Paruyr Davtyan wynalazł karabin maszynowy. Automat jest wyjątkowy, choć oczywiście wygląda jak automat ze słodyczami. Specjalna kapsułka, która wypada z maszyny, zawiera cukierek z kartką papieru, na której wydrukowany jest cytat. To powiedzenie jakiegoś wielkiego człowieka, a może nawet zwykły człowiek. Wszyscy uczestnicy, zarówno wielcy, jak i prości, definiują sztukę. Odpowiedzi na to pytanie jest wiele i trudno je odrzucić. Wszystko to razem zmienia nasz świat, oczywiście na lepszy.
Cukierki kosztują tylko 10 rubli. Pieniądze ze sprzedanych kapsułek ze słodyczami zostaną przekazane m.in programy edukacyjne.
Paruyr Davtyan, artysta konceptualny, członek grup „Cupid”, „Edelweiss”, „King of the Mountain”, uczestnik 6. Biennale w Moskwie Sztuka współczesna, projektant.
Paruyr, czy ten specjalny projekt rozpoczyna się wraz z otwarciem Biennale?
Tak, zaczyna się od otwarcia Moskiewskiego Biennale Sztuki Współczesnej. Pierwsze urządzenia – a są to właśnie samochody sprzedające słodycze – pojawią się w NCCA i Petrovce, w Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Jednocześnie projekt nie był pomyślany jako część Biennale, ale jako nieskończenie rozwijający się, ciągły proces. Mam nadzieję, że to się nigdy nie skończy. Zależy mi na tym, aby jak najwięcej instytucji, muzeów, galerii zaczęło instalować te maszyny. Ich liczba nie będzie ograniczona. Ale na początku będą zlokalizowane w około 15 lokalizacjach: są to NCCA, CTI FABRIKA, Fundacja Kulturalna„Katarzyna”, Fundacja Stella Art, MMOMA, Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej, Muzeum Darwina itp.
A teraz proszę o więcej...
Głównym bohaterem projektu jest kapsuła. Zawiera cukierka oraz kartkę papieru, na której wydrukowany jest cytat. To wypowiedź albo wielkiej postaci, albo prostego człowieka, który zdecydował się wziąć udział w projekcie i zdefiniować sztukę poprzez stronę internetową www.whatisart.ru. Cukierki kosztują 10 rubli. Pieniądze ze sprzedanych kapsułek ze słodyczami zostaną przeznaczone na programy edukacyjne Instytutu Sztuki Współczesnej.
A co z cytatami?
Sam je wybieram. Szukałam w książkach, w internecie, jest tego mnóstwo. Do tej pory zebrano około 500 cytatów wielkich ludzi i 300 wypowiedzi naszych współczesnych, internautów, którzy odwiedzili witrynę www.whatisart.ru. Jest tylko jedno okienko, w którym należy wpisać odpowiedź na pytanie „Co to jest sztuka?” i subskrybuj. W pewnym momencie to stwierdzenie wraz z nazwiskiem autora wpada do jednej z kapsuł. Jestem przekonany, że sztukę można definiować nie tylko świetny klasyk lub uznany ekspert – słowa zwykli ludzie i nasi współcześni są nie mniej ważni. Tak czy inaczej, nie ustalam priorytetów. Nie skupiam się na tym, co ludzie powiedzieli, ale na wolności słowa i dostępie do niej. Najbardziej interesuje mnie wielość. Chcę jasno pokazać, że odpowiedzi na postawione pytanie jest wiele. To nie tak, że o tym nie wiemy, ale kiedy materializują się w wielu małych kapsułkach, trudniej jest odrzucić tę rzeczywistość.
Gdzie powinny znajdować się urządzenia?
Celowo umieściłem je poza przestrzenią muzealną, aby nie eksponować maszyny jako dzieła sztuki, bo nią nie jest. Postawiłem je przed wejściem. Jeśli chcesz, zmień swój wygląd zanim wejdziesz do środka. Tym samym patrzy się już na tę sztukę innymi oczami, wchodzi się do galerii z innymi myślami. Ten Szansa spotkania może wiele zmienić. Wychodzę z faktu, że wybór jest zawsze nieprzewidywalny. Do sztuki też podchodzimy dość przypadkowo, choć dla wielu ten ruch wydaje się celowy. Praca częściowo porusza te irracjonalne aspekty wyboru. Dotyczący dalszy los projekt, to musi zacząć żyć własnym życiem. Tak jakby zapaliłem lont i odszedłem. Ludzie zabierają głos, ich wypowiedzi kończą się cukierkami, a ja mam niewielki udział w tym procesie. Praca fizyczna(przynieść, zainstalować maszynę, wyciągnąć stamtąd drobiazg, podpisać umowę itp.) może wykonać każdy beze mnie.
