Wiolonczela to instrument smyczkowy, uczestnik obowiązkowy Orkiestra symfoniczna oraz zespół smyczkowy, który posiada bogatą technikę wykonawczą. Ze względu na bogate i melodyjne brzmienie jest często używany jako instrument solowy. Wiolonczela jest szeroko stosowana, gdy konieczne jest wyrażenie smutku, rozpaczy lub głębokich tekstów w muzyce iw tym nie ma sobie równych.
w odróżnieniu skrzypce I altówka, do którego wygląda bardzo podobnie, wiolonczela nie jest trzymana w rękach, ale ustawiona pionowo. Co ciekawe, kiedyś grano na stojąco, postawiono na specjalnym krześle, dopiero potem wymyślono iglicę, która spoczywa na podłodze, podtrzymując w ten sposób instrument.
To niesamowite, że przed kreatywnością LV Beethovena kompozytorzy nie przywiązywali dużej wagi do melodyjności tego instrumentu. Jednak po otrzymaniu uznania w jego twórczości wiolonczela wzięła ważne miejsce w twórczości romantyków i innych kompozytorów.
Dźwięk
Mając gęsty, bogaty, melodyjny, przenikliwy dźwięk, wiolonczela często przypomina barwę ludzki głos. Czasami podczas solowych występów wydaje się, że mówi i śpiewa z tobą. O osobie powiedzielibyśmy, że ma głos piersiowy, to znaczy dochodzący z głębi klatki piersiowej, a może z samej duszy. To hipnotyzujący, głęboki dźwięk zaskakuje wiolonczelę.
- Hrabia Villegorsky posiadał dwie znakomite wiolonczele Stradivariusa. Jeden z nich był później własnością K.Yu. Davydova, potem Jacqueline du Pré, teraz gra go słynny wiolonczelista i kompozytor Yo-Yo Ma.
- Dawno, dawno temu w Paryżu było ustawione oryginalny konkurs. Brał w nim udział znakomity wiolonczelista Casals. Wystudiowany dźwięk zabytkowe instrumenty, wykonane przez mistrzów Guarneriego i Stradivariego, a także brzmienie nowoczesnych wiolonczel wykonanych w fabryce. W sumie w eksperymencie wzięło udział 12 instrumentów. Światło zostało wyłączone dla czystości eksperymentu. Jakie było zdziwienie jury i samego Casalsa, gdy po wysłuchaniu dźwięku sędziowie przyznali nowoczesnym modelom 2 razy więcej punktów za piękno dźwięku niż starym. Wtedy Casals powiedział: „Wolę grać na starych instrumentach. Niech się gubią w pięknie brzmienia, ale mają duszę, a te obecne mają piękno bez duszy.
- Wiolonczelista Pablo Casals kochał i psuł swoje instrumenty. W smyczek jednej z wiolonczeli włożył szafir, który podarowała mu królowa Hiszpanii.
- Dużą popularność zyskał fiński zespół Apocalyptika. Jej repertuar obejmuje hard rocka. Zaskakujące jest to, że muzycy grają jednocześnie na 4 wiolonczelach i perkusji. To użycie tego smyczkowego instrumentu, zawsze uważanego za uduchowiony, miękki, uduchowiony, liryczny, przyniosło grupie światową sławę. W nazwie grupy wykonawcy połączyli 2 słowa Apocalypse i Metallica.
- Maluje ją słynna artystka abstrakcyjna Julia Borden niesamowite zdjęcia nie na płótnie czy papierze, ale na skrzypcach i wiolonczelach. W tym celu zdejmuje sznurki, czyści powierzchnię, gruntuje ją, a następnie maluje rysunek. Dlaczego wybrała tak niezwykłe miejsce na obrazy, Julia nie potrafi sobie nawet wytłumaczyć. Powiedziała, że te instrumenty wydają się ją do siebie przyciągać, inspirując ją do ukończenia kolejnego arcydzieła.
- Muzyk Roldugin kupił wiolonczelę Stuarta wykonaną przez mistrza Stradivariusa w 1732 roku za 12 milionów dolarów. Jej pierwszym właścicielem był król pruski Fryderyk Wielki.
- Koszt instrumentów Antonio Stradivariego jest najwyższy. W sumie mistrz wykonał 80 wiolonczel. Do tej pory, według ekspertów, zachowało się 60 narzędzi.
- Orkiestra Filharmonii Berlińskiej liczy 12 wiolonczelistów. Zasłynęli wprowadzeniem do swojego repertuaru wielu opracowań popularnych piosenek współczesnych.
- Klasyczny wygląd instrumentu wykonano z drewna. Jednak niektórzy współcześni mistrzowie postanowili przełamać stereotypy. Na przykład Louis i Clark produkują wiolonczele z włókna węglowego, a Alcoa wiolonczele aluminiowe od lat 30. XX wieku. Niemiecki mistrz Pfretzschner również dał się ponieść tym samym.
- Zespół wiolonczelistów z Petersburga pod kierunkiem Olgi Rudniewej ma dość rzadki skład. W skład zespołu wchodzi 8 wiolonczeli i fortepian.
- W grudniu 2014 roku południowoafrykański Karel Henn ustanowił rekord najdłuższej gry na wiolonczeli. Grał nieprzerwanie przez 26 godzin i trafił do Księgi Rekordów Guinnessa.
- Znaczący wkład w rozwój i promocję repertuaru wiolonczelowego wniósł XX-wieczny wirtuoz wiolonczeli Mścisław Rostropowicz. Wykonał po raz pierwszy ponad sto nowych utworów na wiolonczelę.
- Jedną z najbardziej znanych wiolonczel jest „King”, wykonana przez André Amatiego w latach 1538-1560. Jest to jedna z najstarszych wiolonczel i znajduje się w Narodowym muzeum muzyki Południowa Dakota.
- Nie zawsze używano 4 strun w instrumencie, w XVII i XVIII wieku w Niemczech i Holandii były wiolonczele pięciostrunowe.
- Początkowo struny wykonywano z podrobów owczych, później zastąpiono je metalowymi.
