عنوان تاریخ تولد ژانر در نظر گرفته می شود.

در آن لحظه هیچ کلمه ای برای تعریف آن وجود نداشت. اصطلاح "طبیعت بی جان" در قرن هجدهم در فرانسه به وجود آمد. و در لغت به معنای «طبیعت مرده»، «طبیعت مرده» (Nature morte) ترجمه شده است. در هلند، نقاشی هایی که اشیاء را به تصویر می کشند "stilleven" نامیده می شدند که می توان آن را هم به عنوان "طبیعت بی حرکت، مدل" و هم به عنوان "زندگی آرام" ترجمه کرد که با دقت بیشتری ویژگی های طبیعت بی جان هلندی را منتقل می کند. اما این مفهوم کلیفقط از سال 1650 مورد استفاده قرار گرفت و قبل از آن زمان نقاشی ها با توجه به موضوع تصویر نامیده می شدند: blumentopf - یک گلدان با گل، banketje - یک میز تنظیم شده، میوه - میوه ها، toebackje - زندگی بی جان با لوازم جانبی سیگار، doodshoofd - نقاشی با جمجمه از قبل از این فهرست مشخص است که تنوع اشیاء به تصویر کشیده شده چقدر زیاد بوده است. در واقع، به نظر می رسید که تمام دنیای عینی اطراف آنها بر روی نقاشی های هنرمندان هلندی ریخته شده است.

در هنر، این به معنای انقلابی کمتر از انقلابی بود که هلندی‌ها در حوزه اقتصادی و اجتماعی انجام دادند و از قدرت اسپانیای کاتولیک استقلال گرفتند و اولین دولت دموکراتیک را ایجاد کردند. در حالی که معاصران آنها در ایتالیا، فرانسه، اسپانیا بر خلق ترکیبات مذهبی عظیم برای محراب کلیساها، بوم ها و نقاشی های دیواری روی موضوعات متمرکز بودند. اساطیر باستانیهلندی‌ها برای سالن‌های قصر نقاشی‌های کوچکی با مناظر گوشه‌ای از مناظر بومی خود می‌کشیدند، می‌رقصیدند در یک فستیوال روستایی یا کنسرت خانگی در خانه‌های هموطنان، صحنه‌هایی در میخانه‌های روستایی، در خیابان یا خانه‌های ملاقات، میزهایی را می‌گذاشتند. صبحانه یا دسر، یعنی طبیعت "کم"، بی تکلف، تحت الشعاع دوران باستان یا رنسانس نیست. سنت شاعرانهبه جز شعر معاصر هلندی. تضاد با بقیه اروپا فاحش بود.

نقاشی‌ها به ندرت بنا به سفارش خلق می‌شدند، اما عمدتاً آزادانه در بازارها برای همه فروخته می‌شدند و برای تزئین اتاق‌ها در خانه‌های ساکنان شهرها و حتی ساکنان روستایی - کسانی که ثروتمندتر بودند - در نظر گرفته شدند. بعدها، در قرن‌های 18 و 19، زمانی که زندگی در هلند دشوارتر و ناچیز شد، این مجموعه‌های نقاشی خانگی به طور گسترده در حراجی فروخته شد و مشتاقانه به مجموعه‌های سلطنتی و اشرافی در سراسر اروپا تبدیل شدند، از جایی که در نهایت به آنجا مهاجرت کردند. بزرگترین موزه هاصلح زمانی که در اواسط 19th V. هنرمندان در همه جا به تصویر کشیدن واقعیت پیرامون خود روی آوردند، نقاشی هایی از استادان هلندی قرن هفدهم. در همه ژانرها به عنوان الگویی برای آنها عمل کرد.

یکی از ویژگی های نقاشی هلندی تخصص هنرمندان بر اساس ژانر بود. در ژانر طبیعت بی جان، حتی به تم های جداگانه تقسیم می شد و شهرهای مختلف انواع مورد علاقه خود را از طبیعت بی جان داشتند و اگر نقاش به شهر دیگری نقل مکان می کرد، اغلب به طور ناگهانی هنر خود را تغییر می داد و شروع به نقاشی آن گونه ها می کرد. از ژانری که در آن مکان محبوب بودند.

هارلم زادگاه مشخصه ترین نوع طبیعت بی جان هلندی - "صبحانه" شد. نقاشی های Peter Claes یک میز چیده شده با ظروف و ظروف را به تصویر می کشد. یک بشقاب حلبی، یک شاه ماهی یا ژامبون، یک نان نان، یک لیوان شراب، یک دستمال مچاله، یک لیمو یا شاخه ای از انگور، کارد و چنگال - انتخاب ناچیز و دقیق اقلام، تصور یک میز را برای یک نفر ایجاد می کند. وجود یک فرد با اختلال "خیلی" که در چیدمان اشیاء وارد شده است، و فضای یک فضای داخلی مسکونی دنج، که با انتقال یک محیط نور-هوا به دست می آید، نشان داده می شود. لحن غالب مایل به خاکستری مایل به قهوه ای اشیاء را در یک تصویر واحد متحد می کند، در حالی که طبیعت بی جان خود بازتابی از سلیقه و سبک زندگی فرد می شود.

یکی دیگر از ساکنان هارلم، ویلم هدا، به همان شیوه کلاس کار می کرد. رنگ‌آمیزی نقاشی‌های او هنوز است به میزان بیشتریتابع یکپارچگی تونال است، با رنگ خاکستری-نقره ای که توسط تصویر ظروف نقره ای یا اسپند تنظیم شده است، غالب است. برای این محدودیت رنگارنگ، نقاشی ها شروع به نامیدن "صبحانه های تک رنگ" کردند.

در اوترخت، طبیعت بی جان گلی سرسبز و زیبا توسعه یافت. نمایندگان اصلی آن یان داویدز د هیم، یوستوس ون هویسوم و پسرش یان ون هویسوم هستند که به دلیل دقت در نوشتن و رنگ آمیزی روشن مشهور شد.

در لاهه، مرکز ماهیگیری دریایی، پیتر دو پوتر و شاگردش آبراهام ون بیرن تصویر ماهی و دیگر ساکنان دریا را به کمال رساندند؛ رنگ نقاشی های آنها با درخشش فلس ها می درخشد، که در آن لکه های صورتی، قرمز و رنگ های آبی چشمک می زنند دانشگاه لیدن نوع زندگی بی جان فلسفی "vanitas" (بیهودگی باطل ها) را ایجاد و بهبود بخشید. در نقاشی‌های هارمن ون استین‌ویک و یان داویدز دی هیم، اشیایی که مظهر شکوه و ثروت زمینی (زره، کتاب، ویژگی‌های هنری، ظروف گرانبها) یا لذت‌های نفسانی (گل‌ها، میوه‌ها) با جمجمه یا ساعت شنی به عنوان یادآوری کنار هم قرار می‌گیرند. از گذرا بودن زندگی یک طبیعت بی جان "آشپزخانه" دموکراتیک تر در روتردام در آثار فلوریس ون شوتن و فرانسوا ریخالز به وجود آمد و بهترین دستاوردهای آن با نام برادران کورنلیس و هرمان سافتلون مرتبط است.

در اواسط قرن، مضمون «صبحانه‌های» متواضعانه در آثار ویلم ون آلست، ژوریان ون استرک و به‌ویژه ویلم کالف و آبراهام ون بیرن به «ضیافت‌ها» و «دسر» مجلل تبدیل شد. جام های طلاکاری شده، چینیو سفال دلفت، رومیزی فرش، میوه‌های جنوبی بر طعم فضل و ثروت تأکید دارند که در اواسط قرن در جامعه هلندی تثبیت شد. بر این اساس، صبحانه های "تک رنگ" با طعمی آبدار، رنگارنگ و طلایی-گرم جایگزین می شوند. تأثیر کیاروسکورو رامبراند باعث می شود که رنگ ها در نقاشی های کالف از درون بدرخشند و جهان عینی را شاعرانه کنند.

