Nuova teoria estetica. Qual è la differenza tra un cestino e un cestino? Professionalità nell'arte

La nota

IO
SUL GIORNALISMO MODERNO

Parliamo di letteratura. E sulla musica! Più precisamente, su quegli enti che comprendono il processo culturale in queste aree. La maggior parte delle moderne pubblicazioni online scrivono di musica, alcune pubblicazioni cartacee, giornalisti e blogger fanno programmi sull'argomento; numerose sono anche le pagine pubbliche sui social network e le recensioni degli ascoltatori sparsi un po' ovunque angoli diversi Internet. Con la letteratura, tutto è più o meno lo stesso, tuttavia qui aggiungiamo riviste classiche e spesse che stampano articoli seri e profondi.

E quali teorie estetiche dominano tra critici e percettori? Suonano così: "non si discute sui gusti" ("non ci sono compagni in base al gusto e al colore") e "lascia che tutti i fiori sboccino". Molto popolare è anche l'approccio di alcuni esperti che parlano di PROFESSIONALITÀ/QUALITÀ nello spirito di: "il suono della registrazione è di scarsa qualità, non lo ascolteremo" o "questo è un meraviglioso romanzo pop di alta qualità" degno della massima attenzione”. Esistono altre opinioni non tradizionali, di cui parlerò di seguito. Per ora vediamo quali risultati pratici porta questo meraviglioso approccio – ad esempio, nelle pubblicazioni online (senza nemmeno soffermarci sui casi di materiali a pagamento o scritti per motivi di suoceri). Quando scelgono quei fenomeni culturali di cui vale la pena scrivere, gli autori pensano come segue: "questo ha attirato la mia attenzione e, in linea di principio, mi è piaciuto, e da quando LET ALL FLOWERS BLOW, allora posso imprimere una nota!" Oppure semplicemente scrivono delle novità. O qualcosa che ha guadagnato popolarità. Allo stesso tempo, non ha senso criticare le opere analizzate - dopotutto NON C'È DISCUSSIONE SUL GUSTO. Tuttavia, anche altri fattori contribuiscono alla mancanza di critiche.

Primo. L'autore può ritenere che imporre la propria opinione e dare lezioni al lettore sia una cattiva educazione. Sorprendentemente tenace, illogico e aspetto dannoso. Cioè, l'idea in sé è corretta, ma solo il giornalista e il lettore sono in un rapporto che non permette al giornalista di imporre nulla anche se avesse un grande desiderio. Dopotutto, ciò richiede una leva di influenza pratica, che un giornalista non ha. Tutto quello che può fare è esprimere la sua opinione, cercando di convincere il lettore della propria correttezza con argomentazioni ponderate. Se il lettore trova gli argomenti convincenti, allora non ci sarà alcuna imposizione, come nel caso in cui li trova poco convincenti. Per quanto riguarda gli insegnamenti, si può dire esattamente la stessa cosa. Se, ad esempio, un insegnante a scuola costringe uno studente a memorizzare del materiale, allora lo studente deve farlo, perché altrimenti riceverà un FALLIMENTO e se questa situazione si ripete, verrà espulso dalla scuola - una conseguenza indesiderabile. Pertanto, l'insegnante ha una leva sullo studente, grazie alla quale può FORZARLO ad agire contro la sua volontà, che è l'unico aspetto negativo dell'INSEGNAMENTO. Un giornalista non ha questa opportunità, il che significa che può insegnare solo nel significato positivo della parola, e ancora, esprimendo la sua opinione e selezionando prove ben adattate. Di conseguenza, ci troviamo di fronte a una bellissima frase sugli insegnamenti che non ha un contenuto reale, ma consente convenientemente all'autore di evitare il lavoro mentale.

Secondo. La critica risulta essere inutile e difficile. Per scrivere non solo NON MI PIACE, ma per mostrare VERAMENTE i lati deboli del materiale analizzato, sono necessari degli argomenti. Ma se un critico scrive costantemente, e accumula un bagaglio di articoli, allora il lettore potrà seguire il suo percorso e individuare un certo APPROCCIO GENERALE dell'autore. Potrebbe risultare che gli argomenti in essi contenuti siano in assurde contraddizioni e il critico verrà preso in giro. Questo non è consigliabile! Per evitare di cadere in una situazione del genere, il critico dovrà riconoscere in anticipo i propri gusti e supportarli con una sorta di teoria estetica. Ma per fare ciò è necessario un notevole dispendio mentale. Inoltre, quando la teoria viene sviluppata, si scopre che una buona metà dei materiali recensiti nella rivista in cui è pubblicato il critico meritano solo recensioni rabbiose, o meglio addirittura SILENZIO COSTITUENTE. Entrambi questi fattori possono allontanare parte del pubblico di massa dalla rivista: alcuni non troveranno articoli sui loro artisti preferiti e altri si offenderanno per essere stati rimproverati. E la persona stessa criticata potrebbe rivelarsi vulnerabile e in qualche modo rovinare le cose per ritorsione, senza prestare attenzione al fatto che la critica era la più educata e corretta. Svantaggi completi! Ma se lodi tutti, si scoprirà che sei un AMICO GENTILMENTE DOLCE e avrai pace, tranquillità e l'attenzione del lettore.

In generale, la mancanza di critica risulta essere molto logica dal meschino punto di vista soggettivo dei giornalisti, ma quali conseguenze porta questo per la cultura? Naturalmente, a quelli più tristi. Ma a volte anche comico! Ad esempio, al fenomeno del cosiddetto. NUOVA ONDA RUSSA. Te ne parlerò usando l'esempio del gruppo BAD; La sua copertura mediatica è andata più o meno così:

– appare il gruppo BAD, un giornalista ci si imbatte per caso e, con il sugo di RECENSIONARE NUOVI PRODOTTI, compone un articolo;
– un altro giornalista nota questo articolo e, temendo che alla sua rivista manchi materiale rilevante, ne scrive anche lui;
- si forma un'intera valanga di materiali, tutti scrivono di BAD, fino a SADWAVE (che sta cercando di scrivere di alcuni fenomeni seri in generale, e non di manichini), individualmente più volte.

Grazie a tutte queste pubblicazioni, l'ensemble diventa popolare.

La cosa divertente è che il gruppo non meritava nemmeno la prima pubblicazione, non rappresenta alcun valore culturale, ma non c'era assolutamente posto per questo fatto nello schema stabilito, mentre tutti ne scrivevano nemmeno per GRANDE AMORE, ma , per così dire, perché per l'ISTINTO DEL GRANDEZZA. Classico MOLTO RUMORE PER NIENTE!

Ecco come funzionano le pubblicazioni moderne. Se ci credi, allora invece della cultura abbiamo un mucchio enorme spazzatura, nella quale, anche se si possono trovare oggetti di valore gettati lì per sbaglio, l'esecuzione di questo lavoro spetta ai lettori, perché i giornalisti non hanno tempo. Di conseguenza, non esiste una sola rivista che io conosca che possa essere utilizzata per giudicare lo stato della musica moderna! Quel che è peggio è che lo stesso approccio comincia a diffondersi anche nelle pubblicazioni più inaspettate.

Sto parlando della reazione dei media all'album degli OXYMIRON. È comprensibile il fatto che l'istinto del gregge abbia costretto quasi tutte le pubblicazioni legate alla musica a scrivere su di lui. Ma inaspettatamente, una recensione elogiativa è apparsa sul sito web del quotidiano DOMANI! Scrivono poco di musica e per la cover scelgono per lo più artisti a loro ideologicamente vicini, il che sembrerebbe rendere impossibile l'apparizione di una simile recensione di OXYMIRON - ma è apparsa. Considero mio dovere analizzare questo album e recensirlo in dettaglio, soprattutto perché la sua autrice è una giornalista che rispetto completamente, Alexandra Smirnova. Durante l'analisi, metterò le sue dichiarazioni tra parentesi.

Quindi, l’album degli OXYMIRON è una storia coerente raccontata in formato REP. Base letteraria Questa storia è assolutamente banale, avrebbe potuto essere scritta da un qualunque scribacchino o grafomane di terz'ordine, non ho voglia di raccontarla di nuovo. Questo è solo un insieme di cliché odiosi e personaggi piatti, banali e stereotipati. ("Si trova, per così dire, all'intersezione di diversi generi - musica, letteratura e spazio mediatico, perché la trama dell'album potrebbe benissimo essere la base per una serie TV o semplicemente per notizie calde" - categorie reciprocamente esclusive, dove è letteratura nelle serie TV e nelle notizie calde?). Se OXYMIRON lo avesse pubblicato non come un album musicale, ma, ad esempio, come una storia, attirerebbe immediatamente l'attenzione di chiunque. Ma ha agito in modo più astuto! Per abbellire questo racconto, lo ha riempito di numerosi riferimenti culturali e storici. L'insieme delle fonti a cui fa riferimento è piuttosto ampio e dimostra che si trattava di una persona molto colta. Il che, sembrerebbe, dovrebbe essere un vantaggio, ma non lo è. Dopotutto, una persona che ama la cultura cercherà di scegliere tra tutti i suoi fenomeni quelli che ama particolarmente, per attirare ancora una volta l'attenzione degli ascoltatori su di loro. Lo farà con moderazione e con gusto, altrimenti i riferimenti si trasformeranno in volgare vanteria della propria erudizione, e perfino illeggibili. OXYMIRON ha preso la seconda strada, ma qui sorge subito un'altra domanda! Se il nostro artista si rivela così intelligente ed istruito, allora perché ha basato il suo album su una trama così banale? Qui dobbiamo già constatare la sua COMPLETA INDITTABILITÀ DEL GUSTO!

Ma i GIOIELLI non finiscono qui. Naturalmente OXYMIRON racconta tutta questa storia IN POESIE, e non semplici, ma IN RIME TRABOCCATE; il loro numero nei testi è fuori scala. Il che porta a una discordanza tra forma e contenuto. “Vuoi raccontarci una storia che sia degna di nota dal tuo punto di vista? Per favore! Ma siate così gentili da dirlo in modo chiaro e comprensibile”, questo principio mi sembra molto logico e OXYMIRON non lo segue affatto. Il significato delle parole allegramente tintinnanti e intonate in modo inappropriato degli OXYMIRON è quasi impossibile da percepire; per andare a fondo bisogna ascoltare l'album più volte e con attenzione, ma anche leggendo direttamente i testi, le rime onnipresenti attirano costantemente Attenzione. ("Testi di alta qualità, ben fatti e saturi (sì, troppo) di fenomeni culturali. Eccellente gioco sia con il lato semantico che con quello fonetico della parola.")

Sullo sfondo di tutto quanto sopra, diventa chiaro che OXYMIRON non voleva trasmettere la sua storia all'ascoltatore, voleva semplicemente costruire un PRODOTTO POP COMMERCIALE DI QUALITÀ OCCIDENTALE. ("Naturalmente, Mirone affascina sia con la rigidità della sua presentazione che con la sua sincerità."). Per fare ciò, ha utilizzato una serie di semplici tecniche che potrebbero ingannare un ascoltatore credulone. In effetti, come dovrebbe essere percepito questo album secondo l'idea degli OXYMIRON? All'inizio senti musica allegra e piacevole con voci espressive. Quindi inizi ad ascoltare il testo e scopri molte parole intelligenti. Dopo aver ammirato la formazione dell'autore (soprattutto se il livello di istruzione del destinatario è basso), continui ad ascoltare l'uscita e noti che queste non sono solo canzoni, ma una trama coerente di cui puoi andare fino in fondo! Eccolo, l'apogeo della gioia! Avendo ceduto al fascino, l'ascoltatore di OXYMIRON non si impegna più a valutare seriamente e criticamente il prodotto. Ma se lo facessi, ripeterei inevitabilmente la mia conclusione!

In generale, OXYMIRON non ha detto nulla di nuovo con questo album, ha solo trasferito alla musica tecniche pop cento volte collaudate, ovviamente modificandole per adattarle al suo genere - quelle tecniche per le quali, ad esempio, lo scrittore Akunin era stato precedentemente ridicolizzato. Allo stesso tempo, per creare un PRODOTTO del genere non è richiesto alcun lavoro creativo; è sufficiente adattare semplicemente l'idea al formato pop desiderato in ogni fase e distrarre lo spettatore dai punti deboli con trucchi divertenti ("Una persona di talento può arricchire , modificare e presentare qualsiasi materiale sciogliendolo in un crogiolo, affinché sia ​​Arte."). E sì, non ha senso affermare che la componente musicale dell'album è un insieme ancora più scarno di tecniche collaudate.

Pertanto, Alexandra, invece di sfatare il semplice inganno di OXYMIRON, si è lasciata ingannare e ha sostenuto questo inganno. Sfortunatamente, questo è molto tipico della critica moderna.

(1) Se non altro perché l'album degli OXYMIRON ha anche alcune sfumature politiche nello spirito del liberalismo occidentale, che non si adatta del tutto al cosiddetto. LA LINEA DELLA FESTA DEL GIORNALE DI DOMANI. Tuttavia, a causa della banalità del materiale, può anche essere considerato semplicemente umanistico generale.

II
NESSUNA CULTURA

Sì, la situazione è deprimente! Ma come è successo? Proverò a rispondere a questa domanda. Ma non intendo parlare solo di capitalismo, economia di mercato e meccanismi della SOCIETY OF PERFORMANCE per tre ragioni. In primo luogo, spero che tutto questo sia già noto al lettore, in secondo luogo, è già stato detto abbastanza senza di me, in terzo luogo, questo non risponderà ancora alla domanda posta, ma delineerà solo l'ambiente in cui esiste oggi la cultura. L’ambiente per la cultura (e per il giornalismo come suo corpo di riflessione) è infatti molto sfavorevole, ma ciò non significa che la cultura non possa esistere in esso con maggiore efficienza. Pertanto, per rispondere alla domanda, fornirò un'escursione storica basata sul libro di John Seabrook “Nobrow. Cultura del mercato. Marketing of Culture" (la prima edizione in inglese è stata pubblicata nel 2000).

