طبیعت های بی جان معروف هنرمندان هلندی قرن هفدهم. نشانه های مخفی طبیعت بی جان هلندی

هنرمندان هلندی به دستاوردهای بزرگی در خلق هنری با جهت واقع گرایانه دست یافتند که به طور طبیعی واقعیت را به تصویر می کشیدند، دقیقاً به این دلیل که چنین هنری در جامعه هلند مورد تقاضا بود.

برای هنرمندان هلندینقاشی سه پایه در هنر مهم بود. بوم‌های هلندی‌های آن زمان ابعادی مشابه آثار روبنس ندارند و ترجیحاً کارهای یادگاری-تزیینی را حل نمی‌کنند؛ مشتریان نقاشان هلندی فرستادگان رهبری حاکم سازمان و همچنین طبقه دوم بودند. - شهرداران و صنعتگران.

یکی از دغدغه های اصلی نقاشان هلندی انسان و محیط زیست بود. مکان اصلی در نقاشی هلندی ژانر روزمره و پرتره، منظره و طبیعت بی جان بود. نقاشان بهتر، بی‌طرفانه، عمیق‌تر تصویر می‌کردند دنیای طبیعی، طرح های آنها مهم تر و پرمشقت تر بود.

نقاشان هلندی آثاری را برای فروش تولید می کردند و نقاشی های خود را در نمایشگاه ها می فروختند. آثار آنها عمدتاً توسط افرادی از طبقات بالای جامعه - دهقانان ثروتمند، صنعتگران، بازرگانان و صاحبان کارخانه خریداری می شد. آدم های سادهتوان پرداخت آن را نداشت و با لذت به نقاشی ها نگاه کرد و آن را تحسین کرد. وضعیت عمومی هنر در اوج قرن هفدهم، مصرف کنندگان قدرتمندی مانند دادگاه، اشراف و کلیسا را ​​محروم کرد.

این آثار در قالب کوچکی تولید شده اند که متناسب با اثاثیه ساده و نه بزرگ در خانه های هلندی طراحی شده است. نقاشی سه پایه یکی از سرگرمی های مورد علاقه هلندی ها شد، زیرا می توانست واقعیت اعمال را با قابلیت اطمینان و تنوع زیادی به تصویر بکشد. نقاشی‌های هلندی‌ها واقعیت کشورشان را به تصویر می‌کشند، آن‌ها می‌خواستند آنچه را که برایشان بسیار آشناست ببینند - دریا و کشتی‌ها، طبیعت سرزمینشان، خانه‌شان، فعالیت‌های زندگی روزمره، چیزهایی که همه جا آنها را محاصره کرد.

یکی از جذابیت های مهم مطالعه محیط زیست در نقاشی هلندی در چنین اشکال طبیعی و با چنان پیوستگی روشن ظاهر شد که در هیچ جای دیگری در هنر هلندی آن زمان وجود نداشت. در ارتباط با این، عمق مقیاس آن نیز به هم مرتبط است: پرتره ها و مناظر، طبیعت بی جان و ژانرهای روزمره در آن شکل گرفت. تعدادی از آنها، طبیعت بی جان و نقاشی روزمره، اولین کسانی بودند که در قالب های بالغ در هلند ظهور کردند و به حدی شکوفا شدند که تنها نمونه این ژانر شدند.

در دو دهه اول، تمایل اصلی جستجو برای هنرمندان اصلی هلندی، مقابله با روندهای هنری صحیح، به وضوح آشکار می شود - میل به بازتولید وفادار واقعیت، برای دقت بیان آن. تصادفی نبود که هنرمندان هلند جذب هنر کاراواجو شدند. آثار به اصطلاح کاراواگیست های اوترخت - G. Honthorst، H. Terbruggen، D. Van Baburen - تأثیری بر فرهنگ هنری هلند نشان داد.

نقاشان هلندی در دهه 20 - 30 قرن 17 خلق کردند نمای اصلییک نقاشی کوچک مناسب که صحنه هایی از زندگی دهقانان عادی و فعالیت های روزمره آنها را به تصویر می کشد. در دهه های 40 و 50، نقاشی روزمره یکی از ژانرهای اصلی بود که نویسندگان آن در تاریخ نام هلندی کوچک را یا به دلیل بی هنری بودن طرح، یا به دلیل اندازه کوچک نقاشی ها، یا شاید. برای هردو. تصاویر دهقانان در نقاشی ها با ویژگی های شوخ طبعی پوشیده شده است آدریانا ون اوستاد. او یک نویسنده دموکرات زندگی روزمره و یک داستان نویس سرگرم کننده بود. جان استین.

یکی از بزرگ ترین نقاشان پرتره هلند، بنیانگذار پرتره رئالیستی هلندی بود فرانتس هالز. او شهرت خود را با پرتره های گروهی از اصناف تیراندازی ایجاد کرد که در آن آرمان های جمهوری جوان، احساس آزادی، برابری و رفاقت را بیان می کرد.

اوج خلاقیت رئالیسم هلندی است هارمنس ون راین رامبراند، با سرزندگی و احساسات فوق العاده، انسانیت عمیق تصاویر و وسعت موضوعی بسیار متمایز است. او نقاشی های تاریخی، انجیلی، اساطیری و روزمره، پرتره و مناظر نقاشی می کرد و یکی از بزرگ ترین استادان قلمزنی و طراحی بود. اما مهم نیست با چه تکنیکی کار می کرد، مرکز توجه او همیشه شخص، دنیای درونش بود. او اغلب قهرمانان خود را در میان فقرای هلندی می یافت. رامبراند در آثار خود قدرت و نفوذ ویژگی های روانی را با تسلط استثنایی در نقاشی ترکیب کرد که در آن تن های منظم کیاروسکورو اهمیت اصلی را به دست می آورد.

در یک سوم اول قرن هفدهم، دیدگاه‌های چشم‌انداز واقع‌گرایانه هلندی پدیدار شد که در اواسط قرن شکوفا شد. منظره استادان هلندی به طور کلی طبیعت نیست، همانطور که در نقاشی های کلاسیک گرایان وجود دارد، بلکه یک منظره ملی، به ویژه هلندی است: آسیاب های بادی، تپه های بیابانی، کانال هایی با قایق هایی که در امتداد آنها در تابستان و با اسکیت بازان در زمستان سر می زنند. هنرمندان به دنبال انتقال فضای فصل، هوای مرطوب و فضا بودند.

طبیعت بی جان در نقاشی هلندی رشد چشمگیری داشته است و به دلیل اندازه و شخصیت کوچکش متمایز است. پیتر کلاسو ویلم هدااغلب آنها به اصطلاح صبحانه را به تصویر می کشیدند: غذاهایی با ژامبون یا پای روی یک میز نسبتاً متوسط. حضور اخیر یک فرد در بی نظمی و طبیعی بودن چیزهایی که به تازگی به او خدمت کرده است، محسوس است. اما این اختلال فقط آشکار است، زیرا ترکیب هر طبیعت بی جان به دقت فکر شده است. در یک چیدمان ماهرانه، اشیاء به گونه ای نشان داده می شوند که انسان زندگی درونی اشیا را احساس می کند؛ بیخود نیست که هلندی ها زندگی بی جان را "هنوز لون" - "زندگی آرام" و نه "طبیعت مرگ" - " طبیعت مرده».

طبیعت بی جان پیتر کلاس و ویلم هدا

ظرافت و صداقت در بازسازی واقعیت توسط استادان هلندی با حس شدید زیبایی ترکیب شده است که در هر یک از پدیده های آن، حتی نامحسوس ترین و روزمره، آشکار می شود. این ویژگی نبوغ هنری هلندی، شاید به وضوح، در طبیعت بی جان آشکار شد؛ تصادفی نیست که این ژانر در هلند مورد علاقه بود.

هلندی‌ها زندگی بی‌جان را «stilleven» می‌گفتند که به معنای «زندگی آرام» است و این کلمه معنایی را که نقاشان هلندی در تصویرسازی اشیا می‌آوردند با دقت غیرقابل مقایسه‌تری بیان می‌کند تا «nature morte» - طبیعت مرده. آنها در اشیای بی جان زندگی خاص و پنهانی را می دیدند که با زندگی یک فرد، با شیوه زندگی، عادات و ذائقه او مرتبط است. نقاشان هلندی تصور "به هم ریختگی" طبیعی را در چیدمان چیزها ایجاد کردند: آنها یک پای برش خورده، یک لیمو پوست کنده با پوست آویزان به صورت مارپیچ، یک لیوان شراب ناتمام، یک شمع سوزان، یک کتاب باز نشان دادند - همیشه به نظر می رسد. اینکه کسی این اشیا را لمس کرده، فقط از آنها استفاده کرده است، حضور نامرئی یک شخص همیشه احساس می شود.

استادان پیشرو طبیعت بی جان هلندینیمه اول قرن هفدهم پیتر کلاس (1597/98-1661) و ویلم هدا (1594-حدود 1680) بودند. موضوع مورد علاقه زندگی بی جان آنها به اصطلاح "صبحانه" است. در «صبحانه با خرچنگ» نوشته وی.خدا، اشیاء اشکال مختلفو مواد - قهوه جوش، لیوان، لیمو، ظرف سفالی، بشقاب نقره و ... - با یکدیگر مقایسه می شوند تا ویژگی ها و جذابیت هر کدام آشکار شود. هدا با استفاده از تکنیک های مختلف، مواد و ویژگی بافت آنها را کاملاً منتقل می کند. بنابراین، بازتاب نور روی سطح شیشه و فلز متفاوت است: روی شیشه - نور، با خطوط تیز، روی فلز - رنگ پریده، مات، روی شیشه طلاکاری شده - درخشان، روشن. همه عناصر ترکیب با نور و رنگ متحد می شوند - یک طرح رنگ خاکستری مایل به سبز.

در "طبیعت بی جان با یک شمع" توسط پی کلاس، نه تنها دقت بازتولید کیفیت های مادی اشیاء قابل توجه است - ترکیب و نورپردازی به آنها بیان عاطفی زیادی می دهد.

طبیعت بی جان کلاس و خدا مملو از حال و هوای خاصی است که یکدیگر را به هم نزدیکتر می کند - این یک حال و هوای صمیمیت و راحتی است که ایده زندگی آرام و تثبیت شده یک خانه نشین را به وجود می آورد. ، جایی که رفاه حاکم است و مراقبت از دستان انسان و چشمان مراقب مالک در همه چیز احساس می شود. نقاشان هلندی ارزش زیبایی‌شناختی اشیا را تأیید می‌کنند، و طبیعت بی‌جان، به‌طور غیرمستقیم، شیوه‌ای از زندگی را که وجود آن‌ها با آن پیوند ناگسستنی دارد، تجلیل می‌کند. بنابراین، می توان آن را به عنوان یکی از تجسم های هنری یک موضوع مهم هنر هلندی - موضوع زندگی یک شخص خصوصی در نظر گرفت. او تصمیم اصلی خود را در عکس ژانر.[&&] Rotenberg I. E. هنر اروپای غربیقرن هفدهم مسکو، 1971;

در نیمه دوم قرن هفدهم، تغییراتی در جامعه هلندی رخ داد: تمایل بورژوازی به اشرافیت افزایش یافت. "صبحانه"های ساده کلاس و هدا جای خود را به "دسرهای" غنی می دهد. آبراهام ون بیجرنو ویلم کالف، که شامل ظروف سفالی دیدنی، ظروف نقره ای، جام های قیمتی و صدف در طبیعت بی جان بود. داره سخت تر میشه ساختارهای ترکیبی، تزئینی تر - رنگ. متعاقبا، طبیعت بی جان، دموکراسی، صمیمیت، معنویت و شعر خود را از دست می دهد. تبدیل به دکوراسیونی باشکوه برای خانه مشتریان رده بالا می شود. با وجود تمام تزئینات و اجرای ماهرانه‌شان، زندگی بی‌جان‌های متاخر، افول نقاشی رئالیستی بزرگ هلندی را پیش‌بینی می‌کنند که در سال 2018 آغاز شد. اوایل XVIIIقرن و ناشی از انحطاط اجتماعی بورژوازی هلند در یک سوم پایانی قرن هفدهم، گسترش روندهای جدید در هنر مرتبط با جذب بورژوازی به ذائقه اشراف فرانسوی است. هنر هلندی در حال از دست دادن پیوند با سنت دموکراتیک، از دست دادن اساس واقع گرایانه خود، از دست دادن هویت ملی خود و ورود به دوره افول طولانی مدت است.

