Strunowe instrumenty muzyczne to takie, których źródłem dźwięku są drgania strun. W klasyfikacji międzynarodowej nazywane są chordofonami. Najbardziej znane i popularne instrumenty tej klasy to: gitara, skrzypce, altówka, harfa, dombra, bałałajka, kobyz, gusli, wiolonczela i wiele innych.
Klasyfikacja instrumentów smyczkowych
Muzyka powstaje poprzez wibrację jednej lub kilku silnie naciągniętych nici, które stanowią rodzaj cięciwy. To urządzenie nazywa się sznurkiem. Rozciąga się go pomiędzy zworkami na korpusie instrumentu. Nici te różnią się w zależności od materiału, z którego są wykonane. Może to być miedź, srebro lub nylon.
Obecnie wyróżnia się następujące typy instrumentów smyczkowych:
1. Uszczypnięty. Przykładami są gitary, harfy, bałałajki, harfy, dombry, sitary, oudy, ukulele itp. Tutaj głównym sposobem uzyskania dźwięku jest skubanie. Czynność tę wykonuje się palcem lub specjalną plektronem. Warto zauważyć, że czasami do tej klasyfikacji zaliczane są niektóre instrumenty klawiszowe. Uderzającym przykładem jest klawesyn, w którym wzdłuż struny wibruje plastikowy stroik.
2. Ukłonił się. Najbardziej znanych przedstawicieli W tej grupie znajdują się takie strunowe instrumenty muzyczne jak skrzypce, kobyz, kontrabas, altówka i wiolonczela. Aby wydobyć dźwięk, na końcach konstrukcji zastosowano specjalny łuk wykonany z drewna i naciągniętych włosów. Prowadzenie takiego urządzenia po strunach powoduje krótkotrwałą melodyczną wibrację.
3. Bębny. Te strunowe instrumenty muzyczne wymagają dodatkowych akcesoriów do gry. Oto czym jest mały młotek. Instrument perkusyjny smyczkowy w rzadkich przypadkach Liczą fortepian. Jednak najbardziej znanym przykładem są cymbały. Warto zaznaczyć, że wszystkie czynności z użyciem młotka wykonuje sam gracz.
4. Reszta. Wszystkie inne strunowe instrumenty muzyczne, które nie mieszczą się w ogólnie przyjętej klasyfikacji, należą do nieokreślonego gatunku. Na przykład harfa eolska. Aby wytworzyć dźwięk, cięciwa będzie wibrować pod wpływem przepływu powietrza.
Odmiany instrumentów szarpanych
Al-ud, czyli po prostu ud, to prawdziwy skarb kultury Średniowieczny Wschód. W tłumaczeniu z języka arabskiego nazwa instrumentu oznacza „drzewo”. Ciało ma okrągły kształt. Gryf jest stosunkowo krótki i nie posiada progów. To dlatego al-udh ma tak wyjątkowe brzmienie. Kombinacja strun składa się z 5 par. Wszystkie muszą być dostrojone zgodnie. Istnieją również alternatywne wersje instrumentu z 13 strunami. Cięciwę wykonano z nylonu, w starożytności z jelit zwierzęcych.
Harfa to instrument muzyczny znany światu ze średniowiecznych wierszy i legend. Jest to jeden z najpopularniejszych i piękni przedstawiciele grupy strun szarpanych. Obecnie istnieje wiele odmian harf, różniących się kształtem, liczbą strun i dźwiękiem. Instrument ten jest najbardziej rozpowszechniony w Wielkiej Brytanii. Jest to zakrzywiona rama z wieloma równolegle rozciągniętymi sznurkami. Zachwyca melodią i łagodną grą tonów.
Innym ciekawym instrumentem szarpanym jest dombra, czyli dambur. Uważany jest za narodowy skarb Kazachstanu. Jest to rodzaj gitary z dwiema mocno naciągniętymi nylonowymi strunami. Dostrojony do piątego lub czwartego. Progi muszą być żyłkowate. Umieszczony na samej górze szyi.
Najpopularniejszym zachodnim instrumentem smyczkowym jest mandolina. Dźwięk uzyskuje się poprzez szarpanie czterech podwójnych strun. Takie instrumenty różnią się kształtem: wydłużony, w kształcie lutni, z płaskim dnem. Niezwykłym przykładem jest mandolina florencka, ponieważ ma pięć strun.
Funkcje gitary
To najpopularniejszy instrument na świecie. Dotyczy obu występ solowy oraz do akompaniamentu. Nadaje się do absolutnie każdego kierunku i stylu muzyki, od bluesa po rock. Np, Hiszpańska gitara- instrument smyczkowy, który łączy brzmienie narodowe Zachodnioeuropejskie i Narody arabskie. Składa się tylko z pięciu strun. Rozpowszechniło się od XV wieku.
Przydałoby się również pamiętać o narodowej gitarze rosyjskiej. Podstawową różnicą jest liczba strun - siedem. Pojawił się dopiero na początku XIX wieku. W tamtym czasie instrument ten nie miał sobie równych pod względem popularności. Grali na nim tacy wirtuozi swojego rzemiosła, jak Michaił Wysocki, Siemion Aksenow, Andriej Sikhra i wielu innych znakomitych muzyków.
Niemniej jednak dzisiaj gitara klasyczna jest uważana za najpowszechniejszą. Występuje w różnych rozmiarach i może różnić się mocowaniem na szyję, ale jedno pozostaje niezmienne – liczba sznurków. ich w gitara klasyczna powinno być sześć. Ponadto ma konstrukcję mechanizmu kołkowego. Gitara klasyczna może być akustyczna lub elektroniczna.
Wyjątkowość bałałajek
Są to rosyjskie ludowe instrumenty muzyczne (naciągnięte według kategorii, szarpane według typologii). Bałałajka ma trójkątny korpus i trzy struny. Aby wydobyć dźwięk, należy jednocześnie uderzać palcem w naciągnięte nitki. W starożytności czynność tę nazywano grzechotaniem.
Bałałajka to instrument muzyczny będący obok akordeonu symbolem kultury rosyjskiej. Ciało może mieć od 60 do 170 cm, kształt instrumentów jest lekko zakrzywiony lub owalny. Ciało składa się z sześciu oddzielnych segmentów. Góra szyi lekko wygięta do tyłu. Progi mogą mieć od 16 do 31. Struny nowoczesnych bałałajek są wykonane z węgla. Dzięki temu uzyskuje się taki dźwięk dzwonka.
Projekt Pandory
Ten instrument szarpany uważany jest na Ukrainie za instrument ludowy. Ciało jest zawsze owalne, ma krótką szyję. Bandura to instrument muzyczny z ogromna ilość smyczki We współczesnych modelach może być ich do 64, w starożytnych odmianach - od 12 do 25. Cięciwa jest rozciągnięta od krawędzi gryfu do płyty rezonansowej. Im wyżej ściśniesz gryf, tym niższy będzie dźwięk.
Ponadto bandura jest instrumentem muzycznym o charakterystycznej barwie. Osiąga się to stosując system mieszany według rejestrów. Aby grać na bandurze, należy szarpać za struny. Na palcach należy nosić specjalne naparstki.
Niektórzy historycy uważają, że przodkiem instrumentu jest rosyjski gusli, inni – kobza. Niektóre kroniki z XIV w. zawierają wzmianki i rysunki charakteryzujące daną osobę temat muzyczny, niezwykle powszechny w obwodzie kijowskim.
Odmiany grupy łukowej
Są to głównie dawne ludowe instrumenty strunowe. Najpopularniejsze to: skrzypce, altówka, kontrabas i wiolonczela. Wszystkie te narzędzia są dziś podstawą każdego Orkiestra symfoniczna. Innym typem grupy jest oktobas. Częściowo pojawia się dość rzadko ze względu na niski dźwięk. Aby wydobyć dźwięk, należy przesunąć smyczek po jednej lub kilku strunach. Zakres takich instrumentów obejmuje około siedmiu oktaw.
Popularność instrumentów smyczkowych nastąpiła w XVII wieku. Już Muzycy uliczni nauczył się łączyć instrumenty o różnych barwach w jednolite brzmienie. Najczęściej takie improwizowane orkiestry składały się ze skrzypków i wiolonczelistów. Co ciekawe, do wydobywania dźwięku z kontrabasu można używać zarówno smyczka, jak i palca.
