سبک ها و گرایش ها در هنرهای تجسمی. چگونه سبک تصویرسازی خود را توسعه دهید

تعداد سبک ها و گرایش ها بسیار زیاد است، اگر نه بی پایان. ویژگی کلیدی که می توان آثار را بر اساس سبک گروه بندی کرد، اصول یکپارچه تفکر هنری است. تغییر برخی از شیوه های تفکر هنری توسط دیگران (انواع متناوب ترکیب ها، تکنیک های ساخت فضایی، ویژگی های رنگ) تصادفی نیست. برداشت ما از هنر نیز از نظر تاریخی قابل تغییر است.
با ساختن سیستمی از سبک ها در یک نظم سلسله مراتبی، ما به سنت اروپا محوری پایبند خواهیم بود. بزرگترین مفهوم در تاریخ هنر مفهوم یک دوره است. هر دوره با "تصویر خاصی از جهان" مشخص می شود که متشکل از ایده های فلسفی، مذهبی، سیاسی، ایده های علمی، ویژگی های روانی جهان بینی، هنجارهای اخلاقی و اخلاقی، معیارهای زیبایی شناختی زندگی است که بر اساس آن یک دوره را متمایز می کنند. از دیگری اینها عصر ابتدایی، دوران جهان باستان، دوران باستان، قرون وسطی، رنسانس، عصر جدید هستند.
سبک ها در هنر مرزهای مشخصی ندارند، به آرامی از یکدیگر عبور می کنند و در حال توسعه، اختلاط و تقابل مستمر هستند. در چارچوب یک سبک هنری تاریخی، همیشه سبک جدیدی متولد می شود و به نوبه خود به سبک بعدی می گذرد. بسیاری از سبک ها به طور همزمان وجود دارند و بنابراین هیچ "سبک خالص" وجود ندارد.
چندین سبک می توانند در یک دوره تاریخی همزیستی داشته باشند. به عنوان مثال، کلاسیسم، آکادمیک و باروک در قرن 17، روکوکو و نئوکلاسیک در قرن 18، رمانتیسیسم و ​​آکادمیک در قرن 19. سبک هایی مانند کلاسیک و باروک سبک های بزرگ نامیده می شوند، زیرا آنها برای همه انواع هنر اعمال می شوند: معماری، نقاشی، هنر و صنایع دستی، ادبیات، موسیقی.
باید متمایز شود: سبک های هنری، گرایش ها، گرایش ها، مدارس و ویژگی های سبک های فردی استادان. در یک سبک، چندین جهت هنری می تواند وجود داشته باشد. جهت هنری از هر دو نشانه معمول یک دوره معین و روشهای عجیب و غریب تفکر هنری تشکیل شده است. به عنوان مثال، سبک آرت نو شامل تعدادی گرایش از آغاز قرن است: پست امپرسیونیسم، نمادگرایی، فوویسم و ​​غیره. از سوی دیگر، مفهوم نمادگرایی به عنوان یک جنبش هنری در ادبیات به خوبی توسعه یافته است، در حالی که در نقاشی بسیار مبهم است و هنرمندانی را که از نظر سبکی آنقدر متفاوت هستند را متحد می کند که اغلب تنها به عنوان یک جهان بینی که آنها را متحد می کند تفسیر می شود.

در زیر تعاریفی از دوره ها، سبک ها و روندهایی که به نوعی در هنرهای زیبا و تزئینی مدرن منعکس شده است، آورده شده است.

