هنر آلمانی قرن هفدهم اظهارات مقدماتی. معماری آلمانی قرن هفدهم. معماری رنسانس

معماری رنسانس آلمان در طول ساخت ساختمان های عمومی و مسکونی شهرها، املاک فئودالی شکل گرفت. از قرن شانزدهم کاخ های کشورو اقامتگاه ها ویژگی دفاعی خود را از دست می دهند و یک طرح منظم دریافت می کنند. توجه زیادی به راحتی خانه، تزئینات لوکس می شود. مشخصه معماری شهری آن زمان، انعطاف پذیری آبدار و برجسته تزئینات نما است.

اوج شکوفایی باروک آلمان در پایان قرن هفدهم - آغاز قرن هجدهم است. به کارهای عمدهاین دوره شامل اقامتگاه اسقفی در شهر می شود وورزبورگ(باواریا). وورزبورگ در اوایل قرن هشتم به مقر اسقف ها تبدیل شد. تحت نظر فردریک بارباروسا کاخ ساخته شده در نیمه اول قرن 18. و احاطه شده توسط یک پارک زیبا، با دکوراسیون مجلل، مجسمه ها و نقاشی های دیواری خود را تحت تاثیر قرار می دهد. مجموعه کاخ و پارک بزرگترین و زیباترین مجموعه باروک آلمان محسوب می شود.

تمایل به غنای دکور به وضوح در معماری Zwinger (آغاز قرن 18)، مجموعه تشریفاتی باروک در شهر آشکار شد. درسدن(زاکسونی). حیاطی مربع شکل با طاقچه های گرد است. در گوشه ها و محورهای میدان آلاچیق هایی وجود دارد که با طاق هایی به هم متصل شده اند. درسدن به دلیل تعداد زیادی از بناهای معماری آن "فلورانس در البه" نامیده می شود. علاوه بر Zwinger، این خانه اپرا، محل اقامت حاکمان ساکسون، تراس Brühl به نام "بالکن اروپا" و غیره است. میراث جهانییونسکو شامل همه چیز در نزدیکی درسدن بود که در قرن های 18-19 شکل گرفت. و شامل چندین قلعه، کاخ و یک "جنگل صخره ای" منحصر به فرد تشکیل شده است.

کاخ آگوستوسبورگدر شهر برول(North Rhine-Westphalia) در نزدیکی کلن در آغاز قرن 18 ساخته شد. روی خرابه های یک قلعه قرون وسطایی کاخ سبک روکوکو را دریافت کرد که در آن زمان مد بود. در پارک مجاور کاخ قرار دارد کلبه شکار Falkenlust که از نظر پیچیدگی دکوراسیون چیزی از خود کاخ کم ندارد.

کلیسای زیارتیدر یک روستای کوهستانی Vis(باواریا) که در اواسط قرن 18 ساخته شده است، در سبک روکوکو باواریا شاهکاری نامیده می شود. پیچیدگی و غریب بودن ذاتی این سبک در اینجا به کمال می رسد - گچ کاری و حکاکی طلا سبکی و هوای خود را حفظ می کنند ، گویی آماده حل شدن در پرتوهای نور خورشید هستند. در نیمه دوم قرن هجدهم. اصول کلاسیک گرایی مبتنی بر مدل های یونان باستان در حال تقویت است: دروازه براندنبورگ در برلین (اواخر قرن 18)، گروه والهالا در رگنسبورگ (اواسط قرن 19).

شهر کوچک وایمار(تورینگن) در پایان قرن 18 - آغاز قرن 19. واقعی بود مرکز فرهنگیآلمان که به لطف آن این شهر به یک موزه واقعی در فضای باز تبدیل شده است. گوته، شیلر، باخ، لیست، نیچه، اشتراوس، واگنر و دیگران در اینجا زندگی و کار کردند. افراد مشهور. "کلاسیک وایمار" عمدتاً مجموعه ای از ساختمان های قرن XVIII-XIX را شامل می شود. و بناهای تاریخی: خانه-موزه گوته، خانه-موزه شیلر، تالار شهر، خانه لیست، گالری هنر، کلیسای سنت پیتر و پل.

در طول قرن 19 در حال ایجاد است که اکنون به عنوان "جزیره موزه ها" در رودخانه اسپری شناخته می شود. این مجموعه شامل موزه های قدیم و جدید، گالری ملی، موزه بود و موزه محراب پرگامون (دومی از ابتدای قرن بیستم) است. منحصر بفرد مجموعه معماریکه ساختمان‌های آن حاوی مجموعه‌ای چند میلیون دلاری از اشیاء هنری است که از دوران باستان شروع می‌شود، همچنین یادگاری برای توسعه فناوری‌های موزه است.

در قرن 19 معماری آلمان به خشکی بیش از حد و آکادمیک سرد می رسد. و برعکس، باروک، همان طور که بود، چهره دوم معماری آلمانی است: پیوندی زنده بین معماری و طبیعت، جالب تکنیک های هنری، تزیینات مجسمه سازی نما و فضای داخلی.

در شهر پوتسدام (براندنبورگ) در قرن XVIII-XIX ایجاد شد. در سبک های باروک، روکوکو و کلاسیک. در اواسط قرن نوزدهم. فردریک دوم کاخ تفریحی باروک سنسوچی ("بدون نگرانی") و در کنار آن - غار نپتون، یک چایخانه چینی، یک گالری هنری و غیره را ساخت. در نیمه اول قرن نوزدهم. فردریش ویلهلم چهارم کاخ شارلوتنهوف، حمام‌های رومی، کاخ نارنجی و باغ‌های جدید را ساخت - همه اینها با روح کلاسیک.

مجموعه کاخ و پارک دیگری در پوتسدام شامل یک قصر نئوگوتیک است که در نیمه اول قرن نوزدهم ساخته شده است. سقف سالن رقص این کاخ آسمانی شبانه با ستارگان است. پنجره های کاخ منظره زیبایی از رودخانه و دریاچه ها را به نمایش می گذارد. کاخ کوچک در ساحل دریاچه ساخته شده است. و در پارک یک برج وجود دارد - کپی یکی از برج های قرون وسطاییدر فرانکفورت آم ماین

همچنین در نیمه اول قرن نوزدهم. (براندنبورگ) در سواحل رودخانه نایس ایجاد شد. این پارک تأثیر زیادی بر توسعه معماری منظر در اروپا و آمریکا داشت. به عنوان مثال، در اینجا برای اولین بار اصل "تصاویر از گیاهان" اعمال می شود و مرز بین پارک و حومه اطراف محو می شود.

منظره دیگری یا پارک انگلیسی در نزدیکی شهر دسائو (زاکسونی-آنهالت) ساخته شد. باغ ها، کوچه ها، مجسمه ها، قلعه ها و آلاچیق ها - منظره محلی با هماهنگی شگفت انگیز خود تحت تأثیر قرار می گیرد، گویی همه چیز در این "پادشاهی پارک" توسط خود طبیعت مرتب شده است. اگر پارک‌های باروک منظم فرانسوی بر شخصی تسلط داشتند و به او دستور می‌دادند که به مرکز ترکیب برنامه‌ریزی‌شده حرکت کند، پس پارک منظره به او اجازه می‌داد فقط قدم بزند و از هر گوشه‌ای از زندگی‌اش لذت ببرد و به او آزادی عمل کامل داد.

اگر این مقاله را در شبکه های اجتماعی به اشتراک بگذارید سپاسگزار خواهم بود:

تأثیر کشورهای دیگر بر سبک معماری آلمان قابل توجه است، عناصر گوتیک فرانسوی و رنسانس ایتالیایی به ویژه رایج است. اما این کشور همچنین سهم خود را در معماری جهان به ویژه در آغاز قرن بیستم انجام داد.

آلمان دارای یک سنت غنی از معماری محلی با سبک های منحصر به فرد خانه های دهقانی قدیمی و عمارت های شهری است. پیش از این، خانه‌های چوبی نیمه‌چوبی در همه جا ساخته می‌شد، زیرا از نظر تاریخی، چوب مقرون به صرفه‌تر از سنگ خوب بود. تمام خانه های روستاهای آلمان با کنده کاری های چوبی تزئین شده اند.

از کارولینگی ها تا رومانسک.

رومی ها دیوارهای شهر، حمام ها، ویلاها، معابد را برپا کردند، اما تاریخ معماری خاص آلمان در حدود سال 790 با ساختن کلیسای کوچک کاخ در آخن توسط امپراتور شارلمانی آغاز شد. این ساختمان 16 ضلعی با هشت وجهی در وسط از کلیسای بیزانسی سن ویتال در راونا (ایتالیا) الگوبرداری شده است. این بخشی از کاخ بزرگ امپراتوری که مدت ها ویران شده بود، یکی از بسیاری از اقامتگاه های چارلز بود.

یکی دیگر از کاخ های امپراتوری قرن یازدهم که بارها بازسازی شده است تا به امروز در گوسلار در کوه های گورتس باقی مانده است. کلیسای آخن به عنوان الگویی برای سایر بناهای مذهبی دوره رنسانس کارولینژی عمل کرد که برخی از آنها باقی مانده اند - کلیسای جامع در اسن و کلیسای صومعه سنت پیتر در باد ویمپفن.

یکی از ویژگی های بارز این کلیساها، نمای غربی است، یک ساختمان عرضی غربی با یک نمازخانه گروه کر.

سبک معماری بزرگ‌تر و پیچیده‌تر آلمان در امپراتوری نوظهور پس از قرن دهم ظاهر شد. مدل آن کلیسای سنت مایکل در هیلدسهایم است.

یک ساختمان در مقیاس بزرگ با استفاده از اشکال هندسی ساده در سال 1001 - 1033 ساخته شد. برج‌های نیم‌دایره‌ای در دو طرف بنا، دو برج مرکزی مدور و چهار برج استوانه‌ای با پلکان، چشمگیر هستند. بعدها، شکوفایی سبک رومانسک در آلمان منجر به ساخت کلیساهای باشکوه در راین - در ماینتس، تریر، ورمز و اسپایر شد. تناسبات دقیق آنها با دکور با قوس های نیم دایره ای در پایه نرم می شود. کلن از نظر بناهای تاریخی معماری رومی غنی ترین است.

گوتیک.

اولین نمونه‌های گوتیک را می‌توان در لیمبورگ آن در لان دید، جایی که نمای بیرونی کلیسای جامع، که در سال 1211 آغاز شد، هنوز عمدتاً رومی است، و فضای داخلی از قبل با طاق‌های لنستی گوتیک تعریف شده است.

اولین ساختمان های گوتیک در آلمان Liebfrauenkirche در تریر و کلیسای سنت الیزابت در ماربورگ هستند. کلیسای سنت الیزابت - سالن; راهروهای مرکزی و جانبی آن دارای ارتفاع یکسانی هستند که نمونه ای از آلمان است. در سال 1248 کار بر روی ساخت کلیسای جامع در کلن آغاز شد. پس از ساخت گروه های کر، کار کندتر شد و کلیسای جامع کلن از جمله کلیساهای باشکوهی بود که تا قرن نوزدهم در انتظار تکمیل آنها بودند. کلیسای جامع دیگر اولم است. مناره 161 متری آن، که در سال 1890 تکمیل شد، بلندترین در جهان است.

قرن 12 و 13 دوره ساخت و ساز بزرگ صومعه بودند. مجموعه منحصر به فرد Maulbronn که شبیه یک شهر است، تقریباً به طور کامل حفظ شده است. امروزه در فهرست میراث جهانی یونسکو گنجانده شده است.

بیشتر ساختمان های گوتیک از سنگ ساخته شده اند، اما در سواحل دریای بالتیک و در برخی از شهرهای شمالی آلمان، به اصطلاح گوتیک آجری پدید آمد.

رنسانس.

اشکال معماری رنسانس ایتالیا بلافاصله در آلمان ریشه نگرفت ، در ابتدا فقط برای تزئین یا در ترکیبی پوچ با عناصر گوتیک استفاده می شد. به عنوان مثال، در کلیسای کوچک بانکداران فوگر در سال 1512 در کلیسای سنت آنا در آگسبورگ - اولین ساختمان رنسانس در آلمان - طاق توری گوتیک حفظ شده است. مونیخ کاتولیک که بیشتر از سایر شهرها با ایتالیا مرتبط است، آثار تاریخی کاملاً رنسانس دارد. مهمترین آنها کلیسای سنت مایکل است که توسط یسوعیان در سال 1597 ساخته شد و کاخ سلطنتی.

در شمال آلمان، تأثیرات عمدتاً پروتستان، هلندی و فلاندری برجسته ترین بیان خود را در سبک رنسانس Weser یافتند که با تزئینات بیش از حد مشخص می شود.

سبک باروک و روکوکو در معماری آلمانی.

سبک باروک در ایتالیا سرچشمه گرفته است، اما معماران و صنعتگران آلمانی به آن هویتی متمایز بخشیدند، به ویژه در جنوب کاتولیک.

ضد اصلاحات در اینجا به این واقعیت منجر شد که این مراسم تقریباً در یک محیط تئاتر برگزار شد، جایی که همه چیز برای حواس جذاب بود. اوج تجمل، شکوه و فانتزی، کلیسای زیارتی چهارده مقدس بود که در سال 1744 طبق پروژه یوهان بالتازار نویمان (1687-1753) شروع به ساخت کرد.

نویمان همچنین کاخ‌های اسقف اعظم شونبورن را در برول، بروخسال و وورزبورگ ساخت یا در ساخت آن شرکت کرد.

تجمل باروک و فانتزی روکوکو به جنوب آلمان محدود نمی شد. حیاط داخلی و آلاچیق‌های زوینگر در درسدن یکی از مجلل‌ترین مکان‌ها برای برگزاری جشن‌های دربار به حساب می‌آیند، و فضای داخلی ظریف روکوکو کاخ سانسوچی فردریک کبیر در پوتسدام، کلیشه‌ای از زهد پروس را از بین می‌برد.

از کلاسیک تا ترکیبی از سبک ها.

در قرن هجدهم. کلاسیک های باستانی برای پایتخت ها واجب تلقی می شدند. در Sanssouci (پوتسدام)، معمار دربار فردریک کبیر، گئورگ ونسسلاو فون Knobelsdorff (1699-1753)، یک ستون کلاسیک ساخت. در سال 1791، ورودی برلین توسط دروازه عظیم براندنبورگ، که از پروپیلای آکروپولیس آتن الگوبرداری شده بود، زیبا شد.

کارل فردریش شینکل (1781 - 1841) بزرگترین معمار پروس آن زمان و همچنین رئیس بخش کارهای عمومی بود. او چهره برلین و اطراف آن را با ساختن موزه‌ها، کاخ‌ها و عمارت‌ها به سبک نئوکلاسیک تغییر داد. در باواریا، فرانتس کارل لئو فون کلنز (1784-1864) با او به رقابت پرداخت. او با ساختن، به عنوان مثال، Glyptothek، اولین موزه عمومی مجسمه سازی جهان، ظاهری واقعاً سلطنتی به مونیخ داد. فون کلنز همچنین بناهایی را برای اصالت بخشیدن به ناسیونالیسم نوپای آلمانی طراحی کرد - والهالا در بالای دانوب و غرفه آزادی در نزدیکی کلهایم.