زندگی بی جان ("Stilleven" - که در هلندی به معنای "زندگی آرام" است) - شاخه ای منحصر به فرد و کاملاً محبوب از نقاشی هلندی است. نقاشی طبیعت بی جان هلندی قرن هفدهم با تخصص محدود استادان هلندی در این ژانر مشخص می شود. موضوع «گل و میوه» معمولاً شامل انواع حشرات است. "غنائم شکار"، اول از همه، غنائم شکار - پرندگان کشته شده و شکار هستند. "صبحانه ها" و "دسرها" و همچنین تصاویر ماهی ها - زنده و خوابیده، پرندگان مختلف - تنها برخی از بهترین ها هستند. موضوعات معروفطبیعت های بی جان روی هم رفته، این سوژه‌های مجزا نشانگر علاقه شدید هلندی‌ها به موضوعات زندگی روزمره، فعالیت‌های مورد علاقه‌شان، و اشتیاق به عجیب‌وغریب سرزمین‌های دور هستند (ترکیب‌ها حاوی پوسته‌ها و میوه‌های عجیب و غریب هستند). اغلب در آثاری با نقوش طبیعت "زنده" و "مرده" زیرمتن نمادینی وجود دارد که برای بیننده تحصیل کرده قرن هفدهم به راحتی قابل درک است.

بنابراین، ترکیب اشیاء منفرد می‌تواند نشانه‌ای از ضعف وجود زمینی باشد: گل رز محو، یک دستگاه بخور، یک شمع، یک ساعت. یا مرتبط با عاداتی است که توسط اخلاق محکوم می شود: ترکش، پیپ کشیدن. یا اشاره کرد رابطه عاشقانه; نوشتن، آلات موسیقی، منقل. شکی نیست که معنای این ترکیبات بسیار گسترده تر از محتوای نمادین آنهاست.

طبیعت‌های بی جان هلندی، اول از همه، بیان هنری، کامل بودن و توانایی آشکار کردن زندگی معنوی جهان عینی را جذب می‌کنند. نقاشان هلندی با ترجیح دادن نقاشی های بزرگ با وفور انواع اشیاء، خود را به چند مورد از تعمق محدود می کنند و برای حداکثر وحدت ترکیب بندی و رنگ تلاش می کنند.

زندگی بی جان یکی از ژانرهایی است که در آن هلندی صفات ملیبه خصوص به وضوح ظاهر شد. طبیعت‌های بی جان که ظروف فروتن را به تصویر می‌کشند، که در نقاشی هلندی بسیار رایج است و در نقاشی فلاندری بسیار نادر است، یا طبیعت‌های بی‌جان با وسایل خانگی طبقات ثروتمند. طبیعت بی جان توسط پیتر کلاس و ویلم هدا، پوشیده از نور سرد منتشر شده، با طرح رنگی تقریبا تک رنگ، یا طبیعت های بی جان بعدی توسط ویلم کالف، جایی که به خواست هنرمند، نور طلایی به فرم ها و رنگ های پر جنب و جوش جان می بخشد. اشیاء از گرگ و میش همه آنها ویژگی های ملی مشترکی دارند که اجازه نمی دهد با نقاشی های مکتب دیگری، از جمله مکتب فلاندری مربوط، مخلوط شوند. در طبیعت بی جان هلندی همیشه احساس آرامش و عشق خاصی برای انتقال اشکال واقعی دنیای مادی وجود دارد.

دی هیم به خاطر تصاویر باشکوه خود از گل ها و میوه ها شهرت جهانی پیدا کرد. جزئیات تصویر تا کوچکترین جزئیاتاو آن را با انتخابی درخشان از رنگ ها و طعم ظریف در ترکیب ترکیب کرد. او گل‌ها را در دسته‌های گل و گلدان‌هایی که در آن‌ها پروانه‌ها و حشرات اغلب بال می‌زدند، تاج گل در طاقچه‌ها، پنجره‌ها و تصاویر مدونا در تن های خاکستری، گلدسته های میوه، طبیعت های بی جان با لیوان های پر از شراب، انگور و سایر میوه ها و محصولات. هم با استادی از امکانات رنگ استفاده کرد و به درجه بالایی از شفافیت دست یافت؛ تصاویر او از طبیعت بی جان کاملاً واقع گرایانه است. نقاشی های او تقریباً در تمام گالری های هنری بزرگ وجود دارد. نقاشی طبیعت بی جان، که با شخصیت خود متمایز بود، در قرن 17 هلند رواج یافت. هنرمندان هلندی طیف گسترده ای از اشیاء را برای زندگی بی جان خود انتخاب کردند، می دانستند که چگونه آنها را به طور کامل مرتب کنند، و ویژگی های هر شی و زندگی درونی آن را که به طور جدایی ناپذیری با زندگی انسان پیوند خورده است، آشکار می کنند. نقاشان هلندی قرن هفدهم، پیتر کلاس (حدود 1597 - 1661) و ویلم هدا (1594 - 1680/1682) نسخه های متعددی از "صبحانه" را نقاشی کردند که ژامبون ها، نان های قرمز رنگ، پای شاه توت، لیوان های شکننده را روی نیمه پر از لیوان های شراب به تصویر کشیدند. جدول، با مهارت شگفت انگیز در انتقال رنگ، حجم، بافت هر مورد. حضور اخیر یک فرد در این اختلال قابل توجه است، تصادفی بودن چیدمان چیزهایی که به تازگی به او خدمت کرده است. اما این اختلال فقط ظاهری است، زیرا ترکیب هر طبیعت بی جان کاملاً فکر شده و پیدا شده است. یک پالت تونال مایل به خاکستری مایل به زیتونی محدود، اشیا را متحد می کند و صدای خاصی به آن رنگ های خالصی می بخشد که بر طراوت یک لیموی تازه برش خورده یا ابریشم نرم یک روبان آبی تأکید دارند. با گذشت زمان، "صبحانه" استادان طبیعت بی جان، نقاشان Claes و Heda جای خود را به "دسر" هنرمندان هلندی Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) و Willem Kalf (1622-1693) می دهد. طبیعت های بی جان Beyeren از نظر ترکیب سختگیرانه، از نظر احساسی غنی و رنگارنگ هستند. ویلم کالف در طول زندگی خود به شیوه ای آزاد و "آشپزخانه" دموکراتیک نقاشی می کرد - گلدان ها، سبزیجات و طبیعت های بی جان اشرافی در انتخاب اشیاء نفیس گرانبها، کامل. اشراف محفوظمانند ظروف نقره ای، فنجان ها، پوسته های اشباع شده با احتراق داخلی رنگ ها. که در پیشرفتهای بعدیطبیعت بی جان همان مسیر هنر هلندی را دنبال می کند و دموکراسی، معنویت و شعر و جذابیت خود را از دست می دهد. طبیعت بی جان به دکوراسیون منزل مشتریان رده بالا تبدیل می شود. با وجود تمام تزئینات و اجرای ماهرانه‌شان، زندگی بی‌جان‌های متأخر، افول نقاشی هلندی را پیش‌بینی می‌کنند. انحطاط اجتماعی و اشرافیت شناخته شده بورژوازی هلند در ثلث پایانی قرن هفدهم، گرایش به همگرایی با دیدگاه‌های زیبایی‌شناختی اشراف فرانسوی را به وجود می‌آورد و به آرمان‌سازی می‌انجامد. تصاویر هنری، سنگ زنی آنها. هنر در حال از دست دادن ارتباط با سنت دموکراتیک، از دست دادن اساس واقع گرایانه خود و ورود به دوره افول طولانی مدت است. هلند که در جنگ با انگلستان به شدت خسته شده است، موقعیت خود را به عنوان یک قدرت تجاری بزرگ و یک مرکز هنری بزرگ از دست می دهد.

ویلم هدا (حدود 1594 - حدود 1682) یکی از اولین استادان نقاشی طبیعت بی جان هلندی در قرن هفدهم بود که آثارش توسط معاصرانش بسیار ارزشمند بود. به ویژه در هلند این نوع نقاشی به نام "صبحانه" محبوب بود. آنها برای مطابقت با هر سلیقه ای ساخته شده اند: از ثروتمند تا متواضع تر. نقاشی "صبحانه با خرچنگ" به دلیل اندازه بزرگ آن که مشخصه طبیعت بی جان هلندی نیست (ضمیمه I) متمایز است. رنگ بندی کلی کار سرد، خاکستری نقره ای با چند لکه صورتی و قهوه ای است. خدا میزی چیده شده را به زیبایی به تصویر کشیده است که روی آن اقلامی که صبحانه را تشکیل می دهند با دقت فکر شده چیده شده اند. روی بشقاب خرچنگی قرار دارد که با تمام ویژگی هایش به تصویر کشیده شده است، در کنار آن یک لیمو زرد رنگ قرار دارد که پوسته بریده شده آن به شکلی پیچیده، آویزان است. در سمت راست زیتون سبز و یک نان خوشمزه با پوسته طلایی قرار دارد. ظروف شیشه ای و فلزی به طبیعت بی جان استحکام می بخشند؛ رنگ آنها تقریباً با پالت کلی ترکیب می شود.

جان کالوین جان کالوین(1509-1564) - اصلاح کننده کلیسا و بنیانگذار یکی از جنبش های پروتستانیسم. اساس کلیسای کالوینیست به اصطلاح جماعت ها است - جوامع خودمختار که توسط کشیش، شماس و بزرگانی که از بین مردم انتخاب می شوند اداره می شوند. کالوینیسم در قرن شانزدهم در هلند بسیار رایج بود.آموخت که چیزهای روزمره معانی پنهانی دارند و پشت هر تصویری باید یک درس اخلاقی باشد. اشیایی که در طبیعت بی جان به تصویر کشیده می شوند معانی متعددی دارند: آنها دارای معانی آموزنده، مذهبی یا سایر مفاهیم بودند. به عنوان مثال، صدف ها نمادی اروتیک در نظر گرفته می شدند و این برای معاصران آشکار بود: صدف ها ظاهراً قدرت جنسی را تحریک می کردند و زهره، الهه عشق، از پوسته متولد شد. از یک طرف صدف ها به وسوسه های دنیوی اشاره می کردند ، از طرف دیگر ، پوسته باز به معنای روحی بود که آماده خروج از بدن است ، یعنی نوید رستگاری را می داد. قوانین سختگیرانهالبته راهی برای خواندن طبیعت بی جان وجود نداشت و بیننده دقیقاً نمادهایی را که می خواست ببیند روی بوم حدس می زد. علاوه بر این، ما نباید فراموش کنیم که هر شی بخشی از ترکیب بود و می توان آن را به روش های مختلف خواند - بسته به زمینه و پیام کلی طبیعت بی جان.

طبیعت بی جان گل

تا قرن 18، یک دسته گل، به عنوان یک قاعده، نمادی از ضعف بود، زیرا شادی های زمینی به اندازه زیبایی یک گل گذرا هستند. نمادگرایی گیاهان به ویژه پیچیده و مبهم است و ادبیات عامه به درک معنی کمک کرد. اروپا XVI-XVIIکتابهای چند صد ساله نمادها، که در آن تصاویر تمثیلی و شعارها با متون توضیحی همراه بود. گل آراییتفسیر آن آسان نبود: همان گل معانی زیادی داشت، گاهی اوقات دقیقاً مخالف. به عنوان مثال، نرگس حاکی از عشق به خود بود و در عین حال نمادی از مادر خدا محسوب می شد. در طبیعت های بی جان، قاعدتاً هر دو معنای تصویر حفظ می شد و بیننده مختار بود یکی از این دو معنا را انتخاب کند یا آنها را ترکیب کند.

چیدمان گل اغلب با میوه ها، اشیاء کوچک و تصاویر حیوانات تکمیل می شد. این تصاویر بیانگر ایده اصلی اثر بود و بر موتیف گذرا، زوال، گناه آلود بودن هر چیزی زمینی و فساد ناپذیری فضیلت تاکید داشت.