Funkcje grupy perkusyjnej
Uzyskanie melodii podczas gry na takich instrumentach osiąga się poprzez lekkie uderzenie w struny specjalnym młotkiem. Cymbały są najwybitniejszym przykładem tej grupy. Poza tym czasem jak instrument perkusyjny Używają fortepianu, gdzie jest do tego specjalny autonomiczny mechanizm.
Kolejnym znanym przedstawicielem grupy jest klawikord. Zasada gry sprowadza się do dociskania strun miedzianymi tangenotami. Rezultatem jest specyficzny dźwięk. Tonacja zależy od siły i częstotliwości uderzenia. Podobną procedurę można wykonać za pomocą gitary lub skrzypiec. Czasami, aby wzmocnić brzmienie organiczne, muzycy lekko uderzają w struny palcem lub smyczkiem.
Instrumenty rezonansowe krtani są uważane za odrębny podgatunek tej grupy. Przykłady obejmują didjiridoo i harfę żydowską.
„Darmowe” instrumenty smyczkowe
Harfa eoliczna nie jest zaliczana do żadnej z opisanych powyżej grup, ponieważ głównym sposobem wytwarzania dźwięku jest wibracja struny spowodowana ruchem powietrza. Dzięki temu uzyskuje się najbardziej uduchowioną i subtelną melodię. W czasach starożytnych taką harfę uważano za przedmiot bogów.
Istnieje odrębny rodzaj instrumentów smyczkowych, do których dołączone są klawisze. W tym przypadku muzyk nie wchodzi w bezpośrednią interakcję ze strukturą dźwięku. Przykładem instrumentu jest klawesyn. W nim sznurki przylegają do małych języków.
Niektóre instrumenty są typu kombinowanego. W średniowieczu czczono ich podróżujących muzyków. Mogli jednocześnie grać na instrumencie szarpanym ze smyczkiem w kształcie koła.
Wydobywanie dźwięków
W przypadku tej procedury sznurek musi być rozciągnięty do pewnego limitu. Każde dotknięcie powoduje wydawanie dźwięku. Struny są dostrojone tak, aby muzyk mógł ostatecznie trafić w żądane nuty. Możesz wpływać na cięciwę poprzez szarpanie, dmuchanie, kłanianie się lub przepływ powietrza.
Im większe napięcie struny i im mniejsza jej grubość, tym cieńszy będzie dźwięk. Na tonację wpływa także długość struny, liczba progów, wielkość korpusu i bębna oraz długość gryfu. Melodia zależy od materiału, z którego wykonana jest struna. Miedziane brzmią głośniej, srebrne cieńsze, nylonowe brzmią matowo i szorstko itp.
Na produkcję nut wpływa również naciśnięcie niektórych progów palcami lub przedmiotem. Podczas gry na gitarze czynność tę nazywa się akordem.
Wpływ na struny
Za najtrudniejszą i najbardziej żmudną procedurę wytwarzania dźwięku uważa się grę na skrzypcach. Aby grać na tym instrumencie, smyczek musi poruszać się wzdłuż strun, pośrodku pomiędzy mostkiem a podstrunnicą. Pozycja jest prostopadła do krawędzi skrzypiec. Aby zmienić barwę należy przesunąć smyczek bliżej dolnego progu korpusu.
Gra na instrumentach szarpanych wymaga znajomości określonej sekwencji nut. Kontakt ze struną następuje w środku bębna. I nie ma znaczenia, czy jest to gitara, czy rosyjskie instrumenty strunowe, takie jak bałałajka czy gusli.
Aby grać na klawiaturze, należy najpierw wybrać obiekt manipulacyjny: stroik, młotek lub tangenotę. Nie ma bezpośredniego wpływu muzyka na smyczki.
Instrumenty akustyczne
Struna zawsze będzie wydawać cichy dźwięk podczas wibracji. Dlatego wynaleziono specjalne konstrukcje w celu zwiększenia tonacji. W instrumentach szarpanych nazywane są bębnami. Podczas wibracji dźwięk przedostaje się do zamkniętej przestrzeni, tworząc echo, i wychodzi z niej kilkukrotnie wzmocniony. Im większy bęben, tym większa głośność melodii.
Akustyczne instrumenty muzyczne strunowe zawsze wykonujemy wyłącznie z wysokiej jakości drewna: świerkowego lub klonowego. Materiały te są trwałe, elastyczne i lekkie. Niektóre instrumenty mogą być wykonane z włókien węglowych (wiolonczela).
Dźwięk elektroniczny
Aby zwiększyć głośność, na początku XX wieku w skrzypcach stosowano tak zwane rezonatory membranowe lub dzwonki. Podobne konstrukcje stosowano wcześniej w gramofonach mechanicznych.
Do 1920 roku rezonatory zaczęły stopniowo zanikać, a ich miejsce zajęły elektroniczne wzmacniacze dźwięku. Ich zasada działania opierała się na przetworniku magnetycznym, który odbierał wibracje, przekształcał je w mocny sygnał i emitował nuty przez głośniki.
Z czasem pojawiły się instrumenty typu solid-body, które wyeliminowały niepotrzebne szumy, skrzypienia i echa. Nowoczesne wzmocnienie sprzęt muzyczny pozwala nie tylko zwiększyć głośność dźwięku, ale także nadać mu dodatkowe efekty.
Wiele rodzajów instrumentów smyczkowych pogrupowano według specjalna cecha. Ich dźwięk powstaje, gdy rozciągnięty pasek materiału (zwykle drutu, jedwabiu lub jelita) zaczyna wibrować po zetknięciu się z łukiem lub innym przedmiotem. Parametry dźwięku wytwarzanego przez strunę zależą od jej długości, elastyczności i napięcia.
W krajach zachodnich zatwierdzonym materiałem na sznurki była jelito lub drut, podczas gdy na Wschodzie używano jedwabiu. Gut był używany w starożytności przez Egipcjan, Greków i Rzymian. Drutu zaczęto używać dopiero w XIV wieku, kiedy wynaleziono ciągnienie drutu. Odkrycie to doprowadziło także do wynalezienia instrumentów klawiszowych ze smyczkami (klawikord, klawesyn, clavicombalo i fortepian). W związku z tym, że na Zachodzie jako materiały strunowe znany był jedynie drut i jelito, obecnie instrumenty klawiszowe skomponowane są z powyższych materiałów.
Istnieje duża liczba ludowych instrumentów smyczkowych. Czasami pisana jest partia na najniższy instrument strunowy, czyli oktobas. Zakres całej grupy smyczkowej obejmuje prawie siedem oktaw od przeciwoktawy C do piątej oktawy C.
Łuki powstały i udoskonalono pod koniec XVII wieku, dopiero pod koniec XVIII wieku pojawił się łuk w nowoczesnej formie. Pomimo różnic barwowych pomiędzy poszczególnymi instrumentami grupy, jako całość brzmią one jednorodnie. Wyjaśnia to jedność projektu i ogólna zasada produkcji dźwięku.
Odmiany instrumentów smyczkowych:
Harfa Lira Lutnia Gusli
Skrzypce Alt Wiolonczela
Kontrabas Oktobas
Źródłem dźwięku dla wszystkich instrumentów są struny, które rezonują z korpusem instrumentu i przenoszą wibracje za pośrednictwem powietrza do słuchacza. Wydawanie dźwięku odbywa się za pomocą łuku (arco) lub palców (pizzicato).
Instrumenty strunowe nazywane są instrumentami muzycznymi, w których źródłem dźwięku są drgania strun. W systemie klasyfikacji instrumentów muzycznych Hornbostela-Sachsa nazywane są one „chordofonami”.
Historia instrumentów smyczkowych
Metody wydobywania z nich dźwięku również były zróżnicowane. Na gitarze grano palcami, a na mandolinie używano specjalnej płytki – plektronu. Później pojawiły się różne patyki i młotki wibrujące struny. To właśnie ta zasada stanowiła podstawę fortepianu.
I wkrótce wynaleziono łuk: jeśli uderzenie powodowało krótki dźwięk, to zwykły kij z kępką końskiego włosia sprawiał, że struna wydawała długi, przeciągnięty dźwięk. Konstrukcja opiera się na tej zasadzie instrumenty strunowe.