پس از اتحاد آلمان در سال 1871، آثار ملی ساخته شد. جستجوی شدیدی برای سبک معماری وجود داشت که با روح رایش دوم مطابقت داشته باشد، اما بسیاری از ساختمان‌های اواخر قرن نوزدهم. در واقع، آنها فقط ترکیبی التقاطی از عناصر سبک های مختلف معماری هستند.

در کلیسای مجلل روکوکو در اقامتگاه وورزبورگ، افراد سلطنتی دعا کردند.

مدرنیسم در معماری آلمان

همان آغاز قرن بیستم. - زمان اوج کوتاه Jugendstil (آرت نو آلمانی) که درخشان ترین نمونه آن توسعه Matildenhehe در دارمشتات بود. در سال 1899 انجمنی از هنرمندان و معماران در اینجا ساکن شدند.

برای اولین بار در دهه قرن جدید، شکوفایی بی سابقه ای از سبک های معماری و روندهای جدید مشاهده شد. سازه های یک تکه غیرمعمول - برج انیشتین اریش مندلسون در پوتسدام،

ساختمان اداری کشتی مانند Chilihaus در هامبورگ و Reinhall مدور در دوسلدورف گواهی بر موفقیت اکسپرسیونیسم است. در مقابل، والتر گراپیوس (1883-1969)، ساختمان نوآورانه کارخانه کفش فاگوس در آلفلد، با سقفی صاف، دیوارهای شیشه ای و ساختار مکعبی، توسعه بیشتر معماری را از پیش تعیین می کند.

ویرانی عظیم سال های جنگ تا حدودی با برنامه بازسازی دهه 1950 و 1960 جبران شد. بیشتر ساختمان ها به شیوه ای نرم و آرام ساخته شده بودند که در آن سال ها حاکم بود. اما ساختمان های اصلی نیز ظاهر شدند، مانند برج تیسن در دوسلدورف.

احتمالاً کلیساهای مدرن در آلمان بیشتر از هر جای دیگری وجود دارد. کلیسای یادبود قیصر ویلهلم در غرب برلین ترکیبی جالب از بنای یادبود مدرن و ویرانه های پس از جنگ است. قبل از بازی های المپیک 1972 گونتر بونیش استادیوم بسیار بدیع را طراحی کرد. برجسته بناهای معماریآثار اخیر معماران خارجی مانند اسکات جیمز استرلینگ (گالری ایالتی اشتوتگارت) و بریت نورمن فاستر (بانک تجاری فرانکفورت و مرمت رایشستاگ در برلین).

در میان کشورهای اروپای غربی که سیستم روابط فئودالی توسعه یافته ای داشتند، در آلمان حذف پایه های قرون وسطایی پر پیچ و خم ترین و پیچیده ترین مسیر را طی کرد.

در اقتصاد و از نظر سیاسیآلمان متناقض و دشوار توسعه یافته است. فرهنگ معنوی و به ویژه هنر آن کمتر مورد بحث بود.

در پایان قرون وسطی، همان فرآیندها در آلمان مانند سایر کشورهای اروپایی اتفاق افتاد: نقش شهرها افزایش یافت، تولیدات تولیدی توسعه یافت، شهرداران و بازرگانان بیشتر و بیشتر اهمیت یافتند، و سیستم صنفی قرون وسطی از هم پاشید. تغییرات مشابهی در فرهنگ و جهان بینی رخ داد: خودآگاهی فرد بیدار شد و رشد کرد، علاقه او به مطالعه واقعیت افزایش یافت، تمایل او به داشتن دانش علمی، نیاز به یافتن جایگاه خود در جهان. سکولاریزاسیون تدریجی علم و هنر و رهایی آنها از قدرت دیرینه کلیسا رخ داد. میکروب های اومانیسم در شهرها متولد شد. مردم آلمان صاحب یکی از بزرگترین دستاوردهای فرهنگی عصر بودند - بزرگترین سهم در توسعه چاپ کتاب. با این حال، تغییرات معنوی در آلمان کندتر و با انحرافات بیشتری نسبت به کشورهایی مانند ایتالیا و هلند اتفاق افتاد.

در آستانه قرن چهاردهم و پانزدهم. در سرزمین های آلمان نه تنها تمایلی به متمرکز شدن کشور وجود نداشت، بلکه برعکس، تکه تکه شدن آن افزایش یافت و به سرزندگی بنیادهای فئودالی کمک کرد. ظهور و توسعه جوانه های روابط سرمایه داری در شاخه های صنعتی منفرد به اتحاد آلمان منجر نشد. این کشور شامل بسیاری از امپراتوری های بزرگ و کوچک و شهرهای مستقل امپراتوری بود که وجود تقریباً مستقلی را رهبری می کردند و از هر طریق سعی می کردند این وضعیت را حفظ کنند. تناقضات توسعه جامعهآلمان در معماری آلمانی قرن پانزدهم منعکس شده است. همانطور که در هلند، چرخش قاطع به سمت محتوای فیگوراتیو جدید و زبان جدیدی از اشکال معماری که مشخصه معماری ایتالیا باشد، وجود نداشت. اگرچه گوتیک به عنوان سبک معماری غالب قبلاً رو به اتمام بود، سنت های آن همچنان بسیار قوی بود. اکثریت قریب به اتفاق ساختمان های قرن پانزدهم. به هر طریقی اثر خود را بر جای می گذارد.

نسبت بناهای تاریخی معماری مذهبی در آلمان در قرن پانزدهم. بزرگتر از هلند بود. ساخت کلیساهای بزرگ گوتیک که در قرن های گذشته آغاز شده بود (به عنوان مثال، کلیسای جامع در اولم) ادامه یافت و به پایان رسید. با این حال، ساختمان‌های معبد جدید دیگر به این بزرگی نبودند. اینها کلیساهای ساده تری بودند که عمدتاً از نوع سالنی بودند. شبستان های هم ارتفاع در غیاب عرض (که برای این دوره معمول است) به ادغام فضای داخلی آنها در یک کل قابل مشاهده واحد کمک کردند. توجه ویژه ای به راه حل تزئینی طاق ها شد: طاق های مش و غیره نقشه های پیچیده. الحاقات به قدیمی ها نیز با یک فضای سالن واحد مشخص می شود. فرم های معماری خود پیچیدگی و غریبی زیادی در روح گوتیک "شعله ور" به دست آوردند. با این حال، مهمتر از آن این است که جایگاهی فزاینده در معماری آلمانی قرن پانزدهم داشته باشد. شروع به اشغال بناهای معماری سکولار، که در آن، از یک سو، ادامه سنت های ارزشمند مدنی معماری گوتیکقرون گذشته و از سوی دیگر، گرایش های جدید و مترقی زمینه مساعدی برای رشد خود پیدا می کنند. اینها اول از همه ساختمانهای شهری هستند که در آنها وابستگی کمتری به اشکال معماری کلیسا نسبت به قبل وجود دارد.

در معماری ساختمان های مسکونی نمایندگان پاتریسیات شهری در آلمان و همچنین در هلند، انقلابی که نمایانگر ظهور کاخ های تاریخی متعلق به ثروتمندترین خانواده ها در شهرهای ایتالیا بود، هنوز رخ نداده است، اما در مقایسه با در قرون وسطی، نوآوری ها قابل توجه است - چیدمان پیچیده تر و آزادتر، استفاده از شیروانی های تزئین شده و پنجره های خلیج در نماها و گالری های سرپوشیده در حیاط ها.

هنرهای زیبای آلمان در قرن پانزدهم هنوز ارتباط نزدیکی با کلیسا داشت. تضعیف وابستگی آن به کلیسا تنها در این واقعیت بیان شد که آثار نقاشی و مجسمه سازی تا حدی خود را از زیرمجموعه معماری ساختمان کلیسا رها کردند. تصاویر از دیوارها جدا شده و در یک مکان در داخل کلیسای جامع، در یک ساختار محراب به یاد ماندنی متمرکز شدند. بدین ترتیب نقاشی و مجسمه سازی امکان وجودی نسبتاً مستقل را به دست آورد.

یکی از دستاوردهای هنر آلمان در قرن پانزدهم. جهش نقاشی وجود داشت که در زمان قبل در آلمان توسعه چندانی نداشت. اما هنوز تعداد کمی از نقاشی های سه پایه در این دوره خلق شده است. جایگاه پیشرو توسط تصویر محراب اشغال شد. تاریخ نقاشی آلمانی قرن پانزدهم. اساساً تاریخچه محراب های بزرگ منفرد است که معمولاً شامل تعدادی ترکیب به هم مرتبط با یک طرح موضوعی مشترک است.

زندگی هنری آلمان بسیار پراکنده بود. از هم گسیختگی مناطق فردی کشور منجر به ظهور بسیاری از مراکز هنری محلی شد. با این حال، هنر آلمان به طور کلی هنوز دارای اشتراک خاصی بود. مهمترین چیز این بود که تصویر دینی خصلت معنوی انتزاعی خود را از دست داد و با اطمینان کامل به زندگی نزدیک شد. تأکید اصلی بر آغاز روایی و بیان در طرح مذهبی احساسات زنده انسانی معطوف شد. اما همه این نوآوری ها هنوز با وحدت متحد نشده بودند. دیدگاه های زیبایی شناختی. حتی در همان کار، اغلب هیچ حس درستکاری وجود نداشت. خود هنرمندان در ارزیابی و درک جهان معیار مشخصی نداشتند.

تعداد بسیار کمی از آثار معتبر هنرمندان که به دست ما رسیده است، این امکان را فراهم می کند که از فردیت خلاقانه هر یک از آنها ایده بگیرید. این، از جمله، به موقعیت جدید هنرمند گواهی می دهد، به این واقعیت که سیستم خلاقیت قرون وسطایی، که فردیت های هنری استادان منفرد را محو می کرد، اکنون به گذشته تبدیل شده است. این هنرمند جایگاه شرافتمندانه تری در جامعه گرفت و دیگر یک صنعتگر معمولی صنفی نبود، بلکه رئیس کارگاه و یک شهردار محترم بود.

برای نیمه اول قرن پانزدهم. شخصیت مرکزی نقاشی آلمانی و یک مبتکر واقعی کنراد ویتز (1400/10-1445/47) بود که در کنستانس و بازل کار کرد، برای اولین بار در جستجوهای واقع گرایانه خود شخصیتی آگاهانه و تا حدی ثابت به خود گرفت. ویتز اولین نقاش آلمانی بود که سعی کرد مشکل رابطه پیکره های انسان با محیط - منظره یا فضای داخلی را حل کند و شروع به تفسیر تصویر به عنوان یک ساختار عمیق و سه بعدی کرد. برای آن زمان، این مناظر یک نوآوری بزرگ بود. چیزی که جدید بود این بود که طبیعت در وهله اول در اینجا مطرح شده است و چهره ها در منظره گنجانده شده اند. هنرمند در تلاش است تا اشاره ای به گسترش فضایی از پیش زمینه در عمق بدهد. یکی از عناصر پیوند دهنده در نقاشی های ویتز رنگ است. با وجود معمول برای قرن پانزدهم. با غلبه سایه های محلی، هنرمند اغلب لحن غالب را معرفی می کند، به عنوان مثال، رنگ خاکستری دیوارها در فضای داخلی، همه رنگ های دیگر را با یکدیگر متصل می کند. او همچنین استفاده از نیم تن ها را می داند که معمولاً در سایه ها ظاهر می شوند. اما همه اینها مانع از آن نمی شود که ویتز، طبق عرف آن زمان، در برخی موارد مناطقی از طلا را به پس زمینه وارد کند یا سر مقدسین را با هاله های طلایی احاطه کند.

همین خط سبکی در نیمه دوم قرن پانزدهم ادامه دارد. استاد تیرول جنوبی مایکل پاچر از برونک (حدود 1435-1498) - نقاش و مجسمه ساز، منبت کار روی چوب. دو محراب از آثار او به طور گسترده ای شناخته شده است - محراب سنت. ولفگانگ (تکمیل در سال 1481، در کلیسای شهر سنت ولفگانگ) و محراب پدران کلیسا (تکمیل در حدود 1483 مونیخ). جست‌وجوی‌هایی که در آثار ویتز پدیدار شدند، ادامه خود را در کار پاچر می‌یابند و به سطحی بالاتر می‌روند و شکل‌های واضح‌تری به خود می‌گیرند.

برای توسعه گرایش های واقع گرایانه در نقاشی آلمانی در نیمه دوم قرن پانزدهم. ارتباط استادان منفرد با فتوحات پیشرفته خود در هنر هلندی که در این زمان آشکار می شود از اهمیت خاصی برخوردار است. در آثار این هنرمندان، گرایش به یکپارچگی فیگوراتیو، نظم ترکیبی، تبعیت جزئیات فردی از کل وجود دارد.

بزرگترین استاد از این نوع، نقاش و گرافیست راین علیا، مارتین شونگوئر (حدود 1435-1491) بود که در تاریخ هنر عمدتاً به عنوان یک حکاکی برجسته شناخته می شود. بهترین اثر شونگوئر به عنوان نقاش مدونا در درختکاری صورتی (1473) است. این نقاشی یکی از شاخص ترین آثار اوایل رنسانس آلمان است. هنرمند در اینجا یک نقش نمادین مورد علاقه استادان گوتیک متاخر را به تصویر می کشد (آلاب صورتی نمادی از بهشت ​​بود)، اما در تفسیر او این نقوش حاوی هیچ چیز ساده لوحانه و بت مانندی نیست، به عنوان مثال، در Lochner. تصویر خالی از هارمونی مدونای ایتالیایی است. او بی قرار و زاویه دار به نظر می رسد. چنین ناهماهنگی، که در یک اثر وجود دارد، نمونه ای از کل رنسانس آلمان است و یکی از ویژگی های اصلی آن را تشکیل می دهد.

Schongauer جایگاه مهمی در تاریخ حکاکی رنسانس آلمان دارد. اوج حکاکی روی مس از اواسط قرن پانزدهم آغاز شد. حتی قبل از آن، حکاکی روی چوب رواج یافت. حکاکی دموکراتیک ترین شکل هنر در آلمان بود که کارکردهای بسیار متنوعی را انجام می داد، چه مذهبی و چه صرفاً سکولار. بیشترین توزیع را داشت و از محبوبیت زیادی در بین مردم برخوردار بود. حکاکی روی چوب در قرن پانزدهم. هنوز یک شخصیت نسبتاً صنعتگر داشت. در نیمه دوم قرن، قلم زنی روی مس به اوج هنری قابل توجهی رسید. اولین استاد برجسته در این رشته هنری استاد گمنام بود ورق بازی کردن(دهه 40 قرن 15). چندین نسخه از نقشه های او در تعدادی از نسخه های خطی حفظ شده است. علاوه بر این، چندین حکاکی دیگر نیز بر روی مضامین مذهبی از او وجود دارد که از ظرافت و ظرافت خاصی خالی نیست.