Nonostante l'autore stesso, a giudicare dal libro, sia una persona piuttosto superficiale e poco piacevole, il suo lavoro è interessante da leggere. È dedicato all'America di fine secolo e descrive il processo in cui il confine tra cultura alta (highbrow) e cultura bassa (lowbrow) venne cancellato, per cui esisteva solo il NO (nobrow, anche se l'autore stesso lo definisce come il luogo in cui si concentrano cultura e marketing, e lo danno per scontato). La parte del libro che ci interessa è dedicata alla storia della rivista NEW YORKER, che un tempo era un'importante roccaforte di HIGHBROW. Pubblicava articoli professionali e dettagliati sulle "arti tradizionali dell'aristocrazia: pittura, musica (presumo, accademica), teatro, balletto (!) e letteratura". Grazie a ciò, secondo il signor SEABROOK, la rivista ha svolto un'importante funzione sociale: “Negli Stati Uniti, le divisioni gerarchiche nella cultura erano l'unico modo parlare apertamente della lezione. Per ottenere ciò che è stato ottenuto in altri paesi grazie alla gerarchia sociale, era necessaria una gerarchia culturale. Qualsiasi nuovo ricco potrebbe acquistare una villa, ma non tutti potrebbero diventare ammiratori appassionati di Arnold Schönberg o John Cage. Si supponeva che la differenza tra la cultura d’élite e quella commerciale fornisse differenze “qualitative”. Il NEW YORKER era il portavoce di questa "classe" - finché tutto non andò storto. Da qualche parte negli anni Ottanta, divenne chiaro che anche i lettori di ARISTOCRAT, nonostante tutto il loro orgoglio e narcisismo, erano stanchi di cedere ai CUMUMERS. "Questa è una rivista fantastica, ma non la compro più perché mi vergogno che sia sulla mia scrivania e non la leggo", hanno detto, e le vendite erano in calo. Una nuova persona, che si sedette sulla presidenza del redattore nel 1987, non riuscì a correggere la situazione e rimase in questa posizione fino al 1992, e chi lo seguì aiutò la rivista a degradarsi al gusto del lettore, scegliendo rock star, MTV e STAR GUERRE come argomenti, così come articoli nello stile di JAUNDICE, sebbene tutto ciò fosse adiacente ad "articoli su vecchie figure culturali: direttori di musei, direttori d'opera, collezionisti d'arte". La maggior parte dei vecchi dipendenti, abituati a standard elevati, alla fine lasciarono NEW YORKER.

Sembrerebbe che questa situazione sia degna di sospiri lacrimosi, ma scopriamolo. Ciò che in realtà è accaduto è che l'insostenibile quadro estetico di riferimento della rivista NEW YORKER ha semplicemente lasciato il posto a uno brutto. Puoi pentirtene, perché durante la sua vita il defunto era piacevole sotto certi aspetti, ma per qualche motivo non aveva abbastanza intelligenza per sopravvivere. Più precisamente, non per qualche motivo, ma per la mancanza di questa stessa mente. Si pensava che il vecchio sistema estetico fosse stabilito da secoli, e non implicasse rinnovamento, e tutto ciò che non viene aggiornato prima o poi muore. Inoltre, secondo il signor SEABROOK, l'interesse del pubblico per questa cultura è stato finto. Cioè, secondo me, una persona è interessata alla cultura per svilupparsi. Questo processo di per sé è molto interessante e ti salva dalla noia, ma questa è la sua funzione secondaria, non primaria. La cultura di massa è costituita da un insieme di idee e tecniche semplici che non ti salvano nemmeno dalla noia: quando ti imbatti negli stessi modelli e banalità per la millesima volta, provoca solo uno sbadiglio. E sviluppo Cultura di massa se può contribuire, è dieci volte peggiore della cultura REALE, perché è la sua versione volgarizzata. Di conseguenza, se una persona ha un SANO interesse per la cultura, anche se lo desidera, non sarà in grado di passare dall'interesse per HIGHBROW a LOWBROW (come ha fatto il signor SEABROOK) proprio perché quest'ultimo NON È INTERESSANTE ed è inutile per lo sviluppo. Ebbene, essere un aristocratico, a quanto pare, è davvero troppo difficile.

Il resto del libro di Mr. SEABROOK è dedicato alla descrizione di THE NEW YORKER sotto la guida di un nuovo editore, riflessioni sulla storia della rivista (e sul pensatore di Mr. SEABROOK, come ho detto, NON MOLTO), storie di fumetti di come si vestiva e di come vestiva papà con lo stesso scopo di mantenere l'ARISTOCRATISMO, così come il suo esperienze giornalistiche, associato a MTV, "il nuovo KURT COBAIN" Ben Queller e GUERRE STELLARI. E questo è adiacente alle confessioni del signor SEABROOK sull'estasi in cui a volte lo porta la musica pop. Così ha sottolineato il signor SEABROOK per esempio il processo di degrado culturale degli amanti del balletto e dell'opera. Non è che posso consigliare la lettura del suo libro: ne ho già raccontato tutte le preziose informazioni e probabilmente è stato presentato meglio in altre fonti, ma mi sono imbattuto in questo.

Ora possiamo tornare alla nostra cultura nazionale. In realtà, ad eccezione dei dettagli (che hanno un ruolo fondamentale in una conversazione dettagliata, ma non influiscono in alcun modo sul piano generale), la situazione descritta dal signor SEABROOK è facilmente proiettata sulla Russia. La cultura del marketing è fiorente, il giornalismo svolge per essa una funzione di servizio e gli aderenti all'ALTA ESTETICA sotto forma di spesse riviste letterarie (le stesse opinioni non mainstream di cui ho parlato nel secondo paragrafo di questo articolo) esistono da qualche parte nel loro mondo, hanno perso la maggior parte dei lettori e non hanno quasi alcuna influenza sulla cultura attuale. Il loro approccio ha smesso di funzionare e i tentativi di aggiornarlo portano alla stessa spazzatura - ad esempio, sebbene COLTA mantenga un livello professionale, la scelta delle personalità per la sezione MUSICA MODERNA è al di sotto di ogni critica, non riflette il quadro reale di questo molta musica e contiene anche materiale su IVAN DORNE e altri artisti di livello simile. Inoltre, non è possibile giudicare la letteratura moderna nel suo insieme dai loro articoli.

Quindi, a questo punto dell'articolo diventa chiaro che l'effettivo teoria estetica Non una sola pubblicazione ha un concetto che consenta alle riviste di vedere la cultura dalla giusta angolazione e soddisfare il lettore sofferente. L'approccio dominante trasforma la cultura in una discarica e il vecchio amore dei critici per essa alta arte il vento li spinge oltre la fiancata del moderno piroscafo. Qualsiasi tentativo di combinare l'approccio della spazzatura con uno serio non funziona: la discarica assorbe felicemente i suoi nuovi aderenti, rimanendo una discarica.

(3) In generale, questo ragionamento sembra alquanto dubbio, ma non ho informazioni sufficienti su questo argomento, quindi in questa nota mi atterrò all'opinione del signor SEABROOK, soprattutto perché fa riferimento ad alcune fonti che confermano tale opinione.

III
COSA FARE?

Il problema formulato è stato da me sentito da molto tempo e mi ha dato molto fastidio. Mentre ci pensavo, mi sono imbattuto in articoli di DMITRY IVANOVICH PISAREV. Si è scoperto che è riuscito a risolverlo abbastanza bene, per il suo tempo e le sue circostanze! Sono rimasto stupito dalla capacità con cui ha affrontato le opere scadenti e ha elogiato quelle buone, e le ha persino analizzate profondamente, quindi non ho potuto resistere e ho conosciuto la sua eredità in in toto. Qual è stata la sua teoria estetica che gli ha permesso di raggiungere risultati così invidiabili? Di questo bisogna parlare.

Pisarev visse solo meno di ventotto anni, essendo nato nel 1840 e annegando mentre nuotava nel 1868. Iniziò a scrivere circa nove anni prima della sua morte. Di conseguenza, aveva già a sua disposizione le opere di Belinsky, Dobrolyubov e Chernyshevsky, le cui idee poteva sviluppare e migliorare, e la tendenza dominante nella letteratura di quel tempo e il suo risultato più progressista era il realismo. Se il lavoro di un autore realista rifletteva correttamente la vita, allora, secondo Pisarev, era buono e necessario, e se l'autore fraintendeva i caratteri delle persone e non sapeva come descriverli in modo profondo e coerente, allora Pisarev cercava di disegnare il l'attenzione del lettore su queste debolezze dell'opera e la riconobbe insoddisfacente. Inoltre, nonostante le sue specifiche opinioni politiche e sociali, ha sostenuto:

“Non mi interessano le convinzioni personali dell’autore. Presto attenzione solo a questi fenomeni vita pubblica, che sono raffigurati nel suo romanzo; se questi fenomeni vengono notati correttamente, se i fatti crudi che compongono il tessuto principale del romanzo sono del tutto plausibili, se il romanzo non contiene né calunnie contro la vita, né colorazioni false e stucchevoli, né incongruenze interne, allora tratto il romanzo come se tratterebbe in modo affidabile una dichiarazione degli eventi realmente accaduti; Scruto e penso a questi eventi, cerco di capire come scaturiscono l'uno dall'altro, cerco di spiegarmi quanto dipendano dall'uno e dall'altro. condizioni generali vita, e allo stesso tempo lascio completamente da parte il punto di vista personale del narratore, che può trasmettere i fatti in modo molto corretto e completo, ma spiegarli in modo estremamente insoddisfacente.

Quindi, l'autore ha descritto il reale problemi della vita, e Pisarev li ha estratti dal lavoro, li ha formulati chiaramente e poi ha dato proposte per risolverli, presentando così coerentemente le sue opinioni - e, di regola, le sue soluzioni sembravano abbastanza convincenti! Allo stesso tempo, Pisarev non prestò alcuna attenzione alla componente artistica dell'opera, sostenendo, ad esempio, che Chernyshevsky scrisse grande romanzo COSA FARE?, anche se nelle critiche è stato rimproverato per il linguaggio dell'autore - e questo argomento mi sembra piuttosto pesante!

Naturalmente, Dmitry Ivanovich non ha formulato immediatamente questo punto di vista, era supportato da argomentazioni e aveva molte sfumature, ma una presentazione così breve mi sembra generalmente corretta. Secondo Pisarev, si è scoperto che esiste persone reali, vita vita reale e cercando di risolvere i loro veri problemi. In questo li aiuta un connubio tra letteratura e critica: la prima descrive i problemi, la seconda li discute e offre le sue soluzioni. La letteratura e la critica servono le persone, le persone leggono letteratura e critica, e con attenzione, e tutti sono contenti l'uno dell'altro: la situazione è la più meravigliosa! E con questo approccio, tutto il vecchio carico letterario come poesie, classicismo, sentimentalismo e romanticismo viene gettato nella pattumiera della storia.

Tra i vantaggi di questo approccio, oltre a creare una discussione pubblica, si può evidenziare il fatto che gli autori mediocri, artificiosi e secondari non riceveranno alcun riconoscimento (e filtrare queste persone è oggi un compito urgente). In effetti, uno scrittore realista deve avere un'invidiabile conoscenza della vita e una comprensione della psicologia umana. Tale conoscenza si sviluppa solo con un enorme sforzo mentale ed è sufficiente affinché il lavoro dell'autore diventi interessante per il lettore.

IV
COSA FARE OGGI?

Tuttavia, proiettare l’approccio di Pisarev ai giorni nostri senza cambiamenti sarebbe una follia. La storia ha accumulato troppa esperienza perché oggi sia possibile restringere così tanto il campo dell'arte. Per cominciare, lo spiegherò usando l'esempio dell'articolo PUSHKIN E BELINSKY. Da un lato, in esso Dmitry Ivanovich ha potuto notare correttamente alcune caratteristiche del talento di Pushkin. Ha dimostrato che se chiudi gli occhi sulla dolce voce dal tono poetico patetico e leggi letteralmente ciò che Pushkin ha scritto, si scopre che non era completamente incapace di formulare i suoi pensieri. Ha cercato di ritrarre una cosa, ma in realtà ha caricaturato qualcosa di completamente diverso. Cercando di ritrarre il suo Onegin come un bravo ragazzo e Tatiana come una donna meravigliosa, ha dipinto due persone meschine e volgari, seguendo costantemente la guida dei loro desideri più semplici o delle opinioni della società circostante. Quando Pushkin ha provato a disegnare una BELLA UNIONE DI STUDENTI DEL LICEO, ancora una volta ha inventato una caricatura piuttosto volgare. Ma perché il lettore non se ne è accorto prima? Perché questo tono poetico di pathos dolcissimo funziona in modo tale da assorbire tutta l’attenzione del lettore. Dalla poesia cattura solo lo stato d'animo generale - cioè ciò che il poeta voleva dire, ma non poteva - e alcuni aforismi. Con un'accurata rivisitazione prosaica della poesia, il tono si perde e rimangono solo fatti nudi e assurdi. Come diceva il bandito messicano del film UN PUGNO DI DINAMITE, rivolgendosi al cittadino statunitense derubato fino ai vestiti: “E QUANDO SEI NUDO, SEI LO STESSO FATTO COME TUTTI”. E questa caratteristica si applica, ovviamente, non solo a Pushkin, ma a qualsiasi poesia scritta con questo tono: è molto utile capirlo. Un'altra cosa è che questa è proprio una CARATTERISTICA, e non un più o un meno: tutti possono valutarla, tenendo conto di questo, il meccanismo funziona correttamente: il lettore può comunque capire cosa voleva dire il poeta. Quindi in che modo Pisarev è stato parziale nel valutare PUSHKIN? La risposta sta dentro parole finali i suoi articoli:

"Sarò immortale", dice Pushkin, "perché ho risvegliato buoni sentimenti con la lira". “Mi scusi, signor Pushkin”, diranno i realisti pensanti, “quali buoni sentimenti ha risvegliato? Attaccamento agli amici e ai compagni d'infanzia? Ma è davvero necessario risvegliare questi sentimenti? Ci sono persone al mondo che sarebbero incapaci di amare i propri amici? E questi uomini di pietra, se solo esistessero, diventerebbero teneri e amorevoli al suono della tua lira? – Amore per le belle donne? Ami il buon champagne? Disprezzo per il lavoro utile? Rispetto per il nobile ozio? Indifferenza agli interessi pubblici? Timidezza e immobilità di pensiero in tutte le questioni fondamentali della visione del mondo? Il migliore di tutti questi BUONI SENTIMENTI risvegliati dai suoni della tua lira è, ovviamente, l'amore per le belle donne. Non c'è davvero nulla di riprovevole in questo sentimento, ma, in primo luogo, si può notare che è abbastanza forte di per sé, senza alcuna stimolazione artificiale; e in secondo luogo, bisogna ammettere che i fondatori dei nuovissimi corsi di danza di San Pietroburgo sanno risvegliare e coltivare questo sentimento con incomparabilmente più successo dei suoni della tua lira. Quanto a tutti gli altri BUONI SENTIMENTI, sarebbe incomparabilmente meglio se non li risvegliassi affatto. "Sarò immortale", dice ulteriormente Pushkin, "perché sono stato utile". - "Come?" si chiederanno i realisti, e non ci sarà risposta a questa domanda da nessuna parte. "Sarò immortale", dice infine Pushkin, "perché ho invocato misericordia per i caduti". - “Signor Puskin! - diranno i realisti, - ti consigliamo di rivolgere questo argomento ai Tungus e ai Kalmyks. Questi figli della natura e amici della steppa forse vi crederanno sulla parola e comprenderanno proprio in questo senso filantropico le vostre poesie guerriere, scritte non durante la guerra, ma dopo la vittoria. Per quanto riguarda l’ORGOGLIOSO NIPOTE DEGLI SCHIAVI e dei finlandesi, queste persone sono già troppo viziate dalla civiltà europea per scambiare esclamazioni guerresche per manifestazioni di mansuetudine e filantropia”.