Instrumenty smyczkowe
Jednym z pierwszych instrumentów smyczkowych były altówki. W XV wieku wyłonili się jako odrębna rodzina. Altówki charakteryzują się delikatną matową barwą o słabej sile. Prezentowane są w kilku odmianach: alt, treble, kontrabas, tenor. Każda podgrupa ma swój własny rozmiar i odpowiednio wysokość. Altówki zwykle trzyma się pionowo, na kolanach lub pomiędzy nimi.
Pojawiający się w XV wieku szybko zyskał popularność w całej Europie, dzięki swojemu mocnemu brzmieniu i możliwościom wirtuozowskim. W Włoskie miasto W Cremonie pojawiały się całe rodziny lutników, których skrzypce do dziś uważane są za standard. Są to znane nazwiska Stradivariego, Amati, Guarneri, którzy utworzyli tak zwaną szkołę Cremona. A dziś gra na skrzypcach Stradivariusa to wielkie wyróżnienie dla najsłynniejszych muzyków na całym świecie.
Po skrzypcach pojawiły się kolejne instrumenty smyczkowe- altówka, kontrabas, wiolonczela. Są podobne pod względem barwy i kształtu, ale różnią się rozmiarem. Wysokość dźwięku będzie zależała od długości strun i wielkości korpusu: kontrabas wydaje niski dźwięk, a skrzypce brzmią co najmniej o dwie oktawy wyżej.
W zarysie instrumenty smyczkowe przypominają wiolę, tylko że mają bardziej wdzięczne kształty i zaokrąglone „ramiona”. Wyróżnia się wśród nich kontrabas, który ma „pochylone” ramiona, aby muzyk mógł dosięgnąć strun.
Charakterystyczne dla różnych instrumentów smyczkowych inny sposób rozmieszczenie: kompaktową altówkę i skrzypce można wygodnie trzymać na ramieniu, ale nieporęczny kontrabas i wiolonczelę umieszcza się pionowo na podłodze lub specjalnym stojaku.
I jeszcze jeden ważny fakt: to właśnie instrumentowi strunowo-smyczkowemu ufa się zwykle główną rolę w orkiestrze.
Instrumenty szarpane
Drugi podtyp strunowych instrumentów muzycznych, szarpanych, to instrumenty solowe, często amatorskie. Najpopularniejszym z nich jest gitara, używana w różnych gatunki muzyczne od XV wieku do współczesności.
Do tego samego rodzaju instrumentów zaliczają się bałałajki, gusli, domry i ich odmiany – od piccolo po kontrabas. Są szczególnie popularne w orkiestrach ludowych, rzadziej używane w orkiestrach symfonicznych.
Podstawowe informacje, budowa Altówka lub altówka skrzypcowa to strunowy, smyczkowy instrument muzyczny o tej samej budowie co skrzypce, ale nieco większych rozmiarach, dlatego brzmi w dolnym rejestrze. Imiona altówek w innych językach: altówka (włoska); altówka (angielski); alt (francuski); bratsche (niemiecki); alttoviulu (fiński). Struny altówki są nastrojone kwintę poniżej strun skrzypiec i oktawę powyżej strun wiolonczeli.
Podstawowe informacje, pochodzenie Apkhyartsa lub Apkhyartsa to strunowy instrument muzyczny, jeden z głównych ludowych instrumentów muzycznych ludów Abchazji i Adyghe. Nazwa „apkh'artsa” w swoim pochodzeniu wiąże się z wojskowym życiem ludu i wywodzi się od słowa „apkh'artsaga”, które w języku rosyjskim oznacza „to, co zachęca do pójścia naprzód”. Abchazi używają śpiewu w towarzystwie apkhartsy jako środka leczniczego. Pod
Informacje podstawowe Arpeggione (włoskie arpeggione) czyli gitara-wiolonczela, gitara miłości to strunowy instrument muzyczny smyczkowy. Rozmiarami i sposobem wytwarzania dźwięku przypomina wiolonczelę, ale podobnie jak gitara ma sześć strun i progów na gryfie. Niemiecka nazwa arpeggione to Liebes-Guitarre, francuska nazwa to Guitarre d’amour. Pochodzenie, historia Arpeggione został zaprojektowany w 1823 roku przez wiedeńskiego mistrza Johanna Georga Stauffera; trochę
Podstawowe informacje, pochodzenie Banhu to chiński strunowy instrument muzyczny, rodzaj huqin. Tradycyjne banhu było używane głównie jako instrument towarzyszący w północnochińskich dramatach muzycznych, operach północnych i południowych Chin lub jako instrument solowy i w zespołach. W XX wieku banhu zaczęto używać jako instrumentu orkiestrowego. Istnieją trzy rodzaje banhu – wysokie, średnie i
Podstawowe informacje, historia, rodzaje altówek Viola (altówka włoska) to starożytny strunowy instrument muzyczny różnego typu. Altówki tworzą rodzinę starożytnych strunowych instrumentów muzycznych z progami na podstrunnicy. Altówki wywodzą się z hiszpańskiej vihueli. Altówki były szeroko stosowane w muzyce kościelnej, dworskiej i ludowej. W XVI-XVIII wieku instrument tenorowy stał się szczególnie rozpowszechniony jako instrument solowy, zespołowy i orkiestrowy.
Informacje podstawowe Viola d'amore (włoska viola d'amore – altówka miłości) to starożytny strunowy instrument muzyczny z rodziny altówek. Viola d'amore była szeroko stosowana od końca XVII wieku do początek XIX wieku, po czym ustąpiły miejsca altówce i wiolonczeli. Zainteresowanie violą d'amore odżyło na początku XX wieku. Instrument ma sześć lub siedem strun, w najwcześniejszych modelach -
Informacje podstawowe Viola da gamba (włoska viola da gamba - altówka nożna) to starożytny strunowy instrument muzyczny z rodziny altówek, wielkością i zakresem zbliżonym do współczesnej wiolonczeli. Na violi da gamba grano w pozycji siedzącej, trzymając instrument między nogami lub opierając go bokiem na udzie – stąd nazwa. Z całej rodziny altówek, viola da gamba jest najdłuższym ze wszystkich instrumentów.
Podstawowe informacje, budowa, gra Wiolonczela to strunowy instrument muzyczny rejestru basowo-tenorowego, znany od pierwszej połowy XVI wieku. Wiolonczela jest powszechnie stosowana jako instrument solowy, grupa wiolonczeli wykorzystywana jest w orkiestrach smyczkowych i symfonicznych, wiolonczela jest obowiązkowym uczestnikiem kwartetu smyczkowego, w którym jest instrumentem najniżej brzmiącym, a także często wykorzystywana jest w innych kompozycjach
Informacje podstawowe Gadulka to bułgarski ludowy instrument strunowy, używany do akompaniamentu do tańców i pieśni, charakteryzujący się specjalnym, miękkim, harmonicznym dźwiękiem. Pochodzenie, historia Pochodzenie gadułki wiąże się z perską kamanchą, arabskim rebabem i średniowiecznym rebekiem europejskim. Kształt korpusu i otworów dźwiękowych gadułki jest bardzo podobny do tzw. armudi kemenche (zwanej także lirą konstantynopolitańską,
Podstawowe informacje Gidzzak (gydzzak) – ludowy instrument muzyczny smyczkowy Azja centralna(Kazachowie, Uzbecy, Tadżykowie, Turkmeni). Gijak ma kulisty korpus i jest wykonany z dyni, dużego orzecha, drewna lub innych materiałów. Pokryty skórą. Liczba ciągów gidzhak jest zmienna, najczęściej - trzy. Strojenie gijaka trójstrunowego to kwarta, zwykle es1, as1, des2 (Es, As pierwszej oktawy, Des drugiej oktawy).