یان دیویدز دی هیم. گل در گلدان. بین 1606 و 1684 موزه دولتی هرمیتاژ

در نقاشی یان دیویدز دی هیم یان دیویدز دی هیم(1606-1684) یک هنرمند هلندی بود که به خاطر طبیعت‌های بی‌جان گلی‌اش شهرت داشت.در پایه گلدان، هنرمند نمادهایی از مرگ و میر را به تصویر می کشد: گل های پژمرده و شکسته، گلبرگ های متلاشی شده و غلاف نخود خشک شده. اینجا یک حلزون است - با روح یک گناهکار مرتبط است از دیگر این تصاویر منفی می توان به خزندگان و دوزیستان (مارمولک ها، قورباغه ها) و همچنین کرم ها، موش ها، مگس ها و سایر موجودات زنده که روی زمین می خزند یا در گل و لای زندگی می کنند، اشاره کرد.. در مرکز دسته گل، نمادهای فروتنی و پاکی را می بینیم: گل های وحشی، بنفشه ها و فراموشکارها. آنها توسط لاله ها احاطه شده اند که نماد زیبایی محو شده و ضایعات بی معنی هستند (پرورش لاله در هلند یکی از بیهوده ترین فعالیت ها و علاوه بر این گران قیمت محسوب می شد). رزهای سرسبز و خشخاش، یادآور شکنندگی زندگی. این ترکیب با دو گل بزرگ که معنای مثبت دارند تاج گذاری شده است. زنبق آبی نشان دهنده آمرزش گناهان است و امکان رستگاری از طریق فضیلت را نشان می دهد. خشخاش قرمز، که به طور سنتی با خواب و مرگ همراه بود، به دلیل قرار گرفتن در دسته گل، تفسیر خود را تغییر داده است: در اینجا نشان دهنده قربانی کفاره مسیح است. حتی در قرون وسطی اعتقاد بر این بود که گل های خشخاش در زمینی که با خون مسیح آبیاری می شود رشد می کند.. نمادهای دیگر رستگاری گوش های نان است و پروانه ای که روی ساقه نشسته نشان دهنده روح جاودانه است.

یان باومن. گل، میوه و یک میمون. نیمه اول قرن هفدهمموزه تاریخی و هنری سرپوخوف

نقاشی یان باومن یان (ژان ژاک) باومن(1601-1653) - نقاش، استاد طبیعت بی جان. در آلمان و هلند زندگی و کار کرد."گل ها، میوه ها و یک میمون" - مثال خوبچندلایه بودن معنایی و ابهام طبیعت بی جان و اشیاء روی آن. در نگاه اول، ترکیب گیاهان و حیوانات تصادفی به نظر می رسد. در واقع، این طبیعت بی جان، گذرا بودن زندگی و گناه آلود بودن وجود زمینی را نیز به ما یادآوری می کند. هر شیء تصویر شده ایده خاصی را منتقل می کند: یک حلزون و یک مارمولک در داخل در این موردبیانگر فانی بودن هر چیز زمینی است. لاله ای که در نزدیکی یک کاسه میوه قرار دارد نمادی از محو شدن سریع است. صدف های پراکنده روی میز به اتلاف نابخردانه پول اشاره دارد در هلند قرن هفدهم، جمع‌آوری انواع «کنجکاوی»، از جمله صدف، بسیار محبوب بود.; و میمون با هلو نشان دهنده گناه و فسق اولیه است. از سوی دیگر، یک پروانه در حال بال زدن و میوه ها: خوشه های انگور، سیب، هلو و گلابی از جاودانگی روح و قربانی کفاره مسیح صحبت می کنند. در سطح تمثیلی دیگر، میوه‌ها، میوه‌ها، گل‌ها و حیوانات ارائه‌شده در تصویر چهار عنصر را نشان می‌دهند: صدف و حلزون - آب. پروانه - هوا؛ میوه ها و گل ها - زمین؛ میمون - آتش.

طبیعت بی جان در یک قصابی

پیتر آرتسن قصاب، یا آشپزخانه با صحنه پرواز به مصر. 1551موزه هنر کارولینای شمالی

تصویر یک قصابی به طور سنتی با ایده زندگی فیزیکی، تجسم عنصر زمین و همچنین پرخوری همراه بوده است. نقاشی شده توسط Peter Aertsen پیتر آرتسن ( 1508-1575) - هنرمند هلندی، همچنین به عنوان پیتر دراز شناخته می شود. از جمله آثار او می توان به صحنه های ژانر مبتنی بر داستان های انجیلی و همچنین تصاویری از بازارها و مغازه ها اشاره کرد.تقریباً تمام فضا را میزی پر از غذا اشغال کرده است. ما انواع مختلفی از گوشت را می بینیم: مرغ کشته شده و لاشه های خشک شده، جگر و ژامبون، ژامبون و سوسیس. این تصاویر نماد بی اعتدالی، پرخوری و دلبستگی به لذت های نفسانی است. حال بیایید توجه خود را به پس زمینه معطوف کنیم. در سمت چپ تصویر، در دهانه پنجره، صحنه انجیل پرواز به مصر وجود دارد که به شدت با طبیعت بیجان در پیش زمینه تضاد دارد. مریم باکره آخرین قرص نان را به دختری گدا می دهد. توجه داشته باشید که پنجره بالای ظرف قرار دارد، جایی که دو ماهی به صورت متقاطع (نماد مصلوب شدن) - نماد مسیحیت و مسیح است. در سمت راست در پس زمینه یک میخانه است. گروهی شاد بر سر سفره ای کنار آتش می نشینند، صدف می نوشند و می خورند که همانطور که به یاد داریم با شهوت همراه است. لاشه قصابی در کنار میز آویزان است که حکایت از اجتناب ناپذیر بودن مرگ و زودگذر بودن شادی های زمینی دارد. قصابی با پیراهن قرمز شراب را با آب رقیق می کند. این صحنه بازتاب ایده اصلی طبیعت بی جان است و به تمثیل پسر ولگرد اشاره دارد بیاد داشته باشیم که در تمثیل پسر ولگرد چندین طرح وجود دارد. یکی از آنها در مورد پسر کوچکتر می گوید که با دریافت املاک از پدرش همه چیز را فروخت و پول را خرج یک زندگی ناامید کرد.. صحنه در میخانه، و همچنین قصابی پر از ظروف، از زندگی بیکار و بی نتیجه، دلبستگی به لذت های زمینی، خوشایند برای بدن، اما ویرانگر برای روح صحبت می کند. در صحنه پرواز به مصر، شخصیت‌ها عملاً به بیننده پشت می‌کنند: آنها به عمق تصویر رفته و از قصابی دور می‌شوند. این استعاره ای است برای فرار از یک زندگی پر از شادی های نفسانی. دست کشیدن از آنها یکی از راه های نجات روح است.

طبیعت بی جان در یک مغازه ماهی فروشی

طبیعت بی جان ماهی تمثیلی از عنصر آب است. این نوع آثار، مانند قصابی‌ها، اغلب بخشی از به اصطلاح چرخه عناصر اولیه بودند. که در اروپای غربیچرخه های نقاشی بزرگ متداول بود که شامل چندین نقاشی و به طور معمول در یک اتاق آویزان بود. به عنوان مثال، چرخه فصول (که در آن تابستان، پاییز، زمستان و بهار با کمک تمثیل به تصویر کشیده می شد) یا چرخه عناصر اولیه (آتش، آب، خاک و هوا).و به عنوان یک قاعده، برای تزئین اتاق های غذاخوری کاخ ایجاد شده است. در پیش زمینه نقاشی های فرانس اسنایدرز است فرانس اسنایدرز(1579-1657) - نقاش فلاندری، نویسنده طبیعت بی جان و ترکیبات حیوانات باروک."فروشگاه ماهی" تعداد زیادی ماهی را به تصویر می کشد. سوف و ماهیان خاویاری، کپور صلیبی، گربه ماهی، ماهی قزل آلا و دیگر غذاهای دریایی در اینجا وجود دارد. برخی قبلاً قطع شده اند، برخی منتظر نوبت خود هستند. این تصاویر از ماهی ها هیچ زیرمتنی ندارند - آنها ثروت فلاندر را تجلیل می کنند.

فرانس اسنایدرز فروشگاه ماهی. 1616

در کنار پسر، سبدی با هدایایی می بینیم که برای روز سنت نیکلاس دریافت کرده است در آیین کاتولیک، روز سنت نیکلاس به طور سنتی در 6 دسامبر جشن گرفته می شود. در این تعطیلات، مانند کریسمس، به کودکان هدایایی داده می شود.. این را با کفش های قرمز چوبی که به سبد بسته شده اند نشان می دهد. علاوه بر شیرینی ها، میوه ها و آجیل، سبد حاوی میله هایی است - به عنوان اشاره ای از تربیت با "هویج و چوب". محتویات سبد از شادی ها و غم های زندگی انسان صحبت می کند که دائماً جایگزین یکدیگر می شوند. زن به کودک توضیح می دهد که بچه های مطیع هدیه می گیرند و بچه های بد تنبیه می شوند. پسر با وحشت عقب کشید: فکر می کرد به جای شیرینی با میله ضربه می خورد. در سمت راست پنجره ای را می بینیم که از طریق آن می توانیم میدان شهر را ببینیم. گروهی از بچه‌ها زیر پنجره‌ها می‌ایستند و با خوشحالی در بالکن به شوخی عروسکی سلام می‌کنند. جستر یک ویژگی جدایی ناپذیر از جشن های تعطیلات عامیانه است.

طبیعت بی جان با یک میز چیده شده

در انواع مختلف چیدمان میز روی بوم های استادان هلندی، نان و پای، آجیل و لیمو، سوسیس و ژامبون، خرچنگ و خرچنگ، ظروف با صدف، ماهی یا پوسته خالی را می بینیم. این طبیعت های بی جان را می توان بسته به مجموعه اشیاء درک کرد.

گریت ویلمز هدا. ژامبون و ظروف نقره. 1649 موزه دولتیهنرهای زیبا به نام. A. S. پوشکینا

در نقاشی گریت ویلمز هدا گریت ویلمز هدا(1620-1702) - نویسنده طبیعت بی جان و پسر هنرمند ویلم کلاس هدا.یک ظرف، یک کوزه، یک جام شیشه ای بلند و یک گلدان واژگون، یک دیگ خردل، یک ژامبون، یک دستمال مچاله شده و یک لیمو را می بینیم. این ست سنتی و مورد علاقه هدا است. چیدمان اشیا و انتخاب آنها تصادفی نیست. ظروف نقره نماد ثروت های زمینی و بیهودگی آنها، ژامبون نماد لذت های نفسانی و لیمویی جذاب با ظاهر ترش نشان دهنده خیانت است. شمع خاموش نشان دهنده ضعف و زودگذر بودن است. وجود انسان، آشفتگی روی میز برای تخریب است. یک شیشه بلند شیشه ای "فلوت" (در قرن هفدهم چنین لیوان هایی به عنوان ظرف اندازه گیری با علائم استفاده می شد) به اندازه زندگی انسان شکننده است و در عین حال نمادی از اعتدال و توانایی فرد در کنترل تکانه های خود است. به طور کلی، در این طبیعت بی جان، مانند بسیاری از "صبحانه های" دیگر، موضوع غرور و بی معنی بودن لذت های زمینی با کمک اشیا پخش می شود.

پیتر کلاس. طبیعت بی جان با منقل، شاه ماهی، صدف و پیپ دودی. 1624 Sotheby's / مجموعه خصوصی

بیشتر اشیایی که در طبیعت بی جان توسط پیتر کلاس به تصویر کشیده شده اند پیتر کلاس(1596-1661) - هنرمند هلندی، نویسنده بسیاری از طبیعت بی جان. او را همراه با هدا بنیانگذار مکتب طبیعت بی جان هارلم با نقاشی های تک رنگ هندسی آن می دانند.نمادهای شهوانی هستند صدف، پیپ، شراب به لذت های مختصر و مشکوک نفسانی اطلاق می شود. اما این تنها یک گزینه برای خواندن طبیعت بی جان است. بیایید از زاویه ای متفاوت به این تصاویر نگاه کنیم. بنابراین، صدف ها نمادی از شکنندگی گوشت هستند. لوله ای که با آن نه تنها سیگار می کشیدند، بلکه حباب های صابون را نیز می زدند، نمادی از مرگ ناگهانی است. شاعر هلندی ویلم گودشالک ون فوکنبورخ، معاصر کلاس، در شعر خود "امید من دود است" نوشت:

همانطور که می بینید، بودن شبیه به کشیدن پیپ است،
و من واقعاً نمی دانم تفاوت چیست:
یکی فقط یک نسیم است، دیگری فقط یک دود. مطابق. اوگنی ویتکوفسکی

موضوع گذرا بودن وجود انسان با جاودانگی روح در تقابل قرار می گیرد و نشانه های ضعف ناگهان به نماد رستگاری تبدیل می شود. نان و لیوان شراب در پس زمینه با بدن و خون عیسی تداعی می شود و نشان دهنده ی مراسم مقدس است. شاه ماهی، نماد دیگری از مسیح، ما را به یاد غذای روزه و روزه می اندازد. و پوسته های باز با صدف ها می توانند معنای منفی خود را دقیقاً برعکس تغییر دهند و بیانگر روح انسان است که از بدن جدا شده و آماده ورود به زندگی ابدی است.

سطوح مختلف تفسیر از اشیاء بدون مزاحمت به بیننده می گوید که یک شخص همیشه آزاد است بین امر معنوی و ابدی و گذرا زمینی انتخاب کند.