Repertuar
Wiolonczela posiada bardzo bogaty repertuar koncertów, sonat i innych utworów. Być może najbardziej znanym z nich jest sześć apartamentów JEST. Kawaler na wiolonczelę solo, wariacje na temat rokoko LICZBA PI. Czajkowski i „Łabędź” Saint-Saensa. J. S. Bach - Suita nr 1 G-dur (posłuchaj)
PI Czajkowski. - Wariacje na temat rokokowy na wiolonczelę i orkiestrę (posłuchaj)
A. Dvorak - Koncert na wiolonczelę i orkiestrę (posłuchaj)
C. Saint-Saens - „Łabędź” (posłuchaj)
I. Brahms - Koncert podwójny na skrzypce i wiolonczelę (posłuchaj)
Strunowe instrumenty smyczkowe Strunowe instrumenty smyczkowe (włoski, liczba pojedyncza altówka), rodzina smyczkowych instrumentów muzycznych powszechnych od wieków. w Zap. Europa. Podobne kształtem, różnią się wielkością, proporcjami, tessiturą, strojem, liczbą strun. Altówki sopranowe i altowe, w tym viol d „amour (francuski viole d” amour), podczas gry trzymano poziomo na ramieniu (nazwa ogólna viola da braccio, włoski da braccio), tenor i bas pionowo. Najpopularniejsza odmiana violi da gamba (włoski da gamba), wielkością zbliżona do wiolonczeli. V I O L S
Instrumenty smyczkowe smyczkowe instrument muzyczny. Najwyższe w rejestrze w rodzinie skrzypiec, które stanowiły podstawę klasycznej orkiestry symfonicznej i kwartetu smyczkowego. Klasyczny typ został stworzony przez największych północnych Włochów lutnicy wieków szkół Brescia (Gasparo da Salo, J. Magini) i Cremona (A. i N. Amati, J. Guarneri, A. Stradivari). Od XVIII wieku jeden z głównych instrumentów solowych. S C R I P C A
Strunowe instrumenty smyczkowe instrument z rodziny skrzypiec. Jest nieco większy niż skrzypce. Wczesne przykłady tego instrumentu należą do XVI wiek. W poszukiwaniu najlepszej konstrukcji altówki ważną rolę odegrał wybitny włoski mistrz A. Stradivari. 4 struny instrumentu są nastrojone w kwintach (o jedną piątą niżej niż w skrzypcach): do-sol-re-la. A L T
Strunowe instrumenty smyczkowe (wł. Wiolonczela), instrument muzyczny z rodziny skrzypiec rejestru basowo-tenorowego. Pojawił się w 1516 wieku. Stworzone klasyczne wzory przez włoskich mistrzów 1718 wieków: A. i N. Amati, J. Guarneri, A. Stradivari. VI O L O N C E L
Instrumenty smyczkowe są największymi i najniżej brzmiącymi instrumentami z rodziny smyczków. „Przodkami” kontrabasu były stare altówki basowe, od których zapożyczył wiele cech swojego projektu. Z wyglądu współczesny kontrabas jest podobny do wiolonczeli, ale znacznie przewyższa ją wielkością. Długość narzędzia - około 2 m; grają na kontrabasie siedząc na wysokim stołku lub stojąc (bo wykonawca często musi pochylać się nad „skośnymi ramionami” instrumentu, aby wydobyć wysokie dźwięki). Kontrabas ma z reguły cztery struny, nastrojone w kwartach: sol-re-lyami. C o n t r a b a s
Drewniany instrumenty dęte muzyka instrument, jeden z najstarszych pochodzenia. „Przodkami” fletu są piszczałki trzcinowe, flety.. W dolnym rejestrze flet brzmi tępo, lekko nosowo, w środku melodyjnie i bogato, w górnym brzmieniu staje się gwiżdżący, zimny, prawie bezbarwny. Fletowi, jako instrumentowi ruchomemu, zwykle powierza się wykonywanie szybkich, „krętych” fraz melodycznych, lekkich i wdzięcznie błyskotliwych pasaży. FLET PROSTY
Instrumenty dęte drewniane Jego bezpośrednim poprzednikiem jest zurnu, instrument powszechny na Kaukazie iw Azji Środkowej. Od XVII wieku obój był nieodzownym członkiem orkiestr wojskowych, a także zespołów towarzyszących operom i występy baletowe; Od XVIII wieku obój zajmuje stałe miejsce w orkiestrze symfonicznej. Urządzenie oboju jest proste. Jest to mała (około 60 cm długości) rurka, rozszerzająca się ku końcowi. Obój wyposażony jest w system zaworów bocznych, za pomocą których reguluje się wysokość dźwięku. Powietrze jest wdmuchiwane do rurki przez język znajdujący się na górnym (wąskim) końcu instrumentu. Brzmienie oboju bardzo różni się od jego „sąsiadów” w orkiestrze symfonicznej - fletu, klarnetu, fagotu. Obejmując szeroki zakres, brzmi różnie w różnych rejestrach. Wyższe dźwięki są przeszywające, hałaśliwe, niższe ostre i niegrzeczne; środkowy rejestr jest soczysty, bardzo wyrazisty (choć z nieco „nosowym” tonem). Długie, przeciągające się liryczne melodie świetnie brzmią na oboju. Mniej charakterystyczne są dla niego przejścia czy ostre skoki. Zakres oboju to małe B - F 2. oktawa. Idź chłopcze
Instrumenty dęte drewniane (obój altowy) Powstały w I poł. XVIII w. z oboju myśliwskiego, który miał kształt rogu. Nazwa rogu „angielskiego” była przypadkowa: francuskie słowo anglais oznacza „wygięty pod kątem”; charakterystycznym znakiem zewnętrznym tego instrumentu jest metalowa tuleja na zagiętą pod kątem laskę. Rożek angielski jest większy niż obój. Korpus instrumentu, wyposażony w system zaworów, zakończony jest dzwonkiem w kształcie gruszki. Barwa rogów angielskich jest pikantna, melancholijna, według definicji N. Rimskiego-Korsakowa „leniwa i rozmarzona”. Wielu kompozytorów używało tego instrumentu, aby przekazać „orientalny” smak w muzyce (obraz symfoniczny „W Azji Środkowej” A. Borodina, taniec kobiet perskich w operze „Khovanshchina” M. Musorgskiego, Taniec wschodni w operze M. Glinki „Rusłan i Ludmiła” itp.). Zakres rogów angielskich: B małej oktawy - F 3. oktawy. rog angielski
Instrumenty dęte drewniane można uznać za instrumenty jego „przodków”. Starożytny Egipt. W nowoczesna forma Klarnet pojawił się w orkiestrze w połowie XVIII wieku. Klarnet to drewniana tuba (o długości około 70 cm) z małym dzwonkiem. Powietrze wdmuchiwane jest przez specjalny ustnik w kształcie dzioba, do którego przymocowana jest cienka laska trzcinowa (w przeciwieństwie do oboju jest pojedyncza). Narzędzie wyposażone jest w rozbudowany system zaworów i otworów. Zakres obejmuje więcej niż trzy oktawy: mi dużej oktawy - fa trzeciej oktawy. Jego niższe dźwięki są nieco ponure, ale wraz ze wzrostem wysokości dźwięk staje się cieplejszy, wyraźniejszy, aw najwyższym rejestrze – przeszywający. Klarnet jest jedynym przedstawicielem drewnianej grupy orkiestry symfonicznej, która charakteryzuje się znacznym wzmocnieniem i tłumieniem siły brzmienia. KLARN E T