	- یک سبک هنری که در کشورهای اروپای غربی و مرکزی در قرون XII-XV شکل گرفت. این نتیجه تکامل قرن ها هنر قرون وسطی، بالاترین مرحله آن و در عین حال اولین سبک هنری پان اروپایی و بین المللی در تاریخ بود. تمام انواع هنر - معماری، مجسمه سازی، نقاشی، شیشه های رنگی، طراحی کتاب، هنر و صنایع دستی را پوشش می دهد. اساس سبک گوتیک معماری بود که با قوس های لانست که به سمت بالا اوج می گیرند، پنجره های چند رنگ شیشه ای رنگی، غیر مادی شدن بصری فرم مشخص می شود. عناصر هنر گوتیک را اغلب می توان در طراحی داخلی مدرن، به ویژه در نقاشی دیواری، کمتر در نقاشی سه پایه یافت. از پایان قرن گذشته، یک خرده فرهنگ گوتیک وجود داشته است که به وضوح در موسیقی، شعر و طراحی مد تجلی یافته است.
	(رنسانس) - (رنسانس فرانسوی، ایتالیایی Rinascimento) عصری در توسعه فرهنگی و ایدئولوژیک تعدادی از کشورهای اروپای غربی و مرکزی و همچنین برخی از کشورهای اروپای شرقی. ویژگی های اصلی تمایز فرهنگ رنسانس: شخصیت سکولار، جهان بینی انسان گرایانه، جذابیت به میراث فرهنگی باستانی، نوعی "احیای" آن (از این رو نام). فرهنگ رنسانس دارای ویژگی‌های خاص دوران انتقالی از قرون وسطی به زمان جدید است که در آن قدیم و جدید، در هم تنیده، آلیاژی خاص و کیفی جدید را تشکیل می‌دهند. مسئله مرزهای زمانی رنسانس (در ایتالیا - قرن 14-16، در کشورهای دیگر - قرن 15-16)، توزیع سرزمینی و ویژگی های ملی آن دشوار است. عناصر این سبک در هنر مدرن اغلب در نقاشی های دیواری و کمتر در نقاشی سه پایه استفاده می شود.
	- (از maniera ایتالیایی - تکنیک، شیوه) روندی در هنر اروپایی قرن شانزدهم. نمایندگان رفتارگرایی از درک هماهنگ رنسانس از جهان، مفهوم انسان گرایانه از انسان به عنوان یک آفرینش کامل طبیعت دور شدند. درک تیز از زندگی با میل برنامه‌ریزی‌شده برای پیروی از طبیعت، بلکه برای بیان «ایده درونی» ذهنی تصویر هنری که در روح هنرمند متولد شده بود، ترکیب شد. به وضوح در ایتالیا آشکار شد. برای منریسم ایتالیایی 1520. (Pontormo، Parmigianino، Giulio Romano) با وضوح چشمگیر تصاویر، تراژدی بودن جهان بینی، پیچیدگی و بیان اغراق آمیز حالت ها و موتیف های حرکتی، طولانی شدن نسبت فیگورها، ناهماهنگی های رنگی و نور و سایه مشخص می شوند. . اخیراً توسط مورخان هنر برای اشاره به پدیده هایی در هنر معاصر که با دگرگونی سبک های تاریخی مرتبط است، استفاده شده است.
	- سبک هنری تاریخی، که در ابتدا در ایتالیا در وسط توزیع شد. قرن شانزدهم تا هفدهم، و سپس در فرانسه، اسپانیا، فلاندر و آلمان در قرن هفدهم تا هجدهم. به طور گسترده تر، این اصطلاح برای تعریف گرایش های همیشه در حال تجدید یک جهان بینی عاشقانه و ناآرام، تفکر در اشکال رسا و پویا به کار می رود. سرانجام، در هر زمان، تقریباً در هر سبک هنری تاریخی، می توان «دوره باروک» خود را به عنوان مرحله ای از بالاترین خیزش خلاقانه، تنش احساسات، انفجار فرم ها یافت.
	- سبک هنری در هنر اروپای غربی XVII - اوایل. قرن نوزدهم و در روسی هجدهم - اوایل. XIX، با اشاره به میراث باستانی به عنوان یک ایده آل برای دنبال کردن. این خود را در معماری، مجسمه سازی، نقاشی، هنر و صنایع دستی نشان داد. هنرمندان کلاسیک دوران باستان را بالاترین دستاورد می‌دانستند و آن را معیار خود در هنر قرار می‌دادند که به دنبال تقلید از آن بودند. با گذشت زمان، دوباره در آکادمیک متولد شد.
	- روندی در هنر اروپایی و روسی دهه 1820-1830 که جایگزین کلاسیک گرایی شد. رمانتیک ها فردیت را به منصه ظهور رساندند و زیبایی ایده آل کلاسیک ها را در مقابل واقعیت «ناکامل» قرار دادند. هنرمندان توسط پدیده های روشن، کمیاب، خارق العاده و همچنین تصاویری از طبیعت خارق العاده جذب شدند. در هنر رمانتیسم، ادراک و تجربه فردی تیز نقش مهمی ایفا می کند. رمانتیسم هنر را از دگم های کلاسیک انتزاعی رها کرد و آن را به سمت تاریخ ملی و تصاویر فولکلور سوق داد.
	- (از زبان لات. احساس - احساس) - جهتی از هنر غربی در نیمه دوم قرن هجدهم که بیانگر ناامیدی از "تمدن" مبتنی بر آرمان های "عقل" (ایدئولوژی روشنگری) است. S. احساس، انعکاس تنهایی، سادگی زندگی روستایی "مرد کوچک" را اعلام می کند. J. J. Rousseau ایدئولوگ S.
	- جهتی در هنر که می کوشد هم شکل بیرونی و هم جوهر پدیده ها و چیزها را با بیشترین صدق و اطمینان به نمایش بگذارد. چگونه یک روش خلاقانه ویژگی های فردی و معمولی را هنگام ایجاد یک تصویر ترکیب می کند. طولانی ترین زمان وجود جهت، از دوران بدوی تا به امروز توسعه یافته است.
	- جهت در فرهنگ هنری اروپا در اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم. نمادگرایی که به عنوان واکنشی به سلطه هنجارهای "عقل" بورژوایی در حوزه بشردوستانه (در فلسفه، زیبایی شناسی - پوزیتیویسم، در هنر - طبیعت گرایی) پدید آمد، ابتدا در ادبیات فرانسه اواخر دهه 1860 و 70 شکل گرفت. بعدها در بلژیک، آلمان، اتریش، نروژ، روسیه گسترده شد. اصول زیبایی‌شناختی نمادگرایی از بسیاری جهات به ایده‌های رمانتیسم و ​​همچنین به برخی آموزه‌های فلسفه ایده‌آلیستی آ. شوپنهاور، ای. هارتمن، تا حدی اف. نیچه، به کار و نظریه‌پردازی آهنگساز آلمانی آر. واگنر نمادگرایی واقعیت زنده را با دنیای رویاها و رویاها در تضاد قرار داد. نمادی که با بینش شاعرانه تولید می شود و معنای اخروی پدیده ها را بیان می کند، پنهان از آگاهی معمولی، ابزاری جهانی برای درک اسرار هستی و آگاهی فردی در نظر گرفته می شد. هنرمند خالق به عنوان واسطه ای بین امر واقعی و فوق محسوس در نظر گرفته می شد و در همه جا "نشانه هایی" از هماهنگی جهان پیدا می کرد و به طور نبوی نشانه های آینده را هم در پدیده های مدرن و هم در رویدادهای گذشته حدس می زد.
	- (از فرانسوی Impression - Impression) روندی در هنر ثلث آخر قرن 19 - اوایل قرن 20 که در فرانسه بوجود آمد. این نام توسط منتقد هنری L. Leroy معرفی شد، که به طرز تحقیرآمیزی درباره نمایشگاه هنرمندان در سال 1874 اظهار نظر کرد، جایی که، در میان دیگران، نقاشی C. Monet «طلوع خورشید. احساس؛ عقیده؛ گمان". امپرسیونیسم زیبایی دنیای واقعی را با تاکید بر طراوت اولین برداشت، تغییرپذیری محیط، تأیید کرد. توجه غالب به حل مسائل صرفاً تصویری، ایده سنتی طراحی به عنوان جزء اصلی یک اثر هنری را کاهش داد. امپرسیونیسم تأثیر قدرتمندی بر هنر کشورهای اروپایی و ایالات متحده داشت و علاقه به صحنه هایی از زندگی واقعی را برانگیخت. (E. Manet، E. Degas، O. Renoir، C. Monet، A. Sisley، و غیره)
