یکی از گرایش های اصلی در هنر آوانگارد. اصل اصلی هنر انتزاعی، امتناع از تقلید از واقعیت مرئی و عمل با عناصر آن در فرآیند خلق اثر است. موضوع هنر به جای واقعیت های دنیای اطراف به ابزار خلاقیت هنری تبدیل می شود - رنگ، خط، فرم. طرح با یک ایده پلاستیکی جایگزین شده است. نقش اصل تداعی در فرآیند هنری چندین برابر افزایش می یابد و همچنین می توان احساسات و حالات خالق را در تصاویر انتزاعی پاک شده از پوسته بیرونی بیان کرد که قادر است اصل معنوی پدیده ها را متمرکز کند و باشد. حاملان آن (آثار نظری V.V. Kandinsky).
عناصر تصادفی انتزاع را می توان در هنر جهانی در سراسر توسعه آن شناسایی کرد، که از نقاشی های سنگی شروع می شود. اما منشأ این سبک را باید در نقاشی امپرسیونیست ها جستجو کرد که سعی داشتند رنگ را به عناصر جداگانه تجزیه کنند. فوویسم آگاهانه این روند را توسعه داد، رنگ را "آشکار" کرد، بر استقلال آن تأکید کرد و آن را به موضوع تصویر تبدیل کرد. از بین فوویست ها، فرانتس مارک و هانری ماتیس به انتزاع نزدیکتر شدند (کلمات او نشانه ای است: "همه هنر انتزاعی است")، کوبیست های فرانسوی (به ویژه آلبر گلیز و ژان متزینگر) و آینده پژوهان ایتالیایی (جاکومو بالا و جینو سورینی) نیز در این مسیر حرکت کردند. این مسیر . . اما هیچ یک از آنها نتوانستند یا نخواستند بر مرز فیگوراتیویتاسیون غلبه کنند. "با این حال، ما قبول داریم که برخی از یادآوری اشکال موجود حداقل در زمان کنونی نباید به طور کامل حذف شوند" (A. Glaze, J. Metzinger. On Cubism. St. Petersburg, 1913, p. 14).
اولین آثار انتزاعی در اواخر دهه 1900 - اوایل دهه 1910 در آثار کاندینسکی هنگام کار بر روی متن "درباره معنوی در هنر" ظاهر شد و "تصویر با یک دایره" (1911. NMG) او اولین نقاشی انتزاعی محسوب می شود. در این هنگام می گوید:<...>فقط آن شکل درست است که<...>بر این اساس محتوا را تحقق می بخشد. انواع ملاحظات ثانویه، و از جمله مطابقت شکل با به اصطلاح "طبیعت"، یعنی. طبیعت بیرونی، ناچیز و مضر هستند، زیرا آنها از تنها وظیفه فرم - تجسم محتوا - منحرف می شوند. فرم بیان مادی محتوای انتزاعی است» (Content and form. 1910 // Kandinsky 2001. Vol. 1. P. 84).
در مراحل اولیه، هنر انتزاعی در شخص کاندینسکی رنگ را مطلق کرد. در مطالعه رنگ، عملی و نظری، کاندینسکی دکترین رنگ را توسط یوهان ولفگانگ گوته توسعه داد و پایه های نظریه رنگ را در نقاشی گذاشت (از هنرمندان روسی، M.V. Matyushin، G.G. Klutsis، I.V. Klyun و دیگران به رنگ مشغول بودند. نظریه).
در روسیه، در 1912-1915، سیستم های نقاشی انتزاعی لوشیسم (M.F. Larionov، 1912) و سوپرماتیسم (K.S. Malevich، 1915) ایجاد شد که تا حد زیادی تکامل بیشتر هنر انتزاعی را تعیین کرد. نزدیک شدن به هنر انتزاعی را می توان در مکعب آینده نگری و الوگیسم یافت. یک پیشرفت در انتزاع، نقاشی N.S. Goncharova "خالی" (1914. گالری دولتی ترتیاکوف) بود، اما این موضوع در کار هنرمند توسعه بیشتری پیدا نکرد. یکی دیگر از جنبه های تحقق نیافته انتزاع روسی، نقاشی رنگی O.V. Rozanova است (نگاه کنید به: Non-Objective Art).
فرانتیسک کوپکا چک، روبر دلونای و ژاک ویلون فرانسوی، پیت موندریان هلندی، استنتون مک دونالد رایت و مورگان راسل آمریکایی‌ها در همان سال‌ها مسیر خود را به سوی انتزاع تصویری دنبال کردند. نقش برجسته های V.E. Tatlin (1914) اولین سازه های فضایی انتزاعی بودند.
رد ایزومورفیسم و توسل به اصل معنوی دلیلی برای پیوند هنر انتزاعی با تئوسوفی، انسان‌شناسی و حتی غیبت گرایی داد. اما خود هنرمندان در اولین مراحل توسعه هنر انتزاعی چنین ایده هایی را بیان نکردند.
پس از جنگ جهانی اول، نقاشی انتزاعی به تدریج در اروپا جایگاهی مسلط پیدا کرد و به یک ایدئولوژی هنری جهانی تبدیل شد. این یک جنبش هنری قدرتمند است که در آرزوهای خود بسیار فراتر از محدودیت های کارهای تصویری و پلاستیکی است و توانایی ایجاد سیستم های زیبایی شناختی و فلسفی و حل مشکلات اجتماعی را نشان می دهد (به عنوان مثال، "شهر برتری گرا" مالویچ، بر اساس اصول زندگی ساز). در دهه 1920، بر اساس ایدئولوژی او، موسسات تحقیقاتی مانند باهاوس یا گینهوک به وجود آمدند. ساخت‌گرایی نیز از انتزاع رشد کرد.
نسخه روسی انتزاع هنر غیر عینی نامیده شد.
بسیاری از اصول و تکنیک های هنر انتزاعی که در قرن بیستم به کلاسیک تبدیل شدند به طور گسترده در طراحی، هنرهای نمایشی و تزئینی، فیلم، تلویزیون و گرافیک کامپیوتری استفاده می شوند.
مفهوم هنر انتزاعی در طول زمان تغییر کرده است. تا دهه 1910، این اصطلاح در رابطه با نقاشی استفاده می شد، جایی که فرم ها به صورت کلی و ساده شده به تصویر کشیده می شدند، یعنی. "انتزاعی"، در مقایسه با یک تصویر دقیق تر یا طبیعی تر. به این معنا، این اصطلاح عمدتاً به هنر تزئینی یا ترکیبات مسطح اطلاق می شد.
اما از دهه 1910، "انتزاعی" به آثاری اطلاق می شود که در آنها فرم یا ترکیب از چنان زاویه ای به تصویر کشیده می شود که موضوع اصلی تقریباً غیرقابل تشخیص تغییر می کند. بیشتر اوقات ، این اصطلاح به سبک هنری اشاره می کند که صرفاً بر اساس چیدمان عناصر بصری - اشکال ، رنگ ها ، ساختارها استوار است و اصلاً لازم نیست که آنها یک تصویر آغازگر در دنیای مادی داشته باشند.
مفهوم معنا در هنر انتزاعی (در هر دو معنای آن، قبل و بعد) موضوع پیچیده ای است که دائماً مورد بحث است. اشکال انتزاعی همچنین می‌توانند به پدیده‌های غیربصری مانند عشق، سرعت، یا قوانین فیزیک اشاره کنند که با یک موجود مشتق («ذات‌گرایی») همراه هستند، با روشی خیالی یا غیرقابل تفکیک از جزئیات، تفصیلی و غیر. ضروری، تصادفی علیرغم عدم وجود یک موضوع معرف، یک بیان عظیم می تواند در یک اثر انتزاعی جمع شود و عناصر پر معنایی مانند ریتم، تکرار و نماد رنگی، نشان دهنده دخالت در ایده ها یا رویدادهای خاص خارج از خود تصویر است.
