Paruyr Davtyan wynalazł karabin maszynowy. Automat jest wyjątkowy, choć oczywiście wygląda jak automat ze słodyczami. Specjalna kapsułka, która wypada z maszyny, zawiera cukierek z kartką papieru, na której wydrukowany jest cytat. To wypowiedź jakiejś wspaniałej osoby, a może nawet całkowicie zwykły człowiek. Wszyscy uczestnicy, wielcy i prości, definiują sztukę. Odpowiedzi na to pytanie jest wiele i trudno je odrzucić. Wszystko to razem zmienia nasz świat, oczywiście na lepszy..
Cukierek kosztuje tylko 10 rubli. Pieniądze ze sprzedanych kapsułek ze słodyczami zostaną przekazane na rzecz fundacji programy edukacyjne.
Paruyr Davtyan, artysta konceptualny, członek grup „Cupid”, „Edelweiss”, „King of the Mountain”, uczestnik 6. Biennale w Moskwie Sztuka współczesna, projektant.
Paruyr, czy ten specjalny projekt rozpoczyna się wraz z otwarciem biennale?
Tak, zaczyna się od otwarcia Moskiewskiego Biennale Sztuki Współczesnej. Pierwsze maszyny – a są to właśnie maszyny do sprzedaży cukierków – pojawią się w NCCA i na Petrovce, w Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Co więcej, projekt nie jest pomyślany jako część biennale, ale jako nieskończenie rozwijający się, ciągły proces. Mam nadzieję, że to się nigdy nie skończy. Chcę, aby jak najwięcej instytucji, muzeów i galerii zaczęło instalować te maszyny. Ich liczba nie będzie ograniczona. Na początku będą one zlokalizowane w około 15 lokalizacjach: są to NCCA, TsTI FABRIKA, Fundacja Kulturalna„Ekaterina”, Fundacja Stella Art, MMSI, Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej, Muzeum Darwina itp.
A teraz proszę o więcej szczegółów...
Głównym bohaterem projektu jest kapsuła. Będzie zawierał cukierka oraz kartkę papieru z wydrukowanym cytatem. To wypowiedź wielkiej postaci lub zwykłego człowieka, który zdecydował się wziąć udział w projekcie i za pośrednictwem strony internetowej www.whatisart.ru zdefiniować sztukę. Cukierek kosztuje 10 rubli. Pieniądze ze sprzedanych kapsułek ze słodyczami zostaną przeznaczone na programy edukacyjne Instytutu Sztuki Współczesnej.
Co możemy powiedzieć o cytatach?
Sam je wybieram. Szukałem w książkach, w Internecie, jest tego mnóstwo. Do tej pory zebraliśmy około 500 cytatów wielkich ludzi i 300 wypowiedzi naszych współczesnych, internautów, którzy odwiedzili stronę www.whatisart.ru. Jest tylko jedno okienko, w którym należy wpisać odpowiedź na pytanie „Co to jest sztuka?” i subskrybuj. W pewnym momencie to stwierdzenie wraz z nazwiskiem autora ląduje w jednej z kapsułek. Jestem przekonany, że sztukę można definiować nie tylko poprzez świetny klasyk lub uznany ekspert - słowa zwykli ludzie i nasi współcześni są nie mniej ważni. Tak czy inaczej, nie stawiam na pierwszym miejscu. Nie skupiam się na tym, co ludzie mówią, ale na wolności słowa i dostępie do niej. Moje główne zainteresowanie to tłumy. Chcę jasno pokazać, że odpowiedzi na to pytanie jest wiele. To nie tak, że o tym nie wiemy, ale kiedy materializują się w postaci wielu małych kapsułek, fakt ten staje się trudniejszy do odrzucenia.
Gdzie powinny znajdować się urządzenia?
Celowo umieszczam je poza przestrzenią muzeum, żeby nie eksponować karabinu maszynowego jako dzieła sztuki, bo nim nie jest. Stawiam je przed wejściem. Jeśli chcesz, zmienię Twój widok, zanim wejdziesz do środka. Tym samym patrzy się na tę sztukę innymi oczami, a do galerii wchodzi się z różnymi myślami. Ten Szansa spotkania może wiele zmienić. Wychodzę z faktu, że wybór jest zawsze nieprzewidywalny. Do sztuki też podchodzimy dość przypadkowo, choć dla wielu ten ruch wydaje się celowy. Praca częściowo porusza te irracjonalne aspekty wyboru. Dotyczący przyszły los projekt, powinien zacząć żyć własnym życiem. Tak jakby zapaliłem lont i odszedłem. Ludzie zabierają głos, ich wypowiedzi kończą się cukierkami, a ja nie biorę już większego udziału w tym procesie. Praca fizyczna(przynieść, zainstalować maszynę, wyjąć stamtąd drobne, podpisać umowę itp.) może to zrobić każdy beze mnie.
Czy to Twój pierwszy projekt?
Pierwszy w swoim rodzaju. To rodzaj krytyki instytucji artystycznych, które zamieniają się w atrakcje. Panuje przekonanie, że aby przyciągnąć zwiedzających, muzea muszą oferować wszelkiego rodzaju rozrywkę. W zasadzie za pomocą słodyczy zbudowałam pewien model istnienia sztuki współczesnej i jej przestrzeni. Maszyna do cukierków - personifikacja nowoczesne muzeum, który sprzedaje słodycze, rozrywkę, dzięki czemu ktoś płaci, wchodzi i cieszy się. Dziś panuje tendencja do uczynienia muzeum modnym. Organicznie wpisuje się w sferę elitarnej, wyrafinowanej konsumpcji. Jeśli wcześniej krytykowano muzeum za przekształcenie wszystkiego w pamiątkę, wykastrowanie specyfiki dzieł i wygładzenie sprzeczności, to teraz zamienia wszystko w atrakcję. A mój karabin maszynowy jest reakcją na ten stan rzeczy.
Jak projekt będzie się rozwijał? Może w Londynie? W Paryżu?
Całkiem możliwe. Żartowaliśmy, że cukierki w kapsułkach będą sprzedawane na kolejnym Biennale w Wenecji. To prawda, już nie za 10 rubli, ale za 1 euro. Kierowałam się kwotą, którą każdy ma w kieszeni i nie ma nic przeciwko wydawaniu. Za 10 rubli nic nie kupisz. Ale, co dziwne, mogą wspierać ucznia.
O mnie.
Pochodzę z rodziny malarzy i zaczynałem jako malarz. Potem „zeszłem w dół” i spotkałem różnych towarzyszy. Teraz współpracuję z Yurim Albertem, Victorem Skersisem i Andreyem Filippovem. Mamy jednocześnie 3 grupy: „Kupid”, „Edelweiss” i „King of the Hill”. Jednocześnie skład jest ten sam i robimy wszystko. „Amorek” zajmuje się instalacjami totalnymi. (29 września w Stella Art Foundation otwarto wystawę.) W tym roku pojawiła się grupa King of the Hill, która zajmuje się badaniami malarskimi. Latem zorganizowaliśmy nasz pierwszy wspólny plener: pojechaliśmy do Aix-en-Provence, wspięliśmy się na górę Sainte-Victoire, którą Cezanne malował przez długi czas, a z góry namalowali miejsce, w którym miał się znajdować. A grupa Edelweiss zajmuje się „akcjami”, spektaklami z elementami teatru. Role aktorów oczywiście nie są spisane – zawsze zdajemy się na jakiś przypadek…
W specjalny program Na 6. Moskiewskim Biennale Sztuki Współczesnej artysta Paruyr Davtyan prezentuje interaktywny projekt „What is Art”, w którym wypowiedzi na temat sztuki z znane postacie kultura, a także współcześni krytycy i zwykli ludzie zostaną zapakowani w specjalną kapsułkę ze słodyczami, które będzie można kupić w specjalnych automatach w obiektach Biennale w Moskwie. Cytowane cukierki przypominają kultową gumę do żucia „Love is…” z zabawnymi powiedzeniami o miłości, jak zauważa sam autor. Ekaterina Frolova rozmawiała specjalnie dla ARTIST TALK z Paruyrem Davtyanem o tym, co dziś można uznać za sztukę, dlaczego pytania są ważniejsze niż odpowiedzi i dlaczego artyści odchodzą od „piękna”.
Maszyny ze słodyczami będą znajdować się w WDNKh w Pawilonie Centralnym, w Fundacji Kulturalnej Ekaterina, w Centrum stanu sztuki współczesnej (NCCA), w Państwowym Muzeum Sztuki Współczesnej (MMMA) na Petrovce 25, w Państwowym Muzeum Darwina, w Centrum Przemysłu Kreatywnego Fabrika i Ogólnorosyjskim Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej.
Paruyradlaczego zadałeś pytanieczym jest sztuka? Być może masz wątpliwości co do tej kwestii?
Współczesny artysta nie może nie wątpić w tę kwestię, w przeciwnym razie jego roszczenia do nowoczesności zauważalnie zanikają. Relatywnie rzecz biorąc, jeśli wcześniej artysta mógł demonstrować swój kunszt w ramach ustalonego systemu gatunków, to teraz, a raczej od stu lat, stoi przed nim ambitniejsze zadanie – wytyczyć granicę między sztuką a sztuką. niesztuką w nowy sposób, aby wśród ogromnego bogactwa odszukać rzeczy, czasem dalekie od sztuki i jej obce, tego, co potencjalnie może nią się stać. Rodzi się tu szereg problemów etycznych. Jedna z nich polega na tym, że nadając jakiejś rzeczy, wydarzeniu, zjawisku status artystyczny, w ten sposób je ratujemy, wyzwalamy od zapomnienia, rozkładu, zagłady, na którą wszystko jest w ten czy inny sposób skazane. I to właśnie wybór, a nie stworzenie czy wytworzenie tego czy innego artefaktu, odgrywa tutaj kluczową rolę i wymaga sporej odpowiedzialności.
Nie obchodzi cię to aby widz nie potraktował Twojego projektu poważnie i potraktował automat ze słodyczami jedynie jako część kompleksu rozrywkowego ?
Właściwie to jest taki rodzaj postawy, do jakiego dążę. Ale są dwa przesłania: pierwsze jest takie, że „ niepoważna rzecz”, a po drugie, że ta „niepoważna rzecz” znajduje się w „poważnym miejscu”. A widz ma myśl: „Dlaczego to jest tutaj?” A kiedy bierze cukierka, rozumie, że za tą „niepoważną” skorupą kryje się coś poważnego.
Utwór pierwotnie miał być krytyką instytucji muzealnych. Istnieje tendencja, że ludzie przyjeżdżając do miasta, obowiązkowo odwiedzają muzea sztuki współczesnej, w których robią zdjęcia, na ogół traktują to jako rodzaj rozrywki, ale każde muzeum ma głębsze funkcje. Jednocześnie muzea, podążając za widzami, przekształcają się w punkty rozrywki. I odpowiednio, jeśli wcześniej muzeum było domeną „nielicznych wybranych”, teraz angażuje szerszą publiczność, a „ogół społeczeństwa” często pragnie spektakularnego widowiska. Widzowie stają się klientami, kuratorzy animatorami, a sztuka atrakcją rozrywkową.
„Kupując słodycze, nie możesz zdobyć dzieła sztuki, ale możesz stać się jego częścią”
Tak rozumiemto poprzez jego ironiczną pracę, maszyna do cukierków, próbujesz skłonić widza do zastanowienia się nad czymśjaka sztuka- to wcale nie jest zabawne, Aintelektualna pogoń?
Sama prezentacja sugeruje zarówno rozrywkę, jak i w pewnym stopniu wysiłek intelektualny. W tym sensie jestem wierny Horakiemu, który wzywał poetów do delectare, czyli zabawiania lub zachwycania czytelnika, a jednocześnie docere – pouczania go. W moim przypadku przyjemność będzie dosłowna.
Odwiedzający wystawę musi zakupić cukierki z wyceną ze specjalnie stworzonej maszyny. Ile będzie to kosztować widza?„słodkie objawienie«?
„Słodkie objawienie” będzie kosztować dziesięć rubli. Każdy ma taką monetę w kieszeni i, co dziwne, nie można już za nią nic kupić. Całość zebranych środków zostanie przeznaczona na programy edukacyjne Instytutu Sztuki Współczesnej. Zakłada się również, że jeśli jakakolwiek instytucja, czy to będzie muzeum, czy galeria, zatrzyma to urządzenie, to dochód zostanie przekazany także na edukację w zakresie sztuki współczesnej, ale według własnego uznania.
„Czasami produktywne nieporozumienie jest doświadczeniem o wiele cenniejszym i bardziej przemieniającym niż zrozumienie”.
Kupowanie cukierków, publiczność otrzyma dzieło sztuki?
Kupując cukierki nie możesz zdobyć dzieła sztuki, ale możesz stać się jego częścią. Ale zapytałeś dobre pytanie. Czym jest sztuka w tym dziele? Pojmowałem tę pracę jako wydarzenie pozbawione prowokacji właściwej temu gatunkowi. Być może z czasem pojawi się w nim coś jeszcze.
Czy w cukierku będą cytaty?co zmieniło Twoje podejście i postrzeganie sztuki?
Raczej nie niż tak. Cytaty są dla mnie jak fragmenty zmieniającej się w nieskończoność mozaiki, ale to już może zmienić moje postrzeganie sztuki. Jednak była jeszcze chwila. Zacząłem jako artysta klasyczny, wychował się w rodzinie artysty-malarza. Potem zetknąłem się z moskiewskim konceptualizmem, to naprawdę zmieniło moje postrzeganie sztuki. Było ich kilka wystawy osobiste studiując w Instytucie Sztuki Współczesnej (Instytut Sztuki Współczesnej – red.) u Josepha Backsteina, sam mnie zaprosił. Teraz pracuję w grupie z Jurijem Albertem, Andriejem Filippovem i Victorem Skersisem. Właściwie mamy trzy grupy z różne nazwy, ale z tym samym składem - „Amor”, „Edelweiss” i „King of the Hill”. Różnią się bardzo estetyką i są zaangażowani w różnych kierunkach w sztuce: „Kupid” – z instalacjami totalnymi, „Król wzgórza” – z malarstwem i nauką o malarstwie oraz „Edelweiss” to praktyki bliskie akcji i performansu, ale my nazywamy je „akcjami”.
Prosiłeś ludzi o zdefiniowanie sztuki, a co osobiście uważasz za sztukę??
Twoje pytanie zawiera już odpowiedź. Sztukę traktuję między innymi jako prośbę o zdefiniowanie sztuki skierowaną do zwykłego człowieka.
„Są rzeczy, które artyści zmieniają na tym świecie, ale o tym nie wiemy, bo nie zauważamy związku”
Prawie wszyscy mówiąjaki jest cel sztuki współczesnejw przeciwieństwie do klasyki, nie dawaj odpowiedzii zadawaj pytania. Dlaczego zadawanie pytań stało się ważniejsze i bardziej interesująceniż dawać odpowiedzi?
To pytanie czysto filozoficzne. A fakt, że jest adresowany do artysty, jest dość znaczący i, jak sądzę, nieprzypadkowy. Filozofia i sztuka są ze sobą ściśle powiązane co najmniej od lat 60. XX wieku. Nie tylko dlatego, że jest to rzadkie zjawisko nowoczesna wystawa nie wymaga długiego, przemyślanego komentarza, ale także tego, że nawet w najbardziej powierzchownych, poziom zewnętrzny sztuka w coraz mniejszym stopniu przypomina praktykę tworzenia obiektów estetycznych, a coraz bardziej działalność badawczą. Krótko mówiąc, sztuka ma wiele wspólnego z filozofią. Filozofia z kolei zawsze była, przepraszam za kalambur, sztuką zadawania właściwych pytań. Jacques Derrida wyraził to w sformułowaniu tautologicznym, charakteryzując wspólnotę filozofów jako „wspólnotę pytania o możliwość pytania”. Sztuka jest autorefleksyjna, co oznacza, że nawet odpowiadając na pytanie, stara się najpierw zadać je na nowo, na swój sposób, inaczej.
Nie sądzisz, co jest równie ważne dla dzisiejszego widzajak rozumieć sztukę współczesną?
Moskiewski konceptualista Andriej Monastyrski powiedział kiedyś: „Musi być dużo nieporozumień, inaczej nie będzie sztuki”. Całkowicie zgadzam się z tym stwierdzeniem. Czasami produktywne nieporozumienie- doświadczenie jest o wiele cenniejsze i przemieniające niż zrozumienie. Nieporozumienie pozwala niejako przezwyciężyć własny narcyzm, wyjść poza swoje wąskie i wygodne granice i budzi myślenie. W tym sensie zadanie zrozumienia jest znacznie prostsze – wystarczy przeczytać kilkanaście książek. Dlatego parafrazując Twoje pytanie, powiedziałbym, że ważne jest, aby dzisiejszy widz nie potrafił zrozumieć sztuki współczesnej.
„Jak powiedział Oleg Petrenko z grupy „Peppers”, przy sh.. nim wszystko wydaje się zabawne, a w moim przypadku piękny obraz staje się samowystarczalny i spycha na bok nadany mu sens”.
Okazało sięco musisz spróbować zrozumiećjakie pytanie zadaje artysta?- o to właśnie chodzi?
Spróbuję wyjaśnić prosto: w dowolnej pracy współczesny artysta stawia pytanie lub problem. Zrozumienie dzieła osiąga się, moim zdaniem, wtedy, gdy pytanie, które artysta zadaje w swoim dziele, zadaje sobie sam odbiorca.
Tak, przyznają nawet profesjonaliściże muszą czytać opisy i komentarze do praclub nawet porozmawiać z samym artystąaby zrozumieć znaczenia. Ale problem polega na tym, że większość widzów nie ma możliwości tak pobieżnego przestudiowania biografii i kontekstów artysty, w którym utwór istnieje. Czy naprawdę nie ma sposobów„szybka konsumpcja znaczeń«?
Nie wiem. Może istnieje. Ale nie widzę sensu w „szybkim pochłanianiu znaczeń”. Co więcej, bardzo często sztuka okazuje się sposobem na „spowolnienie” czasu, oazą powolności i regularności. Przykładów jest tu wiele: od ośmiogodzinnego filmu „Imperium” Warhola po 700-godzinny spektakl „W teraźniejszości artysty” Mariny Abramovic.
Może, wierzy każdy artystaże jego dzieła będą miały wpływ na społeczeństwo i historię. Czy masz marzenia ojak sztuka zmieni świat?
Nie mam takiego marzenia. Ale sztuka naprawdę zmienia ten świat, a coraz częściej i on lepsza strona. Na przykład język, w którym teraz ze mną rozmawiacie, tzw. „nowy język rosyjski”, pojawił się dzięki OBERIUTOM (grupie pisarzy i osobistości kultury w latach 1927-1930 - przyp.). „Złamali” język i odbudowali go, bo język, którym mówiono sto lat temu, bardzo różni się od tego, którym mówimy dzisiaj. W Rosji sztuka i poezja są bardzo silnie ze sobą powiązane, Sztuka rosyjska Ogólnie bardzo narracyjne. Rosyjska awangarda i moskiewski konceptualizm, jako dwa kierunki, które weszły do historii sztuki światowej, mają charakter zarówno narracyjny, jak i dość bliski literaturze. Poza tym, gdy widzimy robotników drogowych w pomarańczowych ubraniach lub lekarza w niebieskim fartuchu, to wszyscy oni są z dzieł Malewicza, a także znaki drogowe- czyli infografiki. Czy zmieniło to życie ludzi, czy nie? W ten sam sposób sztuka katedralna Kandinsky'ego i Skriabina doprowadziła do połączenia dźwięku i światła, a dziś tańczymy w dyskotece do muzyki światła. Są rzeczy, które artyści zmieniają na tym świecie, ale my o tym nie wiemy, bo nie zauważamy związku.
Jak myśliszdlaczego w sztuce współczesnej praktycznie nie ma pragnienia piękna, do kreowania nowych ideałów estetycznychczy naprawdę nie ma to żadnego sensu??
To jest całkowicie normalne. Sztuka traci pewne funkcje, a zyskuje inne. Dawno, dawno temu było to na ogół tylko kultowe i znaczenie rytualne i nikomu nie przyszłoby do głowy, aby uważać na przykład obraz za samodzielny piękny przedmiot. Dla mnie osobiście sztuka pojawia się w momencie oddzielenia od kościoła. Jeśli chodzi o ideały estetyczne, to w swoich pracach świadomie odchodzę od estetyki. Jak powiedział Oleg Petrenko z grupy „Peppers”, przy x.. nim wszystko wydaje się śmieszne i tak w moim przypadku piękne zdjęcie staje się samowystarczalny i odsuwa na bok nadany mu sens.
„W każdym razie, gdy zaczynamy wątpić, czy to jest sztuka, czy nie, już nazywamy to sztuką”.
Wyniki Twojej ankiety wynoszą co najmniej pilna sprawa - czy to wszystkoco dziś nazywa się sztuką, czy tak jest w rzeczywistości?
Artysta może dowolny przedmiot nazwać sztuką, ale nie może wykonać gestu przeciwnego. Tak właśnie działa cenzura. Próbujesz zastosować system binarny do sztuki – sztuki czy nie sztuki. W przypadku sztuki moim zdaniem to się nie sprawdza. Powiedziałbym o pewnym stanie kwantowym, w którym dowolna praca jest zarówno sztuką, jak i niesztuką. Albo jak Yura Albert ma więcej tych stanów, jak „50 odcieni szarości” – prawie sztuka, nie do końca sztuka, bardzo blisko sztuki, już sztuka i tak dalej. W każdym razie, kiedy zaczynamy wątpić, czy jest to sztuka, czy nie, nazywamy to już sztuką. Podobnie jak ma to miejsce z religijnego punktu widzenia, gdy ateista twierdzi, że Bóg nie istnieje, to już stwierdził, że Bóg istnieje, ale go nie ma. W ontologii istnieje kilka poziomów bytu. Na poziomie fenomenologicznym Bóg z pewnością istnieje, ponieważ nawet ateiści mówią: „Bóg go zna”, „Bóg mi przebacz” i tak dalej. Dla nich nie istnieje on na planie materialnym, lecz na planie fenomenologicznym. Również w przypadku sztuki, gdy zadajemy pytanie, mamy już na myśli, że jest to sztuka, ale nie taką, o której chcielibyśmy, aby istniała jako sztuka.
Paruyra, projekt ten został zainspirowany kultową gumą do żucia"MiłośćJest...". Nie mogę nie zapytaćJak miłość i sztuka krzyżują się dzisiaj w Twoim życiu?
Miłość, podobnie jak sztuka, pośredniczy między śmiertelnikiem a nieśmiertelnością, chwilowością i wiecznością. Ze wszystkich drobnostek jest to prawdopodobnie najbardziej niezawodne.
Wywiad: Ekaterina Frolova
Tytuł wystawy Paruyra Davtyana „Zero to Infinity” odsyła widza do świata formuł matematycznych, które artysta interpretuje w swoim projekcie jako uniwersalny język abstrakcyjny, pozwalający mistrzowi odnajdywać nowe przestrzenie i wymiary sztuki. Wykorzystując „magię” liczb i operacji algebraicznych, Davtyan tworzy własną ontologię, mając pełną świadomość daremności operacji matematycznych na zera. Opierając się na naszym zrozumieniu, że każdy obiekt materialny lub semantyczny może mieć nieskończoną liczbę interpretacji w przestrzeni kulturowej, Davtyan tworzy złożoną przestrzeń wystawienniczą naładowaną „logicznym atomami”. W swoim projekcie Davtyan wychodzi z bardzo ważnej okoliczności: w momencie, gdy ludzkość zniosła zakaz dzielenia przez zero, ale odkryła nieskończoność.
Do pracy „Binary Fog” autor wykonał fotografię wykonaną w Holandii. „Na zamarzniętym wiatraki chmury opadły, wydawało się, że gęsta mgła niesie coś ukrytego i proces transformacji trwał dalej (jak prąd rodzi się z wiatru).” Artystka od pierwszego wrażenia kontynuuje temat transformacji, który nabiera charakteru ściśle matematycznego. Kwadrat czarno-białej fotografii autor interpretuje jako pikselowe pole binarne. Za pomocą kodu binarnego (głównego języka programowania) artysta przekształca przestrzeń wizualną w przestrzeń tekstową. Jakby „przewijał” do tyłu opowieść biblijna, stara się, posługując się czystym i uniwersalnym językiem matematyki, odnaleźć we mgle zagubione Słowo.
W instalacji „Czterwymiarowy suprematyzm i jego cień” artysta zwraca się ku ascetycznej estetyce liczb, próbując na nowo przemyśleć najważniejsze odkrycia sztuka XX wieku. W szczególności rozwikłanie „tajemnicy” czwartego wymiaru, która niepokoiła umysły kubistów, futurystów i suprematystów. Większość mistrzów awangardy, w tym Malewicz, uważała jednak, że czwartym wymiarem jest czas nowoczesna nauka Jasne jest, że czas jest właściwością przestrzeni, ale nie strukturą. Jedynym sposobem na wejście w czwarty wymiar jest matematyka, jednak oczywiste jest, że tej przestrzeni nie można dostrzec przez ludzkie oko. Dlatego najprostsze jednostki formy („supremus”), przełożone na czwarty wymiar, można przedstawić widzowi jedynie jako trójwymiarowe „cienie”, zmniejszone kopie ich prototypowych formuł istniejących w przestrzeni. Wracając do platońskiej interpretacji sztuki, autorka tworzy kompozycja rzeźbiarska, który w żadnym wypadku nie jest dziełem głównym, a jedynie jego cieniem.
Prezentowany na wystawie cykl kserografii przywraca nas do tej samej przestrzeni „cieni”, co można postrzegać jako kontynuację tematu „czterowymiarowego suprematyzmu” w wymiarze ludzkim. Użycie kserokopiarki zamiast aparatu pozwala autorowi osiągnąć maksymalną odległość od fotografowanego obiektu. Chłód bezstronnej maszyny rejestrującej ludzką twarz w jednostce czasu pozbawiony jest nie tylko stanowiska autora, ale także niemal jakiejkolwiek ingerencji człowieka. Dwuwymiarowe „kopie” ludzi, utrwalone w czasie i przestrzeni, przypominają oderwane znaki matematyczne.
Multimedialne Muzeum Sztuki w Moskwie prezentuje projekt „Abstrakcja alegoryczna” autorstwa „Króla Gór” Artela (Jurij Albert, Paruyr Davtyan, Victor Skersis, Andrey Filippov). Wstęp na wystawę jest dla uczestników bezpłatny.
Artel „King of the Hill” nie jest pierwszy wspólny projekt cztery znany artysta. W tym samym składzie utworzyli się w 2008 roku Twórcze stowarzyszenie„Amorek”, który tworzył głównie instalacje, a w 2011 roku zorganizował grupę „Edelweiss”, specjalizującą się w kompleksowych wydarzeniach performatywnych z udziałem koni, chórów, piękności i kosmitów. Wreszcie w 2014 roku artyści zjednoczyli się w Artelu „Król Gór” – na wspólnych zajęciach malarskich.
 |
W prezentowanym na wystawie cyklu Artela „Król Gór” stanowi swoiste połączenie najważniejszych osiągnięć malarstwo abstrakcyjne oraz tradycje alegorycznego akademizmu, potwierdzające tezę o możliwości połączenia przeciwieństw w triumfalnej syntezie.
Filozofia Artela
Obraz wyobrażonego, wyobraźnia przedstawionego, obraz obrazu, wyobraźnia wyobrażonego, obraz wyimaginowanego obrazu, wyobraźnia przedstawionego wyobrażenia... - tu jest pochowany pies kreatywności !
Wspólne projekty artystów
Stowarzyszenie twórcze (t/o) „Kupid”:
2008 Witia i Zające, Phragma, Pragma i Enigma, Kupidyn. TsTI Fabrika, Moskwa
2009 Pokaż i powiedz: Basen. Fundacja Stella Art w Moskwie
2010 Ujęcie wody. TsTI Fabrika, Moskwa
2010 Caspar, David, Friedrich... Centrum komunikacja kulturalna, Kłajpeda
Metamorfoza 2011. Fundacja Stella Art w Moskwie
2015 Zawiadowca. Fundacja Stella Art w Moskwie
Prace grupy Edelweiss:
2011 Róża herbaciana. Galeria ART+ART, Winzavod, Moskwa
2011 Nasturcja. Centralny Dom Artystów, wystawa finalistów Nagrody Kandinsky’ego
Wiktoria Regia 2011. Multimedialne Muzeum Sztuki w Moskwie
2013 Czeremcha. Muzeum Żydowskie i Centrum Tolerancji w Moskwie
Wydarzenia Artelu „Król Wzgórza”:
2015 Wyjazd do Aix-en-Provence. Seria pejzaży „Widoki z góry Sainte-Victoire”
2015 Wystawa „Wspólnoty artystyczne Moskwy”. Muzeum Miejskie Moskwy
2016 Wyjazd do Rouen. Seria pejzaży „Katedra w Rouen o północy”
Jurij Albert
Urodzony w 1959 roku w Moskwie.
1995 Mamo, schau ein Kunstler! Galerie Hohenthal und Bergen w Kolonii
1996 Autoportret z zamknięte oczy. Centrum Sztuki Współczesnej w Moskwie
Wystawa 2007. Fundacja Era, Moskwa
2008 Malarstwo, rzeźba, grafika. Fundacja Stella Art w Moskwie
2008 Opowieści o sztuce. Stan Niżny Nowogród Muzeum Sztuki/ Oddział NCCA w Wołdze, Niżny Nowogród
Wybór Moskwy z 2009 roku. Galeria Papiernictwa, Moskwa
2011 Autoportrety z zawiązanymi oczami. Galeria Papiernictwa, Moskwa
2013–2014 Co artysta miał przez to na myśli? Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej
2014 Fragen der Kunst: Moskauer Abstimmung. Muzeum Sztuki Współczesnej Weserburg w Bremie
Wybrane wystawy zbiorowe:
1989–1990 10 + 10. Nowoczesne Muzeum Sztuki, Fort Worth; Muzeum Sztuki Nowoczesnej, San Francisco; Galeria Albright Knox, Buffalo; Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Waszyngtonie; Centralny Dom Artystów w Moskwie
Wspólnicy 2005. Prace zbiorowe i interaktywne w sztuce rosyjskiej 1960–2000. Państwo Galeria Trietiakowska, Moskwa
2005 Anioły Historii. Konceptualizm moskiewski i jego wpływ. Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpia, Antwerpia
2008 Całkowite oświecenie. Moskiewska sztuka konceptualna 1960–1990. Schirn Kunsthalle, Frankfurt nad Menem / Fundación Juan March, Madryt
Paruyr Davtyan
Urodzony w 1976 roku w Leninakan w Armenii.
Wystawy osobiste:
2010 Od zera do nieskończoności. TsTI Fabrika, Moskwa
2015 Czym jest sztuka? VI Międzynarodowe Biennale, Moskwa: Pawilon Główny, Fabryka TsTI, NCCA, Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej, Muzeum Moskwy, Muzeum Darwina, Centrum Sztuki Współczesnej Zverev
2017 Poczekalnia. Galeria Osnova, Moskwa
Wiktor Skersis
Urodzony w Moskwie w 1956 r.
Wybrane wystawy indywidualne:
1983–1984 Apt-Art SZ, Moskwa
2008 Aspekty metasztuki. Projekt „Fabryka”, Moskwa
2009 Artysta i jego modelka, Fundacja Stella Art, Moskwa
Wybrane wystawy zbiorowe:
1975 Wystawa prac artystów moskiewskich. VDNH, pawilon Domu Kultury, Moskwa
1982–1984 APTART/ APART. Galeria APTART, Moskwa; Centrum Współczesnej Sztuki Rosyjskiej w Ameryce, Nowy Jork; Projekt Waszyngton dla Sztuki, Waszyngton, DC
Wspólnicy 2005. Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie
2010 Pole działania. Moskiewska szkoła konceptualna i jej kontekst. Fundacja Kulturalna „Ekaterina”, Moskwa
Myślące obrazy 2016. Muzeum Sztuki Jane Voorhees Zimmerli, Nowy Brunszwik (NJ)
2016–2017 Kolleksja! Centrum Pompidou w Paryżu
Andriej Filippow
Urodzony w 1959 roku w Pietropawłowsku Kamczackim.
Wybrane wystawy indywidualne:
1990 Dwa w mocy drugiej. Galeria Krings-Ernst w Kolonii
2006 Widziałem to! Projekt specjalny na wystawę „Modus R. Design District”, Miami, Floryda; Loft Spinnerei, Lipsk
2011 Pole działania. Multimedialne Muzeum Sztuki w Moskwie
2012 Ciągła awaria prądu. Fundacja Stella Art w Moskwie
2015 Departament Orłów. Gość specjalny VI Moskiewskiego Biennale Sztuki Współczesnej. Fundacja Kulturalna „Ekaterina”, Moskwa
Wybrane wystawy zbiorowe:
1989 Mosca – Terza Roma. Sala 1, Rzym
1990–1991 Między wiosną a latem. Sztuka radziecka w epoce późnego komunizmu, Muzeum Sztuki Tacoma, Waszyngton, DC; ICA, Boston, MA: Des Moines Art Center, Des Moines, Iowa
1991 Muzeum MANI - 40 Moskauer Kunstler. Karmelitenkloster we Frankfurcie nad Menem
2003–2004 Berlin – Moskau / Moskau – Berlin 1950–2000. Martin-Gropius-Bau, Berlin; Państwo Muzeum historyczne, Moskwa
2006 Uwaga: szkło! Sztuka współczesna na Murano. Muzeum Państwowe sztuki piękne nazwany na cześć A.S. Puszkin, Moskwa
2008–2009 Oświecenie totalne – sztuka konceptualna w Moskwie 1960–1990. Schirn Kunsthalle, Frankfurt nad Menem; Fundacion Juan March, Madryt
2010 Pole działania. Moskiewska szkoła konceptualna i jej kontekst. Lata 70-80-te XX wieku. Fundacja Kulturalna „Ekaterina”, Moskwa
2015 W zasięgu wzroku. Odcinki życie artystyczne 1986–1992. Projekt specjalny VI Biennale Sztuki Współczesnej w Moskwie. Fundacja Kulturalna „Ekaterina”, Moskwa
Myślące obrazy 2016. Muzeum Sztuki Jane Voorhees Zimmerli, Nowy Brunszwik (NJ)
2016–2017 Kolleksja! Centrum Pompidou w Paryżu
Informacje kontaktowe
Strona internetowa: http://mamm-mdf.ru/
Adres: Moskwa, Ostożenka, 16.
Ceny biletów: dorośli: 500 rubli, studenci studiów stacjonarnych Federacji Rosyjskiej: 250 rubli, emeryci i uczniowie: 50 rubli, osoby niepełnosprawne I i II grupy: bezpłatnie.
Dla członków klubu” Rosyjskie zdjęcie"wstęp jest bezpłatny.
Godziny i dni otwarcia: 12:00 - 21:00, codziennie z wyjątkiem poniedziałków.