وانیتاس یا طبیعت بی جان "دانشمند".

ژانر به اصطلاح زندگی بی جان "علمی" Vanitas نامیده می شد - که از لاتین ترجمه شده است به معنای "بیهودگی بیهوده ها" است، به عبارت دیگر - "memento mori" ("مرگ را به خاطر بسپار"). این روشنفکرانه ترین نوع طبیعت بی جان است، تمثیلی از ابدیت هنر، سستی شکوه زمینی و زندگی انسانی.

ژوریان ون استرک غرور. 1670موزه دولتی هنرهای زیبا به نام. A. S. پوشکینا

شمشیر و کلاه ایمنی با ستون های مجلل در نقاشی ژوریان ون استرک ژوریان ون استرک(1632-1687) - هنرمند آمستردام، معروف برای زندگی بی جان و پرتره های خود.نشان دهنده ماهیت زودگذر شکوه زمینی است. شاخ شکار نماد ثروتی است که نمی توان با خود به زندگی دیگری برد. در طبیعت‌های بی‌جان «علمی» اغلب تصاویری از کتاب‌های باز یا کاغذهایی که با کتیبه‌های بی‌احتیاطی دروغ می‌گویند وجود دارد. آنها نه تنها شما را به فکر کردن در مورد اشیاء به تصویر کشیده دعوت می کنند، بلکه به شما اجازه می دهند که از آنها برای هدف مورد نظر خود استفاده کنید: خواندن صفحات باز یا پخش موسیقی نوشته شده در یک دفترچه. ون استرک طرحی از سر یک پسر و یک کتاب باز کشید: این تراژدی "الکترا" سوفوکل است که به هلندی ترجمه شده است. این تصاویر نشان می دهد که هنر جاودانه است. اما صفحات کتاب پیچ خورده و نقاشی چروکیده است. اینها نشانه هایی از آغاز فساد است که نشان می دهد پس از مرگ حتی هنر نیز مفید نخواهد بود. جمجمه همچنین از اجتناب ناپذیر بودن مرگ صحبت می کند، اما خوشه دانه ای که در اطراف آن پیچیده شده است نماد امید به رستاخیز و زندگی ابدی است. در اواسط قرن هفدهم، جمجمه‌ای که با خوشه‌ای از دانه یا پیچک همیشه سبز در هم تنیده شده بود به موضوعی اجباری برای به تصویر کشیدن طبیعت بی‌جان به سبک وانیتاس تبدیل شد.

منابع

• ویپر B.R.مشکل و توسعه طبیعت بی جان.
• Zvezdina Yu. N.نمادها در دنیای طبیعت بی جان باستانی. در مورد مشکل خواندن یک نماد.
• تاراسوف یو. ا.هلندی زندگی بی جان XVIIقرن.
• شچرباچوا M. I.طبیعت بی جان در نقاشی هلندی.
• تصویر قابل مشاهده و معنای پنهان. تمثیل ها و نشان ها در نقاشی فلاندر و هلند در نیمه دوم قرن 16 - 17. کاتالوگ نمایشگاه. موزه پوشکین im. A. S. پوشکین.

ویلم کلاس هدا طبیعت بی جان با پای، 1627

عصر "طلایی" طبیعت بی جان قرن هفدهم بود، زمانی که سرانجام به عنوان یک ژانر مستقل نقاشی شکل گرفت، به ویژه در آثار هلندی ها و هنرمندان فلاندری. در همان زمان، اصطلاح "آرام، زندگی یخ زده" (هلندی stilleven، آلمانی Stilleben، انگلیسی زندگی بی جان) به نظر می رسید که به زندگی بی جان دلالت کند. اولین "stilleven" در طرح ساده بود، اما حتی در آن زمان اشیاء به تصویر کشیده شده بر روی آنها حمل می شد و بار معنایی: نان، یک لیوان شراب، ماهی - نمادهای مسیح، یک چاقو - نماد قربانی، لیمو - نماد تشنگی خاموش. آجیل در پوسته - روح در غل و زنجیر گناه. سیب یادآور پاییز است.

به تدریج زبان نمادین نقاشی غنی تر شد.

Franciscus Geysbrechts، قرن هفدهم.

نمادهایی که روی بوم ها یافت می شود برای یادآوری ضعف زندگی انسان و گذرا بودن لذت ها و دستاوردها بود:

جمجمه یادآور اجتناب ناپذیر بودن مرگ است.

میوه های پوسیده نماد پیری هستند.

میوه های رسیده نماد باروری، فراوانی، به طور مجازی ثروت و رفاه هستند.

تعدادی از میوه ها معنای خاص خود را دارند: پاییز با گلابی، گوجه فرنگی، مرکبات، انگور، هلو و گیلاس و البته سیب نشان داده می شود. انجیر، آلو، گیلاس، سیب یا هلو دارای معانی شهوانی هستند.

جوانه های غلات، شاخه های پیچک یا لور (به ندرت) نماد تولد دوباره و چرخه زندگی هستند.

صدف های دریایی، گاهی اوقات حلزون های زنده - صدف نرم تنان بقایای حیوانی است که زمانی زنده بود؛ این نشان دهنده مرگ و مرگ و میر است.

حلزون خزنده مظهر گناه کبیره تنبلی است.

صدف های بزرگ نشان دهنده دوگانگی طبیعت، نماد شهوت، یکی دیگر از گناهان مرگبار است.

حباب های صابون - کوتاهی زندگی و مرگ ناگهانی؛ اشاره ای به عبارت homo bulla - "یک فرد حباب صابون است."

شمع در حال دود کردن (سیدر) یا چراغ نفتی؛ درپوش برای خاموش کردن شمع - شمع سوزان نماد روح انسان است، خاموش شدن آن نمادی از عزیمت است.

فنجان ها، ورق بازی کردنیا تاس، شطرنج (به ندرت) - نشانه ای از اشتباه است هدف زندگی، جستجوی لذت و زندگی گناه آلود. برابری فرصت در قمار نیز به معنای گمنامی مذموم بود.

پیپ دودی نمادی از لذت های زودگذر و دست نیافتنی زمینی است.

ماسک کارناوال نشانه عدم حضور یک نفر در داخل آن است. همچنین برای بالماسکه جشن، لذت غیر مسئولانه در نظر گرفته شده است.

آینه ها، توپ های شیشه ای (آینه) - آینه نمادی از غرور است، علاوه بر این، نشانه ای از انعکاس، سایه و نه یک پدیده واقعی است.

بایرن. طبیعت بی جان با خرچنگ، 1667

ظروف شکسته، معمولاً لیوان های شیشه ای. لیوان خالی در مقابل لیوان پر نماد مرگ است.

شیشه نماد شکنندگی است، چینی سفید برفی نماد خلوص است.

هاون و هاون نماد تمایلات جنسی مردانه و زنانه است.

بطری نمادی از گناه مستی است.

یک چاقو ما را به یاد آسیب پذیری و مرگ و میر انسان می اندازد.

ساعت شنی و مکانیکی - گذرا بودن زمان.

آلات موسیقی، نت ها - مختصر و زودگذر بودن زندگی، نمادی از هنر.

کتاب و نقشه های جغرافیایی(mappa mundi)، خودکار تحریر نماد علم است.کره زمین، هم زمین و هم آسمان پر ستاره.

پالت با برس، تاج گل لورل(معمولاً روی سر جمجمه) - نمادهای نقاشی و شعر.

حروف نماد روابط انسانی است.

ابزار پزشکی یادآور بیماری ها و ضعف های بدن انسان است.

کیف پول با سکه، جعبه با جواهرات - جواهرات و لوازم آرایشی برای ایجاد زیبایی، جذابیت زنانه در نظر گرفته شده است، در عین حال آنها با غرور، خودشیفتگی و گناه مرگبار تکبر همراه هستند. آنها همچنین عدم حضور صاحبان خود را بر روی بوم نشان می دهند.

اسلحه ها و زره ها نمادی از قدرت و قدرت هستند، نشانه ای از آنچه که نمی توان با خود به قبر برد.

تاج‌ها و تاج‌های پاپی، عصا و گوی‌ها، تاج‌ گل‌های برگ‌ها نشانه‌های سلطه گذرای زمینی است که با نظم جهانی بهشتی مخالف است. آنها مانند نقاب ها نمادی از غیبت کسانی هستند که آن را می پوشند.

کلیدها - نماد قدرت زن خانه دار در مدیریت منابع است.

ویرانه ها نماد زندگی گذرا کسانی است که زمانی در آنها زندگی می کردند.

طبیعت بی جان اغلب حشرات، پرندگان و حیوانات را به تصویر می کشد. به عنوان مثال، مگس ها و عنکبوت ها نمادی از بخل و شر تلقی می شدند، در حالی که مارمولک ها و مارها نماد فریب هستند. خرچنگ ها یا خرچنگ ها نمایانگر ناملایمات یا خرد بودند.

ژاک آندره ژوزف آود. حدود سال 1670

این کتاب تراژدی "الکترا" سوفوکل است - در این مورد، نماد چند ارزشی است. هنرمند با قرار دادن آن در ترکیب بندی، اجتناب ناپذیر بودن قصاص برای هر جنایتی را نه در زمین، بلکه در آسمان یادآوری می کند، زیرا دقیقاً این فکر است که در تراژدی نفوذ می کند. نقوش عتیقه در چنین طبیعت بی جان اغلب نماد تداوم هنر است. در صفحه عنوان، نام مترجم، شاعر معروف هلندی، جوست ون دن وندل، وجود دارد که آثارش در موضوعات باستانی و کتاب مقدس آنقدر موضوعی بود که حتی مورد آزار و اذیت قرار گرفت. بعید است که این هنرمند به طور تصادفی وندل را قرار داده باشد - ممکن است که با صحبت در مورد غرور جهان، تصمیم گرفته باشد که غرور قدرت را ذکر کند.

شمشیر و کلاه خود نماد شکوه نظامی گذرا هستند.

ستون سفید و قرمز - مرکز ترکیبنقاشی ها پر همیشه به معنای غرور و غرور است. قدمت این نقاشی بر اساس کلاه ایمنی پر شده است. Lodewijk van der Helst او را با چنین کلاه ایمنی در پرتره پس از مرگ خود از دریاسالار استرلینگورف در سال 1670 به تصویر کشید. کلاه دریاسالار در چندین طبیعت بیجان دیگر توسط ون استرک وجود دارد.

پرتره یک سانگوئن. بر خلاف روغن، سانگوئین بسیار ضعیف نگهداری می شود، همانطور که کاغذ بر خلاف بوم. این ورق از بیهودگی تلاش هنرمند می گوید؛ لبه های فرسوده و پاره شده برای تقویت این ایده است.

حاشیه طلایی غرور لوکس است.

جمجمه یک ویژگی کرونوس (زحل) در فرهنگ باستان است، یعنی نماد زمان. چرخ ثروت نیز با جمجمه به تصویر کشیده شد. برای مسیحیان، این نشانه غرور دنیوی، تفکر ذهنی در مورد مرگ، ویژگی زندگی یک گوشه نشین است. قدیس فرانسیس آسیزی، سنت جروم، مریم مجدلیه و پولس رسول با او به تصویر کشیده شده بودند. جمجمه همچنین نمادی از زندگی ابدی مسیح است که در گلگوتا مصلوب شد، جایی که طبق افسانه، جمجمه آدم در آنجا دفن شد. گوش پیچیده شده در اطراف جمجمه نمادی از جاودانگی روح است ("من نان زندگی هستم" - یوحنا 6:48)، امید به زندگی ابدی.

انبوهی از کاغذهای قدیمی، بیهودگی دانش است.

شاخ پودری روی یک زنجیر موضوع بسیار مشخصی برای طبیعت بی جان هلندی است. در اینجا، ظاهراً باید آن را به چیزی تعبیر کرد که بر خلاف قرنیه، مرگ می آورد.

آدریان ون اوترخت "وانیتاس". 1642.

نیلوفرهای دره، بنفشه ها، فراموشکارهای احاطه شده توسط گل رز، میخک، شقایق - نمادهای فروتنی و پاکی؛

یک گل بزرگ در مرکز ترکیب "تاج فضیلت" است.

گلبرگ های خرد شده در نزدیکی گلدان نشانه هایی از شکنندگی هستند.

یک گل پژمرده اشاره ای به ناپدید شدن احساسات است.

زنبق نشانه مریم باکره است.

گل رز سفید عشق افلاطونی و نماد خلوص است.

گل رز قرمز نماد عشق پرشور و نماد مریم باکره است.

گلهای قرمز نمادی از قربانی کفاره مسیح هستند.

زنبق سفید نه تنها یک گل زیبا است، بلکه نمادی از پاکی مریم باکره است.