	- گرایشی در نقاشی (مترادف با تقسیم گرایی) که در چارچوب نئو امپرسیونیسم توسعه یافت. نئو امپرسیونیسم در سال 1885 در فرانسه شکل گرفت و به بلژیک و ایتالیا نیز گسترش یافت. نئو امپرسیونیست ها سعی کردند آخرین پیشرفت ها در زمینه اپتیک را در هنر به کار ببرند که بر اساس آن نقاشی، ساخته شده توسط نقاط جداگانه رنگ های اصلی، در ادراک بصری ترکیبی از رنگ ها و طیف گسترده ای از نقاشی را به وجود می آورد. (J. Seurat، P. Signac، K. Pissarro).
	پست امپرسیونیسم- نام جمعی مشروط جهت های اصلی نقاشی فرانسوی تا XIX - سه ماهه اول. قرن بیستم هنر پست امپرسیونیسم به عنوان واکنشی به امپرسیونیسم به وجود آمد که توجه را بر انتقال لحظه، احساس زیبایی و از دست دادن علاقه به شکل اشیا متمرکز کرد. از جمله پست امپرسیونیست ها می توان به پی سزان، پی گوگن، وی گوگ و دیگران اشاره کرد.
	- سبک در هنر اروپایی و آمریکایی در اواخر قرن XIX-XX. هنر نو ویژگی های هنر ادوار مختلف را بازاندیشی و تلطیف کرد و تکنیک های هنری خود را بر اساس اصول عدم تقارن، زینت و تزیینات توسعه داد. اشکال طبیعی نیز موضوع سبک سازی مدرنیته می شوند. این نه تنها علاقه به زیور آلات رویشی در آثار Art Nouveau، بلکه ساختار ترکیبی و پلاستیکی آنها را نیز توضیح می دهد - فراوانی خطوط منحنی، shchix شناور، خطوط ناهموار، یادآور اشکال گیاهی. پیوند تنگاتنگ با مدرنیته نمادگرایی است که به عنوان پایه زیبایی شناختی و فلسفی مدرنیته با تکیه بر مدرنیته به عنوان اجرای پلاستیکی ایده های آن عمل کرد. Art Nouveau در کشورهای مختلف اسامی مختلفی داشت که اساساً مترادف هستند: Art Nouveau - در فرانسه، Secession - در اتریش، Jugendstil - در آلمان، Liberty - در ایتالیا.
	- (از فرانسوی مدرن - مدرن) نام کلی تعدادی از جنبش های هنری نیمه اول قرن بیستم است که با انکار اشکال سنتی و زیبایی شناسی گذشته مشخص می شود. مدرنیسم نزدیک به آوانگاردیسم و ​​مخالف آکادمیک گرایی است.
	- نامی که طیفی از جنبش های هنری را که در دهه 1905-1930 گسترده بودند، متحد می کند. (فویسم، کوبیسم، فوتوریسم، اکسپرسیونیسم، دادائیسم، سوررئالیسم). همه این حوزه ها با میل به تجدید زبان هنر، بازنگری در وظایف آن، به دست آوردن آزادی بیان هنری متحد شده اند.
	- جهت در هنر به XIX - حال. قرن بیستم، بر اساس درس های خلاق هنرمند فرانسوی پل سزان، که تمام اشکال در تصویر را به ساده ترین اشکال هندسی و رنگ - به ساختارهای متضاد تن های گرم و سرد کاهش داد. سزانیسم یکی از نقاط آغازین کوبیسم بود. تا حد زیادی، سزابانیسم بر مکتب نقاشی رئالیستی داخلی نیز تأثیر گذاشت.
	- (از fauve - wild) روند آوانگارد در هنر فرانسه n. قرن بیستم نام "وحشی" توسط منتقدان مدرن به گروهی از هنرمندانی که در سال 1905 در سالن پاریسی استقلالی ها ظاهر شدند داده شد و طعنه آمیز بود. این گروه شامل A. Matisse، A. Marquet، J. Rouault، M. de Vlaminck، A. Derain، R. Dufy، J. Braque، K. van Dongen و دیگران بودند. جستجو برای انگیزه در خلاقیت اولیه، هنر از قرون وسطی و شرق.
	- ساده سازی عمدی وسایل بصری، تقلید از مراحل ابتدایی توسعه هنر. این اصطلاح به اصطلاح اشاره دارد. هنر ساده لوحانه هنرمندانی که آموزش خاصی ندیده بودند، اما درگیر روند عمومی هنری اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن نوزدهم بودند. قرن XX. آثار این هنرمندان - N.Pirosmani، A. Russo، V. Selivanov و دیگران با نوعی کودکانه بودن در تفسیر طبیعت، ترکیبی از فرم تعمیم یافته و خرده لفظ در جزئیات مشخص می شود. بدوی بودن فرم به هیچ وجه بدوی بودن محتوا را از پیش تعیین نمی کند. این اغلب به عنوان منبعی برای حرفه ای ها عمل می کند که فرم ها، تصاویر، روش ها را از هنر عامیانه و اساساً ابتدایی قرض گرفته اند. N. Goncharova، M. Larionov، P. Picasso، A. Matisse از بدوی گرایی الهام گرفتند.
	- جهتی در هنر که بر اساس پیروی از قوانین دوران باستان و رنسانس توسعه یافته است. در بسیاری از مکاتب هنری اروپایی از قرن 16 تا 19 وجود داشت. آکادمیزم سنت‌های کلاسیک را به سیستمی از قوانین و مقررات «ابدی» تبدیل کرد که جستجوهای خلاقانه را محدود می‌کرد، سعی می‌کرد با طبیعت زنده ناقص با اشکال «بالا» بهبود یافته، فراملی و بی‌زمان زیبایی که به کمال می‌رسید، مقابله کند. آکادمیزم با ترجیح طرح هایی از اساطیر باستان، مضامین کتاب مقدس یا تاریخی به طرح هایی از زندگی معاصر برای هنرمند مشخص می شود.
	- (فرانسوی cubisme، از cube - cube) جهت در هنر ربع اول قرن بیستم. زبان پلاستیکی کوبیسم مبتنی بر تغییر شکل و تجزیه اجسام به صفحات هندسی، تغییر شکل پلاستیکی بود. تولد کوبیسم در سالهای 1907-1908 - در آستانه جنگ جهانی اول است. رهبر بلامنازع این جریان، شاعر و روزنامه‌نگار G. Apollinaire بود. این روند یکی از اولین گرایش هایی بود که گرایش های پیشرو در توسعه بیشتر هنر قرن بیستم را در خود جای داد. یکی از این روندها، غلبه مفهوم بر ارزش هنری خود نقاشی بود. جی براک و پیکاسو را پدران کوبیسم می دانند. فرنان لژر، روبر دلونای، خوان گریس و دیگران به جریان نوظهور پیوستند.
	- گرایشی در ادبیات، نقاشی و سینما که در سال 1924 در فرانسه به وجود آمد. به شکل گیری آگاهی انسان مدرن کمک زیادی کرد. چهره های اصلی جنبش آندره برتون، لویی آراگون، سالوادور دالی، لوئیس بونوئل، خوان میرو و بسیاری از هنرمندان دیگر از سراسر جهان هستند. سوررئالیسم ایده وجودی فراتر از واقعیت را بیان می کند، پوچی، ناخودآگاه، رویاها، رویاها نقش ویژه ای در اینجا پیدا می کنند. یکی از روش های مشخصه هنرمند سوررئالیست حذف خلاقیت آگاهانه است که او را به ابزاری تبدیل می کند که به طرق مختلف تصاویر عجیب و غریبی از ناخودآگاه شبیه به توهم استخراج می کند. سوررئالیسم از چندین بحران جان سالم به در برد، از جنگ جهانی دوم جان سالم به در برد و به تدریج، با ادغام با فرهنگ توده ای، تلاقی با فراآوانگارد، به عنوان بخشی جدایی ناپذیر وارد پست مدرنیسم شد.
	- (از لاتین futurum - آینده) جنبش ادبی و هنری در هنر دهه 1910. آینده پژوهی به عنوان برنامه اصلی با اعطای نقش نمونه اولیه هنر آینده، ایده انحلال کلیشه های فرهنگی را مطرح کرد و به جای آن عذرخواهی تکنولوژی و شهرسازی را به عنوان نشانه های اصلی حال و آینده ارائه کرد. یکی از ایده های هنری مهم آینده پژوهی جستجو برای بیانی پلاستیکی از سرعت حرکت به عنوان نشانه اصلی سرعت زندگی مدرن بود. نسخه روسی آینده‌گرایی نام کیبوفوتوریسم را بر خود داشت و بر اساس ترکیبی از اصول پلاستیکی کوبیسم فرانسوی و آینده‌گرایی تنظیمات زیبایی‌شناختی کلی اروپایی بود.