Schongauer به عنوان اولین استاد واقعاً بزرگ، که نقش تعیین کننده ای در توسعه بیشتر حکاکی آلمانی ایفا کرد، ایستاده است. بیش از صد اثر او بر روی مس تا به امروز باقی مانده است. همانطور که در تصویری که در بالا توضیح داده شد، در حکاکی هایی با موضوعات مذهبی، شونگوئر موفق به ایجاد مجموعه ای شد تصاویر قابل توجه، تجسم ویژگی های شدت و وقار. عناصر واقع گرایانه به شدت در آنها افزایش می یابد، بسیاری از برداشت های زنده استفاده می شود. ما در Schongauer کاربرد جدید و بسیار متنوع‌تری از ضربه خطی می‌بینیم که با استفاده از سایه‌های ظریف و ظریف نقره‌ای، به عمق و شفافیت سایه‌ها دست می‌یابد. او تعدادی حکاکی عالی با مضامین زندگی مسیح و مریم خلق کرد ("میلاد مسیح" ، "ستایش مجوس" ، "حمل صلیب" و غیره).

در نیمه دوم قرن پانزدهم. مدرسه هنر نورنبرگ توسعه می یابد. معلم دورر، مایکل وولگموت (1434-1519) در راس کارگاهی بود که تعداد زیادی محراب سفارشی تولید می کرد. چگونه فردیت خلاقاو علاقه چندانی ندارد بهترین آثار وولگموت متعلق به دوره اولیه(محراب هوفروفسکی، 1405).

تکمیل آن و در عین حال انتقال به مرحله جدیدی از نقاشی آلمانی قرن پانزدهم. در آثار بنیانگذار مدرسه هنری آگسبورگ - هانس هلبین الدر (حدود 1465-1524)، هنرمندی که با همین حق می تواند در تاریخ هنر آلمان قرن شانزدهم گنجانده شود، می یابد. آثار اولیه هولباین بزرگ به سبک کاملاً در مجاورت نقاشی آلمانی قرن پانزدهم است. (محراب کلیسای جامع آگسبورگ، 1493؛ محراب سنت پل، 1508، آگسبورگ). به عنوان ویژگی های جدید، می توان به عناصر آرامش و وضوح خاصی اشاره کرد که در کارهای بعدی هنرمند که قبلاً به وضوح در مدار روندهای جدید ایجاد شده است به شدت تشدید می شود. در آثار اولیه هولبین پیر، لحن گرم و عمیق غالب است. بعداً رنگ روشن تر و سردتر می شود. معروف ترین اثر او محراب St. سباستین (1510؛ مونیخ)، خلق شده در دوران اوج کار دورر. فیگورهای درست ساخته شده، آرامش، حالات چهره شفاف، نظم فضایی، فرم های پلاستیکی نرم، نقوش کلاسیک در محیط معماری و تزیینات این اثر را به دنیای جدید هنر رنسانس عالی منتقل می کند.

جایگاه قابل توجهی در هنر آلمانی قرن پانزدهم. مجسمه سازی را اشغال می کند. ویژگی کلی آن، و همچنین چیزی که در قرن 15 از آن گذشت. راه توسعه، نزدیک به نقاشی آلمانی آن زمان. اما در مجسمه سازی، سنت های گوتیک با شدت بیشتری احساس می شود. توسعه عناصر واقع گرایانه در اینجا با مقاومت سرسختانه تری از ایده های قدیمی و قرون وسطایی مواجه می شود. نمادگرایی انتزاعی تصاویر مذهبی هنوز در اینجا غالب است ، سیستم حرکات و ویژگی های مشروط ، حالت های صورت مشروط و شدیداً تأکید شده حفظ می شود. این ویژگی‌های گوتیک در طول قرن پانزدهم ادامه یافت و اغلب آثار هنرمندان منفرد را به‌ویژه در مناطق عقب‌مانده‌تر آلمان به‌طور کامل تابع کرد.

با این حال، با وجود سرزندگی سنت های گوتیک، در مجسمه سازی آلمانی قرن پانزدهم. آن تغییرات بزرگ و عمیق در آگاهی انسان، که رنسانس با خود به ارمغان آورد، شروع به تأثیر می کند. این تغییرات در درجه اول در دو ویژگی مهم آن منعکس شده است. اولین مورد این است که اشکال قدیمی گوتیک عمدی و مبالغه آمیز می شوند، گویی زاییده میل به حفظ تقوای قدیمی و ایمان متعالی ساده لوحانه به هر قیمتی است. با این حال، با توجه به این واقعیت که دیدگاه های قرون وسطایی قبلاً تا حد زیادی تضعیف شده بود، اشکال زمانی ارگانیک گوتیک قرون وسطی اکنون سایه ای مکانیکی و مصنوعی به دست می آورند و اغلب به تکنیک های تزئینی کاملاً خارجی، پیچیده و بی معنی تبدیل می شوند.

دومین و مهمترین ویژگی مجسمه سازی آلمانی قرن پانزدهم این است که (عمدتاً در اواخر قرن) جلوه های فردی احساسات مستقیم انسانی، توجه هنرمند به واقعیت پیرامون و تصویر زنده یک شخص را نشان می دهد. ارزش هنریمجسمه سازی آلمانی قرن پانزدهم با این حال، دقیقاً در این آغاز تخریب سیستم هنری قدیمی و قرون وسطایی، در تهاجم روال مرده هنر کلیسا از اولین نگاه های ترسو از تأیید صمیمانه زندگی، اولین نشانه های بیان احساسات و خواسته های انسانی نهفته است. ، آوردن هنر از بهشت ​​به زمین.

ثلث اول قرن شانزدهم برای آلمان دوران اوج فرهنگ رنسانس بود که در فضای مبارزات انقلابی شدید صورت گرفت. در پاسخ به افزایش فشار شاهزادگان و اشراف بر دهقانان در نیمه دوم قرن پانزدهم، جمعیت روستایی آلمان به دفاع از منافع خود برخاستند. ناآرامی دهقانان، که طبقات پایین شهری به آن پیوستند، در پایان ربع اول قرن شانزدهم. به یک جنبش انقلابی قدرتمند تبدیل شد که گستره وسیعی از سرزمین های جنوب غربی آلمان را به تصرف خود در آورد. در تعدادی از قیام ها، خلق و خوی مخالف جوانمردی و جمعیت شهرک شهرها راه خود را پیدا کرد. روزهایی فرا رسید که مردم آلمان در طغیان مبارزه علیه دشمنان مشترک - قدرت شاهزاده و کاتولیک رومی - متحد شدند.

در این شرایط، تزهای معروف لوتر علیه کلیسای فئودالی که در سال 1517 منتشر شد، «اثری آتش زا داشت، مانند برخورد صاعقه به بشکه باروت». خیزش انقلابی تعدادی از شخصیت های قابل توجه را به وجود آورد. نام رهبر قهرمان انقلاب دهقانی توماس مونتزر، رهبران قیام های شوالیه فرانتس فون سیکینگن و اولریش فون هوتن، رئیس اصلاحات آلمانی مارتین لوتر با یکی از درخشان ترین صفحات تاریخ آلمان همراه است.

آغاز قرن شانزدهم در آلمان با شکوفایی اومانیسم و ​​علم سکولار، علیه بقایای فرهنگ فئودالی مشخص شد. علاقه به دوران باستان و زبان های باستانی افزایش یافت. همه این پدیده ها در آلمان شکل های عجیبی به خود گرفتند. در اینجا آن توالی از دیدگاه های فلسفی وجود نداشت که متفکران ایتالیایی را به ایمان بی قید و شرط در ذهن انسان سوق دهد. هنر آلمانی قرن شانزدهم به همین ترتیب در برابر ما ظاهر می شود. و با این حال شکستگی در او با تمام قدرت احساس می شود. افراد خلاق اصلی را جدا کنید، جسورانه مشکلات هنری جدیدی را تنظیم و حل کنید. هنر در بهترین نمونه های خود به یک حوزه مستقل و مستقل از فرهنگ تبدیل می شود، یکی از ابزارهای شناخت جهان، جلوه ای از فعالیت آزادانه ذهن انسان. مانند سایر کشورهای اروپای غربی، در آلمان از آغاز قرن شانزدهم. معماری سکولار شروع به ایفای نقش اصلی می کند. عمارت شهر مسکونی، تالار شهر یا تجارتخانه- اینها انواع غالب ساختمانها در این عصر هستند. در شهرهای بزرگ تجاری آلمان که دوران شکوفایی خود را در آغاز قرن شانزدهم تجربه کردند، ساخت و سازهای زیادی انجام شد.

علیرغم تنوع اشکال معماری آلمانی دوره رنسانس، که با تکه تکه شدن کشور و وجود مناطق کم و بیش منزوی همراه است، برخی از اصول کلی به وضوح در معماری آلمان بیان شده است. سنت‌های معماری گوتیک قرون وسطی در معماری آلمان در تمام قرن از بین نمی‌روند و اثر خود را بر ساختار فیگوراتیو ساختمان‌های رنسانس در آلمان بر جای می‌گذارند.

ساختمان رنسانس آلمان بر دو اصل استوار بود: مصلحت گرایی سودمند در سازماندهی فضاهای داخلی و بیشترین بیان ممکن و زیبا بودن اشکال بیرونی. طرح به عنوان یک اصل سازماندهی که اراده هدفمند معمار در آن تجسم می یابد، وجود ندارد. بسته به نیاز مالک و هدف خانه، به طور خود به خود شکل می گیرد. تاقچه های دیواری، برج ها با اشکال و اندازه های مختلف، سنگ فرش ها، نقوش، طاق ها، پله ها، قرنیزها، پنجره های خوابگاهی، درگاه های تزئینی فراوان، برآمدگی برجسته، قاب های پنجره با مشخصه مشخص، دیوارهای پلی کروم، جلوه ای کاملا منحصر به فرد و فوق العاده زیبا ایجاد می کنند. توجه ویژه ای به طراحی داخلی می شود که از نظر روحی با ظاهر ساختمان مطابقت دارد. شومینه های تزئینی زیبا، سقف های گچی با طراحی غنی با اندود چوب و دیوارهای اغلب رنگ آمیزی شده فضاهای داخلیآلمانی آن زیبایی را در خود جای داده است که قبلاً در این دوران نمایانگر فضای داخلی باروک است که در زمان های بعدی به طور گسترده در خاک آلمان توسعه یافت.

در یک دوره حساس از تاریخ آلمان، در پایان قرن پانزدهم، بزرگترین هنرمندآلمان آلبرشت دورر. دورر متعلق به آن دسته از انسان‌آفرینان درخشانی بود که در سال‌های تخمیر ایده‌ها، که نشان‌دهنده گذار به مرحله‌ای تاریخی جدید است، می‌آیند و با خلاقیت خود، پدیده‌های مترقی فردی را که قبلاً به‌طور آشفته پراکنده و خودبه‌خود به وجود می‌آمدند، تبدیل می‌کنند. منظومه ای یکپارچه از دیدگاه ها و اشکال هنری از سراسر جهان که به طور کامل بیانگر محتوای عصر و گشودن مرحله جدیدی از فرهنگ ملی است. دورر یکی از این افراد بود مردم جهانیرنسانس. دورر بدون پیوستن به هیچ گروه بندی سیاسی در مبارزات انقلابی، رئیس آن جنبش فرهنگی قدرتمندی شد که با تمام جهت گیری هنر خود برای آزادی می جنگید. شخصیت انسانی. تمام کارهای او سرود انسان، جسم و روح او، قدرت و عمق عقل او بود. از این نظر، دورر را می‌توان یکی از بزرگ‌ترین اومانیست‌های رنسانس دانست. با این حال، تصویری که از انسان خلق کرد، عمیقاً با ایده آل ایتالیایی، ایده آل لئوناردو داوینچی و رافائل متفاوت است. دورر یک هنرمند آلمانی بود و آثار او عمیقا ملی است. او مردم سرزمینش را دوست داشت و آرمان تعمیم یافته ای که ایجاد کرد ظاهر شخصی را که در اطراف خود می دید بازتولید کرد - شدید، سرکش، پر از قدرت درونیو شک و تردید، انرژی با اراده و انعکاس غم انگیز، بیگانه با آرامش و هماهنگی واضح است.

معلم اصلی دورر در جستجوی او طبیعت بود. او همچنین با مطالعه تصاویر کلاسیک دوران باستان و رنسانس ایتالیا چیزهای زیادی آموخت. عشق و توجه این هنرمند به طبیعت توسط طرح های مداوم او از طبیعت - چهره و بدن انسان، حیوانات، گیاهان، مناظر و همچنین مطالعات نظری او در مورد مطالعه پیکره انسان، که او به آن اختصاص داده است، نشان می دهد. کل خطسال ها. بعید است که او بتواند چیز قابل توجهی، به جز تکنیک نقاشی، از معلم خود وولگموت، عاری از هر گونه تعالی و عمق، بیاموزد.

آلبرشت دورر در سال 1471 در نورنبرگ در خانواده یک صنعتگر - زرگر متولد شد. پدر دورر اهل مجارستان بود. دورر آموزش اولیه هنری خود را از پدرش دریافت کرد. در سال 1486 وارد کارگاه Wolgemut شد. تا 1490-1494 اشاره به سفر او در جنوب آلمان و سوئیس، در 1494-1495. او از ونیز دیدن کرد. اولین آثاری که به دست ما رسیده طراحی، حکاکی و چندین پرتره تصویری است. قدیمی ترین آنها نقاشی "خودنگاره" (1484) است که با مداد نقره ساخته شده است. احساس عمیقطبیعت نفوذ کرده است مناظر آبرنگدورر، که بدیهی است به اوایل دهه 1490 باز می گردد، در طول پیاده روی خود در اطراف نورنبرگ، در طول سفر به جنوب آلمان و سوئیس و در راه ونیز این کار را انجام داد. آنها هم از نظر شیوه نقاشی آزادانه با آبرنگ، بر اساس یکپارچگی متفکرانه رنگ و هم در انواع ساختارهای ترکیبی، بسیار جدید هستند. اینها عبارتند از: "نمای اینسبروک" (1494-1495؛ وین)، "غروب آفتاب" (حدود 1495؛ لندن)، "نمای ترینت" (برمن)، "منظره در فرانکونیا" (برلین).

پس از بازگشت از ونیز، دورر تعدادی حکاکی روی مس و چوب ساخت (روی مس - "عشق فروختن"، 1495-1496، "خانواده مقدس با ملخ"، حدود 1494-1496، "سه دهقان"، ج. 1497 "پسر ولگرد"، حدود 1498؛ حکاکی روی چوب - "هرکول"، "حمام مردان")، که در آن تلاش استاد جوان به وضوح تعریف شده بود. این حکاکی ها، حتی اگر حاوی موضوعات مذهبی، اسطوره ای یا تمثیلی باشند، در درجه اول صحنه های ژانری با شخصیت محلی برجسته هستند. در همه آنها یک فرد زنده معاصر دورر وجود دارد، اغلب از نوع دهقانی، با چهره ای مشخص و رسا، با لباسی از آن زمان پوشیده شده و با یک محیط یا منظره ای خاص از یک منطقه خاص احاطه شده است. جای بزرگی به وسایل منزل داده شده است.