Di tutto questo meraviglioso paragrafo, che ho deciso di citare integralmente, se non altro perché io stesso lo rileggo sempre con piacere, fondamentalmente non sono d'accordo esattamente su un punto: riguardante l'utilità. Durante la sua vita, Pushkin riuscì ad apportare alcune importanti modifiche al linguaggio, alla forma e all'approccio ideologico belle lettere– ha seguito il percorso dal romanticismo (con elementi di classicismo) al realismo. E questo è stato estremamente utile: è difficile immaginare che Chernyshevskij possa scrivere COSA FARE? nello spirito del romanticismo! Se non fosse stato per Pushkin, forse a quest’ora il nuovo genere non sarebbe ancora emerso. Per questo, i discendenti ringraziano Pushkin.

Pisarev, ovviamente, ha deliberatamente rifiutato l'approccio storico:

“Ora viviamo la vita ansiosa del momento presente; sentiamo un bisogno irresistibile di voltare le spalle al passato, dimenticarlo, seppellirlo e volgere con amore lo sguardo verso un futuro lontano, seducente, sconosciuto. Cedendo a questa esigenza, focalizziamo tutta la nostra attenzione su ciò in cui sono visibili la giovinezza, la freschezza e l’energia di protesta, su ciò in cui si sviluppano e maturano gli ingredienti di una nuova vita, che rappresenta un netto contrasto con la nostra vegetazione attuale.

Scrivendo il QUESTIONARIO A PUSHKIN, evidentemente si è dimenticato di questo scarto nel suo fervore polemico. Ma questo suo errore di calcolo illustra bene la direzione in cui dovrebbe essere affinata la teoria estetica di Dmitry Ivanovich. In fase di finalizzazione, non dovremmo dimenticare il fatto che se Pisarev fosse nato non nel 1840, ma nel 1886, come fece Alexey Kruchenykh, avrebbe ammirato il lavoro di quest’ultimo. Futuristi e nichilisti hanno molto in comune: hanno risposto in modo adeguato e brillante alle esigenze del loro tempo, sviluppando nuove teorie estetiche in modo che fossero il più utili possibile nella situazione attuale. Ma furono proprio queste esigenze del momento a renderli insoddisfacenti di fronte all'eternità. Tuttavia, gli approcci di realisti e futuristi presi in considerazione insieme, dopo aver rimosso le contraddizioni sorte tra loro, si riveleranno una base ideale su cui costruire una corretta comprensione dell'arte - e questa comprensione sarà confermata da tutte le successive storia.

V
NUOVA TEORIA ESTETICA

Ma entriamo nello specifico! Qual è questa comprensione corretta? Si spiega con una nuova teoria estetica. L'estetica è una scienza che studia le leggi eterne della bellezza che non dipendono dai gusti soggettivi di chi percepisce. Affermo che la sua legge eterna più generale per l'arte è formulata come segue:

“SOLO L’ARTE CHE È QUALCOSA DI NUOVO NEL CONTENUTO, NELLA FORMA O UNA NUOVA COMBINAZIONE DI CONTENUTO E FORMA PUÒ ESSERE BELLA.”

- Questo è tutto! Non potresti pensare a qualcosa di più banale? Questo è solo uno scherzo! Abbiamo letto una montagna di testi solo per sentire una rivelazione come questa? È meglio rivolgersi a Tungus e Kalmyks con lui! Non posso credere ai miei occhi!

Anzi, devo scusarmi per una tale banalità. Non mi sarebbe mai venuto in mente di formularlo se avessi visto che in realtà la stragrande maggioranza delle persone che considerano questa idea del tutto ovvia, in pratica se ne dimentica costantemente! Sia i pensatori moderni che le figure di spicco del passato inventano costantemente qualsiasi cosa, le teorie più complesse e piene di risorse, solo per evitare di utilizzare questo metodo più semplice. Oppure semplicemente chiudono un occhio e iniziano a lodare o smontare proprio ciò che non è assolutamente una novità! Ciò verrà illustrato di seguito con molti esempi, forse anche troppi. Intanto darò alcune immediate e semplici precisazioni.

Nel comprendere la tesi secondo cui nell'arte siamo interessati solo al nuovo, si possono incontrare due estremi. Alcuni penseranno che qualsiasi opera sia automaticamente nuova, mentre altri, al contrario, diranno che NIENTE È NUOVO SOTTO LA LUNA. Entrambi questi estremi sono così assurdi che non ha senso opporsi ad essi. Inoltre, l'enunciato di tesi contiene suggerimenti su quali criteri dovrebbero essere utilizzati per valutare il “nuovo”. Se, ad esempio, un artista prende una vecchia forma musicale e sopra di essa esegue un testo banale nello spirito di "casa mia, casa tua - nuovi edifici", allora, ovviamente, non è necessario parlare di alcun nuova forma, contenuto o combinazione degli stessi. Tutto qui è secondario. Nei casi più difficili, come nel caso di OXYMIRON, è possibile creare l'apparenza di “nuovo”, ma un'analisi dettagliata lo dissiperà e spiegherà l'intero insieme di tecniche piatte e ripetutamente utilizzate in precedenza, grazie alle quali si crea questa sensazione. Cioè, rivelerà l'algoritmo più semplice, che richiede solo competenze formali e non lavoro mentale, in seguito al quale chiunque può ottenere risultati simili con un po' di allenamento. Ma cosa succederebbe se ci fosse davvero qualcosa di nuovo? Allora sarebbe bello provare a capire la portata di questa novità. Alcune cose sono rimaste sulla bocca per molto tempo, e se una certa figura non le avesse pronunciate, in un giorno, un mese o sei mesi le avremmo sentite dalle labbra di un altro autore. Ma alcuni nuovi prodotti possono essere seriamente in anticipo sui tempi! Ecco perché nella formulazione della TESI ho usato le parole FORSE: “Solo quell'arte può essere bella quella...”. Dopo aver selezionato i candidati per il BELLO, dovrai scegliere quelli veramente degni. Ecco come si rivelerà la vera BELLEZZA!

Noterò anche che la mia formulazione deliberatamente non pretende di essere scientifica (il che non interferisce con la sua obiettività). Non definisco i termini FORMA e CONTENUTO, ma è molto comodo usarli quando si parla di ogni specifica opera. Possono assumere significati diversi a seconda del contesto, ma da esso sarà ben chiaro di cosa stiamo parlando in questo caso. Inoltre, se un'opera è nuova almeno in qualche modo, risulta comunque candidata alla bellezza: la formulazione funziona universalmente! Ed ora, dopo queste mini-spiegazioni, mi concentrerò nel giustificare la validità e l'attualità della NUOVA TEORIA ESTETICA.

VI
GIUSTIFICAZIONE STORICA

Osservando la storia della letteratura, possiamo affermare con sicurezza che, nonostante tutte le distorsioni temporanee, l'unico criterio in base al quale questa o quell'opera è rimasta nel corso dei secoli è stato da me formulato un po' più in alto. Sì, i realisti hanno litigato con i fan " arte pura", i simbolisti sputarono sul realismo, i futuristi gettarono in teoria tutti i loro predecessori dalla nave della modernità, i realisti socialisti fecero lo stesso con i simbolisti e i futuristi nella pratica, i postmodernisti dichiararono la fine del realismo, ecc., ecc. - ma alla fine tutti hanno trovato posto nella storia. Alcuni dovettero essere riportati lì dopo l'accaduto, ma quando ritornarono rimasero seduti con fermezza. Non c'era posto solo per chi non diceva nulla di nuovo. Né nella forma né nel contenuto!

Ma perché è successo questo? Proprio perché qualsiasi direzione nell'arte è necessaria e pertinente. Inizierò con le scuse del realismo in tutte le sue manifestazioni, poiché ora è in triste declino. Tradizionalmente, il realismo è diviso in “naturalismo”, che fornisce fotografie fotografiche della vita circostante, e vero “realismo”, che generalizza artisticamente la realtà e disegna personaggi e situazioni tipiche. Di solito, quando uso la parola realismo, unisco questi due concetti come livelli diversi dello stesso fenomeno, ma in questa conversazione vale la pena separarli. Dove ha avuto inizio il naturalismo domestico? Da schizzi fisiologici. Gli scrittori che erano abituati a descrivere solo la vita della nobiltà (ad esempio Pushkin) non capivano nulla della psicologia delle persone INNOBIBILI, quindi potevano solo descrivere ciò che vedevano, cercare di trasmettere le caratteristiche linguistiche dei contadini, raccogliere le loro folklore, ecc. Il tema contadino fu introdotto nella letteratura dal nobile Grigorovich , che presto raggiunse alcune generalizzazioni. Anche Gogol e Dostoevskij arrivarono a loro: nelle loro opere sulle "piccole persone", poco dopo furono raggiunti da Pisemsky e Ostrovsky. Per molto tempo, il naturalismo è stato un'osservazione di persone dall'esterno - con rare eccezioni (Yakov Butkov) - e non c'era bisogno di parlare della completezza del quadro finché la gente comune non si è riversata nell'arena letteraria. Dopo Nikolai Uspensky (che fece il suo debutto nel 1857) vennero Levitov, Reshetnikov, Pomyalovsky, Kushchevsky, Gleb Uspensky, Omulevskij, Voronov e altri. Provenivano dal basso e diventavano naturalisti per altri motivi: mancanza di istruzione, accesso ai libri, Soldi. Erano poveri e cercavano di guadagnare denaro attraverso un costante lavoro letterario, quindi non avevano tempo per pensare e scrivere. ottimo lavoro era disponibile solo per pochi eletti. Tuttavia, furono i primi a registrare la “verità” sulle persone, conoscendone a fondo la vita, i personaggi e i destini. Da questi esempi risulta chiaro che, sebbene sia PIÙ DIFFICILE e UTILE dare un quadro generalizzato della realtà, nella pratica, realizzare opere realistiche che tengano conto delle condizioni reali non è sempre possibile. In una situazione del genere, l’unico modo per descrivere alcuni fenomeni importanti è il naturalismo. In sostanza, naturalismo e realismo non sono in conflitto, ma si completano a vicenda. La critica al naturalismo avrà senso solo quando ci saranno artisti delle parole in grado di descrivere adeguatamente gli stessi fenomeni. Inoltre, la storia ha dimostrato che gli unici scrittori della vita quotidiana in alcuni ambienti sociali non sono nemmeno scrittori, ma musicisti - basti ricordare le canzoni popolari o il punk rock siberiano. Pertanto, tutti i sottogeneri del realismo risultano necessari. Per i lettori tutto il realismo sarà sempre necessario semplicemente perché la vita non si ferma, cioè per comprendere le leggi secondo cui il mondo al momento, la psicologia delle persone a lui contemporanee, così come lo sguardo negli angoli del paese e del mondo a lui inaccessibili - sociali o geografici. Questo rimarrà sempre il grande beneficio che una persona può ottenere dall'arte, e le vecchie opere realistiche non saranno mai in grado di soddisfare pienamente questa esigenza, quindi ne serviranno di nuove. È proprio per questa esigenza che Roman Senchin risulta essere oggi uno dei principali scrittori russi.

Modernismo, postmodernismo, fantascienza, distopia, ecc. In realtà, tutte queste direzioni e generi funzionano con la trasmissione di emozioni/atteggiamenti, o comprendono alcune idee scientifiche, sociali e filosofiche. Anche se aderisci alle visioni più disgustose del 20 ° secolo, riconoscendo solo il realismo come il risultato più alto della letteratura, il rifiuto di altre tendenze sarà fatale. Mikhail Verbitsky in una delle sue interviste ha sostenuto che L’UNIONE SOVIETICA CROLLA PERCHÉ NON SONO ENTRATI NEL FUTURISMO. In effetti, visti i cambiamenti della vita, anche il realismo deve adattarsi alle realtà moderne. Gli stessi realisti prestano pochissima attenzione all'aggiornamento e allo sviluppo della forma delle loro opere, quindi il formalismo che esiste accanto al loro lavoro ha un effetto estremamente benefico sui realisti. Sotto la sua influenza aggiornano il loro stile. La relazione tra questi due fenomeni è più o meno analoga alla ricerca di base e pratica nella scienza. I ricercatori fondamentali derivano una teoria senza preoccuparsi della sua applicazione ovunque, e i professionisti, di fronte a qualsiasi problema reale, la cui soluzione richiede una soluzione non standard, si rivolgono ai risultati derivati ​​​​in anticipo e spesso trovano tra loro quelli adatti - ricorda, per esempio, la geometria Lobachevskij o la teoria di Kalutz-Klein. Lo sguardo dei formalisti è rivolto all'eternità! E a volte arriva all'improvviso.

Forse questa affermazione necessita anche di un supporto pratico. Ho già fornito un esempio sul romanticismo e su Chernyshevskij, ma può sembrare che sotto Chernyshevskij il realismo si fosse già sviluppato come modo di pensiero artistico e non sia necessario svilupparlo ulteriormente. In realtà, sono state sviluppate solo le fondamenta e sarà sempre utile aggiornare la decorazione, poiché il corso della vita cambia la percezione delle persone. Andreev, Platonov, Dobychin: tutti descrivevano la realtà, ma la rifrangevano solo attraverso il prisma percezione emotiva autori o personaggi. Il linguaggio ha permesso loro di aggiungere un livello di contenuto aggiuntivo alla parte realistica (questo è generalmente caratteristico del “modernismo”). Parte degli sforzi dei modernisti miravano specificamente a modernizzare il realismo - e dopo un centinaio di anni risulta più logico abbandonare il termine modernismo nel valutare la letteratura moderna, riconoscendola semplicemente come una parte del realismo - pur introducendo tale terminologia l’aggiornamento sarà difficile a causa delle tradizioni consolidate. Ad esempio, considera la lingua dello scrittore Vladimir Kozlov. Queste sono frasi tritate, brevi e semplici. Tutto ciò che accade è descritto come se dall'esterno i pensieri dei personaggi non venissero trasmessi, per cui le loro azioni iniziano a sembrare prive di significato e riflessive (e nella maggior parte dei casi lo sono). In cui lettore moderno Vladimir Kozlov è, ovviamente, percepito come un realista puro, anche se negli anni ’20 sarebbe stato definito un formalista. Lo stesso si può dire dello scrittore Dmitry Danilov.

Tuttavia, il modernismo fu riconosciuto come altamente artistico anche nella tarda epoca sovietica. Critici moderni le riviste spesse non cercano di respingerlo, mentre spesso trattano il postmodernismo con cautela, semplicemente come un gioco letterario senza senso che non porta da nessuna parte. In questo contesto, sarebbe interessante considerare il romanzo THE TURN dello scrittore Vladimir Sorokin. Sorokin ha davvero giocato molto con la letteratura; la trama delle sue opere è una sorta di aneddoto o scherzo dettagliato, la cui essenza può essere descritta in un paio di righe. A sua volta, ha anche continuato a suonare: ha deciso di comporre un romanzo solo con i dialoghi. E come sfondo per questa mossa ho scelto un caratteristico fenomeno sovietico: la coda. Ma alla fine si è scoperto che Sorokin non solo è apparso davanti a noi come un vero realista, ma è stato anche in grado di descrivere nel modo più completo e profondo possibile quel fenomeno caratteristico della realtà, di cui nessun realista ideologico ci aveva adeguatamente informato! Allo stesso tempo, il romanzo trasmette molto bene l'impressione emotiva di questa stessa coda. Pertanto, il risultato di un gioco puramente formalista si è rivelato molto utile per i rappresentanti di qualsiasi campo. Questo è il potere dell'arte!

