ژان کالوین ژان کالوین(1509-1564) - اصلاح کننده کلیسا و بنیانگذار یکی از جریان های پروتستانیسم. اساس کلیسای کالوینیست به اصطلاح اجتماعات است - جوامع خودمختار که توسط یک کشیش، یک شماس و بزرگان انتخاب شده از افراد غیر روحانی اداره می شوند. کالوینیسم در قرن شانزدهم در هلند بسیار رایج بود.آموخت که چیزهای روزمره معنایی پنهان دارند و پشت هر تصویری باید یک درس اخلاقی باشد. اشیایی که در طبیعت بی جان به تصویر کشیده شده اند مبهم هستند: آنها دارای رنگ های آموزنده، مذهبی یا دیگر بودند. به عنوان مثال، صدف ها نمادی اروتیک در نظر گرفته می شدند، و این برای معاصران آشکار بود: صدف ها ظاهراً قدرت جنسی را تحریک می کردند و زهره، الهه عشق، از پوسته ای از گناه متولد شد. صدف ها از یک طرف به وسوسه های دنیوی اشاره می کردند، از طرف دیگر پوسته باز به معنای روح آماده خروج از بدن بود، یعنی نوید رستگاری را می داد. قوانین سختگیرانهنحوه خواندن یک طبیعت بی جان، البته وجود نداشت و بیننده دقیقاً آن شخصیت هایی را که می خواست ببیند روی بوم حدس زد. علاوه بر این، ما نباید فراموش کنیم که هر شی بخشی از ترکیب بود و می توان آن را به روش های مختلف خواند - بسته به زمینه و پیام کلی طبیعت بی جان.

طبیعت بی جان گل

تا قرن 18، یک دسته گل، به عنوان یک قاعده، نمادی از ضعف بود، زیرا شادی های زمینی به اندازه زیبایی یک گل گذرا هستند. سمبولیسم گیاهان به ویژه پیچیده و مبهم است و کتاب های نمادها که در قرن های 16-17 در اروپا رایج بودند، که در آن تصاویر تمثیلی و شعارها با متون توضیحی همراه بود، به درک معنی کمک کرد. گل آراییتفسیر آن آسان نبود: همان گل معانی زیادی داشت، گاهی اوقات دقیقاً مخالف. به عنوان مثال، نرگس حاکی از عشق به خود بود و در عین حال نمادی از مادر خدا محسوب می شد. در طبیعت های بی جان، قاعدتاً هر دو معنای تصویر حفظ می شد و بیننده مختار بود یکی از این دو معنا را انتخاب کند یا آنها را ترکیب کند.

ترکیبات گل اغلب با میوه ها، اشیاء کوچک، تصاویر حیوانات تکمیل می شد. این تصاویر بیانگر ایده اصلی اثر بود و بر انگیزه گذرا، پژمردگی، گناه آلود بودن همه چیز زمینی و زوال ناپذیری فضیلت تأکید داشت.

یان دیویدز دی هیم. گل در گلدان. بین 1606 و 1684 ارمیتاژ ایالتی

تصویر توسط Jan Davidsz de Heem یان دیویدز دی هیم(1606-1684) نقاش هلندی که به‌خاطر طبیعت‌های بی‌جان گلی‌اش معروف است.در پایه گلدان، هنرمند نمادهایی از ضعف را به تصویر می کشد: گل های پژمرده و شکسته، گلبرگ های متلاشی شده و غلاف نخود خشک. اینجا یک حلزون است - با روح یک گناهکار مرتبط است از جمله دیگر این تصاویر منفی، خزندگان و دوزیستان (مارمولک ها، قورباغه ها)، و همچنین کرم ها، موش ها، مگس ها و حیوانات دیگر هستند که روی زمین می خزند یا در گل زندگی می کنند.. در مرکز دسته گل نمادهای فروتنی و پاکی را می بینیم: گل های وحشی، بنفشه ها و فراموشکارها. آنها توسط لاله ها احاطه شده اند که نماد زیبایی محو شده و ضایعات بی معنی است (کشت لاله یکی از بیهوده ترین مشاغل در هلند و همچنین ارزان نبود). رزهای سرسبز و خشخاش، یادآور شکنندگی زندگی. این ترکیب توسط دو گل بزرگ که معنای مثبتی دارند تاج گذاری می شود. زنبق آبی نشان دهنده آمرزش گناهان است و امکان رستگاری از طریق فضیلت را نشان می دهد. خشخاش قرمز که به طور سنتی با خواب و مرگ همراه بود، به دلیل قرار گرفتن در دسته گل تعبیر خود را تغییر داده است: در اینجا به معنای قربانی کفاره مسیح است. حتی در قرون وسطی اعتقاد بر این بود که گل های خشخاش روی زمین آبیاری شده با خون مسیح رشد می کنند.. نمادهای دیگر نجات سنبلچه های نان هستند و پروانه ای که روی ساقه نشسته است نشان دهنده یک روح جاودانه است.

یان باومن. گل، میوه و یک میمون. نیمه اول قرن هفدهمموزه تاریخ و هنر سرپوخوف

نقاشی یان باومن یان (ژان ژاک) باومن(1601-1653) - نقاش، استاد طبیعت بی جان. در آلمان و هلند زندگی و کار کرد."گل، میوه و یک میمون" - مثال خوبلایه بندی معنایی و ابهام طبیعت بی جان و اشیاء روی آن. در نگاه اول، ترکیب گیاهان و حیوانات تصادفی به نظر می رسد. در واقع این طبیعت بیجان یادآور زودگذر بودن زندگی و گناه آلود بودن وجود زمینی است. هر شیء تصویر شده ایده خاصی را منتقل می کند: یک حلزون و یک مارمولک در داخل این موردبه فانی بودن هر چیز زمینی اشاره کنید. لاله ای که در نزدیکی یک کاسه میوه قرار دارد نمادی از پژمرده شدن سریع است. صدف های پراکنده روی میز به اتلاف پول اشاره دارد در هلند در قرن هفدهم، جمع آوری انواع "کنجکاوی" از جمله پوسته ها بسیار محبوب بود.; و میمون با هلو نشان دهنده گناه اصلی و فسق است. از سوی دیگر، یک پروانه در حال بال زدن و میوه ها: خوشه های انگور، سیب، هلو و گلابی - از جاودانگی روح و قربانی کفاره مسیح صحبت می کنند. در سطح تمثیلی دیگر، میوه‌ها، میوه‌ها، گل‌ها و حیوانات ارائه‌شده در تصویر چهار عنصر را نشان می‌دهند: صدف و حلزون - آب. پروانه - هوا؛ میوه ها و گل ها - زمین؛ میمون آتش است

طبیعت بی جان در یک قصابی

پیتر آرتسن. قصاب، یا آشپزخانه با پرواز به مصر. 1551موزه هنر کارولینای شمالی

تصویر یک قصابی به طور سنتی با ایده زندگی فیزیکی، تجسم عنصر زمین و همچنین با پرخوری همراه بوده است. در نقاشی پیتر آرتسن پیتر آرتسن ( 1508-1575) نقاش هلندی بود که با نام پیتر لانگ نیز شناخته می شد. از جمله آثار او می توان به صحنه های ژانر اشاره کرد داستان های انجیلو همچنین تصاویری از بازارها و مغازه ها.تقریباً کل فضا را میزی پر از غذا اشغال کرده است. ما انواع مختلفی از گوشت را می بینیم: مرغ کشته شده و لاشه های قصابی، جگر و ژامبون، ژامبون و سوسیس. این تصاویر نماد بی اعتدالی، پرخوری و دلبستگی به لذت های نفسانی است. حال بیایید توجه خود را به پس زمینه معطوف کنیم. در سمت چپ تصویر در دهانه پنجره، صحنه انجیل پرواز به مصر قرار گرفته است که تضاد شدیدی با طبیعت بیجان در پیش زمینه دارد. مریم باکره آخرین تکه نان را به دختری فقیر می دهد. توجه داشته باشید که پنجره بالای ظرف قرار دارد، جایی که دو ماهی به صورت متقاطع (نماد مصلوب شدن) - نماد مسیحیت و مسیح است. در سمت راست در عمق یک میخانه است. یک شرکت شاد پشت میزی کنار آتش می نشیند، صدف می نوشد و می خورد که همانطور که به یاد داریم با شهوت همراه است. لاشه قصابی در کنار میز آویزان است که حکایت از اجتناب ناپذیر بودن مرگ و گذرا بودن شادی های زمینی دارد. قصابی با پیراهن قرمز شراب را با آب رقیق می کند. این صحنه بازتاب ایده اصلی طبیعت بی جان است و به تمثیل پسر ولگرد اشاره دارد. به یاد بیاورید که چندین طرح در تمثیل پسر ولگرد وجود دارد. یکی از آنها می گوید پسر کوچکتراو که از پدرش ملکی دریافت کرده بود، همه چیز را فروخت و برای یک زندگی ناامید هزینه کرد.. صحنه در میخانه، و همچنین قصابی پر از غذا، از زندگی بیکار و بی نتیجه، دلبستگی به لذت های زمینی، خوشایند برای بدن، اما ویرانگر برای روح صحبت می کند. در صحنه پرواز به مصر، شخصیت‌ها عملاً به بیننده برمی‌گردند: آنها به عمق تصویر و دور از قصابی حرکت می‌کنند. این استعاره ای است برای فرار از یک زندگی ناامید و پر از شادی های نفسانی. کنار گذاشتن آنها یکی از راه های نجات روح شماست.

