هنرمندان ژاپن - از دوران باستان تا امروز. نقاشی ژاپنی. نقاشی معاصر ژاپنی

اگر فکر می کنید که همه هنرمندان بزرگ در گذشته هستند، پس نمی دانید چقدر در اشتباه هستید. در این مقاله با مشهورترین و با استعدادترین هنرمندان زمان ما آشنا خواهید شد. و، باور کنید، آثار آنها کمتر از آثار استادان دوران گذشته در حافظه شما باقی خواهد ماند.

وویچ بابسکی

وویچ بابسکی هنرمند معاصر لهستانی است. او تحصیلات خود را در مؤسسه پلی تکنیک سیلزی به پایان رساند، اما با خود همراه شد. او اخیراً عمدتاً زنان را نقاشی می کند. بر بیان احساسات تمرکز می کند، تلاش می کند تا با استفاده از وسایل ساده بیشترین تأثیر ممکن را به دست آورد.

عاشق رنگ است، اما اغلب از سایه های سیاه و خاکستری برای رسیدن به بهترین تاثیر استفاده می کند. از آزمایش تکنیک های مختلف جدید نمی ترسید. اخیراً او محبوبیت فزاینده‌ای در خارج از کشور به دست آورده است، عمدتاً در بریتانیا، جایی که او با موفقیت آثار خود را که در حال حاضر در بسیاری از مجموعه‌های خصوصی یافت می‌شود، به فروش می‌رساند. او علاوه بر هنر به کیهان شناسی و فلسفه نیز علاقه دارد. به موسیقی جاز گوش می دهد. در حال حاضر در کاتوویتس زندگی و کار می کند.

وارن چانگ

وارن چانگ هنرمند معاصر آمریکایی است. او در سال 1957 متولد شد و در مونتری، کالیفرنیا بزرگ شد، در سال 1981 با درجه ممتاز از دانشکده طراحی مرکز هنر در پاسادنا فارغ التحصیل شد و در آنجا مدرک BFA دریافت کرد. در طول دو دهه بعد، او قبل از شروع کار به عنوان یک هنرمند حرفه ای در سال 2009، به عنوان تصویرگر برای شرکت های مختلف در کالیفرنیا و نیویورک کار کرد.

نقاشی های رئالیستی او را می توان به دو دسته اصلی تقسیم کرد: نقاشی های داخلی زندگی نامه ای و نقاشی هایی که افراد را در حال کار به تصویر می کشند. علاقه او به این سبک نقاشی به کارهای هنرمند قرن شانزدهم یوهانس ورمیر برمی گردد و به موضوعات، سلف پرتره ها، پرتره های اعضای خانواده، دوستان، دانش آموزان، فضای داخلی استودیو، کلاس های درس و خانه ها می رسد. هدف او ایجاد روحیه و احساس در نقاشی های رئالیستی خود از طریق دستکاری نور و استفاده از رنگ های خاموش است.

چانگ پس از روی آوردن به هنرهای زیبای سنتی مشهور شد. در طی 12 سال گذشته، او جوایز و افتخارات متعددی را به دست آورده است که معتبرترین آنها امضای استاد نقاشان روغن آمریکا، بزرگترین انجمن نقاشی رنگ روغن در ایالات متحده است. فقط یک نفر از 50 نفر فرصت دریافت این جایزه را دارد. وارن در حال حاضر در مونتری زندگی می کند و در استودیوی خود کار می کند و همچنین در آکادمی هنر سانفرانسیسکو تدریس می کند (که به عنوان یک معلم با استعداد شناخته می شود).

اورلیو برونی

اورلیو برونی هنرمند ایتالیایی است. متولد 15 اکتبر 1955 در بلر. او دیپلم صحنه نگاری را از موسسه هنر در اسپولتو دریافت کرد. به عنوان یک هنرمند، او خودآموخته است، زیرا او به طور مستقل "خانه ای از دانش" را بر اساس پایه گذاری شده در مدرسه بنا کرد. او نقاشی با رنگ روغن را از 19 سالگی آغاز کرد. در حال حاضر در آمبریا زندگی و کار می کند.

نقاشی های اولیه برونی ریشه در سورئالیسم دارد، اما با گذشت زمان او شروع به تمرکز بر نزدیکی رمانتیسیسم غنایی و نمادگرایی می کند و این ترکیب را با پیچیدگی و خلوص شخصیت هایش تقویت می کند. اشیاء متحرک و بی جان از حیثیت یکسانی برخوردار می شوند و تقریباً بیش از حد واقعی به نظر می رسند، اما در عین حال پشت پرده پنهان نمی شوند، بلکه به شما اجازه می دهند جوهر روح خود را ببینید. تطبیق پذیری و پیچیدگی، احساسی بودن و تنهایی، اندیشیدن و ثمربخشی روح اورلیو برونی است که از شکوه هنر و هارمونی موسیقی تغذیه می شود.

الکساندر بالوس

آلکاساندر بالوس هنرمند معاصر لهستانی متخصص در نقاشی رنگ روغن است. در سال 1970 در گلیویس، لهستان به دنیا آمد، اما از سال 1989 در ایالات متحده آمریکا، در شستا، کالیفرنیا زندگی و کار کرده است.

در کودکی زیر نظر پدرش جان، هنرمند و مجسمه ساز خودآموخته هنر آموخت، بنابراین از همان دوران کودکی، فعالیت هنری مورد حمایت همه جانبه والدین قرار گرفت. در سال 1989، در سن هجده سالگی، بالوس لهستان را به مقصد ایالات متحده ترک کرد، جایی که معلم مدرسه و هنرمند پاره وقت او کتی گاگلیاردی، آلکاساندر را تشویق کرد تا در مدرسه هنر ثبت نام کند. بالوس سپس بورسیه تحصیلی کاملی را به دانشگاه میلواکی، ویسکانسین دریافت کرد و در آنجا نزد استاد فلسفه، هری روزین، نقاشی خواند.