Czy to pierwszy projekt?
Tego rodzaju pierwsze. To rodzaj krytyki instytucji artystycznych, które zamieniają się w atrakcje. Panuje przekonanie, że aby przyciągnąć zwiedzających, muzea muszą oferować wszelkiego rodzaju rozrywkę. Tak naprawdę przy pomocy słodyczy zbudowałam swego rodzaju model istnienia sztuki współczesnej i jej przestrzeni. Maszyna do cukierków - personifikacja współczesne muzeum, która sprzedaje słodycze, rozrywkę dla osoby, za którą można zapłacić, wejść i cieszyć się. Dziś panuje tendencja do uczynienia muzeum modnym. Jest ona organicznie zintegrowana ze sferą wyrafinowanej konsumpcji. Jeśli wcześniej muzeum było krytykowane za przekształcenie wszystkiego w pamiątkę, wykastrowanie specyfiki dzieł i wygładzenie sprzeczności, to teraz zamienia wszystko w atrakcję. A mój automat działa jako reakcja na ten stan rzeczy.
Jak projekt będzie się rozwijał? Może w Londynie? W Paryżu?
Całkiem możliwe. Żartowaliśmy, że cukierki w kapsułkach będą sprzedawane na kolejnym Biennale w Wenecji. To prawda, że nie za 10 rubli, ale za 1 euro. Kierowałem się kwotą, którą każdy ma w kieszeni i której nie szkoda wydać. Za 10 rubli nie można nic kupić. Ale, co dziwne, mogą wspierać ucznia.
O mnie.
Pochodzę z rodziny malarzy i zaczynałem jako malarz. Potem „zszedł w dół”, spotkał różnych towarzyszy. Teraz współpracuję z Yurim Albertem, Victorem Skersisem i Andreyem Filippovem. Mamy jednocześnie 3 grupy: „Kupid”, „Edelweiss” i „King of the Hill”. Jednocześnie skład jest ten sam i robimy wszystko. „Amorek” zajmuje się instalacjami totalnymi. (29 września w Stella Art Foundation otwarto wystawę.) W tym roku pojawiła się grupa King of the Hill, która zajmuje się badaniami malarskimi. Latem odbyliśmy pierwszy wspólny plener: pojechaliśmy do Aix-en-Provence, wspięliśmy się na górę Sainte-Victoire, którą Cezanne malował przez długi czas i z góry namalowaliśmy miejsce, w którym rzekomo się znajdował. A grupa Edelweiss zajmuje się „akcjami”, spektaklami z elementami teatru. Role aktorów oczywiście nie są określone - zawsze polegamy na jakiejś szansie ...
Jako część specjalny program Na 6. Moskiewskim Biennale Sztuki Współczesnej artysta Paruyr Davtyan prezentuje interaktywny projekt „Co to jest sztuka”, w którym wypowiedzi na temat sztuki z znane postacie kultura i także współcześni krytycy i zwykli ludzie zostaną zapakowani w specjalną kapsułkę z cukierkami, którą będzie można nabyć w specjalnych automatach w obiektach Biennale w Moskwie. Cukierki z cytatami przypominają kultowe gumy do żucia „Love is…” z zabawnymi powiedzeniami o miłości, jak zauważa sam autor. Ekaterina Frolova rozmawiała z Paruyrem Davtyanem specjalnie dla ARTIST TALK o tym, co dziś można uznać za sztukę, dlaczego pytania są ważniejsze niż odpowiedzi i dlaczego artyści odchodzą od „piękna”.
Maszyny ze słodyczami zostaną umieszczone w WDNKh w Pawilonie Centralnym, w Fundacji Kulturalnej Ekaterina, w Centrum Stanowe sztuki współczesnej (NCCA), w Państwowym Muzeum Sztuki Współczesnej (MMSI) przy ulicy Petrovka 25, w Państwowym Muzeum Darwina, w Centrum Przemysłu Kreatywnego „Fabrika” i Ogólnorosyjskim Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej.
Paruyradlaczego zadałeś pytanieczym jest sztuka? Być może masz wątpliwości co do tej kwestii?