طبیعت بی جان در یک مغازه ماهی فروشی

طبیعت بی جان ماهی تمثیلی از عنصر آب است. این گونه آثار، مانند قصابی ها، اغلب بخشی از به اصطلاح چرخه عناصر اولیه بودند. در اروپای غربی، چرخه های نقاشی بزرگ رایج بود که شامل چندین نقاشی و به طور معمول در یک اتاق آویزان بود. به عنوان مثال، چرخه فصول (که تابستان، پاییز، زمستان و بهار با کمک تمثیل به تصویر کشیده می شد) یا چرخه عناصر (آتش، آب، خاک و هوا).و به عنوان یک قاعده، برای تزئین اتاق های غذاخوری کاخ ایجاد شده است. نقاشی های فرانس اسنایدر در پیش زمینه فرانس اسنایدرز(1579-1657) - نقاش فلاندری، نویسنده طبیعت بی جان و ترکیبات حیوانی باروک.«فیش شاپ» ماهی های زیادی را به تصویر می کشد. سوف و ماهیان خاویاری، ماهی کپور چلیپایی، گربه ماهی، ماهی قزل آلا و دیگر غذاهای دریایی وجود دارد. برخی دیگر قطع شده اند، برخی منتظر نوبت خود هستند. این تصاویر از ماهی ها هیچ متن فرعی ندارند - آنها از ثروت فلاندر می خوانند.

فرانس اسنایدرز فروشگاه ماهی. 1616

در کنار پسر، سبدی با هدایایی می بینیم که برای روز سنت نیکلاس دریافت کرده است در آیین کاتولیک، روز سنت نیکلاس در 6 دسامبر جشن گرفته می شود. در این تعطیلات، مانند کریسمس، به کودکان هدایایی داده می شود.. این را با کفش های قرمز چوبی که به سبد بسته شده اند نشان می دهد. علاوه بر شیرینی ها، میوه ها و آجیل، میله هایی در سبد وجود دارد - به عنوان اشاره ای از تربیت "هویج و چوب". محتوای سبد از شادی ها و غم ها صحبت می کند زندگی انسان، که دائماً جایگزین یکدیگر می شوند. زن به کودک توضیح می دهد که کودکان مطیع هدیه می گیرند، در حالی که کودکان بد تنبیه می شوند. پسر با وحشت عقب کشید: فکر می کرد به جای شیرینی با میله ضربه می خورد. در سمت راست پنجره ای را می بینیم که در آن می توانید میدان شهر را ببینید. گروهی از بچه‌ها زیر پنجره‌ها ایستاده‌اند و با خوشحالی در بالکن به شوخی‌های عروسکی سلام می‌کنند. جستر یکی از ویژگی های ضروری جشن های عامیانه است.

طبیعت بی جان با یک میز چیده شده

در انواع مختلف سفره آرایی روی بوم های استادان هلندی، نان و پای، آجیل و لیمو، سوسیس و ژامبون، خرچنگ و خرچنگ، ظروف با صدف، ماهی یا صدف خالی را می بینیم. شما می توانید این طبیعت های بی جان را بسته به مجموعه اشیاء درک کنید.

گریت ویلمز هدا. ژامبون و ظروف نقره. 1649موزه دولتی هنرهای زیبا. A. S. پوشکین

در نقاشی گریت ویلمز هدا گریت ویلمز هدا(1620-1702) نقاش طبیعت بی جان و پسر نقاش ویلم کلاس هدا.یک ظرف، یک کوزه، یک جام شیشه ای بلند و یک گلدان واژگون، یک دیگ خردل، یک ژامبون، یک دستمال مچاله شده و یک لیمو را می بینیم. این ست سنتی و مورد علاقه خدا است. مکان اقلام و انتخاب آنها تصادفی نیست. ظروف نقره ای نماد ثروت های زمینی و بیهودگی آنها است، ژامبون - لذت های نفسانی، در ظاهر جذاب و درون لیمو ترش نشان دهنده خیانت است. شمع خاموش نشان دهنده ضعف و گذرا بودن است. وجود انسان، آشفتگی روی میز - تا نابودی. یک "فلوت" شیشه ای بلند (در قرن هفدهم چنین لیوان هایی به عنوان ظرف اندازه گیری با علائم استفاده می شد) مانند زندگی انسان شکننده است و در عین حال نمادی از اعتدال و توانایی فرد در کنترل تکانه های خود است. به طور کلی، در این طبیعت بی جان، مانند بسیاری از «صبحانه های» دیگر، با کمک اشیا، مضمون بیهودگی باطل ها و بی معنی بودن لذت های زمینی بازی می شود.

پیتر کلاس. طبیعت بی جان با منقل، شاه ماهی، صدف و پیپ دودی. 1624 Sotheby's / مجموعه خصوصی

بیشتر اشیایی که در طبیعت بی جان توسط پیتر کلاسز به تصویر کشیده شده اند پیتر کلاس(1596-1661) - نقاش هلندی، نویسنده بسیاری از طبیعت بی جان. او را همراه با خدا بنیانگذار مکتب طبیعت بی جان هارلم با نقاشی های تک رنگ هندسی می دانند.نمادهای شهوانی هستند صدف، پیپ، شراب به لذت های نفسانی کوتاه و مشکوک اشاره دارد. اما این تنها یک نسخه از خواندن یک طبیعت بی جان است. بیایید از زاویه ای متفاوت به این تصاویر نگاه کنیم. بنابراین، صدف ها نمادی از شکنندگی گوشت هستند. لوله ای که با آن نه تنها سیگار می کشیدند، بلکه می دمیدند حباب، نماد مرگ ناگهانی است. شاعر هلندی ویلم گودشالک ون فوکنبورخ، معاصر کلاس، در شعر «امید من دود است» نوشت:

همانطور که می بینید، بودن شبیه به کشیدن پیپ است،
و تفاوت چیست - من واقعاً نمی دانم:
یکی فقط یک نسیم است، دیگری فقط دود. مطابق. اوگنی ویتکوفسکی

مضمون گذرا بودن وجود انسان در تقابل با جاودانگی روح قرار می گیرد و نشانه های ضعف ناگهان به نماد رستگاری تبدیل می شود. نان و لیوان شراب در پس زمینه با بدن و خون عیسی تداعی می شود و نشان دهنده ی مراسم مقدس است. شاه ماهی - نماد دیگری از مسیح - ما را به یاد روزه و غذای روزه می اندازد. و پوسته های باز با صدف ها می توانند معنای منفی خود را دقیقاً برعکس تغییر دهند و بیانگر روح انسان است که از بدن جدا شده و آماده ورود به زندگی ابدی است.

سطوح مختلف تفسیر از اشیاء بدون مزاحمت به بیننده می گوید که انسان همیشه آزاد است بین امر معنوی و ابدی و گذرای زمینی انتخاب کند.

وانیتاس یا طبیعت بی جان "دانشمند".

ژانر به اصطلاح زندگی بی جان "علمی" Vanitas نامیده می شد - در لاتین به معنای "بیهودگی از غرورها" است، به عبارت دیگر - " memento mori" ("یادگار موری"). این روشنفکرانه ترین نوع طبیعت بی جان است، تمثیلی از ابدیت هنر، سستی شکوه زمینی و زندگی انسانی.

ژوریان ون استرک غرور. 1670موزه دولتی هنرهای زیبا. A. S. پوشکین

شمشیر و کلاه ایمنی با ستون مجلل در نقاشی ژوریان ون استرک ژوریان ون استرک(1632-1687) - نقاش ساکن آمستردام که به خاطر طبیعت بی جان و پرتره هایش شناخته شده است.نشان دهنده گذرا بودن شکوه زمینی است. شاخ شکار نماد ثروتی است که نمی توان با خود به زندگی دیگری برد. در طبیعت‌های بی جان «علمی»، اغلب تصاویری از کتاب‌های باز یا کاغذهایی که با کتیبه‌هایی بی‌دقت دروغ می‌گویند وجود دارد. آنها نه تنها شما را به فکر کردن در مورد اشیاء تصویر شده دعوت می کنند، بلکه به شما اجازه می دهند از آنها برای هدف مورد نظر خود استفاده کنید: خواندن صفحات باز یا پخش موسیقی ضبط شده در یک دفتر موسیقی. ون استرک طرحی از سر یک پسر و یک کتاب باز را به تصویر کشید: این تراژدی سوفوکل "الکترا" است که به هلندی ترجمه شده است. این تصاویر نشان می دهد که هنر جاودانه است. اما صفحات کتاب تا شده است و نقاشی فرو رفته است. اینها نشانه هایی از آغاز آسیب است که حکایت از آن دارد که حتی هنر نیز پس از مرگ مفید نخواهد بود. جمجمه همچنین از اجتناب ناپذیر بودن مرگ صحبت می کند، اما گوش نانی که دور آن پیچیده شده است نماد امید به رستاخیز و زندگی ابدی است. در اواسط قرن هفدهم، جمجمه ای که با یک گوش نان یا پیچک همیشه سبز در هم تنیده شده بود، به موضوعی اجباری برای به تصویر کشیدن طبیعت بی جان به سبک وانیتاس تبدیل شد.

منابع

• Vipper B.R.مشکل و توسعه طبیعت بی جان.
• Zvezdina Yu. N.نمادها در دنیای طبیعت بی جان باستانی. به مشکل خواندن نماد.
• تاراسوف یو. ا.طبیعت بی جان هلندی قرن هفدهم.
• شچرباچوا M. I.طبیعت بی جان در نقاشی هلندی.
• تصویر بصری و معنای پنهان. تمثیل ها و نشان ها در نقاشی های فلاندر و هلند دوم نیمی از شانزدهم- قرن هفدهم. کاتالوگ نمایشگاه. موزه پوشکین im. A. S. پوشکین.

پیدایش ژانر «طبیعت بی جان» در هلند هدیه پروتستانیسم است. در دوران کاتولیک، کلیسا مشتری اصلی هنرمندان بود و طبیعتاً نقاشی به موضوعات مذهبی و آموزشی محدود می شد. کالوینیسم آیکون ها و هنر کلیسا را ​​به طور کلی به رسمیت نمی شناخت. نقاشان نگاه می کردند بازار جدیدفروش، و آن را در خانه های مسافرخانه داران، بازرگانان و کشاورزان یافت.

در هلند، نقاشی هایی که اشیاء را به تصویر می کشند "stillleven" نامیده می شدند که می توان آن را هم به عنوان "طبیعت بی حرکت، مدل" و هم به عنوان "زندگی آرام" ترجمه کرد که بسیار دقیق جزئیات را بیان می کند. طبیعت بی جان هلندی.
کانون توجه هنرمندان از آسمان به زمین فرود آمد، اکنون آنها نه به تأملات پرهیزگار، بلکه به مطالعه دقیق جزئیات دنیای مادی علاقه مند بودند. اما در خلقت به دنبال خالق بودند.