سر:

شکلی می کشیم که شبیه تخم مرغی است که وارونه شده و انتهای آن تیز به پایین است. این رقم OVOID نامیده می شود.
به صورت عمودی و افقی با خطوط نازک دقیقا به دو نیم تقسیم می کنیم.

عمودی
خط محور تقارن است (به طوری که قسمت راست و چپ مورد نیاز است
معلوم شد که از نظر اندازه برابر هستند و عناصر تصویر روشن نیستند
سطوح مختلف).
افقی - خط چشم. آن را به پنج قسمت مساوی تقسیم می کنیم.

در قسمت دوم و چهارم چشم ها قرار دارند. فاصله بین چشم ها نیز برابر با یک چشم است.

شکل زیر نحوه کشیدن چشم (عنبیه و مردمک را نشان می دهد
به طور کامل قابل مشاهده نیست - پلک بالایی تا حدی آنها را می پوشاند)، اما ما عجله نداریم
برای انجام این کار، ابتدا طرح ما را تمام کنید.

قسمتی از خط چشم تا چانه را به دو قسمت تقسیم کنید - این خطی است که بینی روی آن قرار خواهد گرفت.
قسمت را از خط چشم تا بالای سر به سه قسمت مساوی تقسیم کنید. علامت بالایی خطی است که موها از آنجا رشد می کنند)

قسمت بینی تا چانه نیز به سه قسمت تقسیم می شود. علامت بالایی خط لب است.
فاصله پلک بالایی تا نوک بینی برابر با فاصله لبه بالایی گوش تا پایینی است.

حالا هق هق خالی استاندارد خود را در سه جریان درست می کنیم.
خطوط،
از لبه های بیرونی چشم ها به ما نشان می دهد که گردن را کجا بکشیم.
خطوط از لبه های داخلی چشم - عرض بینی. خطوطی که در یک قوس از
مرکز مردمک ها به اندازه عرض دهان است.

وقتی تصویر را رنگ آمیزی می کنید، متوجه برجسته شدن آن شوید
قسمت‌های (پیشانی، گونه‌ها، بینی و چانه) سبک‌تر خواهند بود و حدقه‌های چشم، استخوان‌های گونه،
کانتور صورت، و محل زیر لب پایین - تیره تر.

فرم صورت، چشم ها، ابروها، لب ها، بینی، گوش ها و
و غیره. همه مردم متفاوت هستند بنابراین، هنگام کشیدن پرتره شخصی، سعی کنید
این ویژگی ها را ببینید و آنها را روی یک قطعه کار استاندارد قرار دهید.

نمونه دیگری از این واقعیت است که ویژگی های صورت هر فرد متفاوت است.

خوب، در اینجا می بینیم که چگونه یک چهره را در نمایه و نیم چرخش بکشیم - به اصطلاح "سه چهارم"
در
با کشیدن یک صورت نیمه چرخشی، باید قوانین را در نظر بگیرید
چشم انداز - چشم دور و سمت دور لب کوچکتر به نظر می رسند.

بریم سراغ عکس چهره های انسانی.
برای اینکه بدن را تا حد امکان به درستی به تصویر بکشید، باید چند راز را بدانید، مانند هنگام کشیدن پرتره:

واحد اندازه گیری بدن انسان «طول سر» است.
- قد انسان به طور متوسط ​​7.5 طول سر است.
- البته مردان معمولاً کمی بلندتر از زنان هستند.
-
البته ترسیم بدن را از همان سر که می خواهیم شروع می کنیم
همه چیز را اندازه گیری کنید کشیده ای؟ اکنون طول آن را هفت بار دیگر به تعویق می اندازیم.
این رشد تصویر شده خواهد بود.
- عرض شانه ها برای آقایان دو سر و برای خانم ها یک و نیم طول سر است.
- در جایی که سر سوم به پایان می رسد :)، یک ناف و یک بازو در آرنج خم شده است.
- چهارم جایی است که پاها از آنجا رشد می کنند.
- پنجم وسط ران است. این جایی است که طول بازو به پایان می رسد.
- ششم - پایین زانو.
-
باورتان نمی شود، اما طول دست ها برابر است با طول پاها، طول بازو از شانه
تا آرنج کمی کمتر از طول آرنج تا نوک انگشتان خواهد بود.
- طول برس برابر قد صورت است (توجه کنید نه سر - فاصله چانه تا بالای پیشانی)، طول پا برابر با طول سر است.