این حکاکی ها کهکشانی درخشان از آثار گرافیکی دورر، یکی از بزرگترین استادان قلم زنی در دنیای هنر را باز می کند. هنرمند اکنون آزاد است که از اسکنه استفاده کند، ضربه ای تیز، زاویه ای و عصبی را اعمال کند که به کمک آن خطوط سینوسی و تنش ایجاد می شود، فرم به صورت پلاستیکی قالب می گیرد، نور و سایه ها منتقل می شود، فضا ساخته می شود. بافت این حکاکی‌ها با بهترین تغییر رنگ‌های نقره‌ای، به دلیل زیبایی و تنوع شگفت‌انگیز آن قابل توجه است.

اولین کار مهم دورر یک مجموعه پانزده برگ با قالب بزرگ با موضوع آخرالزمان بود (چاپ در دو نسخه با متن آلمانی و لاتین در سال 1498). این اثر دارای آمیختگی پیچیده ای از دیدگاه های قرون وسطایی با تجربیات ناشی از رویدادهای متلاطم اجتماعی آن روزها است. از قرون وسطی، آنها تمثیلی بودن، نمادگرایی تصاویر، پیچیدگی مفاهیم پیچیده الهیات، فانتزی عرفانی را حفظ کردند. از مدرنیته - احساس کلی تنش و مبارزه، برخورد نیروهای معنوی و مادی. صحنه های تمثیلی شامل تصاویری از نمایندگان طبقات مختلف جامعه آلمان، افراد واقعی زنده، پر از تجربیات پرشور و ناراحت کننده و کنش فعال است. ورق معروف با تصویر چهار سوار آخرالزمانی با کمان، شمشیر، ترازو و چنگال، که چهره افرادی را که از آنها فرار کردند - یک دهقان، یک شهرنشین و یک امپراتور - به طور خاص خودنمایی می کند. شکی نیست که چهار سوار در ذهن هنرمند نماد نیروهای ویرانگر هستند - جنگ، بیماری، عدالت الهی و مرگ، که نه مردم عادی و نه امپراتور را دریغ می کنند. این ورقه‌ها، پوشیده از زیورهای پیچ‌دار عجیب و غریب از خطوط، با خلق و خوی داغ، با تصاویری زنده و قدرت تخیل به تصویر می‌کشند. آنها در صنعت خود بسیار مهم هستند. حکاکی در اینجا به سطح هنر بزرگ و به یاد ماندنی ارتقا یافته است.

در دهه 1490 دورر تعدادی نقاشی مهم را تکمیل کرد که پرتره‌های آن‌ها مورد توجه خاص هستند: دو پرتره از پدرش (1490؛ اوفیزی و 1497؛ لندن). "خود پرتره" (1493؛ لوور و 1498؛ پرادو)، "پرتره اسواد کرل" (1499؛ مونیخ). در این پرتره ها، نگرش کاملاً جدیدی نسبت به فردی که برای هنر آلمان ناشناخته است، تأیید می شود. هنرمند به خودی خود و خارج از هر عقیده جانبی با ماهیت مذهبی و در درجه اول به عنوان یک شخص خاص به شخصی علاقه دارد. پرتره‌های دورر همیشه کاملاً فردی هستند. دورر آن ویژگی منحصر به فرد، خصوصی و خصوصی را که در شخصیت هر انسانی نهفته است در آنها به تصویر می کشد. لحظه‌های ارزیابی تعمیم‌دهنده تنها در تنش خاص، عصبی بودن، بی‌قراری درونی شناخته شده - یعنی ویژگی‌هایی که وضعیت را منعکس می‌کنند، به دست می‌آیند. فرد متفکردر آلمان در آن زمان سخت، پر از تراژدی و جستجوهای نابسامان.

در حدود سال 1496، اولین اثر برجسته تصویری دورر در یک موضوع مذهبی ایجاد شد - به اصطلاح محراب درسدن، که قسمت میانی آن را صحنه پرستش مریم کودک مسیح اشغال کرده است، و در بال های کناری آن چهره های مقدس آنتونی و سباستین. همه همان ویژگی ها را می توان در اینجا ذکر کرد: برخی از بقایای سبک قرن 15، که در بی نظمی چشم انداز، در خطوط تیز و نوک تیز بیان می شود، زشتی عمدی کودک، و در عین حال - افزایش توجه به تصویر یک فرد متفکر زنده با چهره فردی مشخص.

این اولین نقاشی‌های دورر با استحکام شناخته شده شیوه تصویری متمایز می‌شوند. آنها با طراحی گرافیکی، کسری، زنگ های محلی روشن و سرد، به وضوح از یکدیگر جدا شده اند، شیوه ای تا حدودی خشک از نوشتن دقیق و هموار.

1500 نقطه عطفی در کار دورر است. پرشور جویای حقیقتاز اولین گام‌های خلاقانه در هنر، او اکنون به نیاز به یافتن قوانینی می‌رسد که بر اساس آن تأثیرات از طبیعت باید به تصاویر هنری تبدیل شود. دلیل بیرونی تحقیقاتی که او شروع کرد، ملاقاتی بود که در همین زمان برگزار شد و تأثیری غیرقابل مقاومت بر او گذاشت. هنرمند ایتالیایی Jacopo de Barbari که تصویری علمی از بدن انسان به او نشان داد. دورر با حرص و طمع اطلاعاتی را که به او ارسال شده است، بدست می آورد. رمز و راز ایده آل کلاسیک شخصیت انسانی او را از آن لحظه به بعد آزار می دهد. او سالها را به تسلط بر آن اختصاص داد و متعاقباً نتایج را در سه کتاب معروف "کتابهای نسبتها" خلاصه کرد که بیش از ده سال از سال 1515 روی جمع آوری آنها کار کرد.

اولین تجسم فیگوراتیو این جست و جوها، سلف پرتره معروف 1500 (مونیخ، پیناکوتک) است که یکی از شاخص ترین آثار این هنرمند است که نشان دهنده بلوغ خلاقانه کامل اوست. این شامل هیچ ویژگی، جزئیات موقعیت، هیچ چیز ثانویه ای نیست که توجه بیننده را از تصویر یک شخص منحرف کند. بزرگترین صداقت خلاقانه دورر و صداقتی که هرگز به او خیانت نمی کند، باعث می شود تا حسی از اضطراب و اضطراب را به این تصویر اضافه کند. چین و چروک خفیف بین ابروها، تمرکز و جدیت برجسته بیان، حس غم و اندوه ظریفی را به چهره می بخشد. بی‌قرار، پویایی کامل موهای فرفری کسری که صورت را قاب می‌کنند، هستند. انگشتان نازک رسا به نظر می رسد که عصبی حرکت می کنند و از طریق خز یقه مرتب می شوند.

جست و جوی دورر به شکل مطالعات تجربی است. بین 1500 و 1504. او تعدادی نقاشی از یک انسان برهنه کشید که نمونه اولیه آن بود بناهای عتیقه. هدف از این نقاشی ها یافتن نسبت های ایده آل بدن مرد و زن است. تجسم هنری نتایج تحقیقات دورر، حکاکی مسی «آدم و حوا» در سال 1504 است که در آن فیگورهای نقاشی‌های استودیو مستقیماً منتقل شده‌اند. آنها فقط در یک جنگل پری قرار می گیرند و توسط حیوانات احاطه شده اند. در این زمان، دورر به طور گسترده ای شناخته شد. او به دایره دانشمندان اومانیست آلمانی - دبلیو پیرکیمر و دیگران نزدیک می شود. مطالعات علمی او با قدرت کامل در حال گسترش است. دورر نیز مانند لئوناردو داوینچی به موضوعات مختلف علمی علاقه مند بود. او از دوران جوانی و در طول زندگی به مطالعه گیاهان و حیوانات روی آورد (تعدادی از نقاشی های شگفت انگیز او با تصاویری از گیاهان، گل ها و حیوانات مختلف حفظ شده است)، همچنین به تحصیل در زمینه ساختمان و استحکامات پرداخت.

حدود 1500 دورر چندین کار سفارشی به یاد ماندنی را تکمیل کرد. محراب پائومگارتنر، مرثیه مسیح (هر دو در پیناکوتک مونیخ)، ستایش مغان (1504؛ فلورانس، اوفیزی) اولین ترکیبات مذهبی صرفاً رنسانس در هنر آلمان هستند. همانطور که در تمام آثار دورر، در این نقاشی‌ها نیز علاقه هنرمند به یک انسان زنده، به وضعیت روحی او، با تمام وجود بیان می‌شود. پر از زندگی و پس زمینه منظره. در همان سال‌ها، دورر کار بر روی سه سری بزرگ از نقش‌های چوبی (اصطلاحاً احساسات «کوچک» و «بزرگ» مسیح و مجموعه‌ای از صحنه‌هایی از زندگی مریم) را آغاز کرد که خیلی بعد توسط او تکمیل شد. هر سه سری در سال 1511 در قالب کتاب با متن چاپی منتشر شد.

تا 1506-1507 اشاره به سفر دوم دورر به ونیز دارد. پس از گذراندن مسیر قابل توجهی از تحقیقات خلاقانه، یک هنرمند بالغ اکنون می تواند آگاهانه تر تأثیرات هنر رنسانس ایتالیا را درک کند. آثاری که دورر بلافاصله پس از این سفر خلق کرد، تنها آثار استاد است که در تکنیک های تصویری خود به مدل های کلاسیک ایتالیایی نزدیک است. این دو نقاشی پر از صلح و هماهنگی در موضوعات مذهبی است - "جشن تسبیح" (1506؛ پراگ) و "مدونا با یک چیژیک" (1506؛ برلین)، "پرتره یک زن ونیزی" (1506؛ برلین) و «آدم و حوا» (1507؛ پرادو). از چیزهای بعدی، مدونا و کودک (1512؛ وین) همان ویژگی ها را حفظ می کند. همه این نقاشی‌ها ذاتی هستند، اساساً با دورر بیگانه هستند، آرامش فیگوراتیو، تعادل ساختارهای ترکیبی، صافی خطوط گرد، صافی پردازش پلاستیکی فرم‌ها. مادرید "آدم و حوا" به ویژه در این معنا مشخص است. از این تصاویر، هر گونه زاویه و عصبی بودن چهره های معمولی دورر محو شد. هیچ چیز فردی و منحصر به فرد در آنها وجود ندارد. این تصاویر کاملموجودات زیبای انسانی که بر اساس اصول قانون کلاسیک ساخته شده اند و در مورد عالی ترین زیبایی انسانی، بر اساس هماهنگی اصول جسمانی و معنوی صحبت می کنند. حرکات آنها با محدودیت و لطف متمایز می شود، حالات چهره آنها رویایی است.

این سبک در آثار بعدی دورر غالب نمی شود. این هنرمند به زودی به تصاویر واضح و روشن فردی، آغشته به درام و تنش درونی بازمی گردد. با این حال، در حال حاضر خواص یک کیفیت جدید است. پس از تمام تحقیقات نظری انجام شده توسط دورر، پس از تأثیرات یادبودهای رنسانس ایتالیایی که عمیقاً در آثار خود تجربه و پردازش شد، رئالیسم او به سطح جدید و بالاتری ارتقا می یابد. نقاشی‌ها و حکاکی‌های بالغ و متأخر از دورر، ویژگی‌های تعمیم و یادبودی بزرگی را به دست می‌آورند. در آنها، ارتباط با هنر گوتیک متاخر به طور قابل توجهی تضعیف شده و یک اصل واقعاً انسان گرایانه، که تفسیری عمیقاً فلسفی دریافت کرده است، تقویت می شود.

در 1513-1514 دورر آثار متعددی خلق کرد که اوج کار او را نشان می‌دهند. اول از همه، اینها سه حکاکی روی مس هستند، سوارکار معروف، مرگ و شیطان (1513)، St. جروم» (1514) و «مالیخولیا» (1514). ورق کوچکی از حکاکی سه پایه در این آثار به عنوان یک اثر هنری بزرگ به یادگار تلقی می شود. طرح این سه حکاکی به هم پیوسته نیست، اما آنها یک زنجیره تصویری واحد را تشکیل می دهند، زیرا موضوع آنها یکسان است. همه آنها تصویر ذهن انسان را مجسم می کنند، هر کدام به روشی کمی متفاوت.

ورق اول - "سوار، مرگ و شیطان" - بر شروع ارادی در یک فرد تأکید می کند. سوار زنجیر و کلاه ایمنی، مسلح به شمشیر و نیزه، سواری نیرومند و آرام سوار بر اسبی قدرتمند می‌رود، بدون توجه به شیطان زشتی که می‌خواهد اسبش را نگه دارد، تا مرگی وحشتناک که به او نمادی از زمان - ساعت شنی، به چیزی که زیر پای اسب روی زمین است جمجمه انسان قرار دارد. راه رفتن اسب غیرقابل توقف و مطمئن است، چهره فرد سرشار از اراده و تمرکز درونی است.

"سنت جروم» تصویری از یک اندیشه روشن انسانی را تجسم می بخشد. در اتاقی که با دقت فضای یک خانه آلمانی قرن شانزدهمی را بازتولید می کند، پیرمردی با سر احاطه شده توسط هاله ای نور پشت میز نشسته است. پرتوهای خورشید از پنجره به داخل می‌آیند و اتاق را با نور نقره‌ای رنگ پر می‌کنند. سکوت بی دریغ حاکم است. یک شیر رام شده و یک سگ روی زمین چرت می زنند.

چشمگیرترین تصویر در حکاکی سوم ایجاد شده است - معروف "مالیخولیا".

در این برگه، اصل نمادین به شدت خودنمایی می کند و باعث ایجاد تفاسیر گسترده ای توسط دانشمندان چندین نسل می شود. در حال حاضر، نمی توان دقیقاً گفت که دورر چه معنایی را برای تمام اشیاء ارائه شده در اینجا آورده است، اوصاف علم و کیمیاگری قرون وسطی، که به معنی چند وجهی و کره، ترازو و زنگ، تراشه و شمشیر دندانه دار، ساعت شنی است. ، سگ خوابیده، اعداد روی تخته، نوشتن با آمور سربی. چگونه این هنرمند تصویر سیاره زحل را، سنتی برای تمثیل مالیخولیا تفسیر کرد. اما تصویر یک زن قدرتمند - یک نابغه بالدار، غوطه ور در مراقبه عمیق، بسیار مهم است، آنقدر با احساس قدرت بی حد و حصر روح انسانی آغشته شده است که همه این جزئیات به پس زمینه و اصل انسان گرایانه منتقل می شود. به منصه ظهور می رسد. مشخصه که آرامش بیرونی این تصویر آرامش درونی را پشت آن پنهان نمی کند. نگاه متمرکز مالیخولیا، بیانگر حالت مراقبه سنگین، ریتم بی قرار چین های لباس هایش، دنیای ویژگی های خارق العاده ای که او را از همه طرف احاطه کرده است - همه اینها بسیار معمولی از زیبایی شناسی رنسانس آلمان است.