«خداوند دو کتاب به ما داده است: کتاب مقدس و کتاب آفرینش. فیلسوف قرون وسطایی آلن از لیل نوشت: از اولی ما در مورد لطف او از منجی، از دوم - در مورد عظمت خالق می آموزیم. خلقت نیز در داستان رستگاری شرکت می کند: انسان از طریق سیب سقوط کرد و از طریق نان و شراب نجات را دوباره به دست می آورد. نمادهای موجود در تصویر نیز از سنت های قبلی باقی مانده است.

اولین ها ساده هستند - نان، لیوان شراب، میوه، ماهی، بیکن. اما تمام اشیاء موجود در آنها نمادین هستند: ماهی نماد عیسی مسیح است. گوشت - گوشت فانی؛ چاقو - نماد قربانی؛ لیمو - نمادی از تشنگی بی پایان؛ چند آجیل در یک پوسته - روحی که توسط گناه محدود شده است. سیب یادآور پاییز است شراب یا انگور - نمادی از خون؛ نان نمادی از بدن مسیح است. سستی وجود زمینی را حشرات، جمجمه انسان ها یادآوری می کنند، ظروف شکستهو بازی مرده که اغلب در ترکیب بوم ها گنجانده شده است. پوسته پوسته ای است که توسط موجودی که زمانی در آن زندگی می کرده به جا مانده است، گل های پژمرده نماد مرگ هستند. پروانه ای که از پیله به دنیا می آید به معنای رستاخیز است.

در نتیجه فعالیت های شرکت هند شرقی هلند که کشتی های تجاری را در شرق دورادویه جات ترشی جات، چینی چینی، ابریشم و سایر کالاهای عجیب و غریب در مغازه های هلندی فروخته می شد. علاوه بر این، مستعمرات هلندی در دماغه امید خوب، در اندونزی، سورینام، آنتیل، در سراسر آسیا تشکیل شد. مستعمرات کشور را غنی کردند و زندگی بی جان با ثروت زمینی پر شد: سفره های فرش، جام های نقره ای، مروارید مادر. غذای ساده با صدف، ژامبون، میوه های عجیب و غریب جایگزین شد. نمادگرایی جای خود را به تحسین ساده لوحانه از خلقت دست انسان می دهد.

یکی از ویژگی های نقاشی هلندی تخصص هنرمندان بر اساس ژانر بود. در چارچوب ژانر طبیعت بی جان، حتی تقسیم بندی بر اساس آن وجود داشت موضوعات انتخاب شدهعلاوه بر این، شهرهای مختلف انواع مورد علاقه خود را از طبیعت بی جان داشتند، و اگر نقاش اتفاقاً به شهر دیگری نقل مکان می کرد، اغلب هنر خود را به طرز چشمگیری تغییر می داد و شروع به نوشتن انواع ژانرهایی می کرد که در این مکان رایج بود.

هارلم زادگاه آن شد ظاهر مشخصهطبیعت بی جان هلندی - "صبحانه". نقاشی های Pieter Claesz یک میز چیده شده با ظروف و ظروف را به تصویر می کشد. یک بشقاب اسپند، یک شاه ماهی یا ژامبون، یک نان نان، یک لیوان شراب، یک دستمال مچاله، یک لیمو یا شاخه ای از انگور، کارد و چنگال - انتخاب کم و دقیق اقلام، تصور یک میز را برای یک نفر ایجاد می کند.

وجود یک فرد با اختلال "خیلی" که در چیدمان اشیاء وارد شده است، و فضای یک فضای داخلی دنج مسکونی، که با انتقال محیط نور-هوا به دست می آید، نشان داده می شود. لحن غالب مایل به خاکستری مایل به قهوه ای اشیاء را در یک تصویر واحد ترکیب می کند، در حالی که طبیعت بی جان خود بازتابی از سلیقه فردی فرد، سبک زندگی او می شود.

در همان مسیر کلاس، هارلمن دیگری به نام ویلم هدا کار می کرد. رنگ نقاشی‌های او حتی بیشتر تابع وحدت لحن است، رنگ نقره‌ای خاکستری بر آن غالب است، که توسط تصویر ظروف نقره یا اسپند تنظیم شده است. برای این محدودیت رنگارنگ، نقاشی ها شروع به "صبحانه های تک رنگ" نامیدند.

در اوترخت، با شکوه و زیبا طبیعت بی جان گل. نمایندگان اصلی آن یان داویدز د هیم، یوستوس ون هویسوم و پسرش یان ون هویسوم هستند که مخصوصاً به خاطر نوشتن دقیق و رنگ آمیزی روشن خود مشهور است.

دانشگاه لیدن نوع زندگی بی جان فلسفی "vanitas" (بیهودگی باطل ها) را ایجاد و بهبود بخشید. در نقاشی های هارمن ون استین ویک و یان داویدز د هیم، اشیایی که مظهر شکوه و ثروت زمینی (زره، کتاب، ویژگی های هنری، ظروف گرانبها) یا لذت های نفسانی (گل ها، میوه ها) در کنار جمجمه یا ساعت شنی قرار دارند. یادآور گذرا بودن زندگی

در اواسط قرن، مضمون «صبحانه‌های» متواضعانه در آثار ویلم ون الست، ویلم کالف و آبراهام ون بیرن به «ضیافت‌ها» و «دسر» مجلل تبدیل می‌شود. جام های طلاکاری شده، چینی چینی و فایانس دلفت، سفره های فرش، میوه های جنوبی بر طعم ظرافت و ثروتی که در اواسط قرن در جامعه هلندی تثبیت شده بود، تأکید می کند. بر این اساس، صبحانه های "تک رنگ" با رنگ های آبدار، اشباع رنگارنگ و طلایی-گرم جایگزین می شوند.

همراه با نقاشی منظره، طبیعت بی جان که با شخصیتی صمیمی متمایز می شد، در قرن هفدهم در هلند رواج یافت. هنرمندان هلندی طیف گسترده ای از اشیاء را برای زندگی بی جان خود انتخاب کردند، آنها می دانستند که چگونه آنها را کاملاً بسازند تا ویژگی های هر شی و زندگی درونی آن را آشکار کنند که به طور جدایی ناپذیری با زندگی انسان پیوند خورده است.
نقاشان هلندی قرن هفدهم پیتر کلاز (حدود 1597 - 1661) و ویلم هدا (1594-1680/1682) انواع مختلفی از "صبحانه" را نقاشی کردند که ژامبون ها، نان های قرمز رنگ، کیک های شاه توت، شیشه های شکننده نیمه پر از جام های شربتی را به تصویر کشیدند. با انتقال ماهرانه شگفت انگیز رنگ، حجم، بافت هر آیتم. حضور اخیر انسان در بی نظمی، چیدمان تصادفی چیزهایی که به تازگی به او خدمت کرده اند، محسوس است. اما این اختلال فقط آشکار است، زیرا ترکیب هر طبیعت بی جان به دقت فکر شده و پیدا شده است. طیف رنگی زیتونی مایل به خاکستری متمایل به طلایی، سوژه ها را متحد می کند و صدای خاصی به آن رنگ های خالصی می بخشد که بر طراوت یک لیموی تازه برش خورده یا ابریشم نرم یک روبان آبی تأکید دارند.
با گذشت زمان، "صبحانه" استادان طبیعت بی جان، نقاشان Claes و Heda جای خود را به "دسر" هنرمندان هلندی Abraham van Beijeren (1620/1621-1690) و Willem Kalf (1622-1693) می دهند. طبیعت های بیجان Beieren از نظر ترکیب سختگیرانه، از نظر احساسی غنی، رنگارنگ هستند. ویلم کالف در طول زندگی خود به شیوه ای آزاد و "آشپزخانه" دموکراتیک نوشت - گلدان ها، سبزیجات و انتخاب اشرافی از اشیاء گرانبها نفیس، طبیعت های بی جان پر از اشراف مهار شدهمانند ظروف نقره، جام ها، صدف های اشباع شده از سوزاندن درونی رنگ ها.
که در پیشرفتهای بعدیطبیعت بی جان همان مسیر هنر هلندی را دنبال می کند و دموکراسی، معنویت و شعر و جذابیت خود را از دست می دهد. طبیعت بی جان به دکوراسیون منزل مشتریان رده بالا تبدیل می شود. با تمام تزیینات و مهارت های اجرا، زندگی بی جان دیرهنگام افول نقاشی هلندی را پیش بینی می کند.
انحطاط اجتماعی، اشراف شناخته شده بورژوازی هلندی در یک سوم پایانی قرن هفدهم، تمایلی به همگرایی با دیدگاه های زیبایی شناختی اشراف فرانسوی ایجاد می کند، منجر به ایده آل سازی تصاویر هنری، پالایش آنها می شود. هنر در حال از دست دادن پیوند با سنت دموکراتیک، از دست دادن اساس واقع گرایانه خود و ورود به دوره افول طولانی است. هلند که در جنگ با انگلیس به شدت خسته شده است، موقعیت خود را به عنوان یک قدرت تجاری بزرگ و بزرگترین مرکز هنری از دست می دهد.

اثر فرانس هالس و پرتره هلندی نیمه اول قرن هفدهم.

فرانس هالس(هلندی. فرانس هالس، MPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583، آنتورپ - 1666، هارلم) - یک نقاش برجسته پرتره از به اصطلاح عصر طلایی هنر هلندی.

• 1 بیوگرافی
• 2 حقایق جالب
• 3 گالری
• 4 یادداشت
• 5 ادبیات
• 6 پیوند

زندگینامه

"پرتره خانوادگی اسحاق ماسا و همسرش"

هالس در حدود 1582-1583 در بافنده فلاندری فرانسوا فرانس هالس ون مچلن و همسر دومش آدریانته متولد شد. در سال 1585، پس از سقوط آنتورپ، خانواده هالس به هارلم نقل مکان کردند، جایی که این هنرمند تمام عمر خود را در آنجا زندگی کرد.