Drewniane instrumenty dęte to nisko brzmiący instrument wynaleziony w XVI wieku. Jest to długa rura (długość jej kanału wynosi 2,5 m), składana kilka razy: włoski fagotto oznacza - wiązka, wiązka. Korpus instrumentu posiada około 30 bocznych otworów, z czego 5-6 zamykanych jest palcami, pozostałe zaworami. Zakres fagotu: B-dur kontraoktawa - mi 2. oktawy. Jego barwa w dolnym rejestrze jest nieco ponura, w środku melodyjna, miękka, wyrazista (o charakterze organowym), w górnym nieco napięta, ostra, lekko ochrypła. Szybkie pasaże na fagocie często wywołują komiczne wrażenie. F A G O T
Instrumenty dęte blaszane były znane na długo przed naszą erą. W średniowieczu grze na trąbce towarzyszyły turnieje rycerskie, obrzędy religijne i ceremonie wojskowe. Od XVII wieku zaczęto używać trąbki w orkiestrach; J. S. Bach i G. Handel szeroko stosowali go w swoich utworach. Wynalezienie mechanizmu zaworowego (początek XIX wieku) znacznie rozszerzyło możliwości brzmieniowe instrumentu: jego skala stała się chromatyczna. Nowoczesna fajka to rura, która jest kilkakrotnie wygięta i zakończona małym dzwonkiem. Jego wąski koniec wyposażony jest w ustnik. Zasięg instrumentu jest dość znaczny: mi małej oktawy - do 2. oktawy. Niższe dźwięki mają swoistą „tajemniczą” kolorystykę, wysokie natomiast jasną, „świąteczną”, dźwięczną. Siła trąbki w wysokim rejestrze jest w stanie przebić się przez najpotężniejsze orkiestrowe brzmienie trąbki
Instrumenty dęte blaszane - wywodzą się ze starego rogu myśliwskiego (niem. Waldhorn - róg leśny). Narzędzie to długa, wąskokanałowa rura, zwinięta spiralnie i zakończona szerokim gniazdem. Barwa rogu jest miękka, melodyjna, bogata w kolory, doskonale łącząca się z barwami smyczków i drewna. Duże są też możliwości dynamiczne instrumentu: od najdelikatniejszego pianissimo do potężnego forte (istnieje specjalna technika gry „bell up”, która pozwala uzyskać największą moc dźwięku). Rolę niemego pełni zwykle wolny prawa ręka wykonawca: dźwięk instrumentu jednocześnie zmienia się diametralnie, nabierając tajemniczego, złowrogiego koloru. Zakres tuby wynosi około 3 1/2 oktawy. waltornia
Muzyczne instrumenty dęte blaszane. instrument znany od XV wieku (puzon, lupa z piszczałki tromba; niem. Posaune) instrument metalowy, który wygląda jak duża metalowa rura wygięta owalem. W jego górnej części umieszczony jest ustnik, czyli kielich w kształcie półkula, przez którą wykonawca wdmuchuje powietrze. Dolne zagięcie T. jest odcięte i może swobodnie poruszać się w górę iw dół głównej rury. Ruchoma część T. to kulisy. Dźwięk ścisza się, wypychając kulisy, a wsuwając je, podnosi się. T. występują w różnych rozmiarach, a co za tym idzie, mają różną głośność: alt T. w es, tenor w b, bas w f lub es. Puzon
Instrumenty dęte blaszane są najniżej brzmiącymi instrumentami dętymi blaszanymi. Konstrukcja przypomina dużą rurę. Korpus tuby (wykonany z blachy mosiężnej) to długa, kilkakrotnie składana, stopniowo rozszerzająca się rura: jej długość po rozłożeniu dochodzi do 4 m. Podobnie jak kontrabas w grupie smyczkowej lub fagot w grupie drewnianej, tuba pełni funkcję wsparcie basu narzędzia miedziane(często podwaja 3. partię puzonu o oktawę niżej). Zakres tuby: si kontra-oktawa - fa 1. oktawa. T u b a
Instrumenty perkusyjne Grupa instrumentów perkusyjnych o określonej wysokości. Każdy kotły to miedziana półkula osadzona na specjalnym stojaku z naciągniętą na nią skórą. Dźwięk jest wytwarzany przez uderzenie małego młotka kulistą końcówką filcu. Wysokość kotłów, które są zawsze dostrojone do określonego dźwięku, można zmienić poprzez większe (lub mniejsze) napięcie powierzchni skóry. Taką przebudowę (za pomocą śrub) przeprowadza kotlarz, wykorzystując do tego przerwy w grze. Jednocześnie głośność każdego z kotłów z reguły nie przekracza jednej szóstej. kotły
Instrumenty perkusyjne - instrument perkusyjny o określonej wysokości (zwykle dostrojony do dowolnego dźwięku w obrębie małej oktawy). Miejsce narodzin gongu to wyspa Jawa, gdzie wciąż można znaleźć orkiestry gongowe. Gont to duży dysk z brązu o zakrzywionych krawędziach, swobodnie zawieszony na metalowej ramie. Podczas gry uderzali w środek gongu dużym młotkiem pokrytym filcem. W razie potrzeby dźwięk można przerwać lekkim dotknięciem dłoni. Gong oddaje nastrój tajemnicy, przerażenia, niepokoju. Gong
Instrumenty perkusyjne – instrument perkusyjny o określonej wysokości, będący szeregiem luźno zbrojonych blaszek. Dźwięk jest wytwarzany przez uderzanie pałeczkami lub za pomocą mechanizmu klawiatury podobnego do miniaturowego pianina (dzwonków fortepianu). Barwa instrumentu jest wyraźna, dźwięczna, genialna. Dzwonki zostały sprowadzone do Europy przez holenderskich kolonistów z wysp Azja Południowo-Wschodnia w XVII wieku. Początkowo były to tak naprawdę zestawy małych dzwoneczków o różnych wysokościach. Jednak w połowa dziewiętnastego wieku dzwony zastąpiono kompletem blaszek stalowych iw takiej postaci instrument przetrwał do dziś bez zmiany nazwy (choć bywa też nazywany metalofonem). dzwony
Instrumenty perkusyjne – instrument perkusyjny o określonej wysokości, służący do naśladowania dzwonek dzwoni. Jest to zestaw metalowych rurek lub płyt swobodnie zawieszonych na poprzeczce. Tego rodzaju namiastki dzwonów zaczęto stosować w orkiestrach operowych i symfonicznych w tamtej epoce rewolucja Francuska(po raz pierwszy z L. Cherubinim). Dźwięk wydaje młotek, którego główka pokryta jest skórą. Zakres instrumentu wynosi około 1 1/2 oktawy (zaczynając od F dużej oktawy). dzwony
Instrumenty perkusyjne - perkusyjny instrument muzyczny o nieokreślonej wysokości. Przeniknąwszy w starożytności z Azji do Europy z zespołami wędrownych muzyków, tamburyn rozpowszechnił się we Włoszech i Hiszpanii, gdzie stał się instrument ludowy. Z początek XIX wieków tamburyn był używany w wojsku, a później w orkiestrach symfonicznych. Tamburyn był od dawna używany do rytmicznego akompaniamentu w tańcu lub śpiewie. Wśród wielu ludów Azji Środkowej sztuka gry solo na tamburynie jest szeroko rozpowszechniona. W partii tamburynu, podobnie jak innych instrumentów perkusyjnych o nieokreślonej wysokości, zapisany jest jedynie układ rytmiczny, zapisany na jednej linijce (nitce). B u b e n