ادبیات:
- M. Seuphor. L'Art abstrait، ses origins، ses premiers maîtres. پاریس، 1949;
- M.Brion. انتزاعی هنر. پاریس، 1956; D. Vallier. انتزاعی هنر. پاریس، 1967;
- R.Capon. معرفی نقاشی انتزاعی. لندن، 1973;
- ج. بلوک. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900-1960 کلن، 1975;
- M.Schapiro. ماهیت هنر انتزاعی (1937) // M.Schapiro. هنر مدرن. مقالات منتخب نیویورک، 1978;
- به سوی هنر جدید: مقالاتی در زمینه پس زمینه نقاشی انتزاعی 1910-1920. اد. ام.کامپتون. لندن، 1980;
- معنویت در هنر نقاشی انتزاعی 1890-1985. موزه هنرهای شهرستان لس آنجلس. 1986/1987;
- متن از M.Tuchman; ب.آلتشولر. آوانگارد در نمایشگاه. هنر جدید در قرن بیستم نیویورک، 1994;
- انتزاع در روسیه قرن XX. T. 1-2. زمان [کاتالوگ] سن پترزبورگ، 2001;
- عدم عینیت و انتزاع. نشست مقالات هرزه. ویرایش G.F. Kovalenko. م.، 2011.
انتزاع گرایی (از لاتین abstractus - از راه دور، انتزاعی)- روند بسیار گسترده ای در هنر قرن بیستم که در اوایل دهه 1910 در چندین کشور اروپایی به وجود آمد. انتزاع گرایی با استفاده از عناصر منحصراً رسمی برای نمایش واقعیت مشخص می شود، جایی که تقلید یا نمایش دقیق واقعیت به خودی خود یک هدف نبود.
اصطلاح انتزاع گرایی از کلمه لاتین abstraho گرفته شده است - کنار کشیدن، منحرف کردن. به طور کلی پذیرفته شده است که این یک جهت یا حتی یک سبک است. انتزاع گرایی چیزی کاملاً متفاوت است و کسانی که این مفهوم را این گونه تفسیر می کنند، بی اختیار در اشتباه هستند. انتزاع گرایی، هنرمندان و نظریه پردازان هنر را راهی برای درک واقعیت از طریق هنرهای زیبا می دانند، مشروط بر اینکه خود واقعیت به طور کامل از شکل اشیاء قابل مشاهده انتزاع شود. علاوه بر هنر فیگوراتیو (عینی)، انتزاع‌گرایی به سبک‌ها و گرایش‌های بسیاری تقسیم می‌شود: هندسی، غنایی، ژستی، انتزاع تحلیلی، و جریان‌های خاص‌تر: سوپرماتیسم، آران‌فورمل، نواژیسم، تاچیسم و غیره. در واقع، جست‌وجوی هنرمندان همه زمان‌ها تنها به این دو فرض محدود بوده و خواهد بود: هنر فیگوراتیو و انتزاعی. سوم، همانطور که می گویند، داده نمی شود.
بنیانگذاران هنر انتزاعی هنرمندان روسی واسیلی کاندینسکی و کازیمیر مالویچ، پیت موندریان هلندی، روبرت دلونای فرانسوی و فرانتیسک کوپکا چک هستند. روش طراحی آنها بر اساس میل به "هماهنگی"، ایجاد ترکیب های رنگی خاص و اشکال هندسی به منظور برانگیختن تداعی های مختلف در متفکر بود.
در انتزاع گرایی، دو جهت واضح قابل تشخیص است: انتزاع هندسی، که عمدتاً مبتنی بر پیکربندی های واضح تعریف شده است (مالویچ، موندریان)، و انتزاع غنایی، که در آن ترکیب از فرم های آزادانه در جریان است (کاندینسکی). همچنین در انتزاع گرایی چندین گرایش مستقل دیگر وجود دارد.
در اوایل دهه 50، امپرسیونیست معروف A. Matisse برای اولین بار به نقاشی انتزاعی روی آورد. و در سال 1950، در پاریس، هنرمندان J. Devan و E. Pilet کارگاهی را افتتاح کردند که در آن شروع به آموزش نقاشان جوان کردند که چگونه از بینش واقع گرایانه خلاص شوند، نقاشی های انتزاعی را با استفاده از ابزارهای تصویری منحصراً خلق کنند و از سه تن بیشتر استفاده نکنند. ترکیب، مانند هنر انتزاعی، به نظر آنها، فرم اغلب رنگ را تعیین می کند. دوان و پیلت معتقد بودند که شرط اصلی خلق یک نقاشی انتزاعی خوب، انتخاب دقیق ترین رنگ ها است. نقاشی انتزاعی دوان، آپوتئوز مارات (1951) با اشتیاق فراوان مورد تحسین منتقدان قرار گرفت. آنها در مورد این نقاشی نوشتند که این نه تنها یک پرتره فکری از چهره مشهور انقلابی است، بلکه "جشن رنگ ناب، بازی پویا از منحنی ها و خطوط مستقیم" است، "این دلیلی است بر این که انتزاع نه تنها ارزش های معنوی را بیان می کند. و همچنین هنر فیگوراتیو می تواند به رویدادهای تاریخی و سیاسی اشاره کند.
در نیمه دوم دهه 50، هنر اینستالیشن، هنر پاپ، در ایالات متحده متولد شد، که کمی بعد اندی وارهول را با تکرار بی پایان پرتره های مرلین مونرو و قوطی های غذای سگ - انتزاع گرایی کلاژ، تجلیل کرد. در هنرهای تجسمی دهه 60، کم تهاجمی ترین شکل انتزاعی، مینیمالیسم، رایج شد. در همان زمان، بارنت نیومن، بنیانگذار انتزاع گرایی هندسی آمریکایی، همراه با A. Lieberman، A. Held و K. Noland، با موفقیت در توسعه بیشتر ایده های نئوپلاستیسیسم هلندی و سوپرماتیسم روسی شرکت کردند.
گرایش دیگر در نقاشی آمریکایی انتزاع گرایی «کروماتیک» یا «پس از نقاشی» نام داشت. نمایندگان آن تا حدی فوویسم و پست امپرسیونیسم را دفع کردند. سبک سخت، طرح‌های کاملاً تیز از آثار ای. کلی، جی. یونگرمن، اف. استلا به تدریج جای خود را به نقاشی یک انبار مالیخولیایی متفکرانه داد. در دهه‌های 1970 و 1980، نقاشی آمریکایی به فیگوراتیو بودن بازگشت. علاوه بر این، چنین تجلی افراطی از آن مانند فوتورئالیسم گسترده شده است. اکثر مورخان هنر موافقند که دهه 70 برای هنر آمریکایی لحظه حقیقت است، زیرا در این دوره سرانجام خود را از نفوذ اروپا رها کرد و کاملاً آمریکایی شد. اما با وجود بازگشت فرم ها و ژانرهای سنتی، از پرتره تا نقاشی تاریخی، هنر انتزاعی نیز از بین نرفته است.
نقاشی‌ها، آثار هنری «غیر زیبا» مانند گذشته خلق شدند، زیرا بازگشت به رئالیسم در ایالات متحده بر انتزاع‌گرایی به‌عنوان چنین چیزی غلبه نکرد، بلکه بر قانون‌گذاری آن، ممنوعیت هنر فیگوراتیو، که در درجه اول با رئالیسم اجتماعی ما شناسایی شد، غلبه کرد. و بنابراین نمی‌توان آن را در یک جامعه «دمکراتیک آزاد» نفرت‌انگیز تلقی کرد، ممنوعیت ژانرهای «پایین» و کارکردهای اجتماعی هنر. در همان زمان، سبک نقاشی انتزاعی نرمی خاصی را به دست آورد که قبلاً فاقد آن بود - حجم های ساده، تار شدن خطوط، غنای نیم تنه ها، راه حل های رنگی ظریف (E.Murray، G.Stefan، L.Rivers، M. Morley، L.Chese, A. .Byalobrod). به طور کامل ناپدید نشد، با این حال، و سبک سخت. در پس‌زمینه محو شد و در آثار نسل قدیمی‌تر هندسه‌شناسان و هنرمندان اکسپرسیونیست (H. Buchwald، D. Ashbaug، J. Gareth و غیره) حفظ شد.
همه این روندها پایه و اساس توسعه انتزاع گرایی مدرن را ایجاد کردند. در خلاقیت هیچ چیز منجمد و نهایی نمی تواند وجود داشته باشد، زیرا این برای او مرگ است. اما صرف نظر از مسیرهایی که انتزاع گرایی طی می کند، مهم نیست که چه دگرگونی هایی را متحمل می شود، جوهر آن همیشه بدون تغییر باقی می ماند. این در این واقعیت نهفته است که انتزاع گرایی در هنرهای زیبا در دسترس ترین و اصیل ترین راه برای تسخیر وجود شخصی است و به شکلی که مناسب ترین شکل است، مانند چاپ فاکس. در عین حال، انتزاع گرایی تحقق مستقیم آزادی است.