با دانستن همه اینها، می توانید به طور کاملاً معقولی شکل یک شخص را به تصویر بکشید.

در یک گروه اختصاص داده شده به گرافیتی VKontakte گرفته شده است.

اشکال لب

شکل بینی

اشکال چشم

فرم های بروگ زنانه

ج) کتاب «چگونه سر و شکل انسان را ترسیم کنیم» نوشته جک هام

نسبت های شکل کودک متفاوت است
نسبت بزرگسالان هر چه طول سر کمتر در رشد باشد
کودک، هر چه کوچکتر است.

در پرتره کودک، همه چیز کمی متفاوت است.
صورت کودک گردتر است، پیشانی بزرگتر است. اگر یک افقی رسم کنیم
از وسط صورت کودک خط بکشید، پس این خط چشم نخواهد بود، همانطور که
در پرتره یک بزرگسال بود.

برای یادگیری نحوه ترسیم یک شخص نه تنها
با ایستادن مانند یک ستون، تصویر خود را به طور موقت ساده می کنیم. برویم
فقط سر، سینه، ستون فقرات، لگن و به همه اینها ببندید
بازوها و پاها نکته اصلی این است که همه نسبت ها را حفظ کنید.

با داشتن چنین نسخه ساده شده ای از شکل انسان، می توانیم به راحتی هر ژستی به او بدهیم.

وقتی در مورد یک وضعیت تصمیم گرفتیم، می توانیم
روی اسکلت ساده شده ما گوشت بکارید. فراموش نکنید که بدن، آن را نیست
زاویه ای است و از مستطیل تشکیل نشده است - سعی می کنیم صاف بکشیم
خطوط در قسمت کمر، بدن به تدریج باریک می شود، در زانوها و آرنج ها نیز.

برای اینکه تصویر زنده تر شود، شخصیت و بیان باید نه تنها به صورت، بلکه به ژست نیز داده شود.

دست ها:

انگشتان صاف مانند یک تخته، مفاصل در کل اسکلت پهن ترین قسمت های استخوان هستند.

(ج) آناتومی برای هنرمندان: ساده است اثر کریستوفر هارت

سبک جهت کلی توسعه هنر است که نمونه های نماینده آن با معنای ایدئولوژیک، تکنیک انتقال و روش های مشخصه فعالیت خلاق متحد می شوند. سبک ها در هنر نقاشی از نزدیک در هم تنیده شدند، به روندهای مرتبط توسعه یافتند، به طور موازی وجود داشتند و یکدیگر را غنی می کردند.

سبک ها و گرایش های تصویری تحت تأثیر ایدئولوژی، توسعه سیاسی و اقتصادی جامعه، مذهب و سنت ها شکل گرفت.

تاریخ توسعه

تاریخچه توسعه سبک ها تکامل پیچیده فرهنگی جامعه را نشان می دهد.

گوتیک

در قرون XI-XII در فرانسه بوجود آمد. این سبک در قلمرو غرب و از قرن XIII - XIV - در اروپای مرکزی توسعه یافت. پیدایش و تکامل این جهت تحت تأثیر چشمگیر کلیسا بود. قرون وسطی دوره تسلط قدرت کلیسا بر قدرت سکولار است، بنابراین هنرمندان گوتیک با موضوعات کتاب مقدس کار می کردند. ویژگی های متمایز سبک عبارتند از: روشنایی، پرمدعا، پویایی، احساسی بودن، شکوهمندی، بی توجهی به چشم انداز. تصویر یکپارچه به نظر نمی رسد - به نظر می رسد موزاییکی از چندین عمل که روی بوم به تصویر کشیده شده است.

رنسانس یا احیا

در قرن چهاردهم از ایتالیا آمد. برای حدود 200 سال، این جهت غالب بود و پایه ای برای توسعه روکوکو و رنسانس شمالی شد. ویژگی های هنری بارز نقاشی ها: بازگشت به سنت های دوران باستان، کیش بدن انسان، علاقه به جزئیات، ایده های انسان گرایانه. این جهت معطوف به دین نبود، بلکه بر جنبه سکولار زندگی متمرکز بود. رنسانس شمالی هلند و آلمان متفاوت بود - در اینجا رنسانس به عنوان تجدید معنویت و ایمان مسیحی قبل از اصلاحات تلقی شد. نمایندگان: لئوناردو داوینچی، رافائل سانتی، میکل آنژ بووناروتی.

رفتارگرایی

جهت گیری در توسعه نقاشی قرن شانزدهم. از نظر ایدئولوژیک مخالف رنسانس است. هنرمندان از ایده کمال انسانی و انسان گرایی به سمت سوبژکتیوسازی هنر و تمرکز بر معنای درونی پدیده ها و اشیا فاصله گرفتند. نام این سبک از کلمه ایتالیایی "روش" گرفته شده است که به طور کامل ماهیت رفتارگرایی را منعکس می کند. نمایندگان: J. Pontormo، J. Vasari، Brozino، J. Duve.

باروک

سبکی سرسبز، پویا و مجلل از نقاشی و فرهنگ که در قرن شانزدهم در ایتالیا شکل گرفت. برای 200 سال، این جهت در فرانسه، آلمان، اسپانیا توسعه یافته است. نقاشی باروک پر از رنگ های روشن است، توجه ویژه ای به جزئیات و تزئینات شده است. تصویر ثابت و احساسی نیست، بنابراین باروک شدیدترین و گویاترین مرحله در توسعه نقاشی در نظر گرفته می شود.

کلاسیک گرایی

در قرن هفدهم در کشورهای اروپای غربی ایجاد شد، پس از 100 سال به کشورهای اروپای شرقی رسید. ایده اصلی بازگشت به سنت دوران باستان است. به لطف بازتولید جزمی، اجرای قوانین روشن سبک، پرتره ها، مناظر، طبیعت بی جان به راحتی قابل تشخیص هستند. کلاسیک گرایی دوباره در آکادمیک زاده شد - سبکی که برجسته ترین ویژگی های دوران باستان و رنسانس را جذب کرد. N. Poussin, J.-L. David, Russian Wanderers در این سبک کار کردند.