Instrumenty perkusyjne - instrument perkusyjny o określonej wysokości. Jest to zestaw drewnianych prętów o różnej wielkości (z greckiego xylon – drewno, drewno i telefon – dźwięk). Pręty układane są w formie trapezu na słomianych wałach lub specjalnej miękkiej ściółce z gumowymi podkładkami. Dźwięk jest wydobywany za pomocą dwóch drewnianych patyczków w kształcie łyżki. Podczas głośnego grania dźwięk jest suchy, klikający, ostry; gdy cicho - miękkie, „bulgotanie”. Głośność dźwięku ksylofonu zależy od liczby taktów (ich liczba czasami przekracza 40); najbardziej typowy zakres: do 1. oktawy - mi 3. oktawy. Będąc instrumentem starożytnego pochodzenia, ksylofon przybył do Europy z Azji w średniowieczu i pozostał instrumentem ludowym aż do XIX wieku. Ksylofon
Instrument perkusyjny to instrument, który wygląda jak mały fortepian. Wynaleziony w Paryżu koniec XIXw wiek. Wyposażony w mechanikę fortepianową: po naciśnięciu klawisza młoteczki pokryte filcem uderzają w metalowe płyty. Brzmienie czelesty jest delikatne, „srebrne”, zbliżone barwą do harfy (włoska celesta oznacza niebiański). Zakres obejmuje cztery oktawy (od do 1 oktawy). Pierwszymi, którzy wprowadzili czelestę do orkiestry byli kompozytorzy francuscy. Instrument ten wykorzystał P. Czajkowski w dwóch utworach napisanych w 1891 r. - balladzie symfonicznej „Gubernator” i balecie „Dziadek do orzechów”. C h e l e s t
Instrumenty perkusyjne - instrument perkusyjny o nieokreślonej wysokości. Składa się z 2 wydrążonych drewnianych kubków przypominających muszle, połączonych sznurkiem i osadzonych na rączce. Po wstrząśnięciu kubki uderzają o siebie, wydając suchy, klikający dźwięk. Kastaniety takiego urządzenia nazywane są orkiestrowymi. Są też kastaniety bez rączek - tzw. baletowe; tancerka zakłada je na nadgarstek i podczas tańca porusza palcami. Kastaniety są instrumentem starożytnego pochodzenia. Weszli do Europy z Arabski Wschód i zyskał szczególną dystrybucję w Hiszpanii, a następnie w krajach Ameryka Łacińska. Będąc tradycyjnym atrybutem języka hiszpańskiego Tańce ludowe(seguidilla, bolero itp.), kastaniety są również używane w orkiestrze symfonicznej do tworzenia „hiszpańskiej” kolorystyki kastanietów
Jeden pojemny czterowiersz zawierał tyle Imion, których ręce tworzyły wyjątkowe arcydzieła wśród instrumentów. Dzieła tych mistrzów to marzenie każdego muzyka. Jednak dzisiaj nie będziemy rozmawiać o mistrzach. Dzisiaj porozmawiamy o instrumentach smyczkowych, a raczej o czym różnią się od nich skrzypce, wiolonczele, altówki, kontrabasy i smyczki.
Współczesne dzieci wiedzą, na jakiej zasadzie się różnią Telefony komórkowe, a oto jak sprawy mają się z klasyfikacją skrzypiec – nawet wszechwiedzący Google może znaleźć się w impasie. Cóż, Witryna lutnika spróbuje nadrobić to niefortunne zaniedbanie.
Tak więc istnieje kilka rodzajów instrumentów smyczkowych:
Czy wiesz, że wielcy mistrzowie dzielili instrumenty muzyczne według ich przeznaczenia? Na przykład, skrzypce dla wszystkich i dla wszystkich czyli "msza" w zamyśle miało być dobrze brzmiące, ale przy produkcji takich skrzypiec niewiele uwagi poświęcono doborowi drewna i starannemu wykonaniu. O jakości końcowego montażu części i dźwięku nie trzeba mówić. Niemal zawsze po nabyciu takiego instrumentu następuje wizyta u lutnika. Przy produkcji łuków produkowanych masowo wykorzystywano alternatywne gatunki drewna. Brzoza, grab, tanie odmiany mahoniu, a także plastik na łaty. Czasami do masowo produkowanych łuków wkładano sztuczne włosy.
Następny pod względem jakości dźwięku i odpowiednio pod względem jakości produkcji był skrzypce przeznaczone do gry orkiestrowej. Głos takich skrzypiec powinien być miękki, aby nie wyróżniał się z zespołu i na tyle standardowy w sile i barwie, aby nie zgubić się w ogólnym brzmieniu. W przypadku tych dwóch rodzajów skrzypiec mistrz wziął klon do produkcji dna, boków, szyi i stojaka. Świerk, specjalny blank, tradycyjnie dobrze rezonuje z klonem, dlatego wykonano z niego płyty rezonansowe. Na strunociąg i kołki stroikowe użyto hebanu lub tańszego twardego drewna pomalowanego na czarno. Drewno na korpusie instrumentu zostało wyselekcjonowane pod względem faktury i koloru oraz polakierowane na jeden kolor lub z retuszem antycznym wysokogatunkowym werniksem. Wymagania dotyczące smyczków orkiestrowych były również nieco inne. Na takich łukach trzeba było grać różnymi uderzeniami, odpowiednio, przy ich produkcji stosowano drzewko bardziej odpowiednie pod względem charakterystyki gry. Na przykład drzewo brazylijskie.
Nadchodzi następny skrzypce i wiolonczelę do występów solowych i zespołowych. Tutaj dźwięk otrzymał szczególne miejsce i długo i skrupulatnie nad nim pracowali. Właściwe jest stosowanie takich instrumentów w orkiestrach kameralnych, kwartetach i różnego rodzaju zespołach, w których dźwięk każdego pojedynczego instrumentu jest zauważalny w więcej niż w orkiestrze symfonicznej. Łuki do kategorii solo wykonane są z fernambuco. Jest to szczególny gatunek drewna rosnący w Ameryce Południowej. Historycznie rzecz biorąc, fernambuco było najlepszym wyborem do robienia łuków solo.
I ostatni w tej kategorii jest skrzypce "artystyczne" gdzie nazwa mówi już sama za siebie. To skrzypce koncertowe o niepowtarzalnym brzmieniu, niepowtarzalnym wyglądzie i wyjątkowych, znakomitych znaleziskach Mistrza. Jeśli w przypadku dwóch pierwszych kategorii instrumentów piękno drewna nie odgrywa roli, to w przypadku instrumentów „solowych” i „artystycznych” mistrz szukał nie tylko odpowiedniego drzewa, ale także jasnej faktury. A gryf, strunnik i kołki stroikowe zostały wykonane z wysokiej jakości hebanu, palisandru, bukszpanu. Smyczki koncertowe mają również specjalne wymagania. W większości wykonane są z fernambuco, choć zdarzają się ciekawe i godne uwagi eksperymenty z nowoczesnymi materiałami. Jak węgiel.
