هنر خارق العاده اگر برس نیست، پس چی؟ شاهکارهای اصلی سینه، باسن و سایر اعضای بدن…. تصاویر نقاشی شده توسط قسمت های مختلف بدن

کسانی که فکر می‌کنند هنر معاصر چیزی نیست جز لکه‌های غیرسیستماتیک روی بوم‌ها یا نمایشگاه‌هایی با تخت‌های ساخته نشده به عنوان نمایشگاه، از دیدن آثار زیر بسیار شگفت‌زده می‌شوند، زیرا هنرمندان معاصر، مجسمه سازان و دیگر سازندگان اغلب شاهکارهای واقعی را خلق می کنند. آنها جسور هستند، آنها متفکر هستند، و آنها بسیار اصلی هستند! خودتان ببینید، عالی نیست؟

1. کیک مکعب روبیک

2. نقاشی داستان روسی در یک تصویر - "مشکل به تنهایی نمی آید"

3. هنرمند از بازدیدکنندگان شجاع دعوت می کند تا زیر 300 چنگال نوک تیز آویزان از سقف بایستند.

4. آثار هنری از نمایشگاه جدید هنرمند مشهور خیابانی بنکسی

5. کشتی عظیم ساخته شده از قایق های کاغذی

«آب روی مغز» کلر مورگان.

6. آثار هنری از خاک بر روی اتومبیل

منبع 7 غذای سرآشپز عالی ساخته شده از جیره ارتش

سرآشپز چاک جورج، فیلمبردار جیمی پلام و عکاس هنری هارگز با هم همکاری کردند تا این چیدمان های کنجکاو را خلق کنند.

مغز خوک با سیب زمینی خورشتی و گوشت گاو با سس قرمز.

آلو، مارمالاد سیب و پنیر آب شده.

8. اگر چند رنگ به لوگوهای ورزشی معروف اضافه کنید چه اتفاقی می افتد؟

9 بوسه سرامیکی

10. نصب "افرادی که می بینم اما نمی شناسم"

هزاران مجسمه فلزی مینیاتوری توسط نویسنده سادوک بن دیوید.

11. گرافیتی لذت بخش

12. قوطی آبجو مچاله شده سرامیکی

13. نصب تماما از کتاب

14. کیک مینیاتوری

امروزه برای دیدن آثار الهام بخش هنرشما مجبور نیستید به موزه بروید. اینترنت امکان قدردانی و لذت بردن از هنر را برای مردم فراهم کرده است و جریان بی پایانی از شاهکارها را فراهم می کند. با این حال، یافتن چیزی که شما را هیجان زده می کند، موضوع دیگری است. نیاز به تجدید نظر انواع متفاوتهنرهایی مانند اثر هنری، مجسمه ها، عکس ها و اینستالیشن ها.و اصلا آسان نیست و زمان زیادی می برد. بنابراین، امروز برخی از محبوب ترین گرایش های هنر را در معرض توجه شما قرار خواهیم داد سال های گذشته. از مجسمه های کتاب گرفته تا اینستالیشن های نفس گیر، این ها دقیقاً روندهایی هستند که مردم نمی توانند از تحسین آن ها دست بردارند.

1. مجسمه ها و اینستالیشن ها از کتاب ها

از باور نکردنی مجسمه های کتاباز برایان دتمر و گای لارامی گرفته تا مجسمه دیواری در حال فروپاشی آنوک کرویتوف و ایگلو پیچیده اثر میلر لاگوس. پیش از این هرگز کتاب ها تا این حد محبوب نبوده اند هنر. بر اساس این واقعیت که همه چیز مردم بیشتریتغییر به کتاب های الکترونیکی، این آثار هنری ارزش مضاعف دارند. آنها یادآوری خوبی هستند که علیرغم این واقعیت که ما در عصر اینترنت زندگی می کنیم، کتاب ها همیشه جایگاه ویژه ای خواهند داشت.

2. نصب چتر زیبا

اغلب چترها تا زمانی که باران ببارد در کمد قرار می گیرند، اما در داخل اخیراآنها به طور فزاینده ای در تاسیسات مختلف در سراسر جهان ظاهر می شوند. چترهای پرتغالی از همه رنگ های رنگین کمان، یک نصب صورتی در بلغارستان - این برای این نیست که مردم خیس نشوند، بلکه برای اینکه نشان دهیم چگونه می توان یک هنر کامل را از اشیاء معمولی ایجاد کرد.

3. هنر خیابانی تعاملی

هنر خیابانی نه تنها برای اهداف اجتماعی یا سیاسی، بلکه صرفاً برای جلب رضایت عابران ایجاد شده است. از کودکانی که دوچرخه‌های ارنست زاچارویچ را سوار می‌کنند تا پله‌های مترو پانیا کلارک، این تاسیسات برای تعامل ساخته شده‌اند. عابران عمداً یا حتی بدون اینکه بدانند، بخشی از هنر می شوند و بعد جدیدی را به یک اثر جالب می بخشند.

4. خلاقیت ساخته شده از هزاران چیز

خلاقیت که از هزاران چیز خلق شده، همیشه جالب است. رودخانه‌ای روان از کتاب‌های Luzinterruptus، پرنده‌ای قرمز روشن که از دکمه‌ها و پین‌های ران هوانگ خلق شده است، این نصب‌ها به ما نشان می‌دهند که هزاران چیز در دستان خالقان صبور چگونه می‌توانند به نظر برسند. چه کسی می‌دانست که اگر کریستین فور نبود، می‌توان یک پرتره پیکسل‌دار را با مدادهای نوک تیز ساخت؟ این نمونه خوبی از نبوغ در هنر است.

5. مجسمه های حماسی از لگو

در حالی که آجرهای پلاستیکی برای بچه ها یک محصول کلاسیک لگو هستند، برخی از طراحان از آنها برای خلق مجسمه های حماسی استفاده می کنند. اینها مجسمه های شگفت انگیزبا دقت بسیار ساخته شده، آجر به آجر - یک خانه ترسناک ویکتوریایی، غار زیرزمینی بتمن، کولوسئوم رومی، خانه ای از جنگ ستارگان- همه آنها شگفت انگیز هستند.

6. خلاقیت در تمام رنگ های رنگین کمان

خلاقیت های یک یا دو رنگ کسل کننده هستند - چطور در مورد خلاقیت هایی که همه رنگ های رنگین کمان را ترکیب می کنند! سازندگان این تاسیسات می دانند چگونه شما را لبخند بزنند. راهروی پنجره‌دار کریستوفر جنی یا بمب‌های دودی رنگارنگ اولاف برونینگ نه تنها زیبا هستند، بلکه باید تجربه شوند. حتی ماشین‌های اوریگامی و اسباب‌بازی وقتی در رنگین کمانی از رنگ‌ها چیده شوند، سرگرم‌کننده‌تر به نظر می‌رسند.

7. مجموعه ای از افراد کوچک

این عکس ها به ما نشان می دهد که مردم چقدر کوچک زندگی می کنند. صحنه های غذا توسط کریستوفر بافولی یا مینی کیت ها در خیابان توسط طراح اسلینکاچو، این خلاقیت های زیبا داستان را روایت می کند. داستان های خنده دارلیلیپوتیانی که خواهند فهمید و مردم عادی. این هنر واقعی است و باعث می‌شود آنچه را که هرگز احساس نکرده‌ایم احساس کنیم.

8. هزاران لامپ ال ای دی

این چیدمان ها و مجسمه ها در شب یا در اتاق تاریک بهتر دیده می شوند. لی هو با کمک دود و لیزر بستری ترسناک ایجاد کرد که باعث ایجاد احساسات متفاوتی می شود. ماکوتو توجیکی لامپ های روشنایی را به طناب آویزان می کند و مجسمه های نورانی باشکوهی از مردم، اسب ها و پرندگان خلق می کند. پاناسونیک 100000 لامپ ال ای دی را در رودخانه شناور کرد تا درخشش کرم شب تاب را بازسازی کند.