در سال های 1600-1603، این هنرمند جوان با کارل ون مندر تحصیل کرد، اگرچه تأثیر این نماینده منریسم در آثار بعدی هالز دیده نمی شود. در سال 1610، هالز به عضویت انجمن صنفی St. لوک و به عنوان مرمتگر در شهرداری شهر شروع به کار می کند.

هالز اولین پرتره را در سال 1611 خلق کرد، اما شهرت هالس پس از نقاشی "ضیافت افسران گروه تفنگ سنت" به دست آمد. جورج» (1616).

در سال 1617 با لیزبث راینرز ازدواج کرد.

"سبک اولیه هالز با تمایل به تن های گرم، مدل سازی واضح فرم ها با کمک ضربات متراکم سنگین مشخص می شود. در دهه 1620، هالز، همراه با پرتره، صحنه‌ها و ترکیب‌بندی‌های ژانری را با موضوعات مذهبی نقاشی می‌کرد» («لوک انجیلی»، «متی انجیلی»، حدود 1623-1625)».

"کولی" لوور، پاریس

در سال های 1620-1630. هالز تعدادی پرتره کشید که نمایندگانی از آن را به تصویر می کشد مردم عادی("جستر با عود"، 1620-1625، "همراه شراب خواری شاد"، "مال باب"، "کولی"، "مولاتو"، "پسر ماهیگیر"؛ همه - حدود 1630).

تنها پرتره تمام قد «پرتره ویلم هیتویسن» (1625-1630) است.

در همان دوره، هالز به طور اساسی پرتره گروهی را اصلاح کرد و با سیستم های مرسوم ترکیب بندی شکست، عناصری از موقعیت های زندگی را وارد آثار کرد که ارتباط مستقیم بین تصویر و بیننده را فراهم می کند ("ضیافت افسران گروه تفنگ سنت آدریان»، حدود 1623-27؛ «ضیافت افسران گروهان تفنگ سنت جورج»، 1627، «پرتره گروهی گروهان تفنگ سنت آدریان»، 1633؛ «افسران گروهان تفنگ سنت. جورج، 1639). هالز که نمی‌خواست هارلم را ترک کند، در صورتی که نیاز به رفتن به آمستردام داشت، دستورات را رد کرد. تنها پرتره گروهی که او در آمستردام شروع کرد باید توسط هنرمند دیگری تمام می شد.

در سال های 1620-1640، زمان محبوبیت، هالس مطالب زیادی نوشت پرتره های دوتاییزوج های متاهل: شوهر در پرتره سمت چپ و زن در سمت راست. تنها تصویری که در آن زن و شوهر با هم به تصویر کشیده شده اند، «پرتره خانوادگی اسحاق ماسا و همسرش» (1622) است.

"مقامات خانه سالمندان"

در سال 1644 هالز رئیس انجمن صنفی سنت. لوک او در سال 1649 پرتره ای از دکارت را تکمیل کرد.

ویژگی‌های روان‌شناختی در پرتره‌های دهه 1640 عمیق‌تر می‌شود. ("سرنشینان بیمارستان سنت الیزابت"، 1641، پرتره مرد جوان, در حدود 1642-50, "Jasper Schade van Westrum", حدود 1645); در رنگ آمیزی این آثار، رنگ خاکستری نقره ای غالب می شود. بعدها کار می کندخالسا به صورت کاملاً آزاد اجرا می شود و به صورت پرهزینه حل می شود. طرح رنگی، ساخته شده بر روی تضاد رنگ های سیاه و سفید ("مردی در لباس های سیاه"، حدود 1650-52، "V. Cruz"، حدود 1660)؛ در برخی از آنها احساس بدبینی عمیقی آشکار شد ("نابران پناهندگی"، "نابران پناهندگی"، هر دو - 1664)."

در دوران پیری، هالس از دریافت دستورات منصرف شد و در فقر فرو رفت. این هنرمند در 26 اوت 1666 در خانه صدقه هارلم درگذشت.

بزرگترین مجموعه نقاشی های این هنرمند در موزه هالز در هارلم است.

بنیانگذار پرتره رئالیستی هلندی فرانس هالس (هالز) (حدود 1580-1666) بود، که میراث هنری او با تیزبینی و قدرت در آغوش کشیدن دنیای درونی یک شخص، بسیار فراتر از فرهنگ ملی هلند است. هنرمندی با دید گسترده، مبتکری جسور، قوانین پرتره (نجیب) قرن شانزدهم را که قبل از او ساخته شده بود، از بین برد. او به شخصی که مطابق با موقعیت اجتماعی او در یک ژست باشکوه-محرم و یک لباس تشریفاتی به تصویر کشیده می شود علاقه مند نبود، بلکه به شخصی با تمام ذات طبیعی، ویژگی، با احساسات، عقل، عواطفش علاقه مند بود. در پرتره هالز، تمام بخش های جامعه نشان داده شده است: بورگرها، تیراندازان، صنعتگران، نمایندگان طبقات پایین جامعه، در کنار دومی، همدردی های خاص او، و در تصاویر آنها او عمق یک کامل قدرتمند را نشان می دهد. -استعداد خونین دموکراتیک بودن هنر او به دلیل پیوند با سنت های دوران انقلاب هلند است. هالز قهرمانان خود را بدون تزیین، با آداب غیر تشریفاتی، عشق قدرتمند به زندگی به تصویر می‌کشد. هالز دامنه پرتره را با معرفی عناصر طرح، به تصویر کشیدن شخصی که در عمل به تصویر کشیده می شود، در یک موقعیت خاص زندگی، تأکید بر حالات چهره، ژست ها، وضعیت، فوراً و با دقت درک کرد، گسترش داد. این هنرمند به دنبال قدرت عاطفی و سرزندگی ویژگی های تصویر شده، انتقال انرژی غیرقابل مهار آنها بود. هالز نه تنها پرتره های تک سفارشی و گروهی را اصلاح کرد، بلکه خالق پرتره ای هم مرز بود. ژانر روزمره.
هالز در آنتورپ به دنیا آمد، سپس به هارلم نقل مکان کرد، جایی که تمام عمر خود را در آنجا زندگی کرد. او فردی بشاش، اجتماعی، مهربان و بی خیال بود. چهره خلاق خال در آغاز دهه 20 قرن هفدهم شکل گرفت. محبوبیت گسترده باعث شد که او پرتره های گروهی افسران گروه تفنگ سنت جورج (1627، هارلم، موزه فرانس هالس) و گروه تفنگ سنت آدریان (1633، همانجا) را به دست آورد. افراد قوی و پرانرژی که در مبارزات آزادیبخش علیه فاتحان اسپانیایی شرکت فعال داشتند در طول جشن ارائه می شوند. شاد، با طنز، خلق و خوی افسران شخصیت ها و رفتارهای مختلف را متحد می کند. اینجا شخصیت اصلی وجود ندارد. همه حاضران در جشن شرکت کننده برابر هستند. هالز بر ارتباط صرفاً بیرونی شخصیت ها، مشخصه پرتره های پیشینیانش، غلبه کرد. وحدت ترکیب نامتقارن از طریق ارتباط پر جنب و جوش، آزادی نامحدود در چیدمان فیگورها که با ریتمی موج مانند متحد شده اند، به دست می آید.
قلم موی پرانرژی هنرمند با درخشش و قدرت، حجم هایی از فرم ها را می سازد. جریان ها نور خورشیدسر خوردن روی صورت، درخشش در توری و ابریشم، درخشش در عینک. طیف رنگارنگی که کت و شلوارهای مشکی و یقه‌های سفید بر آن غالب است، با طوسی‌های افسری طلایی-زرد، یاسی، آبی و صورتی رنگارنگ جان می‌گیرد. برگرهای هلندی از پرتره هالز، پر از آگاهی از حیثیت خود و در عین حال آزادانه، به طور طبیعی، با اشاره، ظاهر می شوند و حالتی فوراً گرفته شده را منتقل می کنند. افسری با یک کلاه لبه پهن با بازوها روی باسن لبخند می زند (1624، لندن، مجموعه والاس). طبیعی بودن و سرزندگی ژست، تیز بودن ویژگی ها، بالاترین مهارت در استفاده از تضاد سفید و سیاه در نقاشی را تسخیر می کند.
پرتره هالز از نظر مضامین و تصاویر متنوع است. اما ویژگی های مشترک به تصویر کشیده شده است: یکپارچگی طبیعت، عشق به زندگی. هالز نقاش خنده است، لبخندی شاد و مسری. این هنرمند با شادی درخشان، چهره نمایندگان مردم عادی، بازدیدکنندگان میخانه ها و پسران خیابان را زنده می کند. شخصیت های او به خود نمی بندند، نگاه ها و ژست های خود را به سمت بیننده معطوف می کنند.
نفس آزادی خواه با تصویر "کولی" (حدود 1630، پاریس، لوور) شعله ور می شود. هالز فرود غرورآمیز سرش در هاله ای از موهای کرکی، لبخندی اغواکننده، درخششی تند در چشمانش و بیانی از استقلال را تحسین می کند. طرح ارتعاشی شبح، پرتوهای سرخورده نور، ابرهای جاری، که کولی در برابر آنها به تصویر کشیده شده است، تصویر را با هیجان زندگی پر می کند. پرتره Malle Babbe (اوایل دهه 1630، برلین - Dahlem، گالری هنر)، صاحب میخانه، که به طور تصادفی با نام مستعار "جادوگر هارلم" شناخته نمی شود، به یک صحنه ژانر کوچک تبدیل می شود. پیرزنی زشت با قیافه ای حیله گر سوزان، تند می چرخد ​​و پوزخندی می زند، گویی به یکی از مهمانان همیشگی میخانه اش پاسخ می دهد. یک جغد شوم به شکل شبح تیره ای روی شانه او ظاهر می شود. وضوح، بینش های هنرمند، قدرت تاریک و سرزندگی تصویری که او خلق کرده است قابل توجه است. عدم تقارن ترکیب، پویایی، آبدار بودن ضربه قلم موی زاویه ای، اضطراب صحنه را افزایش می دهد.
در اواسط قرن هفدهم، تغییراتی که در جامعه هلند رخ داده بود به وضوح نشان داده شد. با تقویت موقعیت بورژوازی که ارتباط خود را با توده‌ها از دست داده است، محافظه‌کارتر می‌شود. نگرش مشتریان بورژوا به هنرمندان رئالیست. هالس نیز محبوبیت خود را از دست داد، که هنر دموکراتیکش با بورژوازی تازه متولد شده بیگانه شد و به دنبال مد اشرافی هجوم برد.
خوش بینی تأیید کننده زندگی استاد با تأمل عمیق ، کنایه ، تلخی ، شک و تردید جایگزین شد. واقع گرایی او از نظر روانشناختی عمیق تر و انتقادی تر شد، مهارت او دقیق تر و کامل تر شد. رنگ هالز نیز تغییر کرد و محدودیت بیشتری به دست آورد. در طیف رنگی خاکستری نقره ای غالب، در میان سیاه و سفید، لکه های کوچک و دقیقاً یافت شده از رنگ صورتی یا قرمز صدای خاصی پیدا می کنند. احساس تلخی، ناامیدی در «پرتره مردی با لباس سیاه» (حدود 1660، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، که در آن بهترین رنگ های رنگارنگ چهره غنی شده و در کنار محدود، تقریباً زنده می شود، قابل لمس است. رنگ های سیاه و سفید تک رنگ.
بالاترین دستاورد هالز آخرین پرتره گروهی او از نایب‌ها و نایب‌ها (معتمدان) خانه سالمندان است که در سال 1664، دو سال قبل از مرگ هنرمندی که به تنهایی در پناهگاه به زندگی خود پایان داد، اعدام شد. پر از غرور، سرد و ویران، تشنه قدرت و فحاشی، نشسته پشت میز معتمد قدیمی از گروه "پرتره نایب السلطنه آسایشگاه برای سالمندان" (هارلم، موزه فرانس هالس. دست هنرمند قدیمی با دقتی بی تردید ضربات آزاد و سریع را اعمال می کند. ترکیب آرام و سختگیرانه شده است. پراکندگی فضا، چیدمان فیگورها، نور پخش شده یکنواخت، که به طور یکسان همه تصاویر را روشن می کند، به تمرکز بر ویژگی های هر یک از آنها کمک می کند. طرح رنگی لاکونیک است با غلبه رنگ‌های سیاه، سفید و خاکستری نقاشی پرتره: روانشناسی آنها به پرتره های بزرگترین نقاشان هلندی نزدیک است - رامبراند، که مانند هالز از شکوه عمر خود جان سالم به در برد و با نخبگان بورژوازی جامعه هلند درگیر شد.