Podsumowując, skrzypce i wiolonczele można również podzielić ze względu na przeznaczenie:
* masa;
* orkiestrowy;
* solo;
* artystyczny.
Płynnie i niepostrzeżenie zbliżyliśmy się do drugiego punktu klasyfikacji - wielkości.
O wielkości wie każdy, kto kiedykolwiek uczył się grać na skrzypcach, a na naszej stronie znajdziesz osobny artykuł o tym, jak dobrać skrzypce „według rozmiaru”. Jednak powtarzamy, przypominamy, że skrzypce i wiolonczele mają rozmiary:
* 1/32
* 1/16
* 1/8
* 1/4
* 1/2
* 3/4
* 4/4
Rozmiar jest wskaźnikiem skoncentrowanym na indywidualnych danych uczniów i wykonawców. Dlatego ta skala jest tak duża, ale… mało kto wie, że są jeszcze dwa rozmiary – 1/10 i 7/8. Do każdego rozmiaru dołączona jest kokarda o odpowiedniej długości.
Nieco inny jest podział altówek według wielkości. Altówka jest stosunkowo młodym instrumentem i ostatecznie ukształtowała się dopiero w XIX wieku. Na altówce grają głównie nastolatki i dorośli, chociaż istnieją altówki treningowe w rozmiarze 3/4 o długości ciała podobnej do skrzypiec, ale ze strojeniem altowym. Całe altówki mają od 38 do 45, a nawet więcej centymetrów. Mierzona jest długość dolnego pokładu bez pięty. Najpopularniejsze są narzędzia 40-41 cm, czasami rozmiar jest podawany w calach.
Kontrabasy są również dostępne w różnych rozmiarach, w tym dla dzieci. Dziwne, ale najczęstszy rozmiar kontrabasu, na którym grają dorośli muzycy, to 3/4. Na kontrabasach 4/4 gra się głównie w orkiestrach. Nie będzie też zbyteczne wiedzieć, że kontrabasy mają inny system. Solowe i orkiestrowe. I liczba strun: 4 i 5.
Istnieje opinia, że każdy instrument muzyczny, a zwłaszcza skrzypce różne ręce brzmi jak nowy. Nawet dobre narzędzie w rękach przeciętnego muzyka może wygasnąć. I odwrotnie, utalentowany skrzypek i wiolonczelista może wydobyć piękny dźwięk z najprostszego i pozbawionego korzeni narzędzia. Ma to swoją magiczną logikę magii dźwięków i wyjątkowości talentu Wykonawcy. A jednak jest to tajemnica, którą każdy Mistrz wkłada w swój instrument z każdym oddechem, każdym dotknięciem.
Altówka, wiolonczela, kontrabas
Na pytanie, co to jest altówka, prawie wszyscy odpowiadają: „To skrzypce, tylko większe”.
Ta odpowiedź jest poprawna, jeśli weźmiemy pod uwagę tylko kształt instrumentu, jego wygląd. Ale altówka ma swoją charakterystyczną barwę, niepodobną do brzmienia żadnego innego instrumentu, więc nie można jej uznać za zwykłe duże skrzypce.
Historia altówki jest dramatyczna. Miał pecha i nadal nie miał szczęścia.
Faktem jest, że korpus altówki, wykonany zgodnie z obliczeniami akustycznymi wynikającymi z awarii instrumentu, powinien być dość duży - około 46 centymetrów długości. Zwiększa się oczywiście długość i dekolt. A żeby grać na takim instrumencie, muzyk musi mieć długie i mocne palce. A to rzadko się zdarza.
Pytacie: jak w takim razie grają na wiolonczeli, a tym bardziej na kontrabasie – w końcu te instrumenty są dużo większe od altówki?
Jest tu istotna różnica. Lewa ręka skrzypek i altowiolista robią jednocześnie dwie rzeczy: dociskają struny do gryfu i podpierają instrument. Lewa ręka wiolonczelisty i kontrabasisty jest zwolniona z tego drugiego zadania – ich instrumenty mają inne oparcie. Gdyby altowiolista mógł swobodnie trzymać rękę na szyi, nie byłoby problemów. Ale on kciuk cały czas musi znajdować się poniżej, pod gryfem, a pozostałe palce muszą być wyciągnięte, szczególnie podczas gry w miejscu gryfu, które znajduje się nad korpusem instrumentu. Robienie tego na długiej podstrunnicy altowej nie jest łatwe. Dlatego wśród altowiolistów istniała naturalna chęć zmniejszenia rozmiarów swoich instrumentów.
Rzemieślnicy z Cremonese wykonali duże, poprawne akustycznie altówki, które brzmiały niesamowicie. Ale stało się coś paradoksalnego: jeśli skrzypek zawsze marzył o dobrych skrzypcach i szukał ich, to altówka wręcz przeciwnie szukała muzyka i nie zawsze go znajdowała. Muzycy odrzucili duże, w porządku brzmiące altówki i zamówiłem mniejsze instrumenty. Stopniowo wykształciła się opinia, że w ogóle nie da się grać na dużej altówce. Mistrzowie, odpowiadając na zapotrzebowanie muzyków, zaczęli produkować niewymiarowe altówki o nosowym i stłumionym dźwięku. Nawet Antonio Stradivari w końcu poszedł na kompromis ze swoim rzemiosłem i zrobił małe altówki, niewiele większe od skrzypiec. Brzmiały oczywiście gorzej niż jego skrzypce i duże altówki.
Z tego powodu reputacja altówki do XVIII wieku została wyraźnie zachwiana. Najczęściej zaczynali na niej grać nieudani skrzypkowie, a kompozytorzy obawiali się powierzania altówce poważnych partii w utworach orkiestrowych.
Jednak niektórzy nie chcieli pogodzić się z tą sytuacją. Na przykład mistrz Jean Vuillaume (ten, który wykonał pudło do skrzypiec na zamówienie Felixa Savarta) zbudował duże narzędzie w czasach, gdy prawie wszyscy myśleli, że prawdziwa altówka to już przeszłość i że już nigdy nie wróci. Instrument okazał się piękny, ale… znowu nikt nie chciał na nim grać. Viola Vilhom trafiła do muzeum, nie znając życia w muzyce.
Jednak stopniowo kompozytorzy zaczęli ponownie rozważać swój stosunek do altówki. Christoph Gluck położył podwaliny pod główną melodię w jednym z odcinków swojej opery Alceste, a potem stopniowo altówka zajęła w orkiestrze miejsce, które wyznaczyli jej Cremonese. Dyrygenci przestali tolerować nieudanych skrzypków jako altowiolistów i zaczęli domagać się pełnoprawnej muzyki od altowiolistów.