انتزاع گرایی (لات. انتزاعی- حذف، حواس پرتی) یا هنر غیر تجسمی- جهتی از هنر که نمایش اشکال تقریبی به واقعیت در نقاشی و مجسمه سازی را کنار گذاشت. یکی از اهداف انتزاع گرایی دستیابی به «هماهنگی» با به تصویر کشیدن برخی ترکیبات رنگی و اشکال هندسی است که باعث می شود بیننده کامل بودن و کامل بودن ترکیب بندی را احساس کند. چهره های برجسته: واسیلی کاندینسکی، کازیمیر مالویچ، ناتالیا گونچاروا و میخائیل لاریونوف، پیت موندریان.
داستان
انتزاع گرایی(هنر تحت علامت "صفر اشکال"، هنر غیر عینی) - جهت هنری که در هنر نیمه اول قرن بیستم شکل گرفت و به طور کامل از بازتولید اشکال دنیای واقعی واقعی امتناع کرد. بنیانگذاران انتزاع گرایی را وی کاندینسکی می دانند , پی موندریان و K. Malevich.
وی. کاندینسکی نوع نقاشی انتزاعی خود را خلق کرد و لکه‌های امپرسیونیست‌ها و «وحشی» را از هرگونه نشانه‌های عینی رها کرد. پیت موندریان از طریق تلطیف هندسی طبیعت که توسط سزان و کوبیست ها آغاز شده بود به بیهودگی خود رسید. روندهای مدرنیستی قرن بیستم، با تمرکز بر انتزاع گرایی، کاملاً از اصول سنتی فاصله گرفته و رئالیسم را انکار می کنند، اما در عین حال در چارچوب هنر باقی می مانند. تاریخ هنر با ظهور انتزاع گرایی انقلابی را تجربه کرد. اما این انقلاب نه تصادفی، بلکه کاملاً طبیعی به وجود آمد و توسط افلاطون پیش بینی شد! در اثر متأخر خود فیلبوس، او در مورد زیبایی خطوط، سطوح و فرم‌های فضایی به خودی خود، فارغ از هرگونه تقلید از اشیاء مرئی، از هر تقلید، نوشت. این نوع زیبایی هندسی، بر خلاف زیبایی اشکال طبیعی «نامنظم»، به گفته افلاطون، نسبی نیست، بلکه بی قید و شرط و مطلق است.
قرن 20 و مدرن
پس از جنگ جهانی اول 1914-1918، تمایلات هنر انتزاعی اغلب خود را در آثار فردی نمایندگان دادائیسم و سوررئالیسم نشان داد. در همان زمان، تمایل به یافتن کاربرد برای فرم های غیرتصویری در معماری، هنر تزئینی و طراحی مشخص شد (آزمایش های گروه سبک و باهاوس). چندین گروه از هنر انتزاعی ("هنر بتن"، 1930، "دایره و میدان"، 1930، "انتزاع و خلاقیت"، 1931)، با متحد کردن هنرمندان از ملیت ها و گرایش های مختلف، در اوایل دهه 30، عمدتا در فرانسه، پدید آمدند. با این حال، هنر انتزاعی در آن زمان و در اواسط دهه 30 گسترده نبود. گروه ها از هم پاشیدند در طول سال های جنگ جهانی دوم (1939-1945)، مکتبی از به اصطلاح اکسپرسیونیسم انتزاعی در ایالات متحده به وجود آمد (نقاشان جی. پولاک، ام. توبیو غیره)، که پس از جنگ در بسیاری از کشورها توسعه یافت (تحت نام tachisme یا "هنر بی شکل") و به عنوان روش خود "اتوماتیک ذهنی ناب" و انگیزه ذهنی ناخودآگاه خلاقیت، فرقه ترکیب رنگ و بافت غیرمنتظره را اعلام کرد.
در نیمه دوم دهه 50، هنر اینستالیشن، هنر پاپ، در ایالات متحده متولد شد، که کمی بعد اندی وارهول را با تکرار بی پایان پرتره های مرلین مونرو و قوطی های غذای سگ - انتزاع گرایی کلاژ، تجلیل کرد. در هنرهای تجسمی دهه 60، کم تهاجمی ترین شکل انتزاعی، مینیمالیسم، رایج شد. همزمان بارنت نیومن، بنیانگذار انتزاع گرایی هندسی آمریکایی همراه با A. Lieberman, A. Holdو K. Nolandبا موفقیت در توسعه بیشتر ایده های نئوپلاستیسیسم هلندی و سوپرماتیسم روسی شرکت کرد.
گرایش دیگر در نقاشی آمریکایی انتزاع گرایی «کروماتیک» یا «پس از نقاشی» نام داشت. نمایندگان آن تا حدی فوویسم و پست امپرسیونیسم را دفع کردند. سبک سفت و سخت، بر خطوط واضح آثار تأکید شده است E. Kelly، J. Jungerman، F. Stellaبه تدریج جای خود را به نقاشی یک انبار مالیخولیایی متفکرانه داد. در دهه‌های 1970 و 1980، نقاشی آمریکایی به هنر فیگوراتیو بازگشت. علاوه بر این، چنین تجلی افراطی از آن مانند فوتورئالیسم گسترده شده است. اکثر مورخان هنر موافقند که دهه 70 برای هنر آمریکایی لحظه حقیقت است، زیرا در این دوره سرانجام خود را از نفوذ اروپا رها کرد و کاملاً آمریکایی شد. اما با وجود بازگشت فرم ها و ژانرهای سنتی، از پرتره تا نقاشی تاریخی، هنر انتزاعی نیز از بین نرفته است.
نقاشی‌ها، آثار هنری «غیر زیبا» مانند گذشته خلق شدند، زیرا بازگشت به رئالیسم در ایالات متحده بر انتزاع‌گرایی به‌عنوان چنین چیزی غلبه نکرد، بلکه بر قانون‌گذاری آن، ممنوعیت هنر فیگوراتیو، که در درجه اول با رئالیسم اجتماعی ما شناسایی شد، غلبه کرد. و بنابراین نمی‌توان آن را در یک جامعه «دمکراتیک آزاد» نفرت‌انگیز تلقی کرد، ممنوعیت ژانرهای «پایین» و کارکردهای اجتماعی هنر. در همان زمان، سبک نقاشی انتزاعی نرمی خاصی را به دست آورد که قبلاً فاقد آن بود - ساده سازی حجم ها، تار شدن خطوط، غنای نیم تن ها، راه حل های رنگی ظریف ( E.Murray، G. Stefan، L.Rivers، M.Morley، L.Chese، A.Bialobrod).
همه این روندها پایه و اساس توسعه انتزاع گرایی مدرن را ایجاد کردند. در خلاقیت هیچ چیز منجمد و نهایی نمی تواند وجود داشته باشد، زیرا این برای او مرگ است. اما صرف نظر از مسیرهایی که انتزاع گرایی طی می کند، مهم نیست که چه دگرگونی هایی را متحمل می شود، جوهر آن همیشه بدون تغییر باقی می ماند. این در این واقعیت نهفته است که انتزاع گرایی در هنرهای زیبا در دسترس ترین و اصیل ترین راه برای تسخیر وجود شخصی است و به شکلی که مناسب ترین شکل است، مانند چاپ فاکس. در عین حال، انتزاع گرایی تحقق مستقیم آزادی است.
جهت ها
در انتزاع گرایی، دو جهت واضح قابل تشخیص است: انتزاع هندسی، که عمدتاً مبتنی بر پیکربندی های واضح تعریف شده است (مالویچ، موندریان)، و انتزاع غنایی، که در آن ترکیب از فرم های آزادانه در جریان است (کاندینسکی). همچنین در انتزاع گرایی چندین گرایش مستقل دیگر وجود دارد.
کوبیسم
یک گرایش آوانگارد در هنرهای تجسمی، که در آغاز قرن بیستم ایجاد شد و با استفاده از اشکال هندسی مشروط مشروط مشخص می شود، میل به "تقسیم" اشیاء واقعی به موارد اولیه کلیشه ای.