گلهای آبی و آبی تیره یادآور آسمان لاجوردی هستند.

خار سمبل شر است.

میخک - نمادی از خون ریخته شده مسیح؛

خشخاش - تمثیلی از خواب، فراموشی، نماد یکی از گناهان مرگبار - تنبلی؛

شقایق - کمک به بیماری؛

لاله ها - نماد زیبایی به سرعت ناپدید می شوند؛ پرورش این گل ها یکی از بیهوده ترین و بیهوده ترین فعالیت ها محسوب می شد. لاله همچنین نماد عشق، همدردی، درک متقابل است؛ یک لاله سفید - عشق کاذب، یک لاله قرمز - عشق پرشور (در اروپا و آمریکا، لاله با بهار، نور، زندگی، رنگ‌ها همراه است و به عنوان یک گل دنج و دلپذیر در نظر گرفته می‌شود. در ایران، ترکیه و سایر کشورهای شرق، لاله با احساس عشق و اروتیسم همراه است).

طبیعت بی جان هلندی قرن 16-17 - منحصر به فرد بازی فکری، که در آن از بیننده خواسته شد تا نشانه های خاصی را باز کند. آنچه معاصران به راحتی درک می کردند، امروز و همیشه برای همه روشن نیست.

اشیایی که هنرمندان به تصویر کشیده اند چه معنایی دارند؟

جان کالوین (1509-1564، الهی‌دان فرانسوی، اصلاح‌کننده کلیسا، بنیان‌گذار کالوینیسم) تعلیم داد که چیزهای روزمره معانی پنهانی دارند و پشت هر تصویری باید یک درس اخلاقی وجود داشته باشد. اشیایی که در طبیعت بی جان به تصویر کشیده می شوند معانی متعددی دارند: آنها دارای معانی آموزنده، مذهبی یا سایر مفاهیم بودند. به عنوان مثال، صدف ها نمادی اروتیک در نظر گرفته می شدند و این برای معاصران آشکار بود: صدف ها ظاهراً قدرت جنسی را تحریک می کردند و زهره، الهه عشق، از پوسته متولد شد. از یک طرف صدف ها به وسوسه های دنیوی اشاره می کردند ، از طرف دیگر ، پوسته باز به معنای روحی بود که آماده خروج از بدن است ، یعنی نوید رستگاری را می داد. البته قوانین سختگیرانه ای در مورد نحوه خواندن طبیعت بی جان وجود نداشت و بیننده دقیقاً نمادهای روی بوم را که می خواست ببیند حدس می زد. علاوه بر این، ما نباید فراموش کنیم که هر شی بخشی از ترکیب بود و می توان آن را به روش های مختلف خواند - بسته به زمینه و پیام کلی طبیعت بی جان. طبیعت بی جان گلی

تا قرن 18، یک دسته گل، به عنوان یک قاعده، نمادی از ضعف بود، زیرا شادی های زمینی به اندازه زیبایی یک گل گذرا هستند. نمادگرایی گیاهان به ویژه پیچیده و مبهم است و کتاب‌های نمادها که در قرن‌های 16 و 17 در اروپا رایج بودند، به درک معنی کمک کردند، جایی که تصاویر تمثیلی و شعارها با متون توضیحی همراه بود. چیدمان گل به راحتی قابل تفسیر نبود: همان گل معانی زیادی داشت، گاهی اوقات دقیقاً مخالف. مثلاً نرگس نشان دهنده خودشیفتگی بود و در عین حال نمادی از مادر خدا محسوب می شد. در طبیعت های بی جان، قاعدتاً هر دو معنای تصویر حفظ می شد و بیننده مختار بود یکی از این دو معنا را انتخاب کند یا آنها را ترکیب کند.

چیدمان گل اغلب با میوه ها، اشیاء کوچک و تصاویر حیوانات تکمیل می شد. این تصاویر بیانگر ایده اصلی اثر بود و بر موتیف گذرا، زوال، گناه آلود بودن هر چیزی زمینی و فساد ناپذیری فضیلت تاکید داشت.

یان دیویدز دی هیم.
گل در گلدان.

در نقاشی یان دیویدز دی هیم، در پایه گلدان، هنرمند نمادهایی از مرگ و میر را به تصویر می کشد: گل های پژمرده و شکسته، گلبرگ های متلاشی شده و غلاف نخود خشک شده. اینجا یک حلزون است - با روح یک گناهکار مرتبط است. در مرکز دسته گل، نمادهای فروتنی و پاکی را می بینیم: گل های وحشی، بنفشه ها و فراموشکارها. آنها توسط لاله ها احاطه شده اند که نماد زیبایی محو شده و ضایعات بی معنی هستند (پرورش لاله در هلند یکی از بیهوده ترین فعالیت ها و علاوه بر این گران قیمت محسوب می شد). رزهای سرسبز و خشخاش، یادآور شکنندگی زندگی. این ترکیب با دو گل بزرگ که معنای مثبت دارند تاج گذاری شده است. زنبق آبی نشان دهنده آمرزش گناهان است و امکان رستگاری از طریق فضیلت را نشان می دهد. خشخاش قرمز، که به طور سنتی با خواب و مرگ همراه بود، به دلیل قرار گرفتن در دسته گل، تفسیر خود را تغییر داد: در اینجا نشان دهنده قربانی کفاره مسیح است.

نمادهای دیگر رستگاری گوش های نان است و پروانه ای که روی ساقه نشسته نشان دهنده روح جاودانه است.

یان باومن.
گل، میوه و یک میمون. نیمه اول قرن هفدهم.

نقاشی یان باومن «گل‌ها، میوه‌ها و یک میمون» نمونه خوبی از معنا و ابهام چندلایه طبیعت بی‌جان و اشیای روی آن است. در نگاه اول، ترکیب گیاهان و حیوانات تصادفی به نظر می رسد. در واقع، این طبیعت بی جان، گذرا بودن زندگی و گناه آلود بودن وجود زمینی را نیز به ما یادآوری می کند. هر شیء تصویر شده ایده خاصی را منتقل می کند: حلزون و مارمولک در این مورد نشان دهنده مرگ و میر همه چیزهای زمینی است. لاله ای که در نزدیکی یک کاسه میوه قرار دارد نمادی از محو شدن سریع است. پوسته های پراکنده روی میز به اتلاف نابخردانه پول اشاره می کند. و میمون با هلو نشان دهنده گناه و فسق اولیه است. از سوی دیگر، یک پروانه در حال بال زدن و میوه ها: خوشه های انگور، سیب، هلو و گلابی از جاودانگی روح و قربانی کفاره مسیح صحبت می کنند. در سطح تمثیلی دیگر، میوه‌ها، میوه‌ها، گل‌ها و حیوانات ارائه‌شده در تصویر چهار عنصر را نشان می‌دهند: صدف و حلزون - آب. پروانه - هوا؛ میوه ها و گل ها - زمین؛ میمون - آتش.

طبیعت بی جان در یک قصابی

پیتر آرتسن
قصاب، یا آشپزخانه با صحنه پرواز به مصر. 1551

تصویر یک قصابی به طور سنتی با ایده زندگی فیزیکی، تجسم عنصر زمین و همچنین پرخوری همراه بوده است. نقاشی شده توسط Peter Aertsen

تقریباً تمام فضا را میزی پر از غذا اشغال کرده است. ما انواع مختلفی از گوشت را می بینیم: مرغ کشته شده و لاشه های خشک شده، جگر و ژامبون، ژامبون و سوسیس. این تصاویر نمادی از افراط، پرخوری و دلبستگی به لذت های نفسانی است. حال بیایید توجه خود را به پس زمینه معطوف کنیم. در سمت چپ تصویر، در دهانه پنجره، صحنه انجیل پرواز به مصر به چشم می خورد که تضاد شدیدی با طبیعت بی جان در پیش زمینه دارد. مریم باکره آخرین قرص نان را به دختری گدا می دهد. توجه داشته باشید که پنجره بالای ظرف قرار دارد، جایی که دو ماهی به صورت متقاطع (نماد مصلوب شدن) - نماد مسیحیت و مسیح است. در سمت راست در پس زمینه یک میخانه است. گروهی شاد بر سر سفره ای کنار آتش می نشینند، صدف می نوشند و می خورند که همانطور که به یاد داریم با شهوت همراه است. لاشه قصابی در کنار میز آویزان است که حکایت از اجتناب ناپذیر بودن مرگ و زودگذر بودن شادی های زمینی دارد. قصابی با پیراهن قرمز شراب را با آب رقیق می کند. این صحنه بازتاب ایده اصلی طبیعت بی جان است و به تمثیل پسر ولگرد اشاره دارد. صحنه در میخانه، و همچنین قصابی پر از ظروف، از زندگی بیکار و بی نتیجه، دلبستگی به لذت های زمینی، خوشایند برای بدن، اما ویرانگر برای روح صحبت می کند. در صحنه پرواز به مصر، شخصیت‌ها عملاً به بیننده پشت می‌کنند: آنها به عمق تصویر رفته و از قصابی دور می‌شوند. این استعاره ای است برای فرار از یک زندگی نابسامان و پر از لذت های نفسانی. دست کشیدن از آنها یکی از راه های نجات روح است.

طبیعت بی جان در یک مغازه ماهی فروشی

طبیعت بی جان ماهی تمثیلی از عنصر آب است. آثاری از این دست، مانند مغازه‌های قصابی، اغلب بخشی از به اصطلاح چرخه عنصری بودند و معمولاً برای تزئین اتاق‌های غذاخوری کاخ ایجاد می‌شدند. در پیش زمینه نقاشی فرانس اسنایدر "فروشگاه ماهی" ماهی های زیادی به تصویر کشیده شده است. سوف و ماهیان خاویاری، کپور صلیبی، گربه ماهی، ماهی قزل آلا و دیگر غذاهای دریایی در اینجا وجود دارد. برخی قبلاً قطع شده اند، برخی منتظر نوبت خود هستند. این تصاویر از ماهی ها هیچ زیرمتنی ندارند - آنها ثروت فلاندر را تجلیل می کنند.

فرانس اسنایدرز
فروشگاه ماهی. 1616

در کنار پسر، سبدی با هدایایی می بینیم که برای روز سنت نیکلاس دریافت کرده است. این را کفش های قرمز چوبی که به سبد بسته شده اند نشان می دهد. علاوه بر شیرینی ها، میوه ها و آجیل، سبد حاوی میله هایی است - به عنوان اشاره ای به آموزش با "هویج و چوب". محتویات سبد از شادی ها و غم های زندگی انسان صحبت می کند که دائماً جایگزین یکدیگر می شوند. زن به کودک توضیح می دهد که بچه های مطیع هدیه می گیرند و بچه های بد تنبیه می شوند. پسر با وحشت عقب کشید: فکر می کرد به جای شیرینی با میله ضربه می خورد. در سمت راست پنجره ای را می بینیم که از طریق آن می توانیم میدان شهر را ببینیم. گروهی از بچه‌ها زیر پنجره‌ها می‌ایستند و با خوشحالی در بالکن به شوخی عروسکی سلام می‌کنند. جستر یک ویژگی جدایی ناپذیر از جشن های تعطیلات عامیانه است.

طبیعت بی جان با یک میز چیده شده

در انواع مختلف چیدمان میز روی بوم های استادان هلندی، نان و پای، آجیل و لیمو، سوسیس و ژامبون، خرچنگ و خرچنگ، ظروف با صدف، ماهی یا پوسته خالی را می بینیم. این طبیعت های بی جان را می توان بسته به مجموعه اشیاء درک کرد.

گریت ویلمز هدا.
ژامبون و ظروف نقره. 1649

در تابلوی گریت ویلمز هدا یک ظرف، یک کوزه، یک جام شیشه ای بلند و یک گلدان واژگون، یک دیگ خردل، یک ژامبون، یک دستمال مچاله شده و یک لیمو را می بینیم. این ست سنتی و مورد علاقه هدا است. چیدمان اشیا و انتخاب آنها تصادفی نیست. ظروف نقره نماد ثروت های زمینی و بیهودگی آنها، ژامبون نماد لذت های نفسانی، و ظاهر جذاب اما ترش درون لیمو نشان دهنده خیانت است. شمع خاموش نشان دهنده ضعف و زودگذر بودن وجود انسان است، آشفتگی روی میز نشان دهنده نابودی است. یک شیشه بلند شیشه ای "فلوت" (در قرن هفدهم چنین لیوان هایی به عنوان ظرف اندازه گیری با علائم استفاده می شد) به اندازه زندگی انسان شکننده است و در عین حال نمادی از اعتدال و توانایی فرد در کنترل تکانه های خود است. به طور کلی، در این طبیعت بی جان، مانند بسیاری از "صبحانه های" دیگر، موضوع غرور و بی معنی بودن لذت های زمینی با کمک اشیا پخش می شود.