این ها تعمیم می دهند تصاویر فلسفیحاصل سالها تأمل این هنرمند بوده و گواه عمیق ترین شناخت او از انسان و زندگی است. فعالیت های دورر در این مدت سال های بالغهمچنان بسیار متنوع است. او پرتره های زیادی را در نقاشی، حکاکی و طراحی انجام می دهد، دائماً انواع عامیانه را ترسیم می کند. مجموعه ای کامل از تصاویر دهقانان از او باقی مانده است که بیشتر آنها به طور خاص به این سال ها اشاره دارد (حکاکی های مس - "دهقانان رقصنده" ، 1514؛ "پایپر" ، 1514؛ "در بازار" ، 1519). در عین حال به هنر تزئینی و گرافیک کتاب، در حکاکی به سفارش امپراتور ماکسیمیلیان طاق پیروزی باشکوه (1515) را به تصویر می کشد و کتاب دعای خود را با نقاشی هایی روی حاشیه تزئین می کند (1513).

در 1520-1521 دورر به هلند سفر کرد. با قضاوت بر اساس دفتر خاطرات آموزنده این هنرمند، که از این سفر حفظ شده است، او با نقاشان هلندی ملاقات کرد و با علاقه زیادی به هنر هلندی نگاه کرد. با این حال، کار دورر در سال‌های بعدی تأثیر هنر هلندی را منعکس نمی‌کند. در این زمان سبک خود او به اوج پیشرفت خود رسید و به عنوان یک هنرمند راه اصلی خود را ادامه داد.

دورر در تعدادی از پرتره‌های قابل توجه که در طی سال‌های 1510-1520 ساخته شده است، مطالعه طولانی‌مدت شخصیت انسان را خلاصه می‌کند. پس از تمام جست و جو برای زیبایی کلاسیک و تلاش برای ایجاد هنجارهای ایده آل، او همچنان مورد توجه شخصی قرار می گیرد که در آن زمان در آلمان بود، در درجه اول نماینده روشنفکران آلمانی - بی قرار، مضطرب، درونی متناقض، پر از قدرت انرژی اراده و قدرت معنوی او معلم خود ولگموت را می نویسد - پیرمردی ضعیف با بینی قلابدار و صورت پوشیده از پوست پوست (1516؛ نورنبرگ)، امپراتور ماکسیمیلیان شاهزاده و مغرور (1519؛ وین)، روشنفکر جوان آن زمان، برنهارد فون رستن (1521) درسدن)؛ شخصیت هولزگوئر (1526؛ برلین) را با استادی به تصویر می کشد.

شباهت فردی به وضوح مشخص در همه این پرتره ها همیشه با یک ایده بلند از یک شخص ترکیب می شود که در اهمیت اخلاقی خاصی بیان می شود و مهر تفکر عمیقی که بر هر چهره نهفته است. کوچکترین سایه ای از تقوا در آنها وجود ندارد، مشخصه تصاویر پرتره قرن پانزدهم. اینها پرتره های صرفاً سکولار رنسانس هستند که در آن ها فردیت منحصر به فرد یک فرد در مقام اول قرار دارد و عقل به عنوان یک اصل جهانی متحد کننده عمل می کند. در تمام تکنیک هایی که این پرتره ها ساخته می شوند، دورر اکنون به همان کمال کار می کند. در نقاشی، او به نرمی و هماهنگی زیادی از ترکیب های رنگارنگ، در حکاکی - ظرافت و لطافت شگفت انگیز بافت، در طراحی - لاکونیسم و ​​دقت دقیق خط دست می یابد.

تمام جست‌وجوی‌های طولانی‌مدت دورر در «چهار حواری» شگفت‌انگیز (1526؛ مونیخ، پیناکوتک) تکمیل می‌شود. هنرمند در اینجا ترکیبی بین یک اصل فلسفی تعمیم دهنده در ارزیابی انسانیت و ویژگی های خاص یک شخصیت فردی یافت. دورر در خلق «حواریون» از تصاویر بهترین افراد عصر خود الهام گرفت که نشان دهنده نوع مبارز انسانی در آن سال های انقلابی بودند. کافی است به چهره خسته و متمرکز پیرمرد با پیشانی سقراط - پیتر رسول، یا نگاه پولس رسول که در آتش درونی سرکش می سوزد نگاه کنید تا فردیت های درخشان انسان های زنده را احساس کنید. این حکیمان با شکوه و در عین حال، هر چهار تصویر آغشته به یک اصل اخلاقی عالی است که برای دورر مهمترین آن است - قدرت ذهن انسان.

آثار دورر جانشینان مستقیمی نداشت، اما تأثیر او بر هنر آلمان بسیار زیاد و تعیین کننده بود. دورر کارگاه بزرگی با دانشجویان زیادی نداشت. شاگردان واقعی او ناشناخته هستند. احتمالاً سه هنرمند نورنبرگ عمدتاً با او مرتبط هستند - برادران هانس سبالد (1500-1550) و بارتل (1502-1540) وهام و گئورگ لنز (حدود 1500-1550) که عمدتاً به عنوان استادان حکاکی های کوچک شناخته می شوند. -به نام kleinmeisters؛ آنها همچنین به عنوان نقاش کار می کردند). حکاکی های مسی با مهارت بالای آنها ماهیت کاملاً سکولار دارد و گواه تأثیر شدید حکاکی ایتالیایی است.

پیچیدگی دوران، که موجب تضادها و افراط در زمینه فرهنگ و هنر شد، شاید به شدت بر آثار ماتیاس گرونوالد (متوفی 1528) معاصر دورر، استاد برجسته و یکی از بزرگترین نقاشان آلمان تأثیر می گذارد. در نگاه اول، ممکن است به نظر برسد که هنر گرونوالد، در محتوای ایدئولوژیک، و همچنین در کیفیت هنری آن، خارج از مسیر اصلی توسعه رنسانس اروپا قرار دارد.

با این حال، در واقعیت این مورد نیست. این برداشت به این دلیل است که روش خلاقانه گرونوالد به شدت با سبک معاصر او متفاوت است. هنر ایتالیاییو از تمایلات کلاسیکی که در تعدادی از آثار دورر احساس می شود. اما در عین حال، آثار خلق شده توسط گرونوالد را باید به عنوان مشخصه ترین و شاید اصیل ترین پدیده ملی رنسانس آلمان ارزیابی کرد.

گرونوالد با نیرویی کمتر از دورر تلاش می کند تا مشکلات اصلی زمان خود را حل کند و بالاتر از همه، قدرت انسان و طبیعت را به وسیله هنر تجلیل کند. اما او راه دیگر را می رود. ویژگی بارز هنر او پیوند خونی جدایی ناپذیر با گذشته معنوی مردم آلمان و با روانشناسی انسان مدرن از ته است. به همین دلیل است که گرونوالد به دنبال پاسخی به سؤالات موضوعی منحصراً در حوزه تصاویر مذهبی است که از ابتدا برای مردم آشنا و قابل درک است، که او آن را نه بر اساس کلیسای ارتدکس (کاتولیک قدیم یا پروتستان جدید)، بلکه با روح عرفانی تفسیر می کند. بدعت هایی که از عمق اپوزیسیون مردمی بیرون آمدند.

نقاشی‌های گرونوالد بر اساس افسانه‌های انجیل حاوی ایده‌ها و احساساتی است که عمیقاً با آنچه مردم عادی آلمان در آن روزهای طوفانی زندگی می‌کردند، هماهنگ است. حتی یک هنرمند آلمانی نتوانست وضعیت متناقض اضطراب، تنش، وحشت، شادی و شادی را با چنان قدرت شگفت انگیزی که گرونوالد در آثارش بیان می کرد، بیان کند.

برای مدت طولانی هیچ چیز در مورد گرونوالد به علم تاریخ هنر شناخته نشده بود. نام او هنوز مشروط است. اخیراً دانشمندان تعدادی اسناد پیدا کرده اند که در آنها به استاد ماتیاس اشاره شده است که ظاهراً پوشیده است. نام خانوادگی دوتایی Gotthardt-Neithardt (احتمالاً نام Gotthardt نام مستعار هنرمند بوده و Neithart نام واقعی او بوده است). اگر بپذیریم که همه این ارجاعات اندک بایگانی به یک هنرمند اشاره دارد، پس باید استادی را در او بشناسیم که در Aschaffenburg، Seligenstadt (در ماین)، فرانکفورت آمم ماین کار کرده و در هاله، نقاش سابق دربار، درگذشته است. اسقف اعظم ماینس آلبرشت. جالب ترین نشانه به این واقعیت مربوط می شود که گرونوالد با آن ارتباط داشت قیام های دهقانیو به دلیل همدردی با جنبش انقلابی در سال 1526 از خدمت برکنار شد.

طیف آثار این هنرمند بسیار واضح تر مشخص شده است. فردیت خلاقانه او به قدری منحصر به فرد و شیوه تصویری او چنان واضح است که آثار متعلق به قلموی او نسبتاً آسان است. اثر اصلی گرونوالد محراب معروف ایزنهایم (تکمیل شده در حدود 1516) است که در حال حاضر در کولمار قرار دارد. این یک ساختمان عظیم است که از نه ترکیب تصویری و یک مجسمه چوبی رنگی تشکیل شده است (که در سال 1505 توسط مجسمه ساز استراسبورگی نیکولاس هاگناور اجرا شد).

بخش مرکزی محراب ایزنهایم صحنه گلگوتا است. هنرمند تمام قدرت خلق و خوی خود را در این تصویر قرار داده و سعی می کند با نهایت فعالیت بر بیننده تأثیر بگذارد و تخیل او را متزلزل کند. چهره مسیح مصلوب شده توسط عذاب مرگ تحریف شده است. انگشتان دست و پا گرفتگی دارند، تمام بدن با زخم های خونریزی پوشیده شده است. چهره های مادر خدا، یوحنای رسول و مریم مجدلیه بیانگر رنج روانی دیوانه وار است که در حرکات والای دردناک آنها آشکار می شود. ابزار اصلی تجسم ایده موضوعی برای هنرمند، قدرت تصویری قدرتمند ذاتی اوست. در پشت صحنه مصلوب شدن، منظره ای تاریک و متروک در شب باز می شود. در پس زمینه آن، چهره ها به طور برجسته ظاهر می شوند، گویی از تصویر بیرون زده اند. جریانی از خون از بالا به پایین از بدن مسیح می گذرد که نوعی پژواک آن سایه های متعدد قرمز در لباس پیکرهای ایستاده است. از بدن مصلوب، نور مرموز غیر واقعی در سراسر تصویر پخش می شود.

ایده محراب ایزنهایم به دلیل عمق استثنایی آن قابل توجه است. خود تصویر رنج انسان تا سطح ایده های فلسفی تعمیم یافته ارتقا می یابد. به نظر می رسد بیان غم و اندوه همه نوع بشر، به عنوان نمادی از رنج سراسری. قدرت چشمگیر این اثر گرونوالد با این واقعیت افزایش می یابد که در کنار قدرت احساسات انسانی، نیروی عنصری طبیعت را در خود جای داده است که در هر یک از صحنه های ارائه شده توسط هنرمند نفوذ می کند.

با نیروی کمتری که در صحنه های محراب ایزنهایم بیان شده است، ایده پیروزی نور بر تاریکی، احساس شادی شادی آور است. این امر به ویژه در ترکیب بندی که در آن آپوتئوز مادر خدا ارائه می شود، واضح است. آبشاری از پرتوهای طلایی از آسمان بر روی پیکره مریم همراه با نوزاد می‌افتد. فرشتگان در حال آواز خواندن و نواختن آلات موسیقی آنها را با آهنگ شادی ستایش می کنند. رنگ‌های رنگین کمانی بر روی ستون‌های طرح‌دار و حکاکی‌های عجیب و غریب ساختمان برازنده کلیسای کوچک، که مادر خدا در مقابل آن نشسته، می‌درخشد. در سمت راست، منظره افسانه ای روشن باز می شود.

از منظری زیبا، صحنه «رستاخیز مسیح» چشمگیر است. یک شروع روشن نیز در آن پیروز می شود. در اینجا گرونوالد به یک جلوه زیبای خاص دست می یابد. به نظر می رسد که بدن مسیح بی مادی می شود و در پرتوهای نوری که از خودش می جوشد حل می شود. هاله گلدار اطراف پیکره که از رنگ های زرد، قرمز و سبز تشکیل شده است، آبی تیره شب را به طرز نافذی می شکند، گویی بر آن پیروز می شود.

آرام‌ترین و متعادل‌ترین اثر گرونوالد که مربوط به اواخر دوره‌ی کار او است، «ملاقات سنت. اراسموس و موریس» (1521-1523؛ مونیخ). گرونوالد با اجازه دادن به برخی قراردادهای سنتی، مانند هاله های طلایی در اطراف سر مقدسین یا صفت شهادت در دستان اراسموس، همزمان در این تصویر صحنه ای از زندگی ملاقات دو فرد مجلل با لباس های مجلل با چهره های فردی و رسا را ​​به تصویر می کشد. . در تصویر یک اسقف باشکوه که لباسی براق طلایی درخشان به تن دارد، او ظاهر حامی خود، اسقف اعظم آلبرشت را مجسم می کند. چهره یک سیاه پوست نیز از طبیعت پاک شده است.

از دیگر آثار گرونوالد، تاژک زدن مسیح مورخ 1503 (مونیخ)، مصلوب شدن (بازل)، سنت سنت. سیریاک و سنت. لارنس» (فرانکفورت آم مین)، «مدونا» (1517/19، کلیسای استوپاخ). تعدادی از تسلط درجه یک در نقاشی های او حفظ شده است که عمدتاً هستند مواد آماده سازیبرای نقاشی ها، و همچنین طرح هایی از سرها و شکل های فردی.

یک دوره خاص از رنسانس آلمان، که با تلفظ مشخص می شود هویت ملی، کار استادان مکتب موسوم به دانوب به رهبری آلتدوفر را تشکیل می دهد. در هنر این هنرمندان، نقش بی ثباتی هنر آلمانی است فرهنگ شانزدهمقرن، عمدتاً در بقایای گذشته زندگی می‌کنند و دیدگاه‌های جدید و منطقی واقع‌گرایانه از جهان را با ایده‌های مغشوش غیرمنطقی ترکیب می‌کنند.

آلبرشت آلتدوفر (حدود 1480-1538) فعال در رگنسبورگ از نخستین سال های زندگی هنری او هیچ اثری برجای نمانده است. او در دوران بلوغ خود به عنوان یک استاد با سبک خلاقانه روشن و بدیع عمل کرد. سادگی ساده‌لوحانه احساسات و روابط انسانی بدون رنگ و لعاب، که سایه‌ای از متانت بورگر را به همراه دارد، در آثار او با حسی از عاشقانه‌ها و شعرهای عجیب همراه است. داستان عامیانه. بهترین تصاویر از Altdorfer آنهایی هستند که بیشترین فضا به مناظر اختصاص داده شده است.