ریونیسم (لوچیسم)
جهت گیری در هنر انتزاعی دهه 1910، بر اساس تغییر طیف نور و انتقال نور. ایده ظهور اشکال از "تلاقی پرتوهای منعکس شده از اشیاء مختلف" مشخصه است، زیرا شخص در واقع نه خود شیء را درک می کند، بلکه "مجموع پرتوهایی را که از منبع نور منعکس می شود" درک می کند. هدف - شی."
نئوپلاستیسیزم
تعیین جهت هنر انتزاعی که در سالهای 1917-1928 وجود داشت. در هلند و هنرمندان متحد در اطراف مجله "De Stijl" ("سبک"). با اشکال مستطیلی شفاف در معماری و نقاشی انتزاعی در چیدمان صفحات مستطیلی بزرگ، رنگ آمیزی شده در رنگ های اصلی طیف مشخص می شود.
اورفیسم
جهت در نقاشی فرانسوی دهه 1910. هنرمندان-ارفیست ها به دنبال بیان پویایی حرکت و موزیکال بودن ریتم ها با کمک "قاعدگی" نفوذ رنگ های اصلی طیف و تلاقی سطوح منحنی بودند.
برتری طلبی
جهت در هنر آوانگارد، در دهه 1910 تاسیس شد. مالویچ. این در ترکیبی از صفحات چند رنگ از ساده ترین خطوط هندسی بیان شد. ترکیب اشکال هندسی چند رنگ ترکیبات سوپرماتیستی نامتقارن متعادل را تشکیل می دهد که با حرکت درونی نفوذ می کند.
تاچیسم
روند انتزاع گرایی اروپای غربی در دهه های 1950 و 60 که در ایالات متحده بسیار گسترده بود. این نقاشی با لکه هایی است که تصاویری از واقعیت را بازسازی نمی کند، بلکه فعالیت ناخودآگاه هنرمند را بیان می کند. ضربه ها، خطوط و نقاط در تاچیسم با حرکات سریع دست و بدون برنامه ریزی از قبل بر روی بوم اعمال می شود.
اکسپرسیونیسم انتزاعی
حرکت هنرمندانی که به سرعت و روی بوم‌های بزرگ نقاشی می‌کنند، با استفاده از ضربات غیر هندسی، قلم‌های بزرگ، گاهی قطره‌های رنگ بر روی بوم، برای به نمایش گذاشتن کامل احساسات. روش بیانی نقاشی در اینجا اغلب به اندازه خود نقاشی مهم است.
انتزاع گرایی در درون
اخیراً، هنر انتزاعی شروع به حرکت از نقاشی های هنرمندان به فضای داخلی دنج خانه کرده است و آن را به طور مطلوب به روز می کند. سبک مینیمالیستی با استفاده از فرم های واضح، گاهی اوقات کاملا غیر معمول، اتاق را غیر معمول و جالب می کند. اما افراط در رنگ آسان است. ترکیب رنگ نارنجی را در چنین سبک داخلی در نظر بگیرید.
رنگ سفید به بهترین وجه پرتقال غنی را رقیق می کند و آن را خنک می کند. رنگ نارنجی باعث می شود اتاق گرمتر شود، بنابراین زیاد نیست. جلوگیری نمی کند. تأکید باید روی مبلمان یا طراحی آن باشد، به عنوان مثال، روتختی نارنجی. در این حالت، دیوارهای سفید روشنایی رنگ را از بین می برند، اما اتاق را رنگارنگ ترک می کنند. در این مورد، نقاشی های همان محدوده به عنوان یک افزودنی عالی خدمت می کنند - نکته اصلی این است که زیاده روی نکنید، در غیر این صورت مشکلاتی در خواب وجود خواهد داشت.
ترکیب رنگ های نارنجی و آبی برای هر اتاقی مضر است، اگر در مهد کودک صدق نکند. اگر سایه های روشن را انتخاب کنید، آنها با موفقیت با یکدیگر هماهنگ می شوند، خلق و خوی ایجاد می کنند و حتی بر کودکان بیش فعال تأثیر منفی نمی گذارند.
رنگ نارنجی با سبز به خوبی هماهنگ می شود و جلوه ای از درخت نارنگی و رنگ شکلاتی ایجاد می کند. قهوه ای رنگی است که از گرم تا سرد متغیر است، بنابراین دمای کلی اتاق را کاملا عادی می کند. علاوه بر این، این ترکیب رنگ ها برای آشپزخانه و اتاق نشیمن مناسب است، جایی که باید فضایی ایجاد کنید، اما فضای داخلی را بیش از حد بار نکنید. با تزئین دیوارها به رنگ های سفید و شکلاتی، می توانید با خیال راحت یک صندلی نارنجی قرار دهید یا یک تصویر روشن با رنگ نارنگی غنی آویزان کنید. در حالی که در چنین اتاقی هستید، روحیه عالی و میل به انجام هر چه بیشتر کارها خواهید داشت.
نقاشی های هنرمندان مشهور آبستره
کاندینسکی یکی از پیشگامان هنر انتزاعی بود. او جستجوی خود را در امپرسیونیسم آغاز کرد و تنها پس از آن به سبک انتزاع گرایی رسید. او در کار خود از رابطه بین رنگ و فرم برای ایجاد یک تجربه زیباشناختی بهره برد که هم بینش و هم احساسات مخاطب را در بر می گرفت. او معتقد بود که انتزاع کامل فضایی برای بیان عمیق و متعالی می دهد و کپی برداری از واقعیت فقط در این فرآیند دخالت می کند.
نقاشی برای کاندینسکی عمیقاً معنوی بود. او به دنبال انتقال عمق احساسات انسانی از طریق یک زبان بصری جهانی از اشکال و رنگ‌های انتزاعی بود که از مرزهای فیزیکی و فرهنگی فراتر می‌رفت. او دید انتزاع گراییبه عنوان یک حالت تصویری ایده آل که می تواند "نیاز درونی" هنرمند را بیان کند و ایده ها و احساسات انسانی را منتقل کند. او خود را پیامبری می‌دانست که رسالتش این است که این آرمان‌ها را به نفع جامعه در میان بگذارد.
پنهان در رنگ‌های روشن و خطوط مشکی شفاف، چندین قزاق را با نیزه‌ها، و همچنین قایق‌ها، چهره‌ها و قلعه‌ای را در بالای تپه به تصویر می‌کشند. مانند بسیاری از نقاشی‌های این دوره، نبردی آخرالزمانی را نشان می‌دهد که به صلح ابدی منجر می‌شود.
کاندینسکی به منظور تسهیل توسعه سبک غیر عینی نقاشی، همانطور که در کتاب «درباره معنوی در هنر» (1912) توضیح داده شده است، اشیاء را به نمادهای تصویری تقلیل می دهد. کاندینسکی با حذف بیشتر ارجاعات به جهان خارج، دیدگاه خود را به شیوه ای جهانی تر بیان کرد و جوهر معنوی موضوع را از طریق همه این اشکال به زبانی بصری ترجمه کرد. بسیاری از این چهره های نمادین در آثار بعدی او تکرار و اصلاح شدند و حتی انتزاعی تر شدند.
کازیمیر مالویچ
ایده های مالویچ در مورد فرم و معنا در هنر به نوعی منجر به تمرکز بر نظریه انتزاع گرایی سبک می شود. مالویچ با سبک‌های مختلفی در نقاشی کار می‌کرد، اما بیشتر از همه بر مطالعه اشکال هندسی خالص (مربع، مثلث، دایره) و ارتباط آنها با یکدیگر در فضای تصویری متمرکز بود. مالویچ از طریق تماس های خود در غرب توانست ایده های خود را در مورد نقاشی به دوستان هنرمند در اروپا و ایالات متحده منتقل کند و بنابراین عمیقاً بر تکامل هنر معاصر تأثیر بگذارد.
"میدان سیاه" (1915)
تابلوی نمادین "میدان سیاه" اولین بار توسط مالویچ در نمایشگاهی در پتروگراد در سال 1915 به نمایش درآمد. این اثر مظهر اصول نظری سوپرماتیسم است که توسط مالویچ در مقاله خود "از کوبیسم و فوتوریسم تا سوپرماتیسم: رئالیسم جدید در نقاشی" توسعه یافته است.