پیتر کلاس.
طبیعت بی جان با منقل، شاه ماهی، صدف و پیپ دودی. 1624

بیشتر اشیایی که در طبیعت بی جان پیتر کلاس به تصویر کشیده شده اند، نمادهای اروتیک هستند. صدف، پیپ، شراب به لذت های مختصر و مشکوک نفسانی اطلاق می شود. اما این تنها یک گزینه برای خواندن طبیعت بی جان است. بیایید از زاویه ای متفاوت به این تصاویر نگاه کنیم. بنابراین، صدف ها نمادی از شکنندگی گوشت هستند. لوله ای که با آن نه تنها سیگار می کشیدند، بلکه حباب های صابون را نیز می زدند، نمادی از مرگ ناگهانی است. شاعر هلندی ویلم گودشالک ون فوکنبورخ، معاصر کلاس، در شعر خود "امید من دود است" نوشت:

همانطور که می بینید، بودن شبیه به کشیدن پیپ است،
و من واقعاً نمی دانم تفاوت چیست:
یکی فقط یک نسیم است، دیگری فقط یک دود.

موضوع گذرا بودن وجود انسان با جاودانگی روح در تقابل قرار می گیرد و نشانه های ضعف ناگهان به نماد رستگاری تبدیل می شود. نان و لیوان شراب در پس زمینه با بدن و خون عیسی تداعی می شود و نشان دهنده ی مراسم مقدس است. شاه ماهی - نماد دیگری از مسیح - ما را به یاد غذای روزه و روزه می اندازد. و پوسته های باز با صدف ها می توانند معنای منفی خود را دقیقاً برعکس تغییر دهند و بیانگر روح انسان است که از بدن جدا شده و آماده ورود به زندگی ابدی است.

سطوح مختلف تفسیر اشیاء به طور ماهرانه ای به بیننده می گوید که انسان همیشه در انتخاب بین امر معنوی و ابدی و گذرای زمینی آزاد است.

وانیتاس یا طبیعت بی جان "دانشمند".

ژانر به اصطلاح زندگی بی جان "علمی" Vanitas نامیده می شد - که از لاتین ترجمه شده است به معنای "بیهودگی بیهوده ها" است، به عبارت دیگر - "memento mori" ("مرگ را به خاطر بسپار"). این روشنفکرانه ترین نوع طبیعت بی جان است، تمثیلی از ابدیت هنر، سستی شکوه زمینی و زندگی انسانی.

ژوریان ون استرک
غرور. 1670

شمشیر و کلاه ایمنی با ستونی مجلل در نقاشی ژوریان ون استرک نشانگر ماهیت زودگذر شکوه زمینی است. شاخ شکار نماد ثروتی است که نمی توان با خود به زندگی دیگری برد. در طبیعت‌های بی‌جان «علمی» اغلب تصاویری از کتاب‌های باز یا کاغذهایی که با کتیبه‌های بی‌احتیاطی دروغ می‌گویند وجود دارد. آنها نه تنها شما را به فکر کردن در مورد اشیاء به تصویر کشیده دعوت می کنند، بلکه به شما اجازه می دهند که از آنها برای هدف مورد نظر خود استفاده کنید: خواندن صفحات باز یا پخش موسیقی نوشته شده در یک دفترچه. ون استرک طرحی از سر یک پسر و یک کتاب باز را به تصویر کشید: این تراژدی الکترا سوفوکل است که به هلندی ترجمه شده است. این تصاویر نشان می دهد که هنر جاودانه است. اما صفحات کتاب پیچ خورده و نقاشی چروکیده است. اینها نشانه هایی از آغاز فساد است که نشان می دهد پس از مرگ حتی هنر نیز مفید نخواهد بود. جمجمه همچنین از اجتناب ناپذیر بودن مرگ صحبت می کند، اما خوشه دانه ای که در اطراف آن پیچیده شده است نماد امید به رستاخیز و زندگی ابدی است. در اواسط قرن هفدهم، جمجمه‌ای که با خوشه‌ای از دانه یا پیچک همیشه سبز در هم تنیده شده بود به موضوعی اجباری برای به تصویر کشیدن طبیعت بی‌جان به سبک وانیتاس تبدیل شد.

همراه با نقاشی منظرهنقاشی طبیعت بی جان، که با شخصیت صمیمی خود متمایز بود، در قرن هفدهم هلند رواج یافت. هنرمندان هلندی طیف گسترده ای از اشیاء را برای زندگی بی جان خود انتخاب کردند، می دانستند که چگونه آنها را به طور کامل مرتب کنند، و ویژگی های هر شی و زندگی درونی آن را که به طور جدایی ناپذیری با زندگی انسان پیوند خورده است، آشکار می کنند.
نقاشان هلندی قرن هفدهم، Pieter Claes (حدود 1597 - 1661) و Willem Heda (1594-1680/1682) نسخه های متعددی از "صبحانه" را نقاشی کردند که ژامبون ها، نان های قرمز رنگ، پای شاه توت، لیوان های شکننده را روی نیمه پر از شراب به تصویر می کشیدند. جدول، با ماهرانه شگفت انگیز انتقال رنگ، حجم، بافت هر آیتم. حضور اخیر یک فرد در این اختلال قابل توجه است، تصادفی بودن چیدمان چیزهایی که به تازگی به او خدمت کرده است. اما این اختلال فقط ظاهری است، زیرا ترکیب هر طبیعت بی جان کاملاً فکر شده و پیدا شده است. یک پالت تونال مایل به خاکستری مایل به زیتونی محدود، اشیا را متحد می کند و صدای خاصی به آن رنگ های خالصی می بخشد که بر طراوت یک لیموی تازه برش خورده یا ابریشم نرم یک روبان آبی تأکید دارند.
با گذشت زمان، "صبحانه" استادان طبیعت بی جان، نقاشان Claes و Heda جای خود را به "دسر" هنرمندان هلندی Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) و Willem Kalf (1622-1693) می دهد. طبیعت های بی جان Beyeren از نظر ترکیب سختگیرانه، از نظر احساسی غنی و رنگارنگ هستند. ویلم کالف در طول زندگی خود به شیوه ای آزاد و "آشپزخانه" دموکراتیک - گلدان ها، سبزیجات و طبیعت های بی جان اشرافی را در انتخاب اشیاء گرانبها نفیس، پر از اشراف محدود، مانند ظروف نقره ای، فنجان ها، صدف های اشباع شده با احتراق داخلی نقاشی کرد. رنگ ها
در توسعه بیشتر، طبیعت بی جان همان مسیری را طی می کند که تمام هنر هلندی، دموکراسی، معنویت و شعر و جذابیت خود را از دست می دهد. طبیعت بی جان به دکوراسیون منزل مشتریان رده بالا تبدیل می شود. با وجود تمام تزئینات و اجرای ماهرانه‌شان، زندگی بی‌جان‌های متأخر، افول نقاشی هلندی را پیش‌بینی می‌کنند.
انحطاط اجتماعی و اشراف شناخته شده بورژوازی هلند در ثلث پایانی قرن هفدهم منجر به گرایش به همگرایی با دیدگاه های زیبایی شناختی اشراف فرانسوی شد که منجر به ایده آل سازی تصاویر هنری و کاهش آنها شد. هنر در حال از دست دادن ارتباط با سنت دموکراتیک، از دست دادن اساس واقع گرایانه خود و ورود به دوره افول طولانی مدت است. هلند که در جنگ با انگلستان به شدت خسته شده است، موقعیت خود را به عنوان یک قدرت تجاری بزرگ و یک مرکز هنری بزرگ از دست می دهد.

اثر فرانس هالس و پرتره هلندی نیمه اول قرن هفدهم.

فرانس هالس(هلندی فرانس هالس، IPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583، آنتورپ - 1666، هارلم) - یک نقاش برجسته پرتره از به اصطلاح عصر طلایی هنر هلندی.

• 1 بیوگرافی
• 2 حقایق جالب
• 3 گالری
• 4 یادداشت
• 5 ادبیات
• 6 پیوند

زندگینامه

« پرتره خانوادهآیزاک ماسا و همسرش"

هالس در حدود 1582-1583 در بافنده فلاندری فرانسوا فرانس هالس ون مچلن و همسر دومش آدریانته متولد شد. در سال 1585، پس از سقوط آنتورپ، خانواده هالس به هارلم نقل مکان کردند، جایی که این هنرمند تمام زندگی خود را در آنجا گذراند.

در سالهای 1600-1603، این هنرمند جوان با کارل ون مندر مطالعه کرد، اگرچه تأثیر این نماینده رفتارگرایی در آثار بعدی هالز مشاهده نمی شود. در سال 1610، هالز به عضویت انجمن صنفی St. لوک و به عنوان مرمتگر در شهرداری شهر شروع به کار می کند.

هالز اولین پرتره خود را در سال 1611 خلق کرد، اما شهرت هالز پس از ساختن نقاشی "ضیافت افسران گروه تفنگ سنت. جورج» (1616).

در سال 1617 با لیزبث راینرز ازدواج کرد.

سبک اولیه هالز با تمایل به تن های گرم و مدل سازی واضح فرم ها با استفاده از ضربات سنگین و متراکم مشخص می شد. در دهه 1620، هالز، همراه با پرتره‌ها، صحنه‌ها و ترکیب‌بندی‌های ژانری را با مضامین مذهبی نقاشی می‌کرد ("انجیلی لوک"، "انجلیست متی"، حدود 1623-1625).

"کولی" لوور، پاریس

در سال های 1620-1630. هالز نوشت کل خطپرتره هایی که نمایندگانی را به تصویر می کشند که سرشار از انرژی حیاتی هستند مردم عادی("جستر با عود"، 1620-1625، "همراه با نوشیدنی شاد"، "مال باب"، "کولی"، "مولاتو"، "پسر ماهیگیر"؛ همه - حدود 1630).

تنها پرتره در تمام قد«پرتره ویلم هیتویسن» (1625-1630) است.

"در همان دوره، هالس به طور اساسی پرتره گروهی را اصلاح کرد، سیستم های مرسوم ترکیب بندی را شکست، عناصر موقعیت های زندگی را در آثار وارد کرد، و ارتباط مستقیم بین تصویر و بیننده را تضمین کرد ("ضیافت افسران تفنگ سنت آدریان" شرکت، حدود 1623-27؛ «ضیافت گروهان افسران تفنگ سنت جورج»، 1627، «پرتره گروهی گروهان تفنگ سنت آدریان»، 1633؛ «افسران گروهان تفنگ سنت جورج»، 1639 ). هالس که نمی‌خواست هارلم را ترک کند، دستورات را رد کرد، اگر این به معنای رفتن به آمستردام بود. تنها پرتره گروهی که او در آمستردام شروع کرد باید توسط هنرمند دیگری تکمیل می شد.

در سال‌های 1620-1640، زمانی که بیشترین محبوبیت خود را داشت، هالس پرتره‌های دوتایی زیادی از زوج‌های متاهل کشید: شوهر در پرتره سمت چپ و همسر در سمت راست. تنها نقاشی که این زوج در کنار هم به تصویر کشیده شده اند، «پرتره خانوادگی اسحاق ماسا و همسرش» (1622) است.

"سرنشینان خانه سالمندان"

در سال 1644 هالز رئیس انجمن صنفی سنت. لوک در سال 1649 پرتره ای از دکارت کشید.

« ویژگی های روانیپرتره های دهه 1640 را بررسی کنید. ("The Regents of St. Elizabeth Hospital"، 1641، پرتره یک مرد جوان، حدود 1642-50، "Jasper Schade van Westrum"، حدود 1645); در رنگ آمیزی این آثار، لحن خاکستری نقره ای شروع به غالب شدن می کند. آثار بعدی هالز به شیوه ای بسیار آزاد اجرا می شوند و به صورت یدکی آهنگسازی می شوند. طرح رنگی، ساخته شده بر روی تضاد رنگ های سیاه و سفید ("مردی در لباس سیاه"، حدود 1650-52، "V. Cruz،" حدود 1660); برخی از آنها احساس بدبینی عمیقی از خود نشان دادند ("مسلمانان خانه برای سالمندان"، "مقامات خانه برای سالمندان"، هر دو 1664).

هالس در دوران پیری از دریافت دستورات دست کشید و در فقر فرو رفت. این هنرمند در 26 اوت 1666 در خانه صدقه هارلم درگذشت.

اکثر جلسه بزرگنقاشی های این هنرمند متعلق به موزه خلسا در هارلم است.