Współczesny artysta nie może nie wątpić w tę kwestię, w przeciwnym razie jego roszczenia do nowoczesności zauważalnie przygasną. Stosunkowo rzecz biorąc, jeśli wcześniej artysta mógł demonstrować swoje umiejętności w ramach ustalonego systemu gatunków, to teraz, a raczej od stu lat, stoi przed nim ambitniejsze zadanie – wytyczyć granicę między sztuką a nierzeczywistością. -sztukę w nowy sposób, aby wśród przytłaczającej obfitości odszukać to, co czasami jest dalekie od sztuki i jej obce, coś, co potencjalnie może stać się sztuką. Dochodzi tu także do szeregu kwestii etycznych. Jedna z nich polega na tym, że nadając jakiejś rzeczy, wydarzeniu, zjawisku status artystyczny, w ten sposób je ratujemy, wyzwalamy od zapomnienia, rozkładu, zagłady, na którą wszystko jest w ten czy inny sposób skazane. I to właśnie wybór, a nie stworzenie czy wytworzenie tego czy innego artefaktu, odgrywa tu kluczową rolę i wymaga sporej odpowiedzialności.
Nie obchodzi cię to aby widz nie potraktował Twojego projektu poważnie i postrzegał automat ze słodyczami jedynie jako część kompleksu rozrywkowego ?
Właściwie to tego szukam. Ale są dwa przesłania: pierwsze jest takie, że „ niepoważna rzecz”, a po drugie, że ta „niepoważna rzecz” znajduje się w „poważnym miejscu”. A widz ma myśl: „Dlaczego to tutaj?” A kiedy bierze cukierka, rozumie, że za tą „niepoważną” skorupą kryje się coś poważnego.
Praca została pierwotnie pomyślana jako krytyka instytucji muzealnych. Istnieje tendencja, że ludzie przyjeżdżając do jakiegoś miasta, na pewno odwiedzają muzea sztuki współczesnej, w których robią zdjęcia, na ogół traktują to jako rodzaj rozrywki, ale każde muzeum ma głębszą funkcję. Jednocześnie muzea, podążając za widzem, przekształcają się w punkty rozrywki. I odpowiednio, o ile wcześniej muzeum było przeznaczone dla „wybranych”, teraz angażuje szerszą publiczność, a „ogół społeczeństwa” często tęskni za spektakularnym widowiskiem. Widzowie zamieniają się w klientów, kuratorzy w animatorów, a sztuka w atrakcję rozrywkową.
„Kupując cukierka, nie możesz zdobyć dzieła sztuki, ale możesz stać się jego częścią”
Tak rozumiemto poprzez jego ironiczną pracę, maszyna do cukierkówpróbujesz skłonić widza do myśleniata sztuka- to wcale nie jest zabawne, Azajęcie intelektualne?
Sama prezentacja wymaga zarówno rozrywki, jak i w pewnym stopniu wysiłku intelektualnego. W tym sensie jestem wierny Horakiemu, który wzywał poetów do delectare, czyli zabawiania lub zachwycania czytelnika, a jednocześnie docere – pouczania go. W moim przypadku przyjemność będzie dosłowna.
Zwiedzający wystawę musi zakupić cukierek z cytatem w specjalnie zaprojektowanym automacie. Ile to będzie kosztować widza„słodki wgląd«?
„Słodki wgląd” będzie kosztować dziesięć rubli. Każdy ma taką monetę w kieszeni i, co dziwne, nie można już za nią nic kupić. Całość zebranych środków zostanie przeznaczona na programy edukacyjne Instytutu Sztuki Współczesnej. Zakłada się też, że jeśli jakaś instytucja, czy to będzie muzeum, czy galeria, utrzyma ten aparat, to dochód zostanie przekazany także na edukację w zakresie sztuki współczesnej, ale według własnego uznania.
„Czasami produktywne nieporozumienie jest doświadczeniem o wiele cenniejszym i przemieniającym niż zrozumienie”
Kupowanie cukierkówwidzowie otrzymają dzieło sztuki?
Kupując cukierki nie możesz zdobyć dzieła sztuki, ale możesz stać się jego częścią. Ale zapytałeś dobre pytanie. Czym jest sztuka w tym dziele? Utwór został przeze mnie pomyślany jako wydarzenie pozbawione charakterystycznej dla tego gatunku prowokacji. Być może z czasem pojawi się w nim coś innego.
Czy w cukierkach będą cytaty?co zmieniło Twoje podejście i postrzeganie sztuki?