9. نصب نخ

نه تنها مادربزرگ ها از نخ استفاده می کنند. اخیراً بیشتر و بیشتر از آنها در عکس ها یا مجسمه های قدیمی استفاده می شود. طراح Perspicere نخ ها را به گونه ای کشید که پاشیده شدن رنگ را به شکل سیگنال بتمن تقلید کنند. Gabriel Dawe با چسباندن اینستالیشن شگفت انگیز در هر رنگی از رنگین کمان ایجاد کرده است مقدار زیادیکلاف نخ تا سقف ظاهراً موضوعات موجود در طرح اکنون مرتبط هستند.

10. نصب های تعاملی هیجان انگیز

در حالی که وقتی طراح در حال کار است، نصب در فضای باز می تواند بسیار خوب باشد چهار دیواری- این به او اجازه می دهد تا دورتر بچرخد. طراح فرانسوی سرژ سالات از بازدیدکنندگان دعوت می کند تا در لایه های متعدد Beyond قدم بزنند، تجربه ای چندرسانه ای که هنر شرقی را با هنر رنسانس غربی ترکیب می کند. Yayoi Kusama نشان می دهد که چه اتفاقی می افتد زمانی که به کودکان مقدار نامحدودی از برچسب های رنگارنگ داده می شود. باربیکن در لندن اخیراً یک اتاق بارانی ایجاد کرده است که بازدیدکنندگان در آن خیس نمی شوند. چه کسی دوست ندارد از یکی از این تاسیسات بازدید کند؟

یکی از راه های اصلی ما فکر می کنیم. نتیجه آن آموزش ترین است مفاهیم کلیو احکام (انتزاعات). در هنر تزئینی، انتزاع فرآیند تلطیف فرم های طبیعی است.

AT فعالیت هنریانتزاع همیشه وجود دارد. در بیان افراطی خود در هنر تجسمی، منجر به انتزاع گرایی می شود، روندی خاص در هنرهای تجسمی قرن بیستم، که با رد تصویر اشیاء واقعی، تعمیم نهایی یا طرد کامل فرم، غیر عینی مشخص می شود. ترکیبات (از خطوط، نقاط، نقاط، هواپیماها و غیره)، آزمایش با رنگ، بیان خود به خودی دنیای درونیهنرمند، ضمیر ناخودآگاه خود را در هرج و مرج، سازمان نیافته است فرم های انتزاعی(اکسپرسیونیسم انتزاعی). نقاشی های هنرمند روسی V. Kandinsky را می توان به این جهت نسبت داد.

نمایندگان برخی از گرایش‌ها در هنر انتزاعی ساختارهایی با نظم منطقی ایجاد کردند که جستجو برای سازماندهی منطقی فرم‌ها در معماری و طراحی را تکرار می‌کردند (سوپرماتیسم نقاش روسی K. Malevich، ساخت‌گرایی و غیره) انتزاع‌گرایی در مجسمه‌سازی کمتر از رنگ آمیزی.

انتزاع گرایی پاسخی به ناهماهنگی عمومی بود دنیای مدرنو موفق بود زیرا رد خودآگاه را در هنر اعلام می کرد و خواهان «دست کشیدن از ابتکار عمل به فرم ها، رنگ ها، رنگ ها» بود.

واقع گرایی

از fr. realisme، از لات. realis - واقعی. در هنر، به معنای وسیع، بازتابی صادقانه، عینی و جامع از واقعیت با ابزارهای خاص ذاتی انواع خلاقیت هنری است.

ویژگی مشترک روش رئالیسم، قابلیت اطمینان در بازتولید واقعیت است. در عین حال، هنر رئالیستی دارای طیف گسترده ای از روش های شناخت، تعمیم، بازتاب هنری واقعیت است (G.M. Korzhev، M.B. Grekov، A.A. Plastov، A.M. Gerasimov، T.N. Yablonskaya، P.D. Korin و دیگران).

هنر واقع گرایانه قرن بیستم. روشن به دست می آورد صفات ملیو انواع فرم ها رئالیسم نقطه مقابل مدرنیسم است.

آوانگارد

از fr. آوانت - پیشرفته، گارد - جدایی - مفهومی که اقدامات تجربی و مدرنیستی را در هنر تعریف می کند. در هر دوره، پدیده های نوآورانه ای در هنرهای تجسمی به وجود آمد، اما اصطلاح "آوانگارد" تنها در آغاز قرن بیستم ایجاد شد. در این زمان، گرایش هایی مانند فوویسم، کوبیسم، فوتوریسم، اکسپرسیونیسم، انتزاع گرایی ظاهر شد. سپس، در دهه‌های 20 و 30، مواضع آوانگارد توسط سوررئالیسم اتخاذ شد. در دوره دهه 60 تا 70 انواع جدیدی از انتزاع گرایی اضافه شد - اشکال مختلف اکشن گرایی، کار با اشیا (پاپ آرت)، هنر مفهومی، فوتورئالیسم، جنبش گرایی و غیره. هنرمندان آوانگارد نوع اعتراض خود را نسبت به آن ابراز می کنند. فرهنگ سنتی.

در تمام جهات آوانگارد، با وجود آنها تنوع بزرگ، قابل تشخیص است ویژگی های مشترک: رد هنجارهای تصویر کلاسیک، تازگی رسمی، تغییر شکل فرم ها، بیان و دگرگونی های مختلف بازی. همه اینها منجر به محو شدن مرزهای بین هنر و واقعیت (آماده، نصب، محیط)، ایجاد یک ایده آل می شود. کار بازهنر، تهاجم مستقیم به محیط هنر آوانگارد برای گفتگو بین هنرمند و بیننده، تعامل فعال یک فرد با یک اثر هنری، مشارکت در خلاقیت (به عنوان مثال، هنر جنبشی، اتفاق و غیره) طراحی شده است.

آثار گرایش های آوانگارد گاهی منشأ تصویری خود را از دست می دهند و با اشیاء واقعیت اطراف یکسان می شوند. جهت های مدرنآوانگاردیسم به شدت در هم تنیده شده اند و اشکال جدیدی از هنر مصنوعی را شکل می دهند.

زیرزمینی

انگلیسی زیر زمین - زیر زمین، سیاه چال. مفهومی به معنای فرهنگ «زیرزمینی» که خود را در مقابل قراردادها و محدودیت های فرهنگ سنتی قرار می دهد. نمایشگاه های هنرمندان این سمت اغلب نه در سالن ها و گالری ها، بلکه مستقیماً روی زمین و همچنین در معابر زیرزمینی یا مترو برگزار می شد که در تعدادی از کشورها به آن زیرزمینی (زیرزمینی) می گویند. شاید، این شرایطهمچنین بر این واقعیت تأثیر گذاشت که پشت این روند در هنر قرن بیستم. نام تایید شد

در روسیه، مفهوم زیرزمینی به عنوانی برای جامعه هنرمندانی تبدیل شده است که هنرهای غیر رسمی را نمایندگی می کنند.

سوررئالیسم

Fr. سوررئالیسم - فوق رئالیسم. جهت در ادبیات و هنر قرن XX. در دهه 1920 تاسیس شد. سوررئالیسم که به ابتکار نویسنده A. Breton در فرانسه سرچشمه گرفت، به زودی به یک گرایش بین المللی تبدیل شد. سوررئالیست ها معتقد بودند که انرژی خلاق از قلمرو ناخودآگاه می آید که خود را در هنگام خواب، هیپنوتیزم، هذیان دردناک، بینش های ناگهانی، اقدامات خودکار نشان می دهد. پیاده روی تصادفیمداد روی کاغذ و غیره)

هنرمندان سوررئالیست، بر خلاف انتزاع گرایان، از به تصویر کشیدن اشیاء واقعی امتناع نمی ورزند، بلکه آنها را در هرج و مرج، عمداً عاری از روابط منطقی، بازنمایی می کنند. فقدان معنا، رد بازتاب معقول واقعیت، اصل اصلی هنر سوررئالیسم است. نام این جهت از انزوا از زندگی واقعی صحبت می کند: "سور" در فرانسوی "بالا" است. هنرمندان تظاهر به انعکاس واقعیت نداشتند، بلکه از نظر ذهنی آفرینش‌های خود را بالاتر از رئالیسم قرار می‌دادند و خیال‌پردازی‌های هذیانی را به عنوان آثار هنری می‌پنداشتند. بنابراین، تعداد نقاشی‌های سوررئالیستی شامل آثار مشابه و غیرقابل توضیح M. Ernst، J. Miro، I. Tanguy و همچنین اشیایی بود که توسط سوررئالیست‌ها غیرقابل تشخیص پردازش شده بودند (M. Oppenheim).