در تعدادی از نقاشی‌ها، هنرمند صحنه‌هایی از محتوای اسطوره‌ای یا کتاب مقدس را در پس زمینه‌ای از طبیعت افسانه‌ای باز می‌کند، داستان‌های کوتاه کوچک را شبیه‌سازی می‌کند و آنها را با صدها جزئیات روزمره یا خارق‌العاده پر می‌کند. او ترکیبات فضایی پیچیده ای می سازد،

که در آن به طرز ماهرانه ای جلوه های نوری را اعمال می کند. آثار آلتدوفر با سبک خاص تصویری ذاتی خود به راحتی قابل تشخیص هستند. استاد با یک برس نازک کار می کند و ضربات تیز عصبی را اعمال می کند. بافت نقاشی او، تا حدودی خشک و رنگارنگ، با نقاط سبز، قرمز، زرد و آبی می درخشد.

ویژگی های اصلی کار آلتدوفر قبلاً در یکی از اولین آثار او که به ما رسیده است کاملاً آشکار شده است - "در پرواز به مصر استراحت کنید" (1510؛ برلین). یک موتیف ژانر ساده در فضای عجیب یک داستان عامیانه بافته شده است. صحنه شب نقاشی آلتدورفر «میلاد مسیح» (1512؛ برلین) حسی از شعر رمانتیک دارد. نورپردازی شب به طرز ماهرانه ای رندر شده است. ویرانه‌های یک ساختمان آجری، پر از گل‌ها و گیاهان، جایی که مریم با نوزاد و یوسف سرپناهی پیدا کردند، با انعکاس‌های زرد رنگ مهتاب روشن شده‌اند. میزبانان درخشان فرشتگان در آسمان تاریک حلقه می زنند. در حمام سوزانا (1526؛ مونیخ)، آلتدوفر یک ساختمان-کاخ خارق العاده چند طبقه برپا می کند، که از آن پله ها به تراس های احاطه شده توسط نرده ها، پر از ده ها مجسمه کوچک فرود می آیند. در پیش زمینه، زیر سایه درختی باشکوه، قهرمانان افسانه کتاب مقدس هستند. تغییر دیگری در موضوع کریسمس توسط شب مقدس (برلین) (ill. 343) ارائه شده است.

نوعی اثر منحصر به فرد هنر آلمانی قرن شانزدهم. می توان نقاشی آلتدوفر "نبرد اسکندر مقدونی با داریوش" (1529؛ مونیخ) را در نظر گرفت که در طراحی آن چیزی شبیه به منظره کیهانی را نشان می دهد. کل پیش زمینه تصویر توسط انبوهی از نیروهای رزمی پر از حرکت، سواران با بنرها و نیزه ها اشغال شده است. در پشت آنها، منظره ای بی حد و حصر باز می شود که در آن به نظر می رسد هنرمند تلاش می کند تا تصویر کل جهان را مجسم کند. افق بلند به شما این امکان را می دهد که فواصل بی حد و حصر را با دریاها و رودخانه ها، کوه ها، جنگل ها و ساختمان ها ببینید. آسمان پر از پرتوهای نور است که خطوط عجیب و غریب ابرها را روشن می کند و نقاط روشنی را روی زمین پرتاب می کند و به شدت برجسته می شود. قطعات جداگانهمنظره و چهره های انسانی

مناظر جنگلی Altdorfer کاملاً نوآورانه است. این تابلوهای کوچک که با تکنیک تقریبا مینیاتوری ساخته شده اند، جذابیت خاصی دارند. در نقاشی "St. جورج در جنگل" (1510؛ مونیخ)، هنرمند جنگل انبوه افسانه ای را با درختان غول پیکر که تمام فضای آسمان را پوشانده است، به تصویر می کشد. مجسمه کوچک سنت. جورج سوار بر اسب کاملاً در جنگل قدیمی که به سمت او پیشروی می کند جذب شده است. در شکاف باریک بین تنه ها، فاصله آبی تیره قابل مشاهده است. انبوه جنگل با رنگ های سبز، آبی و قرمز می درخشد. هر برگ با دقت و استادانه ترسیم شده است.

آلتدوفر به طور گسترده و سازنده در زمینه حکاکی کار کرد و حکاکی روی چوب و مس انجام داد. حکاکی های چند رنگ او که از چندین تخته چاپ شده است (مثلاً "مدونا") جالب توجه است. که در سالهای بعداو با موفقیت به تکنیک اچ متوسل شد. مناظر حکاکی او با سبکی و لطافت بافت متمایز می شوند.

لوکاس کراناخ، بزرگترین نقاش ساکسونی، با برخی از جنبه های کار خود، و در درجه اول با علاقه شدید به طبیعت، به آلدورفر نزدیک می شود. کراناخ (1472-1553) در کروناخ در فرانکونیا به دنیا آمد. در مورد سالهای اولیه زندگی این هنرمند، ما فقط می دانیم که در 1500-1504. او در وین بود. در سال 1504، کراناچ به ویتنبرگ به دربار فردریک حکیم انتخاب کننده ساکسون دعوت شد و سپس تا پایان عمر در دربار جانشینان خود کار کرد. در ویتنبرگ، کراناچ موقعیت یک بورگر ثروتمند برجسته را اشغال کرد، بارها و بارها مدیر شهر بود، در راس یک کارگاه گسترده بود که تعداد زیادی اثر تولید کرد، در نتیجه در حال حاضر همیشه نمی توان مجرد کرد. بیرون نقاشی های معتبرخود هنرمند

کراناخ با لوتر روابط دوستانه داشت و چندین اثر او را به تصویر کشید. آثار جوانی هنرمند حفظ نشده است. در اولین آثاری که به ما رسیده است، عمدتاً در حکاکی ها، می توان نشانه هایی از ارتباط کراناخ با سنت های گوتیک متأخر را مشاهده کرد (نقش های چوبی 1502-1509 - "صلیبیون"؛ "قدیس جروم"، "وسوسه سنت" . آنتونی")، هنوز ساختار پرسپکتیو درستی ندارند، مملو از جزئیات هستند، عناصر فانتزی در تصاویر وجود دارد. به نظر می رسد که خود نقاشی از خطوط پیچ در پیچ پیچیده تشکیل شده است.

با این حال، در حال حاضر در این آثار، فردیت هنری کراناخ به عنوان یکی از نمایندگان مشخصه رنسانس آلمان در دوره دورر مشخص شده است. آثار او، با وجود فراوانی طرح‌های مذهبی و افسانه‌ای، آغشته به حس مدرنیته است. این هنرمند در طول زندگی حرفه ای خود علاقه شدیدی به مرد عصر خود نشان می دهد: او به ویژه جذب ژانر پرتره است، او به شیوه زندگی طبقات مختلف علاقه مند است، او توجه ویژه ای به لباس و جزئیات روزمره دارد. ما در کراناخ مضامین و طرح‌هایی را می‌یابیم که توسط ایده‌های اومانیست‌های معاصر ایجاد شده‌اند.

توجه به طبیعت ویژگی استاد است، از اولین کارهایی که به ما رسیده است. نقش تعیین کننده را منظره در نقاشی معروف او در برلین "استراحت در پرواز به مصر"، 1504 ایفا می کند. در اینجا با واضح ترین تصویر کراناخ از طبیعت بومی اش آشنا می شویم. جنگل شمالی واقعاً به تصویر کشیده شده است، که از نزدیک مریم را به همراه نوزاد و یوسف، که در یک چمنزار گلدار قرار دارند، احاطه کرده است. مانند Altdorfer، Cranach با عشق تمام جزئیات منظره - درختان، گل ها، گیاهان را منتقل می کند. او عناصری از روایت ژانر را در تفسیر افسانه انجیل وارد می کند و محتوای مذهبی را به پس زمینه می برد. او همچنین از روش‌های سنتی تفسیر هنری طرح کلیسا در مصلوب شدن 1503 (مونیخ) دور می‌شود.

نقش‌های چوبی ایجاد شده توسط کراناخ که صحنه‌هایی از زندگی جامعه دربار ویتنبرگ را بازتولید می‌کنند بسیار سرگرم‌کننده هستند (تعدادی برگه از سال‌های 1506 تا 1509 که مسابقات قهرمانی، شکار آهو، سوارکاران و غیره را به تصویر می‌کشد). نقوشی که این هنرمند در دربار انتخاب کنندگان ویتنبرگ مشاهده می کرد، دائماً توسط وی در ترکیب بندی های تصویری و گرافیکی با موضوعات مذهبی و اسطوره ای وارد می شد.

یکی از ویژگی های مهم کراناخ این است که او به آن ها تعلق دارد هنرمندان آلمانیقرن شانزدهم، که به دستاوردهای معاصر علاقه نشان داد هنر کلاسیکایتالیا کراناخ در تعدادی از آثار خود به روش های کلاسیک انتقال فضا و تفسیر چهره انسان اشاره می کند. او تصاویری از مدونا می‌سازد، شبیه به مدل‌های ایتالیایی ("مریم با کودک"، وروتسواف)، عناصر معماری رنسانس را در ترکیب‌بندی‌های فیگور معرفی می‌کند ("محراب از

St. آنا، فرانکفورت)، تلاش می کند. نسبت های ایده آلبدن برهنه ("زهره"، 1509؛ لنینگراد). با این حال، نگرش کراناخ به نمونه‌های هنر کلاسیکی که استفاده می‌کند به اندازه نگرش دورر خلاقانه نیست. در نقاشی هایی از این دست، او معمولاً از تکرار تا حدی ساده لوحانه دستور العمل های آماده فراتر نمی رود. اما بهترین آثار کراناچ ویژگی‌هایی از ظرافت عجیبی دارند. ریتم آرام خطوط گرد نرم گاهی با حرکت نرم خود چشم را نوازش می کند. جواهر سازی جزئیات توجه بیننده را به خود جلب می کند. هنرمند یک استعداد رنگی ظریف را نشان می دهد. کراناچ با اجتناب از تضادهای رنگی تند، می‌تواند ترکیب‌های بدیع رنگ‌ها را ایجاد کند. به عنوان مثال "مدونا و کودک" مسکو، که در آن سبز تیره و تیره بوته ها یک آکورد رنگارنگ زیبا با یک نوار سبز روشن از چشم انداز پس زمینه و با فاصله آبی ایجاد می کند.

پرتره های کراناخ که توسط استاد در اوایل و اواسط کار خود ساخته شده است بسیار جالب توجه است. آنها به وضوح ویژگی های واقع گرایانه هنر او را آشکار می کنند. از بهترین آنها می توان به «پرتره پدر لوتر» (1530؛ وارتبورگ) اشاره کرد. در اینجا تصویری واضح از مردی با چهره ای رسا مشخص است. بالاترین دستاورد هنر پرتره کراناخ، تصویر نمایه لوتر (1520-1521، حکاکی روی مس) است. این در دوره ای ساخته شد که کراناچ به رئیس اصلاحات نزدیک بود. هنرمند در او چنان تصویر ساده و جدی از یک شخص خلق می کند که دیگر در هنر او یافت نمی شود.

اما در حال حاضر از دهه دوم قرن شانزدهم. گرایش های دیگر در کار استاد در حال رشد است.

در تعدادی از نقاشی های او با موضوعات مذهبی 1515-1530، و همچنین در پرتره ها، می توان به تمایل به پیروی از استنسیل شناخته شده چهره انسان - برازنده، زیبا و مشروط اشاره کرد. در سال‌های ارتجاع فزاینده، که مصادف با بیست سال آخر زندگی کراناخ است، این خط در آثار او غالب است. روش های تزئینی تصویرسازی به منصه ظهور می رسد، نقاشی کوچک و خشک می شود.

یکی از استادان بزرگ رنسانس آلمان، هانس هولبین جوان (1497-1543)، در دوره اولیه فعالیت خلاقانه خود با آگسبورگ همراه است.

هولبین هنرمندی با نوع و خلق و خوی کاملاً متفاوت از دورر است. به عنوان مردی از نسل بعدی، پسر و شاگرد یک نقاش، که تا حد زیادی به مسیر رنسانس عالی تغییر کرد، هولباین، بسیار کمتر از دورر، با سنت‌های قرون وسطی مرتبط است. او از دوران جوانی با افکار جدید و سکولار آغشته بود. نگرش کنایه آمیز نسبت به کلیسای قدیمی، علاقه به دوران باستان، عشق به دانش و کتاب، اولین قدم های خلاقانه او را مشخص می کند. هلبین هفده و هجده ساله به همراه برادرش آمبروسیوس که زود درگذشت، آنجا را ترک کردند. زادگاهو به بازل نقل مکان کرد. در اینجا او بلافاصله خود را در حلقه نزدیک اراسموس روتردام که در آن زمان در بازل بود، یافت. بازل در آن زمان یک شهر دانشگاهی و یک مرکز فرهنگی مهم بود. جهت هنر هولبین در اینجا خیلی سریع مشخص شد. او بلافاصله خود را به عنوان یک نقاش برجسته پرتره، به عنوان یک استاد برجسته کتاب و یک تزئین عالی نشان داد. او بسیار کمتر از سایر هنرمندان به مضامین مذهبی روی آورد، در حالی که در تفسیر صرفاً سکولار از موضوعات از آنها پیشی گرفت.

مسیر خلاقانه هولبین با وضوح و قطعیت متمایز است. قبلاً در آثار اولیه جوانی، به عنوان مثال، در پرتره های شهردار بازل مایر و همسرش در سال 1516 (بازل)، نگرش مشخصه او نسبت به انسان کاملاً بیان شده است. ویژگی های هماهنگی، تعادل و آرامش درونی و بیرونی که دورر به شدت به دنبال آن بود، به آسانی و به طور طبیعی پایه و اساس تصاویر هلبین می شود.

بهترین ویژگی‌های هنر هولبین با تمام قوا در اوایل دوره بازل کار او احساس می‌شود. یک نمونه عالی از این نظر، پرتره معروف انسان‌گرای جوان بونیفایس آمرباخ (1519؛ بازل) است - یکی از بهترین تصاویر پرتره هولبین که تمام جذابیت رئالیسم قوی متعادل او را نشان می‌دهد. این اثر تصویری از یک نماینده روشنفکر جدید اروپایی را ایجاد می کند که از قدرت کلیسا بیرون آمده است، که به طور همه جانبه توسعه یافته، از نظر جسمی زیبا و از نظر روحی کامل است و توسط هاله ای از نجابت خاص احاطه شده است. پرتره بسیار خوب ترکیب شده است: یک تنه درخت و یک شاخه بلوط پشت شانه آمرباخ در برابر آسمان، سبکی خاصی به آن بخشیده است.

هالبین یکی از بزرگترین گرافیست های عصر خود بود. نقاشی های او سرشار از طراوت محو نشدنی است. به خصوص طرح های پرتره متعددی هستند که او در طول زندگی خود روی آنها کار کرده است. سال‌های اولیه شامل طراحی‌های درخشان «پرتره پاراسلسوس» (1526) و «پرتره مرد ناشناس» (حدود 1523) است که با مداد سیاه و مداد رنگی ساخته شده‌اند. با نشاط عمیق و در عین حال با ظرافت، دقت و آزادی، می توان آنها را واقعاً نوآورانه نامید.