Quindi, abbiamo visto l'influenza più diretta dei formalisti sul realismo, ma non dobbiamo dimenticare le relazioni vari tipi arti Anche nel XIX secolo la letteratura influenzò sia la musica che la pittura: Glinka, THE MIGHTY PICK, the Wanderers... Poi - teatro, architettura, scultura, cinema, azionismo. Le idee nate in un'area dell'arte possono influenzarne un'altra nel modo più vantaggioso, e non solo possono, ma lo fanno costantemente. Ma c’è anche la filosofia e la scienza. E qui non è possibile sapere in anticipo che proprio le scoperte formaliste fatte almeno in letteratura non potranno essere applicate con successo e organicamente in un altro campo. Qualsiasi pensiero umano vivente può produrre ricchi germogli.

Ebbene, non c'è bisogno di parlare del fatto che il realismo non è adatto allo sviluppo di molte idee. Non per niente il critico V.M. Somov ha scritto: "L'intero mondo visibile e sognante è proprietà del poeta!" Cioè, il RAPPORTO ESTETICO TRA ARTE E REALTÀ nel senso più globale si riduce al fatto che l'arte è un'impressione del mondo esterno, sebbene elaborata nell'oscurità dell'anima di qualcun altro, ma che la riflette specificamente. E quanto più diverse riflessioni prendiamo in considerazione, tanto più accurata sarà l'immagine del mondo reale che potremo tracciare davanti a noi. Così, così...

Quindi la logica stessa processo storicoÈ l'approccio proposto da NET a suggerircelo. Perché molte figure hanno provato e cercano di difenderne altre? A causa del mio approccio parziale. Vogliono scartare l'arte che non si adatta ai loro bisogni sociali o politici, alle loro idee sui REQUISITI DEL TEMPO. Una tale negazione delle leggi oggettive dell'arte può essere utile per loro sul momento, ma a lungo termine porterà sempre al crollo delle loro opinioni - beh, se non altro. Dichiarando dannosa qualsiasi arte, vengono privati ​​dell'utilità che potrebbero trarne. E più tardi si scopre che anche questa cosa utile era necessaria.

(5) In questo articolo, nella maggior parte dei casi, considero la musica moderna come un analogo della poesia, concentrandomi sul suo contenuto: la componente testuale e non sulla forma (direttamente musicale). Ma allo stesso tempo, devi capire che la musica volgare nel contenuto è quasi sempre presentata in modo volgare - e viceversa, quindi il mio approccio non distorce molto la realtà.

(6) Ho sicuramente questa frase nei miei ricordi, ma non sono riuscito a trovare la fonte della citazione. Spero di non averlo inventato, ma se è così, ne è valsa la pena.

VII
CASI STORICI

Interessante notare anche due episodi legati all'ignoranza/incomprensione della storia dell'arte. Il primo è il crollo sopra menzionato Unione Sovietica– richiede qualche spiegazione. Naturalmente, la colpa di ciò non è la negazione del futurismo in sé; essa illustra solo bene il tentativo di rallentare (e non reindirizzare in un'altra direzione) il lavoro del pensiero umano in una varietà di settori a causa di una volgare sottovalutazione. della loro importanza. La tesi che la nuova arte sia INCORPORATA E NON NECESSARIA PER IL POPOLO è assurda, così come sarebbe assurdo vietare la ricerca fondamentale INCORPORABILE PER IL POPOLO, che raggiunge effettivamente le masse, ma indirettamente, attraverso i professionisti della ricerca, incarnati in varie tecniche ecc. A causa di questi divieti, la palma Garsha alla fine ha sfondato la cupola della serra, con tutte le conseguenze che ne sono derivate.

Ma allo stesso tempo, è interessante che anche i critici marxisti riconosciuti abbiano sempre capito che è la RETE ad essere corretta, e non l’approccio “marxista”. Ad esempio, Vaclav Vorovsky ha scritto nel suo articolo EVE AND GIOCONDA:

“Ma la critica non può limitarsi alle impressioni soggettive: il suo compito è valutare oggettivamente un dato opera d'arte, attribuirlo ai tesori accumulati dalla creatività umana e indicare il suo posto tra essi. Ogni opera artistica - la vera opera artistica - rappresenta una certa quantità di energia creativa, accumulata in una certa forma e capace in futuro di servire come fonte di emozioni estetiche, di svolgere quella funzione nell'educazione estetica ed etica della società che spetta al molta arte. Pertanto, riguardo a una nuova opera d'arte, dobbiamo scoprire se essa costituisce un reale contributo al tesoro dello spirito umano, cioè se si trova alla giusta altezza artistica, e, in caso affermativo, se apporta davvero qualcosa di nuovo, o se non nuovo, allora con una nuova illuminazione, una nuova forma, in una parola, qualcosa capace di evocare una nuova serie di idee artistiche, nuovo complesso emozioni estetiche. Se è così, allora dovremmo accogliere questo contributo come una preziosa acquisizione; in caso contrario, se la nuova opera è solo una ripetizione, un'imitazione, una masticazione dell'antica, o anche un'espressione peggiore di ciò che è già stato creato, allora dobbiamo rifiutare tale dono e mostrargli il suo posto - tra i surrogati dell'arte .”

Nonostante il fatto che Vorovsky sia riuscito a sostanziare la RETE in modo così dettagliato, non ha cercato affatto di seguirla, aggrappandosi all'educazione etica della società. Basta guardare almeno il titolo del suo articolo SUL BOURGEISMO DEI MODERNISTI (in cui attaccava le ricerche innovative dei simbolisti) per capire quanto gli fosse estraneo il principio da lui formulato. Nello stesso articolo EVA E GIACONDA critica lo scrittore Stanislav Przebyshevskij per aver riscritto la sua vecchia opera quasi realista in uno spirito simbolista, “volgarizzandola”. In effetti, Vorovsky avrebbe dovuto sottolineare che Pshebyshevsky, con il suo dramma “Snow”, ha trovato una tecnica innovativa per creare un REMAKE proprio lavoro(il dramma "For Happiness", che "Snow" ripete nella trama) in una chiave stilistica diversa, e consigliargli di continuare a riscrivere all'infinito il suo dramma per adattarlo a tutti gli stili - allora i suoi discendenti avrebbero davanti a loro un'interessante enciclopedia concettuale delle tendenze della moda nella letteratura del primo Novecento. Se Vorovsky avesse dato un consiglio del genere e Pshebyshevskij lo avesse seguito, allora la fama di Pshebyshevskij sarebbe ovviamente molto più grande ora. Leggerei una serie del genere con molto interesse!

Penso che sarebbe possibile fare una vasta selezione di citazioni simili da parte della critica sovietica, che giustificherebbero una nuova teoria estetica. A volte i critici hanno cercato di portare avanti questo punto di vista consapevolmente, a differenza di Vaclav. Ad esempio, durante il THAW, Vladimir Mikhailovich Pomerantsev ha scritto un articolo SULLA SINCERA NELLA LETTERATURA, in cui ha affermato in modo abbastanza semplice e chiaro: "I critici dovrebbero valutare il ruolo del libro nella letteratura, quali novità apporta rispetto a quelle precedenti". In generale, l'approccio NET è così naturale che ogni scrittore ha dovuto essere d'accordo su di esso in un modo o nell'altro - nessun singolo critico ha osato negare il valore del NUOVO, e solo un atto di equilibrio mentale, associato a una visione ristretta o COMPITI DEL TIME, ha permesso loro di inventare nella pratica ragioni per negare le innovazioni.

Questo è il primo, tragico incidente. Ma ce n'è anche uno comico! Lo illustrerò usando l'esempio del punto di vista di alcuni miei contemporanei. Tra questi, si trova spesso il seguente modello di pensiero: guarda la storia dell'arte, quali grandi persone ci sono: Pushkin, Gogol, Goncharov, Turgenev! Sono popolari adesso, il che significa che erano ovviamente popolari allora. Ma tra gli scrittori moderni conosco Pelevin, Akunin, Bykov e Prilepin. Dal momento che sono popolari, significa che passeranno sicuramente alla storia! Inoltre, ci sono già! Non ci possono essere dubbi, quindi qualsiasi attacco critico contro di loro è semplicemente un malinteso delle leggi oggettive! E anche l'invidia! Come se la caverà la storia senza ZEMFIRA, il gruppo SPLIN e OXYMIRON?

La gente pensa In un modo simile, si ritrovano in una posizione del tutto vantaggiosa per se stessi. Non sospettano che la popolarità dei classici non sia stata affatto uniforme; Pushkin, Gogol, Turgenev e Goncharov alla fine della loro vita persero una parte significativa della loro influenza sul pubblico (quest'ultimo, ad esempio, morì di raffreddore all'età di 79 anni perché rimase completamente solo - non c'era nessuno per prendersi cura delle cure), e accanto a loro c'erano burattinai di grande successo, Bulgarin, Senkovsky e Boborykin. Allo stesso tempo, è stato il lavoro instancabile e ispirato dei critici, che hanno ripulito le cose inutili dalla letteratura e lodato gli autori degni, che ha contribuito al fatto che i classici rimanessero per secoli. Se apri le opere raccolte di Belinsky o Dobrolyubov, puoi solo rimanere stupito da ciò che una serie di nomi sconosciuti di scrittori insignificanti di quel tempo lampeggia davanti ai tuoi occhi. Ma la persona non lo sospetta, ed è inutile per lui nominare nomi dimenticati: come potrebbero questi autori essere popolari se non ne ha sentito parlare? Tutto è come sbattere contro il muro! Quindi la gente legge con entusiasmo i loro neo-Boborykin e Kukolnikov 3000. Anche se, sembrerebbe, sarebbe molto più logico adottare l'esperienza dell'antichità e ripulire immediatamente tutta la spazzatura, concentrandosi non sulla popolarità degli autori, ma sul loro valore artistico - nella comprensione che ho dato sopra.

(8) Ad esempio, è stata proprio questa logica a guidare un certo Andrei Korobov-Latyntsev quando scriveva il suo libro “Russian Rap. Saggi filosofici".

VIII
GIUSTIFICAZIONE PSICOLOGICA

Il culturologo sovietico A.V. Kukarkin, introducendo i lettori alle opere dei pensatori borghesi, ha parlato di Eduard Shils, che ha diviso la cultura in alta, media e bassa. Riguardo al primo, Shils ha scritto questo:

“La gamma della cultura “superiore” comprende i migliori esempi di poesia, romanzi, filosofia, teorie e ricerche scientifiche, scultura, pittura, opere teatrali (il loro testo e la loro esecuzione), composizioni musicali (e la loro esecuzione), storia, economia, sociale e analisi politica, architettura e opere d'arte applicata" (è interessante che definì queste ultime così: "Al terzo livello c'è una cultura “inferiore”, le cui opere sono elementari. Alcune di esse hanno forme di genere di “ cultura media” e anche “alta” (incarnazione visiva o plastica, musica, poesia, romanzi, racconti), ma include anche giochi e spettacoli (pugilato, corse di cavalli) che hanno espressività diretta e contenuto interno minimo.”)

È caratteristico che in questa serie abbia incluso non solo aree che richiedono uno sviluppo “creativo”, ma anche esclusivamente mentale – scientifico. Pertanto, per comprendere la mia idea, propongo di immaginare inizialmente qualsiasi creatore come un pensatore. Il Creatore si pone un nuovo compito importante e poi fornisce la sua soluzione. La soluzione richiede uno sforzo mentale significativo. Quando il percettore conoscerà la soluzione, vedrà la BELLEZZA DEL PENSIERO e gli verrà trasferita una CARICA CREATIVA DI ISPIRAZIONE! Se l'idea inizialmente era volgare e la soluzione del problema richiedeva solo determinate abilità tecniche, allora il percettore attende solo delusione. Il termine BELLEZZA DEL PENSIERO si adatta molto bene a questo modello, perché è noto che gli scienziati percepiscono le teorie scientifiche da questo punto di vista. Qualsiasi soluzione di talento a un problema li delizia e li ispira proprie attività anche se non possono applicare nel loro campo quelle tecniche specifiche che sono state utilizzate per risolvere il problema dal suo autore.

Sfortunatamente, la bellezza scientifica per i comuni intenditori d'arte, di regola, rimane inaccessibile. I creatori non sempre risolvono consapevolmente i problemi, ma agiscono sotto l'influenza dell '"ispirazione" e in modo intuitivo. Tanto meglio per loro! Un approccio intuitivo può permetterti di affrontare cose che sarebbero quasi impossibili da raggiungere mentalmente. Dopotutto, in quale altro modo Lautréamont diventerebbe il fondatore del postmodernismo? E quasi tutta l’innovazione formale, quella che di solito viene chiamata “estetica”, viene solitamente creata in modo intuitivo. Ricorda Leonid Andreev, Louis Celine, Boris Usov!

Per chiarire la mia posizione, vorrei citare Andreev, o più precisamente, la sua storia specifica chiamata PENSIERO. Lì, un certo dottore Kerzhentsev decise che avrebbe potuto ingannare tutti con l'aiuto della sua mente eccezionale. Un vecchio amico una volta gli rubò una donna, e il dottore decise di ucciderlo per questo, e poi di fingere la follia per rimanere impunito. Dopo aver agito diversi attacchi di follia, ha commesso un omicidio ed è andato in un manicomio per essere esaminato. Lì decide di rivelare le carte e raccontare con quanta astuzia ha ingannato tutti, ma i medici non gli credono. Il dottore inizia a cercare di capire se stesso, il pensiero risuona nella sua testa: "Il dottor Kerzhentsev pensava che stesse fingendo di essere pazzo, ma è davvero pazzo". La situazione e la confusione nella sua testa lo stanno portando alla disperazione! E conclude: "Il pensiero vile mi ha tradito, colui che ci credeva e lo amava così tanto". Kerzhentsev non è mai riuscito a trovare una via d'uscita da questo labirinto della coscienza; abbassò le mani. Questa storia è stata progettata da Andreev nel miglior modo possibile- come gli appunti del medico, in cui descrive cosa sta succedendo e conduce un monologo con se stesso, discutendo della possibilità della follia. Una creazione meravigliosa, eccezionale! Leonid Nikolaevich ha intuitivamente raffinato il razionalismo in lui in modo tale che un altro autore avrebbe dovuto scrivere un intero ardente trattato filosofico per un risultato simile. Ma proprio perché il pensiero umano non è veramente onnipotente, sono invariabilmente pieno di gioia per ciascuna delle sue nuove conquiste – artistiche o scientifiche! Questo approccio mi sembra molto naturale e consiglio di usarlo anche tu.