جهت سوررئالیستی، که توسط S. Dali رهبری می شد، مبتنی بر دقت واهی بازتولید تصویری غیر واقعی بود که در ناخودآگاه بوجود می آید. نقاشی‌های او با شیوه نگارش دقیق، انتقال دقیق کیاروسکورو، پرسپکتیو متمایز می‌شوند که نمونه‌ای برای نقاشی آکادمیک. بیننده که تسلیم متقاعد کننده بودن نقاشی توهم می شود به هزارتوی فریب ها و رازهای حل نشدنی کشیده می شود: اجسام جامد پخش می شوند، اجسام متراکم شفاف می شوند، اجسام ناسازگار می پیچند و به سمت بیرون می چرخند، حجم های عظیم بی وزن می شوند و همه اینها تصویری را ایجاد می کند. که در واقعیت غیرممکن است

این واقعیت معلوم است. یک بار در نمایشگاهی در مقابل اثری از س. دالی، بیننده برای مدت طولانی ایستاده بود و با دقت نگاه می کرد و سعی می کرد معنی را بفهمد. بالاخره با ناامیدی کامل گفت: منظورش را نمی فهمم! صدای تعجب حضار توسط س.دالی که در نمایشگاه حضور داشت شنیده شد. این هنرمند با بیان اصل اساسی هنر سوررئالیستی: نقاشی بدون فکر کردن، بدون فکر کردن، رها کردن عقل و منطق گفت: "اگر من خودم آن را نفهمم، چگونه می توانی معنی آن را بفهمی؟"

نمایشگاه آثار سوررئالیستی معمولاً با رسوایی همراه بود: تماشاگران خشمگین بودند و به چیزهای مضحک نگاه می کردند. عکس های نامفهوم، معتقد بودند که آنها را فریب می دهند، ابهام می کنند. سوررئالیست ها مخاطب را سرزنش کردند، اعلام کردند که عقب مانده اند، به خلاقیت هنرمندان "پیشرفته" رشد نکرده اند.

ویژگی های کلی هنر سوررئالیسم عبارتند از: فانتزی پوچ، تمثیل، ترکیب متناقض اشکال، بی ثباتی بصری، تغییرپذیری تصاویر. هنرمندان به تقلید روی آوردند هنر بدوی، خلاقیت کودکان و بیماران روانی.

هنرمندان این گرایش می خواستند واقعیتی را بر روی بوم های خود خلق کنند که واقعیتی را که ناخودآگاه برانگیخته است منعکس نکند، اما در عمل این امر منجر به خلق تصاویری بیمارگونه، التقاط گرایی و کیچ (آلمانی - kitsch؛ تولید انبوه ارزان و بی مزه طراحی شده است. برای یک اثر خارجی).

برخی از یافته های سوررئالیستی در مناطق تجاری مورد استفاده قرار گرفتند. هنرهای تزئینی، مثلا توهمات نوری، به شما امکان می دهد بسته به جهت دید، دو تصویر یا صحنه متفاوت را در یک تصویر ببینید.

آثار سوررئالیست‌ها پیچیده‌ترین تداعی‌ها را برمی‌انگیزد، آنها را می‌توان در درک ما با شر شناسایی کرد. رؤیاهای وحشتناک و رویاهای بت، خشونت، ناامیدی - این احساسات در نسخه های مختلف در آثار سورئالیست ها ظاهر می شود، به طور فعال بیننده را تحت تاثیر قرار می دهد، پوچ بودن آثار سوررئالیسم بر تخیل و روان انجمنی تأثیر می گذارد.

سوررئالیسم بحث برانگیز است پدیده هنری. بسیاری از چهره‌های فرهنگی واقعاً پیشرفته که متوجه شدند این روند هنر را نابود می‌کند، متعاقباً دیدگاه‌های سوررئالیستی را کنار گذاشتند (هنرمندان P. Picasso، P. Klee و دیگران، شاعران F. Lorca، P. Neruda، کارگردان اسپانیایی L. Bunuel، که فیلم‌های سورئالیستی ساختند). در اواسط دهه 1960، سوررئالیسم جای خود را به رشته‌های جدید و حتی پر زرق و برق‌تر مدرنیسم داده بود، اما آثار عجیب و غریب، عمدتاً زشت و مزخرف سوررئالیست‌ها هنوز سالن‌های موزه‌ها را پر می‌کند.

مدرنیسم

Fr. مدرنیسم، از لات. modernus - جدید، مدرن. نامگذاری جمعی برای همه آخرین روندها، گرایش ها، مکاتب و فعالیت های تک تک استادان هنر قرن بیستم، سنت شکنی، واقع گرایی و پایه و اساس در نظر گرفتن تجربه روش خلاقانه(فویسم، اکسپرسیونیسم، کوبیسم، فوتوریسم، انتزاع گرایی، دادائیسم، سوررئالیسم، هنر پاپ، هنر اپ، هنر جنبشی، هایپررئالیسم و ​​غیره). مدرنیسم از نظر معنایی به آوانگاردیسم نزدیک است و در مقابل آکادمیزم است. مدرنیسم توسط منتقدان هنر شوروی به عنوان یک پدیده بحرانی فرهنگ بورژوازی منفی ارزیابی شد. هنر در انتخاب خود آزادی دارد مسیرهای تاریخی. تضادهای مدرنیسم را نه به صورت ایستا، بلکه در پویایی تاریخی باید در نظر گرفت.

هنر پاپ

انگلیسی هنر پاپ، از هنر عامه پسند - هنر عامه پسند. جهت در هنر اروپای غربیو ایالات متحده از اواخر دهه 1950. اوج هنر پاپ در دهه پرتلاطم دهه 60 بود، زمانی که شورش های جوانان در بسیاری از کشورهای اروپا و آمریکا آغاز شد. جنبش جوانان هدف واحدی نداشت - آن را با ارتداد انکار متحد کرد.

جوانان آماده بودند تا تمام فرهنگ گذشته را به دریا بیندازند. همه اینها در هنر منعکس شده است.

یکی از ویژگی های بارز هنر پاپ، ترکیب چالش با بی تفاوتی است. همه چیز به همان اندازه با ارزش است یا به همان اندازه بی بها، به همان اندازه زیبا یا به همان اندازه زشت است، به همان اندازه شایسته یا بی ارزش است. شاید فقط کسب و کار تبلیغاتیبر اساس همان نگرش بی‌رحمانه تجاری نسبت به همه چیز در جهان. تصادفی نیست که این تبلیغات بود که تأثیر زیادی بر هنر پاپ داشت و بسیاری از نمایندگان آن در مراکز تبلیغاتی کار می کردند و هنوز هم کار می کنند. سازندگان تبلیغات و نمایش‌ها می‌توانند پودر لباسشویی و یک شاهکار هنری معروف را در ترکیبی که نیاز دارند، تکه تکه کنند. خمیر دندانو فوگ باخ پاپ آرت هم همین کار را می کند.

انگیزه ها فرهنگ توده ایتوسط هنر پاپ به طرق مختلف مورد بهره برداری قرار گرفته است. از طریق یک کولاژ یا عکس وارد تصویر می شود اشیاء واقعی، به عنوان یک قاعده، در ترکیبات غیر منتظره یا کاملا پوچ (R. Rauschenberg، E. War Hall، R. Hamilton). نقاشی می تواند تقلید کند تکنیک های ترکیب بندیو تکنیک بیلبوردها، تصویر یک کتاب کمیک را می توان به اندازه یک بوم بزرگ بزرگ کرد (R. Lichtenstein). مجسمه سازی را می توان با آدمک ها ترکیب کرد. به عنوان مثال، هنرمند K. Oldenburg شباهت مدل های نمایش را ایجاد کرد محصولات غذاییاندازه های بزرگ از مواد غیر معمول.