پس از فارغ التحصیلی در سال 1995 با مدرک لیسانس، بالوس به شیکاگو نقل مکان کرد تا در دانشکده هنرهای زیبا تحصیل کند که روش های آن بر اساس کارهای ژاک لوئیس دیوید است. رئالیسم فیگوراتیو و پرتره اکثریت آثار بالوس را در دهه 90 و اوایل دهه 2000 تشکیل دادند. امروزه بالوس بدون ارائه راه حلی از شخصیت انسان برای برجسته کردن ویژگی ها و کاستی های وجودی انسان استفاده می کند.

ترکیب های موضوعی نقاشی های او قرار است به طور مستقل توسط بیننده تفسیر شوند، تنها در این صورت است که نقاشی ها معنای واقعی زمانی و ذهنی خود را به دست می آورند. در سال 2005، این هنرمند به کالیفرنیای شمالی نقل مکان کرد، از آن زمان موضوع کار او به طور قابل توجهی گسترش یافته است و اکنون شامل روش های نقاشی آزادتر، از جمله انتزاع و سبک های چند رسانه ای مختلف است که به بیان ایده ها و ایده آل های هستی از طریق نقاشی کمک می کند.

آلیسا راهبان

آلیسا مونک یک هنرمند معاصر آمریکایی است. در سال 1977 در ریج وود، نیوجرسی متولد شد. از کودکی شروع به علاقه به نقاشی کردم. او در The New School در نیویورک و دانشگاه ایالتی مونتکلر تحصیل کرد و در سال 1999 از کالج بوستون با مدرک لیسانس فارغ التحصیل شد. همزمان در آکادمی لورنزو مدیچی در فلورانس نقاشی خواند.

سپس تحصیلات خود را در مقطع کارشناسی ارشد در آکادمی هنر نیویورک در بخش هنرهای تجسمی ادامه داد و در سال 2001 فارغ التحصیل شد. او در سال 2006 از کالج فولرتون فارغ التحصیل شد. او مدتی در دانشگاه‌ها و مؤسسات آموزشی سراسر کشور سخنرانی کرد و در آکادمی هنر نیویورک و همچنین دانشگاه ایالتی مونتکلر و آکادمی هنر لایم به تدریس نقاشی پرداخت.

با استفاده از فیلترهایی مانند شیشه، وینیل، آب و بخار، بدن انسان را مخدوش می کنم. این فیلترها به شما این امکان را می دهند که مناطق بزرگی از طراحی انتزاعی ایجاد کنید، با جزایری از رنگ که در قسمت هایی از بدن انسان به چشم می خورند.

نقاشی‌های من دیدگاه مدرن از ژست‌ها و ژست‌های سنتی و سنتی زنان در حال حمام را تغییر می‌دهد. آن‌ها می‌توانستند درباره‌ی چیزهای به ظاهر بدیهی مانند فواید شنا، رقص و غیره، به بیننده‌ای توجه کنند. شخصیت‌های من به شیشه‌ی دوش فشار می‌آورند و بدن خود را تحریف می‌کنند و متوجه می‌شوند که از این طریق بر نگاه بدنام مرد به یک زن برهنه تأثیر می‌گذارند. لایه های ضخیم رنگ برای تقلید از شیشه، بخار، آب و گوشت از دور مخلوط می شوند. با این حال، از نزدیک، خواص فیزیکی شگفت انگیز رنگ روغن آشکار می شود. با آزمایش لایه‌های رنگ و رنگ، به نقطه‌ای می‌رسم که قلم‌موهای انتزاعی به چیز دیگری تبدیل می‌شوند.

زمانی که برای اولین بار نقاشی بدن انسان را شروع کردم، بلافاصله مجذوب و حتی وسواس آن شدم و معتقد بودم که باید نقاشی هایم را تا حد امکان واقعی کنم. من «اظهار» رئالیسم کردم تا اینکه شروع به آشکار شدن و آشکار شدن تناقضات در خود کرد. من اکنون در حال بررسی امکانات و پتانسیل سبکی از نقاشی هستم که در آن نقاشی بازنمایی و انتزاع با هم تلاقی می‌کنند – اگر هر دو سبک بتوانند در یک لحظه در زمان همزیستی داشته باشند، این کار را انجام خواهم داد.

آنتونیو فینیلی

هنرمند ایتالیایی – “ ناظر زمان– آنتونیو فینیلی در 23 فوریه 1985 به دنیا آمد. در حال حاضر در ایتالیا بین رم و کامپوباسو زندگی و کار می کند. آثار او در چندین گالری در ایتالیا و خارج از کشور به نمایش گذاشته شده است: رم، فلورانس، نوارا، جنوا، پالرمو، استانبول، آنکارا، نیویورک، و همچنین در مجموعه های خصوصی و عمومی یافت می شود.

نقاشی های مداد " ناظر زمان«آنتونیو فینیلی ما را به سفری ابدی در دنیای درونی زمانمندی انسان و تحلیل دقیق این جهان می برد که عنصر اصلی آن گذر زمان و ردپایی است که بر روی پوست به جا می گذارد.

فینیلی پرتره هایی از افراد در هر سن، جنسیت و ملیت می کشد که حالات چهره آنها نشان دهنده گذر زمان است و هنرمند همچنین امیدوار است که شواهدی از بی رحمی زمان بر روی بدن شخصیت های خود بیابد. آنتونیو آثار خود را با یک عنوان کلی تعریف می‌کند: «خودنگاری»، زیرا او در طراحی‌های مداد خود نه تنها یک شخص را به تصویر می‌کشد، بلکه به بیننده اجازه می‌دهد تا به نتایج واقعی گذر زمان در درون یک شخص فکر کند.