Informacje podstawowe Gudok jest strunowym instrumentem muzycznym. Najczęstszym sygnałem dźwiękowym było w XVII-XIX wieku wśród bufonów. Róg ma wydrążony drewniany korpus, zwykle owalny lub w kształcie gruszki, oraz płaską płytę rezonansową z otworami dźwiękowymi. Gryf rogu ma krótką, bezprogową szyjkę, na której mieszczą się 3 lub 4 struny. Możesz grać na rogu, ustawiając go
Informacje podstawowe Jouhikko (youhikannel, jouhikantele) to starożytny fiński strunowy instrument muzyczny. Podobny do 4-strunowego estońskiego hiukannelu. Jouhikko ma wydrążony brzozowy korpus w kształcie łódki lub innego kształtu, pokryty świerkową lub sosnową płytą rezonansową z otworami rezonatora i bocznym wycięciem tworzącym rękojeść. Zwykle są 2-4 ciągi. Z reguły sznurki to włosy lub wnętrzności. Skala jouhikko jest czwarta lub czwarta i piąta. Podczas
Informacje podstawowe Kemenche to ludowy instrument strunowy, spokrewniony z arabskim rebabem, średniowiecznym rebekiem europejskim, francuską pochette i bułgarską gadułką. Opcje wymowy i synonimy: kemendzhe, kemendzhesi, kemencha, kemancha, kyamancha, kemendzes, kementsia, keman, lira, pontiac lira. Wideo: Kemenche na wideo + dźwięk Dzięki tym filmom możesz zapoznać się z instrumentem, obejrzeć prawdziwa gra na tym, posłuchaj tego
Podstawowe informacje Kobyz jest narodowym instrumentem strunowym Kazachstanu. Kobyz nie posiada górnej płyty i składa się z wydrążonej, pokrytej bąbelkami półkuli, do której przymocowany jest uchwyt na górze i wylot na dole, służący do zabezpieczenia stojaka. Sznurki przywiązane do kobyza, w liczbie dwóch, tkane są z włosia końskiego. Grają na kobyzie, ściskając go w kolanach (jak na wiolonczeli),
Informacje podstawowe Kontrabas to największy strunowy instrument muzyczny, łączący w sobie cechy rodziny skrzypiec i altówek. Współczesny kontrabas ma cztery struny, chociaż kontrabasy z XVII i XVIII wieku mogły mieć trzy struny. Kontrabas ma gęstą, ochrypłą, ale nieco przytłumioną barwę, dlatego rzadko jest używany jako instrument solowy. Jego głównym obszarem zastosowania jest orkiestra symfoniczna,
Informacje podstawowe Morin khuur to strunowy instrument muzyczny pochodzenia mongolskiego. Morin khuur jest szeroko rozpowszechniony w Mongolii, regionalnie w północnych Chinach (głównie w regionie Mongolii Wewnętrznej) i Rosji (w Buriacji, Tuwie, Obwód irkucki i Terytorium Zabajkałskie). W Chinach morin khuur nazywany jest matouqin, co oznacza „instrument z głową konia”. Pochodzenie, historia Jeden z atrybutów legend mongolskich
Podstawy Nyckelharpa to tradycyjny szwedzki instrument smyczkowy, który przeszedł kilka modyfikacji w wyniku ewolucji na przestrzeni ponad 600 lat. W języku szwedzkim „nyckel” oznacza klucz. Słowo „harpa” zwykle odnosi się do instrumentów strunowych, takich jak gitara czy skrzypce. Nyckelharpa jest czasami nazywana „szwedzkimi skrzypcami klawiszowymi”. Za pierwszy dowód użycia nykelharpy uważa się wizerunek dwóch muzyków grających na tym instrumencie,
Podstawowe informacje, budowa Rabanastre to indyjski strunowy instrument muzyczny, spokrewniony z chińskim erhu i daleko z mongolskim morin khuur. Rabanastre ma niewielki cylindryczny drewniany korpus, pokryty skórzaną płytą rezonansową (najczęściej wykonaną ze skóry węża). Przez korpus przechodzi długa szyja w kształcie drewnianego pręta, do którego górnego końca przymocowane są kołki. Rabanaster ma dwie struny. Zwykle jedwabne sznurki
Informacje podstawowe Rebab to strunowy instrument muzyczny pochodzenia arabskiego. Słowo „rebab” po arabsku oznacza połączenie krótkich dźwięków w jeden długi. Korpus rebabu jest drewniany, płaski lub wypukły, trapezowy lub sercowaty, z niewielkimi nacięciami po bokach. Boki wykonane są z drewna lub kokosa, płyty rezonansowe ze skóry (z jelit bawoła lub pęcherza innych zwierząt). Szyja jest długa
Podstawowe informacje, budowa, pochodzenie Rebek to starożytny strunowy instrument muzyczny. Rebecque składa się z drewnianego korpusu w kształcie gruszki (bez muszli). Górna zwężająca się część korpusu przechodzi bezpośrednio w szyję. W płycie rezonansowej znajdują się 2 otwory rezonatora. Rebec ma 3 struny strojone w kwintach. Rebek pojawił się w krajach Europy Zachodniej około XII wieku. Obowiązuje do III kwartału
Informacje podstawowe Skrzypce to instrument muzyczny smyczkowy wysoki rejestr. Skrzypce należą czołowe miejsce wśród smyczków – najważniejsza część współczesnej orkiestry symfonicznej. Chyba żaden inny instrument nie łączy w sobie piękna, wyrazistości brzmienia i sprawności technicznej. W orkiestrze skrzypce pełnią różnorodne i wieloaspektowe funkcje. Bardzo często wykorzystuje się skrzypce, ze względu na ich wyjątkową melodyjność
Obecnie w muzyce symfonicznej i operowej wykorzystuje się następujące instrumenty smyczkowe: skrzypce, altówkę, wiolonczelę i kontrabas, które są efektem wieloletniego rozwoju różnych wcześniejszych typów instrumentów smyczkowych.
Czas powstania instrumentów smyczkowych jest trudny do ustalenia. Istnieje przypuszczenie, że ich kolebką był Wschód, a arabscy muzycy sprowadzili do Hiszpanii w VIII wieku tzw. rebab i kemanchę. Ale jednocześnie w Europie w VIII wieku znany był już pięciostrunowy instrument smyczkowy – krotta. Najstarsze instrumenty smyczkowe nie posiadały progów. Progi pojawiły się dopiero w XIV wieku wraz z rozpowszechnieniem się lutni, która do Europy została sprowadzona także przez Arabów i zrewolucjonizowała konstrukcję instrumentów smyczkowych.
Następnie instrumenty smyczkowe przeszły wielkie zmiany konstrukcyjne i ostatecznie instrumenty zwane altówkami przyjęły formę z rzeźbionymi bokami.
Ze względu na sposób wykonania altówki dzieliły się na dwie grupy: altówki ręczne (viola da braccio), najbliżej skrzypiec i altówki oraz altówki nożne lub kolanowe (viola da gamba).
Skrzypce ręczne podzielono na wysokie, altowe i tenorowe; skrzypce nożne - na bas i kontrabas. Te ostatnie zagrały oktawę niżej od basów.
Wszystkie te altówki bardzo różniły się od współczesnych skrzypiec, altówek i wiolonczel kształtem zewnętrznym, liczbą strun i kształtem otworów rezonansowych.
Pudła rezonansowego altówek w górnej części (w stronę gryfu) nie ma
był mocno zaostrzony, wycięcia boczne miały kształt regularnego półkola, obie płyty rezonansowe były prawie całkowicie płaskie, a otwory dźwiękowe miały kształt dwóch wycięć w kształcie półksiężyca, umiejscowionych tak: () lub tak :) (.
Liczba strun na altówkach wahała się od pięciu (francuska altówka wiolinowa) do siedmiu.
Czasami, wraz z grą na strunach jelitowych, na altówkach rozciągano również rezonansowe (podwielokrotności) metalowe struny. Struny altówek umieszczono w niewielkich odległościach od siebie i bardzo blisko progowej gryfy; W rezultacie, a także ze względu na niewielką krzywiznę mostka, nie można było grać głośno na jednej ze środkowych strun.
Wraz ze wzrostem wymagań artystycznych i rozwojem technik wykonawczych, instrumenty smyczkowe również uległy poprawie. Ostateczny projekt instrumentów, który zapewniał najszlachetniejsze, pełne brzmienie i znacznie szersze możliwości artystyczne i techniczne, rozwinął się XVI wiek, najpierw na skrzypce, a następnie rozszerzony na większe instrumenty. Stopniowo dawne instrumenty smyczkowe – altówki – wypierane były przez nowe, bardziej zaawansowane instrumenty, które powstawały powoli, w sposób ewolucyjny. Altówka, wiolonczela i kontrabas zastąpiły altówki odpowiadające ich wielkościom znacznie później niż skrzypce.
W XVI-XVII wieku całe szkoły mistrzowskie pracowały już nad konstrukcją nowego typu instrumentów smyczkowych. Najbardziej znany z szkoły skrzypcowe z tego okresu były to: Brescia (Gasparo da Salo, rodzina Magini), Cremona (rodziny Amati, Stradivari, Guarneri), Tyrolka (Jacob Steiner).