Raczej nie niż tak. Cytaty są dla mnie jak fragmenty zmieniającej się w nieskończoność mozaiki, a to już potrafi wywrócić moje postrzeganie sztuki do góry nogami. Chociaż był jeszcze jeden moment. Zacząłem jako artysta klasyczny, wychował się w rodzinie artysty-malarza. Potem zetknąłem się z moskiewskim konceptualizmem, to naprawdę wywróciło moje postrzeganie sztuki do góry nogami. Było ich kilka wystawy osobiste, studiując w IPSI (Instytut Problemów Sztuki Współczesnej - ok. red.) u Josepha Bakshteina, sam mnie zaprosił. Teraz pracuję w grupie z Jurijem Albertem, Andriejem Filippovem i Victorem Skersisem. Właściwie mamy trzy grupy z różne nazwy, ale z tym samym składem - „Kupid”, „Edelweiss” i „King of the Hill”. Różnią się bardzo estetyką i są zaangażowani różne kierunki w sztuce: „Kupid” – instalacje totalne, „Król wzgórza” – malarstwo i nauka o malarstwie oraz „Edelweiss” – to praktyki bliskie akcji i performansowi, ale my nazywamy je „akcjami”.
Prosiłeś ludzi o zdefiniowanie sztuki, a co osobiście uważasz za sztukę?
Twoje pytanie zawiera już odpowiedź. Za sztukę uznaję między innymi prośbę o zdefiniowanie sztuki skierowaną do zwykłego człowieka.
„Są rzeczy, które artyści na tym świecie zmieniają, ale my o tym nie wiemy, bo nie zauważamy związku”
Prawie wszyscy mówiąjaki jest cel sztuki współczesnejw odróżnieniu od klasycznegonie dawaj odpowiedzii zadawaj pytania. Dlaczego zadawanie pytań stało się ważniejsze i bardziej interesująceniż dawać odpowiedzi?
To pytanie czysto filozoficzne. A fakt, że jest on adresowany do artysty, jest dość orientacyjny i wydaje mi się, że nie jest to przypadek. Filozofia i sztuka są ze sobą ściśle powiązane co najmniej od lat 60. XX wieku. To nie tylko takie rzadkie nowoczesna wystawa nie wymaga długiego, przemyślanego komentarza, ale także tego, że nawet w najbardziej powierzchownych, poziom zewnętrzny sztuka w coraz mniejszym stopniu przypomina praktykę tworzenia obiektów estetycznych, a coraz bardziej działalność badawczą. Krótko mówiąc, sztuka ma wiele wspólnego z filozofią. Z drugiej strony, filozofia zawsze była, przepraszam za kalambur, sztuką zadawania właściwych pytań. Jacques Derrida wyraził to w sformułowaniu tautologicznym, charakteryzując wspólnotę filozofów jako „wspólnotę pytania o możliwość pytania”. Sztuka jest autorefleksyjna, co oznacza, że nawet odpowiadając na pytanie, stara się najpierw postawić je na nowo, na swój sposób, inaczej.
Nie sądziszktóre dzisiejszy widz jest równie ważny, aby wiedziećjak rozumieć sztukę współczesną?
Moskiewski konceptualista Andriej Monastyrski powiedział kiedyś: „Musi zaistnieć wiele nieporozumień, inaczej nie będzie to sztuka”. Całkowicie zgadzam się z tym stwierdzeniem. Czasami produktywne nieporozumienie- doświadczenie jest o wiele cenniejsze i przemieniające niż zrozumienie. Nieporozumienie pozwala niejako pokonać własny narcyzm, wyjść poza swoje wąskie i wygodne granice, budzi myślenie. W tym sensie zadanie zrozumienia jest znacznie łatwiejsze – wystarczy przeczytać kilkanaście książek. Dlatego, formułując Twoje pytanie, powiedziałbym, że dla dzisiejszego widza ważne jest, aby nie rozumieć sztuki współczesnej.
„Jak powiedział Oleg Petrenko z grupy Peppers, przy x..em wszystko wydaje się śmieszne, więc w moim przypadku piękny obraz staje się samowystarczalny i odsuwa na bok nadane mu znaczenie”
Okazało sięco spróbować zrozumiećjakie pytanie zadaje artysta- o to właśnie chodzi?
Spróbuję wyjaśnić prosto: w dowolnej pracy współczesny artysta stawia pytanie lub problem. Zrozumienie dzieła osiąga się, moim zdaniem, wtedy, gdy pytanie, które artysta w swoim dziele stawia, zada sobie sam widz.