Teraz w niektórych orkiestrach, oprócz zwykłych wymagań stawianych muzykowi grającemu na altówce, jest jeszcze jedno: korpus jego instrumentu nie może być krótszy niż 42 centymetry. Jest to już zbliżone do obliczonego alt, ale jeszcze nie kompletne, więc pozostaje pewien kompromis.
Altówka nie jest tak popularna jak skrzypce czy wiolonczela. Tak, jest pełnoprawnym członkiem orkiestr symfonicznych i kameralnych, do których jest niezmiennie zaliczany Kwartet smyczkowy, ale solowe koncerty altowiolistów nie odbywają się zbyt często. Ale jeśli komuś z Was uda się być na takim koncercie, a nawet jeśli muzyk ma prawdziwy wielka altówka, wrażenie będzie niezapomniane.
Kolejnym instrumentem z rodziny skrzypiec jest wiolonczela. Tutaj chyba nikt nie powie, że wiolonczela to wielkie skrzypce. Wiolonczela ma bardzo szczególną barwę dźwięku i swój własny charakter. Kiedy trzeba wyrazić żal, smutek, smutek, rozpacz muzyką, wiolonczela nie ma sobie równych, tak głęboko przekazuje te uczucia.
Wiolonczele budowali pierwsi lutnicy - Bertolotti, Magini, Amati. Ale, podobnie jak w przypadku skrzypiec, Antonio Stradivari doprowadził wiolonczelę do perfekcji. Jeden z ulubionych uczniów Stradivariego, Carlo Bergonzi, wykonał wiele wiolonczeli. Jego instrumenty są uważane za jedne z najlepszych.
Podobnie jak altówka, wiolonczela nie od razu zajęła czołowe miejsce w muzyce. Przez długi czas powierzano jej tylko akompaniament w orkiestrze, a nawet kiedy jej towarzyszyła, często nie była samodzielna, tylko powielała partie innych instrumentów. Ale w końcu zauważono jej niezwykłe cechy, wielcy muzycy doskonalili technikę gry, kompozytorzy zaczęli powierzać jej poszczególne partie w orkiestrze, a potem uznali ją za instrument solowy. Teraz wiolonczeliści biorą udział w wielu międzynarodowe zawody na równi ze skrzypkami i pianistami, a utwory pisane specjalnie na wiolonczelę są nierozerwalnie związane z resztą muzycznego bogactwa.
Rodzinę skrzypiec uzupełnia kolejny przedstawiciel – kontrabas.
Na szczególną uwagę zasługuje jego forma. Spróbuj mentalnie powiększyć skrzypce do rozmiarów kontrabasu – a nie będzie przypadku. Kontrabas ma opadające ramiona - te części ciała, które przylegają do szyi. pokład dolny jest bardziej płaski niż skrzypce, a wycięcia po bokach nie mają tego samego kształtu. Uważa się, że kontrabas jeszcze się nie „dokończył” - nie zakończył przejścia z altówek na skrzypce. Nawet rozmiary się nie ustabilizowały - w różnych warsztatach wykonują kontrabasy o różnych rozmiarach, od 180 do 200 centymetrów długości. Dlatego kontrabasiści czasem mają problem: trudno zabrać ze sobą tak duży instrument w trasę, a tam, w innym mieście, można złapać kontrabas o nietypowych rozmiarach.
Ten instrument ma wadę, której jeszcze nie udało się przezwyciężyć - tzw. dudnienie kontrabasu, które towarzyszy jego brzmieniu. Ale mimo to kontrabas jest w orkiestrze nieodzowny – jako jedyny ze wszystkich instrumentów niskiego rejestru ma tak gęste i gęste brzmienie. Dawni mistrzowie budowali małe instrumenty basowe o czystym, pozbawionym szumu dźwięku, ale bardzo niewiele z tych instrumentów przetrwało.
Wszystkie instrumenty z rodziny skrzypiec w różnym czasie były wprowadzane do orkiestr i zespołów jazzowych, ale tylko kontrabas mocno się w nich zadomowił. Byli i są wśród kontrabasistów jazzowych swoich wirtuozów, swoich gwiazd. I pomimo pojawienia się takiego instrumentu bardziej nadaje się do jazzu jako elektryczna gitara basowa, nie wszystkie orkiestry jazzowe śpieszyły się z rezygnacją z kontrabasu.
Wydawać by się mogło, że kontrabas w żaden sposób się do tego nie nadaje występy solowe, jego biznesem jest eskorta. Ale nie jest. Są muzycy, którzy przełamują dotychczasową specyfikę instrumentu i udowadniają, że kryją się w nim wciąż nieodkryte możliwości. Może uda Ci się dostać na solowy koncert kontrabasisty, albo przynajmniej kupić płytę z takiego koncertu, wtedy sam się przekonasz.
Poznaliśmy więc czworo krewnych z rodziny skrzypiec – skrzypce, altówka, wiolonczela, kontrabas. Ich rola w muzyka współczesna ogromny, nie można go już powierzyć żadnemu innemu instrumentowi. Bez nich nie ma ani symfonii, ani Orkiestra Kameralna, nie trio smyczkowe, kwartet, kwintet, nie wiele zespoły ludowe. A przy tym każdy z nich jest świetnym solistą.
Strunowy instrument muzyczny to instrument muzyczny, w którym źródłem dźwięku (wibratorem) są drgania strun. W systemie Hornbostel-Sachs nazywane są chordofonami. Typowymi przedstawicielami instrumentów smyczkowych są kobyz, dombyra, skrzypce, wiolonczela, altówka, kontrabas, harfa i gitara, gusli, bałałajka i domra itp. Rodzaje instrumentów smyczkowych[edytuj | edytuj źródło]
Zobacz też pełne lista instrumentów smyczkowych.
Wszystkie instrumenty strunowe przenoszą wibracje z jednej lub więcej strun do powietrza przez swój korpus (lub przez przetwornik w przypadku instrumentów elektronicznych). Zwykle dzieli się je zgodnie z techniką „rozruchu” drgań w strunie. Trzy najpopularniejsze techniki to szczypta, ukłon i uderzenie.
ukłonił się (ukłon strunowy) instrumenty muzyczne – grupa instrumentów muzycznych z wytwarzaniem dźwięku, realizowana głównie w procesie gry smyczkiem wzdłuż naciągniętych strun. istnieje duża liczba ludowe instrumenty smyczkowe. We współczesnym akademickim muzykowaniu używa się czterech instrumentów smyczkowych:
Grupa instrumentów smyczkowych uważana jest za podstawę orkiestry symfonicznej i dzieli się na pięć części:
Pierwsze skrzypce
Drugie skrzypce
Wiolonczele
Kontrabasy.
Sporadycznie zapisywana jest partia na najniższy smyczkowy instrument strunowy - ośmiornicę
Zasięg przez cały czas grupa łuków obejmuje prawie siedem oktaw od kontraoktawy do oktawy piątej.