روی بوم در مقابل بیننده یک فرم انتزاعی است که روی زمینه سفید به شکل مربع سیاه کشیده شده است - این تنها عنصر ترکیب است. اگرچه نقاشی ساده به نظر می رسد، اما عناصری مانند اثر انگشت، ضربه های قلم مو در میان لایه های سیاه رنگ دیده می شود.
برای مالویچ مربع به معنای احساسات است و مربع سفید به معنای پوچی است، هیچ. او مربع سیاه را حضوری خداگونه می‌دید، شمایلی که گویی می‌توانست به تصویری مقدس جدید برای هنر غیرعینی تبدیل شود. حتی در نمایشگاه، این تصویر در محلی قرار گرفت که معمولاً یک نماد در یک خانه روسی قرار می گیرد.
پیت موندریان
پیت موندریان، یکی از بنیانگذاران جنبش هلندی دی استایل، به دلیل خلوص انتزاعات و تمرین روشمند خود شناخته شده است. او عناصر نقاشی‌هایش را به‌طور بنیادی ساده‌سازی کرد تا آنچه را که می‌دید نه مستقیم، بلکه به‌صورت فیگوراتیو به نمایش بگذارد و زبان زیبایی‌شناختی روشن و جهانی را در بوم‌هایش ایجاد کند. موندریان در مشهورترین نقاشی‌های خود در دهه 1920، فرم‌ها را به خطوط و مستطیل و پالت را به ساده‌ترین شکل تقلیل می‌دهد. استفاده از تعادل نامتقارن برای توسعه هنر معاصر اساسی شد و آثار انتزاعی نمادین او همچنان در طراحی تأثیرگذار هستند و تا به امروز با فرهنگ عامه آشنا هستند.
"درخت خاکستری" نمونه ای از انتقال اولیه موندریان به سبک است انتزاع گرایی. درخت سه‌بعدی به ساده‌ترین خطوط و صفحات کاهش می‌یابد و فقط از رنگ‌های خاکستری و سیاه استفاده می‌کند.
این نقاشی یکی از مجموعه‌ای از آثار موندریان است که رویکردی واقع‌گرایانه‌تر را در پیش گرفته است، به‌طور مثال درختان به شیوه‌ای ناتورالیستی ارائه شده‌اند. در حالی که قطعات بعدی به طور فزاینده ای انتزاعی شدند، برای مثال، خطوط درخت کاهش می یابد تا جایی که شکل درخت به سختی قابل مشاهده است و به ترکیب کلی خطوط عمودی و افقی تبدیل می شود. در اینجا همچنان می‌توانید علاقه موندریان به کنار گذاشتن سازماندهی ساختاریافته خطوط را ببینید. این حرکت برای توسعه انتزاع ناب موندریان بسیار مهم بود.
رابرت دلوني
دلونه یکی از اولین هنرمندان سبک آبستره بود. کار او بر توسعه این جهت، بر اساس تنش ترکیبی که ناشی از تضاد رنگ ها بود، تأثیر گذاشت. او به سرعت تحت تأثیر رنگ‌های نئو امپرسیونیستی قرار گرفت و سیستم رنگی آثار را به سبک انتزاع‌گرایی بسیار دنبال کرد. او رنگ و نور را اصلی‌ترین ابزاری می‌دانست که با آن می‌توان روی عینیت جهان تأثیر گذاشت.
تا سال 1910، دلوني سهم خود را در قالب دو سري نقاشي كه كليساهاي جامع و برج ايفل را به تصوير مي‌كشيد، به كوبيسم انجام داد كه فرم‌هاي مكعبي، پويايي حركت و رنگ‌هاي روشن را با هم تركيب مي‌كرد. این روش جدید استفاده از هارمونی رنگی به جداسازی سبک از کوبیسم ارتدکس، به نام اورفیسم کمک کرد و بلافاصله هنرمندان اروپایی را تحت تأثیر قرار داد. همسر دلون، هنرمند سونیا ترک-دلونی، به نقاشی خود به همان سبک ادامه داد.
کار اصلی دلون به برج ایفل - نماد معروف فرانسه - اختصاص دارد. این یکی از تاثیرگذارترین مجموعه از یازده نقاشی است که بین سالهای 1909 تا 1911 به برج ایفل اختصاص یافته است. به رنگ قرمز روشن رنگ آمیزی شده است که بلافاصله آن را از کسل کننده بودن شهر اطراف متمایز می کند. اندازه چشمگیر بوم عظمت این ساختمان را بیشتر می کند. برج مانند یک شبح بر فراز خانه‌های اطراف بلند می‌شود و به‌طور مجازی پایه‌های نظم قدیمی را به لرزه در می‌آورد. نقاشی دلون این احساس خوش بینی بی حد و حصر، معصومیت و طراوت دورانی را می رساند که هنوز شاهد دو جنگ جهانی نبوده است.
فرانتیسک کوپکا
فرانتیسک کوپکا هنرمند چکسلواکی است که به سبک نقاشی می‌کشد انتزاع گراییاز آکادمی هنر پراگ فارغ التحصیل شد. او در دوران دانشجویی عمدتاً با موضوعات میهن پرستانه نقاشی می کرد و ترکیبات تاریخی می نوشت. کارهای اولیه او بیشتر آکادمیک بودند، با این حال، سبک او در طول سال ها تکامل یافت و در نهایت به هنر انتزاعی تبدیل شد. حتی آثار اولیه او که به شیوه ای بسیار واقع گرایانه نوشته شده بود حاوی مضامین و نمادهای سورئال عرفانی بود که هنگام نوشتن انتزاع حفظ می شد. کوپکا معتقد بود که هنرمند و کار او در یک فعالیت خلاقانه مستمر شرکت می کنند که ماهیت آن مانند یک مطلق محدود نیست.
"آمورفا. فوگ در دو رنگ" (1907-1908)
از سال 1907 تا 1908، کوپکا شروع به کشیدن یک سری پرتره از دختری کرد که توپی را در دست داشت، طوری که انگار قصد داشت با آن بازی کند یا برقصد. سپس او به طور فزاینده ای بازنمایی شماتیک از او ایجاد کرد و در نهایت مجموعه ای از نقاشی های کاملاً انتزاعی را تولید کرد. آنها در یک پالت محدود قرمز، آبی، سیاه و سفید ساخته شدند. در سال 1912، یکی از این آثار انتزاعی برای اولین بار در پاریس به نمایش گذاشته شد.
انتزاع گرایان مدرن
از آغاز قرن بیستم، هنرمندانی از جمله پابلو پیکاسو، سالوادور دالی، کاظمیر مالویچ، واسیلی کاندینسکی، به آزمایش اشکال اشیاء و ادراک آنها پرداختند و قوانین موجود در هنر را زیر سوال بردند. ما گزیده‌ای از مشهورترین هنرمندان انتزاعی مدرن را آماده کرده‌ایم که تصمیم گرفته‌اند مرزهای دانش خود را پشت سر بگذارند و واقعیت خود را خلق کنند.
هنرمند آلمانی دیوید شنل(دیوید شنل) دوست دارد در مکان هایی پرسه بزند که قبلاً تحت تسلط طبیعت بودند و اکنون مملو از ساختمان های مردمی هستند - از زمین های بازی گرفته تا کارخانه ها و کارخانه ها. خاطرات این پیاده روی ها مناظر انتزاعی درخشان او را به دنیا می آورد. دیوید شنل به جای عکس‌ها و فیلم‌ها، تخیل و حافظه‌اش را آزاد می‌گذارد، نقاشی‌هایی می‌سازد که شبیه واقعیت مجازی رایانه‌ای یا تصاویری برای کتاب‌های علمی تخیلی هستند.
این هنرمند آمریکایی با خلق نقاشی های انتزاعی در مقیاس بزرگ خود کریستین بیکر(کریستین بیکر) از تاریخ هنر و مسابقات نسکار و فرمول 1 الهام می گیرد. در ابتدا، او به کار خود حجم می دهد و چندین لایه رنگ اکریلیک را اعمال می کند و سایه ها را نوار می چسباند. کریستین سپس با دقت آن را جدا می‌کند که لایه‌های زیرین رنگ را نمایان می‌کند و سطح نقاشی‌های او را شبیه یک کلاژ چند لایه و چند رنگ می‌کند. در آخرین مرحله از کار، او تمام برجستگی ها را می تراشد و نقاشی هایش را شبیه به اشعه ایکس می کند.