Spośród mistrzów z Brescii szczególnie wyróżniała się rodzina Magini; najlepsze skrzypce stworzył Giovanni Magini (1580-1651).
Najwybitniejszym przedstawicielem rodu Amati był Nicola Amati (1596–1684), nauczyciel Andrei Guarneriego i Antonia Stradivariego. Ten ostatni (1644-1737) był z kolei najsłynniejszym z mistrzów rodziny Stradivariusów. Najlepsze skrzypce Antonio Stradivariego są nadal uważane za niedoścignione ze względu na swoje wyjątkowe właściwości brzmieniowe.
Rodzina Guarneri działała w XVII-XVIII wieku. Najwybitniejszym lutnikiem tej rodziny był Giuseppe Guarneri1 (1698-1744), który stworzył szereg instrumentów konkurujących z najlepsze prace Stradivariego. Jednym z wybitnych mistrzów instrumentów smyczkowych był rosyjski mistrz Iwan Batow (1767-1841), poddany hrabiego Szeremietiewa, który stworzył szereg skrzypiec, altówek i wiolonczel o wyjątkowo wysokiej jakości.
Wśród mistrzów XIX wieku należy przede wszystkim wymienić Francuza J. B. Villiomę (1798-1875). Jego imitacje skrzypiec Stradivariusa stały się powszechnie znane.
W XX wieku dużą uwagę skrzypkom zaczęły przyciągać instrumenty smyczkowe rosyjskich mistrzów – A. I. Lemana, E. F. Vitachka, T. F. Podgórnego.
Nowoczesne instrumenty smyczkowe. Podobnie jak starożytne, współczesne instrumenty smyczkowe, w zależności od wielkości, dzielą się na 2 grupy: podręcznik narzędzia i stopa.
Instrumenty smyczkowe obejmują skrzypce i altówkę, a instrumenty nożne to wiolonczelę i kontrabas. 
1
- górny pokład i 2
— tylny pokład— główne części rezonansowe (wraz z korpusem tworzą korpus instrumentu); wewnątrz, pomiędzy pokładami, znajduje się amortyzator (przekładka drążkowa), z którego przekazywane są drgania Górny pokład do dna; 3
- powłoka, 4
— gryf jest miejscem dociskania strun (posiada krzywiznę); 5
- pod szyją lub na pół szyi (swobodnie zwisający) - służy do mocowania sznurków; 6
- szyja - nosi szyję; 7
- pudełko na kołki - do wzmocnienia kołków; 8
- loki - koniec pudełka na kołki (są ukształtowane; starożytni mistrzowie często robili loki w kształcie głowy mężczyzny lub lwa); 9
- kołki - służące do napinania strun (drewniane, w przeciwieństwie do metalowych kołków instrumentów szarpanych); 10
- nakrętka - służy do ograniczenia brzmiącej części strun (posiada krzywiznę zbliżoną do gryfy); 11
- stojak - ogranicza część brzmiącą strun, podtrzymuje je, tworzy krzywiznę w ułożeniu strun, przekazuje ich drgania na płyty rezonansowe; 12
- guzik - służy do zabezpieczenia połowy gryfu (wiolonczela i kontrabas posiadają również blokadę trzpienia); 13
- efas - wyloty; 14
- wąsy - obramowują płyty rezonansowe; 15
— podbródek (dostępny tylko dla narzędzi ręcznych); 16
- iglica (dostępna tylko dla instrumentów nożnych).
Smyczki. Wszystkie instrumenty smyczkowe mają cztery struny. Stosowane są sznurki metalowe (stalowe) i jelitowe (drut), także te oplecione nitką aluminiową lub srebrną. W Ostatnio Oprócz jelitowych coraz powszechniejsze stają się również sznurki nylonowe.
Cienkie metalowe sznurki, nie oplecione żyłką, stosuje się tylko do 1. struny struny skrzypcowe.
Stosowane są trzy struny jelitowe o różnej grubości: do drugiej i trzeciej struny skrzypiec (obecnie nieużywane),
na I i II strunę altówki (teraz również wychodzą z użycia),
na I i II strunę wiolonczeli (obecnie prawie nigdy nie spotyka się jelitowych drugich strun wiolonczeli),
na I i II strunę kontrabasu.
Stosowane są metalowe struny oplecione aluminiową nicią:
na II strunę skrzypiec,
na altówkę I strunową,
na I strunę wiolonczeli. 
1 - wał lub laska (sprężyny w kierunku przeciwnym do włosa); 2 - blok do mocowania włosów (drugi koniec włosa jest zamocowany na końcu laski lub trzonka), przesuwa się wzdłuż laski poprzez obracanie śruby; 3 — śruba do napinania włosów poprzez przesuwanie bloku; 4 - sierść (końska) nacierana kalafonią, aby zapobiec cichemu przesuwaniu się po sznurku; 5 - koniec laski lub trzonka.
Stosowane są struny jelitowe (nylonowe) oplecione nitką aluminiową:
na 3. strunę skrzypiec, na 2. strunę altówki, na 2. strunę wiolonczeli.
Struny jelitowe oplecione srebrną nicią stosuje się:
na czwartą strunę skrzypiec, na 3. i 4. strunę altówki, na 3. i 4. strunę wiolonczeli, na 3. i 4. strunę kontrabasu.
Przy tym samym napięciu cieńsza struna brzmi wyżej niż grubsza, a dłuższa struna brzmi niżej niż krótsza.
Struna opleciona nitką brzmi niżej niż struna o tej samej średnicy, która nie jest opleciona nicią srebrną lub aluminiową.
Długość strun zależy od wielkości instrumentu. Odnosi się to do długości odcinka sondującego struny – pomiędzy nakrętką a stojakiem.
Wibracje strun. Struny, umocowane w dwóch punktach (na kołku i na gryfie) i naprężone przez kołki w wymaganym stopniu, posiadają część sondującą pomiędzy nakrętką (dolna granica) a mostkiem (górna granica).
Wysokość dźwięku zależy od napięcia struny. Im ciaśniejsza struna, tym wyższy dźwięk.
Dźwięk powstaje w wyniku drgań ciała sprężystego (źródłem dźwięku jest w tym przypadku struny), wyprowadzone ze stanu równowagi i dążące do przywrócenia tej równowagi: 
Rozciągnięta struna – ciało sprężyste A-B – wyprowadzona ze stanu równowagi w położeniu a, stara się powrócić do pierwotnego położenia a, lecz dzięki bezwładności przekracza granicę a i dociera do położenia a. Następnie próbując ponownie wrócić do pozycji a, ona również dzięki bezwładności osiąga prawie pozycję a, po czym wraca prawie do pozycji a... Zatem struna będzie oscylować, stopniowo uspokajając się, aż do całkowitego ustania oscylacji, czyli , aż do chwili, gdy ponownie zajmie pozycję a.
Nazywa się odległość między punktami a” i a”. zakres Lub amplituda drgań.
Czas, w którym ciało pokonuje odległość od „a” do „a” i z powrotem do „a”, nazywany jest czasem trwania lub okresem całkowitej oscylacji.
W miarę jak wibracje struny uspokajają się, dźwięk stopniowo zanika i zatrzymuje się całkowicie, gdy struna powraca do pozycji a.
Miejsce największej amplitudy drgań struny (jej środek) nazywa się antywęzłem, a miejsce unieruchomienia struny (w którym amplituda wynosi zero) nazywa się węzłem.
Dźwięk a powstaje w wyniku 440 podwójnych drgań (880 prostych) 1 na sekundę. Dwukrotna liczba wibracji wytwarza dźwięk o oktawę wyższą, a połowa tej liczby wytwarza dźwięk o oktawę niższą.
Zatem a ma liczbę podwójnych oscylacji równą: 440:2 = 220.
A-220: 2=110,
A 1 - 110: 2 = 55,
A 2 - 55:2 = 27,5
Odpowiednio, 2 ma liczbę podwójnych oscylacji równą: 440*2=880.
a 3 to 880*2=1760, a 4 to 1760*2 = 3520.
Najniższe dźwięki wydają długie i grube struny (owinięte żyłką). Wysokie dźwięki wydobywają się z krótkich, cienkich strun. Warunki te są utrzymywane przy stosunkowo równym napięciu. Struny sztucznie osłabione (to znaczy struny luźno napięte), mimo że dadzą w przybliżeniu pożądany ton, są zwiotczałe, słabe i niestabilne w tonacji. Wręcz przeciwnie, zbyt napięte struny wytwarzają pusty i pozbawiony wyrazu dźwięk.