فلامینیا کارلونی

فلامینیا کارلونی هنرمند 37 ساله ایتالیایی، دختر یک دیپلمات است. او سه فرزند دارد. او دوازده سال در رم و سه سال در انگلستان و فرانسه زندگی کرد. او مدرک تاریخ هنر را از مدرسه هنر BD دریافت کرد. سپس به عنوان مرمتگر هنر دیپلم گرفت. قبل از اینکه او را بیابد و کاملاً خود را وقف نقاشی کند، به عنوان روزنامه‌نگار، رنگ‌نویس، طراح و بازیگر کار می‌کرد.

اشتیاق فلامینیا به نقاشی در دوران کودکی به وجود آمد. رسانه اصلی او روغن است، زیرا او عاشق «پاست پاته» و همچنین بازی با مواد است. او تکنیک مشابهی را در آثار هنرمند پاسکال توروآ تشخیص داد. فلامینیا از استادان بزرگ نقاشی مانند بالتوس، هاپر و فرانسوا لگراند و همچنین جنبش های هنری مختلف الهام گرفته شده است: هنر خیابانی، رئالیسم چینی، سوررئالیسم و ​​رئالیسم رنسانس. هنرمند مورد علاقه او کاراواجو است. رویای او کشف قدرت درمانی هنر است.

دنیس چرنوف

دنیس چرنوف یک هنرمند با استعداد اوکراینی است که در سال 1978 در سامبیر، منطقه لویو، اوکراین به دنیا آمد. پس از فارغ التحصیلی از مدرسه هنر خارکف در سال 1998، در خارکف ماند و در حال حاضر در آنجا زندگی و کار می کند. او همچنین در آکادمی دولتی طراحی و هنر خارکف، گروه هنرهای گرافیکی تحصیل کرد و در سال 2004 فارغ التحصیل شد.

او مرتباً در نمایشگاه های هنری شرکت می کند؛ در حال حاضر بیش از شصت مورد از آنها چه در اوکراین و چه در خارج از کشور وجود دارد. بیشتر آثار دنیس چرنوف در مجموعه های خصوصی در اوکراین، روسیه، ایتالیا، انگلیس، اسپانیا، یونان، فرانسه، ایالات متحده آمریکا، کانادا و ژاپن نگهداری می شود. برخی از آثار در حراج کریستی فروخته شد.

دنیس در طیف گسترده ای از تکنیک های گرافیک و نقاشی کار می کند. طراحی با مداد یکی از محبوب‌ترین روش‌های نقاشی اوست؛ فهرست موضوعات نقاشی‌های مداد او نیز بسیار متنوع است؛ او مناظر، پرتره، برهنه، ترکیب‌بندی‌های ژانر، تصاویر کتاب، بازسازی‌های ادبی و تاریخی و فانتزی‌ها را نقاشی می‌کند.

نقاشی ژاپنی قدیمی ترین هنر است. این شامل اشکال مختلف، ژانرها و محتوای متنوع است.

نقاشی ژاپنیقدیمی ترین شکل هنر است این شامل اشکال مختلف، ژانرها و محتوای متنوع است. هنر ظریف نقاشی‌هایی را به دنیا نشان می‌دهد که پرده‌ها، نقاشی‌های دیواری، طومارهای ابریشم یا کاغذی، فن‌ها، نقاشی‌های سه‌قلوی و حکاکی‌ها هستند.

نقاشی ژاپنی با تعداد زیادی ژانرها و سبک های مختلف متمایز می شود. طبیعت در نقاشی ژاپنی، مانند ادبیات، جایگاه پیشرو را به خود اختصاص می دهد. او به عنوان پاسدار اصل الهی معرفی می شود. نقاشی ژاپنی ریشه در هنر چین دارد، بنابراین ژانرهای آن بسیار شبیه به ژانرهای امپراتوری آسمانی است. امروزه بسیاری از هنرمندان ژاپنی تحصیل در چین را ترجیح می دهند.

نقاشی در ژاپنچندین مرحله در تاریخچه توسعه خود دارد. هر کدام از آنها ویژگی ها و ویژگی های خاص خود را دارند.

مرحله اولیه توسعه را دوره زمانی از اواسط قرن هفتم تا پایان قرن هشتم می دانند. نارا. معبد Horyuji در این دوره نقاشی شده است و گواه بسیار خوبی از تأثیر سنت های هندی و چینی بر فرهنگ ژاپن است.

دوره بعدی در توسعه نقاشی ژاپنی نامیده می شود هیان. این شهر به دلیل رونق فعال نقاشی معابد و نمونه هایی از هنر سکولار تصویرسازی است. در این دوره، تصاویری برای رمان‌ها و داستان‌هایی که برای سرگرمی آقایان نجیب طراحی شده بودند، ایجاد شد.

دوره زمانی کاماکورا(از اواخر قرن دوازدهم تا نیمه اول قرن چهاردهم را اشغال می کند) که دوره زمانی از اواخر قرن دوازدهم تا نیمه اول قرن چهاردهم را اشغال می کند، با تغییر در سبک ها مشخص می شود. ، جستجوی راه های جدید برای به تصویر کشیدن زندگی. حال و هوای نقاشی ژاپنی به طرز چشمگیری در حال تغییر است. پیش از این، نقاشی ها فضایی خوش بینانه، سبک و شاد را منتقل می کردند. در این دوره گام بزرگی به سمت تصویری واقع گرایانه برداشته شد و همچنین به تصویر شخصیتی تقریباً نظامی داد. موضوعات معمول نقاشی صحنه های جنگ از اسطوره ها و تاریخ، صحنه های مذهبی از سنت بودایی است. پرتره شخصیت های مهم دولتی به طور گسترده مورد استفاده قرار می گیرد.