Tak, przyznają nawet profesjonaliściże muszą czytać opisy i komentarze do prac, a nawet porozmawiać z samym artystąaby zrozumieć znaczenia. Ale problem polega na tymże większość widzów nie ma możliwości tak pobieżnego przestudiowania biografii i kontekstów artysty, w którym produkt istnieje. Czy nie ma sposobów„szybka konsumpcja znaczeń«?
Nie wiem. Może istnieje. Ale nie widzę sensu w „szybkim konsumowaniu znaczeń”. Co więcej, bardzo często sztuka okazuje się sposobem na „spowolnienie” czasu, oazą powolności i regularności. Tutaj można podać wiele przykładów: od ośmiogodzinnego filmu „Imperium” Warhola po 700-godzinny spektakl „W obecności artysty” Mariny Abramovic.
Może, wierzy każdy artystaże jego pisma będą miały wpływ na społeczeństwo i historię. Czy masz marzenia ojak sztuka zmieni świat?
Nie mam takiego marzenia. Ale sztuka zmienia świat i to częściej lepsza strona. Na przykład język, w którym teraz ze mną przeprowadzacie wywiad, tzw. „nowy język rosyjski”, pojawił się dzięki Oberiutom (grupie pisarzy i osobistości kultury w latach 1927-1930 – przyp.). „Złamali” język i odbudowali go, bo język używany sto lat temu bardzo różni się od tego, którym mówimy dzisiaj. W Rosji sztuka i poezja są bardzo silnie ze sobą powiązane, Sztuka rosyjska ogólnie bardzo narracyjne. Rosyjska awangarda i moskiewski konceptualizm, jako dwa nurty, które weszły do historii sztuki światowej, mają zarówno charakter narracyjny, jak i dość bliski literaturze. Między innymi, gdy widzimy robotników drogowych w pomarańczowym czy lekarza w niebieskim fartuchu – to wszystko z dzieł Malewicza, a także znaki drogowe- czyli infografiki. Czy zmieniło to życie ludzi, czy nie? W ten sam sposób sztuka katedralna Kandinsky'ego i Skriabina doprowadziła do połączenia dźwięku i światła, a dziś tańczymy w dyskotece do muzyki światła. Są rzeczy, które artyści na tym świecie zmieniają, ale o tym nie wiemy, bo nie zauważamy związku.
Jak myśliszdlaczego w sztuce współczesnej praktycznie nie ma pragnienia piękna, do kreowania nowych ideałów estetycznych, czy to nie ma sensu??
To jest całkowicie normalne. Sztuka traci pewne funkcje, a zyskuje inne. Dawno, dawno temu było to na ogół tylko kultowe i znaczenie rytualne i nigdy nikomu nie przyszłoby do głowy, aby uznać na przykład obraz za samodzielny piękny przedmiot. Dla mnie osobiście sztuka pojawia się w momencie oddzielenia od kościoła. Jeśli chodzi o ideały estetyczne, w mojej twórczości świadomie odchodzę od estetyki. Jak powiedział Oleg Petrenko z grupy „Peppers” – przy x..em wszystko wydaje się śmieszne, więc w moim przypadku piękne zdjęcie staje się samowystarczalny i odsuwa na bok nadany mu sens.
„W każdym razie, gdy zaczynamy wątpić, czy to jest sztuka, czy nie, już nazywamy to sztuką”
Wyniki Twojej ankiety wynoszą co najmniej ostra sprawa - czy to wszystkoco dziś nazywa się sztuką, jest aktualne?
Artysta może dowolny przedmiot nazwać sztuką, ale nie może odwrócić gestu. Tak właśnie działa cenzura. Próbujesz zastosować system binarny do sztuki – sztuki czy nie sztuki. W przypadku sztuki moim zdaniem to się nie sprawdza. Mówiłbym o pewnym stanie kwantowym, w którym dowolna praca jest jednocześnie sztuką i niesztuką. Albo, jak Yura Albert, ma więcej tych stanów, jak „50 odcieni szarości” – prawie sztuka, nie do końca sztuka, bardzo blisko sztuki, już sztuka i tak dalej. W każdym razie, gdy zaczynamy wątpić, czy to jest sztuka, czy nie, nazywamy to już sztuką. Podobnie jak ma to miejsce z religijnego punktu widzenia, gdy ateista twierdzi, że Bóg nie istnieje, już stwierdza, że bóg istnieje, ale go nie ma. W ontologii istnieje kilka poziomów bytu. Na poziomie fenomenologicznym Bóg na pewno istnieje, bo nawet ateiści mówią: „Bóg wie”, „Bóg mu przebacz” i tak dalej. Dla nich nie istnieje to na płaszczyźnie materialnej, ale na płaszczyźnie fenomenologicznej istnieje. Również w przypadku sztuki, gdy zadajemy to pytanie, mamy już na myśli, że jest to sztuka, ale nie sztuka, którą chcielibyśmy, aby istniała jako sztuka.