این هنرمند یونانی الاصل اهل بروکلین، نیویورک، در آثارش، النا آناگنوس(Eleanna Anagnos) جنبه هایی از زندگی روزمره را بررسی می کند که اغلب توسط مردم نادیده گرفته می شود. در جریان "گفتگو با بوم" او مفاهیم معمولی معانی و جنبه های جدیدی پیدا می کنند: فضای منفی مثبت می شود و اشکال کوچک در اندازه افزایش می یابد. الیانا در تلاش برای دمیدن جان به نقاشی هایش از این طریق، سعی می کند ذهن انسان را بیدار کند، ذهنی که دیگر از سوال پرسیدن و باز بودن برای چیزهای جدید باز مانده است.
به دنیا آمدن پاشیدن های روشن و لکه های رنگ روی بوم، یک هنرمند آمریکایی سارا اسپیتلر(سارا اسپیتلر) به دنبال بازتاب هرج و مرج، فاجعه، عدم تعادل و بی نظمی در کار خود است. او جذب این مفاهیم می شود، زیرا آنها خارج از کنترل یک فرد هستند. بنابراین، قدرت تخریب آنها، آثار انتزاعی سارا اسپیتلر را قدرتمند، پرانرژی و هیجان انگیز می کند. بعلاوه. تصویر به دست آمده بر روی بوم جوهر، رنگ های اکریلیک، مدادهای گرافیتی و مینا بر ماهیت زودگذر و نسبیت آنچه در اطراف اتفاق می افتد تأکید می کند.
هنرمند اهل ونکوور کانادا با الهام از رشته معماری، جف دپنر(جف دپنر) نقاشی های انتزاعی لایه ای از اشکال هندسی می آفریند. جف در «آشوب» هنری که خلق کرد، به دنبال هماهنگی در رنگ، فرم و ترکیب است. هر یک از عناصر نقاشی های او به یکدیگر مرتبط هستند و به این موارد منجر می شوند: "کار من ساختار ترکیبی [یک نقاشی] را از طریق روابط رنگ ها در یک پالت انتخابی بررسی می کند...". به گفته این هنرمند، نقاشی های او «نشانه های انتزاعی» هستند که باید بینندگان را به سطحی جدید و ناخودآگاه ببرد.
متن:کسیوشا پتروا
این هفته در موزه یهودیان و مرکز مدارانمایشگاه "انتزاع و تصویر" اثر گرهارد ریشتر به پایان می رسد - اولین نمایشگاه شخصی در روسیه از یکی از تأثیرگذارترین و گران قیمت ترین هنرمندان معاصر. تا کنون، نمایشگاه اخیر رافائل و کاراواجو و آوانگارد گرجستان در موزه پوشکین im. A. S. Pushkin در صف است، ریشتر را می توان در یک شرکت راحت با چند ده بازدید کننده مشاهده کرد. این تناقض نه تنها به این دلیل است که موزه یهودی از نظر محبوبیت بسیار کمتر از موزه پوشکین یا هرمیتاژ است، بلکه به این دلیل است که بسیاری از مردم هنوز در مورد هنر انتزاعی شک دارند.
حتی کسانی که به ریسک معاصر آشنایی دارند و اهمیت میدان سیاه برای فرهنگ جهانی را به خوبی درک می کنند، از «نخبه گرایی» و «دست نیافتنی» انتزاع می ترسند. ما به آثار هنرمندان مد طعنه می زنیم، از سوابق حراج شگفت زده می شویم و می ترسیم که در پشت نمای اصطلاحات تاریخ هنر خلأ وجود داشته باشد - هر چه باشد، شایستگی هنری آثاری که شبیه خط خطی های کودکان هستند، گاهی شک و تردیدهایی را در بین حرفه ای ها ایجاد می کند. در واقع، هاله «دست نیافتنی» هنر انتزاعی به راحتی از بین می رود - در این دستورالعمل سعی کردیم توضیح دهیم که چرا انتزاع را «تلوزیون بودایی» می نامند و از کدام سمت باید به آن نزدیک شد.
گرهارد ریشتر نوامبر 1/54. 2012
سعی نکنید بفهمید
آنچه هنرمند می خواست بگوید
در سالن‌هایی که نقاشی‌های رنسانس آویزان است، حتی یک بیننده نه چندان آماده هم رفتار خود را پیدا می‌کند: حداقل او می‌تواند به راحتی آنچه در تصویر به تصویر کشیده شده است - مردم، میوه‌ها یا دریا، چه احساساتی که شخصیت‌ها دارند، نام ببرند. تجربه، آیا طرحی در این کار وجود دارد، آیا آنها او را با شرکت کنندگان در رویدادها آشنا می کنند. قبل از بوم های روتکو، پولاک یا مالویچ، ما چندان اعتماد به نفس نداریم - آنها چیزی ندارند که بتوانید چشم خود را به خاطر آن جلب کنید و در مورد آن صحبت کنید تا بفهمید "نویسنده چه چیزی می خواست بگوید"، مانند در مدرسه این تفاوت اصلی بین نقاشی انتزاعی یا غیر عینی از نقاشی فیگوراتیو آشناتر است: هنرمند انتزاعی به هیچ وجه به دنبال به تصویر کشیدن جهان اطراف خود نیست، او چنین وظیفه ای را برای خود تعیین نمی کند.
اگر به دو قرن اخیر تاریخ هنر غرب با دقت نگاه کنید، مشخص می شود که طرد موضوع در نقاشی، هوی و هوس یک مشت ناسازگار نیست، بلکه مرحله ای طبیعی از رشد است. در قرن نوزدهم، عکاسی ظاهر شد و هنرمندان از تعهد به تصویر کشیدن جهان آنطور که هست رها شدند: پرتره های بستگان و سگ های محبوب در یک استودیوی عکس شروع به ساختن کردند - سریعتر و ارزان تر از سفارش یک نقاشی رنگ روغن به دست آمد. یک استاد با اختراع عکاسی، نیاز به کپی برداری دقیق از آنچه می بینیم برای حفظ آن در حافظه از بین رفت.
← جکسون پولاک.
شکل کوتاه. 1942
در اواسط قرن نوزدهم، برخی گمان کردند که هنر رئالیستی یک تله است. هنرمندان کاملاً بر قوانین پرسپکتیو و ترکیب تسلط داشتند ، یاد گرفتند که مردم و حیوانات را با دقت فوق العاده ای به تصویر بکشند ، مواد مناسبی به دست آوردند ، اما نتیجه کمتر و کمتر قانع کننده به نظر می رسید. جهان به سرعت شروع به تغییر کرد، شهرها بزرگتر شدند، صنعتی شدن آغاز شد - در برابر این پس زمینه، تصاویر واقع گرایانه از میدان ها، صحنه های جنگ و مدل های برهنه منسوخ به نظر می رسید، جدا از تجربیات پیچیده انسان مدرن.
امپرسیونیست ها، پست امپرسیونیست ها، فوویست ها و کوبیست ها هنرمندانی هستند که از بررسی مجدد آنچه در هنر مهم است ترسی نداشتند: هر یک از این جنبش ها از تجربه نسل قبل استفاده کردند و رنگ و فرم را آزمایش کردند. در نتیجه، برخی از هنرمندان به این نتیجه رسیدند که تماس بین نویسنده و بیننده از طریق فرافکنی واقعیت اتفاق نمی‌افتد، بلکه از طریق خطوط، لکه‌ها و خطوط رنگ رخ می‌دهد - اینگونه بود که هنر از نیاز به تصویر کردن هر چیزی خلاص شد. به بیننده ارائه می دهد تا لذت بدون ابر تعامل با رنگ، شکل، خطوط و بافت را احساس کند. همه اینها کاملاً با آموزه های فلسفی و دینی جدید ترکیب شد - به ویژه تئوسوفی و لوکوموتیوهای آوانگارد روسی واسیلی کاندینسکی و کازیمیر مالویچ سیستم های فلسفی خود را توسعه دادند که در آن نظریه هنر با اصول یک ایده آل مرتبط است. جامعه.