اغلب مرزی بین مجسمه سازی و نقاشی وجود ندارد. یک اثر هنری پاپ آرت اغلب نه تنها سه بعدی دارد، بلکه کل فضای نمایشگاه را نیز پر می کند. به دلیل چنین دگرگونی هایی، تصویر اصلی یک شیء فرهنگ توده ای به روشی کاملاً متفاوت از یک محیط واقعی روزمره دگرگون شده و درک می شود.

مقوله اصلی پاپ آرت نیست تصویر هنری، اما "تعریف" آن، که نویسنده را از فرآیند ساخت بشر از ایجاد آن، تصویر چیزی (M. Duchamp) نجات می دهد. این فرآیند به منظور گسترش مفهوم هنر و گنجاندن فعالیت های غیر هنری در آن، «خروج» هنر به عرصه فرهنگ توده ای مطرح شد. هنرمندان پاپ آرت آغازگر شکل هایی مانند اتفاق، نصب شی، محیط و سایر اشکال بودند هنر مفهومی. روندهای مشابه: زیرزمینی، هایپررئالیسم، اوپ آرت، آماده و غیره.

اپ آرت

انگلیسی op art، به اختصار. از هنر نوری - هنر نوری. روندی در هنر قرن بیستم که در دهه 1960 رواج یافت. هنرمندان اپ آرت از انواع مختلفی استفاده کردند توهمات بصری، بر اساس ویژگی های ادراک فیگورهای مسطح و فضایی. اثرات حرکت فضایی، ادغام، فرم‌های شناور با معرفی تکرارهای ریتمیک، تضادهای رنگی و تن صدا، تقاطع پیکربندی‌های مارپیچی و شبکه‌ای، خطوط پرپیچ و خم به دست آمد. در اپ آرت، نصب‌های تغییر نور، سازه‌های دینامیکی اغلب مورد استفاده قرار می‌گرفتند (در بخش هنر جنبشی بیشتر بحث شد). توهمات حرکت روان، تغییر پی در پی تصاویر، شکلی ناپایدار و در حال بازسازی پیوسته در اوپ آرت تنها در احساس بیننده پدید می آید. جهت ادامه خط فنی مدرنیسم است.

هنر جنبشی

از gr. kinetikos - در حال حرکت. گرایشی در هنر معاصر که با استفاده گسترده از سازه های متحرک و سایر عناصر دینامیک مرتبط است. مانند جنبشی جهت مستقلدر نیمه دوم دهه 1950 شکل گرفت، اما قبل از آن آزمایش هایی در ایجاد شکل پذیری پویا در ساخت گرایی روسی (V. Tatlin، K. Melnikov، A. Rodchenko)، دادائیسم انجام شد.

قبل از هنر عامیانههمچنین نمونه هایی از اشیاء و اسباب بازی های متحرک را به ما نشان داد، مانند پرندگان چوبی شادی از منطقه آرخانگلسک، اسباب بازی های مکانیکی که فرآیندهای کار را از روستای بوگورودسکویه تقلید می کنند و غیره.

در هنر جنبشی، حرکت به روش های مختلف معرفی می شود، برخی از آثار به صورت دینامیکی توسط خود بیننده تغییر شکل می دهند، برخی دیگر - با نوسانات در محیط هوا، و برخی دیگر توسط یک موتور یا نیروهای الکترومغناطیسی به حرکت در می آیند. تنوع مواد مورد استفاده بی پایان است - از وسایل فنی سنتی تا فوق مدرن، تا کامپیوتر و لیزر. آینه ها اغلب در ترکیبات جنبشی استفاده می شوند.

در بسیاری از موارد، توهم حرکت با تغییر نور ایجاد می شود - در اینجا سینتیکیسم با اوپ آرت ادغام می شود. تکنیک های جنبشی به طور گسترده در سازماندهی نمایشگاه ها، نمایشگاه ها، دیسکوها، در طراحی میادین، پارک ها، فضای داخلی عمومی استفاده می شود.

جنبش گرایی برای سنتز هنرها تلاش می کند: حرکت یک شی در فضا را می توان با جلوه های نوری، صدا، موسیقی نور، یک فیلم و غیره تکمیل کرد.
تکنیک های هنر مدرن (آوانگارد).

هایپررئالیسم

انگلیسی هایپررئالیسم جهتی در نقاشی و مجسمه سازی که در ایالات متحده بوجود آمد و در دهه 70 قرن بیستم به رویدادی در دنیای هنرهای زیبا تبدیل شد.

نام دیگر هایپررئالیسم فوتورئالیسم است.

هنرمندان این گرایش از یک عکس با وسایل تصویری روی بوم تقلید کردند. آنها دنیای یک شهر مدرن را به تصویر می کشیدند: ویترین مغازه ها و رستوران ها، ایستگاه های مترو و چراغ های راهنمایی، ساختمان های مسکونی و رهگذران در خیابان ها. در عین حال، توجه ویژه ای به سطوح براق و منعکس کننده نور شد: شیشه، پلاستیک، پولیش خودرو و غیره. بازی انعکاس روی چنین سطوحی تصور نفوذ فضاها را به وجود می آورد.

هدف هایپررئالیست ها این بود که جهان را نه تنها با اطمینان، بلکه فوق العاده محتمل و فوق واقعی به تصویر بکشند. برای این کار استفاده کردند روش های مکانیکیکپی کردن عکس ها و بزرگ کردن آنها به اندازه یک بوم بزرگ (پرده برداری بالای سر و شبکه مقیاس). رنگ، به عنوان یک قاعده، برای حفظ تمام ویژگی های تصویر عکاسی، برای جلوگیری از تجلی دست خط فردی هنرمند، با یک قلم مو اسپری می شد.

علاوه بر این، بازدیدکنندگان از نمایشگاه هایی در این راستا می توانستند در سالن ها ملاقات کنند چهره های انسانی، ساخته شده از مواد پلیمری مدرن در اندازه واقعی، لباسی آماده پوشیده و به گونه ای رنگ آمیزی شده اند که هیچ تفاوتی با مخاطبان نداشته باشند. این موضوع باعث سردرگمی زیادی شد و مردم را شوکه کرد.

فوتورئالیسم وظیفه تیزکردن درک ما از زندگی روزمره، نمادی از محیط مدرن، انعکاس زمان ما در اشکال "هنرهای فنی" را که دقیقاً در عصر پیشرفت تکنولوژیک ما گسترش یافته است، برای خود قرار داده است. تثبیت و افشای مدرنیته، پنهان کردن عواطف نویسنده، فوتورئالیسم در آثار برنامه‌ریزی شده خود را در مرز هنرهای زیبا یافت و تقریباً از آن عبور کرد، زیرا به دنبال رقابت با خود زندگی بود.

آماده

انگلیسی آماده - آماده. یکی از تکنیک های رایج هنر مدرن (آوانگارد) که شامل این واقعیت است که موضوع تولید صنعتی از محیط معمول روزمره خارج شده و به نمایش گذاشته می شود. سالن نمایشگاه.

معنی آماده به این صورت است: وقتی محیط تغییر می کند، درک شی نیز تغییر می کند. بیننده در آیتم روی سکو، نه یک چیز سودمند، بلکه یک شی هنری، بیان فرم و رنگ را می بیند. نام آماده برای اولین بار در 1913-1917 توسط M. Duchamp در رابطه با "اشیاء آماده" او (شانه، چرخ دوچرخه، خشک کن بطری) استفاده شد. در دهه 60، آماده در زمینه های مختلف هنر آوانگارد، به ویژه در دادائیسم، رواج یافت.