Technika lewej ręki. Różnorodność możliwości wysokości dźwięków na instrumentach smyczkowych osiąga się poprzez skracanie naciągniętych strun palcami lewej ręki i uzyskiwanie w ten sposób dźwięków wyższych niż te, które wytwarzają struny, które nie są skracane poprzez dociskanie palców do gryfu.
Struny nazywane są otwartymi, jeśli dźwięk uzyskuje się w wyniku drgań całej struny, a nie skracanego przez nacisk palców lewej ręki. Część dźwiękowa otwartego (pustego) sznurka znajduje się pomiędzy nakrętką a stojakiem. Palce lewej ręki skracają strunę, dociskając ją w różnych miejscach do gryfu. Następnie brzmiąca część struny będą znajdować się pomiędzy punktem nacisku a stojakiem.
Jeśli skrócisz strunę o 1/2 (na pół), czyli wciśniesz ją w środek, wówczas jej część brzmiąca stanie się o połowę krótsza w stosunku do struny otwartej, a dźwięk będzie o oktawę wyższy niż dźwięk otwartej struny.
Jeżeli skrócisz strunę o 1/3”, czyli dociśniesz ją w odległości 1/3 od nakrętki, to część brzmiąca będzie równa 2/3 długości otwartej struny, a dźwięk będzie być o jedną piątą wyższa niż w przypadku otwartego ciągu.
Jeśli skrócisz strunę o 1/4, wówczas część brzmiąca będzie równa 3/4 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną czwartą wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/5, wówczas część brzmiąca będzie równa 4/5 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną trzecią większą wyższy niż w przypadku struny otwartej 2.
Jeśli skrócisz strunę o 1/6, wówczas część brzmiąca będzie równa 5/6 struny otwartej, a dźwięk będzie o jedną trzecią małą wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/9, wówczas część brzmiąca będzie równa 8/9 struny otwartej, a dźwięk będzie o sekundę większą wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Jeśli skrócisz strunę o 1/16, wówczas część brzmiąca będzie równa 15/16 struny otwartej, a dźwięk będzie o małą sekundę wyższy niż w przypadku struny otwartej.
Podteksty. Struna, jak każde ciało sprężyste, podlega złożonemu ruchowi oscylacyjnemu, składającemu się z szeregu prostych. Wibruje nie tylko na całej swojej długości, ale jednocześnie w poszczególnych częściach: dwóch połówkach, trzech trzecich, czterech czwartych, pięciu piątych, sześciu szóstych itp.
Każda częściowa wibracja wytwarza swój własny dźwięk. Zatem gdy struna wibruje, oprócz tonu głównego odpowiadającego wibracji całej struny, słyszymy całą serię wyższych alikwotów, zwanych tonami cząstkowymi, czyli alikwotami, odpowiadającymi drganiom połowy struny (drugi alikwot). , trzecia struna (3. alikwot), ćwiartka struny (4. alikwot) itd.
Te ruchy oscylacyjne struny można przedstawić na poniższym schemacie: 
Zatem każda część wibrującej struny wytwarza odpowiedni ton porządkowy. Kolejna seria podtekstów nazywana jest skałą naturalną lub akustyczną.
Załóżmy, że podczas drgań cała struna wydaje dźwięk (ton podstawowy) C. W tym przypadku dzieląc strunę sukcesywnie na dwie połowy, trzy trzecie, cztery czwarte itd.
Flajolety. Harmoniczna to alikwot izolowany od barwy brzmiącej struny. Harmonie powstają w wyniku podziału brzmiącej struny na kilka odcinków o jednakowej długości, a zatem jednakowo brzmiących. Osiąga się to poprzez lekkie dotknięcie (a wcale nie mocne!) palcem w dowolne miejsce, w którym struna jest podzielona na określoną liczbę równych części. Oczywiste jest, że przy tak lekkim dotknięciu nie nastąpi zwykłe skrócenie struny, a jedynie podkreślenie jednego alikwotu 
(mianowicie posiadanie tutaj węzła) kosztem wszystkich pozostałych (posiadanie antywęzłów w tym miejscu). Nie trzeba specjalnie wyjaśniać, że miejsce o największej amplitudzie drgań – antywęzeł – nie może powstać tam, gdzie uniemożliwia to lekkie dotknięcie palca; wręcz przeciwnie Najlepszym sposobem sprzyja tworzeniu silnych węzłów.
Jeśli lekko dotkniesz palcem środka struny, rozdzieli się ona na dwie jednakowo brzmiące części (od nakrętki do punktu styku i od niej do mostka). Każda z tych części będzie równa 1/2 struny otwartej i usłyszymy drugi dźwięk naturalny (harmoniczny), czyli dźwięk o oktawę wyższy od struny otwartej. Przy pełnym ciśnieniu w tym miejscu zabrzmi tylko połowa struny, czyli pojawi się normalny (nie flajoletowy) dźwięk o oktawę wyższy niż struny otwartej. W tym przypadku dźwięk harmoniczny odpowiada wysokością zwykłego dźwięku struny, ale różni się od niego barwą.
Jeśli dotkniesz w miejscu odpowiadającym 1/3 lub 2/3 długości struny, zostanie ona podzielona na trzy równe, jednakowo brzmiące odcinki, a każdy z nich będzie równy 1/3 otwartej struny. Zabrzmi trzeci naturalny dźwięk (flageolet), to znaczy dźwięk o oktawę + piątą wyższą niż otwarta struna.
Po całkowitym wciśnięciu do 1/3 długości struny dźwięk będzie o jedną piątą wyższy od otwartego, a po wciśnięciu na 2/3 długości struny kwinta zabrzmi przez oktawę, czyli: dźwięk nieharmoniczny, odpowiadający wysokością trzeciemu alikwotowi.
Jeśli dotkniesz struny w miejscu odpowiadającym 1/4 lub 3/4 jej długości (ale nie w 2/4 = 1/2, ponieważ tutaj uzyskuje się drugi naturalny dźwięk), wówczas zostanie ona podzielona na cztery równe , równie brzmiące segmenty , a każdy z nich będzie równy 1/4 otwartej struny. Zabrzmi czwarty dźwięk naturalny (flageolet), czyli dźwięk o dwie oktawy wyższy od otwartej struny.
Po całkowitym wciśnięciu do 1/4 długości struny dźwięk będzie o jedną czwartą wyższy od otwartego, a po wciśnięciu do 3/4 długości struny przez oktawę zabrzmi oktawa, czyli: dźwięk nieharmoniczny odpowiadający czwartemu alikwotowi.
Sekwencyjny podział struny na części (w celu wyodrębnienia harmonicznych). Jeśli przyjmiemy dźwięk całej struny jako C, to:
II dźwięk naturalny – harmoniczna oktawowa (można ją uzyskać w miejscu, w którym przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się oktawę): 
Trzeci dźwięk naturalny - piąta harmoniczna (można ją uzyskać w miejscu, w którym przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się piątą): 
Czwarty dźwięk naturalny to harmoniczna kwarta (można ją uzyskać w miejscu, w którym za pomocą normalnie zaciśniętej struny uzyskuje się kwartę):
Piąty dźwięk naturalny to trzecia harmoniczna wielka (można ją uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się tercję wielką):
Szósty dźwięk naturalny to tercja mała (można ją uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnie dociśniętej strunie uzyskuje się tercję małą): 
Siódmy dźwięk naturalny powstaje w wyniku podziału struny na siedem części (można go uzyskać w miejscu, gdzie przy normalnym naciśnięciu struny uzyskuje się odstęp nieco mniejszy niż tercja mała): 
Ósmy dźwięk naturalny powstaje w wyniku podziału struny na osiem części (można go skorygować w miejscu, gdzie przy normalnym naciśnięciu struny interwał jest nieco mniejszy niż tercja mała):
Na krótkich strunach stosuje się alikwoty 2., 3., 4., a czasami 5., na długich strunach czasami także 6. i 8. alikwot.
Lepiej wydobyć wysokie alikwoty 6. i 8. w miejscach 5/6 i 7/8 długości struny (czyli bliżej mostka, do smyczka) niż w 1/6 i 1/8 długości struny. długość sznurka (czyli bliżej nakrętki). Pod tym warunkiem te podteksty pojawiają się również na krótszych strunach.