بنیانگذار پرتره رئالیستی هلندی، فرانس هالس (Hals) (حدود 1580-1666) بود که میراث هنری او با وضوح و قدرت پوشش آن بود. دنیای درونیفرد بسیار فراتر از فرهنگ ملی هلند است. او هنرمندی با جهان بینی گسترده، مبتکر شجاع، قوانین پرتره طبقاتی (نجیب) را که قبل از او در قرن شانزدهم پدیدار شده بود، نابود کرد. او به شخصی که مطابق با موقعیت اجتماعی او در یک ژست باشکوه و لباس تشریفاتی به تصویر کشیده می شود علاقه مند نبود، بلکه به شخصی با تمام ذات طبیعی، شخصیت، با احساسات، عقل، عواطفش علاقه مند بود. در پرتره‌های هالز، همه لایه‌های جامعه نشان داده می‌شوند: شهربازان، تفنگداران، صنعتگران، نمایندگان طبقات فرودست؛ همدردی‌های خاص او در کنار طبقه‌های پایین‌تر است و در تصاویر آنها عمق یک استعداد قدرتمند و پر خون را نشان می‌دهد. دموکراسی هنر او به دلیل ارتباط با سنت های دوران انقلاب هلند است. هالز قهرمانان خود را بدون تزیین، با اخلاقیات نامتعارف و عشق قدرتمندشان به زندگی به تصویر کشید. هالز با مقدمه، دامنه پرتره را گسترش داد عناصر طرح، گرفتن کسانی که در عمل به تصویر کشیده شده اند، در یک موقعیت خاص زندگی، با تاکید بر حالات چهره، حرکات، ژست ها، فورا و با دقت به تصویر کشیده شده اند. این هنرمند به دنبال شدت عاطفی و سرزندگی ویژگی های کسانی بود که به تصویر کشیده می شد و انرژی سرکوب ناپذیر آنها را منتقل می کرد. هالز نه تنها پرتره های سفارشی فردی و گروهی را اصلاح کرد، بلکه خالق پرتره ای هم مرز بود. ژانر روزمره.
هالز در آنتورپ به دنیا آمد، سپس به هارلم نقل مکان کرد، جایی که تمام عمر خود را در آنجا زندگی کرد. او فردی بشاش، اجتماعی، مهربان و بی خیال بود. شخصیت خلاق خلسا در اوایل دهه 20 قرن هفدهم شکل گرفت. پرتره های گروهی افسران شرکت تفنگ سنت جورج (1627، هارلم، موزه فرانس هالس) و شرکت تفنگ سنت آدریان (1633، همانجا) محبوبیت زیادی برای او به ارمغان آورد. افراد قوی و پرانرژی که در مبارزات آزادیبخش علیه فاتحان اسپانیایی شرکت فعال داشتند در طول جشن ارائه می شوند. خلق و خوی شاد با طنز افسران شخصیت ها و رفتارهای مختلف را متحد می کند. اینجا شخصیت اصلی وجود ندارد. همه حاضران در جشن شرکت کننده برابر هستند. هالز بر ارتباط صرفاً بیرونی شخصیت های مشخصه پرتره های پیشینیان خود غلبه کرد. وحدت ترکیب نامتقارن با ارتباط پر جنب و جوش، آزادی آرام در چیدمان فیگورها، با ریتمی موج مانند به دست می آید.
قلم موی پرانرژی هنرمند حجم فرم ها را با درخشندگی و استحکام حجاری می کند. جریان های نور خورشید روی صورت می لغزد، در توری و ابریشم برق می زند، در عینک می درخشد. پالت رنگارنگ که کت و شلوارهای مشکی و یقه‌های سفید بر آن تسلط دارند، توسط طلسم‌های افسری طلایی-زرد، بنفش، آبی و صورتی رنگارنگ جان می‌گیرد. همبرگرهای هلندی پر از عزت نفس و در عین حال آزاد و آرام، با ژست‌ها، در پرتره‌های هالز ظاهر می‌شوند و حالتی فوراً تسخیر شده را منتقل می‌کنند. افسری با کلاه لبه گشاد، با بازوهای آکیمبو، لبخند تحریک آمیزی می زند (1624، لندن، مجموعه والاس). طبیعی بودن و سرزندگی ژست ها، تیز بودن شخصیت پردازی و بالاترین مهارت در استفاده از تضاد سفید و سیاه در نقاشی گیرا است.
پرتره های هالز از نظر مضامین و تصاویر متنوع است. اما آنهایی که به تصویر کشیده می شوند با ویژگی های مشترک متحد می شوند: یکپارچگی طبیعت، عشق به زندگی. هالز نقاش خنده، لبخندی شاد و عفونی است. این هنرمند با شادی درخشان، چهره نمایندگان مردم عادی، بازدیدکنندگان میخانه ها و جوجه های خیابانی را زنده می کند. شخصیت‌های او به درون خود فرو نمی‌روند، نگاه‌ها و حرکات خود را به سمت تماشاگر معطوف می‌کنند.
تصویر "کولی" (حدود 1630، پاریس، لوور) مملو از یک نفس آزادیخواهانه است. هالس موقعیت مغرور سرش در هاله ای از موهای کرکی، لبخند فریبنده اش، درخشش چشمانش و بیان استقلال او را تحسین می کند. طرح ارتعاشی شبح، پرتوهای کشویی نور، ابرهای جاری، که کولی در برابر آنها به تصویر کشیده شده است، تصویر را با هیجان زندگی پر می کند. پرتره Malle Babbe (اوایل دهه 1630، برلین - Dahlem، گالری هنرصاحب میخانه، که به طور تصادفی با نام مستعار "جادوگر هارلم" شناخته نمی شود، به یک صحنه ژانر کوچک تبدیل می شود. پیرزنی زشت با نگاهی سوزان و حیله گر، تند می چرخد ​​و پوزخندی گسترده می زند، گویی به یکی از مهمانان همیشگی میخانه اش پاسخ می دهد. یک جغد شوم به شکل شبح تیره ای روی شانه او ظاهر می شود. وضوح، بینش، قدرت تاریک و سرزندگی تصویری که این هنرمند خلق کرده است قابل توجه است. عدم تقارن ترکیب، پویایی و غنای ضربات زاویه ای، اضطراب صحنه را افزایش می دهد.
در اواسط قرن هفدهم، تغییراتی که در جامعه هلند رخ داده بود به وضوح قابل مشاهده بود. همانطور که موقعیت بورژوازی که ارتباط خود را با توده ها از دست داده است، در آن تقویت می شود، خصلت محافظه کارانه فزاینده ای پیدا می کند. نگرش مشتریان بورژوا نسبت به هنرمندان رئالیست. خلس نیز محبوبیت خود را از دست داد، هنر دموکراتیککه با بورژوازی رو به انحطاط بیگانه شد و به دنبال مد اشرافی می شتابد.
فکر عمیق، کنایه، تلخی و شک و تردید جایگزین خوش بینی مؤید زندگی استاد شد. واقع‌گرایی او از نظر روان‌شناختی عمیق‌تر و انتقادی‌تر شد، مهارت‌های او دقیق‌تر و کامل‌تر شد. رنگ خلسا نیز تغییر کرد و محدودیت بیشتری به دست آورد. در محدوده خاکستری نقره‌ای غالب، در میان سیاه و سفید، لکه‌های کوچک با دقت رنگ صورتی یا قرمز، صدای خاصی پیدا می‌کنند. احساس تلخی و ناامیدی در «پرتره مردی با لباس سیاه» (حدود 1660، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، که در آن لطیف ترین سایه های رنگارنگ چهره غنی شده و در کنار افراد مهار شده، زنده می شود، قابل لمس است. رنگ های سیاه و سفید تک رنگ.
بالاترین دستاورد هالز آخرین پرتره گروهی او از نایب‌ها و نایب‌ها (متولیان) یک خانه سالمندان است که در سال 1664، دو سال قبل از مرگ هنرمندی که به تنهایی فارغ‌التحصیل شده بود، اعدام شد. مسیر زندگیدر پناهگاه پر از غرور، سرد و ویران، تشنه قدرت و مغرور، متولیان قدیمی روی میز نشسته از گروه "پرتره نایب السلطنه خانه ای برای سالمندان" (هارلم، موزه فرانس هالس. دست هنرمند قدیمی بدون اشتباه حرکات آزاد و سریع را با دقت اعمال می کند. ترکیب بندی آرام و سخت شده است. پراکندگی فضا، چیدمان فیگورها، نور پراکنده یکنواخت، که به طور یکسان همه تصاویر را روشن می کند، به تمرکز توجه بر ویژگی های هر یک از آنها کمک می کند. رنگ طرح لاکونیک با غلبه رنگ‌های سیاه، سفید و خاکستری است. پرتره‌های متاخر هالز در کنار برجسته‌ترین خلاقیت‌های جهان قرار دارند. نقاشی پرتره: در روانشناسی خود به پرتره های بزرگ ترین نقاشان هلندی - رامبراند - نزدیک هستند که مانند هالز شهرت مادام العمر خود را با درگیری با نخبگان بورژوازی جامعه هلند تجربه کرد.

فرانس هالس در حدود سال 1581 در آنتورپ در خانواده ای بافنده به دنیا آمد. در جوانی به هارلم آمد و تقریباً تا زمان مرگش در آنجا زندگی کرد (در سال 1616 از آنتورپ و در اواسط دهه 1630 - آمستردام بازدید کرد). اطلاعات کمی در مورد زندگی هالس وجود دارد. در سال 1610 وارد انجمن صنفی سنت لوک شد و در سال 1616 وارد اتاق سخنوران (بازیگران آماتور) شد. خیلی زود هالز به یکی از مشهورترین نقاشان پرتره در هارلم تبدیل شد.
در قرون XV-XVI. در نقاشی هلند سنت نقاشی پرتره فقط از نمایندگان محافل حاکم وجود داشت. افراد مشهورو هنرمندان هنر هالز عمیقاً دموکراتیک است: در پرتره‌های او می‌توانیم یک اشراف، یک شهروند ثروتمند، یک صنعتگر و حتی یک فرد را از پایین ببینیم. هنرمند سعی نمی کند کسانی را که به تصویر کشیده شده اند ایده آل کند؛ نکته اصلی برای او طبیعی بودن و منحصر به فرد بودن آنهاست. اشراف او مانند نمایندگان اقشار فرودست جامعه آرام رفتار می کنند که در نقاشی های خلص به عنوان افرادی شاد و تهی از عزت نفس به تصویر کشیده شده اند.
پرتره های گروهی جایگاه بزرگی را در آثار هنرمند به خود اختصاص می دهند. بهترین آثار این ژانر پرتره افسران گروه تفنگ سنت جورج (1627) و گروه تفنگ سنت هادریان (1633) بود. هر یک از شخصیت های نقاشی شخصیت خود را دارند شخصیت روشن، و در عین حال این آثار با یکپارچگی متمایز می شوند.
هالز همچنین پرتره‌های سفارشی را ترسیم کرد که بورگرهای ثروتمند و خانواده‌هایشان را در حالت‌هایی آرام نشان می‌دادند ("پرتره آیزاک ماسا"، 1626؛ "پرتره هتویزن،" 1637). تصاویر هالز پر جنب و جوش و پویا هستند؛ به نظر می رسد افرادی که در پرتره ها هستند با یک مخاطب نامرئی صحبت می کنند یا بیننده را مخاطب قرار می دهند.
نمایندگان محیط محبوب در پرتره های خلس با بیان واضح و خودانگیختگی متمایز می شوند. در تصاویر پسران خیابانی، ماهیگیران، نوازندگان و بازدیدکنندگان میخانه، می توان همدردی و احترام نویسنده را احساس کرد. "کولی" او قابل توجه است. زن جوان خندان به طرز شگفت انگیزی زنده به نظر می رسد، نگاه حیله گر او به طرف همکارش معطوف شده و برای تماشاگران نامرئی است. هالز مدل خود را ایده آل نمی کند، اما تصویر یک کولی شاد و ژولیده با جذابیت شگفت انگیزش به وجد می آید.
اغلب، پرتره های هالس شامل عناصر یک صحنه ژانر است. این تصاویر کودکانی است که در حال آواز خواندن یا بازی هستند آلات موسیقی("پسران آوازخوان"، 1624-1625). نمایش معروف "Malle Babbe" (اوایل دهه 1630) با همین روحیه اجرا شد که نماینده یک میخانه دار معروف در هارلم بود که بازدیدکنندگان او را جادوگر هارلم پشت سر او می نامیدند. این هنرمند تقریباً به طرز عجیبی زنی را با یک لیوان آبجو بزرگ و یک جغد روی شانه خود به تصویر کشید.
در دهه 1640. کشور نشانه هایی از یک نقطه عطف را نشان می دهد. تنها چند دهه از پیروزی انقلاب می گذرد و بورژوازی دیگر طبقه ای مترقی بر اساس سنت های دموکراتیک نیست. حقیقت نقاشی هالز دیگر مشتریان ثروتمندی را که می‌خواهند خود را در پرتره‌ها بهتر از آنچه هستند ببینند، جذب نمی‌کند. اما هولس رئالیسم را رها نکرد و محبوبیت او به شدت کاهش یافت. در نقاشی این دوره، نت هایی از غم و اندوه و ناامیدی ظاهر می شود ("پرتره مردی با کلاه لبه پهن"). پالت او سخت تر و آرام تر می شود.
هولس در 84 سالگی دو شاهکار خود را خلق کرد: پرتره های گروهی از نایب السلطنه ها (امنا) و نایب های یک خانه سالمندان (1664). اینها آخرین آثارآثار این استاد هلندی با احساسی بودن و فردیت واضح تصاویر او متمایز است. تصاویر نایب السلطنه ها - پیرمردها و پیرزنان - از غم و اندوه و مرگ سرچشمه می گیرد. این حس با رنگ بندی مشکی، خاکستری و سفید نیز تاکید می شود.
هالز در سال 1666 در فقر عمیق درگذشت. هنر صادقانه و مؤید زندگی او تأثیر زیادی بر بسیاری از هنرمندان هلندی گذاشت.