در حین موروماچی(دوره زمانی از نیمه اول قرن چهاردهم تا نیمه دوم قرن شانزدهم)، روندی که نقاشی ژاپنی را در سراسر جهان تجلیل کرد، به منصه ظهور رسید. فلسفه ذن بودیسم تأثیر قابل توجهی بر نقاشی گذاشت و در نتیجه هنر منظره شهرت یافت. فناوری تک رنگ ظرافت خاصی به دست آورده است. در این دوره نقاشی ژاپنی تحت تأثیر چین قرار گرفت. معروف ترین هنرمند ژاپنیدر آن زمان، تویو اودا، که در نقاشی مناظر تخصص داشت، اولین نقاشی های خود را هنگام سفر به سراسر پادشاهی میانه خلق کرد. او مسیر را قبلاً در میهن خود توسعه داده است.

روند فوق به طور فعال توسعه یافته و در طول دو دوره بعدی در توسعه نقاشی ژاپنی تکمیل شد - مونویاماو ادو. تکنیک تک رنگ گزینه پیچیده تری بود. جزئیات با دقت کار شده و ترسیم شده است. هنرمندان از تجربه کردن ترسی نداشتند و شروع به استفاده از تکنیک هایی کردند که قبلاً در نقاشی روی طومارها و صفحه نمایش ها در نقاشی دیواری استفاده می شد. مناظر و صحنه های جمعیت با داستان های روانشناختی تکمیل شد که قهرمان را در لحظه استرس عاطفی شدید نشان می داد. علاوه بر نقاشی سنتی، حکاکی روی چوب در ژاپن به طور فزاینده ای محبوب شده است. به دو نوع حکاکی نمایشی و حکاکی توصیفی روزمره تقسیم می شد. مشهورترین استاد حکاکی تئاتر چوشوسای شاراکو است. حکاکی روزمره به طور فعال در آثار سوزوکی هارونوبو و کیتاگاوا اوتامارو توسعه یافت.

هوکوسای، هنرمند ژاپنی قرن هجدهم، آثار هنری زیادی خلق کرد. هوکوسای تا سنین پیری کار می‌کرد و همواره ادعا می‌کرد که «هر کاری که قبل از 70 سالگی انجام می‌داد، ارزشی نداشت و ارزش توجه نداشت».

شاید مشهورترین هنرمند ژاپنی در جهان، او همیشه به دلیل علاقه اش به زندگی روزمره از همنوعان خود متمایز بود. هوکوسای به جای به تصویر کشیدن گیشاهای پر زرق و برق و سامورایی های قهرمان، کارگران، ماهیگیران و صحنه های سبک شهری را نقاشی می کرد که هنوز موضوع مورد توجه هنر ژاپنی نبود. او همچنین رویکرد اروپایی به آهنگسازی داشت.

در اینجا لیست کوتاهی از اصطلاحات کلیدی وجود دارد که به شما کمک می کند تا کمی در کار هوکوسای پیمایش کنید.

1 Ukiyo-e چاپ‌ها و نقاشی‌هایی هستند که از سال‌های 1600 تا 1800 در ژاپن رایج بودند. جنبشی در هنرهای زیبا ژاپنی که از دوره ادو شکل گرفت. این اصطلاح از کلمه "ukyo" به معنای "دنیای قابل تغییر" گرفته شده است. Uikiye اشاره ای به شادی لذت طلبانه طبقه بازرگان در حال رشد است. در این مسیر هوکوسای مشهورترین هنرمند است.

هوکوسای در طول زندگی خود حداقل از سی نام مستعار استفاده کرد. علیرغم این واقعیت که استفاده از نام مستعار در بین هنرمندان ژاپنی آن زمان رایج بود، او از نظر تعداد نام مستعار به طور قابل توجهی از سایر نویسندگان اصلی پیشی گرفت. نام مستعار هوکوسای اغلب برای دوره‌بندی مراحل کار او استفاده می‌شود.

2 دوره ادو زمانی بین 1603 و 1868 در تاریخ ژاپن است که رشد اقتصادی و علاقه جدید به هنر و فرهنگ مورد توجه قرار گرفت.

3 Shunrō اولین نام مستعار هوکوسای است.

4 Shunga در لغت به معنای "تصویر بهار" است و "بهار" زبان عامیانه ژاپنی برای سکس است. بنابراین، اینها حکاکی هایی با ماهیت اروتیک هستند. آنها توسط معتبرترین هنرمندان از جمله هوکوسای خلق شدند.

5 سوریمونو. آخرین "سوریمونو"، همانطور که این چاپ های سفارشی نامیده می شد، موفقیت بزرگی بود. برخلاف چاپ های ukiyo-e که برای مخاطبان انبوه در نظر گرفته شده بود، سوریمونو به ندرت به عموم مردم فروخته می شد.

6 کوه فوجی یک کوه متقارن است که اتفاقاً بلندترین کوه ژاپن است. در طول سال‌ها، الهام بخش بسیاری از هنرمندان و شاعران، از جمله هوکوسای، که مجموعه ukiyo-e سی و شش نما از کوه فوجی را منتشر کرد، بوده است. این مجموعه شامل معروف ترین چاپ های هوکوسای است.