Ma dobbiamo capire: il fatto che molte figure creino intuitivamente non impedisce minimamente che siano valutate dall'esterno come pensatori. La persona che percepisce, ovviamente, può impegnarsi nell'analisi per cercare di comprendere le caratteristiche dell'approccio dell'autore, ma in senso globale non c'è differenza per lui: è difficile entrare nella testa di un'altra persona, il risultato di questo la penetrazione potrebbe rivelarsi errata, e ciò non influirà in alcun modo sulla creazione stessa: se porta in sé qualcosa di veramente nuovo, allora risulta essere bella, e quasi nessuno vorrebbe arrivare fino in fondo se la volgarità è stata creata intuitivamente o mentalmente.

È interessante notare che Pisarev ha tracciato un'analogia tra scrittura e creatività scientifica anche nella sua polemica con il defunto Belinsky. Vissarion Grigorievich ha affermato: “Che trucco sarebbe diventare un poeta e chi non potrebbe diventare un poeta per necessità, profitto o capriccio, se per questo fosse solo necessario inventare qualche idea e comprimerla in un forma inventata? No, non è così che fanno i poeti per natura e per vocazione!” Pisarev in risposta ha dimostrato: "In effetti, tutte le opere poetiche sono create in questo modo: la persona che chiamiamo poeta ha un'idea e poi la comprime in una forma inventata". Il problema è che sia inventare che intromettersi è molto processo difficile, non accessibile a tutti. Sfortunatamente, la dimostrazione di Dmitry Ivanovich occupa due pagine; Lo inserirei volentieri qui, ma temo che il lettore mi maledirà per questo, quindi suggerisco agli interessati di rivolgersi autonomamente al secondo capitolo della seconda parte dell'articolo PUSHKIN E BELINSKY. Dopo averlo letto, capirai che un approccio generalizzante a tutti i creatori come pensatori sembrava naturale 150 anni fa (l'articolo di Pisarev risale al 1865).

Penso che la naturalezza e la fecondità dell'approccio con cui ogni creatore viene percepito dall'esterno come un pensatore sia stata da me sufficientemente dimostrata. Ma difficilmente considererai una persona che ripete invariabilmente solo generalità come un pensatore.

(9) Kukarkin ha fatto riferimento al suo articolo tratto dal libro “Mass Culture Revisited”, 1971.

IX
MOTIVAZIONE DELL'OBIETTIVITÀ

Un vantaggio importante della nuova teoria estetica è la sua oggettività. Chiunque può giungere alle stesse conclusioni riguardo al primato di alcune opere d'arte e alla secondarietà di altre. Per fare questo, ha solo bisogno di familiarizzare con ampi strati d'arte, tenendo conto del tempo della loro creazione, e iniziare a confrontare attentamente quali idee sono state sviluppate prima, quali sono state prese in prestito da altri, ma allo stesso tempo sviluppate, e che sono stati presi in prestito stupidamente. È chiaro che se solo la creatività popolare contemporanea, cioè quasi ovviamente secondaria, rientra nel campo informativo di una persona, allora sarà difficile comprenderne l'insignificanza: è necessario lasciare il solito circolo, rivolgersi alla storia dell'arte, ecc. Ad esempio, dopo aver studiato un certo ampio strato di domestico e musica straniera, non potrà più sospettare l'intero repertorio della NOSTRA RADIO di eventuali scoperte né di contenuto né di forma. E questo illustra molto bene la trappola psicologica in cui cadono le persone quando usano la frase SUL GUSTO NON C'È DISCUSSIONE SUL GUSTO. Se dicessi che IL PESO DELLE COSE NON È CONTESTATO PERCHÉ LA SENSAZIONE DEL PESO È SOGGETTIVA, allora mi guarderesti come un cretino, dopotutto puoi sempre mettere una cosa sulla bilancia e scoprire quanti chilogrammi pesa contiene. Eppure, se prendiamo due persone diverse, una può chiamare un oggetto pesante e l’altra leggero. Per rendere “leggero” un oggetto “pesante” per la prima persona, è necessaria una certa preparazione fisica. La situazione con l'arte è completamente simile: affinché la creatività "facile" smetta di sembrare "bella" a una persona, avrà bisogno di una formazione estetica - uno studio attento di alcuni strati dell'arte. Solo così il soggettivo diventerà oggettivo! Naturalmente, molte persone non pensano di aver bisogno di allenamento fisico: hanno altro da fare. Perché sollevare oggetti “pesanti”? Questo non aumenterà il tuo stipendio! E il fatto che dall'allenamento fisico il loro corpo diventerà più sano, acquisirà più forza e saranno in grado di svolgere il loro lavoro in modo più produttivo, a seguito del quale il loro stipendio potrebbe aumentare, è loro sconosciuto. Grazie a queste considerazioni, l'affermazione SUL GUSTO NON DISCUTE assume un nuovo significato: così come sono assurde le controversie su quale oggetto sia più pesante, è altrettanto stupido negare che la creatività secondaria e volgare sia secondaria e volgare.

Tuttavia, in un impeto di ispirazione polemica, ho leggermente distorto la situazione. Le innovazioni si misurano non su scale, ma su analisi, e per la teoria estetica sarà necessario introdurre una sorta di assiomatica, perché è strutturata in modo più intuitivo. L'assiomatica suonerà così: se nessuna persona vivente potesse dimostrare in modo convincente che qualsiasi lavoro non è secondario, allora lo considereremo secondario e insignificante. Se c'è un critico che riesce a trovare qualcosa di nuovo e di prezioso in un'opera (così nuovo che la sua ripetizione è possibile solo con l'aiuto di un vero lavoro mentale, e non solo un insieme di abilità che potrebbero essere insegnate a una scimmia), lo faremo considerare questo lavoro come un criterio NET soddisfacente e vedere in esso la BELLEZZA DEL PENSIERO. Ciò preserverà l’obiettività dell’intera teoria.

Tutto questo è meraviglioso, ma il lettore che ama sinceramente gli autori di opere mediocri rimarrà probabilmente con la domanda: cosa dovrebbe fare? Esplodere o cosa? Ha padroneggiato una NUOVA TEORIA ESTETICA, ma è in conflitto con le sue abitudini. Niente potrebbe essere più facile! Non gli resta che cambiare punto di vista e organizzare un monologo interiore: "Mi piace molto Zemfira, ha cantato con tanta passione dell'amore infelice, della sensazione di perdersi... Ho anche sperimentato l'amore infelice, Zemfira risuona perfettamente con i miei sentimenti, quindi Mi piace ascoltarla. Ma ora ho capito che questo è davvero volgare. Milioni di autori avevano già scritto sugli stessi sentimenti e alcuni di loro erano ancora più originali. E comunque, cosa voglio dalla musica? Amore infelice: sì, c'è, ma è questo il mio sentimento principale? Vale tutto il mio? vita successiva entrare in contatto con lei, o forse sono capace di qualcosa di più? E voglio che la creatività che assorbo non mi sviluppi affatto, ma risuoni solo con alcune delle mie decadenti aspirazioni spirituali? Zemfira, ovviamente, è assolutamente incapace di svilupparmi a causa della sua natura secondaria. Quindi forse dovrei rivolgermi a quegli artisti che possono davvero darmi nuove idee e dare alla mia vita una direzione più significativa? Da chi posso prendere in prestito indizi almeno approssimativi su dove va questa traccia? Cosa mi aiuterà a svilupparmi piuttosto che addolorarmi inutilmente? Forse questo aiuto non risiederà nemmeno nello stato d'animo che trasmettono, ma nel coraggio dei loro pensieri, adottando i quali potrò trovare i miei non meno audacemente. il modo reale? Del resto, anche se è bello ascoltare Zemfira, se la ascolto cinque, dieci volte, se ascolto migliaia di artisti che trasmettono cose altrettanto ovvie, la mia vita cambierà? No, per niente. Ciò significa che il mio legame emotivo con lei è stato un errore, e preferirei ascoltare IL PACCHETTO DI LENIN: mi aiuteranno sicuramente a ritrovare me stesso, mi daranno almeno alcuni indizi e non solo mi verseranno addosso un secchio di verità e banalità. " E non posso che essere d’accordo con il ragionamento di questo lettore.

X
MOTIVAZIONE PRATICA

È piuttosto strano includere questo punto in questo articolo: è chiaro che la fedeltà della teoria non dipende in alcun modo dalla sua utilità pratica. Se fosse vero, dovremmo fare i conti con la sua nocività. Ma chiuderò gli occhi su questo e spiegherò comunque il mio punto di vista, perché il riconoscimento di questa teoria può salvarci da NOUBROW e dalla bancarotta mentale che ha colpito il signor SEABROOK, così come da quegli incidenti comici che screditano il lavoro pubblicazioni moderne riflettendo il processo culturale.

Dopotutto, qual è la logica di NOUBROW? Anche dal titolo esteso su CULTURA DEL MARKETING e CULTURA DEL MARKETING si evince la tesi: CIÒ CHE È POPOLARE È BENE. Ma come fa un prodotto culturale a diventare popolare? Per “decollare” deve, in primo luogo, essere potenzialmente popolare, cioè contenere elementi di intrattenimento e accessibilità per l’ascoltatore/spettatore di massa, e in secondo luogo deve essere promosso attraverso il marketing. È chiaro che la promozione in realtà non ha nulla a che fare con valore culturale funziona, mentre gli elementi di intrattenimento inevitabilmente lo volgarizzano. Perché? Sì, perché tutti gli schemi di intrattenimento sono noti e molto semplici. Per creare azione, viene utilizzato lo stesso eterno insieme di tecniche, la cui ripetizione ti fa semplicemente ammalare. Tutti questi collegamenti della trama, epiloghi, svolte “inaspettate” e momenti di suspense sono già noti fin nei più semplici schemi matematici. Seguirli è un’attività anti-creativa. Per realizzare un prodotto pop, devi solo studiare questi schemi nudi e banali e poi aggiungere loro carne banale: il prodotto è pronto. Pertanto, in ogni fase della creazione di tali prodotti, all'autore è richiesto solo di indirizzare il suo pensiero verso modelli, attenuarlo e non svilupparlo. La popolarità della creatività moderna suggerisce ALTAMENTE che l'autore abbia fatto ricorso alla volgarizzazione. Ma perché il CREATORE dovrebbe impegnarsi nella volgarizzazione? Ovviamente il vettore delle sue ambizioni dovrebbe essere diretto nella direzione opposta! Se una persona ha concetti di bellezza, non spingerà mai consapevolmente la bellezza in cornici brutte. Spingere è possibile solo se una persona ha un vero talento intuitivo, ma allo stesso tempo manca completamente di pensiero critico. Ci sono pochissime persone del genere: di solito solo le mediocrità sono così senza scrupoli. Pertanto, la popolarità di qualsiasi creatività o prodotto creativo dovrebbe prima di tutto allarmare sia il critico che l'ascoltatore. Dopo aver ricevuto un segnale così allarmante, deve analizzare l'opera due volte, tre volte attentamente - e nella stragrande maggioranza dei casi, dopo l'analisi, scoprirà davvero che davanti a lui c'è un surrogato indifeso. E lo manderà nella pattumiera della storia dell'arte.

In generale, NET nega completamente l'attuale triste approccio alla cultura, permettendole di purificarsi da qualsiasi attività di marketing e anti-creativa! Dopo averlo utilizzato, i creatori dovranno PENSARE davvero e non FALSO! Infine, solo ciò che è veramente arte sarà considerato arte.

Per illustrare questa conclusione, farò una digressione dalla musica e dalla letteratura e analizzerò, ad esempio, il film THE MATRIX, che molti spettatori indiscriminati hanno riconosciuto come semi-intellettuale. Con quale standard dovremmo affrontarlo? Forse contiene un'interessante psicologia umana? Ma no, tutti i personaggi risultano molto stereotipati, come si suol dire, EPICI. Anche se si evolvono, è lungo gli stessi sentieri battuti: Neo ripete il percorso quasi di ILYA MUROMETS. Ciò significa che gli standard del realismo non sono applicabili qui. Ulteriore. È chiaro che non sarà possibile trovare alcuna rivelazione nemmeno nel LINGUAGGIO FILMATO del film: inquadratura, illuminazione, lavoro con i colori, montaggio: tutto ciò corrisponde ai soliti modelli hollywoodiani. Inoltre, la narrativa "seria" del film viene periodicamente interrotta da scene divertenti di inseguimenti, battaglie, sparatorie e battaglie su larga scala, schematicamente e accuratamente stipate nel tempo. Quindi, almeno qualcosa di nuovo il film potrebbe dire o nel quadro di FILOSOFIA o nel quadro di DISTOPIA. Ma il primo è serio? Penso che anche i fan più devoti del film non oseranno chiamare le SORELLE WACHOWSKI almeno un po 'ricchi filosofi e sospettarli di alcune, anche le più minime, scoperte in questo settore. Ma in termini di distopia... Naturalmente, non hanno copiato nulla di vecchio in uno solo, ma hanno chiaramente costruito la realtà di MATRIX semplicemente mescolando vecchie scoperte e modelli. Se c'è qualcosa di nuovo nel film, è solo qui, ma il nuovo è minimo, e non sarà possibile riconoscere il film come UN'OPERA ECCEZIONALE non sullo sfondo del trash artigianato hollywoodiano, ma sullo sfondo di opere sensate dell'arte. E i registi che hanno dato un contributo così minore alla cultura meritano di essere riconosciuti come intellettuali? Difficilmente!

XI
PROFESSIONALITÀ NELL'ARTE

Sullo sfondo del capitolo sulla GIUSTIFICAZIONE PRATICA, vale la pena discutere due argomenti: professionalità nell'arte e sincerità nell'arte. Cominciamo con il primo.

I pensatori antichi insistevano sul fatto che il lavoro gioca un ruolo quasi maggiore nella creatività rispetto al talento. Thomas Edison diceva: “Il segreto del genio è il lavoro, la perseveranza e il buon senso”. Goethe: “Il genio è per l’1% talento e per il 99% lavoro”. Anton Cechov: “Il talento è prima di tutto lavoro”. Puoi trovare molte citazioni simili e di solito sono interpretate nel senso che la professionalità è importante per un genio. Che triste errore! Se queste affermazioni parlano di professionalità, allora solo della PROFESSIONALITÀ DEL PENSATORE; non per niente anche lo scienziato rientra in questa categoria. Impara a pensare - lavoro duro, ma è del tutto possibile farlo. La professionalità è solitamente intesa proprio come un'attività anti-creativa: la capacità di adattare sconsideratamente la propria creatività agli stupidi canoni popolari esistenti. Naturalmente, nel caso del realismo nella sua accezione più alta, non è così: è impossibile trasmettere la psicologia delle persone senza comprenderla. Ma imparare a produrre rime doppie è solo questione di pratica, la mente riposa. Ma questa pratica, che chiamiamo PROFESSIONALITÀ NELLA COMPRENSIONE QUOTIDIANA (in breve, PROFESSIONALITÀ QUOTIDIANA), ha qualche ruolo? Certo che lo fa, ma è molto limitato. Vale la pena valutarlo così.