نصب و راه اندازی

از انگلیسی. نصب - نصب. یک ترکیب فضایی ایجاد شده توسط یک هنرمند از عناصر مختلف - اقلام خانگی، محصولات و مواد صنعتی، اشیاء طبیعی، متن یا اطلاعات بصری. بنیانگذاران اینستالیشن، دادائیست ام. دوشان و سوررئالیست ها بودند. با ایجاد ترکیبات غیر معمول از چیزهای معمولی، هنرمند به آنها چیز جدیدی می دهد معنای نمادین. محتوای زیبایی‌شناختی اینستالیشن در بازی معانی معنایی است که بسته به جایی که شی در آن قرار دارد - در یک محیط آشنای روزمره یا در یک سالن نمایشگاه تغییر می‌کند. اینستالیشن توسط بسیاری از هنرمندان آوانگارد R. Rauschenberg، D. Dine، G. Ucker، I. Kabakov ساخته شده است.

نصب یک شکل هنری است که در قرن بیستم رایج شده است.

محیط

انگلیسی محیط - محیط، محیط. ترکیب فضایی گسترده که بیننده را مانند یک محیط واقعی در آغوش می‌گیرد، یکی از فرم‌های مشخصه هنر آوانگارد دهه‌های 60 و 70 است. محیط طبیعی با تقلید از فضای داخلی با چهره های مردم توسط مجسمه های D. Segal، E. Kienholz، K. Oldenburg، D. Hanson ساخته شده است. چنین تکرارهایی از واقعیت می‌تواند شامل عناصر داستان هذیانی باشد. نوع دیگر محیط، فضای بازی است که اعمال خاصی از مخاطب را در بر می گیرد.

اتفاق می افتد

انگلیسی اتفاق می افتد - اتفاق می افتد، اتفاق می افتد. نوعی اکشن گرایی، رایج ترین در هنر آوانگارد دهه 60 و 70. اتفاق به‌عنوان یک رویداد، به‌جای سازمان‌دهی، به‌عنوان یک رویداد توسعه می‌یابد، اما آغاز‌کنندگان کنش لزوماً مخاطب را در آن مشارکت می‌دهند. اتفاق در اواخر دهه 1950 به عنوان شکلی از تئاتر آغاز شد. در آینده، هنرمندان اغلب درگیر سازماندهی رویدادها به طور مستقیم در محیط شهری یا در طبیعت هستند.

آنها این فرم را نوعی کار متحرک می دانند که در آن محیط، اشیاء نقشی کمتر از شرکت کنندگان زنده در کنش ندارند.

عمل این اتفاق آزادی هر شرکت کننده و دستکاری اشیاء را تحریک می کند. همه اقدامات طبق یک برنامه از قبل برنامه ریزی شده توسعه می یابند، که در آن، با این حال، اهمیت زیادی به بداهه گویی داده می شود، که به انگیزه های ناخودآگاه مختلف تخلیه می شود. اتفاق ممکن است شامل عناصر طنز و فولکلور باشد. این اتفاق به وضوح بیانگر تمایل آوانگارد برای ادغام هنر با مسیر زندگی خود بود.

و در نهایت پیشرفته ترین هنر معاصر- سوپر هواپیما

ابر هواپیما

Superflat اصطلاحی است که توسط هنرمند معاصر ژاپنی تاکاشی موراکامی ابداع شده است.

اصطلاح Superflat به منظور توضیح زبان بصری جدید که به طور فعال توسط نسل جوان استفاده می شود ایجاد شد. هنرمندان ژاپنیمانند تاکاشی موراکامی: «به واقعیت طراحی و نقاشی ژاپنی و تفاوت آن با هنر غربی فکر می کردم. برای ژاپن، احساس صافی مهم است. فرهنگ ما سه بعدی نیست. اشکال دوبعدی تایید شده در تاریخ نقاشی ژاپنیشبیه به زبان بصری ساده و مسطح انیمیشن مدرن، کمیک و طراحی گرافیکی."

هنر معاصر قرن بیست و یکم، به طور دقیق تر، پایان قرن بیستم - آغاز قرن بیست و یکم. این مورد در این مقاله، سومین مقاله از یک سری بحث خواهد شد. راهنمای هنر معاصرما به آشنایی خود با هنر معاصر ادامه خواهیم داد. بارزترین روندهای اواخر قرن بیستم - اوایل قرن بیست و یکم را در نظر بگیرید.

هنری که در آن معنا کم، اما معنا زیادی وجود دارد (الکساندر جنیس)

هنر اواخر قرن بیستم - اوایل قرن بیست و یکم- همه چیزخوار، کنایه آمیز، سمی، دموکراتیک - به نام غروب دوران عالی. پست مدرنیست ها در موقعیتی قرار گرفته اند که همه چیز قبل از آنها گفته شده است. و تنها کاری که آنها باید انجام دهند این است که از آنچه ساخته اند استفاده کنند، سبک ها را با هم ترکیب کنند، اگر نگوییم جدید، اما هنری قابل تشخیص خلق کنند…

در 2 مقاله قبلی این مجموعه در نظر گرفتیم:

• قسمت 3. اواخر قرن 20 - اوایل قرن 21 ( در این مقاله در نظر بگیرید)

همانطور که در 2 مقاله قبلی، برای هر نوع هنر مکان ها نشان داده خواهد شد - شهرها، موزه ها، سایت هاجایی که می توانید کار آنها را ببینید نمایندگان برجسته. این مقاله نیز مانند دو مقاله قبلی می تواند به یک مقاله دیگر تبدیل شود انگیزه ای برای شما برای سفرهای جدید!

از مقاله یاد خواهید گرفت: هنر برجسته ترین جهت اواخر قرن 20 - اوایل قرن 21 است.

1. نئورئالیسم؛
2. هنر مینیمال؛
3. پست مدرن؛
4. هایپررئالیسم؛
5. نصب و راه اندازی؛
6. محیط؛
7. ویدئو آرت؛
8. گرافیتی;
9. ترنساوانگارد;
10. هنر بدن؛
11. استاکیسم؛
12. نئوپلاستیسیزم؛
13. هنر خیابانی؛
14. هنر پستی؛
15. بدون هنر

1. نئورئالیسم. این هنر ایتالیای پس از جنگ است که با بدبینی پس از جنگ دست و پنجه نرم می کرد.

جبهه جدید هنر انتزاع گرایان و رئالیست ها را متحد کرد و تنها 4 سال دوام آورد. اما هنرمندان مشهور از آن بیرون آمدند: گابریل موکی، رناتو گوتوزو، ارنستو ترکانی. آنها کارگران و دهقانان را به وضوح و واضح به تصویر می کشیدند.

روندهای مشابهی در کشورهای دیگر ظاهر شد، اما مکتب نئورئالیسم، که در آمریکا با تلاش دیوارنگار دیگو ریورا ظاهر شد، درخشان ترین مکتب محسوب می شود.

تماشا کنید: رناتو گوتوزو - کاخ کیارامونته (پالرمو، ایتالیا)، نقاشی های دیواری دیگو ریورا - کاخ ریاست جمهوری (مکزیکو سیتی، مکزیک).

تکه ای از نقاشی دیواری دیگو ریورا برای هتل پرادو در مکزیکوسیتی "رویای یکشنبه در پارک آلامدا"، 1948

2. حداقل هنر. این جهت آوانگارد است. از فرم های ساده استفاده می کند و هرگونه تداعی را حذف می کند.

این جهت در اواخر دهه 60 در ایالات متحده ظاهر شد. مینیمالیست ها مارسل دوشان (آماده)، پیت موندریان (نئوپلاستیسیسم) و کازیمیر مالویچ (سوپرماتیسم) را پیشینیان مستقیم خود می نامند و مربع سیاه او را اولین اثر هنر مینیمال می نامند.