7 ژاپنیسم تأثیر ماندگاری است که هوکوسای بر نسل های بعدی هنرمندان غربی گذاشت. ژاپنیسم سبکی است که از رنگ‌های پر جنب و جوش پرینت‌های ukiyo-e، فقدان پرسپکتیو و آزمایش‌های ترکیبی الهام گرفته شده است.

سلام بر خوانندگان عزیز - جویندگان علم و حقیقت!

هنرمندان ژاپنی سبک منحصر به فردی دارند که توسط نسل های کامل استادان برجسته شده است. امروز در مورد برجسته ترین نمایندگان نقاشی ژاپنی و نقاشی های آنها از دوران باستان تا دوران مدرن صحبت خواهیم کرد.

خوب، بیایید در هنر سرزمین آفتاب طلوع غوطه ور شویم.

تولد هنر

هنر باستانی نقاشی در ژاپن در درجه اول با ویژگی های نوشتن مرتبط است و بنابراین بر پایه های خوشنویسی بنا شده است. اولین نمونه ها شامل قطعات زنگ، ظروف و وسایل خانه برنزی است که در حفاری ها پیدا شده است. بسیاری از آنها با رنگ های طبیعی رنگ آمیزی شده اند و تحقیقات دلیلی بر این باور است که این محصولات زودتر از 300 سال قبل از میلاد ساخته شده اند.

دور جدیدی از توسعه هنر با ورود به ژاپن آغاز شد. تصاویر خدایان پانتئون بودایی، صحنه هایی از زندگی معلم و پیروانش به emakimono - طومارهای کاغذی ویژه اعمال شد.

غلبه مضامین مذهبی در نقاشی را می توان در ژاپن قرون وسطی، یعنی از قرن 10 تا 15 جستجو کرد. اسامی هنرمندان آن عصر، افسوس که تا به امروز باقی نمانده است.

در دوره قرن 15-18، زمان جدیدی آغاز شد که با ظهور هنرمندانی با سبک فردی توسعه یافته مشخص شد. آنها بردار توسعه بیشتر هنرهای زیبا را مشخص کردند.

نمایندگان روشن گذشته

زوبون تنش (اوایل قرن پانزدهم)

Xiubun برای تبدیل شدن به یک استاد برجسته، تکنیک های نوشتن هنرمندان آهنگ چین و آثار آنها را مطالعه کرد. پس از آن، او یکی از بنیانگذاران نقاشی در ژاپن و خالق سومی ای شد.

Sumi-e یک سبک هنری است که بر اساس طراحی با جوهر به معنای یک رنگ است.

سیوبون کارهای زیادی انجام داد تا اطمینان حاصل شود که سبک جدید در محافل هنری ریشه دوانده است.او هنر را به استعدادهای دیگر، از جمله نقاشان مشهور آینده، به عنوان مثال Sesshu، آموزش داد.

محبوب ترین نقاشی شیوبون «خواندن در بیشه بامبو» نام دارد.

«خواندن در بیشه بامبو» نوشته تنس ژوبون

هاسگاوا توهاکو (1539-1610)

او خالق مدرسه ای به نام خود - هاسگاوا شد. در ابتدا سعی کرد از قوانین مکتب کانو پیروی کند، اما به تدریج "دست خط" فردی او در آثارش ردیابی شد. توهاکو توسط گرافیک Sesshu هدایت شد.

اساس کارها مناظر ساده، لاکونیک، اما واقع گرایانه با عناوین ساده بود:

• "کاج"؛
• "افرا"؛
• "درختان کاج و گیاهان گلدار."

"کاج" اثر هاسگاوا توهاکو

برادران اوگاتا کورین (1658-1716) و اوگاتا کنزان (1663-1743)

برادران صنعتگران عالی قرن 18 بودند. بزرگترین آنها، اوگاتا کورین، تماماً خود را وقف نقاشی کرد و ژانر ریمپا را پایه گذاری کرد. او از تصاویر کلیشه ای اجتناب می کرد و ژانر امپرسیونیستی را ترجیح می داد.

اوگاتا کورین طبیعت را به طور کلی و گل ها را در قالب انتزاعات روشن به طور خاص نقاشی کرد. قلم مو های او متعلق به نقاشی های:

• "شکوفه های آلو قرمز و سفید"؛
• "امواج ماتسوشیما"؛
• "گل داودی".

"امواج ماتسوشیما" نوشته اوگاتا کورین

برادر کوچکتر اوگاتا کنزان نام مستعار زیادی داشت. با اینکه به نقاشی مشغول بود، بیشتر به عنوان یک سرامیست فوق العاده معروف بود.

Ogata Kenzan بر تکنیک های بسیاری برای ایجاد سرامیک تسلط داشت. او با یک رویکرد غیر استاندارد متمایز شد، به عنوان مثال، او صفحات را به شکل مربع ایجاد کرد.

نقاشی خود او با شکوه متمایز نبود - این ویژگی او نیز بود. او دوست داشت خط طومار مانند یا گزیده‌ای از شعر را بر روی آیتم‌هایش اعمال کند. گاهی هم با برادرشان کار می کردند.

کاتسوشیکا هوکوسای (1760-1849)

او به سبک ukiyo-e - نوعی از کنده کاری روی چوب، به عبارت دیگر، نقاشی حکاکی خلق کرد. او در تمام دوران کاری خود حدود 30 نام را تغییر داد. مشهورترین اثر او "موج بزرگ کاناگاوا" است که به لطف آن در خارج از سرزمین خود به شهرت رسید.

«موج بزرگ کاناگاوا» اثر هوکوسای کاتسوشیکا

هوکوسای پس از 60 سالگی شروع به کار شدید کرد که نتایج خوبی به همراه داشت. ون گوگ، مونه و رنوار با آثار او آشنا بودند و تا حدی بر آثار استادان اروپایی تأثیر گذاشت.