Supponiamo di essere riusciti a introdurre un criterio comparativo oggettivo per l'innovazione. Lascia che sia discreto! E cinque punti: questo lavoro contiene un'idea nuova, ma abbastanza ovvia: a differenza di miliardi di mestieri che non contengono nulla di nuovo, saremo comunque interessati a questo e lo classificheremo 1, non 0. Ma abbiamo qualcosa di completamente rivoluzionario! Ad esempio, Kruchenykh. Le sue poesie ottengono 5. Moderatamente rivoluzionarie - 3 (Burliuk, Kamensky). Forte svolta – 4 (Khlebnikov). Sfondamento debole – 2 (Majakovskij). Mettiamo Livshits 0, Goltsschmidt – 3, Semenko – 4. Ma cosa fare con la professionalità in questo schema? Ovviamente dategli una seconda scala, la scala decimale! Quindi Mayakovsky avrà 2,9 contro 3,2 di Burliuk e 3,6 di Kamensky, e Khlebnikov avrà 4,3 contro 5,9 di Kruchenykh! È chiaro che in realtà è difficile valutare i talenti in modo così accurato, ma, soprattutto, il rapporto tra questi talenti è stato determinato correttamente! La conclusione principale di questa scala, che non esiste nella sua forma pura, risulta essere del tutto reale: la professionalità quotidiana non ti permetterà mai di saltare sopra la testa e 0,9 rimarrà sempre inferiore a 1,0. La stupidità più professionale non supererà mai un nuovo arrivato di talento. Tutti i prodotti pop su questa scala sono nell'intervallo 0,5, quindi abbiamo capito come si relazionano il PENSIERO e la PROFESSIONALITÀ DOMESTICA. Ma come sono allora legati il ​​talento e il lavoro sulla PROFESSIONALITÀ PENSANTE? Questa domanda, sebbene non correlata all'argomento NET, sorge qui da sola, perché consideravo i futuristi non come persone creative in via di sviluppo dinamico, ma come risultato del loro intero percorso di vita! Ho pensato a lungo a questa domanda e sono giunto ad alcune conclusioni; La risposta sembra interessante e degna di pubblicità. Ma prima, un'analogia. Uno studente della scuola padroneggia la fisica con facilità, mentre un altro la trova molto difficile. Ne consegue che il primo ha maggiore talento nel campo in questione. Tuttavia, dopo la scuola abbandona la fisica e diventa, ad esempio, un viaggiatore. Il secondo, a causa delle circostanze attuali, continua a studiare fisica e anni dopo raggiunge in questa scienza vette tali che risultano irraggiungibili per il primo. Attraverso il lavoro sistematico, divenne un fisico più talentuoso. Ciò significa che il talento è un certo COEFFICIENTE DI AZIONE UTILE insito in una persona, con il quale acquisisce conoscenza in qualche ambito. Una persona con un fattore di efficienza pari a 0,1 dovrà impiegare cinque ore per acquisire le stesse competenze che una persona con un fattore di efficienza pari a 0,5 acquisirà in un'ora. Tuttavia, con il progredire della vita, questa efficienza può cambiare: con il lavoro costante aumenterà e, in assenza di tale lavoro, diminuirà. È molto probabile che sarà più facile per il nostro fisico padroneggiare da zero qualche nuova branca della fisica che per un viaggiatore. E anche la chimica, perché le stesse capacità di pensiero generale vengono applicate in molti settori della scienza e della vita! Il viaggiatore difficilmente li ha ricevuti, a meno che, ovviamente, non si sia interessato all'etnografia, alla statistica, ecc. È così che le persone sviluppano il PENSIERO PROFESSIONALE. Tuttavia, se il primo studente avesse dedicato tutta la sua vita alla fisica, avrebbe raggiunto livelli tali che il secondo studente non avrebbe potuto raggiungere. Quindi, dal mio punto di vista, il talento è l'efficienza inerente a una persona, che cambia dinamicamente sotto l'influenza delle circostanze della vita.

Ed ora torniamo alla nostra PROFESSIONALITÀ QUOTIDIANA nell'art. È importante capire che questa è un'arma a doppio taglio! La pratica dimostra che un'eccessiva preoccupazione per tale professionalità può avere un effetto opacizzante su una persona e l'adattamento sconsiderato del proprio talento ai formati esistenti spesso porta alla degenerazione del talento. Torniamo ancora una volta al cinema. Noto per imitare Film di Hollywood Ci stanno provando in molti paesi. Ma gli autori e gli spettatori non sempre capiscono che l’imitazione fallita è la forza di un film, non la sua debolezza. Ci sono anche molti dipinti senza volto lì! Avendo imparato a imitare, otteniamo dei NIGHT WATCH senz'anima, mentre imitando in modo inetto otteniamo meravigliosi film d'azione del periodo della perestrojka, profondi ed esistenziali. In loro, la realtà russa irrompe da sola, ed è per questo che oggi sono guardati con interesse. Come le imitazioni di qualsiasi altro paese, sono bellissime con il loro sapore nazionale.

Lo stesso vale in altri settori. È noto che gli esordi creativi di molte persone risultano molto più interessanti dei loro lavori maturi. Quanti musicisti sono degenerati dopo le loro prime registrazioni! Di solito, i critici spiegano questo fenomeno con una certa "ingenuità" e "spontaneità infantile" delle prime esperienze, di cui vengono privati ​​durante le costanti attività creative. Questo non è del tutto vero. In effetti questi primi esperimenti erano più professionali! Solo questa era la professionalità dei pensatori intuitivi. Non per niente Alexey Koltsov ammirava le canzoni popolari! Non per niente Alexei Kruchenykh è stato il primo in Russia a pubblicare un libro con poesie e immagini per bambini, presentandolo come vera creatività, non per niente i fratelli Zdanevich hanno scoperto Pirosmanishvili, che oggi è diventato l'artista georgiano più popolare e riconoscibile , e gli artisti d'avanguardia occidentali dell'inizio del XX secolo erano attivamente interessati a vari primitivi africani e imparavano da loro! Ciò che abbiamo studiato non era PROFESSIONALITÀ QUOTIDIANA! Ma quando una persona non comprende il reale valore della sua creatività e cerca di imitare le sue mediocrità pop preferite, stupindosi con la pratica costante della professionalità quotidiana, il degrado creativo è inevitabile.

Lo stesso si può dire dell'ascoltatore. Dopo essersi abituato alla musica di QUALITÀ, aver acquistato un sacco di attrezzature costose e aver installato un potente sistema di altoparlanti in giro per casa, lui, ovviamente, si libererà dall'ascolto di musica non registrata in uno studio e si ritroverà nella ridicola posizione di una persona che legge libri solo in edizioni regalo. La registrazione in studio richiede solo investimenti finanziari da parte del musicista e non talento. Una limitazione degli orizzonti così insensata non avrà conseguenze positive per l'ascoltatore, ma solo negative. Se la registrazione del suono fosse esistita all'inizio del XIX secolo, probabilmente Alexey Koltsov avrebbe strimpellato le sue poesie con una chitarra mentre guidava le mucche nel campo e le avrebbe registrate su un registratore economico. Ciò renderebbe il suo lavoro meno bello, anche rispetto ad altri poeti-musicisti che hanno più mezzi finanziari per registrare? Ovviamente no. Un moderno amante della qualità potrà ammirare i primi album degli STRAW RACCONS? Certo che no: li spegnerà con rabbia dopo 10 secondi, poiché sui suoi sette altoparlanti suoneranno in modo terrificante, a differenza del gruppo LINKIN PARK. Quindi non è necessario abituarsi alla qualità quando hai l’opportunità di abituarti alla BELLEZZA. Per chi si è già abituato a non farlo, posso solo consigliarvi di svolgere nella vostra testa un dialogo, simile al dialogo del lettore, amando ZEMFIRA.

(10) Il poeta Arkady Kutilov ha fatto proprio questo!

XII
SINCERO NELL'ARTE

Un altro approccio con cui spesso si cerca di separare la vera arte da quella costruita per la vendita sono i giudizi sulla sincerità dell'artista, l'APPROCCIO EMOZIONALE. A volte funziona, ma in generale risulta essere molto traballante e soffre di soggettività. Dopotutto, OXYMIRON è riuscito a convincere i suoi ascoltatori della sincerità, anche se l'unica cosa che voleva veramente con tutta la sua anima era vendere loro i suoi mestieri e poi batterli nel cioccolato. Ma anche la vera sincerità non è sempre sufficiente! Se un bambino ricorda la tavola pitagorica, è molto felice del suo successo e inizia a vantarsene con entusiasmo davanti agli adulti, recitandone singole righe memorizzate - allora questo, ovviamente, causerà affetto, ma un adulto non sarà in grado di imparare qualsiasi informazione per il proprio sviluppo da parte del bambino.

Ma la sincerità può essere diversa. Le persone sono già abituate al fatto che un attore recita in un film, e non identificano un personaggio cinematografico con chi interpreta un ruolo nella vita reale; non verrebbe loro nemmeno in mente di attribuire, ad esempio, le parole di un CATTIVO ad un attore. Inoltre, criticheranno l'attore se non riesce ad abituarsi al ruolo e a recitare le sue battute con sufficiente sincerità, anche se il significato di queste battute sembra loro terribile! Ma con la musica non ha funzionato: differenziare eroe lirico non esiste una tradizione dell'autore-esecutore e le parole dell'esecutore, di regola, sono prese alla lettera, sebbene i musicisti spesso usino lo stesso approccio di recitazione, costruiscano un'immagine, ecc. Tuttavia, anche se l'ascoltatore capisce che c'è un'immagine in davanti a lui, crede che l'autore approvi il tuo eroe. In letteratura questo non accade una volta ogni tanto. Anche se l'autore racconta in prima persona, l'eroe può essere sia distinto dall'autore che identificato con lui, a seconda delle impressioni personali del lettore e delle informazioni aggiuntive a lui note. Come si può giudicare la sincerità di un artista dai suoi dipinti? Sconosciuto.

Una persona che vuole diventare famosa o arricchirsi attraverso la sua creatività è considerata insincera con un APPROCCIO EMOZIONALE. Ma anche qui ci possono essere situazioni diverse. Si considererà che per il reddito è meglio farlo in modo collaudato, imitando l'esistente artisti popolari, e l'altro: che le persone sono stanche delle cose vecchie e per accontentarle è necessario inventare qualcosa di nuovo e interessante. Senza precedenti! È più facile distinguersi in questo modo! Se ha anche talento, il risultato potrebbe essere interessante.

Di conseguenza, arriviamo alla conclusione che l'APPROCCIO EMOZIONALE può aiutare solo in rari casi speciali e su di esso non è possibile costruire alcuna divisione fondamentale dell'arte. Troppa psicologia che non è rilevante. Ma questo può essere evitato modificando leggermente l’approccio utilizzando il vecchio metodo. Se i creatori si presentano davanti a noi come pensatori, allora la loro sincerità diventerà la SINCERA DEL PENSATORE - cioè il desiderio di dire qualcosa di nuovo, e la valutazione dall'esterno porterà nuovamente al fatto che non abbiamo nemmeno bisogno di stabilire se avevano davvero un tale desiderio o hanno trovato qualcosa di nuovo intuitivamente. Questo conflitto è stato facilmente risolto.

XIII
ANCORA UNA VOLTA ALTA

Può sembrare che anche la divisione precedentemente proposta dallo scienziato culturale occidentale Edward Shils in arte alta, media e bassa abbia permesso di ottenere esattamente gli stessi risultati di NET. Dopotutto, nessuna volgarità completa potrebbe salire al rango di arte alta: può essere solo popolare, ma non alta. Allora perché è stato necessario introdurre qualche nuova gradazione?

La risposta è semplice: basta ricordare ancora una volta il fallimento mentale dello stesso signor SEABROOK. Amava così tanto l'arte ALTA che non poteva permettersi di seguire nient'altro, né “basso” né “medio”. Di conseguenza, si staccò completamente dal tempo, e questa separazione portò alla delusione per il nichilismo ALTO ed estetico: era pronto ad amare qualsiasi "arte" purché sembrasse "rilevante", indipendentemente dal suo valore culturale. E il processo del suo degrado, purtroppo, risulta essere molto naturale. Questa è esattamente la stessa NEGLIGENZA DEL CONSIGLIO AL FUTURISMO: la radice di questi “neurubons” è la stessa: incomprensione delle leggi oggettive della bellezza nell'arte, incomprensione della NUOVA TEORIA ESTETICA. E penso che la radice di questo malinteso risieda nella frase LA FORMA È CONTENUTO, MA IL CONTENUTO È FORMATO.

Più precisamente, non da esso, ma dalla sua interpretazione specifica. LA FORMA È CONTENIBILE E IL CONTENUTO È PROGETTATO. Cosa potrebbe esserci di più vero? Tesi meravigliosa! Suggerisce direttamente una conclusione: qualsiasi esperimento formalista è significativo. Creando una nuova forma, l'autore crea anche un nuovo contenuto, poiché è significativo e devi solo essere in grado di comprenderlo con l'aiuto dell'analisi critica. D'altra parte, eventuali nuove opere significative saranno decorate in qualche modo e, poiché contengono contenuti di valore (come nel naturalismo), il loro design giocherà un ruolo secondario. Indipendentemente da quanto l'autore abbia acquisito capacità di scrittura professionale, se ha qualcosa da dire, vale la pena ascoltarlo. Una visione molto valida, completamente coerente con NET!