ترکیبات بسیار ساده و هندسی درست - جعبه های پلاستیکی، میله های فلزی، مخروط ها - روی شرکت های صنعتیاز طرح های هنرمندان

تماشا کردن:

آثار دونالد جاد، کارل آندره، سائول لویت - موزه گوگنهایم (نیویورک، ایالات متحده آمریکا)، موزه هنر مدرن (نیویورک، ایالات متحده آمریکا)، موزه هنر متروپولیتن (نیویورک، ایالات متحده آمریکا).

3. پست مدرن. این فهرست طولانی از روندهای غیرواقعی اواخر قرن بیستم است.

وانچگی موتو. کلاژ "ارگان های تناسلی یک زن بالغ"، 2005

چرخه گرایی از ویژگی های هنر است، اما پست مدرن اولین نمونه از «نفی نفی» بود. در آغاز، مدرنیسم کلاسیک را رد کرد و پس از آن پست مدرنیسم مدرنیسم را رد کرد، همانطور که قبلاً کلاسیک ها را رد کرده بود. پست مدرنیست ها به آن اشکال و سبک هایی بازگشتند که قبل از مدرنیسم بود، اما در سطحی بالاتر.

پست مدرنیسم محصول دوران فناوری های جدید است. بنابراین آن را ویژگی برجستهآمیزه ای از سبک ها، تصاویر، دوره های مختلف و خرده فرهنگ ها است. نکته اصلی برای پست مدرنیست ها نقل قول بود، شعبده بازی ماهرانه با نقل قول ها.

تماشا کنید: گالری تیت (لندن، بریتانیا)، موزه ملیمرکز هنرهای معاصر پمپیدو (پاریس، فرانسه)، موزه گوگنهایم (نیویورک، ایالات متحده آمریکا).

4. هایپررئالیسم. هنری که از عکاسی تقلید می کند.

چاک بستن "رابرت"، 1974

به این هنر سوپررئالیسم، فوتورئالیسم، رئالیسم رادیکال یا رئالیسم سرد نیز می گویند. این جهت در دهه 60 در آمریکا ظاهر شد و پس از 10 سال در اروپا فراگیر شد.

هنرمندان این مسیر دقیقاً از جهان همانطور که در عکس می بینیم کپی می کنند. در آثار هنرمندان کنایه خاصی بر تکنوژن خوانده می شود. هنرمندان بیشتر صحنه هایی از زندگی یک کلان شهر مدرن را به تصویر می کشند.

تماشا کردن:آثار چاک کلوز، دان ادی، ریچارد استس - موزه هنر متروپولیتن، موزه گوگنهایم (نیویورک، ایالات متحده آمریکا)، موزه بروکلین (ایالات متحده آمریکا).

5. نصب و راه اندازی. این یک ترکیب در گالری است که می تواند از هر چیزی ایجاد شود، نکته اصلی این است که یک زیرمتن و یک ایده وجود دارد.

به احتمال زیاد، اگر ادرار نمادین دوشان نبود، این جهت وجود نداشت. اسامی نصب کنندگان بزرگ جهان: Dine، Rauschenberg، Beuys، Kunnelis و Kabakov.

نکته اصلی در اینستالیشن خود زیرمتن و فضایی است که هنرمندان با اشیاء پیش پا افتاده برخورد می کنند.

تماشا کنید: تیت مدرن (لندن، بریتانیا)، موزه گوگنهایم (نیویورک، ایالات متحده).

6. محیط زیست. این هنر ایجاد یک ترکیب سه بعدی است که دنیای واقعی را تقلید می کند.

به عنوان یک روند در هنر، محیط در دهه 20 قرن بیستم ظاهر شد. این هنرمند دادائیست چندین دهه از زمان خود جلوتر بود وقتی کار خود را "ساختمان مرتز" به مردم ارائه داد - یک ساختار سه بعدی ساخته شده از اشیاء و مواد مختلف که برای هیچ چیز غیر از تفکر مناسب نیست.

نیم قرن بعد ادوارد کینهولتز و جورج سیگل شروع به کار در این سبک کردند و موفق شدند. آنها در کار خود لزوماً عنصر تکان دهنده ای از فانتزی هذیانی را معرفی کردند.

ببینید: آثار ادوارد کینهولز و جورج سیگل - موزه هنر مدرن (استکهلم، سوئد).

7. ویدئو ART. این جهت در یک سوم پایانی قرن بیستم به دلیل ظهور دوربین های فیلمبرداری قابل حمل به وجود آمد.

این تلاش دیگری برای بازگرداندن هنر به واقعیت است، اما اکنون با کمک فناوری ویدیویی و رایانه ای. نام جون پیک آمریکایی ویدیویی از قدم زدن پاپ در خیابان های نیویورک فیلمبرداری کرد و اولین ویدیو آرتیست شد.

آزمایشات جون پیک بر تلویزیون تأثیر گذاشت، نماهنگ(او در انتهای کانال MTV ایستاده بود)، جلوه های کامپیوتری در فیلم. کار ژوئن پایک، بیل ویولا، این جهت هنری را به میدانی برای آزمایش تبدیل کرد. آنها پایه و اساس "تندیس های ویدئویی"، "ویدئو اینستالیشن" و "اپراهای ویدئویی" را گذاشتند.

تماشا کنید: ویدیو آرت از روانگردان تا اجتماعی (محبوب در چین، چن چه ین در Youtube.com)

8. گرافیتی. کتیبه ها و نقاشی هایی روی دیوار خانه ها که حامل پیامی جسورانه است.

برای اولین بار در دهه 70 در آمریکای شمالی ظاهر شد. گالری داران یکی از مناطق منهتن با ظاهرشان ارتباط داشتند. آنها حامیان هنری پورتوریکویی ها و جامائیکایی ها شدند که در همسایگی آنها زندگی می کردند. گرافیتی عناصر خرده فرهنگ شهری و قومی را ترکیب می کند.

نام‌هایی از تاریخ گرافیتی: کیت هرینگ، ژان میشل باسکیا، جان ماتوم، کنی شارف. شخص بدنام یک هنرمند گرافیتی از بنکسی بریتانیا است. در تمام سوغات فروشی های بریتانیا کارت پستال هایی با آثار او وجود دارد.

تماشا کنید: موزه گرافیتی (نیویورک، ایالات متحده آمریکا)، آثار بنکسی - در banksy.co.uk.

9. ترانس ونگارد. یکی از گرایش های نقاشی پست مدرن. گذشته، نقاشی جدید و بیان را ترکیب می کند.

اثر هنرمند ترانس‌آوانگارد الکساندر رویتبرد

نویسنده اصطلاح فراآوانگارد، منتقد معاصر بونیتو اولیوا است. او با این اصطلاح، کار 5 نفر از هموطنان خود را تعریف کرد - ساندرو چیا، انزو کوچی، فرانچسکو کلمنته، میمو پالادینو، نیکولو دی ماریا. ویژگی های کار آنها: ترکیبی از سبک های کلاسیک، عدم وابستگی به مکتب ملی، تمرکز بر لذت زیبایی شناختی و پویایی.

تماشا کنید: موزه مجموعه پگی گوگنهایم (ونیز، ایتالیا)، موزه هنر مدرن پالاتزو (ونیز، ایتالیا)، گالری هنر مدرن (میلان، ایتالیا)

10. هنر بدن. یکی از جهت گیری های اکشن گرایی. بدن به عنوان یک بوم عمل می کند.

هنر بدن یکی از مظاهر فرهنگ پانک دهه 70 است. این ارتباط مستقیم با مد خالکوبی و برهنگی است که در آن زمان ظاهر شد.

تصاویر زنده درست در مقابل تماشاگران ایجاد می‌شوند، روی ویدیو ضبط می‌شوند و سپس در گالری پخش می‌شوند. بروس نائومان در حال به تصویر کشیدن ادرار دوشان در یک گالری. دو گیلبرت و جورج مجسمه های زنده هستند. آنها نوع یک انگلیسی متوسط ​​را به تصویر می کشیدند.

ببینید: به عنوان مثال، در وب سایت هنرمند Orlan orlan.eu.

11. استاکیسم. انجمن هنری بریتانیایی نقاشی فیگوراتیو. در مقابل مفهوم گرایان.