فرانس هالس در حدود سال 1581 در آنتورپ در خانواده ای بافنده به دنیا آمد. در جوانی به هارلم آمد و تا زمان مرگش تقریباً بدون وقفه زندگی کرد (در سال 1616 از آنتورپ و در اواسط دهه 1630 - آمستردام بازدید کرد). اطلاعات کمی در مورد زندگی هالز وجود دارد. در سال 1610 او وارد انجمن سنت لوک شد و در سال 1616 - در اتاق سخنوران (بازیگران آماتور). هالز به سرعت به یکی از مشهورترین نقاشان پرتره در هارلم تبدیل شد.
در قرون XV-XVI. در نقاشی هلند سنتی وجود داشت که فقط از نمایندگان محافل حاکم، افراد مشهور و هنرمندان پرتره نقاشی می کردند. هنر خلص عمیقاً دموکراتیک است: در پرتره‌های او می‌توانیم یک اشراف، یک شهروند ثروتمند، یک صنعتگر و حتی یک فرد را از پایین ببینیم. هنرمند سعی نمی کند تصویر را ایده آل کند، نکته اصلی برای او طبیعی بودن و اصالت آنهاست. اشراف او مانند نمایندگان اقشار پایین جامعه که در نقاشی های هالز به عنوان افرادی شاد و بدون عزت نفس به تصویر کشیده شده اند، رفتار می کنند.
جایگاه بزرگی در آثار نقاش را پرتره گروهی اشغال کرده است. بهترین آثارپرتره افسران گروه تفنگ سنت جورج (1627) و گروه تفنگ سنت آدریان (1633) به این سبک تبدیل شد. هر شخصیت در نقاشی ها شخصیت درخشان خود را دارد و در عین حال، این آثار با یکپارچگی خود متمایز می شوند.
هالز همچنین پرتره‌های سفارشی را نقاشی کرد که در آن بورگرهای ثروتمند و خانواده‌هایشان در حالت‌هایی آرام قرار می‌گیرند ("پرتره آیزاک ماسا"، 1626؛ "پرتره هتویزن"، 1637). تصاویر هالز پر جنب و جوش و پویا هستند، به نظر می رسد افرادی که در پرتره ها هستند با یک مخاطب نامرئی صحبت می کنند یا بیننده را مخاطب قرار می دهند.
نمایندگان محیط عامیانه در پرتره هالز با بیان واضح و بی واسطه بودن متمایز می شوند. در تصاویر پسران خیابانی، ماهیگیران، نوازندگان و بازدیدکنندگان از میخانه ها، می توان همدردی و احترام نویسنده را احساس کرد. «کولی» او قابل توجه است. یک زن جوان خندان به طرز شگفت انگیزی زنده به نظر می رسد، که نگاه حیله گرانه اش به طرف مخاطبی است که برای مخاطب نامرئی است. هالز مدل خود را ایده آل نمی کند، اما تصویر یک کولی شاد و ژولیده از جذابیت پرشور او لذت می برد.
اغلب پرتره های هالز شامل عناصر صحنه ژانر است. این تصاویر کودکان در حال آواز خواندن یا بازی است آلات موسیقی("پسران آوازخوان"، 1624-1625). با همین روحیه، اجرای معروف "Malle Babbe" (اوایل دهه 1630) با ارائه صاحب مشهور میخانه در هارلم ، که بازدیدکنندگان او را جادوگر هارلم پشت سر او می نامیدند. این هنرمند تقریباً به طرز عجیبی زنی را با یک لیوان آبجو بزرگ و یک جغد روی شانه خود به تصویر کشید.
در دهه 1640 کشور نشانه هایی از یک نقطه عطف را نشان می دهد. تنها چند دهه از پیروزی انقلاب می گذرد و بورژوازی دیگر طبقه ای مترقی بر اساس سنت های دموکراتیک نیست. صحت نقاشی هالز دیگر مشتریان ثروتمندی را جذب نمی کند که می خواهند خود را در پرتره ها بهتر از آنچه هستند ببینند. اما هالس رئالیسم را رها نکرد و محبوبیت او به شدت کاهش یافت. در نقاشی این دوره ("پرتره مردی با کلاه لبه پهن") نکات غم و اندوه و ناامیدی ظاهر می شود. پالت او سخت تر و آرام تر می شود.
هالز در 84 سالگی دو شاهکار خود را خلق می کند: پرتره های گروهی از نایب السلطنه ها (امنا) و نایب های یک خانه سالمندان (1664). این آخرین آثار استاد هلندی با احساسات و فردیت روشن تصاویر متمایز می شود. از تصاویر نایب السلطنه ها - پیرمرد و پیرزن - اندوه و مرگ می دمد. این احساس همچنین توسط رنگ آمیزی که در رنگ های سیاه، خاکستری و سفید حفظ شده است، تأکید می کند.
هالز در سال 1666 در فقر عمیق درگذشت. هنر صادقانه و مؤید زندگی او نفوذ بزرگدر مورد بسیاری از هنرمندان هلندی

نقاشی رامبراند.

	رامبراند هارمنز ون راین (1606-1669) نقاش، نقشه‌کش و حکاکی هلندی بود. کار رامبراند، آغشته به میل به درک عمیق فلسفی از زندگی، دنیای درونی یک فرد با تمام غنای تجربیات معنوی او، اوج توسعه هنر هلندی قرن هفدهم، یکی از قله ها را نشان می دهد. از جهان فرهنگ هنری. میراث هنریرامبراند با تنوع استثنایی متمایز است: او پرتره ها، طبیعت بی جان، مناظر، صحنه های ژانر، نقاشی هایی با موضوعات تاریخی، کتاب مقدس، اساطیری نقاشی کرد. استاد تمام عیارطراحی و حکاکی پس از مطالعه کوتاهی در دانشگاه لیدن (1620)، رامبراند تصمیم گرفت خود را وقف هنر کند و نقاشی را نزد J. van Swanenbürch در لیدن (حدود 1620-1623) و P. Lastman در آمستردام (1623) فرا گرفت. در 1625-1631 در لیدن کار کرد. نقاشی‌های رامبراند در دوره لیدن با جستجوی استقلال خلاق مشخص شده‌اند، اگرچه هنوز هم تأثیر لاستمن و استادان کارواژیسم هلندی را نشان می‌دهند ("اوردن به معبد"، حدود 1628-1629، Kunsthalle، هامبورگ). در نقاشی های "پل رسول" (حدود 1629-1630، موزه ملی، نورنبرگ) و "سیمئون در معبد" (1631، موریتشویس، لاهه)، او برای اولین بار از کیاروسکورو به عنوان وسیله ای برای تقویت معنویت و بیان عاطفی استفاده کرد. تصاویر. در همان سال ها، رامبراند روی پرتره سخت کار کرد و حالات چهره انسان را مطالعه کرد. در سال 1632، رامبراند به آمستردام نقل مکان کرد، جایی که به زودی با پاتریسیون ثروتمند ساسکیا ون اویلنبرگ ازدواج کرد. دهه 1630 دوره خوشبختی خانوادگی و موفقیت بزرگ هنری رامبراند است. نقاشی "درس آناتومی دکتر تولپ" (1632، موریتشویس، لاهه)، که در آن هنرمند به طور خلاقانه مشکل را حل کرد. پرتره گروهیرامبراند، که زندگی آسانی به این ترکیب بخشیده و آنهایی را که با یک عمل به تصویر کشیده شده اند متحد می کند. رامبراند ون راین در پرتره‌هایی که با سفارش‌های متعدد نقاشی می‌شد، ویژگی‌های صورت، لباس‌ها، جواهرات را به دقت منتقل می‌کرد (نقاشی "پرتره بورگرو"، 1636، گالری درسدن).