استادان به تصویر کشیدن "غنائم شکار" و "حیاط طیور" یان-باپتیست وینیکس، پسرش یان ونیکس و ملکیور دو هوندکوتر بودند. این نوع طبیعت بی جان به ویژه در نیمه دوم - پایان قرن در ارتباط با اشرافیت اهالی شهر گسترش یافت: ایجاد املاک و سرگرمی برای شکار. نقاشی دو هنرمند آخر نشان دهنده افزایش تزئینات، رنگ و میل به جلوه های خارجی است.

توانایی شگفت انگیز نقاشان هلندی در انتقال جهان مادی با همه غنا و تنوع آن نه تنها توسط معاصران، بلکه توسط اروپاییان در قرن 18 و 19 مورد قدردانی قرار گرفت؛ آنها در طبیعت بی جان، اول از همه و فقط این تسلط درخشان را دیدند. انتقال واقعیت با این حال، برای خود هلندی‌ها در قرن هفدهم، این نقاشی‌ها سرشار از معنا بودند؛ آنها غذا را نه تنها برای چشم، بلکه برای ذهن نیز عرضه می‌کردند. نقاشی ها با مخاطبان وارد گفت و گو می شدند و حقایق مهم اخلاقی را به آنها می گفتند، فریبکاری شادی های زمینی، بیهودگی آرزوهای انسان را به آنها یادآوری می کردند، افکار را به سمت تأملات فلسفی در مورد معنای زندگی انسان سوق می دادند.

یک پدیده فرهنگی منحصر به فرد XVII قرن، طبیعت بی جان گلی هلندی نامیده می شود که تأثیر قابل توجهی در کل توسعه بیشتر نقاشی در اروپا داشت.

هنرمندان با عشق و دقت به زیبایی طبیعت و جهان اشیا پی بردند و غنا و تنوع آنها را به نمایش گذاشتند. دسته‌های گل رز، فراموشکارها و لاله‌های آمبروسیوس بوشاارت بزرگ، که بنیان‌گذار نقاشی طبیعت بی‌جان گل‌ها به‌عنوان یک حرکت مستقل، جذابیت و چشم‌ها را به خود جلب می‌کند.

ABROSIUS BOSCHART THE ELEDER 1573-1621

بوشارت کار خود را در آنتورپ آغاز کرد 1588. از 1593 تا 1613 در میدلبورگ، سپس در اوترخت (از 1616) و در بردا کار کرد.

روی بوم‌های بوشارت، پروانه‌ها یا صدف‌ها اغلب در کنار دسته‌های گل به تصویر کشیده می‌شوند. در بسیاری از موارد، پژمرده شدن گل‌ها را لمس می‌کند، که نقشی تمثیلی از سستی وجود را در نقاشی‌های بوشارت معرفی می‌کند.وانیتاس)

لاله، گل رز، میخک سفید و صورتی، فراموشکار و گل های دیگر در یک گلدان.

در نگاه اول به نظر می رسد که دسته گل ها از طبیعت نقاشی شده اند، اما با نگاه دقیق تر مشخص می شود که آنها از گیاهانی تشکیل شده اند که در آن شکوفه می دهند. زمان متفاوت.تصور طبیعی بودن و واقعی بودن به این دلیل به وجود می آید که تصاویر هر رنگ بر اساس "مطالعات" طبیعی فردی است.

یک قطعه بزرگ شده از یک طرح توسط یان ون هویسوم که در Met نگهداری می شود.

یان باپتیست فون فورننبرخ. سرد. قرن 17

این روش کار معمول برای نقاشان طبیعت بی جان بود. هنرمندان نقاشی‌های دقیقی با آبرنگ و گواش می‌کشیدند، گل‌هایی را از زندگی، از زوایای مختلف و زیر نورهای مختلف می‌کشیدند، و این نقاشی‌ها سپس مکرراً به آنها خدمت می‌کردند - آنها آنها را در نقاشی‌ها تکرار می‌کردند.

جیکوب مورل. "دو لاله"

نقاشی‌های هنرمندان دیگر، حکاکی‌های مجموعه‌های چاپی و اطلس‌های گیاه‌شناسی نیز به عنوان مواد کار مورد استفاده قرار گرفتند.

مشتریان، اشراف و اهل شهر، در طبیعت بی جان از این که گل های به تصویر کشیده شده «گویا زنده هستند» قدردانی می کردند. اما این تصاویر طبیعت گرایانه نبودند. آنها عاشقانه و شاعرانه هستند. طبیعت در آنها با نقاشی دگرگون می شود.

طبیعت بی جان با گل در گلدان 1619

"پرتره" از گل ها، که روی پوست با آبرنگ و گواش نقاشی شده اند، برای آلبوم های گل و گیاه ساخته شده اند که در آن باغبان ها به دنبال جاودانه کردن گیاهان عجیب و غریب بودند. تصاویر لاله ها به خصوص زیاد است. تقریباً هر طبیعت بی جان هلندی حاوی لاله است.

آمبروسیوس بوشارت "گل در گلدان" 1619.Rijksmuseum، آمستردام

در قرن هفدهم در هلند یک رونق واقعی لاله وجود داشت؛ گاهی اوقات خانه ای برای یک پیاز کمیاب لاله رهن می شد.
لاله ها در سال 1554 به اروپا آمدند. آنها توسط Busbeck سفیر آلمان در دربار ترکیه به آگزبورگ فرستاده شدند. او در طول سفرهای خود در سراسر کشور، مجذوب تماشای این گل های ظریف شد.

به زودی لاله ها به فرانسه و انگلیس، آلمان و هلند گسترش یافتند. صاحبان پیازهای لاله در آن روزها واقعاً افراد ثروتمندی بودند - افراد خون سلطنتی یا نزدیکان آنها. در ورسای، جشن های ویژه ای به افتخار توسعه گونه های جدید برگزار شد.

طبیعت بی جان با گل.
نه تنها اشراف هلندی، بلکه همشهریان معمولی نیز می توانستند طبیعت های بی جان زیبا داشته باشند.

تعداد طبیعت های بی جان گل هلندی بسیار زیاد است، اما این چیزی از ارزش هنری آنها کم نمی کند. بعد از حراج ها، چه زمانی شرایط اقتصادیهلند کمتر درخشان شد؛ مجموعه‌های زیبا از خانه‌های بورگر به کاخ‌های اشراف و پادشاهان اروپایی ختم شد.

دسته گل 1920

در مرکز این دسته گل یک کروکوس را می بینیم، اما بزرگ است.اطلاعات کمی در مورد این گل که برای ما آشناست.

کروکوس گیاهی دارویی، مقوی و رنگزا است. از پرچم های آن برای تهیه یک ادویه عالی - زعفران استفاده می شود که به شیرینی های شرقی اضافه می شود. زادگاه کروکوس یونان و آسیای صغیر. درست مانند سنبل ها و نیلوفرها، کروکوس قهرمان اسطوره های یونان باستان شد و در موضوعات نقاشی های کاخ به تصویر کشیده شد.

بر اساس افسانه های باستانی، زمین برای عروسی و اولین شب عروسی هرا و زئوس پوشیده از سنبل ها و کروکوس ها بود.

افسانه ای دیگر داستان مرد جوانی به نام کروکوس را توصیف می کند که با زیبایی خود توجه یک پوره را به خود جلب کرد اما نسبت به زیبایی او بی تفاوت ماند. سپس الهه آفرودیت مرد جوان را به گل و پوره را به علف هرز تبدیل کرد و بدین وسیله اتحادی جدا نشدنی ایجاد کرد.

گل در یک گلدان شیشه ای.

تمایل هنرمندان به تنوع بخشیدن به ترکیب دسته گل های خود، آنها را مجبور کرد به شهرهای مختلف سفر کنند و در باغ های عاشقان گل در آمستردام، اوترخت، بروکسل، هارلم و لیدن نقاشی های تمام عیار انجام دهند. هنرمندان نیز برای شکار گل مورد نظر باید منتظر تغییر فصول بودند.

گل ها. 1619

گل در گلدان چینی.

گل در یک سبد.