Paruyra, projekt ten został zainspirowany kultową gumą do żucia"MiłośćJest…". Nie mogę nie zapytaćjak miłość i sztuka krzyżują się dzisiaj w Twoim życiu?
Miłość, podobnie jak sztuka, pośredniczy między śmiertelnikiem a nieśmiertelnością, chwilowością i wiecznością. Ze wszystkich drobiazgów, ten jest prawdopodobnie najbardziej niezawodny.
Wywiad: Ekaterina Frolova
Tytuł wystawy Paruyra Davtyana „Zero to Infinity” odsyła widza do świata formuł matematycznych, który artysta interpretuje w swoim projekcie jako uniwersalny abstrakcyjny język, pozwalający mistrzowi odnajdywać nowe przestrzenie i wymiary sztuki. Wykorzystując „magię” liczb i operacji algebraicznych, Davtyan tworzy własną ontologię, doskonale świadomy daremności operacji matematycznych na zera. Wychodząc z założenia, że każdy obiekt materialny czy semantyczny może mieć nieskończoną ilość interpretacji w przestrzeni kultury, Davtyan tworzy złożoną przestrzeń ekspozycyjną naładowaną „logicznymi atomami”. W swoim projekcie Davtyan wychodzi z bardzo ważnej okoliczności: w momencie, gdy ludzkość zniosła zakaz dzielenia przez zero, ale odkryła dla siebie nieskończoność.
Do pracy „Binary Fog” autor wykonał fotografię wykonaną w Holandii. „Na zamarzniętym wiatraki chmury opadły, wydawało się, że gęsta mgła niesie coś ukrytego i proces transformacji trwa (ponieważ z wiatru rodzi się prąd). Artystka od pierwszego wrażenia kontynuuje temat transformacji, który nabiera charakteru ściśle matematycznego. Kwadrat czarno-białej fotografii autor interpretuje jako binarne pole pikselowe. Za pomocą kodu binarnego (głównego języka programowania) artysta przekłada przestrzeń wizualną na tekst. Jakbym „przewijał” do tyłu historia biblijna, stara się za pomocą czystego i uniwersalnego języka matematyki odnaleźć we mgle zagubione Słowo.
W instalacji Czterowymiarowy suprematyzm i jego cień artysta zwraca się ku ascetycznej estetyce liczb, próbując na nowo przemyśleć najważniejszych odkryć sztuka XX wieku. W szczególności rozwikłanie „tajemnicy” czwartego wymiaru, która niepokoiła umysły kubistów, futurystów i suprematystów. Większość mistrzów awangardy, w tym Malewicz, uważała jednak, że czwartym wymiarem jest czas nowoczesna nauka jasne jest, że czas jest własnością przestrzeni, ale nie strukturą. Jedyną drogą wyjścia do czwartego wymiaru jest matematyka, jednak oczywiste jest, że tej przestrzeni nie można dostrzec ludzkie oko. Dlatego najprostsze jednostki formy („supremuzy”), przełożone na czwarty wymiar, można przedstawić widzowi jedynie jako trójwymiarowe „cienie”, pomniejszone kopie ich prototypowych formuł istniejących w przestrzeni. Zwracając się ku platońskiej interpretacji sztuki, autorka tworzy kompozycja rzeźbiarska, który w żadnym wypadku nie jest dziełem głównym, a jedynie jego cieniem.
Prezentowany na wystawie cykl kserografii przywraca nas do tej samej przestrzeni „cieni”, co można postrzegać jako kontynuację tematu „czterowymiarowej suprematyzmu” w wymiarze ludzkim. Użycie kopiarki zamiast aparatu pozwala autorowi osiągnąć maksymalną odległość od obiektu. Chłód bezstronnej maszyny rejestrującej ludzką twarz w jednostce czasu pozbawiony jest nie tylko stanowiska autora, ale także niemal jakiejkolwiek ingerencji człowieka. Dwuwymiarowe „kopie” ludzi, utrwalone w czasie i przestrzeni, przypominają oderwane znaki matematyczne.
Multimedialne Muzeum Sztuki w Moskwie prezentuje projekt „Abstrakcja alegoryczna” Artela „Króla wzgórza” (Juri Albert, Paruyr Davtyan, Victor Skersis, Andrey Filippov). Wstęp na wystawę dla uczestników jest bezpłatny.