Barwa harmonicznych różni się znacznie od barwy tych samych dźwięków wydobywanych w zwykły sposób, ponieważ nie jest zabarwiona alikwotami. Harmoniczne brzmią bardzo cicho i delikatnie, są usuwane ostrożnie ze względu na niebezpieczeństwo przypadkowego przekształcenia dotyku palca w zwykłe naciśnięcie, co niszczy harmoniczne.
Wibracje nie są możliwe w przypadku naturalnych harmonicznych.
Notatka. Wibracja to niewielki ruch lewej ręki wokół osi (miejsca nacisku struny), powodujący pewne wahania wysokości dźwięku (imitacja ludzki głos). Oczywiste jest, że wibracje są całkowicie niemożliwe na otwartych strunach.
Harmonie są oznaczone literą O nad każdą nutą. 
Harmoniczne naturalne i sztuczne. Harmoniczne mogą być naturalne lub sztuczne.
Harmoniczne naturalne powstają na strunach otwartych, to znaczy na strunach, które nie zostały skrócone naciskiem palców lewej ręki.
Sztuczne harmoniczne uzyskuje się z już skróconej (zaprasowanej) struny.
Sztuczne harmonie wykonuje się dwoma palcami, z których jeden – bliżej siodełka – mocno dociska strunę, a drugi dotyka jej w odpowiednim punkcie pomiędzy punktem nacisku a mostkiem.
Możliwe są sztuczne harmoniczne, zaczynając od czwartej i dalej, w kierunku zmniejszania interwału (tercja wielka, tercja mała itp.).
Nie można przyjmować sztucznych harmonicznych większych niż kwarta, ponieważ normalne rozciągnięcie palców nawet na skrzypcach (najmniejszym instrumencie) nie przekracza kwarty.
Notatka. Na skrzypcach wyjątkowo (po mocnym rozciągnięciu palców) możliwa jest harmonika kwintowych2.
Nagrywanie sztucznych harmonicznych. Kompletny zapis sztucznych harmonicznych obejmuje trzy elementy: 1) miejsce ścisłego dociśnięcia (skrócenia) struny jest oznaczone regularną notatką o wymaganym czasie trwania; 2) miejsce dotknięcia skróconej struny w celu jej podziału na części oznaczone jest rombem umieszczonym nad banknotem; 3) wreszcie mała nuta nad rombem pokazuje rzeczywistą dźwięczność harmonicznej: 
Metody ekstrakcji dźwięku. Istnieją trzy sposoby wydawania dźwięku na instrumentach smyczkowych: 1) poprzez przesuwanie smyczka wzdłuż struny; 2) szarpiąc palcem i 3) uderzając strunę trzciną (trzonem) smyczka.
Kokardka na sznurku(technika gry zwana agso). Gdy smyczek się porusza, struna wibruje w sposób ciągły i wydaje melodyjny dźwięk. Im silniejszy jest nacisk smyczka i im szybszy jest jego ruch (w pewnym stopniu oba te czynniki są od siebie zależne), tym silniejszy jest dźwięk struny. Jednakże zbyt duży nacisk smyczka może uniemożliwić swobodne drganie struny, w takim przypadku wymuszony dźwięk zamienia się w skrzypienie włosia końskiego pokrytego kalafonią.
Elastyczność i wyrazistość brzmienia instrumentów smyczkowych polega na tym, że wykonawca może w każdej chwili bezpośrednio wpłynąć na produkcję dźwięku i nadać nieskończoną liczbę niuansów od fortepianu do forte.
Szczypta(technika gry zwana pizzicato). W tej metodzie struna jest jednokrotnie wytrącana z równowagi. Po szarpnięciu dźwięk szybko zanika i nie ma wpływu na jego późniejsze brzmienie. Dlatego nie ma sensu pisać pizzicato inaczej niż w ćwiartkach lub, jeśli to konieczne, w krótszych odstępach czasu.
Uszczypnięcie zwykle odbywa się palcem prawa ręka, chociaż w praktyce istnieją techniki gry pizzicato palcami lewej ręki (głównie na otwartych strunach).
Przy przejściu od pizzicato do performance słowo agso umieszcza się z kokardą. Zmiana techniki agso i pizzicato oznacza przynajmniej minimalną przerwę w dźwięku, zwłaszcza jeśli podczas agso smyczek był w ruchu skierowany w dół, przez co prawa ręka odsunęła się daleko od struny.
Stukanie laską(z trzonkiem) smyczka na strunie (technika gry zwana col legno) to raczej efekt perkusyjny, gdyż w powstałym dźwięku stukanie dominuje nad intonacją (określnością wysokości i barwy dźwięku).
Miejsce, w którym łuk jest naciągnięty na cięciwę. Zwykle miejscem trzymania smyczka jest środek odległości pomiędzy mostkiem a końcem podstrunnicy. To tutaj powstaje najpełniejszy i najbardziej wyrazisty dźwięk.
Czasami, dla specjalnego efektu, dźwięk wydobywa się poprzez przytrzymanie smyczka przy mostku (technika ta nazywa się sul ponti-cello). Uzyskany w ten sposób dźwięk jest cichy, ale ostry i ma charakterystyczną barwę zbliżoną do brzmienia harmonijki ustnej. Dźwięk można również wydobyć na samej podstrunnicy (technika ta nazywa się sul tasto). Technika ta pozwala uzyskać dźwięk o delikatnym, zimnym tonie, nieco przypominającym flet.
Specyficzny charakter dźwięku uzyskiwanego podczas gry smyczkiem sul tasto lub sul ponticello tłumaczy się tym, że podczas trzymania smyczka sul tasto niszczone są niskie dźwięki naturalne (4 i 5), które mają węzły w miejscu ukłonu, a podczas trzymania smyczka sul ponticello Ton główny jest częściowo wyłączony. 
Podstawowe zasady techniki ukłonu (tzw. technika prawej ręki). Prowadzenie łuku w dół (od bloku do końca) sygnalizowane jest znakiem ∏, w górę (od końca do bloku) znakiem V. W pierwszym przypadku (prowadzącym w dół) naturalnie wychodzi diminuendo, w drugim (prowadzącym w górę) – crescendo, gdyż im bardziej ciężar samej ręki odsuwa się od struny, tym łatwiej wydobyć cichy, delikatny dźwięk z instrumentu - i odwrotnie. W związku z tym pianissimo wypada lepiej, gdy gra się końcem smyczka, podczas gdy ostre akcenty fortissimo są bliżej bloku.
Podczas gry w forte smyczek porusza się po strunie szybciej niż przy grze na pianinie, więc długie nuty lub duża liczba nut na smyczek są możliwe tylko na fortepianie.
Uderzenia. Uderzenia to różne techniki poruszania łukiem. Przekazują znaczenie semantyczne wykonywana muzyka i dlatego można je słusznie uwzględnić najważniejszymi środkami ekspresja muzyczna podczas gry na instrumentach smyczkowych.
Na przestrzeni długiego czasu najbogatsza praktyka gry – przede wszystkim na skrzypcach i wiolonczeli – zgromadziła wiele różnorodnych uderzeń, pomiędzy którymi w niektórych przypadkach trudno wyznaczyć określoną linię i sklasyfikować je. Dlatego poniżej skupimy się na najbardziej podstawowych pociągnięciach i tylko pokrótce poruszymy niektóre z ich najpopularniejszych odmian.
Za główne uderzenia należy uznać detache, legato, różne rodzaje staccato i spiccato, a także tremolo. Detache (francuski) - uderzenie o wyraźnym ataku, o wyraźnie deklamacyjnym charakterze, służące do wykonywania energetycznych fraz, wymagających dużej pełni i bogactwa tonu: 
W szybkim ruchu skoku odłączonego można odtwarzać także konstrukcje o porządku motorycznym, w tym pasaże dość szybkie (jeśli jest to konieczne do osiągnięcia wystarczającej pełni dźwięku):
Jeżeli oderwanie wykonujemy z najdłuższym łukiem w danym tempie, to aż do wykorzystania całego zamachu tę technikę zwykle nazywany grand detache:
Jak widać ze wszystkich powyższych przykładów, główną cechą wyróżniającą detache, niezależnie od tempa, siły dźwięku i zamachu smyczkiem, jest wykonanie jednej nuty na każdy ruch smyczka w jednym kierunku. W oparciu o tę funkcję ten i inne podobne pociągnięcia (na przykład sautille opisane poniżej) nazywane są podzielonymi.