اولین نمایشگاه در سال 2007 در لندن به عنوان اعتراض به گالری تیت برگزار شد. بر اساس یک روایت، آنها در رابطه با خرید آثار هنرمندان توسط گالری در جهت دور زدن قانون اعتراض کردند. سر و صدا در مطبوعات توجه را به استکرها جلب کرد. اکنون بیش از 120 هنرمند در جهان وجود دارد. شعار آنها این است: هنرمندی که نقاشی نمی کشد، هنرمند نیست.

اصطلاح Stackism توسط تامسون پیشنهاد شد. هنرمند تریسی امین خطاب به دوست پسرش بیلی چایلدیش فریاد زد: نقاشی شما گیر کرده، گیر کرده، گیر کرده است! (Eng. Stuck! Stuck! Stack!)

تماشا کنید: در وب سایت stackist stuckism.com. آثار چارلی تامسون و بیلی چایلدیش در گالری تیت (لندن، بریتانیا).

12. نئوپلاستیسیزم. هنر انتزاعی تقاطع خطوط عمود بر 3 رنگ.

ایدئولوگ کارگردان، پیت موندریان هلندی است. او جهان را توهمی می‌دانست، بنابراین وظیفه هنرمند این است که نقاشی را به نام فرم‌های زیبایی‌شناختی (انتزاعی) از اشکال حسی (تجسمی) پاک کند.

این هنرمند پیشنهاد کرد که این کار را تا حد امکان مختصر با کمک 3 رنگ - آبی، قرمز و زرد انجام دهید. جاهای بین خطوط عمود را پر کردند.

نئوپلاستیسیسم هنوز الهام بخش طراحان، معماران و گرافیست های صنعتی است.

تماشا کردن:آثار پیت موندریان و تئو وانا دوزبورگ در موزه شهرداریلاهه.

13. هنر خیابانی. هنری که شهر برای آن نمایشگاه یا بوم نقاشی است

هدف یک هنرمند خیابانی این است که با کمک اینستالیشن، مجسمه، پوستر یا استنسیل خود، فوراً یک رهگذر را وارد گفتگو کند.

در اروپا، "شوفیتی" (نصب چکمه های آویزان شده روی درختان) و "کنیتتا" (کتیبه هایی از پارچه های روشن بافتنی روی چراغ های راهنمایی، درختان، آنتن های ماشین) در حال حاضر محبوب هستند.

در آمریکای جنوبی، «پیس» یا «مورالیسم» (طراحی یا کتیبه‌ای که استادانه اجرا شده است) رایج است.

تماشا کنید: La Llotja، مدرسه قدیمی هنر، بارسلونا. بخش‌های کاملی از هنر خیابانی در ساتبیز لندن به نمایش گذاشته شد.

14. هنر پستی. جنبش بین المللی غیر انتفاعی از ایمیل و نامه معمولی برای توزیع آثار هنری استفاده می کند.

در ابتدا، هنر پستی به عنوان تلفیقی از روندهای هنری محبوب در دهه 60 شکل گرفت - مفهوم گرایی، هنر کتاب، هنر ویدئو، هنر بدن.

هنر پستی ارسال یک اثر هنری است. اصل فقط برای یک مخاطب ارسال می شود. و تکثیر را می توان از طریق ایمیل یا پست معمولی برای چندین گیرنده ارسال کرد.

هنرمندان پست از نامه ها، پاکت ها، کارت پستال ها، بسته ها، تمبرها، تمبرها استفاده می کنند. رایج ترین تکنیک کولاژ است. این توسط هنرمند آمریکایی ری جانسون، یکی از چهره های برجسته در شبکه محبوب شد. گالری ها اغلب میزبان نمایشگاه های هنر پستی هستند.

کار پستی فقط کارت پستال‌هایی نیست که توسط هنرمندان یا آماتورها طراحی شده‌اند، بلکه کارت‌هایی که از طریق پست عبور کرده‌اند، دارای تمبر، تمبر، کتیبه هستند. بنابراین، کارکنان پست از نویسندگان مشترک هنر پستی هستند.

مشاهده کنید: ارسال آثار هنری در سایت.

15. NO-ART. اینها پروژه هایی هستند که منحصراً در وب وجود دارند.

اما این طراحی شبکه نیست. شناخت آثار نت آرت چندان آسان نیست. آنها با سادگی و صراحت مشخص می شوند.

از آثار هنرمندانی که در برنامه های حرفه ای کار می کنند، آنها در راندن، بی طرفی و سرعت متفاوت هستند.

هنر به اندازه انسان ها وجود داشته است. اما هنرمندان باستانی درگیر در هنر صخره ای، به سختی می توانست تصور کند هنر مدرن چه اشکال عجیبی می تواند داشته باشد.
1. آنامورفوزیس
Anamorphosis تکنیکی برای ایجاد تصاویری است که تنها با نگاه کردن به آنها از یک زاویه خاص یا از یک مکان خاص به طور کامل قابل مشاهده و درک هستند. در برخی موارد، تصویر صحیح را می توان تنها با نگاه کردن به تصویر آینه ای از نقاشی مشاهده کرد. یکی از اولین نمونه های آنامورفوز توسط لئوناردو داوینچی در قرن پانزدهم نشان داده شد. نمونه های تاریخی دیگری از این هنر در دوره رنسانس ظاهر شد.
در طول قرن ها، این تکنیک تکامل یافته است. همه چیز با تصاویر سه بعدی به دست آمده بر روی کاغذ ساده شروع شد و به تدریج رسید هنر خیابانیزمانی که هنرمندان سوراخ های مختلف در دیوارها یا شکاف های زمین را تقلید می کنند.
و جالب ترین نمونه مدرن چاپ آنامورفیک است. یک روز، دانش آموزان جوزف ایگان و هانتر تامپسون، دانشجویان طراحی گرافیک، متن های تحریف شده ای را روی دیوارهای راهروهای کالج خود اعمال کردند که فقط اگر از نقطه خاصی به آنها نگاه کنید، قابل خواندن بود.

2. فوتورئالیسم
از دهه 1960، جنبش فوتورئالیستی به دنبال خلق نهایی بوده است تصاویر واقعی، که تقریباً قابل تشخیص نبودند عکس های واقعی. کپی برداری کوچکترین جزئیاتکه توسط دوربین ثابت شد، هنرمندان فوتورئالیست به دنبال ایجاد "تصویر تصویر زندگی" بودند.

جنبش دیگری که به عنوان سوپر رئالیسم (یا ابر رئالیسم) شناخته می شود، نه تنها نقاشی، بلکه مجسمه سازی را نیز در بر می گیرد. همچنین این جنبش تحت نفوذ قوی هنر پاپ مدرنفرهنگ. اما در حالی که در هنر پاپ سعی می‌کنند تصاویر روزمره را از زمینه حذف کنند، برعکس فوتورئالیسم بر تصاویر معمولی تمرکز می‌کند. زندگی روزمرهبا بیشترین دقت ممکن بازسازی شده است.
مشهورترین هنرمندان فوتورئالیست عبارتند از: ریچارد استس، آدری فلک، چاک کلوز و مجسمه ساز دوای هانسون. این جنبش در میان منتقدان بسیار بحث برانگیز است و معتقدند که مهارت مکانیکی به وضوح بر سبک و ایده در آن غالب است.

3. نقاشی روی ماشین های کثیف
نقاشی روی خاک انباشته شده روی ماشینی که مدت طولانی شسته نشده است نیز یک هنر محسوب می شود که بهترین نمایندگان آن تلاش می کنند تا کتیبه های پیش پا افتاده تری مانند "مرا بشویی" را به تصویر بکشند.

یک طراح گرافیک 52 ساله به نام اسکات وید به خاطر نقاشی های شگفت انگیزش که با استفاده از خاک روی شیشه های ماشین ایجاد کرده بود بسیار مشهور شد.