طبیعت بی جان با گل در طاقچه.

گل در یک طاقچه.

در میوه و طبیعت های بی جان گلیترکیب ظاهراً خودسرانه و تصادفی نمایندگان ظاهراً نامرتبط از گیاهان و جانوران به طور غیرمستقیم ایده هایی را در مورد گناهاندن فاسد شدنی هر چیز زمینی و برعکس، فسادناپذیری فضیلت واقعی مسیحی تجسم می بخشد.

تقریباً هر "شخصیت" یک طبیعت بی جان زبان پیچیدهنمادها یک ایده خاص را نشان می دهند: مرگ و میر همه چیز زمینی (مثلاً یک مارمولک یا یک حلزون)، گناه احمقانه و ضعف زندگی انسان، که به ویژه لاله می تواند نماد آن باشد.

گل در گلدان شیشه ای.1606

طبق عقاید فلاندری ها و هلندی ها، این گل ظریف نه تنها مظهر زیبایی است که به سرعت محو می شود، بلکه کشت آن نیز توسط بسیاری به عنوان یکی از بیهوده ترین و خودخواهانه ترین حرفه ها تلقی می شود.

صدف های عجیب و غریب خارج از کشور، که زمانی کلکسیونی مد روز بودند، اشاره ای به خرج نابخردانه پول داشتند. میمون با هلو به طور سنتی نماد گناه اصلی در نظر گرفته شده است.

طبیعت بی جان با گل در یک بطری شیشه ای سبز.

از سوی دیگر، مگسی روی همان هلو یا گل رز معمولاً تداعی هایی را با نماد مرگ، شر و گناه تداعی می کند. انگور و گردو شکسته - اشاره به سقوط و در عین حال قربانی کفاره مسیح بر روی صلیب، توت های قرمز گیلاس رسیده - نمادی از عشق الهی است، در حالی که یک پروانه در حال بال زدن روح نجات یافته صالحان را به تصویر می کشد.

سبد.

هدایت هنری آمبروزیوس بوشاارت توسط سه پسرش - آمبروسیوس بوشارت کوچکتر، آبراهام بوشارت و یوهانس بوشاارت و همچنین دامادش بالتاسار ون در آست توسعه یافت. مورد تقاضا در حراج های هنری

منابع.

همراه با نقاشی منظره، طبیعت بی جان که با شخصیت صمیمی خود متمایز بود، در قرن هفدهم هلند رواج یافت. هنرمندان هلندی طیف گسترده ای از اشیاء را برای زندگی بی جان خود انتخاب کردند، می دانستند که چگونه آنها را به طور کامل مرتب کنند، و ویژگی های هر شی و زندگی درونی آن را که به طور جدایی ناپذیری با زندگی انسان پیوند خورده است، آشکار می کنند.
نقاشان هلندی قرن هفدهم، Pieter Claes (حدود 1597 - 1661) و Willem Heda (1594-1680/1682) نسخه های متعددی از "صبحانه" را نقاشی کردند که ژامبون ها، نان های قرمز رنگ، پای شاه توت، لیوان های شکننده را روی نیمه پر از شراب به تصویر می کشیدند. جدول، با ماهرانه شگفت انگیز انتقال رنگ، حجم، بافت هر آیتم. حضور اخیر یک فرد در این اختلال قابل توجه است، تصادفی بودن چیدمان چیزهایی که به تازگی به او خدمت کرده است. اما این اختلال فقط ظاهری است، زیرا ترکیب هر طبیعت بی جان کاملاً فکر شده و پیدا شده است. یک پالت تونال مایل به خاکستری مایل به زیتونی محدود، اشیا را متحد می کند و صدای خاصی به آن رنگ های خالصی می بخشد که بر طراوت یک لیموی تازه برش خورده یا ابریشم نرم یک روبان آبی تأکید دارند.
با گذشت زمان، "صبحانه" استادان طبیعت بی جان، نقاشان Claes و Heda جای خود را به "دسر" هنرمندان هلندی Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) و Willem Kalf (1622-1693) می دهد. طبیعت های بی جان Beyeren از نظر ترکیب سختگیرانه، از نظر احساسی غنی و رنگارنگ هستند. ویلم کالف در طول زندگی خود به شیوه ای آزاد و "آشپزخانه" دموکراتیک نقاشی می کرد - گلدان ها، سبزیجات و طبیعت های بی جان اشرافی در انتخاب اشیاء نفیس گرانبها، کامل. اشراف محفوظمانند ظروف نقره ای، فنجان ها، پوسته های اشباع شده با احتراق داخلی رنگ ها.
که در پیشرفتهای بعدیطبیعت بی جان همان مسیر هنر هلندی را دنبال می کند و دموکراسی، معنویت و شعر و جذابیت خود را از دست می دهد. طبیعت بی جان به دکوراسیون منزل مشتریان رده بالا تبدیل می شود. با وجود تمام تزئینات و اجرای ماهرانه‌شان، زندگی بی‌جان‌های متأخر، افول نقاشی هلندی را پیش‌بینی می‌کنند.
انحطاط اجتماعی و اشراف شناخته شده بورژوازی هلند در ثلث پایانی قرن هفدهم منجر به گرایش به همگرایی با دیدگاه های زیبایی شناختی اشراف فرانسوی شد که منجر به ایده آل سازی تصاویر هنری و کاهش آنها شد. هنر در حال از دست دادن ارتباط با سنت دموکراتیک، از دست دادن اساس واقع گرایانه خود و ورود به دوره افول طولانی مدت است. هلند که در جنگ با انگلستان به شدت خسته شده است، موقعیت خود را به عنوان یک قدرت تجاری بزرگ و یک مرکز هنری بزرگ از دست می دهد.

اثر فرانس هالس و پرتره هلندی نیمه اول قرن هفدهم.

فرانس هالس(هلندی فرانس هالس، IPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583، آنتورپ - 1666، هارلم) - یک نقاش برجسته پرتره از به اصطلاح عصر طلایی هنر هلندی.

• 1 بیوگرافی
• 2 حقایق جالب
• 3 گالری
• 4 یادداشت
• 5 ادبیات
• 6 پیوند

زندگینامه

« پرتره خانوادهآیزاک ماسا و همسرش"

هالس در حدود 1582-1583 در بافنده فلاندری فرانسوا فرانس هالس ون مچلن و همسر دومش آدریانته متولد شد. در سال 1585، پس از سقوط آنتورپ، خانواده هالس به هارلم نقل مکان کردند، جایی که این هنرمند تمام زندگی خود را در آنجا گذراند.

در سالهای 1600-1603، این هنرمند جوان با کارل ون مندر مطالعه کرد، اگرچه تأثیر این نماینده رفتارگرایی در آثار بعدی هالز مشاهده نمی شود. در سال 1610، هالز به عضویت انجمن صنفی St. لوک و به عنوان مرمتگر در شهرداری شهر شروع به کار می کند.

هالز اولین پرتره خود را در سال 1611 خلق کرد، اما شهرت هالز پس از ساختن نقاشی "ضیافت افسران گروه تفنگ سنت. جورج» (1616).

در سال 1617 با لیزبث راینرز ازدواج کرد.

سبک اولیه هالز با تمایل به تن های گرم و مدل سازی واضح فرم ها با استفاده از ضربات سنگین و متراکم مشخص می شد. در دهه 1620، هالز، همراه با پرتره‌ها، صحنه‌ها و ترکیب‌بندی‌های ژانری را با مضامین مذهبی نقاشی می‌کرد ("انجیلی لوک"، "انجلیست متی"، حدود 1623-1625).

"کولی" لوور، پاریس

در سال های 1620-1630. هالز نوشت کل خطپرتره هایی که نمایندگان مردم عادی را در حال انفجار انرژی حیاتی نشان می دهد ("جستر با عود"، 1620-1625، "همراه با نوشیدنی شاد"، "مال بابی"، "زن کولی"، "مولاتو"، "پسر ماهیگیر"؛ همه - حدود سال 1630).

تنها پرتره در تمام قد«پرتره ویلم هیتویسن» (1625-1630) است.