شخصیت پیشرفته هنر هولبین با قدرت زیاد در 1516-1529. هولبین همچنین روی تزیین کتاب بسیار کار کرد و عناوین، خط‌ها، قاب‌ها، حروف اول را برای ادبیات انسان‌گرا و بعداً اصلاح‌طلب ساخت. او در آنها به عنوان دکوراتور درجه یک که زیور کلاسیک را به خوبی می شناسد و در عین حال به عنوان یک نقشه کش و مسلط به هنر به تصویر کشیدن بدن برهنه عمل می کند. هنر هولبین به عنوان دکوراتور توجه معاصرانش را به خود جلب کرد. اولین اثر سفارشی این هنرمند (1515) از این دست، نقاشی روی میز (به صورت مخروبه در موزه زوریخ نگهداری می شود) بود که بر روی سطح آن تعدادی صحنه سرگرم کننده روزمره و تصاویر تمثیلی ارائه شده است. بین 1521 و 1530 هولبین چندین نقاشی دیواری به یاد ماندنی را که به سفارش مقامات شهر بازل و تک تک ساکنان بازل و لوسرن ساخته شده بود، تکمیل کرد.

هولبین همچنین بسیاری از نقاشی‌های درجه یک با قلم و آبرنگ را برای نقاشی پنجره به جای گذاشته است که به صورت پلاستیکی، آزادانه و آسان ساخته شده‌اند و با رهایی کامل از سفتی و زاویه‌دار بودن قرون وسطی متمایز شده‌اند.

در همان سالهای بازل تعدادی نقاشی از هلبین با محتوای مذهبی به ثبت رسیده است. مدونای بورگومستر مایر شاید ایتالیایی‌ترین ترکیب مذهبی در هنر رنسانس آلمان باشد. این را با هماهنگی واضح و تا حدودی بی‌علاقه او، ساختار متقارن با یک چهره اصلی برجسته در وسط و تعداد مساوی از چهره‌ها در طرفین، انواع ایده‌آل مادر خدا و نوزاد، که به آرامی تاهای مستقیم لباس‌ها می‌ریزند، نشان می‌دهد. هماهنگی متفکرانه از ترکیبات رنگارنگ.

در سال 1526 هولبین اولین سفر خود را به انگلستان انجام داد. او مانند همه هنرمندان آلمانی آن زمان، سفرهای زیادی داشت. او ظاهراً دو بار در ایتالیا بود - در 1518-1519 و احتمالاً در 1530-1531. او از فرانسه و هلند دیدن کرد. او این بار در انگلیس دو سال ماند. پس از نزدیک شدن به توماس مور، او از این طریق به حلقه بالاترین روشنفکران انگلیسی معرفی شد. بین 1526 و 1528 او چندین اثر در لندن ساخت. از سال 1527، یک طرح قلم آماده برای یک نقاشی غیر واقعی که خانواده بزرگ توماس مور (بازل) را نشان می دهد، حفظ شده است. در همان سال، هولبین خود توماس مور را نقاشی کرد (نیویورک، موزه فریک)، در سال 1528 پرتره ای از ستاره شناس آلمانی کراتزر (پاریس) کشید.

در سال 1528 هولبین به بازل بازگشت. با این حال، قرار نبود او برای مدت طولانی در اینجا بماند. در 1528-1529 اتفاقاتی در شهر رخ داد که شیوه زندگی و شرایط کاری این هنرمند را به شدت تغییر داد. اختلافات مذهبی منجر به سرنگونی مذهب کاتولیک شد. بازل به شهر پروتستان تبدیل شد. موجی از شمایل‌بازی را فرا گرفت، آثار نقاشی و مجسمه‌سازی از کلیساها حذف و نابود شدند. هولبین تا سال 1532 در بازل ماند. در این مدت او نقاشی را به پایان رساند تالار بزرگتالار شهر بازل، پرتره‌ای از همسرش با فرزندانش کشید (1528-1529؛ بازل) و مجموعه بزرگی از تصاویر انجیل را تکمیل کرد (91 حکاکی روی چوب، منتشر شده در 1538).

در سال 1532 هلبین سرانجام به انگلستان نقل مکان کرد. یازده سال آخر زندگی خود را تقریباً به طور کامل وقف پرتره کرد. او که ابتدا خود را در حلقه آلمانی‌های مقیم لندن می‌بیند، تعدادی پرتره از بازرگانان آلمانی می‌کشد. در سال 1536، هولبین نقاش دربار پادشاه انگلیسی هنری هشتم شد. از همان زمان تا حدودی نشانه های انحطاط در هنر او نمایان شد. او که توسط هاله ای از شکوه اروپا احاطه شده است، بیش از حد تحت تأثیر موقعیت والای خود قرار می گیرد، در کار خود بیش از حد تسلیم درخواست ها و گاهی اوقات به هوی و هوس می شود. اشراف انگلیسی. پرتره های شناخته شده هولبین در پنج سال آخر عمرش: هنری هشتم (1539-1540؛ رم)، ملکه جن سیمور (1536؛ وین)، کریستینا دانمارکی (1538؛ لندن)، ادوارد پرنس ولز (1538-1539). ؛ نیویورک) هر چند که با دقت و ظرافت فراوان اجرا شده اند، در عین حال با خشکی خاصی، یکنواختی ویژگی ها و کوچک بودن در تکمیل جزئیات متمایز می شوند. با ارزش ترین چیزی که در سال های آخر زندگی هولبین خلق شد، نقاشی های پرتره اوست، حتی بی نقص تر از نقاشی های او سال های اول. غنی‌ترین مجموعه از این نقاشی‌ها که در کاخ ویندزور نگهداری می‌شود، هولباین را به عنوان یکی از بهترین طراحان دنیای هنر نشان می‌دهد.

اهمیت کار هولبین در طول زندگی این هنرمند بسیار فراتر از مرزهای میهن خود است. هنر او نقش مهمی در شکل گیری پرتره انگلیسی داشت.

مجسمه سازی آلمانی در قرن شانزدهم به سطح بالایی از پیشرفت مانند نقاشی و گرافیک نرسید. در میان مجسمه سازان این قرن هیچ هنرمندی برابر با دورر یا هولبین وجود نداشت. درست است، در مجسمه سازی، توسعه عناصر رنسانس با مقاومت غیرقابل مقایسه ای از سنت های گوتیک کلیسا نسبت به نقاشی مواجه می شود (به ویژه از آنجایی که مجسمه سازی در آن زمان عمدتاً با دستورات کلیسا مرتبط بود). مبارزات مذهبی قرن شانزدهم توسعه هنرهای پلاستیکی را بسیار پیچیده کرد. یکی از پیامدهای غیر مستقیم اصلاحات، تلاش برای تقویت مجسمه سازی سنتی کلیسای کاتولیک بود. این امر به ویژه منجر به اغراق شدید در اشکال گوتیک شد که اغلب به آثار مجسمه سازان کلیسا در قرن شانزدهم می رسید. به زشتی هیولایی

جالب ترین آثار مجسمه سازی آلمانی قرن شانزدهم. با کسانی که به هر طریقی سعی در توسعه اصول رئالیسم رنسانس در آثار خود داشتند. مراکز روندهای رنسانس در مجسمه سازی آلمانی قرن شانزدهم. همان شهرهای پیشرفته آلمان جنوبی وجود داشت که آثار بزرگترین نقاشان دوره رنسانس آلمان، دورر و هولبین، در آنها توسعه یافت. در نورنبرگ و آگسبورگ بود که بزرگترین مجسمه سازان آلمانی کار کردند. جالب ترین در میان همه این استادان پیتر فیشر بزرگ (حدود 1460-1529) است که در نورنبرگ متولد شد و تمام عمر خود را در آنجا زندگی کرد. در ریخته گری برنزی که از پدرش به ارث رسیده بود، پیتر فیشر، طبق عادت قدیمی صنفی، همراه با پسرانش کار می کرد. او در خودنگاره مجسمه‌سازی خود که در قسمت پایینی خلقت اصلی او - عبادتگاه سنت سبالد در کلیسای این قدیس در نورنبرگ (1519-1507) - قرار دارد، مانند یک صنعتگر متواضع به نظر می‌رسد.

پسران پیتر فیشر بزرگ اصول روشن و ساده واقع گرایانه هنر پدرشان را ادامه دادند و توسعه دادند، اگرچه هیچ یک از آنها از نظر مقیاس استعداد با او قابل مقایسه نبودند. تمایلات آنها هنوز متفاوت است. متعهدترین به جست و جوهای واقع گرایانه رنسانس، پیتر فیشر جوان فوق الذکر بود که روی تصویر بدن برهنه انسان (مثلاً در یک پلاک برنزی که اورفئوس و اوریدیک را به تصویر می کشید، حدود 1515) بسیار کار کرد. و همچنین پسر سوم فیشر، هانس (حدود 1488-1550)، نویسنده مجسمه برنزی از یک مرد جوان، غیر معمول برای رنسانس آلمان (حدود 1530؛ وین)، که به وضوح به مدل های ایتالیایی باز می گردد. پنجمین پسر فیشر، پل (متوفی 1531)، صاحب یکی از بزرگترین هاست مجسمه های معروفرنسانس آلمان - به اصطلاح مدونای نورنبرگ (چوب، حدود 1525-1530)، برازنده و غنایی، با حفظ برخی از ویژگی های سنتی گوتیک.

پس از فیشر بزرگ، مجسمه ساز آلمانی قرن پانزدهم، برجسته ترین. آدولف داوچر (حدود 1460/65 - 1523/24) بود که در اولم به دنیا آمد و از 1491 در آگسبورگ اقامت گزید. او بر روی نیمکت‌های گروه کر کلیسای کوچک فوگر در کلیسای St. آنا در آگسبورگ (1512-1518؛ سپس در موزه برلین). مخصوصاً به خاطر زندگی کامل و استحکام پلاستیک «جودیت با سر هولوفرنس» او جالب است. اصول رنسانس واقع گرایانه، که بدون درخشندگی فردی خاص، اما کاملاً ثابت و متمایز بیان شده است، نیز از ویژگی های او است. گروه بزرگ«مرثیه مسیح» در محراب همین نمازخانه.

استاد نورنبرگ آدام کرافت (1455/60-1509) دارای یک سری نقش برجسته است که راه صلیب (1505-1508) را به تصویر می کشد، که در آن عناصر واقع گرایانه ژانر بسیار قوی هستند. تیپ‌ها و لباس‌ها برگرفته از زندگی پیرامون هنرمند است، ارتباط بین فیگورها مبتنی بر یک کنش دراماتیک واقعی است که به‌طور طبیعی و ساده، بدون اغراق گوتیک و قراردادی بیان می‌شود. کرافت در نقش برجسته‌ای که ساختمان مقیاس شهر در نورنبرگ (1497) را تزیین می‌کند، از یک نقوش روزمره صرفاً سکولار استفاده کرده است.

در نیمه دوم قرن، گرایش های واقع گرایانه در مجسمه سازی نورنبرگ در حال نابودی بود. تصاویر عتیقه و رنسانس متعلق به دانشمندان یا درباریان می شود که تحصیلات خود را به رخ می کشند. تا اواسط قرن شانزدهم. در ارتباط با تحولات عمیق اجتماعی و اقتصادی که آلمان در آن زمان تجربه کرد، کل فرهنگ آلمان به طور کلی و هنر آلمان به طور خاص در حال سقوط است. در نیمه دوم قرن شانزدهم، پس از اینکه آخرین استادان رنسانس آلمان صحنه را ترک کردند، هنر آلمان برای سال‌ها در توسعه پیشرونده خود منجمد شد.

صفحه 1

در میان کشورهای اروپای غربی که سیستم روابط فئودالی توسعه یافته ای داشتند، در آلمان حذف پایه های قرون وسطایی پر پیچ و خم ترین و پیچیده ترین مسیر را طی کرد. از نظر اقتصادی و سیاسی، آلمان متناقض و دشوار توسعه یافت. فرهنگ معنوی او و به ویژه هنر او کمتر مورد بحث نبود.

در پایان قرون وسطی، همان فرآیندها در آلمان مانند سایر کشورهای اروپایی اتفاق افتاد: نقش شهرها افزایش یافت، تولیدات تولیدی توسعه یافت، شهرداران و بازرگانان بیشتر و بیشتر اهمیت یافتند، و سیستم صنفی قرون وسطی از هم پاشید. تغییرات مشابهی در فرهنگ و جهان بینی رخ داد: خودآگاهی شخص بیدار شد و رشد کرد، علاقه او به مطالعه واقعیت افزایش یافت، تمایل او به داشتن دانش علمی، نیاز به یافتن جایگاه خود در جهان. سکولاریزاسیون تدریجی علم و هنر و رهایی آنها از قدرت دیرینه کلیسا رخ داد. میکروب های اومانیسم در شهرها متولد شد. مردم آلمان صاحب یکی از بزرگترین دستاوردهای فرهنگی عصر بودند - بزرگترین سهم در توسعه چاپ کتاب. با این حال، تغییرات معنوی در آلمان کندتر و با انحرافات بیشتری نسبت به کشورهایی مانند ایتالیا و هلند اتفاق افتاد.

در آستانه قرن 14 - 15. در سرزمین های آلمان نه تنها تمایلی به متمرکز کردن کشور وجود نداشت، بلکه برعکس، تکه تکه شدن آن افزایش یافت و به حیات بنیادهای فئودالی کمک کرد. ظهور و توسعه جوانه های روابط سرمایه داری در شاخه های صنعتی منفرد به اتحاد آلمان منجر نشد. این کشور شامل بسیاری از امپراتوری های بزرگ و کوچک و شهرهای مستقل امپراتوری بود که وجود تقریباً مستقلی را رهبری می کردند و از هر طریق سعی می کردند این وضعیت را حفظ کنند. E Tim تا حد زیادی ماهیت روابط طبقاتی را تعیین کرد. انگلس در اثر خود «جنگ دهقانان در آلمان»، زندگی اجتماعی در آلمان را در آغاز قرن شانزدهم به شرح زیر توصیف می کند: . . املاک مختلف امپراتوری - شاهزادگان، اشراف، روحانیون، پاتریسیون‌ها، شهرداران، پلبی‌ها و دهقانان - توده‌ای بسیار پر هرج و مرج را تشکیل می‌دادند که نیازهای بسیار متنوع و متقاطع در همه جهات داشتند. علت - مبارزه با فئودالیسم، غلبه بر سنت های قرون وسطیدر اقتصاد، سیاست، فرهنگ، در شیوه زندگی عمومی. نارضایتی عمومی دائماً فزاینده، که گاه به شکل قیام‌های محلی فردی فوران می‌کرد، در آن زمان هنوز خصلت یک جنبش انقلابی سراسری را به خود نگرفته بود که آلمان را در دهه‌های اول قرن شانزدهم فراگرفت.

تضادهای توسعه اجتماعی آلمان در معماری آلمانی قرن پانزدهم منعکس شد. همانطور که در هلند، چرخش قاطع به سمت محتوای فیگوراتیو جدید و زبان جدیدی از اشکال معماری که مشخصه معماری ایتالیا باشد، وجود نداشت. اگرچه سبک معماری گوتیک به عنوان سبک غالب معماری در حال حاضر رو به اتمام بود، سنت های آن همچنان بسیار قوی بود. اکثریت قریب به اتفاق ساخت و سازهای قرن پانزدهم. به هر طریقی اثر خود را بر جای می گذارد. جوانه های جدید مجبور شدند راه خود را در یک مبارزه دشوار از طریق ضخامت لایه های محافظه کار باز کنند.