در دهه 1640، تضاد بین آثار رامبراند و خواسته‌های محدود زیبایی‌شناختی جامعه معاصر در جریان بود. این خود را به وضوح در سال 1642 نشان داد، زمانی که نقاشی " تماشای شب(Rijksmuseum، آمستردام) اعتراض مشتریانی را برانگیخت که ایده اصلی استاد را نپذیرفتند - به جای پرتره گروهی سنتی، او یک ترکیب قهرمانانه برجسته با صحنه ای از اجرای انجمن تیراندازان در زنگ هشدار ایجاد کرد. ، یعنی اساساً یک تصویر تاریخی است که خاطرات مبارزات آزادیبخش مردم هلند را تداعی می کند. هجوم سفارشات رامبراند در حال کاهش است، شرایط زندگی او تحت الشعاع مرگ ساسکیا قرار می گیرد. کار رامبراند در حال از دست دادن خودنمایی بیرونی و نت های ماژور ذاتی آن است. او صحنه های آرام، گرم و صمیمی کتاب مقدس و ژانر را ترسیم می کند و ظرافت های ظریف تجربیات انسانی، احساسات معنوی و نزدیکی خانوادگی را آشکار می کند ("دیوید و جاناتان"، 1642، "خانواده مقدس"، 1645، هر دو در ارمیتاژ، سنت. پترزبورگ).

بهترین نمایشنامه کیاروسکورو، که فضایی خاص، دراماتیک و از نظر احساسی شدید ایجاد می‌کند، هم در نقاشی و هم در گرافیک رامبراند اهمیت فزاینده‌ای پیدا می‌کند (صفحه گرافیکی به یاد ماندنی «مسیح که بیمار را شفا می‌دهد» یا «برگ صد گیلدر»، در حدود 1642- 1646؛ منظره پر از پویایی هوا و نور "سه درخت"، حکاکی، 1643). دهه 1650، پر از روزهای سخت برای رامبراند آزمایش های زندگی، باز کردن دوره بلوغ خلاقانه هنرمند. رامبراند به طور فزاینده ای به ژانر پرتره روی می آورد و افراد نزدیک به خود را به تصویر می کشد (پرتره های متعددی از همسر دوم رامبراند، هندریکه استوفلز؛ "پرتره یک پیرزن"، 1654، موزه دولتی ارمیتاژ، سنت پترزبورگ؛ "پسر تیتوس ریدینگ"، 1657 موزه Kunsthistorisches، وین).

در اواسط دهه 1650، رامبراند مهارت نقاشی بالغی را به دست آورد. عناصر نور و رنگ، مستقل و حتی تا حدی متضاد در آثار اولیه هنرمند، اکنون در یک کل واحد به هم پیوسته ادغام می شوند. توده رنگ درخشان قرمز-قهوه ای داغ، اکنون چشمک زن، اکنون محو شده و لرزان، بیان احساسی آثار رامبراند را تقویت می کند، گویی آنها را با احساس گرم انسانی گرم می کند. در سال 1656، رامبراند ورشکست شد، تمام دارایی او در حراج فروخته شد. او به محله یهودیان آمستردام نقل مکان کرد و بقیه عمر خود را در آنجا در شرایط بسیار تنگ گذراند. توسط رامبراند در دهه 1660 ایجاد شد ترکیبات کتاب مقدستاملات خود را در مورد معنای زندگی انسان خلاصه کنید. در اپیزودهایی که برخورد تاریکی و روشنایی در روح انسان را بیان می کند («آسور، هامان و استر»، 1660، موزه پوشکین، مسکو؛ «سقوط هامان» یا «دیوید و اوریا»، 1665، موزه دولتی ارمیتاژ، سنت. پترزبورگ)، گستره گرم غنی، سبک نوشتاری انعطاف پذیر impasto، بازی شدید سایه و نور، بافت پیچیده سطح رنگارنگ در خدمت آشکار کردن برخوردهای پیچیده و تجربیات احساسی، برای تأیید پیروزی خیر بر شر است.

نقاشی تاریخی "توطئه جولیوس سیویلیس" ("توطئه باتاویس"، 1661، قطعه ای حفظ شده است، موزه ملی، استکهلم) با درام و قهرمانی شدید آغشته شده است. رامبراند در آخرین سال زندگی خود او را خلق کرد شاهکار بزرگ- نقاشی یادبود "بازگشت پسر ولگرد” (حدود 1668-1669، موزه دولتی ارمیتاژ، سن پترزبورگ)، که تمام مسائل هنری و اخلاقی آثار متاخر هنرمند را در بر می گرفت. او با مهارتی شگفت انگیز طیف وسیعی از پیچیده و عمیق را در آن بازآفرینی می کند احساسات انسانی، زیردستان وسایل هنریآشکار ساختن زیبایی درک انسان، شفقت و بخشش. اوج گذار از تنش احساسات به حل احساسات در ژست‌های بیانگر مجسمه‌سازی، ژست‌های متوسط، در ساختار عاطفی رنگ که به‌درستی در مرکز تصویر چشمک می‌زند و در فضای پس‌زمینه سایه‌دار محو می‌شود، تجسم می‌یابد. رامبراند ون راین نقاش، نقشه‌کش و حکاکی بزرگ هلندی در 4 اکتبر 1669 در آمستردام درگذشت. تأثیر هنر رامبراند بسیار زیاد بود. این نه تنها بر کار شاگردان مستقیم او، که کارل فابریتیوس به درک معلم نزدیکتر بود، بلکه بر هنر هر هنرمند کم و بیش مهم هلندی نیز تأثیر گذاشت. هنر رامبراند تأثیر عمیقی بر توسعه تمام هنرهای رئالیستی جهان پس از آن داشت.

رامبراند هارمنزون ون راین(هلندی. رامبراند هارمنزون ون راین[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin]، 1606-1669) - نقاش هلندی، نقشه کش و حکاکی، استاد بزرگ chiaroscuro، بزرگترین نماینده عصر طلایی نقاشی هلندی. او توانست طیف وسیعی از تجربیات انسانی را با چنین غنای عاطفی در آثار خود مجسم کند که هنرهای زیبا قبل از او نمی دانستند. آثار رامبراند، از نظر ژانر بسیار متنوع، دنیای معنوی بی‌زمان تجربیات و احساسات انسانی را به روی بیننده باز می‌کند.

• 1 بیوگرافی
• 1.1 سال کارآموزی
• 1.2 نفوذ Lastman و کارواژیست ها
• 1.3 کارگاه آموزشی در لیدن
• 1.4 نسل تیپ خود
• 1.5 موفقیت در آمستردام
• 1.6 گفتگو با ایتالیایی ها
• 1.7 دیده بان شب
• 1.8 دوره گذار
• 1.9 رامبراند متاخر
• 1.10 کار اخیر
• 2 مسائل مربوط به اسناد
• 3 شاگردان رامبراند
• 4 شهرت پس از مرگ
• 5 در سینما
• 6 یادداشت
• 7 پیوند

زندگینامه

سالهای کارآموزی

رامبراند هارمنزون ("پسر هارمن") ون راین در 15 ژوئیه 1606 (بر اساس برخی منابع، در سال 1607) در خانواده ای بزرگ از یک کارخانه دار ثروتمند Harmen Gerritszoon van Rijn در لیدن متولد شد. خانواده مادر حتی پس از انقلاب هلند نیز به مذهب کاتولیک وفادار ماندند.

"تمثیل موسیقی" 1626 - نمونه ای از تأثیر لاستمن بر رامبراند جوان

رامبراند در لیدن به مدرسه لاتین دانشگاه رفت، اما بیشترین علاقه را به نقاشی نشان داد. در سن 13 سالگی به نقاش تاریخی لیدن، یعقوب ون سواننبورخ، کاتولیک مذهبی، برای تحصیل هنرهای زیبا سپرد. آثار رامبراند در این دوره توسط محققان شناسایی نشده است و سؤال تأثیر سواننبورخ در شکل گیری سبک خلاقانه او همچنان باز است: امروزه اطلاعات کمی در مورد این هنرمند لیدن وجود دارد.

در سال 1623، رامبراند در آمستردام نزد پیتر لاستمن، که در ایتالیا آموزش دیده بود و در موضوعات تاریخی، اساطیری و کتاب مقدس تخصص داشت، تحصیل کرد. رامبراند با بازگشت به لیدن در سال 1627، همراه با دوستش یان لیونز، کارگاه خود را افتتاح کرد و شروع به جذب دانشجویان کرد. در عرض چند سال شهرت قابل توجهی به دست آورد.

ویلم کلاس هدا. طبیعت بی جان با پای، 1627

عصر "طلایی" طبیعت بی جان قرن هفدهم بود، زمانی که سرانجام شکل گرفت ژانر مستقلنقاشی، به ویژه در کار هلندی ها و هنرمندان فلاندری. در همان زمان، اصطلاح "زندگی آرام و یخ زده" به نظر می رسد به طبیعت های بی جان (هلندی stilleven، آلمانی Stilleben، انگلیسی بی جان) اشاره دارد. اولین "stilleven" در طرح ساده بود، اما حتی در آن زمان اشیاء به تصویر کشیده شده بر روی آنها حمل و بار معنایی: نان، یک لیوان شراب، ماهی نماد مسیح است، چاقو نماد فداکاری، لیمو نماد تشنگی است. آجیل در پوسته - روحی که توسط گناه محدود شده است. سیب یادآور پاییز است

به تدریج زبان نمادین تصویر غنی شد.

Franciscus Geisbrechts، قرن هفدهم

نمادهای موجود بر روی بوم ها برای یادآوری ضعف زندگی انسان و گذرا بودن لذت ها و دستاوردها بود:

جمجمه یادآور اجتناب ناپذیر بودن مرگ است.