Przeciwnie, legato jest uderzeniem składającym się z kilku nut na jednym smyczku. W przeciwieństwie do deklamacyjnego charakteru detache, płynna część legato w największym stopniu odwzorowuje pieśniową, ariatyczną stronę śpiewu ludzkiego.
W notacji legato każda liga reprezentuje jeden kierunek łuku. Oto przykłady fraz melodycznych wykonywanych legato: 
Uderzenia staccato – staccato i spiccato – różnią się od siebie tym, że staccato wykonywane jest bez odrywania smyczka od struny, natomiast spiccato polega właśnie na odbijaniu się smyczka po każdym kontakcie ze struną.
Istotą staccato jest energiczne pchnięcie smyczkiem, po którym następuje natychmiastowe osłabienie dźwięku. W powyższym fragmencie staccato grane są wszystkie ósemki i oczywiście szesnastki (każdą szesnastkę gra się przesuwając smyczek w tym samym kierunku, w którym poprzednia ósemka jest oddzielona pauzą): 
Jeśli chodzi o ćwierćnuty z kropkami nad nimi, to w tym przypadku długość samego dźwięku (naciśnięcie smyczkiem) jest znacznie krótsza niż okres tłumienia dźwięczności (prawie całkowite zatrzymanie ruchu smyczka). Dodatkowo przed każdym nowym pchnięciem następuje prawdziwy przystanek pozwalający zmienić kierunek ruchu. Podobny sposób gry staccato z akcentowanym podzielonym uderzeniem nazywa się martele. Czasami wskazują na to wydłużone, spiczaste kliny nad nutami lub wskazania słowne.
Każdą nutę zwykłego staccato można zagrać w tym samym lub przeciwnym kierunku ruchu smyczka w stosunku do poprzedniego(-ych).
W poniższym przykładzie przerywane staccato można zagrać na dwa sposoby: za pomocą uderzenia rozdzielonego (tzn. naprzemiennie à i V) i dwóch nut staccato na każdy kierunek smyczka: 
Dlatego też można grać dwie lub więcej nut staccato w jednym kierunku. Każdy z nich ma swój własny, specjalny lekki ruch (pchnięcie) za pomocą łuku.
Przytoczmy dla przykładu dość powszechną w praktyce wirtuozowskiej technikę grania znacznej liczby nut staccato w jednym kierunku smyczka (łatwiej w górę); Należy jedynie zauważyć, że podczas gry grupowej to uderzenie nie ma zastosowania: 
Jak wspomniano powyżej, spiccato jest głównym uderzeniem odbijającym. główna cecha takie akcenty - ich lekkość, zwiewność.
Oto kilka przykładów różne zastosowania spiccato. Pełen wdzięku, w umiarkowane tempo Fragment wykonanego uwertury „Dziadek do orzechów”: 
Sautille różni się od zwykłego spiccato tym, że wraz ze wzrostem prędkości wykonawca przestaje kontrolować poszczególne ruchy łuku i od tego momentu zaczyna dominować mechaniczny, motoryczny charakter uderzenia, regulowany przez elastyczność łuku, jego możliwość odbicia się od sznurka.
Przykładem sautille jest „Lot trzmiela” z „Opowieści o carze Saltanie”: 
Wszystkie spiccato gra się środkową tercją smyczka – w forte bliżej bloku, w fortepianie bliżej jego końca. Ponadto wraz ze wzrostem prędkości ruchu (dotyczy to zwłaszcza odmian motorowych) łuk również przesuwa się od środka do końca.
Z niepodzielnych uderzeń skokowych najczęstszym jest uderzenie rzucające - tzw. rykoszet. Ten skok jest możliwy nie tylko na jednej strunie: 
ale także podczas przechodzenia od struny do struny, na przykład podczas wykonywania grupowań arpeggiowych na trzech lub czterech strunach:
Nie trzeba specjalnie wyjaśniać, że za pomocą skokowych skoków silnika nie można osiągnąć znaczącej siły dźwięku.
Jednym z najczęstszych uderzeń orkiestrowych jest tremolo. Jest to powtarzanie jednej nuty poprzez szybkie, naprzemienne poruszanie smyczkiem w różnych kierunkach bez odrywania go od struny (tzw. tremolo prawej ręki). Im głośniejsze brzmienie musisz wydobyć podczas gry tremolo, tym większy zamach musisz wykonać smyczkiem. Głośny dźwięk wytwarzany jest przez środek smyczka przy dużym wahaniu jego ruchu; wręcz przeciwnie, ledwo słyszalne tremolo (dosłownie szelest) można uzyskać dopiero na końcu smyczka, przy jego prawie niezauważalnym ruchu.
Notatka. Tego typu tremolo nie należy mylić z sekwencją dwóch szybko naprzemiennych dźwięków na jednym smyczku (tzw. tremolo lewej ręki): 
Tremolo jest zatem przede wszystkim akcentem orkiestrowym, gdyż na jedność jego brzmienia składają się poszczególne tremolo o różnej prędkości ruchu prawej ręki (oczywiście z wyjątkiem przypadków, gdy prędkość powtarzanych nut jest ściśle określona przez autora).
Praktyka gry na instrumentach smyczkowych rozwinęła znaczną liczbę technik uderzeń, które sprawiają, że wykonanie jest żywe, znaczące i wyraziste. Niestety nie wszystkie te techniki mają dokładne odzwierciedlenie w zapisie nutowym, a wykonawcom często pozostaje jedynie domyślać się, jaką technikę zastosować, aby zagrać tę czy inną frazę, jak rozmieścić części smyczka, aby nie zniekształcić muzyki nieprawidłowym akcenty, gdzie lepiej zastosować staccato, a gdzie spiccato itp., itd. Inaczej mówiąc, kompozytor w dużej mierze zależy od wykonawców – ich taktu, wrażliwości, muzykalności. Wszystko to tym bardziej zobowiązuje każdego autora nowego dzieła do szczegółowego wskazania w partyturze wszystkich swoich intencji. Oczywiście w trakcie pracy wykonawcy będą mogli zaoferować bardziej udane opcje frazowania (cieniowania), ale musimy pamiętać, że z kolei prawidłowe propozycje mogą powstać jedynie na podstawie dokładnego zrozumienia inwencji autora zamiar.
Podajmy kilka przykładów, gdzie charakter kreski w decydujący sposób determinuje sformułowanie i dlatego wymaga szczegółowej instrukcji w tym zakresie.
wówczas będzie to już sposób grania zwany marcato (podkreślanie, podkreślanie).
Ostatnio w praktyce gry ugruntowało się jeszcze jedno uderzenie – środkowe pomiędzy mocno zaakcentowanym detache a spiccato. W odniesieniu do przykładu podanego właśnie w nagraniu, ta technika wykonania wyglądałaby następująco:
to znaczy różniłby się od poprzednich metod wykonania tym, że każda nuta akcentowana byłaby oddzielona od sąsiedniej krótką pauzą (poprzez podniesienie smyczka ze struny).
Wśród technik gry na instrumentach smyczkowych szczególne miejsce zajmuje gra akordów trzy- i czterodźwiękowych. Zwykle gra się je tak, jakby składały się z dwóch interwałów zawartych w każdym akordzie: 
Niektórzy wykonawcy sugerowali granie akordów arpeggiowanych: 
jest to jednak pierwsza metoda, która stała się powszechna.
Możliwe są sekwencje akordów trzy- i czterodźwiękowych, z których każdy jest wykonywany z opuszczonym smyczkiem. Przy odpowiednim naciśnięciu smyczka trzydźwiękowe akordy można grać bez arpeggiato, to znaczy na wszystkich trzech strunach można grać jednocześnie (smyk przyciągnięty bliżej gryfu; wraz ze wzrostem dźwięczności przesuwa się on bliżej mostka). Jest rzeczą oczywistą, że popowe arpeggiato to krótkotrwały i gwałtowny efekt.
Akordów czterodźwiękowych w zasadzie nie da się grać w popowym arpeggiato, choć w znaczącym forte kolejność interwałów tworzących akord można ograniczyć do minimum.
Oto wyraźny przykład grupowego użycia akordów trzy- i czterodźwiękowych, z których większość grana jest w formie popowego arpeggiato.