آندو هیروشیگه (1791-1858)

یکی از بزرگترین هنرمندان قرن نوزدهم. او در ادو به دنیا آمد، زندگی کرد و کار کرد، کار هوکوسای را ادامه داد و از آثار او الهام گرفت. شیوه ای که او طبیعت را به تصویر می کشد تقریباً به اندازه تعداد خود آثار چشمگیر است.

ادو نام سابق توکیو است.

در اینجا برخی از چهره های مربوط به کار او وجود دارد که توسط یک سری نقاشی نشان داده شده است:

• 5.5 هزار - تعداد تمام حکاکی ها؛
• «100 بازدید از ادو;
• "36 نما از فوجی";
• "69 ایستگاه کیسوکایدو"؛
• "53 ایستگاه توکایدو."

نقاشی آندو هیروشیگه

جالب اینجاست که ون گوگ برجسته چند نسخه از حکاکی های خود را نقاشی کرده است.

مدرنیته

تاکاشی موراکامی

او که یک هنرمند، مجسمه ساز، طراح لباس بود، در اواخر قرن بیستم نامی به دست آورد. او در کار خود روندهای مد را با عناصر کلاسیک دنبال می کند و از انیمه و کارتون های مانگا الهام می گیرد.

نقاشی تاکاشی موراکامی

آثار تاکاشی موراکامی یک خرده فرهنگ محسوب می شوند، اما در عین حال فوق العاده محبوب هستند. به عنوان مثال در سال 2008 یکی از آثار او در حراجی به قیمت بیش از 15 میلیون دلار خریداری شد. زمانی، خالق مدرن با خانه های مد مارک جاکوبز و لویی ویتون همکاری می کرد.

آشیما ساکت

او که همکار هنرمند قبلی بود، نقاشی های مدرن سورئال خلق می کند. آنها مناظری از شهرها، خیابان های کلان شهرها و موجوداتی را که گویی از جهان دیگری آمده اند - ارواح، ارواح شیطانی، دختران بیگانه را به تصویر می کشند. در پس‌زمینه نقاشی‌ها اغلب می‌توانید طبیعت بکر و گاهی ترسناک را مشاهده کنید.

نقاشی های او به اندازه های بزرگ می رسد و به ندرت به رسانه های کاغذی محدود می شود. آنها به مواد چرم و پلاستیک منتقل می شوند.

در سال 2006، به عنوان بخشی از نمایشگاهی در پایتخت بریتانیا، زنی حدود 20 سازه قوسی را خلق کرد که زیبایی طبیعت روستا و شهر را در روز و شب منعکس می کرد. یکی از آنها ایستگاه مترو را تزئین کرد.

هی آراکاوا

مرد جوان را نمی توان فقط یک هنرمند به معنای کلاسیک کلمه نامید - او نصب هایی ایجاد می کند که در هنر قرن 21 بسیار محبوب هستند. مضامین نمایشگاه های او واقعاً ژاپنی است و بر روابط دوستانه و همچنین کار کل تیم تأثیر می گذارد.

هی آراکاوا اغلب در دوسالانه های مختلف شرکت می کند، به عنوان مثال، در ونیز، در موزه هنر مدرن در زادگاه خود به نمایش می گذارد و به شایستگی جوایز مختلفی را دریافت می کند.

ایکناگا یاسوناری

نقاش معاصر ایکناگا یاسوناری موفق شد دو چیز به ظاهر ناسازگار را با هم ترکیب کند: زندگی دختران مدرن در قالب پرتره و تکنیک های سنتی ژاپنی از دوران باستان. نقاش در کار خود از قلم مو های مخصوص، رنگ های پیگمنت طبیعی، جوهر و زغال استفاده می کند. به جای کتانی معمولی - پارچه کتان.

نقاشی ایکناگا یاسوناری

این تکنیک تضاد دوران تصویر شده و ظاهر قهرمانان این تصور را ایجاد می کند که آنها از گذشته به ما بازگشته اند.

مجموعه‌ای از نقاشی‌ها در مورد پیچیدگی‌های زندگی یک تمساح که اخیراً در جامعه اینترنتی محبوب شده‌اند نیز توسط کاریکاتوریست ژاپنی کیگو خلق شده است.

نتیجه

بنابراین، نقاشی ژاپنی در حدود قرن 3 قبل از میلاد آغاز شد، و از آن زمان تاکنون تغییرات زیادی کرده است. اولین تصاویر روی سرامیک اعمال شد، سپس نقوش بودایی در هنر غالب شد، اما نام نویسندگان تا به امروز باقی نمانده است.

در عصر مدرن، استادان قلم مو بیشتر و بیشتر فردیت را به دست آوردند و جهت ها و مکاتب مختلفی را ایجاد کردند. هنرهای زیبای امروزی به نقاشی سنتی محدود نمی شود - از چیدمان ها، کاریکاتورها، مجسمه های هنری و سازه های خاص استفاده می شود.

از توجه شما خوانندگان عزیز بسیار متشکرم! امیدواریم مقاله ما برای شما مفید بوده باشد و داستان های مربوط به زندگی و کار درخشان ترین نمایندگان هنر به شما امکان می دهد با آنها بیشتر آشنا شوید.

البته سخت است که در یک مقاله درباره همه هنرمندان از دوران باستان تا امروز صحبت کنیم. بنابراین، بگذارید این اولین قدم برای درک نقاشی ژاپنی باشد.

و به ما بپیوندید - در وبلاگ مشترک شوید - ما بودیسم و ​​فرهنگ شرق را با هم مطالعه خواهیم کرد!