میوه های پوسیده نماد پیری هستند.

میوه های رسیده نماد باروری، فراوانی، در به صورت مجازیثروت و رفاه.

تعدادی از میوه ها معنای خاص خود را دارند: پاییز با گلابی، گوجه فرنگی، مرکبات، انگور، هلو و گیلاس و البته سیب مشخص می شود. انجیر، آلو، گیلاس، سیب یا هلو دارای رنگ‌های شهوانی هستند.

جوانه های دانه، شاخه های پیچک یا لورل (نادر) - نمادی از تولد دوباره و چرخه زندگی است.

صدف های دریایی، گاهی اوقات حلزون های زنده - پوسته یک نرم تن بقایای یک حیوان زمانی زنده است، به معنای مرگ و ضعف است.

حلزون خزنده مظهر گناه کبیره تنبلی است.

نرم تنان بزرگ نشان دهنده دوگانگی طبیعت، نمادی از شهوت، یکی دیگر از گناهان مرگبار است.

حباب های صابون - کوتاهی زندگی و مرگ ناگهانی؛ اشاره ای به عبارت homo bulla - "مرد حباب صابون است."

خاموش کردن شمع دود (انتهای خاکستر) یا چراغ نفتی؛ یک کلاه برای خاموش کردن شمع - یک شمع سوزان یک نماد است روح انسان، محو شدن آن نماد خروج است.

فنجان ها، ورق بازی کردنیا استخوان ها، شطرنج (به ندرت) - نشانه ای از یک هدف زندگی اشتباه، جستجوی لذت و زندگی گناه آلود. برابری فرصت ها در قمارهمچنین به معنای ناشناس بودن مذموم بود.

پیپ دودی نمادی از لذت های زودگذر و دست نیافتنی زمینی است.

ماسک کارناوال - نشانه عدم حضور یک فرد در داخل آن است. همچنین برای یک بالماسکه جشن، لذت غیر مسئولانه در نظر گرفته شده است.

آینه ها، توپ های شیشه ای (آینه) - آینه نمادی از غرور است، علاوه بر این، نشانه ای از انعکاس، سایه و نه یک پدیده واقعی است.

بایرن. طبیعت بی جان با خرچنگ، 1667

ظروف شکسته، معمولاً لیوان های شیشه ای. یک لیوان خالی، در مقابل لیوان پر، نماد مرگ است.

شیشه نماد شکنندگی، چینی سفید برفی - خلوص است.

هاون و هاون نماد تمایلات جنسی مردانه و زنانه است.

بطری نمادی از گناه مستی است.

چاقو - آسیب پذیری یک فرد و مرگ و میر او را یادآوری می کند.

ساعت شنی و ساعت مکانیکی - گذرا بودن زمان.

آلات موسیقی، نت ها - مختصر و زودگذر بودن زندگی، نمادی از هنر.

کتاب و نقشه های جغرافیایی(mappa mundi)، قلم تحریر - نمادی از علوم، یک کره، هم زمین و هم آسمان پرستاره.

یک پالت با قلم مو، یک تاج گل (معمولاً روی سر جمجمه) نمادهای نقاشی و شعر هستند.

حروف نماد روابط انسانی است.

ابزار پزشکی یادآور بیماری ها و ضعف بدن انسان است.

کیف پول سکه، جعبه جواهرات - جواهرات و لوازم آرایشی برای ایجاد زیبایی، جذابیت زنانه طراحی شده اند، در عین حال با غرور، خودشیفتگی و گناه کبیره تکبر همراه هستند. آنها همچنین عدم حضور صاحبان خود را بر روی بوم نشان می دهند.

اسلحه ها و زره ها نمادی از قدرت و قدرت هستند، نشانه ای از آنچه که نمی توان با خود به قبر برد.

تاج‌ها و تاج‌های پاپی، عصاها و قدرت‌ها، تاج‌ گل‌های برگ نشانه‌های سلطه گذرای زمینی است که با نظم جهانی بهشتی مخالف است. آنها مانند نقاب ها نمادی از غیبت کسانی هستند که آن را می پوشند.

کلیدها - نماد قدرت یک زن خانه دار است که سهام را مدیریت می کند.

ویرانه ها - نماد زندگی گذرا کسانی است که زمانی در آنها زندگی می کردند.

حشرات، پرندگان و حیوانات اغلب در طبیعت بی جان به تصویر کشیده می شدند. به عنوان مثال مگس ها و عنکبوت ها را نماد بخل و شر و مارمولک ها و مارها نماد فریب می دانستند. خرچنگ ها یا خرچنگ ها نشان دهنده فراز و نشیب های سرنوشت یا خرد بودند.

ژاک آندره ژوزف آود. حدود 1670.

کتاب - تراژدی سوفوکل "الکترا" - در این مورد نماد مبهم است. هنرمند با قرار دادن آن در ترکیب، اجتناب ناپذیر بودن قصاص برای هر جنایتی را نه در زمین، بلکه در بهشت ​​به یاد می آورد، زیرا تراژدی با این فکر نفوذ می کند. نقوش عتیقه در چنین طبیعت بی جان اغلب نماد تداوم هنر است. بر صفحه عنواننام مترجم، شاعر معروف هلندی، یوست ون دن وندل، که آثارش در باستان و داستان های کتاب مقدسآنقدر موضوعی بودند که حتی مورد آزار و اذیت قرار گرفت. بعید است که هنرمند به طور تصادفی وندل را قرار داده باشد - این امکان وجود دارد که با صحبت از غرور جهان، او تصمیم گرفته باشد که غرور قدرت را ذکر کند.

شمشیر و کلاه خود نشان شکوه نظامی گذرا هستند.

سفید با ستون قرمز مرکز ترکیب بندی تصویر است. پر همیشه به معنای غرور و غرور است. تاریخ تصویر توسط کلاه ایمنی با پر است. Lodewijk van der Helst در سال 1670 با چنین کلاه ایمنی بر روی پرتره پس از مرگ دریاسالار Sterlingwerf به تصویر کشیده شد. کلاه دریاسالار در چندین طبیعت بیجان دیگر توسط ون استرک وجود دارد.

پرتره یک سانگوئن. بر خلاف روغن، سنگ سانگوئین، مانند کاغذ، برخلاف بوم، بسیار ضعیف نگهداری می شود. این برگه از بیهودگی تلاش هنرمند می گوید، لبه های فرسوده و پاره شده برای تقویت این ایده طراحی شده است.

حاشیه طلایی غرور لوکس است.

جمجمه - در فرهنگ باستان، ویژگی کرونوس (زحل)، یعنی نماد زمان. چرخ ثروت نیز با جمجمه به تصویر کشیده شد. برای مسیحیان، این نشانه غرور دنیوی، تفکر ذهنی در مورد مرگ، ویژگی زندگی گوشه نشین است. با او سنت فرانسیس آسیزی، سنت جروم، مریم مجدلیه، پولس رسول به تصویر کشیده شده است. جمجمه نیز یک نماد است زندگی ابدیمسیح در Calvary مصلوب شد، جایی که طبق افسانه، جمجمه آدم در آنجا دفن شد. گوش پیچیده شده در اطراف جمجمه نمادی از جاودانگی روح است ("من نان زندگی هستم" - یوحنا 6:48)، امید به زندگی ابدی.

انبوهی از کاغذهای کهنه، بیهودگی دانش است.

شاخ پودری روی یک زنجیر موضوع بسیار مشخصی برای طبیعت بی جان هلندی است. در اینجا، ظاهراً باید آن را به چیزی تعبیر کرد که بر خلاف قرنیه، مرگ می آورد.

آدریان ون اوترخت "وانیتاس". 1642.

نیلوفرهای دره، بنفشه ها، فراموشکارهای احاطه شده توسط گل رز، میخک، شقایق - نمادهای فروتنی و پاکی؛

یک گل بزرگ در مرکز ترکیب "تاج فضیلت" است.

فرو ریختن گلبرگ های نزدیک گلدان نشانه های شکنندگی است.

یک گل پژمرده اشاره ای به ناپدید شدن احساسات است.

عنبیه - نشانه ای از باکره؛

گل رز سفید - عشق افلاطونی و نماد خلوص؛

گل رز قرمز - نمادی از عشق پرشور و نمادی از باکره.

گلهای قرمز نمادی از قربانی کفاره مسیح هستند.

زنبق سفید نه تنها گل زیبا، بلکه نمادی از پاکی مریم باکره است.

آبی و گل های آبی- یادآوری آسمان لاجوردی؛

خار - نمادی از شر.

میخک - نمادی از خون ریخته شده مسیح؛

خشخاش - تمثیلی از خواب، فراموشی، نماد یکی از گناهان مرگبار - تنبلی؛

شقایق - کمک به بیماری؛

لاله ها - نمادی از زیبایی به سرعت در حال ناپدید شدن، پرورش این گل ها یکی از بیهوده ترین و بیهوده ترین فعالیت ها محسوب می شد. لاله همچنین نماد عشق، همدردی، درک متقابل بود؛ لاله سفید - عشق کاذب، لاله قرمز - عشق پرشور (در اروپا و آمریکا، لاله با بهار، نور، زندگی، رنگ‌ها تداعی می‌شود و در ایران یک گل دنج و دوستانه محسوب می‌شود. ترکیه و سایر کشورهای شرق، لاله با احساسات عشق و عشق همراه است).

ناتالیا مارکووا،
رئیس بخش گرافیک موزه پوشکین im. A، S، پوشکین

طبیعت بی جان در قرن 17 هلند

می‌توان گفت که زمان مانند لنز دوربین عمل می‌کند: با تغییر فاصله کانونی، مقیاس تصویر تغییر می‌کند تا زمانی که فقط اشیاء در کادر باقی می‌مانند و فضای داخلی و شکل‌ها از تصویر بیرون رانده می‌شوند. "قاب" با طبیعت بی جان را می توان در بسیاری از نقاشی های هنرمندان هلندی قرن شانزدهم یافت. نمایش آن در فرم آسان است خود نقاشییک میز از پرتره خانوادگی مارتین ون هیمسکرک (حدود 1530. موزه های ایالتی، کاسل) یا یک گلدان گل از ترکیبی از یان بروگل بزرگ. خود یان بروگل چنین کاری انجام داد و در همان ابتدای قرن هفدهم نوشت. اولین طبیعت بی جان مستقل گل. آنها در حدود سال 1600 ظاهر شدند - این زمان به عنوان تاریخ تولد ژانر در نظر گرفته می شود.