Artel „Król gór” – nie pierwszy wspólny projekt cztery znane artyści. W tym samym składzie w 2008 roku uformowali się Twórcze stowarzyszenie Cupid, który tworzył głównie instalacje, a w 2011 roku zorganizował grupę Edelweiss, która specjalizuje się w kompleksowych wydarzeniach performatywnych z udziałem koni, chórów, piękności i kosmitów. Wreszcie w 2014 roku artyści zjednoczyli się w Artelu „Król Gór” – na wspólnych zajęciach malarskich.
 |
W cyklu prezentowanym na wystawie Artel „Król wzgórza” ukazuje swoistą fuzję najważniejszych osiągnięć malarstwo abstrakcyjne oraz tradycje alegorycznego akademizmu, potwierdzając tezę o możliwości połączenia przeciwieństw w triumfalnej syntezie.
Filozofia Artela
Obraz wyimaginowanego, wyobraźnia obrazu, obraz obrazu, wyobraźnia wyimaginowanego, obraz wyimaginowanego obrazu, wyobraźnia obrazu wyimaginowanego… - tam jest pies kreatywności pochowany!
Wspólne projekty artystów
Stowarzyszenie twórcze (t / o) „Kupid”:
2008 Vitya i Zaitsy, Fragma, Pragma i Enigma, Kupidyn. TsTI Fabrika, Moskwa
2009 Pokaż i powiedz: Omut. Fundacja Stella Art w Moskwie
2010 Ujęcie wody. TsTI Fabrika, Moskwa
2010 Kaspar, David, Friedrich... Centrum komunikacja kulturalna, Kłajpeda
Metamorfoza 2011. Fundacja Stella Art w Moskwie
2015 Zawiadowca. Fundacja Stella Art w Moskwie
Prace grupy Edelweiss:
2011 Róża herbaciana. Galeria ART+ART, Winzavod, Moskwa
2011 Nasturcja. Centralny Dom Artystów, wystawa finalistów Nagrody Kandinsky’ego
Wiktoria Regia 2011. Multimedialne Muzeum Sztuki w Moskwie
2013 Czeremcha. Muzeum Żydowskie i Centrum Tolerancji w Moskwie
Wydarzenia Artela „Króla Gór”:
2015 Wyjazd do Aix-en-Provence. Seria pejzaży „Widoki z góry Saint-Victoire”
2015 Wystawa „Wspólnoty artystyczne Moskwy”. Muzeum Miejskie Moskwy
2016 Wyjazd do Rouen. Seria krajobrazów „Katedra w Rouen o północy”
Jurij Albert
Urodzony w 1959 roku w Moskwie.
1995 Mamo, schau ein Kunstler! Galerie Hohenthal und Bergen w Kolonii
1996 Autoportret z zamknięte oczy. Centrum Sztuki Współczesnej w Moskwie
Wystawa 2007. Fundacja Era, Moskwa
2008 Malarstwo, rzeźba, grafika. Fundacja Stella Art w Moskwie
2008 Opowieści o sztuce. Stan Niżny Nowogród Muzeum Sztuki/ Oddział NCCA w Wołdze, Niżny Nowogród
Wybór Moskwy z 2009 roku. Galeria Papiernictwa, Moskwa
2011 Autoportrety z zawiązanymi oczami. Galeria Papiernictwa, Moskwa
2013–2014 Co artysta miał przez to na myśli? Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej
2014 Fragen der Kunst: Moskauer Abstimmung. Muzeum Sztuki Współczesnej Weserburg w Bremie
Wybrane wystawy zbiorowe:
1989–1990 10 + 10. Nowoczesne Muzeum Sztuki, Fort Worth; Muzeum Sztuki Nowoczesnej, San Francisco; Galeria Albright Knox, Buffalo; Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Waszyngtonie; Centralny Dom Artystów w Moskwie
Spiskowcy z 2005 roku. Dzieła zbiorowe i interaktywne w sztuce rosyjskiej 1960–2000. Państwo Galeria Trietiakowska, Moskwa
2005 Anioły Historii. Konceptualizm moskiewski i jego wpływ. Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpia, Antwerpia
2008 Całkowite oświecenie. Moskiewska sztuka konceptualna 1960–1990. Schirn Kunsthalle, Frankfurt nad Menem / Fundación Juan March, Madryt
Paruyr Davtyan
Urodzony w 1976 roku w Leninakan w Armenii.