نقاشی رامبراند.

	رامبراند هارمنز ون راین (1606-1669)، نقاش، نقشه‌کش و قلم زن هلندی. کار رامبراند، آغشته به میل به درک عمیق فلسفی از زندگی، دنیای درونی انسان با تمام غنای تجربیات معنوی او، اوج توسعه هلندی را نشان می دهد. هنر هفدهمقرن، یکی از قله های فرهنگ هنری جهان. میراث هنریرامبراند به دلیل تنوع استثنایی اش متمایز است: او پرتره، طبیعت بی جان، مناظر، صحنه های ژانر، نقاشی هایی با موضوعات تاریخی، کتاب مقدس، اساطیری می کشید. رامبراند استاد بی نظیری در طراحی و حکاکی بود. پس از یک مطالعه کوتاه در دانشگاه لیدن (1620)، رامبراند تصمیم گرفت خود را وقف هنر کند و نقاشی را نزد J. van Swanenburch در لیدن (حدود 1620-1623) و P. Lastman در آمستردام (1623) فرا گرفت. در 1625-1631 در لیدن کار کرد. نقاشی‌های رامبراند در دوره لیدن با جستجوی استقلال خلاق مشخص می‌شوند، اگرچه تأثیر لاستمن و استادان کارواگیسم هلندی هنوز در آنها قابل توجه است ("اوردن به معبد"، حدود 1628-1629، Kunsthalle، هامبورگ). در نقاشی های "پل رسول" (حدود 1629-1630، موزه ملی، نورنبرگ) و "سیمئون در معبد" (1631، موریتشویس، لاهه)، او برای اولین بار از کیاروسکورو به عنوان وسیله ای برای تقویت معنویت و بیان عاطفی استفاده کرد. تصاویر. در همان سال ها، رامبراند روی پرتره سخت کار کرد و حالات چهره انسان را مطالعه کرد. در سال 1632، رامبراند به آمستردام نقل مکان کرد، جایی که به زودی با پاتریسیون ثروتمند ساسکیا ون اویلنبرگ ازدواج کرد. دهه 1630 دوره شادی خانوادگی و موفقیت هنری عظیم برای رامبراند است. نقاشی "درس آناتومی دکتر تولپ" (1632، موریتشویس، لاهه)، که در آن هنرمند به طور خلاقانه مشکل را حل کرد. پرتره گروهیبا دادن سهولت حیاتی به ترکیب و متحد کردن آنهایی که در یک اکشن به تصویر کشیده شده اند، شهرت گسترده ای را برای رامبراند به ارمغان آورد. رامبراند ون راین در پرتره‌هایی که برای سفارش‌های متعدد نقاشی می‌شد، ویژگی‌های صورت، لباس‌ها و جواهرات را با دقت نشان می‌داد (نقاشی "پرتره یک بورگرو"، 1636، گالری درسدن).

در دهه 1640، تضاد بین آثار رامبراند و خواسته‌های زیبایی‌شناختی محدود جامعه معاصر او در جریان بود. این به وضوح در سال 1642 خود را نشان داد، زمانی که نقاشی "نگهبان شب" (Rijksmuseum، آمستردام) باعث اعتراض مشتریانی شد که ایده اصلی استاد را نپذیرفتند - به جای یک پرتره گروهی سنتی، او یک ترکیب قهرمانانه شاداب با صحنه ای خلق کرد. عملکرد انجمن تیراندازان در یک سیگنال هشدار، یعنی . اساساً یک تصویر تاریخی است که خاطرات مبارزات آزادیبخش مردم هلند را تداعی می کند. هجوم سفارش ها برای رامبراند در حال کاهش است، شرایط زندگی او تحت الشعاع مرگ ساسکیا قرار می گیرد. کار رامبراند در حال از دست دادن اثربخشی بیرونی و یادداشت های اصلی قبلی ذاتی خود است. او صحنه های آرام کتاب مقدس و ژانر پر از گرما و صمیمیت می نویسد، سایه های ظریف تجربیات انسانی، احساسات معنوی و صمیمیت خانوادگی را آشکار می کند («دیوید و جاناتان»، 1642، «خانواده مقدس»، 1645، هر دو در ارمیتاژ، سن پترزبورگ. ).

همه ارزش بالاترهم در نقاشی و هم در گرافیک رامبراند، بهترین بازی نور و سایه به دست می‌آید، و فضایی خاص، دراماتیک و از نظر احساسی شدید ایجاد می‌کند (صفحه گرافیکی تاریخی «مسیح که بیمار را شفا می‌دهد» یا «صفحه گیلدر»، حدود 1642-1646 منظره پر از پویایی هوا و نور "سه درخت"، حکاکی، 1643). دهه 1650، پر از آزمایش‌های دشوار زندگی برای رامبراند، آغاز دوره بلوغ خلاقانه هنرمند بود. رامبراند به طور فزاینده‌ای به ژانر پرتره روی می‌آورد و نزدیک‌ترین افراد را به تصویر می‌کشد (پرتره‌های متعددی از همسر دوم رامبراند هندریکجه استوفلز؛ «پرتره یک پیرزن»، 1654، موزه دولتی ارمیتاژ، سنت پترزبورگ؛ «پسر تیتوس خواندن»، 1657، Kunsthistoris. موزه، وین).

در اواسط دهه 1650، رامبراند مهارت های نقاشی بالغی را به دست آورد. عناصر نور و رنگ، مستقل و حتی تا حدی متضاد در آثار اولیه هنرمند، اکنون در یک کل واحد به هم پیوسته ادغام می شوند. توده رنگ درخشان قرمز-قهوه ای داغ، که اکنون شعله ور می شود، اکنون محو می شود، بیانگر احساسی آثار رامبراند را افزایش می دهد، گویی آنها را با احساس گرم انسانی گرم می کند. در سال 1656، رامبراند به عنوان بدهکار ورشکسته اعلام شد و تمام دارایی او در حراجی فروخته شد. او به محله یهودیان آمستردام نقل مکان کرد و بقیه عمر خود را در آنجا در شرایط بسیار تنگ گذراند. توسط رامبراند در دهه 1660 ایجاد شد ترکیبات کتاب مقدسافکار خود را در مورد معنای زندگی انسان خلاصه کند. در قسمت‌هایی که برخورد تاریکی و روشنایی را در روح انسان بیان می‌کند («آسور، هامان و استر»، 1660، موزه پوشکین، مسکو؛ «سقوط هامان» یا «دیوید و اوریا»، 1665، ارمیتاژ ایالتی، سن پترزبورگ. )، پالت گرم غنی، سبک نقاشی انعطاف پذیر impasto، بازی شدید سایه و نور، بافت پیچیده سطح رنگارنگ برای آشکار کردن برخوردهای پیچیده و تجربیات احساسی، تأیید پیروزی خیر بر شر است.

آغشته به درام و قهرمانی شدید تصویر تاریخی"توطئه جولیوس سیویلیس" ("توطئه باتاویان"، 1661، قطعه حفظ شده، موزه ملی، استکهلم). که در سال گذشتهرامبراند شاهکار اصلی خود را خلق کرد - بوم به یاد ماندنی "بازگشت پسر ولخرج" (حدود 1668-1669، موزه دولتی هرمیتاژ، سن پترزبورگ)، که شامل تمام مسائل هنری، اخلاقی و اخلاقی بود. خلاقیت دیرهنگامهنرمند او با مهارتی شگفت انگیز، طیف وسیعی از احساسات پیچیده و عمیق انسانی را در او بازآفرینی می کند رسانه هنریآشکار ساختن زیبایی درک انسان، شفقت و بخشش. لحظه اوج گذار از تنش احساسات به حل احساسات در ژست های بیانگر مجسمه سازی، ژست های یدکی، در ساختار احساسی رنگ، چشمک زدن درخشان در مرکز تصویر و محو شدن در فضای سایه پس زمینه تجسم می یابد. رامبراند ون راین نقاش، نقشه‌کش و حکاکی بزرگ هلندی در 4 اکتبر 1669 در آمستردام درگذشت. تأثیر هنر رامبراند بسیار زیاد بود. این امر نه تنها بر کار شاگردان او که کارل فابریسیوس بیش از همه به درک معلم نزدیک شده بود، بلکه بر هنر هر هنرمند کم و بیش مهم هلندی نیز تأثیر گذاشت. هنر رامبراند تأثیر عمیقی بر توسعه کل جهان داشت هنر واقع گرایانهمتعاقبا.

رامبراند هارمنس ون راین(هلندی رامبراند هارمنزون ون راین[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin]، 1606-1669) - هنرمند هلندی، نقشه کش و حکاکی، استاد بزرگ کیاروسکورو، بزرگترین نماینده عصر طلایی نقاشی هلندی. او توانست در آثارش تمام طیف تجربیات انسانی را با چنان غنای عاطفی که هنرهای زیبا قبلاً ندیده بود مجسم کند. آثار رامبراند، که از نظر ژانر بسیار متنوع هستند، برای بیننده زمان ماندگاری را آشکار می کنند دنیای معنویتجربیات و احساسات انسانی

• 1 بیوگرافی
• 1.1 سال کارآموزی
• 1.2 نفوذ Lastman و Caravaggists
• 1.3 کارگاه آموزشی در لیدن
• 1.4 توسعه سبک خود
• 1.5 موفقیت در آمستردام
• 1.6 گفتگو با ایتالیایی ها
• 1.7 "نگهبان شب"
• 1.8 دوره گذار
• 1.9 رامبراند متاخر
• 1.10 کارهای اخیر
• 2 مشکلات اسناد
• 3 شاگردان رامبراند
• 4 شهرت پس از مرگ
• 5 در سینما
• 6 یادداشت
• 7 پیوند

زندگینامه

سالهای کارآموزی

رامبراند هارمنزون ("پسر هارمن") ون راین در 15 ژوئیه 1606 (بر اساس برخی منابع، در سال 1607) در خانواده بزرگ صاحب آسیاب ثروتمند Harmen Gerritszoon van Rijn در لیدن متولد شد. حتی پس از انقلاب هلند، خانواده مادر به مذهب کاتولیک وفادار ماندند.

"تمثیل موسیقی" 1626 - نمونه ای از تأثیر لاستمن بر رامبراند جوان

رامبراند در لیدن به مدرسه لاتین دانشگاه رفت، اما بیشترین علاقه را به نقاشی نشان داد. در 13 سالگی برای تحصیل فرستاده شد هنرهای زیبابه نقاش تاریخی لیدن، یاکوب ون سواننبورخ، یک کاتولیک با ایمان. پژوهشگران آثار رامبراند در این دوره را شناسایی نکرده‌اند و پرسش از تأثیر سواننبورخ در شکل‌گیری آثار او شیوه خلاقانهباز باقی می ماند: امروزه اطلاعات کمی در مورد این هنرمند لیدن وجود دارد.

در سال 1623، رامبراند در آمستردام نزد پیتر لاستمن، که دوره کارآموزی خود را در ایتالیا به پایان رساند و در زمینه های تاریخی، اساطیری و تخصص داشت، تحصیل کرد. داستان های کتاب مقدس. رامبراند با بازگشت به لیدن در سال 1627، همراه با دوستش یان لیونز، کارگاه خود را افتتاح کرد و شروع به جذب دانشجویان کرد. در عرض چند سال او شهرت قابل توجهی به دست آورد.