در هر موقعیت نامشخص، از تحلیل رسمی استفاده کنید
در اینجا کابوسی است که هر هنردوست معاصر می تواند خود را در آن بیابد: تصور کنید که در مقابل یک نقاشی شگفت انگیز، همانطور که در کتاب راهنما نوشته شده است، توسط اگنس مارتین، ایستاده اید و مطلقاً هیچ احساسی ندارید. چیزی جز عصبانیت و اندوه خفیف - نه به این دلیل که تصویر چنین احساسی را در شما ایجاد می‌کند، بلکه به این دلیل که اصلاً نمی‌دانید چه چیزی در اینجا کشیده شده است و کجا باید نگاه کنید (حتی مطمئن نیستید که متصدیان کار را روی آن آویزان کرده‌اند. سمت راست). در چنین شرایطی، یک تحلیل رسمی برای کمک عجله دارد، که ارزش شروع آشنایی با هر اثر هنری را دارد. نفس خود را بیرون دهید و سعی کنید به چند سوال کودکان پاسخ دهید: چه چیزی در مقابل خود می بینم - یک تصویر یا مجسمه، گرافیک یا نقاشی؟ با چه موادی و چه زمانی ایجاد شد؟ چگونه می توان این اشکال و خطوط را توصیف کرد؟ چگونه تعامل دارند؟ آیا آنها متحرک هستند یا ساکن؟ آیا در اینجا عمق وجود دارد - کدام عناصر تصویر در پیش زمینه و کدام در پس زمینه هستند؟
← بارنت نیومن. بدون عنوان 1945
مرحله بعدی نیز بسیار ساده است: به خودتان گوش دهید و سعی کنید مشخص کنید چه احساساتی را می بینید. آیا این مثلث های قرمز خنده دار هستند یا ناراحت کننده؟ آیا احساس آرامش می کنم یا عکس روی من فشار می آورد؟ سوال امنیتی: آیا می‌خواهم بفهمم که چگونه است، یا اجازه می‌دهم ذهنم آزادانه با رنگ و شکل تعامل داشته باشد؟
به یاد داشته باشید که نه تنها تصویر مهم است، بلکه قاب - یا کمبود آن نیز مهم است. در مورد همان نیومن، موندریان یا "آمازون آوانگارد" اولگا روزانووا، رد قاب یک انتخاب آگاهانه هنرمند است که شما را به کنار گذاشتن ایده های قدیمی در مورد هنر و گسترش ذهنی محدودیت های آن دعوت می کند. به معنای واقعی کلمه فراتر بروید.
برای احساس اطمینان بیشتر، می توانید طبقه بندی ساده ای از آثار انتزاعی را به خاطر بسپارید: آنها معمولاً به هندسی (پیت موندریان، السورث کلی، تئو ون دوزبورگ) و غنایی (هلن فرانکتالر، گرهارد ریشتر، واسیلی کاندینسکی) تقسیم می شوند.
هلن فرانکتالر. حلقه نارنجی. 1965
هلن فرانکتالر. سولاریوم 1964
"مهارت های نقاشی" را رتبه بندی نکنید
«فرزند/گربه/میمون من می‌تواند به همان خوبی کار کند» این جمله‌ای است که هر روز در هر موزه هنر مدرن گفته می‌شود (شاید فکر کرده‌اند یک پیشخوان مخصوص در جایی قرار دهند). یک راه آسان برای پاسخ به چنین ادعایی، خرخر کردن و چرخاندن چشمان خود، شکایت از فقر معنوی دیگران است، یک راه پیچیده و سازنده تر این است که موضوع را جدی بگیرید و سعی کنید توضیح دهید که چرا مهارت انتزاع گرایان باید متفاوت ارزیابی شود. رولان بارت، نشانه‌شناس بزرگ، مقاله‌ای نافذ درباره «کودکی» ظاهری ابله‌های سای تومبلی نوشت و سوزی هاج معاصر ما یک کتاب کامل را به این موضوع اختصاص داد.
بسیاری از هنرمندان انتزاعی دارای تحصیلات کلاسیک و مهارت های طراحی آکادمیک عالی هستند - یعنی می توانند یک گلدان زیبا از گل ها، غروب خورشید روی دریا یا یک پرتره بکشند، اما به دلایلی نمی خواهند. آنها یک تجربه بصری را انتخاب می کنند که بار عینی نداشته باشد: هنرمندان، به عنوان مثال، کار را برای بیننده آسان تر می کنند، اجازه نمی دهند او توسط اشیاء به تصویر کشیده شده در تصویر منحرف شود و به او کمک می کنند تا بلافاصله خود را در یک تجربه احساسی غوطه ور کند. .
← Cy Twombly. بدون عنوان 1954
در سال 2011، محققان تصمیم گرفتند آزمایش کنند که آیا نقاشی های ژانر اکسپرسیونیسم انتزاعی (بیشترین سؤالات در مورد این جهت از هنر انتزاعی مطرح می شود) از نقاشی های کودکان کوچک و همچنین هنر شامپانزه ها و فیل ها قابل تشخیص نیستند. از آزمودنی ها خواسته شد تا به جفت عکس ها نگاه کنند و تعیین کنند که کدام یک از آنها توسط هنرمندان حرفه ای ساخته شده است - در 60-70٪ موارد، پاسخ دهندگان آثار هنری "واقعی" را انتخاب کردند. مزیت کوچک است، اما از نظر آماری قابل توجه است - ظاهراً در آثار انتزاع گرایان واقعاً چیزی وجود دارد که آنها را از نقاشی های یک شامپانزه هوشمند متمایز می کند. مطالعه جدید دیگری نشان داده است که خود کودکان می توانند آثار هنرمندان انتزاعی را از نقاشی های کودکان تشخیص دهند. برای آزمایش استعداد هنری خود، می توانید در BuzzFeed تستی با شرایط مشابه انجام دهید.
به یاد داشته باشید که همه هنرها انتزاعی هستند.
اگر مغز شما برای کمی اضافه بار آماده است، در نظر بگیرید که همه هنرها ذاتاً انتزاعی هستند. نقاشی فیگوراتیو، چه طبیعت بی جان پیکاسو، پسر با لوله، چه بریولوف، آخرین روز پمپئی، فرافکنی جهان سه بعدی بر روی بوم مسطح است، تقلیدی از «واقعیت» که ما از طریق بینایی درک می کنیم. نیازی به صحبت در مورد عینیت ادراک ما نیز نیست - به هر حال، امکانات بینایی، شنوایی و سایر حواس انسان بسیار محدود است و ما نمی توانیم آنها را به تنهایی ارزیابی کنیم.
دیوید مرمر یک مرد زنده نیست، بلکه تکه سنگی است که میکل آنژ برای یادآوری یک مرد به ما شکل داده است (و ما از تجربه زندگی خود ایده ای در مورد ظاهر مردان دریافتیم). اگر خیلی به جوکوندا نزدیک شوید، باز هم به نظرتان می رسد که پوست لطیف و تقریباً زنده، حجاب شفاف و مه او را در دوردست می بینید - اما این اساساً یک انتزاع است، فقط لئوناردو داوینچی بسیار پر زحمت و برای مدتی برای مدت طولانی لایه های رنگ را روی یکدیگر قرار داده اند تا یک توهم بسیار ظریف ایجاد کنند. واضح تر، ترفند نوردهی با فوویست ها و پوانتیلیست ها کار می کند: اگر به نقاشی پیسارو نزدیک شوید، نه بلوار مونمارتر و غروب خورشید در ارگنی، بلکه تعداد زیادی سکته های کوچک چند رنگ را خواهید دید. جوهر توهم‌آمیز هنر به نقاشی معروف رنه ماگریت "خیانت تصاویر" اختصاص دارد: البته "این یک لوله نیست" - اینها فقط ضربه هایی از رنگ هستند که با موفقیت روی بوم قرار گرفته اند.
← هلن فرانکتالر.
نپنته. 1972
امپرسیونیست ها، که ما امروز در صلاحیتشان شک نداریم، انتزاع گرایان زمان خود بودند: مونه، دگا، رنوار و دوستانشان متهم به کنار گذاشتن بازنمایی واقع گرایانه به نفع انتقال احساسات بودند. ضربات "بی دقت"، قابل مشاهده با چشم غیرمسلح، ترکیب "عجیب" و سایر تکنیک های مترقی برای عموم مردم آن زمان کفرآمیز به نظر می رسید. در پایان قرن نوزدهم، امپرسیونیست ها به شدت به "ناتوانی در طراحی"، ابتذال و بدبینی متهم شدند.