رمانتیسم

در ربع دوم قرن نوزدهم جایگزین کلاسیک گرایی شد. ویژگی های هنری: تمایل به انتقال فردیت، حتی اگر ناقص باشد، احساسات، بیان احساسات، تصاویر خارق العاده. هنر هنرمندان رمانتیک هنجارها و قوانین مرحله کلاسیک در توسعه نقاشی را انکار می کند. علاقه به سنت‌های عامیانه، افسانه‌ها و تاریخ ملی احیا می‌شود. نمایندگان: F. Goya، T. Gericault، K. Bryullov، E. Delacroix.

سمبولیسم

جهت فرهنگی اواخر قرن نوزدهم - بیستم، پایه ایدئولوژیک از رمانتیسم گرفته شده است. در وهله اول خلاقیت یک نماد بود و هنرمند واسطه بین واقعیت و دنیای خارق العاده خلاقیت بود.

واقع گرایی

تحقیق هنری که دقت انتقال فرم ها، پارامترها، سایه ها را به منصه ظهور می رساند. با طبیعی بودن، دقت تجسم جوهر درونی و پوسته بیرونی مشخص می شود. این سبک بزرگ ترین، محبوب ترین و چند وجهی است. شاخه های آن گرایش های مدرن هستند - عکاسی و هایپررئالیسم. نمایندگان: G.Courbet، T. Rousseau، Wanderers، J. Breton.

امپرسیونیسم

در اواخر قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم به وجود آمد. میهن - فرانسه. جوهر سبک تجسم جادوی اولین تأثیر در تصویر است. این لحظه کوتاه توسط هنرمندان با کمک خطوط کوتاه رنگ روی بوم منتقل شد. چنین تصاویری به بهترین وجه در فاصله نزدیک درک نمی شوند. آثار هنرمندان مملو از رنگ و نور است. پست امپرسیونیسم به مرحله ای در توسعه سبک تبدیل شد - با توجه بیشتر به فرم و خطوط مشخص می شود. هنرمندان: O. Renoir، K. Pissarro، K. Monet، P. Cezanne.

نوین

سبکی اصیل و روشن که مبنای شکل گیری بسیاری از روندهای تصویری قرن بیستم شد. این جهت ویژگی های هنر همه دوران ها را جمع آوری کرده است - احساسی بودن، علاقه به زیور آلات، انعطاف پذیری، غلبه خطوط صاف و منحنی. نمادگرایی مبنای توسعه شد. مدرن مبهم است - در کشورهای اروپایی به روش های مختلف و با نام های مختلف توسعه یافته است.

آوانگارد

سبک های هنری که با رد واقع گرایی، نمادگرایی انتقال اطلاعات، درخشندگی رنگ ها، فردی شدن و آزادی طراحی خلاق مشخص می شوند. دسته آوانگارد شامل: سوررئالیسم، کوبیسم، فوویسم، آینده گرایی، اکسپرسیونیسم، انتزاع گرایی است. نمایندگان: V. Kandinsky، P. Picasso، S. Dali.

بدوی گرایی یا سبک ساده لوحانه

جهتی که با تصویری ساده از واقعیت مشخص می شود.

سبک های ذکر شده به نقاط عطف اصلی در توسعه نقاشی تبدیل شده اند - آنها همچنان به شکل های جدیدی از بیان خلاقانه هنرمندان تبدیل می شوند.

طراحی یک شخص می تواند زنده ترین و عمیق ترین تجربه در زندگی یک هنرمند باشد. امروز برای شما نکاتی از جووانی سیواردی هنرمند مشهور ایتالیایی از کتاب ترسیم پیکره انسان آماده کرده ایم. بگذارید این دانش به منبع الهام و محرک خلاق تبدیل شود و به انتقال روحیه و خاطرات در قالب نقاشی کمک کند.

شما می توانید یک شکل انسان و یک پرتره را با هر ماده ای بکشید - از مداد گرفته تا آبرنگ. مداد به دلیل ارزان بودن و تطبیق پذیری رایج ترین ابزار است. زغال چوب برای نقاشی های سریع با کنتراست تونال قوی عالی است و برای جزئیات ظریف کمتر مناسب است. کاغذ ضخیم و صاف با کیفیت خوب برای جوهر توصیه می شود. مدیا ترکیبی ترکیب همزمان مواد مختلف در یک نقشه است.

آزمایش کنید تا تکنیک های خود را بیابید که به بیشترین بیانی دست یابد و سعی کنید از جلوه های تصادفی استفاده کنید.

مبانی آناتومی پلاستیک

هنرمندان به مطالعه آناتومی می پردازند تا نمایش های معناداری از پیکر انسان ارائه دهند. برای بازتولید آن به طور قابل اعتماد، نه تنها باید ببینید، بلکه باید آنچه را که می‌کشید نیز درک کنید.

به لطف دانش آناتومی، تصویر از خود طبیعت متقاعد کننده تر و زنده تر می شود.

به طور کلی، شکل بدن توسط اسکلت به عنوان ساختار اصلی حمایت کننده، ماهیچه های متناسب با آن و لایه بالایی که از یک پوشش چربی تشکیل شده است، تعیین می شود. دانستن و به خاطر سپردن اندازه های نسبی استخوان های مفصلی و نسبت آنها نسبت به یکدیگر و کل اسکلت مفید است، زیرا بدون این اطلاعات نمی توان شکل را به کاغذ "انتقال" کرد و مهارت به تصویر کشیدن منطقی و منطقی آن را به دست آورد. همواره.

در زیر استخوان های اصلی جمجمه و گردن به همراه پوست، غضروف، چربی، عضله، مو و غیره به صورت لایه ای آمده است.

اسکلت تنه مرد، محصور در خطوط بدن، در سطوح جلویی، جانبی و پشتی. این نقاشی ها به گسترش درک شما از شکل بدن کمک می کند.

اندام فوقانی و تحتانی در سطوح مختلف. همانند شکل قبل، ساختار اسکلتی در داخل خطوط بدن نشان داده شده است.

برای یک هنرمند مهم است که سه جنبه اصلی ماهیچه ها را در نظر بگیرد: ظاهر آنها (شکل، اندازه، حجم)، مکان (محل قرارگیری آن نسبت به ساختار اسکلتی و عضلات مجاور، عمق یا سطحی بودن) و مکانیسم آن (عملکرد، جهت کشش عضله، تغییرات مربوطه در شکل و غیره).