هنر و طراحی

2904

01.02.18 09:02

صحنه هنر امروز در ژاپن بسیار متنوع و تحریک کننده است: با نگاهی به آثار استادانی از سرزمین طلوع خورشید، فکر می کنید که به سیاره دیگری رسیده اید! خانه نوآورانی که چشم انداز صنعت را در مقیاس جهانی تغییر داده اند. در اینجا لیستی از 10 هنرمند معاصر ژاپنی و خلاقیت های آنها، از موجودات باورنکردنی تاکاشی موراکامی (که امروز تولدش را جشن می گیرد) تا جهان رنگارنگ کوساما را مشاهده می کنید.

از جهان های آینده نگر تا صورت فلکی نقطه چین: هنرمندان معاصر ژاپنی

تاکاشی موراکامی: سنت گرا و کلاسیک

بیایید با قهرمان مناسبت شروع کنیم! تاکاشی موراکامی یکی از نمادین‌ترین هنرمندان معاصر ژاپن است که روی نقاشی‌ها، مجسمه‌های بزرگ و لباس‌های مد کار می‌کند. سبک موراکامی متاثر از مانگا و انیمه است. او بنیانگذار جنبش Superflat است که از سنت های هنری ژاپن و فرهنگ این کشور پس از جنگ حمایت می کند. موراکامی بسیاری از هم دوره‌های خود را تبلیغ کرد و امروز نیز با برخی از آنها آشنا خواهیم شد. آثار "خرده فرهنگی" تاکاشی موراکامی در بازارهای هنری مد و هنر ارائه می شود. فیلم تحریک‌آمیز «کاوبوی من تنها» (1998) در سال 2008 در نیویورک در حراج ساتبی به قیمت رکورد 15.2 میلیون دلار فروخته شد. موراکامی با برندهای معروف جهانی مارک جاکوبز، لویی ویتون و ایسی میاکه همکاری داشته است.

بی سر و صدا آشیما و جهان سورئال او

چیچو آشیما یکی از اعضای شرکت تولید هنری Kaikai Kiki و جنبش Superflat (که هر دو توسط تاکاشی موراکامی تأسیس شده‌اند)، به خاطر مناظر شهری خارق‌العاده و موجودات عجیب پاپ معروف است. این هنرمند رویاهای سورئال را ایجاد می کند که در آن شیاطین، ارواح، زیبایی های جوان زندگی می کنند که در پس زمینه طبیعت عجیب و غریب به تصویر کشیده شده است. آثار او معمولاً در مقیاس بزرگ هستند و روی کاغذ، چرم و پلاستیک چاپ می‌شوند. این هنرمند معاصر ژاپنی در سال 2006 در Art on the Underground لندن شرکت کرد. او 17 قوس متوالی برای سکو ایجاد کرد - منظره جادویی به تدریج از روز به شب، از شهری به روستایی تبدیل شد. این معجزه در ایستگاه متروی Gloucester Road شکوفا شد.

چیهارو شیما و رشته های بی پایان

هنرمند دیگری، چیهارو شیوتا، بر روی اینستالیشن های بصری در مقیاس بزرگ برای مکان های دیدنی خاص کار می کند. او در اوزاکا متولد شد، اما اکنون در آلمان - در برلین - زندگی می کند. موضوع اصلی آثار او فراموشی و خاطره، رویاها و واقعیت، گذشته و حال و همچنین مقابله با اضطراب است. معروف ترین آثار چیهارو شیوتا شبکه های غیر قابل نفوذی از نخ سیاه است که انواع اشیاء روزمره و شخصی مانند صندلی های قدیمی، لباس عروس، پیانوی سوخته را در بر می گیرد. در تابستان 2014، شیوتا کفش‌ها و چکمه‌های اهدایی (که بیش از 300 عدد از آن‌ها بود) را با رشته‌هایی از نخ قرمز به هم بست و به قلاب آویزان کرد. اولین نمایشگاه چیهارو در پایتخت آلمان در هفته هنر برلین در سال 2016 برگزار شد و شور و هیجانی برانگیخت.

هی آراکاوا: همه جا، هیچ جا

هی آراکاوا از حالت‌های تغییر، دوره‌های بی‌ثباتی، عناصر خطر الهام گرفته شده است و نصب‌های او اغلب نمادی از مضامین دوستی و کار گروهی است. باور هنرمند معاصر ژاپنی با نمایشی نامشخص «همه جا، اما هیچ کجا» تعریف می شود. آثار او در مکان‌های غیرمنتظره ظاهر می‌شوند. در سال 2013، آثار آراکاوا در بینال ونیز و در نمایشگاه هنر معاصر ژاپن در موزه هنر موری (توکیو) به نمایش گذاشته شد. اینستالیشن هاوایی Presence (2014) با همکاری هنرمند نیویورکی Carissa Rodriguez بود و در دوسالانه ویتنی گنجانده شد. همچنین در سال 2014، آراکاوا و برادرش تومو، که به عنوان دوتایی به نام برادران یونایتد اجرا می‌کردند، به بازدیدکنندگان فریز لندن «کار» خود «The This Soup Taste Ambivalent» با سبزیجات ریشه دایکون فوکوشیما «رادیواکتیو» را پیشنهاد کردند.