و این هنرمند با استفاده از لایه ضخیم غبار در جاده های تگزاس به عنوان یک بوم شروع کرد، در جاده ها کاریکاتورهای مختلفی کشید و آنها را با انگشتان، ناخن ها و شاخه های کوچک خود خلق کرد.

4. استفاده از مایعات بدن در هنر
شاید عجیب به نظر برسد، اما هنرمندان زیادی هستند که از مایعات بدن در کارهای خود استفاده می کنند. شاید قبلاً در مورد این موضوع در جایی خوانده باشید، اما به احتمال زیاد فقط نوک این کوه یخ نفرت انگیز بوده است.

به عنوان مثال، هنرمند اتریشی Hermann Nitsch از ادرار خود استفاده می کند و تعداد زیادی ازخون حیوانات اعتیادهای مشابهی در کودکی در او ایجاد شد که بر دوم افتاد جنگ جهانیو این بیعت ها در طول این سال ها بحث برانگیز بوده است، حتی چندین پرونده قضایی نیز مطرح شده است.

هنرمند دیگری از برزیل به نام Vinicius Quesada با خون خود کار می کند و از خون حیوانات استفاده نمی کند. نقاشی های او با سایه های دردناک قرمز، زرد و سبز، فضایی بسیار تاریک و سورئال را منتقل می کند.

5. طراحی در قطعات بدن خود
نه تنها هنرمندانی که از مایعات بدن استفاده می کنند در حال افزایش هستند. همچنین استفاده از قسمت هایی از بدن خود به عنوان برس محبوبیت پیدا کرده است. تیم پچ را بردارید. او بیشتر با نام مستعار "پریکاسو" شناخته می شود که به افتخار بزرگان از آن استفاده کرد هنرمند اسپانیاییپابلو پیکاسو. او همچنین به دلیل استفاده از آلت تناسلی خود به عنوان برس شناخته شده است. این استرالیایی 65 ساله دوست ندارد خود را در هیچ چیزی محدود کند، بنابراین علاوه بر آلت تناسلی، از باسن و کیسه بیضه نیز برای کشیدن نقاشی استفاده می کند. پچ بیش از 10 سال است که این تجارت غیرمعمول را انجام می دهد. و محبوبیت آن سال به سال در حال افزایش است.

و Kira Ain Warseji از سینه های خود برای کشیدن پرتره های انتزاعی استفاده می کند. اگرچه او اغلب مورد انتقاد قرار می گیرد، اما با این وجود او یک هنرمند تمام عیار است که روزانه کار می کند (او همچنین بدون استفاده از سینه خود نقاشی می کند).

6. عکس های سه بعدی معکوس
در حالی که آنامورفوسیس سعی می کند اشیاء دو بعدی را مانند سه بعدی جلوه دهد، 3 بعدی معکوس سعی می کند یک شی سه بعدی را شبیه به یک طراحی دو بعدی جلوه دهد.

برجسته ترین هنرمند در این زمینه الکسا مید از لس آنجلس است. مید در کار خود از مواد غیر سمی استفاده می کند رنگ آکریلیک، که با آن دستیارانش را مانند نقاشی های دو بعدی بی جان جلوه می دهد. مید در سال 2008 شروع به توسعه این تکنیک کرد و در سال 2009 به عموم ارائه شد.

آثار مید معمولاً شخصی است که روبه‌روی دیوار نشسته و به گونه‌ای نقاشی می‌شود که بیننده این توهم را داشته باشد که جلوی او یک بوم نقاشی معمولی است. پرتره معمولی. خلق چنین اثری ممکن است چندین ساعت طول بکشد.

یکی دیگر از چهره های شاخص در این زمینه، سینتیا گریگ، هنرمند و عکاس ساکن دیترویت است. برخلاف مید، گریگ در کار خود از افراد استفاده نمی کند، بلکه از وسایل معمولی خانه استفاده می کند. او آنها را با زغال و رنگ سفید می پوشاند تا از بیرون صاف به نظر برسند.

7. سایه ها در هنر
سایه ها ذاتا زودگذر هستند، بنابراین نمی توان گفت که مردم برای اولین بار از چه زمانی استفاده از آنها را برای خلق آثار هنری آغاز کردند. اما "هنرمندان سایه" مدرن در استفاده از سایه به ارتفاعات بی سابقه ای رسیده اند. هنرمندان از موقعیت یابی دقیق اشیاء مختلف برای ایجاد تصاویر سایه زیبا از افراد، اشیا یا کلمات استفاده می کنند.

برجسته ترین هنرمندان این منطقه کومی یاماشیتا و فرد اردکنس هستند.

البته، سایه ها تا حدودی شهرت وحشتناکی دارند و بسیاری از «هنرمندان سایه» از مضامین وحشت، ویرانی و زوال شهری در کار خود استفاده می کنند. تیم نوبل و سو وبستر به این دلیل مشهور هستند. معروف ترین کار آنها آشغال سفید کثیف نام دارد که در آن یک سطل زباله بر روی دو نفر که در حال نوشیدن و سیگار هستند سایه می اندازد. در اثری دیگر، سایه یک پرنده، احتمالاً سایه زاغ، در حال نوک زدن به یک جفت سر بریده که روی چوب‌ها به چوب کشیده شده است، دیده می‌شود.

8 گرافیتی معکوس
مانند نقاشی روی ماشین های کثیف، "گرافیتی معکوس" شامل ایجاد یک نقاشی با حذف کثیفی های اضافی است نه با افزودن رنگ. هنرمندان اغلب از واشرهای قدرتمند برای پاک کردن کثیفی از دیوارها و در این فرآیند استفاده می کنند تصاویر زیبا. همه چیز با هنرمندی به نام پل "موز" کورتیس آغاز شد که اولین نقاشی خود را روی دیوار سیاه شده از نیکوتین رستورانی کشید که در آن ظرف ها را می شست.

یکی دیگر از هنرمندان برجسته، بن لانگ از بریتانیا است که با استفاده از انگشت خود، یک نسخه ساده شده از "گرافیتی معکوس" را تمرین می کند تا کثیفی را از اگزوزهای ماشین روی دیوارها پاک کند. نقاشی‌های او به‌طور شگفت‌آوری طولانی، تا شش ماه دوام می‌آورند، مشروط بر اینکه توسط باران شسته نشده یا توسط خرابکاران از بین نرود.

9. توهمات هنر بدن

به معنای واقعی کلمه همه قرن ها درگیر نقاشی روی بدن بوده اند. حتی مصریان باستان و مایاها دست خود را در این زمینه امتحان کردند. با این حال، هنر بدن توهم این تمرین باستانی را به سطح کاملاً جدیدی می برد. همانطور که از نام آن پیداست، توهم هنر بدن شامل استفاده از بدن انسان به عنوان یک بوم می شود، اما روی بوم چیزی را ایجاد می کند که می تواند ناظر را فریب دهد. توهمات روی بدن می تواند از نقاشی کردن افراد به عنوان حیوان یا ماشین گرفته تا تصاویر سوراخ یا زخم در بدن متغیر باشد.

10. نقاشی با نور
به اندازه کافی عجیب، اولین تمرین کنندگان نقاشی نور آن را به عنوان هنر درک نمی کردند. فرانک و لیلیان گیلبرت به مشکل افزایش کارایی کارگران صنعتی پرداختند. در سال 1914، این زوج شروع به استفاده از نور و دوربین برای ضبط برخی از حرکات افراد کردند. با مطالعه الگوهای نور حاصل، آنها امیدوار بودند که راه‌هایی برای آسان‌تر و ساده‌تر کردن کار کارکنان بیابند.

و در هنر، استفاده از این روش در سال 1935 آغاز شد، زمانی که هنرمند سورئالیست Man Ray از دوربینی با شاتر باز استفاده کرد تا از خود در جریان نور ایستاده عکس بگیرد. برای مدت طولانی ، هیچ کس حدس نمی زد که چه نوع فرهای سبک در عکس به تصویر کشیده شده است. و تنها در سال 2009 مشخص شد که این مجموعه ای از فرهای نور تصادفی نیست، بلکه تصویری آینه ای از امضای هنرمند است.