نسبت بناهای معماری مذهبی در آلمان در قرن پانزدهم بیشتر از هلند بود. ساخت کلیساهای بزرگ گوتیک که در قرن گذشته آغاز شد (به عنوان مثال، در اولم) ادامه یافت و به پایان رسید. با این حال، ساختمان‌های معبد جدید دیگر به این بزرگی نبودند. اینها کلیساهای ساده تری بودند که عمدتاً از نوع سالنی بودند. شبستان هایی با ارتفاع یکسان در غیاب گذرگاه به ادغام فضای داخلی آنها در یک کل واحد قابل مشاهده کمک کردند. توجه ویژه ای به راه حل تزئینی طاق ها شد: طاق های مش و سایر طرح های پیچیده غالب بودند. نمونه هایی از این سازه ها کلیسای بانوی ما در اینگولشتات و کلیسای آنابرگ هستند. گسترش کلیساهای قدیمی نیز با یک فضای سالن واحد مشخص می شود - گروه کر کلیسای سنت لارنس در نورنبرگ و گروه کر کلیسای بانوی ما در اسلینگن. فرم های معماری خود پیچیدگی و غریبی زیادی در روح گوتیک "شعله ور" به دست آوردند. صومعه کلیسای جامع در Eichstette را می توان نمونه ای از غنای تزئینی اشکال در نظر گرفت.

جزئیات دسته: هنرهای زیبا و معماری دوره رنسانس (رنسانس) ارسال شده در 1396/01/06 ساعت 18:13 بازدید: 2780

برجسته ترین نماینده هنر رنسانس آلمان آلبرشت دورر (1471-1528) - نقاش، حکاکی، دانشمند برجسته بود.

رنسانس در آلمان از نظر زمان بسیار کوتاه بود - تقریباً از اواسط قرن پانزدهم. تا سال 1520

توسعه هنر رنسانس در آلمان تحت تأثیر ایده ها صورت گرفت اصلاحات(جنبش مذهبی و سیاسی-اجتماعی در اروپای غربی و مرکزی از قرن 16 تا اوایل قرن 17 با هدف اصلاح مسیحیت کاتولیک مطابق با کتاب مقدس). در آن دوره تاریخیهمچنین باید جنگ دهقانان(1524-1526). همه اینها: سرکوب وحشیانه ناآرامی دهقانان، نفاق مذهبی و خروج چندین سرزمین از کاتولیک - توسعه رنسانس در آلمان را قطع کرد.
استادان اصلی رنسانس آلمان:

استاد E. S. (حدود 1420-پس از 1468)
ماتیاس گرونوالد (حدود 1470-1528)
آلبرشت دورر (1471-1528)
لوکاس کراناخ بزرگ (1472-1553)
هانس فون کولباخ (bl.1480-1522)
هانس بالدونگ (حدود 1484-1545)
هانس هولبین (جوانتر) (1497-1543)
اورس گراف (حدود 1490-حدود 1529)
آلبرشت آلتدوفر (bl.1480-1538)
Veit Sthos (1447-1533)
برنت نوتکه (حدود 1435-1509)
هانس بورگمایر (1473-1531)
ویلم ددک
دانیل گوپفر (حدود 1470-1536)، حکاکی

بیایید به کارهای برجسته ترین اساتید بپردازیم.

ماتیاس گرونوالد (1470/1475-1528)

تعداد کمی از آثار او باقی مانده است، فقط حدود 10. خلاقیت گرونوالد (نام واقعی ماتیاس گوتارت نیدهارت) در آغاز قرن بیستم دوباره کشف شد. توسط اکسپرسیونیست های آلمانی که او را سلف مستقیم خود می دانستند. آثار او بر سوررئالیست ها نیز تأثیر گذاشت. ماتیاس گرونوالد را آخرین نقاش بزرگ گوتیک شمالی می دانند.
گرونوالد مردی با دانش گسترده و استعداد چند جانبه، نماینده معمولی روشنفکران رنسانس در نظر گرفته می شود. او به مسائل دین، فلسفه و ساختار اجتماعی و نیز علم توجه داشت. هنر او سرشار از انسان‌گرایی است، دلسوزی برای رنج‌های انسانی که در اطرافش دیده بود. در برابر چشمان او، اصلاحات رخ داد - اولین انقلاب در اروپا، که آگاهی مردم را تکان داد. او شاهد قتل عام مردم شورشی بود. گرونوالد که دارای روحی پذیرا بود، مانند بوش، در هنر خود تراژدی واقعی زندگی یک روح شریف و صادق مردی را به تصویر کشید که در جهانی بی رحمانه که چهره انسانی خود را از دست داده بود مورد آزار و اذیت و توهین قرار گرفت.
اثر اصلی گرونوالد و شاهکار نقاشی آلمانی محراب ایزنهایم (1512-1516) است.

نمایشگاه موزه

موزه Unterlinden (کولمار، فرانسه). اولین رفت و برگشت محراب

تا سال 1793، محراب در کلیسای ایزنهایم بود. در طول انقلاب فرانسه، نقاشی ها و مجسمه ها برای نگهداری به شهر منطقه ای کولمار منتقل شدند. جزئیات چوبی حکاکی شده در ایزنهایم باقی مانده و از سال 1860 گم شده است. سه جارو از محراب در حال حاضر به طور جداگانه در کولمار به نمایش گذاشته شده است.
اولین اسکن (بیرونی) صحنه مصلوب شدن مسیح را نشان می دهد. صلیب اغلب بر روی محراب های گوتیک یافت می شود. اما قبل از ماتیاس گرونوالد هرگز اینقدر دردناک به تصویر کشیده نشده بود. در گلگوتا، گرونوالد در کنار عیسی مادرش مریم، یوحنای رسول، مریم مجدلیه و یحیی تعمید دهنده را به تصویر کشید. کل صحنه با شکل عذاب‌کش مسیح، با مادر خدا غش‌زده و غش‌شده و دیگر شخصیت‌ها حالت شوک عمیقی ایجاد می‌کند.
در طول سال عبادت، درهای محراب در تاریخ های خاصی باز می شد و نقاشی های مربوط به مراسم مذهبی را نمایان می کرد. محراب ایزنهایم سه گزینه اسکن دارد.

اسکن دوم از محراب ایزنهایم، بشارت، میلاد مسیح ("کنسرت فرشتگان") و معراج را به تصویر می کشد.

سومین ساخت محراب ایزنهایم، با مجسمه های چوبی مقدسین آنتونی، آگوستین و ژروم، که گمان می رود توسط چوب تراشی نیکلاس هاگناور ساخته شده است.

M. Grunewald "مسخره مسیح" (1503). Alte Pinakothek (مونیخ)

این هنرمند یک طرح نمادین از انجیل را به تصویر کشید که قبلاً به ندرت دیده می شد. نگهبانان مسیح را به خانه قیافا کاهن اعظم آوردند و او را مسخره کردند. آنها بانداژی روی چشمانش گذاشتند و با ضربه ای به صورتش خواستند بدانند چه کسی او را کتک می زند. گرونوالد مسیح را مردی با نرمی و بردباری استثنایی به تصویر می کشد. ترس از خشم بدبینانه و غیرانسانی به شدت توسط گرونوالد از طریق رنگ - تن های سرد و ناهماهنگی آنها منتقل می شود.
این نقاشی همچنین پیکر یوسف آریماتیایی را به تصویر می کشد که بعداً بدن بی جان مسیح را از صلیب خارج خواهد کرد. و اکنون یوسف سعی دارد نگهبان را متقاعد کند که به مسیح رحم کند. گویی صداهای شنیدنی و تند یک فلوت، ضربات طبل، که توسط مردی که در اعماق ایستاده به سمت چپ، صادر می شود.

لوکاس کراناخ بزرگ (1472-1553)

L. Cranach. سلف پرتره (1550). گالری اوفیزی(فلورانس)

نقاش و گرافیست آلمانی رنسانس، استاد پرتره، ژانر و ترکیب بندی کتاب مقدس. او در کار خود سنت های گوتیک و اصول رنسانس را با هم ترکیب کرد.
بر اساس اعتقادات خود، او از طرفداران ایده های اصلاحات، از دوستان لوتر بود.

لوکاس کراناخ بزرگ "پرتره مارتین لوتر"

هنرمندان هانس کراناخ و لوکاس کراناخ جوان پسران او هستند.
هنرهای تجسمی کراناچ در ابتدا نزد پدرش تحصیل کرد. او از اوایل جوانی در جستجوی شغلی در آلمان، فلسطین، اتریش و هلند سرگردان بود.
بعدها یک کارگاه هنری ایجاد کرد که دستیاران در آن کار می کردند، کتاب منتشر می کردند و سپس می فروختند.
آثار اولیه این هنرمند نوآورانه است. او در آنها ناهماهنگی دوران خود را به تصویر کشید. او با تبدیل شدن به یک نقاش دربار، مهارت زیادی در ژانر پرتره به دست آورد و بسیاری از معاصران مشهور خود را اسیر خود کرد. پرتره های کراناچ با همدردی با مدل ها ساخته شده اند، اما بدون ایده آل سازی آنها و بدون تمایل زیادی برای نفوذ به دنیای درونی آنها.

لوکاس کراناخ بزرگ "مالیخولیا" (1532). تخته، روغن. 51x97 سانتی متر. موزه دولتیهنر (کپنهاگ)

این نقاشی سه نوزاد برهنه را به تصویر می‌کشد که سعی می‌کنند یک توپ بزرگ را با کمک چوب از حلقه‌ای بغلتند. زن بالدار در حال سوت زدن میله ای است، شاید می خواهد حلقه دیگری بسازد. این مالیخولیا است. او متفکرانه از کنار بچه های بازی نگاه می کند. بر اساس ایده های رنسانس، تمام جهان بر اساس قیاس است. مالیخولیا در آن زمان با زحل، سگ، نجاری همراه بود. سواری جادوگران در ابر سیاه به این تشبیهات اشاره دارد.

لوکاس کراناخ بزرگ "مدونا و کودک (مدونا در تاکستان)" (حدود 1520). موزه دولتی هنرهای زیبا. مانند. پوشکین (مسکو)

هانس هولبین جوان (1497-1543)

یکی از بزرگترین هنرمندان آلمانی. معروف ترین نماینده این خانواده. او نقاشی را نزد پدرش هانس هولبین بزرگ آموخت.

هانس هولبین جوان. سلف پرتره (1542). گالری اوفیزی (فلورانس)

او با برادرش آمبروسیوس هلبین به مدت دو سال در بازل (سوئیس) در کارگاه H. Herbster کار کرد و در آنجا با بسیاری از انسان‌شناسان و دانشمندان این دوره از جمله اراسموس روتردامی آشنا شد و کار خود را "ستایش حماقت" به تصویر کشید.

هانس هولبین جوان "پرتره اراسموس روتردام"

هولبین همچنین کتاب‌های دیگری را به تصویر کشید و در ایجاد ترجمه آلمانی کتاب مقدس توسط مارتین لوتر مشارکت داشت. او مانند پدرش شیشه های رنگی می ساخت و پرتره می کشید.
از مهمترین آثار دوره بازل هلبین می توان به پرتره وکیل بونیفایس آمرباخ اشاره کرد. ده عکس از مصائب پروردگار; نقاشی های دیواری در تالار شهر جدید، درهای ارگ در کلیسای جامع محلی، درهای محراب تاشو برای کلیسای جامع فرایبورگ، تصاویری از میلاد مسیح و ستایش مجوس. مدونا با قدیسان برای شهر سولوتورن؛ معروف "مدونای خانواده مایر"، پرتره های اراسموس روتردام، دوروتیا آفنبورگ، و همچنین نقاشی هایی برای عهد عتیق (91 برگ) و "رقص مرگ" (58 برگ)، حکاکی شده روی چوب توسط لوتزلبرگر.

هانس هولبین جوان "مدونای دارمشتات" ("مدونای خانواده مایر") (1526)

این نقاشی توسط هلبین تحت تأثیر نقاشی مذهبی ایتالیایی دوره رنسانس و هنر پرتره استادان قدیمی هلندی کشیده شده است. در مرکز تصویر، مریم باکره با نوزاد عیسی قرار دارد که توسط مایر، اولین متوفی و ​​همسر دوم و دخترش احاطه شده است. دو شخصیت دیگر که در سمت چپ به تصویر کشیده شده اند چه کسانی هستند، به طور قطع مشخص نیست. مدونای دارمشتات نشان دهنده تعهد مایر مایر به مذهب کاتولیک است. قاب غیرمعمول تصویر با هدف آن برای کلیسای کوچک خانواده مایر در کاخ در Gundeldingen توضیح داده شده است.
در 1526-1528. این هنرمند در انگلستان ماند و در آنجا با توماس مور ملاقات کرد. در اولین سفر خود به انگلستان و همچنین در سفر دوم خود (1532-1543)، او بیشتر پرتره ها را نقاشی کرد و حتی نقاش دربار شاه هنری هشتم بود.

هانس هولبین جوان "پرتره هنری هشتم"

نقاشی های هولبین با رسا بودن نقاشی، انعطاف پذیری، مدل سازی به خوبی فکر شده، شفافیت کیاروسکورو، روشنایی و عرض قلم مو متمایز می شوند. نقاشی های او مملو از مشاهده است، گاهی اوقات بدون طعنه سوزناک نیست، آنها با زیبایی فرم و پایان شگفت زده می شوند. او در دوران اوج رنسانس ایتالیا به آلمان منتقل شد، اما شخصیت ملی خود را از دست نداد.

هانس هولبین جوان "پرتره کریستینا دانمارکی" (1538). گالری ملی لندن

هنرمندان "مدرسه نقاشی دانوب"

"مدرسه نقاشی دانوب" - جهت هنرهای زیبای آلمان در نیمه اول قرن شانزدهم. (1500-1530)
در آثار هنرمندان "مدرسه دانوب" ژانر جدیدی ظاهر شد - منظره.
در مورد منشأ مدرسه هیچ وحدتی وجود ندارد: به گفته اکثر نویسندگان، بنیانگذاران آن، لوکاس کراناخ بزرگ، یورگ بری بزرگ، و همچنین رولانت فرواف جوان، بومی منطقه رودخانه دانوب بودند.
برخی دیگر بر این باورند که مدرسه در خاک محلی پدید آمد و بازدیدکنندگان کراناچ و بری که در امتداد رود دانوب سفر می کردند تحت تأثیر آن قرار گرفتند.

ولف گروبر "منظره دانوب نزدیک کرمس" (1529). کابینت چاپ (برلین)

نقاشی "مدرسه دانوب" با فانتزی هنری، احساسات روشن، درک افسانه ای از طبیعت، علاقه به مناظر جنگلی و رودخانه، فضا و نور، قلم موی پویا، رسا بودن طراحی و شدت رنگ متمایز شد.

لوکاس کراناخ بزرگ "شکار آهو انتخاب کننده فردریک سوم خردمند" (1529)