کوکی تاناکا: روابط و تکرارها

در سال 2015، کوکی تاناکا به عنوان "هنرمند سال" شناخته شد. تاناکا تجربه مشترک خلاقیت و تخیل را بررسی می کند، تبادل بین شرکت کنندگان پروژه را تشویق می کند و از قوانین جدید همکاری حمایت می کند. نصب آن در غرفه ژاپن در دوسالانه ونیز 2013 شامل ویدئوهایی از اشیا بود که فضا را به سکویی برای تبادل هنری تبدیل می کرد. اینستالیشن های کوکی تاناکا (با بازیگر همنام اصلی او اشتباه گرفته نشود) رابطه بین اشیا و اعمال را نشان می دهد، به عنوان مثال، این ویدئو شامل ضبط حرکات ساده ای است که با اشیاء معمولی انجام می شود (چاقویی که سبزیجات را برش می دهد، آبجو را در لیوان می ریزند. ، باز کردن چتر). هیچ اتفاق مهمی نمی افتد، اما تکرار وسواس گونه و توجه به کوچکترین جزئیات باعث می شود بیننده به چیزهای پیش پا افتاده توجه کند.

ماریکو موری و اشکال ساده

یکی دیگر از هنرمندان معاصر ژاپنی، ماریکو موری، اشیاء چندرسانه‌ای را با ترکیب فیلم‌ها، عکس‌ها و اشیاء تداعی می‌کند. او با دید مینیمالیستی آینده نگر و فرم های سورئال براق مشخص می شود. یکی از موضوعات تکرارشونده در آثار موری، کنار هم قرار دادن افسانه غربی با فرهنگ غربی است. در سال 2010، ماریکو بنیاد فاو را تأسیس کرد، یک سازمان فرهنگی آموزشی غیرانتفاعی، که برای آن مجموعه‌ای از اینستالیشن‌های هنری برای قدردانی از شش قاره مسکونی ایجاد کرد. اخیراً، تأسیسات دائمی بنیاد "حلقه: یکی با طبیعت" بر فراز یک آبشار زیبا در Resende در نزدیکی ریودوژانیرو ساخته شد.

Ryoji Ikeda: سنتز صدا و ویدئو

ریوجی ایکدا یک هنرمند و آهنگساز رسانه جدید است که کار او عمدتاً با صدا در حالت‌های مختلف «خام»، از امواج سینوسی گرفته تا نویز با استفاده از فرکانس‌های لبه شنوایی انسان سروکار دارد. نصب های همه جانبه او شامل صداهای تولید شده توسط کامپیوتر است که به صورت بصری به پیش بینی های ویدئویی یا الگوهای دیجیتال تبدیل می شوند. هنر سمعی و بصری ایکدا از مقیاس، نور، سایه، صدا، صداهای الکترونیکی و ریتم استفاده می کند. مرکز آزمایشی معروف این هنرمند متشکل از پنج پروژکتور است که فضایی به طول 28 متر و عرض 8 متر را روشن می کند. این تنظیمات داده ها (متن، صداها، عکس ها و فیلم ها) را به بارکد و الگوهای باینری یک و صفر تبدیل می کند.

Tatsuo Miyajima و شمارنده LED

تاتسو میاجیما، مجسمه‌ساز و هنرمند اینستالیشن معاصر ژاپنی، از مدارهای الکتریکی، ویدئوها، رایانه‌ها و ابزارهای دیگر در هنر خود استفاده می‌کند. مفاهیم اصلی میاجیما از ایده های انسان گرایانه و آموزه های بودایی الهام گرفته شده است. شمارنده‌های LED در نصب‌های او به طور مداوم از 1 تا 9 چشمک می‌زنند، که نماد سفر از زندگی تا مرگ است، اما از پایانی که با 0 نشان داده می‌شود اجتناب می‌کند (صفر هرگز در کار تاتسو ظاهر نمی‌شود). اعداد موجود در شبکه‌ها، برج‌ها و نمودارها بیانگر علاقه میاجیما به ایده‌های تداوم، ابدیت، اتصال و جریان زمان و مکان هستند. اخیراً «پیکان زمان» میاجیما در افتتاحیه نمایشگاه «افکار ناتمام قابل مشاهده در نیویورک» به نمایش درآمد.

نارا یوشیموتو و بچه های شرور

نارا یوشیموتو نقاشی‌ها، مجسمه‌ها و نقاشی‌هایی از کودکان و سگ‌ها خلق می‌کند – موضوعاتی که منعکس‌کننده احساس کسالت و سرخوردگی دوران کودکی و استقلال شدیدی است که به طور طبیعی برای کودکان نوپا حاصل می‌شود. زیبایی شناسی آثار یوشیموتو یادآور تصاویر سنتی کتاب، آمیزه ای از تنش بی قرار و عشق هنرمند به پانک راک است. در سال 2011، موزه جامعه آسیا در نیویورک میزبان اولین نمایشگاه انفرادی یوشیموتو با عنوان "یوشیتومو نارا: احمق هیچ کس" بود که فعالیت 20 ساله این هنرمند معاصر ژاپنی را پوشش می داد. اعتراض.

یایو کوساما و فضا در حال رشد به اشکال عجیب و غریب

بیوگرافی خلاقانه شگفت انگیز Yayoi Kusama هفت دهه طول می کشد. در این مدت، زن شگفت انگیز ژاپنی موفق به مطالعه در زمینه های نقاشی، گرافیک، کلاژ، مجسمه سازی، سینما، حکاکی، هنر محیطی، چیدمان و همچنین ادبیات، مد و طراحی لباس شد. کوساما یک سبک بسیار متمایز از هنر نقطه ای را توسعه داد که به علامت تجاری او تبدیل شده است. رؤیاهای وهم‌آمیزی که در آثار کوساما 88 ساله به تصویر کشیده می‌شود - جایی که به نظر می‌رسد جهان با اشکال گسترده و عجیب و غریب پوشیده شده است - نتیجه توهماتی است که او از کودکی تجربه کرده است. اتاق هایی با نقاط رنگارنگ و آینه های "بی نهایت" که منعکس کننده خوشه های آنها هستند قابل تشخیص هستند و نمی توان آنها را با هیچ چیز دیگری اشتباه گرفت.