Wystawy osobiste:
2010 Od zera do nieskończoności. TsTI Fabrika, Moskwa
2015 Czym jest sztuka? VI Międzynarodowe Biennale, Moskwa: Pawilon Główny, TsTI Fabrika, NCCA, Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej, Muzeum Moskwy, Muzeum Darwina, Centrum Sztuki Współczesnej Zverev
2017 Poczekalnia. Galeria Osnova, Moskwa
Wiktor Skersis
Urodzony w Moskwie w 1956 r.
Wybrane wystawy indywidualne:
1983–1984 Apt-Art SZ, Moskwa
2008 Aspekty metasztuki. Projekt fabryczny, Moskwa
2009 Artysta i jego modelka, Fundacja Stella Art, Moskwa
Wybrane wystawy zbiorowe:
1975 Wystawa prac artystów moskiewskich. VDNH, pawilon „Dom Kultury”, Moskwa
1982-1984 APTART / APART. Galeria APTART, Moskwa; Centrum Współczesnej Sztuki Rosyjskiej w Ameryce, Nowy Jork; Projekt Waszyngton dla Sztuki, Waszyngton
Spiskowcy z 2005 roku. Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie
2010 Pole działania. Moskiewska szkoła konceptualna i jej kontekst. Fundacja Kulturalna „Ekaterina”, Moskwa
Myślące obrazy 2016. Muzeum Sztuki Jane Voorhees Zimmerli, Nowy Brunszwik (NJ)
2016–2017 Kolleksja! Centrum Pompidou w Paryżu
Andriej Filippow
Urodzony w 1959 roku w Pietropawłowsku Kamczackim.
Wybrane wystawy indywidualne:
1990 Dwa w mocy drugiej. Galeria Krings-Ernst w Kolonii
2006 Widziałem to! Projekt specjalny na wystawę „Modus R. Design District”, Miami, Floryda; Loft Spinnerei, Lipsk
2011 Pole działania. Multimedialne Muzeum Sztuki w Moskwie
2012 Ciągła awaria prądu. Fundacja Stella Art w Moskwie
2015 Departament Orłów. Gość specjalny VI Moskiewskiego Biennale Sztuki Współczesnej. Fundacja Kulturalna „Ekaterina”, Moskwa
Wybrane wystawy zbiorowe:
1989 Mosca – Terza Roma. Sala 1, Rzym
1990–1991 Między wiosną a latem. Sztuka radziecka w epoce późnego komunizmu, Muzeum Sztuki Tacoma, Waszyngton; ICA, Boston, MA: Centrum Sztuki Des Moines, Des Moines, Iowa
1991 Muzeum MANI - 40 Moskauer Kunstler. Karmelitenkloster we Frankfurcie nad Menem
2003–2004 Berlin – Moskau / Moskau – Berlin 1950–2000. Martin-Gropius-Bau, Berlin; Państwo Muzeum historyczne, Moskwa
2006 Uwaga: szkło! Sztuka współczesna na Murano. Muzeum Państwowe sztuki piękne nazwany na cześć A.S. Puszkin, Moskwa
2008–2009 Oświecenie totalne – sztuka konceptualna w Moskwie 1960–1990. Schirn Kunsthalle, Frankfurt nad Menem; Fundacion Juan March, Madryt
2010 Pole działania. Moskiewska szkoła konceptualna i jej kontekst. Lata 70-80-te XX wieku. Fundacja Kulturalna „Ekaterina”, Moskwa
2015 W zasięgu wzroku. Odcinki życie artystyczne 1986–1992 Projekt specjalny VI Biennale Sztuki Współczesnej w Moskwie. Fundacja Kulturalna „Ekaterina”, Moskwa
Myślące obrazy 2016. Muzeum Sztuki Jane Voorhees Zimmerli, Nowy Brunszwik (NJ)
2016–2017 Kolleksja! Centrum Pompidou w Paryżu
Informacje kontaktowe
Strona internetowa: http://mamm-mdf.ru/
Adres: Moskwa, Ostożenka, 16.
Cena biletu: dorośli: 500 rubli, studenci Federacji Rosyjskiej studiów stacjonarnych: 250 rubli, emeryci i uczniowie: 50 rubli, osoby niepełnosprawne I i II grupy: bezpłatnie.
Dla członków klubu Rosyjskie zdjęcie"wstęp jest bezpłatny.
Godziny i dni otwarcia: 12:00 - 21:00, codziennie z wyjątkiem poniedziałków.