Ma come interpretano questa frase gli artigiani? Lasciate che vi faccia un esempio. Leggendo gli articoli del critico Alexander Ageev, mi sono imbattuto nella seguente situazione: rivedendo una nota di un certo Nikolai Pereyaslov, GIUSTIFICAZIONE DEL POSTMODERNISMO, Ageev si è agganciato alla frase: “Su un'ala della nostra letteratura domestica odierna vediamo brand nuove vele della FORMA letteraria, adattate con inventiva, ma mollemente cadenti, e dall’altro – sentiamo le raffiche del vento del CONTENUTO, che sta diventando sempre più forte, ma non riesce a trovare un’applicazione per la sua forza”, e lo ha commentato come segue: "Ahimè, noi lettori conservatori con un'istruzione universitaria, a cui in epoca sovietica veniva insegnato che la forma è significativa e il contenuto è formalizzato, non siamo al passo con l'innovatore Pereyaslov." Vedendo che un critico che rispetto diceva queste sciocchezze, sono caduto in uno stato di torpore. Pensavo che per scopi polemici fingesse di non capire le parole di Pereyaslov, sebbene il loro significato fosse ovvio per un bambino. Ma poi ci ho pensato e ho capito che il problema era più profondo. Naturalmente conoscevo la tesi generale sulla formalità, ma non ne avevo studiato le interpretazioni dettagliate e ho deciso di indagare su come, con l'aiuto di un assurdo atto di bilanciamento scientifico, questa frase sia stata interpretata in modo classico, cito: " La forma è significativa, il contenuto è formalizzato. L'uno non esiste senza l'altro. I tentativi di separare la forma dal contenuto e di dargli un significato autosufficiente portano al formalismo. La sottovalutazione della forma nella creatività artistica è carica di volgare naturalismo, perdita di mezzi espressivi e impatto emotivo e psicologico”. È ovvio che il formalismo e il naturalismo volgare qui non sono riconosciuti come arte, sono condannati. Ma questa è una totale assurdità! Traducendo questa affermazione, ad esempio, sul piano architettonico, otteniamo quanto segue: “Vogliamo che venga costruita per noi una nuova casa bella e forte. Tuttavia, non osare studiare chimica e inventarne di nuove Materiali di costruzione- questo sarà naturalismo volgare. Non osare sviluppare la tua visione di una nuova casa su carta e disegnare disegni: questo sarebbe formalismo. Costruiscilo per noi subito, senza alcun lavoro mentale. Immediatamente e completamente! Sia lo sviluppo dei materiali che lo sviluppo della teoria architettonica sono spazzatura mentale inaccettabile, degna della più ardente condanna. Solo la casa che è impossibile senza quest’opera sarà degna di ammirazione”. E l’unica conferma di questa idea è che alcuni geni letterari sono effettivamente riusciti a costruire la loro OPERA LETTERARIA (analogo di una casa) forte e bella grazie a intuizioni creative intuitive quasi impensabili e isolate - come DEAD SOULS di Gogol o SONGS OF MALDOOR di Lautreamont. Altrimenti, il processo letterario (per non parlare dell'architettura) procede molto gradualmente e senza tali scoperte, anche intuitive. L'intuizione elabora lo stesso materiale disponibile della mente, solo secondo leggi diverse - e il materiale qui è la realtà circostante, la letteratura disponibile, ecc.

Cosa è idea generale questo capitolo? Non si può rifiutare alcuna BELLEZZA DEL PENSIERO, cercando di adattare questa bellezza a criteri innaturali e fittizi, basati su eccezioni storiche. Il vero criterio è la logica della storia, secondo la quale, DI REGOLA, tutto si sviluppa gradualmente. Non dovresti rifiutare nulla di nuovo - vale la pena lodarlo, perché anche se questa cosa nuova non ti sembra abbastanza bella, ci saranno persone che riceveranno uno slancio creativo dal coraggio del pensiero e porteranno gli sviluppi che le hanno ispirate alla perfezione. Nella maggior parte dei casi, ciò richiederà tempo, ma per rimanere in contatto con il momento presente è necessario seguire eventuali innovazioni. Inoltre, non è sempre possibile valutare le innovazioni secondo i vecchi criteri: un'idea rivoluzionaria deve diventare chiara almeno al gruppo dirigente, in modo che possa trasmettere comprensione all'intera società. Alcuni aspetti di Lautréamont furono compresi per la prima volta dai surrealisti decenni dopo, ma solo i postmodernisti lo apprezzarono in tutta la sua bellezza. Parte dell’innovazione di Pushkin fu compresa dai suoi contemporanei, ma solo i marxisti e così via potevano comprenderla nella sua interezza. Non credo che il pensatore borghese Edward Shils riconoscerebbe i primi esperimenti punk e rap come arte alta, anche se furono delle vere e proprie scoperte! Quindi la sua gradazione risulta non essere universale, a differenza di NET.

(11) La citazione è stata leggermente modificata: ne ho escluso dettagli che erano incomprensibili senza il contesto dell'articolo. Ma per quanto mi riguarda, non saprei spiegare se Ageev intendesse davvero una tale assurdità alla lettera, o se volesse ancora dire qualcos'altro, ma non potesse esprimerlo correttamente. Forse con questa frase descriveva la sua impressione sull'articolo di Pereyaslov nel suo complesso.

XIV
IL PUNTO DEBOLE DELLA RETE

Tuttavia, NET ha un punto debole. Tu ed io capiamo che ciò che è nuovo è bello. Abbiamo imparato che le buffonate pop quasi sempre non hanno nulla a che fare con l'arte, e se il prodotto è progettato utilizzando gli algoritmi più semplici e una certa consapevolezza del creatore, allora è insignificante. Scarteremo e odieremo tale pseudo-arte. Questo è buono! Ma questo non basta. Come costruire una gradazione dopo questo? Tutto ciò che è nuovo ha la stessa audacia di pensiero? Come valutare la complessità di algoritmi non del tutto evidenti? Questo problema non è stato finalmente risolto da me. Ho già scritto una serie di articoli che possono fornire alcuni indizi empirici al riguardo. Spero di scrivere molti altri articoli che forniranno anche specifici indizi teorici, permettendoci di identificare e valutare semplici “notizie”. Per il resto, spetterà ai miei lettori – voi – perfezionare ed eliminare questa debolezza della RETE. Ora metterò solo in guardia contro alcuni errori lungo questo percorso.

Potrebbe sembrarti che il mio articolo, ad esempio, giustifichi la ridicola istituzione della critica arte contemporanea, una struttura commerciale in cui le persone sono diventate abili nello spiegare il contenuto di opere povere. Potresti pensare che io respinga la critica marxista attirando costantemente l’attenzione sugli errori dei pensatori sovietici e proto-sovietici. Forse hai deciso che anch'io sono un PENSATORE BORGHESE? O almeno piccolo-borghesi? Spero che tu non sia così stupido. Condanno la vera critica solo per le sue evidenti imperfezioni, che derivano dalla forzata ristrettezza di pensiero - e lo faccio perché sono dolorosamente offeso dai suoi errori. Questo è ciò che cerco di correggere e perfezionare – secondo la logica della storia dell’arte. Allo stesso tempo, vale ovviamente la pena adottare le idee positive e costruttive dei critici non sovietici: questo è ciò che Belinsky ha lasciato in eredità. Ma fondamentalmente rifiuto l'approccio borghese di NOUBROW, perché mescola il bello con il mediocre, negando così il primo. E riguardo all'istituzione della critica d'arte contemporanea, dirò questo. Il poeta e pensatore Alexander Brener ha scritto quanto segue:

“Cosa significa il fallimento di tutta l’arte moderna, quella che viene chiamata arte contemporanea?

Ciò significa che alle sue origini l’arte moderna era alimentata principalmente dalla disperazione, dall’affetto e dallo shock. Van Gogh e Gauguin, Courbet e Whitman, Rimbaud e Toulouse-Lautrec furono persone che si accorsero che la tradizione millenaria della cultura cristiana europea stava finendo davanti ai loro occhi, finendo con il trionfo del capitalismo, la morte di Dio e la perdita della fondamenti ontologici dell'esistenza umana e cultura umana. L’ipocrisia capitalista, l’avidità, la sete di profitto e un acuto senso di competizione divorarono la compassione e tutto ciò di cui la cultura europea parlava da secoli davanti agli occhi di artisti confusi. Fanculo il gattino. Gli artisti lo hanno annunciato con un grido mostruoso (Rimbaud), una predicazione dell'uguaglianza universale (Whitman), un sogno di una civiltà nuova, ingenua e pura (Gauguin), un appello all'autenticità (Van Gogh), una richiesta di verità e giustizia ( Courbet), un crollo nel dolore e nel riso (Toulouse-Lautrec). È così che è iniziata la cultura moderna.

Ma in seguito arrivò una nuova generazione di artisti puri che si stracciarono i vestiti. Questa era una generazione di maghi e ciarlatani. Il migliore e il più abile fu Duchamp. Picasso era incomparabilmente più goffo e goffo. Queste persone trassero conclusioni diverse dalla fine del cristianesimo e dai loro predecessori. Dato che "il gattino è fottuto", rimane la "roulette". Il gioco è ciò che l’arte ha ancora in serbo. Giochi, ciarlataneria raffinata, nichilismo dandy, arguzia, ridicolo. Però c'erano dei pazzi lì: alcuni dadaisti, altri surrealisti. Ma in generale: risatine, un nuovo salone, un gioco di perle di vetro, facce buffe.

E solo dopo che questi ciarlatani iniziarono a rimpicciolirsi. La generazione successiva è diventata un po’ rugosa e alterata. E presto se ne resero conto senza tanti soldi poco interessante, difficile e per ottenere soldi devi esporre il tuo culo, le tue labbra, i tuoi capezzoli ai ricchi! E ci siamo impegnati. C'erano persone vere in mezzo a tutta questa marmaglia, ma sempre meno. E poi ci sono quasi solo doppiogiochisti, furfanti, intrattenitori.

Questo è quello che ho capito. Questo è ciò che io chiamo il fallimento dell’arte moderna”.

È difficile descrivere questo processo in modo più preciso. E prenderò su di me questo lavoro. Una smentita così radicale non tiene conto delle reali norme dell'art. Una persona può creare qualcosa di prezioso anche in una situazione di stallo: ecco perché è umana. Brener in realtà questo lo capisce – e anche tra i creatori di arte contemporanea individua degli alleati (come si vede dai suoi libri). Ma criterio generale Non ne fa emergere di BENE, avvicinandosi alla NUOVA TEORIA ESTETICA solo in modo intuitivo. È molto difficile superare lo strato di spiegazioni curatoriali disgustose e beffarde: hanno appeso la lingua e hanno imparato a lodare anche il compensato bianco e un cannone in un portello. Qui dobbiamo astrarci da loro e guardare dall'esterno, dal punto di vista dei BENEFICI PER L'UMANITÀ. Gli stupefacenti e tristi carri dei curatori devono essere incasinati o non letti, dimostrando al contempo che quasi tutta l’arte contemporanea è creata proprio da quegli stessi pessimi algoritmi (lo stesso insieme di tecniche in diverse combinazioni viene usato incessantemente, e il contenuto dell'opera è reso nel modo più volgare e detto cento volte). Quasi, ma non tutti – ed è necessario identificare i cereali preziosi. Non importa quanto possa essere difficile, dobbiamo riscrivere l’intera storia dell’arte da un nuovo punto di vista, senza mostrare rispetto per le autorità del “marketing” e rendendo omaggio ai geni dimenticati. Ma chi intraprenderà questo lavoro: restituire all'arte moderna il suo nome onesto?

XV
RISULTATO

Se ricordi, all'inizio di questo articolo ho menzionato il popolare visione estetica LASCIATE CHE TUTTI I FIORI SBOCCHINO. All'inizio volevo sviluppare questa metafora e spiegare che se bellissimi fiori crescono in un letto e centinaia di erbacce si schiudono accanto a loro, allora le erbacce distruggeranno semplicemente tutto ciò che è tenero e riempiranno il letto. Quindi il ruolo del critico è quello di estirpare le erbacce. Giunto al punto attuale dell'articolo, mi sono reso conto della depravazione di questa metafora e della profonda verità della tesi originale sui fiori! Ma solo in una nuova comprensione di esso. Dopotutto, la critica non è un comitato di censura o una stazione di polizia. È inaccettabile strappare qualcosa. La bellezza dei fiori potrà essere realizzata dalle generazioni successive, ma per quelle attuali sarà nascosta. Senza ripensare la storia dell’arte, l’arte è impossibile. Un critico dovrebbe essere un botanico, non un giardiniere. Dovrebbe semplicemente apprezzare la bellezza dei fiori, secondo l'assiomatica della NET. Deve separare le erbacce dalle piante NOBILI, ma ricorda che potrebbe sbagliarsi. Ho già scritto sopra a cosa hanno portato i tentativi di eugenetica artistica. Non dimenticarti di loro!

Ora resta da dire ancora una volta come dovrebbe essere questo processo di valutazione dei colori e cosa dovrebbero fare i giornalisti e gli ascoltatori che trattano la cultura con amore.

Il primo livello è la raccolta dei materiali. Come ho spiegato, vale la pena archiviare tutto - e qui il primo ruolo sarà svolto dal percettore, indipendentemente dalle sue preferenze di gusto, perché è lui che dovrebbe caricare l'album su ifolder e root tracker, scansionare libri, scrivere resoconti sulle mostre e concerti, fotografare ciò che accade, girare video, raccogliere discografie di artisti. Questa è una fase pre-critica e addirittura quasi pre-giornalistica, perché non necessita di riviste (se non per raccogliere informazioni biografiche, interviste, ecc.). Senza questa fase di raccolta del materiale non sarà possibile alcuna valutazione critica dell'arte: non ci sarà nulla da valutare. E qui ogni percettore deve fare del suo meglio - soprattutto se capisce che nessun altro preserverà questo atto - e la storia sarà grata a tutti coloro che hanno contribuito ad archiviare il suo pezzo, anche se alla fine risulterà dimenticato.

Il secondo livello è sistematizzare il materiale raccolto. Qui, ovviamente, sarebbe bello armarsi di NET e contrassegnare la spazzatura raccolta come spazzatura, ma non c'è giudizio. Ancora una volta, chiunque può fare uno schizzo della storia dell'arte: ciò che è importante qui è la sistematizzazione per genere, la ricerca di relazioni e influenze reciproche. Gli ascoltatori possono essere guidati da alcuni dei loro impulsi non del tutto consapevoli, ma oggettivamente giustificati: raccogliere cose simili a ciò che gli piaceva. Questi sono tutti pubblici di genere. Questa è la storia fittizia del “underground”, dove i FRATELLI CHIMPANZEE, GUF, ecc. hanno potuto insinuarsi formalmente. In ogni caso, questi schizzi renderanno più facile ai critici scrivere una vera storia dell'arte.

Terzo livello. Si tratta precisamente di filtrare il materiale secondo i criteri NET. Qui l'autore deve immaginare realisticamente la dialettica dello sviluppo di un'idea, registrarla e spiegarla, scartando quelli dei suoi seguaci che non hanno apportato nulla di nuovo. Una valutazione di tale sviluppo è impossibile senza un certo bagaglio culturale: come identificare la secondarietà senza conoscere il primato? È qui che inizia il vero giornalismo (una linea che il cosiddetto GIORNALISTA NAZIONALE PIÙ INFLUENTE non potrebbe oltrepassare). Quando analizzi un'opera particolare, dovrai indicare il suo posto nella storia dell'arte, se, ovviamente, è degno di essere incluso in essa.

Questa è la BASE. E la SOVRASTRUTTURA?