سازمان دهندگان سالن پاریس مجبور شدند المپیای مانه را عملاً زیر سقف آویزان کنند - کسانی که می خواستند به آن تف کنند یا بوم را با چتر سوراخ کنند بسیار زیاد بودند. آیا این وضعیت با حادثه سال 1987 در موزه Stedelijk در آمستردام که مردی با چاقو به تابلوی "چه کسی از قرمز، زرد و آبی می ترسد" اثر هنرمند انتزاعی بارنت نیومن با چاقو حمله کرد، تفاوت دارد؟
مارک روتکو بدون عنوان 1944-1946
از زمینه غافل نشوید
بهترین راه برای تجربه یک اثر هنری انتزاعی، ایستادن در مقابل آن و نگاه کردن و نگاه کردن و نگاه کردن است. برخی از آثار می توانند بیننده را در تجارب وجودی عمیق یا خلسه ای خلسه غوطه ور کنند - اغلب این اتفاق با نقاشی های مارک روتکو و اشیاء آنیش کاپور می افتد، اما آثار هنرمندان ناشناخته نیز می توانند تأثیر مشابهی داشته باشند. اگرچه تماس عاطفی از همه مهمتر است، اما نباید از خواندن برچسب ها و آشنایی با زمینه تاریخی امتناع کنید: عنوان به شما در درک "معنای" اثر کمک نمی کند، اما می تواند به افکار جالبی منجر شود. حتی عناوین خشکی مانند «ترکیب شماره 2» و «شیء شماره 7» چیزی به ما می گویند: نویسنده با گذاشتن این نام بر اثر خود، ما را ترغیب می کند که جستجوی «زیر متن» یا «سمبولیسم» را کنار بگذاریم و بر تجربه معنوی تمرکز کنیم. .
← یوری زلوتنیکوف. ترکیب شماره 22. 1979
تاریخچه خلق اثر نیز مهم است: به احتمال زیاد، اگر متوجه شوید اثر در چه زمانی و در چه شرایطی ساخته شده است، چیز جدیدی در آن خواهید دید. پس از خواندن بیوگرافی این هنرمند که توسط متصدیان موزه به دقت برای شما آماده شده است، از خود بپرسید که این اثر در آن کشور و در زمانی که نویسنده آن کار می کرد چه اهمیتی می تواند داشته باشد: همان "مربع سیاه" تصور کاملاً متفاوتی می دهد. ، اگر چیزی در مورد جریانات فلسفی و هنر آغاز قرن بیستم می دانید. نمونه دیگری که کمتر شناخته شده است، سری سیستم های سیگنال توسط پیشگام انتزاع پس از جنگ روسیه، یوری زلوتنیکوف است. امروزه، دایره های رنگی روی بوم سفید انقلابی به نظر نمی رسند - اما در دهه 1950، زمانی که هنر رسمی چیزی شبیه به این بود، انتزاعات زلوتنیکوف یک پیشرفت واقعی بود.
آهسته تر
همیشه بهتر است به چند اثری که دوست دارید توجه کنید تا اینکه در موزه بچرخید و سعی کنید بیکران را درک کنید. پروفسور جنیفر رابرتز از هاروارد دانشجویان خود را مجبور می کند که به مدت سه ساعت به یک عکس نگاه کنند - البته، هیچ کس چنین استقامتی را از شما نمی خواهد، اما سی ثانیه به وضوح برای یک نقاشی کاندینسکی کافی نیست. جری سالتز، منتقد هنری مشهور، در مانیفست خود - اعلام عشق به انتزاع، بوم های هیپنوتیزمی روتکو را "تلویزیون بودایی" می نامد - فهمیده می شود که می توان بی پایان به آنها نگاه کرد.
آن را در خانه تکرار کنید
بهترین راه برای آزمایش فکر فتنه‌انگیز «من می‌توانم به همین خوبی نقاشی بکشم» که گاهی در میان منتقدان هنری حرفه‌ای مطرح می‌شود، انجام آزمایشی در خانه است. در موقعیت مخالف جالب خواهد بود - اگر به دلیل "ناتوانی در کشیدن" یا "عدم توانایی" از رنگ آمیزی می ترسید. بی دلیل نیست که تکنیک های انتزاعی بیشتر در هنر درمانی استفاده می شود: آنها به بیان احساسات پیچیده ای کمک می کنند که یافتن کلمات برای آنها دشوار است. برای بسیاری از هنرمندانی که از تضادهای درونی و ناسازگاری خود با دنیای بیرون رنج می برند، انتزاع تقریباً تنها راه آشتی با واقعیت شده است (البته به جز مواد مخدر و الکل).
آثار انتزاعی را می توان با استفاده از هر رسانه هنری، از آبرنگ گرفته تا پوست درخت بلوط، خلق کرد، بنابراین مطمئناً تکنیکی را پیدا خواهید کرد که متناسب با سلیقه و بودجه خود باشد. شاید شما نباید با آن شروع کنید چکیدن "- تجزیه و تحلیل نقاشی موندریان" ترکیبی با قرمز، آبی و زرد" که در آن برای کوچکترین داده شده است از خواندن توسط بزرگسالان شرمنده نیست.موزه یهودی، ART4
ظهور انتزاع گرایی:
انتزاع گرایی، به عنوان یک گرایش، در آغاز قرن بیستم ظهور کرد. به طور همزمان در چندین کشور اروپایی بنیانگذاران و مشوقین شناخته شده این جنبش هنرمندان واسیلی کاندینسکی، کازیمیر مالویچ، پیت موندریان، فرانتیسک کوپکا و رابرت دلونای هستند که مفاد اصلی انتزاع گرایی را در آثار نظری و بیانیه های خط مشی خود بیان کردند. آموزه های آنها که از نظر اهداف و مقاصد متفاوت بودند، در یک چیز متحد بود: انتزاع گرایی، به عنوان بالاترین مرحله در توسعه هنرهای زیبا، اشکالی را ایجاد می کند که منحصر به هنر است. "رهایی" از کپی کردن واقعیت، به وسیله ای برای انتقال اصل معنوی غیرقابل درک جهان، "جوهرهای معنوی" ابدی، "نیروهای کیهانی" با تصاویر مختلف تصویری تبدیل می شود.
انتزاع گرایی به عنوان یک پدیده هنری تأثیر زیادی در شکل گیری و توسعه سبک معماری مدرن، طراحی، هنرهای صنعتی، کاربردی و تزئینی داشت.
ویژگی های انتزاع گرایی:
انتزاع گرایی (از لاتین Abstractus - انتزاعی) یکی از گرایش های هنری اصلی در هنر قرن بیستم است که در آن ساختار اثر صرفاً بر اساس عناصر رسمی - خطوط، لکه های رنگی، پیکربندی انتزاعی استوار است. آثار انتزاع گرایی از اشکال خود زندگی جدا هستند: ترکیبات غیر عینی تأثیرات ذهنی و تخیلات هنرمند، جریان آگاهی او را تجسم می بخشد، آنها باعث تداعی آزاد، حرکت فکر و همدلی عاطفی می شوند.
از زمان ظهور انتزاع گرایی، دو خط اصلی در آن ترسیم شده است:
- اولین – هندسی، یا انتزاع منطقیکه با ترکیب اشکال هندسی، صفحات رنگی، خطوط مستقیم و شکسته فضا ایجاد می کند. در سوپرماتیسم کی. مالویچ، نئوپلاستیسیسم پی موندریان، اورفیسم آر. دلون، در آثار استادان انتزاع و اپ آرت پس از نقاشی تجسم یافته است.
- دوم انتزاع غنایی- عاطفی استکه در آن ترکیب‌بندی‌ها از فرم‌ها و ریتم‌هایی که آزادانه جریان دارند سازماندهی شده‌اند، با آثار وی. کاندینسکی، آثار استادان اکسپرسیونیسم انتزاعی، تاچیسم و هنر غیررسمی نمایش داده می‌شود.
کارشناسی ارشد هنر انتزاعی:
واسیلی کاندینسکی، کازیمیر مالویچ، فرانتیسک کوپکا، پل کلی، پیت موندریان، تئو ون دوزبورگ، رابر دلونای، میخائیل لاریونوف، لیوبوف پوپووا، جکسون پولوک، جوزف آلبرز و دیگران.
نقاشی های هنرمندان:
