Sztukę współczesną nazywa się zwykle wszelkiego rodzaju ruchami artystycznymi, które pojawiły się pod koniec XX wieku. W okresie powojennym był to rodzaj ujścia, który na nowo uczył ludzi marzyć i wymyślać nowe realia życia.
Zmęczeni kajdanami surowych zasad przeszłości młodzi artyści postanowili przełamać stare artystyczne normy. Dążyli do stworzenia nowych, nieznanych wcześniej praktyk. Kontrastując z modernizmem, zwrócili się w stronę nowych sposobów ujawniania swoich historii. Artysta i koncepcja jego twórczości stały się o wiele ważniejsze niż sam wynik działania twórczego. Chęć odejścia od ustalonych ram doprowadziła do pojawienia się nowych gatunków.
Wśród artystów zaczęły pojawiać się spory na temat znaczenia sztuki i sposobów jej wyrażania. Czym jest sztuka? Jakimi środkami można osiągnąć prawdziwą sztukę? Konceptualiści i minimaliści znaleźli odpowiedź dla siebie w zdaniu: „Jeśli sztuka może być wszystkim, to może być niczym”. Dla nich odejście od utartych środków wizualnych zaowocowało różnymi wydarzeniami, wydarzeniami i performansami. Jaka jest specyfika sztuki współczesnej XXI wieku? O tym porozmawiamy w artykule.
Grafika trójwymiarowa w sztuce XXI wieku
Sztuka XXI wieku słynie z grafiki 3D. Wraz z rozwojem technologii komputerowej artyści zyskali dostęp do nowych sposobów tworzenia swojej sztuki. Istotą grafiki trójwymiarowej jest tworzenie obrazów poprzez modelowanie obiektów w trójwymiarowej przestrzeni. Jeśli weźmie się pod uwagę większość form sztuki współczesnej XXI wieku, tworzenie obrazów 3D wydaje się najbardziej tradycyjne. Grafika 3D ma wiele stron, w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu. Służy do tworzenia programów, gier, obrazów i filmów na komputerze. Ale widać to też tuż pod stopami – na asfalcie.
Grafika 3D pojawiła się na ulicach kilkadziesiąt lat temu i od tego czasu pozostaje jedną z najważniejszych form sztuki ulicznej. Wielu artystów maluje na swoich „obrazach” trójwymiarowe obrazy, które potrafią zadziwiać swoim realizmem. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner i wielu innych współczesnych artystów tworzy dziś sztukę, która może zaskoczyć każdego.
Sztuka uliczna XXI wieku
Wcześniej zajęciem zajmowali się ludzie zamożni. Przez wieki był przykryty murami specjalnych instytucji, do których odmawiano wstępu niewtajemniczonym. Oczywiście jego ogromna moc nie mogła pozostać na zawsze w dusznych budynkach. Wtedy właśnie wyszedł na szare, ponure ulice. Zdecydowaliśmy się zmienić naszą historię na zawsze. Chociaż na początku wszystko nie było takie proste.
Nie wszyscy byli zadowoleni z jego narodzin. Wielu uważało to za wynik złego doświadczenia. Niektórzy nawet nie chcieli zwracać uwagi na jego istnienie. Tymczasem pomysł nadal rósł i rozwijał się.
Artyści uliczni napotykali po drodze trudności. Mimo całej różnorodności form, sztukę uliczną czasami trudno było odróżnić od wandalizmu.
Wszystko zaczęło się w latach 70. ubiegłego wieku w Nowym Jorku. W tym czasie sztuka uliczna była w powijakach. A jego życie wspierali Julio 204 i Taki 183. Zostawili napisy w różnych miejscach na swoim terenie, poszerzając następnie obszar dystrybucji. Inni chłopcy postanowili z nimi konkurować. Tutaj zaczęła się zabawa. Entuzjazm i chęć popisu zaowocowały bitwą kreatywności. Każdy chciał odkryć dla siebie i innych bardziej oryginalny sposób na pozostawienie po sobie śladu.
W 1981 roku sztuce ulicznej udało się przepłynąć ocean. Pomógł mu w tym artysta uliczny z Francji BlekleRat. Uważany jest za jednego z pierwszych artystów graffiti w Paryżu. Nazywany jest także ojcem szablonowego graffiti. Jego charakterystycznym akcentem są rysunki szczurów, które nawiązują do imienia ich twórcy. Autor zauważył, że po przestawieniu liter w słowie szczur (szczur) powstaje sztuka (sztuka). Blek zauważył kiedyś: „Szczur to jedyne wolne zwierzę w Paryżu, które rozprzestrzenia się wszędzie, podobnie jak sztuka uliczna”.
Najbardziej znanym artystą ulicznym jest Banksy, który nazywa BlekleRata swoim głównym nauczycielem. Aktualne dzieła tego utalentowanego Brytyjczyka mogą uciszyć każdego. W swoich rysunkach tworzonych przy użyciu szablonów obnaża współczesne społeczeństwo z jego wadami. Banksy ma tradycyjny styl, który pozwala mu wywrzeć jeszcze większe wrażenie na widzach. Ciekawostką jest to, że tożsamość Banksy'ego wciąż owiana jest tajemnicą. Nikomu jeszcze nie udało się rozwikłać zagadki tożsamości artysty.
Tymczasem sztuka uliczna nabiera tempa. Sztuka uliczna, niegdyś zdegradowana do ruchów marginalnych, wkroczyła na scenę aukcji. Prace artystów są sprzedawane za niewiarygodne sumy przez tych, którzy kiedyś nie chcieli o nim rozmawiać. Co to jest, życiodajna siła sztuki czy mainstreamowe trendy?
Formularze
Dziś istnieje kilka dość ciekawych przejawów sztuki współczesnej. Przegląd najbardziej niezwykłych form sztuki współczesnej zostaną przedstawione poniżej.
Gotowe
Termin „readymade” pochodzi z języka angielskiego i oznacza „gotowy”. W rzeczywistości celem tego kierunku nie jest tworzenie niczego materialnego. Główną ideą jest to, że w zależności od otoczenia obiektu zmienia się postrzeganie samego obiektu przez osobę. Założycielem ruchu jest Marcel Duchamp. Jego najsłynniejszym dziełem jest „Fontanna”, czyli pisuar z autografem i datą.
Anamorfozy
Anamorfoza to technika tworzenia obrazów w taki sposób, że można je w pełni zobaczyć dopiero pod pewnym kątem. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tego nurtu jest Francuz Bernard Pras. Tworzy instalacje wykorzystując wszystko, co pod ręką. Dzięki swoim umiejętnościom udaje mu się stworzyć niesamowite dzieła, które jednak widać tylko pod pewnym kątem.
Płyny biologiczne w sztuce
Jednym z najbardziej kontrowersyjnych kierunków w sztuce współczesnej XXI wieku jest rysunek malowany płynami ludzkimi. Często zwolennicy tej współczesnej formy sztuki używają krwi i moczu. Kolor obrazów w tym przypadku często przybiera ponury, przerażający wygląd. Na przykład Hermann Nitsch wykorzystuje krew i mocz zwierząt. Zastosowanie tak nieoczekiwanych materiałów autor tłumaczy trudnym dzieciństwem podczas II wojny światowej.
Malarstwo XX-XXI wieku
W krótkiej historii malarstwa zawarta jest informacja, że koniec XX wieku stał się punktem wyjścia dla wielu ikonicznych artystów naszych czasów. W trudnych latach powojennych sfera przeżyła swoje odrodzenie. Artyści starali się odkryć nowe oblicza swoich możliwości.
Suprematyzm
Za twórcę suprematyzmu uważany jest Kazimierz Malewicz. Będąc głównym teoretykiem głosił suprematyzm jako sposób na oczyszczenie sztuki ze wszystkiego, co niepotrzebne. Porzucając zwykłe sposoby przekazywania obrazów, artyści chcieli uwolnić sztukę od pozaartyzmu. Najważniejszym dziełem tego gatunku jest słynny „Czarny kwadrat” Malewicza.
Pop Art
Pop-art ma swoje korzenie w USA. W latach powojennych społeczeństwo doświadczyło globalnych zmian. Ludzi było teraz stać na więcej. Konsumpcja stała się najważniejszą częścią życia. Ludzi zaczęto wywyższać do rangi kultów, a produkty konsumpcyjne do rangi symboli. Jasper Johns, Andy Warhol i inni zwolennicy tego ruchu starali się wykorzystać te symbole w swoich obrazach.
Futuryzm
Futuryzm został odkryty w 1910 r. Główną ideą tego ruchu było pragnienie czegoś nowego, zniszczenie zrębów przeszłości. Artyści przedstawili to pragnienie specjalną techniką. Ostre pociągnięcia, przepływy, połączenia i przecięcia są oznakami futuryzmu. Najbardziej znanymi przedstawicielami futuryzmu są Marinetti, Severini, Carra.
Sztuka współczesna w Rosji XXI wieku
Sztuka współczesna w Rosji (XXI w.) płynnie wypłynęła z podziemnej, „nieoficjalnej” sztuki ZSRR. Młodzi artyści lat 90. poszukiwali nowych sposobów realizacji swoich ambicji artystycznych w nowym kraju. W tym czasie narodził się moskiewski akcjonizm. Jego zwolennicy kwestionowali przeszłość i jej ideologię. Zniszczenie granic (dosłownie i w przenośni) pozwoliło zobrazować stosunek młodszego pokolenia do sytuacji w kraju. Sztuka współczesna XXI wieku stała się wyrazista, przerażająca, szokująca. Takie, przed którym społeczeństwo tak długo się zamykało. Działania Anatolija Osmołowskiego („Majakowski - Osmołowski”, „Przeciw wszystkim”, „Barykada na Bolszai Nikitskiej”), ruch „ETI” („tekst ETI”), Olega Kulika („Prosiaczek rozdaje prezenty”, „Wściekły pies czyli ostatnie tabu”, którego strzeże samotny Cerberus”), Avdey Ter-Oganyan („Pop Art”) na zawsze zmienił historię sztuki współczesnej.
Nowe pokolenie
Slava PTRK to współczesna artystka z Jekaterynburga. Niektórym może kojarzyć się z jego twórczością Banksy’ego. Jednak prace Sławy zawierają idee i uczucia znane tylko obywatelowi Rosji. Jednym z jego najważniejszych dzieł jest kampania „Kraina możliwości”. Artysta stworzył napis o kulach na budynku opuszczonego szpitala w Jekaterynburgu. Slava kupował kule od mieszkańców miasta, którzy kiedyś z nich korzystali. Artysta ogłosił akcję na swoim portalu społecznościowym, załączając apel do współobywateli.
Muzea Sztuki Współczesnej
Być może kiedyś współczesna sztuka plastyczna XXI wieku wydawała się medium marginalnym, dziś coraz więcej ludzi pragnie wstąpić do nowej dziedziny sztuki. Coraz więcej muzeów otwiera swoje drzwi na nowe środki wyrazu. Nowy Jork jest rekordzistą w dziedzinie sztuki współczesnej. Znajdują się tu także dwa muzea, które należą do najlepszych na świecie.
Pierwszą z nich jest MoMA, czyli repozytorium obrazów Matisse’a, Dali i Warhola. Drugie to muzeum.Niezwykła architektura budynku sąsiaduje z dziełami Picassa, Marca Chagalla, Kandinsky'ego i wielu innych.
Europa słynie także ze wspaniałych muzeów sztuki współczesnej XXI wieku. Muzeum KIASMA w Helsinkach umożliwia dotykanie prezentowanych obiektów. Centrum stolicy Francji zachwyca niezwykłą architekturą i dziełami współczesnych artystów. Stedelijkmuseum w Amsterdamie posiada największą kolekcję obrazów Malewicza. Stolica Wielkiej Brytanii posiada ogromną liczbę obiektów sztuki współczesnej. W Wiedeńskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej znajdują się dzieła Andy'ego Warhola i innych utalentowanych współczesnych artystów.
Sztuka współczesna XXI wieku (malarstwo) - tajemnicza, niezrozumiała, fascynująca, na zawsze zmieniła wektor rozwoju nie tylko odrębnej sfery, ale całego życia ludzkości. Odzwierciedla i jednocześnie kreuje nowoczesność. Zmieniająca się nieustannie sztuka nowoczesności pozwala człowiekowi w ciągłym pośpiechu zatrzymać się na chwilę. Zatrzymaj się, aby przypomnieć sobie uczucia, które leżą głęboko w Tobie. Zatrzymaj się, aby ponownie przyspieszyć i rzucić się w wir wydarzeń i spraw.
Do niedawna rosyjska sztuka piękna była organiczną fuzją narodowych kultur artystycznych. Mówiąc o szkołach narodowych, można wymienić główne cechy każdej z nich. Wskażmy na przykład tradycyjny psychologizm szkoły rosyjskiej; emocjonalność i liryzm – ukraiński; charakter dramatyczny, a nawet – jak zauważają badacze – tragedia heroiczna – białoruska; duże poczucie monumentalizmu – gruziński; wesoła dekoracyjność - szkoły mołdawskie lub ormiańskie; szczególna bliskość korzeni ludowych – szkoły litewskie, kirgiskie, uzbeckie; duch racjonalno-intelektualny - szkoła estońska itp. Byłyby to jednak oczywiście bardzo ograniczone, jednostronne i dlatego ogólnie nieprawidłowe cechy. Każda ze szkół narodowych, ze swoją złożoną specyfiką figuratywną i stylistyczną w różnych formach, technikach i stylistyce, pozostała wierna głównym ideałom człowieka.
Trzeba powiedzieć, że pomimo wszystkich trudności historycznego rozwoju naszego społeczeństwa: od wojny domowej po Wielką Wojnę Ojczyźnianą, od głodu na przełomie lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku. do zniszczonej powojennej gospodarki, od kłamstw i fałszu polityki państwa totalitarnego – do „rewolucji” początku lat 90. w ramach ściśle ograniczonych swobód „realizmu socjalistycznego” – przy tym wszystkim niezwykłe mistrzowie stworzyli, przyznajemy, wiele wspaniałych dzieł sztuki (a ileż więcej stworzyliby ci, którzy popadli w zapomnienie w latach represji lub spłonęli w ogniu Wielkiej Wojny Ojczyźnianej!). I o tym trzeba pamiętać.
Przedstawiony obraz życia artystycznego odzwierciedla stan sztuki przed dramatycznym okresem rozpadu ZSRR. Twórca autorskiego podręcznika nie może powstrzymać się od wyrażenia swojego stanowiska w sprawie dalszego rozwoju sytuacji w życiu artystycznym Rosji na terytorium jej byłych republik. Nie możemy zaprzeczyć, że niesamowity rozwój wszelkiej sztuki w narodowych republikach ZSRR, pojawienie się całych warstw kultury – od pisemnej po wizualną – było możliwe dzięki „pielęgnowaniu” kulturalnej roli kultury rosyjskiej, dzięki czasami nawet ofiarny wysiłek przedstawicieli rosyjskiej inteligencji. Po upadku Związku Radzieckiego część elit narodowych nowo powstałych państw na jego byłym terytorium generalnie wykazywała się egoizmem i niewdzięcznością, próbując wymazać rolę narodu rosyjskiego i jego kultury w życiu swoich krajów, a w niektórych książkach i podręczniki nazywali nawet rosyjskimi okupantami. Trzeba przyznać, że komunistyczny projekt stworzenia jednego narodu radzieckiego nie powiódł się, właściwie tylko Rosjan wychowywano w ideałach przyjaźni narodów, poświęcenia i abstrakcyjnego „obowiązku międzynarodowego”. Miejmy jednak nadzieję, że „młyny historii” zmielą oszczerstwa i fałszerstwa, a z czasem także rolę kultury rosyjskiej w XX wieku. zostaną docenione „od zimnych fińskich skał po ognistą Kolchidę”. Nie znaczy to, że zaburzy to proces rozwoju kultury artystycznej w przyszłości.
W wyniku zerwania i zerwania utrwalonych więzi kulturowych między republikami nie jesteśmy w stanie ocenić zachodzących tam procesów artystycznych, możemy więc mówić o sztuce ostatniej dekady XX - początku XXI wieku. i – już tylko Rosja.
Tak zwany sztuka poradziecka przełomu wieków wpisuje się w ramy czasowe, które są zbyt małe, aby można było wybrać dowolną nazwę dla obiektywnego (o ile to możliwe) obrazu historycznego. Dopiero przyszłość wszystko ułoży na swoim miejscu i pozwoli historykowi sztuki wyciągnąć właściwe wnioski i dokonać właściwych ocen. Ale można już zarysować główne problemy.
I jeden z tych problemów dotyczy malarstwo religijne, który po raz pierwszy we współczesnej historii naszego państwa ujawnił się w latach 90. XX wieku. To właśnie wtedy, w latach gwałtownego spadku poziomu moralnego społeczeństwa, starsze pokolenie, nie tylko artystów w pełni uznanych, ale także tych u szczytu sławy, coraz częściej zwracało się ku tematyce chrześcijańskiej w malarstwie sztalugowym (motywy Golgoty E. Moiseenko i A. Mylnikov, Pamięć wieczna…” V. Ivanova, „Zwiastowanie” (patrz kolorowa wkładka) i „Judasz” G. Korzheva, „Ostatnia wieczerza” i „Niesienie krzyża” reż. malarz młodszego pokolenia N. Nesterova, w tej serii można wymienić nawet wcześniejszą „Kaplicę Północną” V. Popkovą). Okazało się jednak, że najważniejsze słowo nie należało do malarzy sztalugowych, ale do monumentalistów.
Malarstwo cerkiewne, które swój największy rozkwit przeżywało w średniowieczu, kontynuowało swój rozwój w ramach sztuki akademickiej i znalazło poważnych badaczy na przełomie XIX i XX w., przestało istnieć w 1917 r. Państwowa polityka ateistyczna , zadawszy miażdżący cios prawosławiu, przerwał w ten sposób zarówno rozwój malarstwa ikon, jak i budowę świątyń. Niemniej jednak czołowi rosyjscy historycy sztuki (Olsufiew, Grabar, Łazariew, Ałpatow i in.) zajmowali się poszukiwaniem starych ikon (w ten sposób w 1922 r. odnaleziono np. ikony Rublowa z ikonostasu katedry Wniebowzięcia Włodzimierza) i ich przywrócenie.
Ostatnia ćwierć XX i pierwsza dekada XXI wieku. – nowa karta w rozwoju malarstwa prawosławnego w Rosji. W 1989 roku w Moskwie powstała Niezależna Fundacja Odrodzenia Sztuki Cerkiewnej. W związku z obchodami Tysiąclecia Chrztu Rusi zorganizowano w Moskwie wystawę „Ikona nowoczesna”, a w 1997 r., w związku z 850-leciem Moskwy, wystawa „Ikona rosyjska końca XX wieku ”, prezentując różne kierunki rozwoju ikony, począwszy od Bizancjum. Szczególną uwagę zwrócono na grupę ikon „ruchu ludowego”, pochodzących z obrazów ludowych, popularnych druków. Pojawili się znaczący malarze ikon posiadający własną szkołę, odnoszący sukcesy za granicą (przykładowo wspomniany wcześniej archimandryta ks. Zinon). Do 2000 roku w Moskwie istniało już ponad 30 warsztatów malowania ikon. W Petersburgu głównymi szkołami są warsztaty malowania ikon przy Akademii Teologicznej i Seminarium Duchownego (kierowane przez opata Aleksandra) oraz warsztaty malowania i renowacji ikon w Ławrze Aleksandra Newskiego (kierowane przez D. Mironenkę), nie licząc liczne warsztaty w klasztorach i gospodarstwach rolnych. Pierwsza w Rosji galeria współczesnego malarstwa ikonowego „Ikona Rosyjska” (2003) pojawiła się w Stolicy Północnej, gromadząc prace artystów z Moskwy, Petersburga, Jarosławia, Nowogrodu, Pskowa, Tweru i in. Szkoła petersburska generalnie prezentowała różnorodne nurty stylistyczne. Wystawy 1994, 1999, 2000, 2001 skupiało artystów nie tylko różnych pokoleń i różnych nurtów stylistycznych, ale także różnych typów i gatunków sztuki: monumentalistów, artystów różnych typów sztuki użytkowej, np. emalierów, i z reguły zawsze na wysokim poziomie zawodowym, występował wspólnie z malarzami ikon.
W 2002 roku, oprócz ikon z Petersburga, Moskwy, Północnego Zachodu itp., w Muzeum Sztuk Stosowanych Państwowej Akademii Sztuki w Petersburgu imienia barona A. L. Stieglitza po raz pierwszy pojawiły się ikony z Petersburga Przedstawiono Petersburg, Moskwę, północny zachód itp. freski, mozaiki, kopie dawnych mistrzów i dzieła własne. Wystawa wyraźnie pokazała głębokie zrozumienie ikony przez artystów, przestudiowanie jej kanonu i znaczenia dla niej przestrzeni świątynnej. Ale co najważniejsze, ujawniła dwa wiodące kierunki w sztuce sakralnej: jeden – od jej początków, Bizancjum i starożytnej Rusi, drugi – od sztuki tzw. okres synodalny. Ten kierunek w malarstwie kościelnym wyróżnia się odwoływaniem się do tradycji sztuki zachodnioeuropejskiej („szkoły bolońskiej”) i do krajowych tradycji akademickich (przykładem jest ikonografia Borowikowskiego w katedrze mohylewskiej czy jego ikony w katedrze kazańskiej w Petersburgu w Petersburgu). Na szczególne zainteresowanie artystów tego nurtu należy zwrócić uwagę w twórczości V. M. Vasnetsova, M. V. Nesterova, w takich ośrodkach malarstwa ikonowego jak Palekh i Mstera, właśnie dlatego, że każdy na swój sposób łączy te tradycje (V. Lebedev. „Jan Ewangelista” ikona Mstery, początek XXI w.; patrz kolorowa wstawka). Który sposób jest bardziej poprawny? Na to pytanie nie ma jasnej odpowiedzi. Malarze ikon poszukują własnego, nowoczesnego wyrazu w obu przypadkach: sięgając do starożytnych źródeł rosyjskich i gdy szukają gruntu w akademizmie. Sam V. M. Wasnetsow po pracy w kijowskiej katedrze Włodzimierza napisał, że odczuwał niezadowolenie i „daleko” od autentyczności, dlatego współcześni malarze ikon wciąż mają wiele problemów do rozwiązania.
Współcześni malarze i konserwatorzy ikon zaczęli zyskiwać sławę za granicą (np. E. Bolszakow, Yu. Bobrov pracowali na Górze Athos, A. Chashkin, E. Maksimov - w USA, N. Mukhin - w Serbii). Artystów zajmujących się dziś malarstwem sakralnym cechuje, jak już wspomniano, głębokie zrozumienie sztuki religijnej, zarówno tej sztalugowej, jak i monumentalnej. Duża w tym zasługa współczesnych mistrzów za stworzenie nowej ikonografii Kseni z Petersburga (1988); Św. Jan z Kronsztadu, wizerunek Chrztu Rusi (ikony ks. Zinona, 1988 lub Natalii i Mikołaja Bogdanowów, 2000; patrz kolorowa wkładka), a także św. Serafina z Wyryckiego, Weniamina z Piotrogrodu i innych nowo spoczęły na Soborze w 2000 r. Wiele pracy włożono w stworzenie ikonografii „królewskich męczenników”, nie została ona ukończona do dziś. Jednak nawet w tradycyjnej, ugruntowanej od dawna ikonografii, wielu malarzy wykazuje dużą kreatywność. Wystarczy wymienić na przykład takiego artystę jak G. Tonkov. W jego "Święta Trójca" widać piętno silnych starożytnych tradycji rosyjskich, a wyrazisty, obrazowy charakter pisma mistrza nawiązuje do malowideł ściennych z Nowogrodu i bezpośrednio Wołotowa (Kościoła Wniebowzięcia na Polu Wołotowskim), ale został napisany przez współczesnego artystę, ze współczesnym rozumieniem tego, co jest przedstawiony.
W ciągu ostatnich 15–20 lat renowacja i budowa nowych kościołów stała się powszechna. W związku z tym kwestia ich dekoracyjnego projektu stała się ostra. W samym Petersburgu od połowy lat 90. XX w. Odrestaurowano i zbudowano ponad 100 świątyń i kaplic. Przykład udanego współdziałania architektury i zupełnie nowego malarstwa ikon, murali i mozaik pokazuje nam petersburski klasztor Zmartwychwstania Nowodziewiczy przy Moskiewskim Prospekcie. I w związku z tym należy to dokładnie zauważyć mozaika stał się szczególnie poszukiwany przy budowie nowych świątyń.
Sztuka, która przybyła na Ruś z Bizancjum i przeżyła nowe narodziny w XVIII wieku. wysiłki i talent M.V. Łomonosowa oraz nowy wzrost w XIX wieku. Przede wszystkim mozaika znajdująca się w murach Cesarskiej Akademii Sztuk nie poszła w zapomnienie w latach władzy sowieckiej. Mówiliśmy już, jak w latach 30. XX wieku. W związku z budową metra i innych budynków użyteczności publicznej powszechnie wykorzystywano jego walory dekoracyjne, a co najważniejsze – propagandowy charakter. W latach powojennych i później mozaikami dekorowano przedszkola i sanatoria, szpitale, przedsiębiorstwa, mury szkół itp. W Petersburgu, oprócz pracowni mozaiki Akademii Sztuk Pięknych, pracowali i nadal pracują absolwenci Wyższej Szkoły Artystycznej im. V.I. Mukhiny (SPbVHPA, której słusznie przywrócono imię jej założyciela, barona A.L. Stieglitza). bardzo dobrze.
Badacze słusznie zauważają, że doświadczenie mozaiki okresu sowieckiego, z całym jej zaangażowaniem, bardzo pomogło młodym artystom na nowym etapie jej rozwoju, który rozpoczął się w latach 90. XX wieku, zarówno w sposobie pisania, zrozumieniu możliwości materiału, oraz w wykorzystaniu nowych technologii. Już nie w Moskwie, ale w petersburskim metrze absolwent Akademii Sztuk Pięknych, student A. A. Mylnikowa, A. Bystrow, ozdabia stację metra Aleksandra Newskiego sceną słynnej bitwy - i to jest ostatnia praca powstała w Petersburgu przed rozpadem ZSRR. Ostatnie zamówienie XX wieku. dla warsztatów mozaikowych Akademii Sztuk Pięknych i ten sam mistrz stworzył mozaiki dla stacji Sportivnaya (1998–1999; patrz kolorowa wkładka) na „tematy olimpijskie”, w których artysta wykazał się wiedzą i subtelnym zrozumieniem mitologii starożytnej oraz starożytna sztuka. Później A. Bystrov (wraz z E. Bystrovem i innymi) dekorował wnętrza stacji metra Wołkowska, Admiraltejskaja itp. Inny zespół znanych petersburskich monumentalistów: S. Repin, N. Fomin, I. Urałow, V. Suchow – autorzy mozaik stacji metra „Ozerki”, „Dostojewski”, „Wyspa Krestowska”, „Sennaja” itp. Ta sama grupa znanych artystów wykonała mozaiki w kościele Narodzenia Najświętszej Marii Panny we wsi Aleksandrovskoye, obwód leningradzki (architekci A. Shreter, A. Golovin, G. Uralov).
Od początku lat 2000. w kraju zauważalne są zmiany sztuka monumentalna w tym sensie, że państwo przestaje być jego jedynym klientem, pojawia się klient prywatny. Jeśli chodzi o sztukę sztalugową ostatnich dziesięcioleci, jej rozwój w tym okresie jest dość zróżnicowany. Wielu artystów, którzy zaznaczyli swoją obecność w latach 70. – 80. XX wieku, nadal tworzy, jak ten sam A. Kulinich (zobacz jego wspaniałe kolorowe litografie poświęcone historii klasztorów Kirillo-Belozersky i Spaso-Kamenny (obwód Wołogdy), jego ilustracje do Gogola, wciąż czekającego na publikację i jego pięknych, kolorowych obrazów, pełnych ludowej wyobraźni i humoru). A to tylko przykład artysty, który zasłynął już w latach 70. – 80. Wśród tych, którzy dziś owocnie pracują, cykl ten może być kontynuowany. A ilu jest jeszcze bardzo młodych, dopiero wkraczających w życie twórcze, odważnie i swobodnie, z ciekawymi myślami – czas, mamy nadzieję, słusznie podkreśli ich nazwiska.
Możemy teraz wyciągnąć tylko jeden wniosek. Dla całej współczesnej sztuki domowej (figuratywnej) drugiej połowy XX – początku XXI wieku. Szczególnie charakterystyczne jest rozprzestrzenianie się wpływów kręgu tradycji rosyjskich – odchodzenia od awangardy poprzez sztukę przełomu XIX i XX w. po starożytną sztukę rosyjską i w materiale obcym - od eksperymentów początku ubiegłego wieku, poprzez postimpresjonizm - impresjonizm - romantyzm aż po wielką sztukę renesansu. Inaczej mówiąc, kontynuują główne tradycje, które rozwinęły się w sztuce XX wieku: rosyjski akademizm, rosyjski impresjonizm, rosyjski „Cézanneizm”, a także postmodernistyczne fantazje na tematy renesansu i czysto salonowego akademizmu przełomu XIX i XX w. XIX – XX w. Liczne wystawy ostatnich lat doskonale to ilustrują.