Struny smyczkowe zostały uformowane i ulepszone w ok koniec XVII wieku, dopiero łuk w swojej nowoczesnej formie pojawił się pod koniec XVIII wieku. Pomimo różnic w barwie poszczególnych instrumentów grupy, w masie brzmią one jednakowo. Wynika to z jedności projektu i ogólnej zasady produkcji dźwięku.
Źródłem dźwięku dla wszystkich instrumentów są struny, które rezonują z korpusem instrumentu i przenoszą wibracje przez powietrze na słuchacza. Dźwięk wydaje smyczek ( Arco) lub palce ( pizzicato)
Rzemieślnik zajmujący się tworzeniem i naprawą smyczkowych instrumentów muzycznych nazywany jest lutnikiem lub Mistrz smyczkowych instrumentów muzycznych.
Skrzypce – strunowy instrument muzyczny wysoki rejestr. To ma pochodzenie ludowe, zyskał nowoczesny wygląd w XVI wieku, rozpowszechnił się w XVII wieku. Ma cztery struny nastrojone w kwintach: g, d 1 ,A 1 ,mi 2 (sól małej oktawy, re, la pierwszej oktawy, mi drugiej oktawy), zakres od G(sól małej oktawy) do A 4 (czwarta oktawa) i wyżej. Barwa skrzypiec jest gęsta w dolnym rejestrze, miękka w środku i błyszcząca w wysokich. Istnieją również skrzypce pięciostrunowe, z dodatkiem dolnej struny altowej „c” lub do (do małej oktawy). Pochodzenie i historia[edytuj | edytuj źródło]
Fidela. Fragment ołtarza kościoła św. Zachariasza, Wenecja, Giovanni Bellini, 1505.
Miniatura „Psalmista Dawid” (fragment). Psałterz Godunowa, 1594
„Drzewo genealogiczne” pochodzenia współczesnych skrzypiec. Encyclopædia Britannica, wyd.
Przodkami skrzypiec byli rebarab arabski, fidel hiszpański, crotta brytyjska, z których połączenia powstała altówka, stąd włoska nazwa skrzypiec, skrzypce, a także słowiański czterostrunowy instrument piątego systemu j i g a (stąd niemiecka nazwa skrzypiec - geige). Jako instrument ludowy skrzypce były szczególnie rozpowszechnione w Polsce, Ukrainie, Rumunii, Istrii i Dalmacji (obecnie Jugosławia). Trwająca kilka stuleci walka arystokratycznej wiolonczeli ze skrzypcami ludowymi zakończyła się zwycięstwem tych drugich. W połowie XVI wieku w północnych Włoszech ukształtowała się nowoczesna konstrukcja skrzypiec. Gaspar Bartolometti da Salo (ok. 1542-1609) – założyciel szkoły mistrzów w Bresci i Andrea Amati (1535-ok. 1611) – założyciel szkoły kremońskiej.] . Formy skrzypiec powstały w XVI wieku; słynni lutnicy, rodzina Amati, pochodzą z tego wieku i początku XVII wieku. Ich instrumenty mają doskonały kształt i doskonały materiał. Generalnie Włochy słynęły z produkcji skrzypiec, wśród których obecnie wysoko cenione są skrzypce Stradivariego i Guarneriego.
skrzypce są instrument solowy z XVII wieku Pierwsze utwory na skrzypce to: „Romanesca per skrzypce solo e basso” Biagio Mariniego (1620) i „Capriccio stravagante” współczesnego mu Carlo Fariny. Założyciel gra artystyczna na skrzypcach uważa się Arcangelo Corelli; następnie Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764), uczeń Corellego, który rozwinął brawurową technikę gry na skrzypcach.
Od II połowy XIX wieku rozpowszechnił się wśród Tatarów. Od XX wieku występuje w życiu muzycznym Baszkirów.
Alt(angielski i włoski) altówka, ks. alt, Niemiecki Bratsche) Lub altówka skrzypce- smyczkowy instrument muzyczny o takim samym kształcie jak iskra, ale nieco większy, przez co brzmi w dolnym rejestrze. Struny altówki są nastrojone o kwintę poniżej skrzypiec i oktawę powyżej wiolonczeli - c, g, d 1 ,A 1 (do, sól małej oktawy, re, la pierwszej oktawy). Najczęstszy zakres to od C(do małej oktawy) do mi 3 (mi 3. oktawy), w utworach solowych możliwe jest stosowanie dźwięków wyższych. Nuty zapisane są kluczem altowym i wiolinowym. Altówka jest uważana za najwcześniejszy istniejący instrument smyczkowy. Czas jego powstania przypisuje się przełomowi XV-XVI wieku. Technika gry na altówce różni się nieco od techniki gry na skrzypcach pod względem emisji dźwięku i techniki, jednak sama technika gry jest nieco bardziej ograniczona ze względu na większy rozmiar, a co za tym idzie konieczność większego rozciągnięcia palców lewej ręka. Barwa altówki jest mniej jasna niż skrzypiec, ale gęsta, matowa, aksamitna w dolnym rejestrze, nieco nosowa w górnym. Taka barwa altówki jest konsekwencją tego, że wymiary jej korpusu („skrzynki rezonatorowej”) nie odpowiadają jej ukształtowaniu: o optymalnej długości 46–47 centymetrów (altówki takie wykonywali dawni mistrzowie włoskiego szkół), nowoczesny instrument ma długość od 38 do 43 centymetrów [ źródło nieokreślone 1220 dni] . Na większych altówkach, zbliżonych do klasycznych, grają głównie soliści o mocniejszych rękach i rozwiniętej technice.
Jako instrument solowy altówka była do tej pory używana stosunkowo rzadko, ze względu na niewielki repertuar. Jednak w naszych czasach pojawiło się całkiem sporo bardzo dobrych altowiolistów, wśród nich Yuri Bashmet, Kim Kashkashyan, Yuri Kramarov i inni. Niemniej jednak głównym zakresem altówek są orkiestry symfoniczne i smyczkowe, gdzie z reguły powierzono im głosy średnie, ale także epizody solowe. Altówka jest obowiązkowym członkiem kwartetu smyczkowego, często wykorzystywana w innych kompozycjach kameralnych, takich jak trio smyczkowe, kwartet fortepianowy, kwintet fortepianowy itp.
Tradycyjnie altowiolistami nie zostawali od dzieciństwa, przestawiając się na ten instrument w bardziej dojrzałym wieku (pod koniec szkoły muzycznej, wchodząc do college'u lub konserwatorium). Zasadniczo skrzypkowie o dużej budowie z duże ręce i szerokie wibracje. Niektóre znani muzycy z powodzeniem łączył występy na skrzypcach i altówce, na przykład Niccolo Paganini i Dawid Ojstrach.