نسبت ها

برای اینکه نقاشی قابل باور باشد، باید نسبت بدن و سر را در نظر گرفت. ارتفاع سر از پیشانی تا چانه اغلب به عنوان واحد اندازه گیری برای تعیین نسبت های بدن در نظر گرفته می شود. رشد یک رقم استاندارد تقریباً 7.5-8 گل است. چند رابطه متناسب دیگر را به خاطر بسپارید: سر سه بار در ارتفاع کل بدن با گردن قرار می گیرد، طول اندام های فوقانی نیز سه سر و پایینی ها سه و نیم است.

علیرغم تفاوت بین افراد، آنها را می توان به سه گروه اصلی از انواع با ویژگی های مشابه در هر یک تقسیم کرد - اکتومورف، مزومورف و اندومورف.

دست و پا

به راحتی می توان درک کرد که چرا دست ها و پاها، با چیدمان و انواع ژست های ممکن، سخت ترین قسمت های بدن برای بازتولید متقاعد کننده، هم در طراحی و هم در نقاشی و مجسمه سازی به حساب می آیند.

کشیدن دست ها و پاهای خود بهترین راه برای مطالعه هر چه بیشتر آنها با جزئیات است. شما می توانید مطمئن شوید که مطالعات کاملاً ارزشمندی به دست آمده است، قابل مقایسه با نقاشی های چهره و شاید حتی گویاتر.

ابتدا یک طرح سریع (اما سخت کوش) در زاویه و ژست مورد نظر انجام می شود، سپس با کمک "هندسه سازی" آن اطلاعات تشریحی و حجم لازم منتقل می شود و پس از آن جزئیات و خطوط فردی اصلاح می شود.

همچنین برای سر و بدن، دانش در مورد ساختار استخوان های پا و دست مفید خواهد بود.

دست ها و پاهای خود را در موقعیت های مختلف بکشید. می توانید از آینه استفاده کنید. اشیاء مختلف را در دست بگیرید و پویایی و حال و هوای ژست را در نقاشی منتقل کنید.

سر، صورت، پرتره

علاقه اصلی هنرمند همیشه چهره و چهره بوده است. پرتره فقط بازتولید ویژگی های فیزیکی به منظور شناخت یک شخصیت خاص نیست. این داستان از طریق حالات چهره در مورد شخصیت، افکار و احساسات او است.

نحوه ترسیم سر و ویژگی های صورت را در مقاله به تفصیل شرح دادیم.

طرح کلی یک شخص در یک کتاب طراحی

طرح یک نقاشی سریع و خودانگیخته از زندگی است که در زمان کوتاهی با چندین خط آموزنده ساخته شده است. ترسیم افرادی در یک محیط طبیعی که عمدا ژست نمی گیرند و احتمالاً نمی دانند که در حال مشاهده و تصویر شدن هستند، در ابتدا دشوار به نظر می رسد. اما هیچ دلیل واقعی برای ترس یا گم شدن وجود ندارد - به سختی کسی به کاری که شما انجام می دهید توجه خواهد کرد.

توانایی به تصویر کشیدن غریبه ها در هر موقعیت و در هر شرایطی برای رشد مهارت های فنی و قضاوت ارزشی مهم است. و البته، تمرین منظم طراحی، موهبت مشاهده و تفسیر را تقویت می کند، به شما می آموزد عمیق تر نگاه کنید و تصمیمات سریع، مطمئن، قابل درک و دقیق بگیرید.

چند نکته سریع در مورد چگونگی ترسیم از زندگی:

• عادت کنید همیشه یک مداد و یک دفترچه طراحی کوچک به همراه داشته باشید – که به راحتی در کیف یا جیب شما قرار می گیرد – در صورتی که چیزی توجه شما را جلب کند یا جالب به نظر برسد.
• تلاش برای افزایش مشاهده و توانایی جداسازی چیز اصلی و در عین حال هماهنگ کردن ادراک بصری، قضاوت ارزشی و حرکات دست در حین اجرای نقاشی ارزش دارد.
• سعی نکنید هر چیزی را که در طبیعت می بینید روی کاغذ منعکس کنید. با توجه به زمان محدود و خطر تغییر ژست مدل در هر ثانیه، روی موارد ضروری تمرکز کنید.
• برای یادگیری نحوه استفاده از حافظه برای بازتولید توالی مراحل اصلی حرکت، به حداکثر تمرکز در مشاهده افراد نیاز دارید.

اگر هنوز در فکر کشیدن افراد از زندگی گیج هستید (توجه داشته باشید که اگر کسی متوجه کاری شود که انجام می دهید، ممکن است برخی از آنها چاپلوسی کنند و برخی دیگر با نارضایتی ترک کنند)، کشیدن مجسمه می تواند به آمادگی ذهنی برای این امر کمک کند و کمی اعتماد به نفس به دست آورد. مجسمه ها در موزه ها یا بناهای تاریخی در مکان های عمومی.

بررسی کنید که آیا موزه به شما اجازه طراحی را می دهد یا خیر، و اگر چنین است، با خیال راحت به آنجا بروید و مجسمه ها را از زوایای مختلف ترسیم کنید.

طراحی را در پاریس اینگونه آموزش می دهند - در حیاط لوور با مجسمه ها.

مراحل ترسیم

اگر یک شکل کامل (لباس یا برهنه) می‌کشید، می‌توانید ابتدا چند خط سریع و سبک بکشید تا فضایی را که روی یک تکه کاغذ اشغال می‌کند (حداکثر ارتفاع، حداکثر عرض و غیره) مشخص کنید. سپس قسمت های اصلی بدن (سر، تنه و اندام ها) را با در نظر گرفتن نسبت های نسبی ترسیم کنید.

طراحی را با خطوط اساسی، سایه‌ها و جزئیاتی که نمی‌توان کنار گذاشت، به پایان برسانید. در صورت نیاز خطوط راهنما را پاک کنید.

در کتاب "طراحی پیکره انسان" هر بخش تا حد امکان با جزئیات مورد تجزیه و تحلیل قرار گرفته است، تصاویر دقیقی از اسکلت انسان در صفحات مختلف وجود دارد. نحوه ترسیم یک مرد، یک زن، یک کودک، یک فرد مسن، نحوه به تصویر کشیدن یک برهنه و یک فرد در لباس به تفصیل شرح داده شده است.