"در همان دوره، هالس به طور اساسی پرتره گروهی را اصلاح کرد، سیستم های مرسوم ترکیب بندی را شکست، عناصر موقعیت های زندگی را در آثار وارد کرد، و ارتباط مستقیم بین تصویر و بیننده را تضمین کرد ("ضیافت افسران تفنگ سنت آدریان" شرکت، حدود 1623-27؛ «ضیافت گروهان افسران تفنگ سنت جورج»، 1627، «پرتره گروهی گروهان تفنگ سنت آدریان»، 1633؛ «افسران گروهان تفنگ سنت جورج»، 1639 ). هالس که نمی‌خواست هارلم را ترک کند، دستورات را رد کرد، اگر این به معنای رفتن به آمستردام بود. تنها پرتره گروهی که او در آمستردام شروع کرد باید توسط هنرمند دیگری تکمیل می شد.

در سال های 1620-1640، زمان محبوبیت، هالس مطالب زیادی نوشت پرتره های دوتایی زوج های ازدواج کرده: شوهر در پرتره سمت چپ و زن در سمت راست است. تنها نقاشی که این زوج در کنار هم به تصویر کشیده شده اند، «پرتره خانوادگی اسحاق ماسا و همسرش» (1622) است.

"سرنشینان خانه سالمندان"

در سال 1644 هالز رئیس انجمن صنفی سنت. لوک در سال 1649 پرتره ای از دکارت کشید.

« ویژگی های روانیپرتره های دهه 1640 را بررسی کنید. ("The Regents of St. Elizabeth's Hospital"، 1641، پرتره مرد جوان, در حدود 1642-50, "Jasper Schade van Westrum", حدود 1645); در رنگ آمیزی این آثار، لحن خاکستری نقره ای شروع به غالب شدن می کند. بعدها کار می کندخالسا به شیوه ای بسیار آزاد اجرا می شود و در یک طرح رنگی اضافی طراحی شده است که بر روی تضاد رنگ های سیاه و سفید ساخته شده است ("مردی در لباس سیاه"، حدود 1650-52، "V. Cruz"، حدود 1660). برخی از آنها احساس بدبینی عمیقی از خود نشان دادند ("مسلمانان خانه برای سالمندان"، "مقامات خانه برای سالمندان"، هر دو 1664).

هالس در دوران پیری از دریافت دستورات دست کشید و در فقر فرو رفت. این هنرمند در 26 اوت 1666 در خانه صدقه هارلم درگذشت.

بزرگترین مجموعه از نقاشی های این هنرمند متعلق به موزه هالز در هارلم است.

بنیانگذار پرتره رئالیستی هلندی فرانس هالس (هالز) (حدود 1580-1666) بود که میراث هنری او با وضوح و قدرت تسخیر دنیای درونی یک شخص، بسیار فراتر از فرهنگ ملی هلند است. او هنرمندی با جهان بینی گسترده، مبتکر شجاع، قوانین پرتره طبقاتی (نجیب) را که قبل از او در قرن شانزدهم پدیدار شده بود، نابود کرد. او به شخصی که مطابق با او تصویر شده بود علاقه ای نداشت موقعیت اجتماعیدر یک ژست باشکوه و لباس تشریفاتی، اما فردی با تمام ذات طبیعی، شخصیت، با احساسات، عقل، عواطفش. در پرتره‌های هالز، همه لایه‌های جامعه نشان داده می‌شوند: شهربازان، تفنگداران، صنعتگران، نمایندگان طبقات فرودست؛ همدردی‌های خاص او در کنار طبقه‌های پایین‌تر است و در تصاویر آنها عمق یک استعداد قدرتمند و پر خون را نشان می‌دهد. دموکراسی هنر او به دلیل ارتباط با سنت های دوران انقلاب هلند است. هالز قهرمانان خود را بدون تزیین، با اخلاقیات نامتعارف و عشق قدرتمندشان به زندگی به تصویر کشید. هالز دامنه پرتره را با معرفی عناصر طرح، به تصویر کشیدن آنهایی که در عمل و به صورت بتن به تصویر کشیده شده است، گسترش داد. وضعیت زندگیبا تاکید بر حالات چهره، حرکات، حالت ها، فورا و با دقت ثبت شده است. این هنرمند به دنبال شدت عاطفی و سرزندگی ویژگی های کسانی بود که به تصویر کشیده می شد و انرژی سرکوب ناپذیر آنها را منتقل می کرد. هالز نه تنها پرتره های سفارشی فردی و گروهی را اصلاح کرد، بلکه خالق پرتره ای هم مرز بود. ژانر روزمره.
هالز در آنتورپ به دنیا آمد، سپس به هارلم نقل مکان کرد، جایی که تمام عمر خود را در آنجا زندگی کرد. او فردی بشاش، اجتماعی، مهربان و بی خیال بود. شخصیت خلاق خلسا در اوایل دهه 20 قرن هفدهم شکل گرفت. پرتره های گروهی افسران شرکت تفنگ سنت جورج (1627، هارلم، موزه فرانس هالس) و شرکت تفنگ سنت آدریان (1633، همانجا) محبوبیت زیادی برای او به ارمغان آورد. افراد قوی و پرانرژی که در مبارزات آزادیبخش علیه فاتحان اسپانیایی شرکت فعال داشتند در طول جشن ارائه می شوند. خلق و خوی شاد با طنز افسران شخصیت ها و رفتارهای مختلف را متحد می کند. اینجا شخصیت اصلی وجود ندارد. همه حاضران در جشن شرکت کننده برابر هستند. هالز بر ارتباط صرفاً بیرونی شخصیت های مشخصه پرتره های پیشینیان خود غلبه کرد. وحدت ترکیب نامتقارن با ارتباط پر جنب و جوش، آزادی آرام در چیدمان فیگورها، با ریتمی موج مانند به دست می آید.
قلم موی پرانرژی هنرمند حجم فرم ها را با درخشندگی و استحکام حجاری می کند. جریان ها نور خورشیدسر خوردن روی صورت، درخشش در توری و ابریشم، درخشش در عینک. پالت رنگارنگ که کت و شلوارهای مشکی و یقه‌های سفید بر آن تسلط دارند، توسط طلسم‌های افسری طلایی-زرد، بنفش، آبی و صورتی رنگارنگ جان می‌گیرد. همبرگرهای هلندی پر از عزت نفس و در عین حال آزاد و آرام، با ژست‌ها، در پرتره‌های هالز ظاهر می‌شوند و حالتی فوراً تسخیر شده را منتقل می‌کنند. افسری با کلاه لبه گشاد، با بازوهای آکیمبو، لبخند تحریک آمیزی می زند (1624، لندن، مجموعه والاس). طبیعی بودن و سرزندگی ژست ها، تیز بودن شخصیت پردازی و بالاترین مهارت در استفاده از تضاد سفید و سیاه در نقاشی گیرا است.
پرتره های هالز از نظر مضامین و تصاویر متنوع است. اما کسانی که به تصویر کشیده می شوند متحد هستند ویژگی های مشترک: یکپارچگی طبیعت، عشق به زندگی. هالز نقاش خنده، لبخندی شاد و عفونی است. این هنرمند با شادی درخشان، چهره نمایندگان مردم عادی، بازدیدکنندگان میخانه ها و جوجه های خیابانی را زنده می کند. شخصیت‌های او به درون خود فرو نمی‌روند، نگاه‌ها و حرکات خود را به سمت تماشاگر معطوف می‌کنند.
تصویر "کولی" (حدود 1630، پاریس، لوور) مملو از یک نفس آزادیخواهانه است. هالس موقعیت مغرور سرش در هاله ای از موهای کرکی، لبخند فریبنده اش، درخشش چشمانش و بیان استقلال او را تحسین می کند. طرح ارتعاشی شبح، پرتوهای کشویی نور، ابرهای جاری، که کولی در برابر آنها به تصویر کشیده شده است، تصویر را با هیجان زندگی پر می کند. پرتره Malle Babbe (اوایل دهه 1630، برلین - Dahlem، گالری هنرصاحب میخانه، که به طور تصادفی با نام مستعار "جادوگر هارلم" شناخته نمی شود، به یک صحنه ژانر کوچک تبدیل می شود. پیرزنی زشت با نگاهی سوزان و حیله گر، تند می چرخد ​​و پوزخندی گسترده می زند، گویی به یکی از مهمانان همیشگی میخانه اش پاسخ می دهد. یک جغد شوم به شکل شبح تیره ای روی شانه او ظاهر می شود. وضوح، بینش، قدرت تاریک و سرزندگی تصویری که این هنرمند خلق کرده است قابل توجه است. عدم تقارن ترکیب، پویایی، و غنای ضربه قلم موی زاویه ای، اضطراب صحنه را افزایش می دهد.
در اواسط قرن هفدهم، تغییراتی که در جامعه هلند رخ داده بود به وضوح قابل مشاهده بود. همانطور که موقعیت بورژوازی که ارتباط خود را با توده ها از دست داده است، در آن تقویت می شود، خصلت محافظه کارانه فزاینده ای پیدا می کند. نگرش مشتریان بورژوا نسبت به هنرمندان رئالیست. خلس نیز محبوبیت خود را از دست داد، هنر دموکراتیککه با بورژوازی رو به انحطاط بیگانه شد و به دنبال مد اشرافی می شتابد.
فکر عمیق، کنایه، تلخی و شک و تردید جایگزین خوش بینی مؤید زندگی استاد شد. واقع‌گرایی او از نظر روان‌شناختی عمیق‌تر و انتقادی‌تر شد، مهارت‌های او دقیق‌تر و کامل‌تر شد. رنگ خلسا نیز تغییر کرد و محدودیت بیشتری به دست آورد. در محدوده خاکستری نقره‌ای غالب، در میان سیاه و سفید، لکه‌های کوچک با دقت رنگ صورتی یا قرمز، صدای خاصی پیدا می‌کنند. احساس تلخی و ناامیدی در «پرتره مردی با لباس سیاه» (حدود 1660، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، که در آن لطیف ترین سایه های رنگارنگ چهره غنی شده و در کنار افراد مهار شده، زنده می شود، قابل لمس است. رنگ های سیاه و سفید تک رنگ.
بالاترین دستاورد هالز آخرین پرتره گروهی او از نایب‌ها و نایب‌ها (متولیان) یک خانه سالمندان است که در سال 1664، دو سال قبل از مرگ هنرمندی که به تنهایی فارغ‌التحصیل شده بود، اعدام شد. مسیر زندگیدر پناهگاه پر از غرور، سرد و ویران، تشنه قدرت و مغرور، متولیان قدیمی روی میز نشسته از گروه "پرتره نایب السلطنه خانه ای برای سالمندان" (هارلم، موزه فرانس هالس. دست هنرمند قدیمی بدون اشتباه حرکات آزاد و سریع را با دقت اعمال می کند. ترکیب بندی آرام و سخت شده است. پراکندگی فضا، چیدمان فیگورها، نور پراکنده یکنواخت، که به طور یکسان همه تصاویر را روشن می کند، به تمرکز توجه بر ویژگی های هر یک از آنها کمک می کند. رنگ طرح لاکونیک است با غلبه رنگ‌های سیاه، سفید و خاکستری پرتره‌های متاخر هالز در کنار برجسته‌ترین خلاقیت‌های پرتره جهان قرار دارند: آنها با روان‌شناسی خود به پرتره‌های بزرگ‌ترین نقاشان هلندی - رامبراند نزدیک هستند. مانند هالز شهرت مادام العمر خود را با درگیری با نخبگان بورژوازی جامعه هلند تجربه کرد.

فرانس هالس در حدود سال 1581 در آنتورپ در خانواده ای بافنده به دنیا آمد. در جوانی به هارلم آمد و تقریباً تا زمان مرگش در آنجا زندگی کرد (در سال 1616 از آنتورپ و در اواسط دهه 1630 - آمستردام بازدید کرد). اطلاعات کمی در مورد زندگی هالس وجود دارد. در سال 1610 وارد انجمن صنفی سنت لوک شد و در سال 1616 وارد اتاق سخنوران (بازیگران آماتور) شد. خیلی زود هالز به یکی از مشهورترین نقاشان پرتره در هارلم تبدیل شد.
در قرون XV-XVI. در نقاشی هلند سنت نقاشی پرتره فقط از نمایندگان محافل حاکم وجود داشت. افراد مشهورو هنرمندان هنر هالز عمیقاً دموکراتیک است: در پرتره‌های او می‌توانیم یک اشراف، یک شهروند ثروتمند، یک صنعتگر و حتی یک فرد را از پایین ببینیم. هنرمند سعی نمی کند کسانی را که به تصویر کشیده شده اند ایده آل کند؛ نکته اصلی برای او طبیعی بودن و منحصر به فرد بودن آنهاست. اشراف او مانند نمایندگان اقشار فرودست جامعه آرام رفتار می کنند که در نقاشی های خلص به عنوان افرادی شاد و تهی از عزت نفس به تصویر کشیده شده اند.
پرتره های گروهی جایگاه بزرگی را در آثار هنرمند به خود اختصاص می دهند. بهترین آثارپرتره افسران گروه تفنگ سنت جورج (1627) و گروه تفنگ سنت آدریان (1633) به این سبک تبدیل شد. هر یک از شخصیت های نقاشی شخصیت خود را دارند شخصیت روشن، و در عین حال این آثار با یکپارچگی متمایز می شوند.
هالز همچنین پرتره‌های سفارشی را ترسیم کرد که بورگرهای ثروتمند و خانواده‌هایشان را در حالت‌هایی آرام نشان می‌دادند ("پرتره آیزاک ماسا"، 1626؛ "پرتره هتویزن،" 1637). تصاویر هالز پر جنب و جوش و پویا هستند؛ به نظر می رسد افرادی که در پرتره ها هستند با یک مخاطب نامرئی صحبت می کنند یا بیننده را مخاطب قرار می دهند.
نمایندگان محیط محبوب در پرتره های خلس با بیان واضح و خودانگیختگی متمایز می شوند. در تصاویر پسران خیابانی، ماهیگیران، نوازندگان و بازدیدکنندگان میخانه، می توان همدردی و احترام نویسنده را احساس کرد. "کولی" او قابل توجه است. زن جوان خندان به طرز شگفت انگیزی زنده به نظر می رسد، نگاه حیله گر او به طرف همکارش معطوف شده و برای تماشاگران نامرئی است. هالز مدل خود را ایده آل نمی کند، اما تصویر یک کولی شاد و ژولیده با جذابیت شگفت انگیزش به وجد می آید.
اغلب، پرتره های هالس شامل عناصر یک صحنه ژانر است. این تصاویر کودکانی است که در حال آواز خواندن یا بازی هستند آلات موسیقی("پسران آوازخوان"، 1624-1625). نمایش معروف "Malle Babbe" (اوایل دهه 1630) با همین روحیه اجرا شد که نماینده یک میخانه دار معروف در هارلم بود که بازدیدکنندگان او را جادوگر هارلم پشت سر او می نامیدند. این هنرمند تقریباً به طرز عجیبی زنی را با یک لیوان آبجو بزرگ و یک جغد روی شانه خود به تصویر کشید.
در دهه 1640. کشور نشانه هایی از یک نقطه عطف را نشان می دهد. تنها چند دهه از پیروزی انقلاب می گذرد و بورژوازی دیگر طبقه ای مترقی بر اساس سنت های دموکراتیک نیست. حقیقت نقاشی هالز دیگر مشتریان ثروتمندی را که می‌خواهند خود را در پرتره‌ها بهتر از آنچه هستند ببینند، جذب نمی‌کند. اما هولس رئالیسم را رها نکرد و محبوبیت او به شدت کاهش یافت. در نقاشی این دوره ("پرتره مردی با کلاه لبه پهن") نکات غم و اندوه و ناامیدی ظاهر می شود. پالت او سخت تر و آرام تر می شود.
هولس در 84 سالگی دو شاهکار خود را خلق کرد: پرتره های گروهی از نایب السلطنه ها (امنا) و نایب های یک خانه سالمندان (1664). این آخرین آثار استاد هلندی با احساسی بودن و فردیت قوی تصاویر متمایز می شوند. تصاویر نایب السلطنه ها - پیرمردها و پیرزنان - از غم و اندوه و مرگ سرچشمه می گیرد. این حس با رنگ بندی مشکی، خاکستری و سفید نیز تاکید می شود.
هالز در سال 1666 در فقر عمیق درگذشت. هنر صادقانه و مؤید زندگی او داشته است نفوذ بزرگدر مورد بسیاری از هنرمندان هلندی

نقاشی رامبراند.

رامبراند هارمنس ون راین(هلندی رامبراند هارمنزون ون راین[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin]، 1606-1669) - هنرمند هلندی، نقشه کش و حکاکی، استاد بزرگ chiaroscuro، بزرگترین نماینده عصر طلایی نقاشی هلندی. او توانست در آثارش تمام طیف تجربیات انسانی را با چنان غنای عاطفی که هنرهای زیبا قبلاً ندیده بود مجسم کند. آثار رامبراند که از نظر ژانر بسیار متنوع هستند، دنیای معنوی بی‌زمان تجربیات و احساسات انسانی را برای بیننده آشکار می‌کنند.

• 1 بیوگرافی
• 1.1 سال کارآموزی
• 1.2 نفوذ Lastman و Caravaggists
• 1.3 کارگاه آموزشی در لیدن
• 1.4 توسعه سبک خود
• 1.5 موفقیت در آمستردام
• 1.6 گفتگو با ایتالیایی ها
• 1.7 "نگهبان شب"
• 1.8 دوره گذار
• 1.9 رامبراند متاخر
• 1.10 کارهای اخیر
• 2 مشکلات اسناد
• 3 شاگردان رامبراند
• 4 شهرت پس از مرگ
• 5 در سینما
• 6 یادداشت
• 7 پیوند

زندگینامه

سالهای کارآموزی

رامبراند هارمنزون ("پسر هارمن") ون راین در 15 ژوئیه 1606 (بر اساس برخی منابع، در سال 1607) در خانواده بزرگ صاحب آسیاب ثروتمند Harmen Gerritszoon van Rijn در لیدن متولد شد. حتی پس از انقلاب هلند، خانواده مادر به مذهب کاتولیک وفادار ماندند.

"تمثیل موسیقی" 1626 - نمونه ای از تأثیر لاستمن بر رامبراند جوان

رامبراند در لیدن به مدرسه لاتین دانشگاه رفت، اما بیشترین علاقه را به نقاشی نشان داد. در سن 13 سالگی، او برای تحصیل هنرهای زیبا نزد نقاش تاریخی لیدن، یعقوب ون سواننبرخ، یک کاتولیک با ایمان فرستاده شد. آثار رامبراند در این دوره توسط محققان شناسایی نشده است و سؤال تأثیر سواننبرخ در توسعه سبک خلاقانه او همچنان باز است: امروزه اطلاعات کمی در مورد این هنرمند لیدن وجود دارد.

در سال 1623، رامبراند در آمستردام نزد پیتر لاستمن، که دوره کارآموزی خود را در ایتالیا به پایان رساند و در زمینه های تاریخی، اساطیری و تخصص داشت، تحصیل کرد. داستان های کتاب مقدس. رامبراند با بازگشت به لیدن در سال 1627، همراه با دوستش یان لیونز، کارگاه خود را افتتاح کرد و شروع به جذب دانشجویان کرد. در عرض چند سال او شهرت قابل توجهی به دست آورد.

با وجود این واقعیت که نام این ژانر از فرانسوی ترجمه شده به معنای "طبیعت مرده" است. چرا، در دهان هلندی ها، ترکیباتی از اشیای بی جان، رنگارنگ روی بوم نمایش داده شده است، یعنی زندگی؟ بله، این تصاویر آنقدر روشن، قابل اعتماد و گویا بودند که حتی بی تجربه ترین خبره ها نیز واقع گرایی و ملموس بودن جزئیات را تحسین می کردند. اما فقط این نیست.

طبیعت بی جان هلندی تلاشی برای صحبت در مورد زنده بودن و نزدیک بودن هر شی است، هر ذره ای از این جهان در دنیای پیچیده انسان تنیده شده و در آن مشارکت دارد. استادان هلندی ترکیب‌های مبتکرانه‌ای خلق کردند و توانستند شکل، رنگ‌ها، حجم و بافت اشیاء را چنان دقیق به تصویر بکشند که به نظر می‌رسید دینامیک اعمال انسان را ذخیره می‌کنند. اینجا قلمی است که هنوز از دست شاعر با قطره ای پر زرق و برق سرد نشده است، اینجا اناری بریده است که از آب یاقوت می چکد، و اینجا نانی است که گاز گرفته و روی دستمال مچاله شده ای انداخته اند... و در عین حال، این دعوتی است برای تحسین و لذت بردن از شکوه و تنوع طبیعت.

تم ها و تصاویر زیبا

طبیعت بی جان هلندی در مضامین فراوانش تمام نشدنی است. برخی از نقاشان علاقه مشترکی به گل‌ها و میوه‌ها داشتند، برخی دیگر در درست‌نمایی خشن تکه‌های گوشت و ماهی تخصص داشتند، برخی دیگر با عشق ظروف آشپزخانه را روی بوم خلق کردند و برخی دیگر خود را وقف موضوع علم و هنر کردند.

طبیعت بی جان هلندی از اوایل قرن هفدهم با تعهد خود به نمادگرایی متمایز می شود. موارد به شدت مکان خاصو معنی سیب در مرکز تصویر داستان سقوط اولین انسان را بیان می کند، در حالی که خوشه انگور که آن را پوشانده است، داستان قربانی کفاره مسیح را بیان می کند. یک پوسته خالی که زمانی محل زندگی یک نرم تن دریایی بود، از ضعف زندگی، گل های افتاده و خشک شده - از مرگ صحبت می کند، و پروانه ای که از پیله بیرون می زند، خبر از رستاخیز و تجدید می دهد. بالتاسار آست این گونه می نویسد.

هنرمندان نسل جدید طبیعت هلندی کمی متفاوت را پیشنهاد کرده اند. نقاشی "نفس می کشد" با جذابیت گریزان نهفته در چیزهای معمولی. یک لیوان نیمه پر، سرو وسایل پراکنده روی میز، میوه‌ها، یک پای برش خورده - صحت جزئیات کاملاً با رنگ، نور، سایه‌ها، برجسته‌ها و بازتاب‌ها منتقل می‌شود و به طور متقاعدکننده‌ای با بافت پارچه، نقره، شیشه و غذا. اینها نقاشی های پیتر کلاس هدا هستند.

در اوایل قرن 18، طبیعت بی جان هلندی به سمت زیبایی شناسی چشمگیر جزئیات گرایش پیدا کرد. کاسه‌های چینی شیک با تذهیب، جام‌های ساخته‌شده از صدف‌های پیچیده پیچیده و میوه‌هایی که به‌خوبی روی ظرف چیده شده‌اند. نمی توان بدون محو شدن به بوم های ویلم کالف یا آبراهام ون بیرن نگاه کرد. هلندی به طور غیرمعمولی در حال گسترش است، توسط یک استاد اسیر می شود، به زبانی خاص و احساسی صحبت می کند و ارتباط برقرار می کند. رنگ آمیزیهارمونی و ریتم خطوط، بافته‌ها و سایه‌های ساقه‌ها، جوانه‌ها، گل‌آذین‌های باز موجود در طبیعت بی‌جان به نظر می‌رسد که سمفونی پیچیده‌ای ایجاد می‌کنند و بیننده را مجبور می‌کنند نه تنها زیبایی‌های غیرقابل درک جهان را تحسین کند، بلکه هیجان‌زده نیز تجربه کند.

طبیعت بی جان هلندی قرن 16-17 نوعی بازی فکری است که در آن از بیننده خواسته می شد تا نشانه های خاصی را باز کند. آنچه معاصران به راحتی درک می کردند، امروز و همیشه برای همه روشن نیست.

اشیایی که هنرمندان به تصویر کشیده اند چه معنایی دارند؟

جان کالوین (1509-1564، الهی‌دان فرانسوی، اصلاح‌کننده کلیسا، بنیان‌گذار کالوینیسم) تعلیم داد که چیزهای روزمره معانی پنهانی دارند و پشت هر تصویری باید یک درس اخلاقی وجود داشته باشد. اشیایی که در طبیعت بی جان به تصویر کشیده می شوند معانی متعددی دارند: آنها دارای معانی آموزنده، مذهبی یا سایر مفاهیم بودند. به عنوان مثال، صدف ها نمادی اروتیک در نظر گرفته می شدند و این برای معاصران آشکار بود: صدف ها ظاهراً قدرت جنسی را تحریک می کردند و زهره، الهه عشق، از پوسته متولد شد. از یک طرف صدف ها به وسوسه های دنیوی اشاره می کردند ، از طرف دیگر ، پوسته باز به معنای روحی بود که آماده خروج از بدن است ، یعنی نوید رستگاری را می داد. البته قوانین سختگیرانه ای در مورد نحوه خواندن طبیعت بی جان وجود نداشت و بیننده دقیقاً نمادهای روی بوم را که می خواست ببیند حدس می زد. علاوه بر این، ما نباید فراموش کنیم که هر شی بخشی از ترکیب بود و می توان آن را به روش های مختلف خواند - بسته به زمینه و پیام کلی طبیعت بی جان. طبیعت بی جان گلی

تا قرن 18، یک دسته گل، به عنوان یک قاعده، نمادی از ضعف بود، زیرا شادی های زمینی به اندازه زیبایی یک گل گذرا هستند. نمادگرایی گیاهان به ویژه پیچیده و مبهم است و کتاب‌های نمادها که در قرن‌های 16 و 17 در اروپا رایج بودند، به درک معنی کمک کردند، جایی که تصاویر تمثیلی و شعارها با متون توضیحی همراه بود. گل آراییتفسیر آن آسان نبود: همان گل معانی زیادی داشت، گاهی اوقات دقیقاً مخالف. مثلاً نرگس نشان دهنده خودشیفتگی بود و در عین حال نمادی از مادر خدا محسوب می شد. در طبیعت های بی جان، قاعدتاً هر دو معنای تصویر حفظ می شد و بیننده مختار بود یکی از این دو معنا را انتخاب کند یا آنها را ترکیب کند.

گل آرایی اغلب با میوه ها تکمیل می شد، اشیاء کوچک، تصاویر حیوانات. این تصاویر بیانگر ایده اصلی اثر بود و بر موتیف گذرا، زوال، گناه آلود بودن هر چیزی زمینی و فساد ناپذیری فضیلت تاکید داشت.

یان دیویدز دی هیم.
گل در گلدان.

در نقاشی یان دیویدز دی هیم، در پایه گلدان، هنرمند نمادهایی از مرگ و میر را به تصویر می کشد: گل های پژمرده و شکسته، گلبرگ های متلاشی شده و غلاف نخود خشک شده. اینجا یک حلزون است - با روح یک گناهکار مرتبط است. در مرکز دسته گل، نمادهای فروتنی و پاکی را می بینیم: گل های وحشی، بنفشه ها و فراموشکارها. آنها توسط لاله ها احاطه شده اند که نماد زیبایی محو شده و ضایعات بی معنی هستند (پرورش لاله در هلند یکی از بیهوده ترین فعالیت ها و علاوه بر این گران قیمت محسوب می شد). رزهای سرسبز و خشخاش، یادآور شکنندگی زندگی. این ترکیب با دو گل بزرگ که معنای مثبت دارند تاج گذاری شده است. زنبق آبی نشان دهنده آمرزش گناهان است و امکان رستگاری از طریق فضیلت را نشان می دهد. خشخاش قرمز، که به طور سنتی با خواب و مرگ همراه بود، به دلیل قرار گرفتن در دسته گل، تفسیر خود را تغییر داد: در اینجا نشان دهنده قربانی کفاره مسیح است.

نمادهای دیگر رستگاری گوش های نان است و پروانه ای که روی ساقه نشسته نشان دهنده روح جاودانه است.

یان باومن.
گل، میوه و یک میمون. نیمه اول قرن هفدهم.

نقاشی یان باومن "گل ها، میوه ها و یک میمون" - مثال خوبچندلایه بودن معنایی و ابهام طبیعت بی جان و اشیاء روی آن. در نگاه اول، ترکیب گیاهان و حیوانات تصادفی به نظر می رسد. در واقع، این طبیعت بی جان، گذرا بودن زندگی و گناه آلود بودن وجود زمینی را نیز به ما یادآوری می کند. هر شیء تصویر شده ایده خاصی را منتقل می کند: یک حلزون و یک مارمولک در داخل در این موردبیانگر فانی بودن هر چیز زمینی است. لاله ای که در نزدیکی یک کاسه میوه قرار دارد نمادی از محو شدن سریع است. پوسته های پراکنده روی میز به اتلاف نابخردانه پول اشاره می کند. و میمون با هلو نشان دهنده گناه و فسق اولیه است. از سوی دیگر، یک پروانه در حال بال زدن و میوه ها: خوشه های انگور، سیب، هلو و گلابی از جاودانگی روح و قربانی کفاره مسیح صحبت می کنند. در سطح تمثیلی دیگر، میوه‌ها، میوه‌ها، گل‌ها و حیوانات ارائه‌شده در تصویر چهار عنصر را نشان می‌دهند: صدف و حلزون - آب. پروانه - هوا؛ میوه ها و گل ها - زمین؛ میمون - آتش.

طبیعت بی جان در یک قصابی

پیتر آرتسن
قصاب، یا آشپزخانه با صحنه پرواز به مصر. 1551

تصویر یک قصابی به طور سنتی با ایده زندگی فیزیکی، تجسم عنصر زمین و همچنین پرخوری همراه بوده است. نقاشی شده توسط Peter Aertsen

تقریباً تمام فضا را میزی پر از غذا اشغال کرده است. ما انواع مختلفی از گوشت را می بینیم: مرغ کشته شده و لاشه های خشک شده، جگر و ژامبون، ژامبون و سوسیس. این تصاویر نمادی از افراط، پرخوری و دلبستگی به لذت های نفسانی است. حال بیایید توجه خود را به پس زمینه معطوف کنیم. در سمت چپ تصویر، در دهانه پنجره، صحنه انجیل پرواز به مصر به چشم می خورد که تضاد شدیدی با طبیعت بی جان در پیش زمینه دارد. مریم باکره آخرین قرص نان را به دختری گدا می دهد. توجه داشته باشید که پنجره بالای ظرف قرار دارد، جایی که دو ماهی به صورت متقاطع (نماد مصلوب شدن) - نماد مسیحیت و مسیح است. در سمت راست در پس زمینه یک میخانه است. گروهی شاد بر سر سفره ای کنار آتش می نشینند، صدف می نوشند و می خورند که همانطور که به یاد داریم با شهوت همراه است. لاشه قصابی در کنار میز آویزان است که حکایت از اجتناب ناپذیر بودن مرگ و زودگذر بودن شادی های زمینی دارد. قصابی با پیراهن قرمز شراب را با آب رقیق می کند. این صحنه بازتاب ایده اصلی طبیعت بی جان است و به تمثیل اشاره دارد پسر ولگرد. صحنه در میخانه، و همچنین قصابی پر از ظروف، از زندگی بیکار و بی نتیجه، دلبستگی به لذت های زمینی، خوشایند برای بدن، اما ویرانگر برای روح صحبت می کند. در صحنه پرواز به مصر، شخصیت‌ها عملاً به بیننده پشت می‌کنند: آنها به عمق تصویر رفته و از قصابی دور می‌شوند. این استعاره ای است برای فرار از یک زندگی نابسامان و پر از لذت های نفسانی. دست کشیدن از آنها یکی از راه های نجات روح است.

طبیعت بی جان در یک مغازه ماهی فروشی

طبیعت بی جان ماهی تمثیلی از عنصر آب است. آثاری از این دست، مانند مغازه‌های قصابی، اغلب بخشی از به اصطلاح چرخه عنصری بودند و معمولاً برای تزئین اتاق‌های غذاخوری کاخ ایجاد می‌شدند. در پیش زمینه نقاشی فرانس اسنایدر "فروشگاه ماهی" ماهی های زیادی به تصویر کشیده شده است. سوف و ماهیان خاویاری، کپور صلیبی، گربه ماهی، ماهی قزل آلا و دیگر غذاهای دریایی در اینجا وجود دارد. برخی قبلاً قطع شده اند، برخی منتظر نوبت خود هستند. این تصاویر از ماهی ها هیچ زیرمتنی ندارند - آنها ثروت فلاندر را تجلیل می کنند.

فرانس اسنایدرز
فروشگاه ماهی. 1616

در کنار پسر، سبدی با هدایایی می بینیم که برای روز سنت نیکلاس دریافت کرده است. این را کفش های قرمز چوبی که به سبد بسته شده اند نشان می دهد. علاوه بر شیرینی ها، میوه ها و آجیل، سبد حاوی میله هایی است - به عنوان اشاره ای به آموزش با "هویج و چوب". محتویات سبد از شادی ها و غم های زندگی انسان صحبت می کند که دائماً جایگزین یکدیگر می شوند. زن به کودک توضیح می دهد که بچه های مطیع هدیه می گیرند و بچه های بد تنبیه می شوند. پسر با وحشت عقب کشید: فکر می کرد به جای شیرینی با میله ضربه می خورد. در سمت راست پنجره ای را می بینیم که از طریق آن می توانیم میدان شهر را ببینیم. گروهی از بچه‌ها زیر پنجره‌ها می‌ایستند و با خوشحالی در بالکن به شوخی عروسکی سلام می‌کنند. جستر یک ویژگی جدایی ناپذیر از جشن های تعطیلات عامیانه است.

طبیعت بی جان با یک میز چیده شده

در انواع مختلف چیدمان میز روی بوم های استادان هلندی، نان و پای، آجیل و لیمو، سوسیس و ژامبون، خرچنگ و خرچنگ، ظروف با صدف، ماهی یا پوسته خالی را می بینیم. این طبیعت های بی جان را می توان بسته به مجموعه اشیاء درک کرد.

گریت ویلمز هدا.
ژامبون و ظروف نقره. 1649

در تابلوی گریت ویلمز هدا یک ظرف، یک کوزه، یک جام شیشه ای بلند و یک گلدان واژگون، یک دیگ خردل، یک ژامبون، یک دستمال مچاله شده و یک لیمو را می بینیم. این ست سنتی و مورد علاقه هدا است. چیدمان اشیا و انتخاب آنها تصادفی نیست. ظروف نقره ای نماد ثروت های زمینی و بیهودگی آن ها، ژامبون نماد لذت های نفسانی، لیمویی جذاب اما ترش درون آن نشان دهنده خیانت است. شمع خاموش نشان دهنده ضعف و زودگذر بودن است. وجود انسان، آشفتگی روی میز برای تخریب است. یک شیشه بلند شیشه ای "فلوت" (در قرن هفدهم چنین لیوان هایی به عنوان ظرف اندازه گیری با علائم استفاده می شد) شکننده است، مانند زندگی انسانو در عین حال نماد اعتدال و توانایی فرد در کنترل تکانه های خود است. به طور کلی، در این طبیعت بی جان، مانند بسیاری از "صبحانه های" دیگر، موضوع غرور و بی معنی بودن لذت های زمینی با کمک اشیا پخش می شود.

پیتر کلاس.
طبیعت بی جان با منقل، شاه ماهی، صدف و پیپ دودی. 1624

بیشتر اشیایی که در طبیعت بی جان پیتر کلاس به تصویر کشیده شده اند، نمادهای اروتیک هستند. صدف، پیپ، شراب به لذت های مختصر و مشکوک نفسانی اطلاق می شود. اما این تنها یک گزینه برای خواندن طبیعت بی جان است. بیایید از زاویه ای متفاوت به این تصاویر نگاه کنیم. بنابراین، صدف ها نمادی از شکنندگی گوشت هستند. لوله ای که با آن نه تنها سیگار می کشیدند، بلکه حباب های صابون را نیز می زدند، نمادی از مرگ ناگهانی است. شاعر هلندی ویلم گودشالک ون فوکنبورخ، معاصر کلاس، در شعر خود "امید من دود است" نوشت:

همانطور که می بینید، بودن شبیه به کشیدن پیپ است،
و من واقعاً نمی دانم تفاوت چیست:
یکی فقط یک نسیم است، دیگری فقط یک دود.

موضوع گذرا بودن وجود انسان با جاودانگی روح در تقابل قرار می گیرد و نشانه های ضعف ناگهان به نماد رستگاری تبدیل می شود. نان و لیوان شراب در پس زمینه با بدن و خون عیسی تداعی می شود و نشان دهنده ی مراسم مقدس است. شاه ماهی - نماد دیگری از مسیح - ما را به یاد غذای روزه و روزه می اندازد. و پوسته های باز با صدف ها می توانند معنای منفی خود را دقیقاً برعکس تغییر دهند و بیانگر روح انسان است که از بدن جدا شده و آماده ورود به زندگی ابدی است.

سطوح مختلف تفسیر اشیاء به طور ماهرانه ای به بیننده می گوید که انسان همیشه در انتخاب بین امر معنوی و ابدی و گذرای زمینی آزاد است.

وانیتاس یا طبیعت بی جان "دانشمند".

ژانر به اصطلاح زندگی بی جان "علمی" Vanitas نامیده می شد - که از لاتین ترجمه شده است به معنای "بیهودگی باطل"، به عبارت دیگر - " memento mori" ("یادگار موری"). این روشنفکرانه ترین نوع طبیعت بی جان است، تمثیلی از ابدیت هنر، سستی شکوه زمینی و زندگی انسانی.

ژوریان ون استرک
غرور. 1670

شمشیر و کلاه ایمنی با ستونی مجلل در نقاشی ژوریان ون استرک نشانگر ماهیت زودگذر شکوه زمینی است. شاخ شکار نماد ثروتی است که نمی توان با خود به زندگی دیگری برد. در طبیعت‌های بی‌جان «علمی» اغلب تصاویری از کتاب‌های باز یا کاغذهایی که با کتیبه‌های بی‌احتیاطی دروغ می‌گویند وجود دارد. آنها نه تنها شما را به فکر کردن در مورد اشیاء به تصویر کشیده دعوت می کنند، بلکه به شما اجازه می دهند که از آنها برای هدف مورد نظر خود استفاده کنید: خواندن صفحات باز یا پخش موسیقی نوشته شده در یک دفترچه. ون استرک طرحی از سر یک پسر و یک کتاب باز را به تصویر کشید: این تراژدی الکترا سوفوکل است که به هلندی ترجمه شده است. این تصاویر نشان می دهد که هنر جاودانه است. اما صفحات کتاب پیچ خورده و نقاشی چروکیده است. اینها نشانه هایی از آغاز فساد است که نشان می دهد پس از مرگ حتی هنر نیز مفید نخواهد بود. جمجمه همچنین از اجتناب ناپذیر بودن مرگ صحبت می کند، اما خوشه دانه ای که در اطراف آن پیچیده شده است نماد امید به رستاخیز و زندگی ابدی است. در اواسط قرن هفدهم، جمجمه‌ای که با خوشه‌ای از دانه یا پیچک همیشه سبز در هم تنیده شده بود به موضوعی اجباری برای به تصویر کشیدن طبیعت بی‌جان به سبک وانیتاس تبدیل شد.