Jednocześnie nie można nie zauważyć, że wobec braku ideologii państwowych istnieje wyraźna tendencja do wspierania na najwyższych szczeblach mecenatu, a w samej organizacji wystaw muzealnych preferowane są przede wszystkim różne formy neo- awangarda. Wraz z zanikiem jasnych wytycznych rządu w zakresie polityki kulturalnej nastąpił proces legalizacji różnych nieformalnych stowarzyszeń. „Underground” (termin zapożyczony z kinematografii amerykańskiej początku lat 40. XX w.) nie tylko wkroczył w krajowe życie artystyczne, ale stał się sztuką niemal elitarną, o której mówi się „z tchnieniem”, ale która wciąż wymaga poważnej i obiektywnej oceny, a także działalność wielu galerii sztuki, które niedawno zostały otwarte (teraz z jakiegoś powodu nazywane są galerie sztuki) oraz wiele różnych publikacji poświęconych nowej sztuce. W dzisiejszych czasach, gdy „dawne punkty odniesienia zanikły, a dawnych idoli zastąpili nowi, gdy powstaje system zdecydowanie nowych, w dużej mierze wyimaginowanych wartości, odzwierciedlających na swój sposób myślenie posttotalitarne”, jest to bardzo trudne, ale konieczne . Niewątpliwie zrozumienie procesu rozwoju sztuki nie jest wolne od błędnych obliczeń, pomyłek, sprzeczności, a zrozumienie całej różnorodności i złożoności sztuki współczesnej, „oddzielenia ziarna od plew”, jest kwestią czasu i obiektywnej krytyki.
Wydaje się, że jedną z trudnych kwestii jest post-awangarda. W latach władzy sowieckiej powstało tak wiele „ubogich w myślach i prymitywnych w formie” (W. Własow) dzieł socrealizmu, że na tym tle rosyjska awangarda lat 20. XX w., zwłaszcza w oczach młodych artystów i widzów, zaczęła być postrzegana (kiedy z kolei stała się dostępna do oglądania) jako najbardziej zaawansowana (a dla innych jedyna możliwa) sztuka świata. Rehabilitacja nazwisk tak naprawdę wielkich mistrzów jak Π. Przyczynili się do tego N. Filonow i K. S. Malewicz. Utalentowani krytycy sztuki opłakiwali jego przerwany rozwój („Awangarda zatrzymała się w locie”). I wszyscy jakoś zapomnieli, że to była radziecka awangarda lat dwudziestych. była potężna siła, która jako pierwsza zaczęła niszczyć klasyczne tradycje sztuki rosyjskiej, i to z jaką siłą! „Jak śmiecie nazywać siebie poetą // i, mały szary, ćwierkać jak przepiórka? // Dziś // musisz // kastetem // rozciąć czaszkę świata!” (V.V. Majakowski. „Chmura w spodniach”). I „tną”! Rewolucja dała najbogatsze możliwości propagowania sztuki nihilistycznej, bez historii, ojczyzny, bez korzeni. Współczesna postawangarda, ze swoją agresywnością, tym samym znajomym patosem zniszczenia, ale i pewnym głębokim brakiem kultury, jest także wtórna i tautologiczna. Wszystko to (dotyczy to jednak całego światowego postmodernizmu) jest celowo budowane na cytatach – czy to w literaturze, kinie, czy w sztukach pięknych. Nie bez powodu wielcy artyści często narzekają, że żyjemy w epoce fałszywych proroków, fałszywych idoli, fałszywych idoli, a dzisiaj jednego ogłasza się „wielkim”, jutro innego, pojutrze innego. A najlepsze w postawangardzie pozostaje kpina i ironia, a czasem refleksja znana rosyjskiej inteligencji.
Jednocześnie dla badaczy sztuki jest jasne, że to wszystko jest „sztuką konceptualną”, op-popową „sztuką” społeczną i inną, w tym art designem, z ich odejściem od figuratywności w stronę ikoniczności, wszak werbalności, ale istocie nie mniej upolitycznionej i agitacyjnej niż socrealizm.
Na początku III tysiąclecia trzeba przyznać, że sztuka wysoka okazała się pokonana przez sztukę masową i kicz, gdyż jej skrajny wyraz, z jej złym smakiem, naruszeniem poczucia proporcji, proporcji, harmonii: nie ma liczby nazwisk - od bardzo znanych po zupełnie nieznane. I jest to zjawisko nie tylko rosyjskie, ale także światowe: postmodernizm oznacza koniec „ery sztuki klasycznej”; ideały przeszłości, jak słusznie się mówi, zostały ośmieszone i nie powstały nowe. Dlatego coraz wyraźniej staje się jasne, jakkolwiek tragicznie by to nie brzmiało, że wiek XX to wiek katastrofy kulturowej, której korzeni należy szukać w ubiegłym stuleciu, kiedy to narodziła się świadomość religijna i tradycyjny sposób życia upaść, a burżuazja budziła protesty jedynie w postaci bezbożnego buntu i estetyzacji występku i zła.
Pozwolę sobie zacytować słowa wielkiego muzyka minionego stulecia, Georgija Sviridova (1915–1998): „Sztuka naszego