مارتین ون همسکرک. پرتره خانواده. قطعه. خوب. 1530. موزه های دولتی، کاسل.

در آن لحظه O va برای تعریف آن هنوز وجود نداشت. اصطلاح "طبیعت بی جان" در قرن هجدهم در فرانسه به وجود آمد. و در لغت به معنای «طبیعت مرده»، «طبیعت مرده» (nature morte) است. در هلند، نقاشی هایی که اشیاء را به تصویر می کشند "stillleven" نامیده می شدند که می توان آن را هم به عنوان "طبیعت بی حرکت، مدل" و هم به عنوان "زندگی آرام" ترجمه کرد که با دقت بیشتری ویژگی های طبیعت بی جان هلندی را منتقل می کند. اما این مفهوم کلی تنها از سال 1650 مورد استفاده قرار گرفت و قبل از آن زمان، نقاشی ها با توجه به طرح تصویر نامیده می شدند: b lumentopf - یک گلدان گل، banketje - یک میز تنظیم شده، میوه - میوه ها، toebackje - زندگی بی جان با لوازم جانبی سیگار کشیدن، doodshoofd - نقاشی هایی که جمجمه ها را به تصویر می کشند. قبلاً از این شمارش مشخص می شود که تنوع اشیاء به تصویر کشیده شده چقدر زیاد بوده است. در واقع، به نظر می رسید که تمام دنیای عینی اطراف آنها بر روی نقاشی های هنرمندان هلندی ریخته شده است.

آبراهام ون بورن. طبیعت بی جان با خرچنگ دریایی. قرن هفدهم. کونستاوس، زوریخ

در هنر، این به معنای انقلابی کمتر از انقلابی بود که هلندی ها در حوزه اقتصادی و اجتماعی انجام دادند و از قدرت اسپانیا کاتولیک استقلال یافتند و اولین دولت دموکراتیک را ایجاد کردند. در حالی که معاصران آنها در ایتالیا، فرانسه، اسپانیا بر خلق ترکیبات مذهبی عظیم برای محراب کلیساها، نقاشی ها و نقاشی های دیواری با موضوعات اساطیر باستان تمرکز داشتند. تالارهای کاخهلندی ها تصاویر کوچکی با چشم اندازی از گوشه و کنار چشم انداز بومی خود نقاشی می کردند، می رقصیدند در تعطیلات روستایی یا کنسرت خانگی در خانه همبرگر، صحنه هایی در یک میخانه روستایی، در خیابان یا خانه دوستیابی، میزهایی با صبحانه چیدند یا دسر، یعنی طبیعت "کم"، بی تکلف است، به جز شعر معاصر هلندی، تحت الشعاع سنت شعری باستانی یا رنسانس نیست. تضاد با بقیه اروپا قابل توجه بود.

نقاشی‌ها به ندرت به سفارش خلق می‌شدند، اما عمدتاً به‌طور آزاد در بازارها برای همه فروخته می‌شدند و برای تزئین اتاق‌های خانه‌های مردم شهر و حتی ساکنان روستایی - از آن‌هایی که ثروتمندتر هستند - در نظر گرفته شدند. بعدها، در قرن‌های 18 و 19، زمانی که زندگی در هلند سخت‌تر و کمیاب‌تر شد، این نقاشی‌های داخلی به طور گسترده در حراجی فروخته شد و به آسانی در مجموعه‌های سلطنتی و اشرافی در سراسر اروپا خریداری شد، و از آنجا در نهایت به بزرگترین موزه‌های جهان مهاجرت کردند. . هنگامی که در اواسط قرن نوزدهم. هنرمندان در همه جا به تصویر کشیدن واقعیت پیرامون خود روی آوردند، نقاشی هایی از استادان هلندی قرن هفدهم. در همه ژانرها به عنوان الگویی برای آنها عمل کرد.

جان ونیکس. طبیعت بی جان با طاووس سفید. 1692. موزه دولتی ارمیتاژ، سن پترزبورگ

یکی از ویژگی های نقاشی هلندی تخصص هنرمندان بر اساس ژانر بود. در ژانر طبیعت بی جان، حتی به موضوعات جداگانه تقسیم می شد و شهرهای مختلف انواع مورد علاقه خود را از طبیعت بی جان داشتند، و اگر نقاش به شهر دیگری نقل مکان می کرد، اغلب هنر خود را به طرز چشمگیری تغییر می داد و شروع به نقاشی آن گونه ها می کرد. ژانری که در این مکان محبوب بود.

هارلم زادگاه مشخص ترین نوع طبیعت بی جان هلندی - "صبحانه" شد. نقاشی های Pieter Claesz یک میز چیده شده با ظروف و ظروف را به تصویر می کشد. یک بشقاب اسپند، یک شاه ماهی یا ژامبون، یک نان نان، یک لیوان شراب، یک دستمال مچاله، یک لیمو یا شاخه ای از انگور، کارد و چنگال - انتخاب کم و دقیق اقلام، تصور یک میز را برای یک نفر ایجاد می کند. وجود یک فرد با اختلال "خیلی" که در چیدمان اشیاء وارد شده است، و فضای یک فضای داخلی دنج مسکونی، که با انتقال محیط نور-هوا به دست می آید، نشان داده می شود. لحن غالب مایل به خاکستری مایل به قهوه ای اشیاء را در یک تصویر واحد ترکیب می کند، در حالی که طبیعت بی جان خود بازتابی از سلیقه فردی فرد، سبک زندگی او می شود.

در همان مسیر کلاس، هارلمن دیگری به نام ویلم هدا کار می کرد. رنگ نقاشی‌های او حتی بیشتر تابع وحدت لحن است، رنگ نقره‌ای خاکستری بر آن غالب است، که توسط تصویر ظروف نقره یا اسپند تنظیم شده است. برای این محدودیت رنگارنگ، نقاشی ها شروع به "صبحانه های تک رنگ" نامیدند.

آبراهام ون بورن. صبحانه. قرن هفدهم. موزه پوشکین im. پوشکین، مسکو

در اوترخت، طبیعت بی جان گلی سرسبز و زیبا ایجاد شد. نمایندگان اصلی آن یان داویدز د هیم، یوستوس ون هویسوم و پسرش یان ون هویسوم هستند که مخصوصاً به خاطر نوشتن دقیق و رنگ آمیزی روشن خود مشهور است.

در لاهه، مرکز صنعت دریایی، پیتر دو پوتر و شاگردش آبراهام ون بیرن تصویر ماهی و دیگر ساکنان دریا را به کمال رساندند. دانشگاه لیدن نوع زندگی بی جان فلسفی "vanitas" (بیهودگی باطل ها) را ایجاد و بهبود بخشید. در نقاشی های هارمن ون استین ویک و یان داویدز د هیم، اشیایی که مظهر شکوه و ثروت زمینی (زره، کتاب، ویژگی های هنری، ظروف گرانبها) یا لذت های نفسانی (گل ها، میوه ها) در کنار جمجمه یا ساعت شنی قرار دارند. یادآور گذرا بودن زندگی طبیعت بی جان «آشپزخانه» دموکراتیک تر در روتردام در آثار فلوریس ون شوتن و فرانسوا ریخالز سرچشمه گرفت و بهترین دستاوردهای او با نام برادران کورنلیس و هرمان سافتلون مرتبط است.

در اواسط قرن، مضمون «صبحانه‌های» متواضعانه در آثار ویلم ون آلست، اوریان ون استرک و به‌ویژه ویلم کالف و آبراهام ون بیرن به «ضیافت‌ها» و «دسر» مجلل تبدیل می‌شود. جام های طلاکاری شده، چینی چینی و فایانس دلفت، سفره های فرش، میوه های جنوبی بر طعم ظرافت و ثروتی که در اواسط قرن در جامعه هلندی تثبیت شده بود، تأکید می کند. بر این اساس، صبحانه های "تک رنگ" با رنگ های آبدار، اشباع رنگارنگ و طلایی-گرم جایگزین می شوند. تأثیر کیاروسکورو رامبراند باعث می شود که رنگ ها در نقاشی های کالف از درون بدرخشند و جهان عینی را شاعرانه کنند.

ویلم کالف. طبیعت بی جان با جام - ناتیلوس و کاسه چینی. موزه تیسن - بورنمیسا، مادرید

استادان تصویر "شکار غنائم" و "حیاط پرندگان" Jan-Baptiste Veniks، پسرش Jan Veniks و Melchior de Hondekuter بودند. این نوع طبیعت بی جان به ویژه در نیمه دوم - پایان قرن در ارتباط با اشرافیت اهالی شهر: ترتیب املاک و سرگرمی از طریق شکار گسترده شد. نقاشی دو جدیدترین هنرمندانافزایش تزئینی، رنگ، تمایل به جلوه های خارجی را نشان می دهد.

توانایی شگفت انگیز نقاشان هلندی در انتقال دنیای مادی با تمام غنا و تنوع آن نه تنها توسط معاصران، بلکه توسط اروپاییان در قرن 18 و 19 مورد قدردانی قرار گرفت، آنها قبل از هر چیز در طبیعت بی جان و فقط این استادی درخشان را دیدند. از انتقال واقعیت با این حال، برای خود هلندی ها قرن هفدهماین تصاویر پر از معنا بودند، آنها نه تنها برای چشم، بلکه برای ذهن نیز غذا ارائه می کردند. نقاشی ها با مخاطب وارد گفت و گو می شدند و حقایق مهم اخلاقی را به آنها می گفتند، فریبکاری شادی های زمینی، بیهودگی آرزوهای انسان را به آنها یادآوری می کردند و افکارشان را به سمتی سوق می دادند. تأملات فلسفیدر مورد معنای زندگی انسان