Wiolonczela(włoski. wiolonczela, skrót wiolonczela, Niemiecki Wiolonczela, ks. wiolonczela, Język angielski wiolonczela) - smyczkowy instrument muzyczny strunowy rejestru basowego i tenorowego, znany od początku połowa XVI wieku, ta sama konstrukcja co skrzypce lub altówka, ale znacznie większa. Wiolonczela posiada szerokie możliwości ekspresyjne i starannie opracowaną technikę wykonawczą, jest używana jako instrument solowy, zespołowy i orkiestrowy. Pojawienie się wiolonczeli datuje się na początek XVI wieku. Początkowo był używany jako instrument basowy do towarzyszenia śpiewowi lub grze na instrumencie o wyższym rejestrze. Istniało wiele odmian wiolonczeli, które różniły się między sobą wielkością, liczbą strun i strojeniem (najczęstszym strojeniem był ton niższy niż współczesny).
W XVII-XVIII wieku staraniem wybitnych mistrzów muzycznych szkół włoskich (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana itp.) powstał klasyczny model wiolonczeli o ugruntowanej wielkości korpusu. Pod koniec XVII wieku pojawiły się pierwsze solowe utwory na wiolonczelę – sonaty i ricercary Giovanniego Gabrielego. W połowie XVIII wieku wiolonczela zaczęła być wykorzystywana jako instrument koncertowy, dzięki jaśniejszemu, pełniejszemu brzmieniu i coraz doskonalszej technice wykonawczej, ostatecznie wypierając violę da gamba z praktyki muzycznej. Wiolonczela jest również częścią orkiestry symfonicznej i zespołów kameralnych. Ostateczne uznanie wiolonczeli jako jednego z wiodących instrumentów muzycznych nastąpiło w XX wieku dzięki staraniom wybitnego muzyka Pabla Casalsa. Rozwój szkół wykonawczych na tym instrumencie doprowadził do powstania licznych wiolonczelistów wirtuozów, którzy regularnie wykonują koncerty solowe.
Repertuar wiolonczelowy jest bardzo szeroki i obejmuje liczne koncerty, sonaty, utwory a cappella.
Viola da gamba(włoski. viola da gamba - altówka nożna) to starożytny smyczkowy instrument muzyczny z rodziny altówek, podobny pod względem wielkości i zakresu do współczesnej wiolonczeli. Na violi da gamba grano siedząc, trzymając instrument między nogami lub kładąc go bokiem na udzie, stąd nazwa.
Z całej rodziny altówek viola da gamba zachowała swoje znaczenie najdłużej ze wszystkich instrumentów: dla niej powstało wiele dzieł najważniejszych autorów połowy XVIII wieku. Jednak już pod koniec wieku partie te wykonywane były na wiolonczeli. Goethe nazwał Karla Friedricha Abela ostatnim wirtuozem gamby. Na początku XX wieku wykonawcy autentyczni wskrzesili violę da gamba: pierwszym współczesnym gambistą był Christian Döbereiner, który zadebiutował na tym stanowisku w 1905 roku wykonaniem sonaty Abla.
kontrabas(włoski. kontrabas lub ss))) - największy rozmiarem (około dwóch metrów wysokości) i najniższy w brzmieniu spośród szeroko stosowanych smyczkowych instrumentów muzycznych, łączący w sobie cechy rodziny skrzypiec i rodziny altówek (rodzina Viola da GAMBA, Viola da GAMBA)... Ma cztery struny strojone w kwartach: E1 , A1 , D, G (mi, la counteroctave, re, oktawa salt), zakres od E1 (mi counteroctave) do g1 (sól pierwszej oktawy) i wyżej. Prawdziwy kontrabas został po raz pierwszy wymieniony w książce z 1566 roku. Autor tej książki omyłkowo narysował skrzypce. Wtedy wpadł na pomysł, że stworzenie takiego narzędzia jest możliwe. Autor tej książki jest nieznany współcześni ludzie, ale wiadomo, że księga została napisana w r Azja centralna gdy mieszkańców tych ziem reprezentowała Europa. Wkrótce idea nowego instrumentu została sprowadzona do Europy. W tym czasie Europa była najbiedniejszym miejscem na całym świecie. Viola kontrabasu uważana jest za prekursora współczesnego kontrabasu. Miała nastrojone pięć strun D 1 , E 1 , A 1 , D, G(re, mi, la big, re, sól małej oktawy) i, jak większość altówek, progi na gryfie. W połowie XVII wieku włoski mistrz Michele Todini zaprojektował na jego podstawie nowy instrument, który nie miał piątej (najniższej) struny i progów, ale kształt korpusu pozostał („ramiona” - części ciała przylegający do podstrunnicy – kontrabas ma jeszcze bardziej pochylony niż instrumenty z rodziny skrzypiec) oraz czwarty system (spośród współczesnych instrumentów smyczkowych jako jedyny posiada go kontrabas).
Nowy instrument został po raz pierwszy użyty w orkiestrze w 1699 roku w operze „Cezar z Aleksandrii” Giuseppe Aldrovandiniego, ale potem długo nie był używany (głosy basowe wykonywały wiolonczele i niskie altówki). Dopiero od połowa osiemnastego wieku kontrabas staje się obowiązkowym członkiem orkiestry, wypierając z niej altówki basowe. W tym samym czasie pojawili się pierwsi wirtuozi kontrabasu, którzy dawali koncerty solowe – w szczególności Domenico Dragonetti zyskał znaczącą europejską sławę. Dla wygody występów solowych mistrzowie zaprojektowali trzystrunowy kontrabas, którego struny były nastrojone w kwintach ( G 1 , D, A- sól kontraoktawy, re, la dużej oktawy, czyli oktawę poniżej wiolonczeli, ale bez smyczka zanim) lub kwarty ( A 1 , D, G- la counteroctave, re, sól dużej oktawy). Wraz z rozwojem techniki wykonawczej stało się możliwe wykonywanie kompozycji wirtuozowskich na konwencjonalnym czterostrunowym instrumencie orkiestrowym, a kontrabasy trzystrunowe wyszły z użycia. Aby uzyskać jaśniejszy dźwięk w utworach solowych, strojenie kontrabasu jest czasami podwyższane o jeden ton (jest to „strojenie solo”).
W XIX wieku francuski mistrz Jean-Baptiste Vuillaume w poszukiwaniu możliwości uzyskania niższych dźwięków zbudował czterometrowy kontrabas, który nazwał „ośmiornicą”, ale ze względu na swoje ogromne rozmiary instrument ten nie był popularne. Nowoczesne kontrabasy mogą mieć dostrojoną piątą strunę C 1 (aż do kontroktawy) lub przez specjalny mechanizm „wydłużający” najniższą strunę i pozwalający na uzyskanie dodatkowych niższych dźwięków.
Rozwój solowej gry na kontrabasie w czasach nowożytnych związany jest przede wszystkim z twórczością Giovanniego Bottesiniego i Franza Siemandla pod koniec XIX wieku. Ich wysiłki wyniosły wirtuozów początku XX wieku na nowy poziom - w szczególności Siergieja Kusewickiego i Adolfa Miszka.