وقتی چهره ای را می کشید، اولین کاری که باید انجام دهید این است که پایه را آماده کنید. آیا شما این کار را انجام می دهید؟ اگر بله، او چگونه به نظر می رسد؟

من از دایره و خط استفاده می کنم. حال سوال مهم این است که چرا؟

خب خب. در عین حال ساده. خط و دایره نشان دهنده جمجمه ای است که به نصف تقسیم شده است! "No-o-t" - شما می گویید - "آناتومی بد است!". بله حق با شماست. اما به من گوش کن

ویژگی های مهم جمجمه که حتما باید بدانید، تناسب نسبی جمجمه و فک و همچنین موقعیت کاسه چشم، بینی و دندان ها است. به یاد داشته باشید که دایره یک کره است.

من خطوط افقی را می کشم، عمدتاً برای اینکه نشان دهم ابروها، چشم ها، بینی و دهان کجا خواهند رفت. از آنجایی که جمجمه یک کره است، خطوط منحنی خواهند بود، مهم نیست از چه زاویه ای به آنها نگاه کنید. توجه کنید که خطوط در این و نمونه های دیگر در کدام جهت منحنی هستند.

درک محل قرارگیری چشم ها، بینی و دندان ها بسیار مهم است، زیرا آنها موقعیت ویژگی های اصلی صورت را تعیین می کنند.

من اغلب از این قانون استفاده می کنم که چشم ها و بینی مثلث متساوی الساقین را تشکیل می دهند.

عالی. بنابراین، در این مرحله، بهتر است به مهمترین قسمت های صورت بپردازیم. هندسه آنها را حفظ کنید!

چشم ها

آنها کروی هستند. کره در چهره شما نفوذ می کند (عاشقانه، می دانم).

با عرض پوزش، مردمک ها کوچک هستند.

چه چیزی چشم ها را پیر، جوان، محتاط، شگفت زده می کند؟ چگونه ابروها می توانند به انتقال احساسات مختلف کمک کنند؟

برای بررسی اینکه آیا چشمان شما در جهت درست نگاه می کنند، کافی است عنبیه را بردارید. اگر دانش آموزان به جایی که نیاز دارند نگاه کنند، پس همه چیز خوب است! هورا.

بینی

بینی ها معمولا هرمی هستند با سوراخ های بینی در قسمت زیرین! خطی که از مرکز هرم می گذرد با نصف النهار موجود در طرح مطابقت دارد.

تعداد زیادی تنوع در موضوع بینی وجود دارد! طول، گردی، نوک تیز بودن، اندازه سوراخ بینی و غیره را در نظر بگیرید. می توانید به دنبال درس های دیگری باشید که به طور خاص به بینی اختصاص داده شده است!

شکل لب ها به شکل دهان نیز بستگی دارد. هرچه طول دهان کوتاه تر باشد (بسته، با لب های کشیده)، لب ها پرتر خواهند بود. هر چه دهان بلندتر باشد (در لبخند، هنگام گریه)، لب ها نازک تر می شوند.

کار با دهان بسیار دشوار است، اما کاملاً ممکن است. باید موقعیت دندان ها را در جمجمه به خاطر بسپارید! و این واقعیت است که دهان به حلق متصل است.

شکل لب ها نیز به عوامل زیادی بستگی دارد. لازم است بین لب های ضخیم و نازک تشخیص داده شود. راست و منحنی. تمام بالا یا پایین کامل. اوه

خوشبختانه، شما قبلاً همه اینها را می دانستید. حالا بیایید به جالب ترین آنها برویم: همه چیز را به صورت منتقل می کنیم! اوه بله، حتی شکل صورت شما می توانید هر کاری که می خواهید انجام دهید! اگر نمی‌خواهید مزاحم شوید، می‌توانید مسیر انیمه را بروید و چهره‌های یکسانی را طوری بیرون بیاورید که گویی با بیل به آنها سیلی زده‌اند. اما اگر به خودتان احترام می گذارید، احتمالاً می دانید که همه افراد شکل صورت متفاوتی دارند.

تنها تفاوت صورت لاغر با صورت چاق در محل رسوب چربی است! هنگام کار با چربی صورت، به گونه ها، فک و گردن توجه کنید.

جاهای دیگری که باید به آنها توجه کرد: استخوان گونه، ابرو، چانه و فاصله بین تمام این جزئیات…

توانجامش دادی! :D اکنون باید تمام دانش خود را جمع آوری کنید و آن را به گونه ای به کار ببرید که چهره ای زنده و نفس گیر ایجاد کنید. این به این معنی است که شما باید یک زاویه و احساسات را اضافه کنید، ما به یک نقطه مانند ربات ها نگاه نمی کنیم. خب اکثر ما

وقتی سر خود را کج می کنید، فراموش نکنید که تمام خطوط را به سمت جمجمه منحنی کنید!

همین قانون دایره و خط در هنگام مشاهده از پشت اعمال می شود! فقط تصور کنید که می توانید درست از طریق آنها ببینید.

وقتی سر به سمت بالا می رود، خطوط همان مسیر را دنبال می کنند. برعکس، وقتی سر کج می شود، خطوط به سمت پایین هدایت می شوند. دورافتاده‌ترین قسمت‌ها (پیشانی و بر این اساس، چانه) تحت کاهش کوتاه‌کننده قرار می‌گیرند.

آخرین نظرات

1. در صورت، همه چیز در مورد هندسه است. مهم نیست چقدر فکر می کنید باحال هستید، اما اگر شروع به انجام همه کارها به صورت تصادفی کنید، مطمئن هستم که بد می شود. پس نیازی به حدس زدن نیست! کشیدن یک دایره و چند خط فقط چند ثانیه طول می کشد. و حتی تا زمانی که یک سازه خوب نسازید به جزئیات فکر نکنید. اطمینان حاصل کنید که عناصر مهم دقیقاً با خطوط روی جمجمه و صورت مطابقت دارند.
2. از چهره های مشابه خودداری کنید.
3. اگر در مورد تناسبات صورت مطمئن نیستید، نقاشی را در فتوشاپ ترجمه کنید، و اگر زمانی که طراحی را به صورت افقی/عمودی می‌چرخانید، صورت عادی به نظر می‌رسد، پس شما خیلی باحال هستید.
4. چهره ها متفاوت است. مثلاً اقوام خود (خودتان یا دیگران) را مطالعه کنید. ببینید چه چیزی مشترک و چه چیزی متفاوت است!