La storia mostra che la critica produttiva spesso contiene elementi di polemica. Pertanto, la polemica dovrebbe essere riconosciuta come la sovrastruttura. Dopo che il critico ha spiegato cosa di nuovo un'opera d'arte ha dato all'umanità e cosa le generazioni successive possono prendere in prestito dai suoi PENSIERI, è libero di costruire la propria linea, perseguire la propria visione del mondo e interpretarla a modo suo: politico, estetico, etico, ecc. - fino al religioso. Sarebbe assurdo rifiutarlo a un critico: una persona ha il diritto di promuovere idee a lui vicine, ma solo capendo che sono sua proprietà personale e che altre persone potrebbero non condividerle, e spiegando quale valore oggettivo porta il lavoro. Ciò correggerà gli errori di Vaclav Vorovsky e di centinaia di altri. Ma dobbiamo capire che questa è proprio la SOVRASTRUTTURA, e la prima parte del dovere del critico è dimostrare il valore oggettivo del materiale analizzato. Può sembrare strano! Perché, ad esempio, un araldo dei valori della famiglia dovrebbe dimostrare che un'opera che glorifica l'amore libero è preziosa per l'umanità. È sicuro che sia dannoso. Ma qui dovrebbe separare due fattori. Se l'opera è originale, contiene sottili osservazioni psicologiche o è scritta in una forma insolita, il critico dovrà spiegare quali benefici apporta l'opera alle persone che professano i valori della famiglia - un beneficio universale, e solo allora entrare nelle spiegazioni di quale danno possa causare il suo contenuto specifico, o meglio ancora, mostrare la sua infedeltà, basandosi sulla propria fiducia in esso, supportata da osservazioni specifiche. Avrei descritto questo paragrafo in modo molto più dettagliato, ma, fortunatamente, Apollo Grigoriev lo ha fatto in anticipo per me, parlando di arte e moralità nel suo articolo ARTE E MORALITÀ:

“L’arte, come risposta organicamente cosciente alla vita organica, come forza creativa e come attività di una forza creativa, non è soggetta a nulla di convenzionale, inclusa la moralità, e non può essere soggetta a nulla di condizionale; pertanto, non dovrebbe essere giudicata o misurato dalla moralità. Con questa convinzione sono pronto, forse, a raggiungere un estremo paradossale. Non è l’arte che dovrebbe imparare dalla morale, ma è la morale che dovrebbe imparare (e ha imparato e impara) dall’arte”.

Vorrei chiarire che la MORALITÀ dovrebbe imparare dall'arte non tanto la moralità quanto la capacità di pensare, al fine di rafforzare la propria comprensione della moralità. Ciò significa che le opere che possono insegnare a pensare sono utili a chiunque.

Pertanto, il ruolo della critica si riduce alla critica. Non ha alcuna influenza fisica sull'arte, solo morale. Incoraggerà coloro che fanno cose veramente belle e chiederà a coloro che fanno cose brutte di migliorare. Per gli ascoltatori servirà come una sorta di SISTEMA DI COORDINATE o SCALA estetica, cioè spiegherà come si può risalire quello che sembrava un vortice d'arte infinito e incomprensibile. Basta fornire linee guida convenienti. Se una persona ha un desiderio, si eleverà, e se vuole rimanere ai livelli inferiori, rimanga su di essi, ma solo consapevolmente.

XVI
SULLE PERSONE DELLA RETE

Ecco un'altra cosa. Il lettore potrebbe pensare che il mio approccio all’arte sia di natura elitaria (cioè, in realtà, antipopolare) e che considero idioti le persone che consumano gomme da masticare capitaliste. Questo non è assolutamente vero. È noto che la maggior parte delle persone non è mai stata interessata alla matematica superiore ed è positivo se sanno contare senza calcolatrice. Perché non si sono mossi in questa direzione? Dopotutto, questa conoscenza sarebbe loro molto utile nella vita di tutti i giorni. Perché non hanno né il tempo per questo (per ragioni sociali, economiche o di altro tipo) né la voglia (perché l'utilità della matematica sembra loro dubbia). Sarebbe stupido incolpare le persone per questo: dopo tutto, queste sono le condizioni oggettive della loro vita attuale. Ciò significa che scrivere un libro di testo sulla matematica superiore, così come gli inviti a studiarla, sarà di natura elitaria? Certo che no, dopotutto tutto questo viene fatto a beneficio delle persone. Basti ricordare come nella Russia zarista gli anni Sessanta organizzarono scuole domenicali per i lavoratori, e gli anni Settanta andarono direttamente dalla gente e cercarono di istituire scuole nei villaggi. Ma usavano anche libri di testo già scritti!

L'introduzione di NET è di natura simile. Non è colpa mia se la logica della storia dell’arte è che tutto ciò che è insignificante col tempo viene buttato via. Non è colpa mia se le statistiche sull’arte oggi sono le seguenti: 97% opere popolari insignificante. Sto solo cercando di trasmettere queste leggi al lettore, di spiegare come dovrebbe agire se vuole svilupparsi e pretende dall'arte proprio lo sviluppo, e non una piacevole salvezza dalla noiosa noia. Questa è l'essenza del mio appello alle persone che percepiscono la cultura. Invito i critici e i creatori a tenere conto anche delle leggi, a comprendere la loro responsabilità nei confronti della cultura e a non smentirsi. E Alexander Brener ha detto correttamente di quei critici e creatori che diffondono la stupidità. Semplicemente non condivido il suo approccio pratico: la mia arma contro le prostitute è un PEN, non i pugni:

“PERCHÉ ODIO LA GENTE D'ARTE. Perché non sarà il potere, né i governi, né le mafie e la finanza a rovinare le persone e i loro destini! Saranno viziati da bugiardi e codardi del mondo dell'arte! Sono veri traditori e usurpatori. Sono i veri ratti della storia! Loro, infatti, sono i dominatori dei pensieri e delle menti, detentori di azioni stabili! E furono loro a rivelarsi i più senza scrupoli, corrotti e magri. Mi dicono: perché ti scagli contro questi artisti indifesi? Perché gli dai i pugni? Quali sono gli indifesi, ti chiedo? Quali indifesi? Sono loro i creatori dell’ingiustizia! Sono i costruttori di cose disgustose! Sono profanatori! E tutta la mia furia non sarà diretta contro i banditi sfortunati e magri, né contro i politici stupidi, né contro i banchieri avari! Ma contro questi farabutti e molestatori, contro questi pigri e incazzati, crudeli e meschini! Atu loro, atu!”

Sarò eternamente grato a coloro che creano arte veramente bella e nuova: senza di loro la vita sarebbe disgustosa.

XVII
LIMITI DI APPLICABILITÀ DEL NET

E l’ultima cosa riguarda i limiti di applicabilità. NET come l'ho formulato è applicabile a scrittori, artisti e musicisti moderni. Il cinema richiede un budget e il coinvolgimento di molte persone nel processo produttivo, quindi tutto ciò che viene detto va proiettato su di esso con cautela. Sarebbe strano incoraggiare la gente a fare film che non fruttano. E la situazione della casa d'arte nel suo complesso ricorda quella dell'arte contemporanea. Il suo apparato critico è disgustoso. Il teatro e la musica accademica sono simili al cinema. Per informazioni sul balletto, contattare il signor SEABROOK. Videogiochi! È chiaro che questo è uno dei tipi di arte, ma, in primo luogo, la maggior parte di essi non supera il livello artistico libro di mezzo genere di intrattenimento (fantascienza, detective), in secondo luogo, i giochi mancano di una critica significativa e profonda, mentre altri tipi di arte ne avevano almeno in certi periodi. Ci sono state scoperte mentali abbastanza interessanti nella storia dei videogiochi (ad esempio, anche un uomo del partito SITUATIONIST INTERNATIONAL Le Breton è riuscito a dare il suo contributo a questo settore negli anni '80), e la domanda è quando questo genere metterà radici in la cultura pieni diritti- è questione di tempo. Ne parleremo quando arriverà. Architettura – ha un valore assolutamente pratico, che è determinato da altri criteri. Lascia che il teorico dell'architettura Yuri Plokhov proietti correttamente NET su di esso. E la scultura sarà a metà strada tra arte e architettura.

Altrimenti, ho deliberatamente utilizzato un approccio pseudoscientifico e ricchi riferimenti per gli scopi polemici di questo articolo. Sono sicuro che la sua tesi principale sia assolutamente corretta, ma in alcuni punti non sono riuscito a sostenerla a causa delle mie imperfezioni, mancanza di conoscenza, ecc. Puoi solo confutare l'argomentazione, ma non l'essenza della nota - ma anche se confuti l'argomentazione, allora ti ringrazierò. Finalizziamo insieme NET in quattro anni!

È sorprendente ammetterlo, ma questa è la terza intervista condotta con l’editore di “Gilea” nell’ultimo anno. Questa volta è la più grande e, a quanto pare, la più divertente e informale di tutte. È stato scritto nel luglio di quest’anno ed è apparso sul sito web “Lukoshko del pensiero profondo russo”, gestito da Ivan Smekh. Ivan ha posto due dozzine di domande, le cui risposte erano interessanti soprattutto per lui personalmente, ed è chiaro che i lettori non sono necessariamente interessati alle stesse cose. Tuttavia, a sostegno dell'idea di Ivan, possiamo dire che proprio perché questo dialogo è stato costruito a livello personale e amichevole, l'editore nelle sue risposte ha cercato di essere il più sincero possibile, e talvolta si è rivelato troppo franco e persino indifeso, come un gattino.

Ecco un breve estratto di questa conversazione:

Quanto ti ha influenzato la letteratura che pubblichi nella vita di tutti i giorni? Ti è mai capitato di passare improvvisamente a un linguaggio astruso mentre comunichi con le persone? O iniziare a fare movimenti senza senso? Fingere un attacco epilettico? Forse hai sputato addosso a qualche artista? O in politica? O hai commesso altri trucchi simili?

Gli scherzi richiedono qualità speciali e posso permettermi di fare qualcosa del genere solo per capriccio. Ma la mia propensione per l'umorismo brutale e assurdo, per le osservazioni stupide, le banalità e gli scherzi ripetitivi, per i bruschi sbalzi d'umore e i piani attuali, per gli improvvisi salti di pensiero, per le chiacchiere oziose e il noioso letteralismo, per i movimenti goffi del corpo e le osservazioni rumorose e franche rende, Purtroppo, vita quotidiana Non è molto facile con me. Le donne non lo sopportano affatto. Non è chiaro cosa abbia influenzato ciò che qui: o tale letteratura mi ha influenzato, oppure le mie inclinazioni naturali hanno influenzato la scelta di tali libri.

Puoi leggere l'intera intervista con Ivan Smekh e Sergei Kudryavtsev.

Pubblichiamo un saggio del surrealista greco Artemis Mavrommatis, dedicato alla spazzatura e alle rovine

Maxim Antonovich e il “cestino della profondità russa”

Lavorando con il materiale per la nostra serie di articoli sugli "scrittori dimenticati", siamo giunti alla conclusione che non potevamo fare a meno di prestare attenzione alla critica letteraria. Nella letteratura russa del XIX secolo, suona esclusivamente ruolo importante– una sorta di “cemento”, un elemento che forma il sistema. Giganti del pensiero come Belinsky, Dobrolyubov, Pisarev non hanno fatto meno per lo sviluppo della letteratura dei più grandi scrittori e non hanno avuto meno influenza sulle menti dei loro contemporanei. Allo stesso tempo, il lettore moderno raramente riesce a studiare il loro lavoro e difficilmente sa nient'altro su di loro tranne i loro cognomi. Nel frattempo, anche con una breve conoscenza dei loro articoli principali, ho scoperto un abisso di cose interessanti. Vale soprattutto la pena evidenziare il lavoro di Dmitry Pisarev; È difficile per me persino esprimere quanto sono rimasto colpito dalla portata, dalla forza e dalla luminosità della personalità di quest’uomo. Varrebbe la pena dedicare un articolo separato a Pisarev nella nostra serie, ma non ci allontaneremo dal principio accettato: parlare solo del "dimenticato" e dell'ignoto. Tuttavia, Pisarev apparirà di tanto in tanto nei nostri testi: forniremo le sue opinioni e recensioni delle opere in esame, ove appropriato. Per un lettore curioso che vuole conoscere personalmente il suo lavoro, consiglierei di iniziare semplicemente con un articolo su Pushkin ("Pushkin e Belinsky", in due parti) e un articolo "Vediamo!" Ora vi parlerò di Maxim Antonovich, in particolare della sua polemica con Pisarev - probabilmente l'episodio più sorprendente nella storia della Russia critica letteraria, chiamato lo “scisma dei nichilisti”.
Antonovich è un critico onesto e intelligente, contraddistinto, allo stesso tempo, da un approccio insolito all'analisi del testo, che talvolta arriva all'assurdità. Appare sulla scena a cavallo tra gli anni '50 e '60 del XIX secolo, iniziando una collaborazione alla rivista Sovremennik. Il lettore ricorderà che questa rivista è forse quella chiave nella storia del nostro giornalismo: è stata fondata da Pushkin, dalla metà degli anni '40 era diretta da Nekrasov, e Belinsky ha lavorato lì negli anni '40. Quando arrivò Antonovich, i dipendenti chiave della rivista, oltre a Nekrasov, erano Chernyshevsky e Dobrolyubov. Quest'ultimo portò Antonovich alla letteratura e divenne, di fatto, il suo insegnante, sebbene avesse un anno meno del suo studente.
Dalle memorie dello stesso Antonovich si ha l'impressione che Dobrolyubov lo trattasse con una sorta di benevola condiscendenza. Pertanto, dal primo articolo del debuttante su Sovremennik, sono stati utilizzati solo "alcuni luoghi", ai quali anche Dobrolyubov "ha dato un'ambientazione completamente diversa". Antonovich ricorda il suo secondo articolo come segue: “Nonostante tutto il mio desiderio e tutti i miei sforzi, non riuscivo ancora a trovare argomenti per il secondo articolo di prova. Alla fine Dobrolyubov ebbe pietà di me e mi diede lui stesso gli argomenti. Mi ha offerto da analizzare due libri sullo scisma russo, uno di Shchapov e l'altro in francese autore sconosciuto. Riteneva tollerabile l'analisi del libro di Shchapov che avevo scritto: ha solo scoperto che questa analisi non ha inizio o inizia ex abrupto (inaspettatamente), e quindi lui stesso ne ha scritto l'inizio. Caratteristico è anche il seguente episodio tratto dai ricordi di Antonovich del suo insegnante: “Un giorno, quando sono andato da lui, l'ho trovato che leggeva le bozze della mia revisione della logica di Hegel, alla quale ho allegato la logica di un certo Pomortsev. Non appena mi ha salutato, si è avventato su di me e mi ha ridotto in mille pezzi. "Hai scritto una recensione terribilmente buona", ha detto, "e quanto tempo ci hai dedicato?! Non potresti trovare qualcosa di meglio e di più istruttivo?! Anche la logica di Hegel in sé non rappresenta nulla di istruttivo, e hai anche trascinato in qualche schifezza di Pomortsev, che non doveva essere toccata..." Confuso e imbarazzato, dissi: "Allora lo correggo e lo abbrevio; altrimenti è meglio abbandonarlo del tutto." Queste parole lo fecero arrabbiare ancora di più, e osservò acutamente: "Non siamo affatto così ricchi da buttare via le recensioni già pronte; pubblichiamo molte cose che sono anche peggiori di questa".
Alla fine del 1861 Dobrolyubov muore e inizia il periodo più cruciale per le attività di Antonovich. Diventa infatti il ​​​​principale critico della rivista Sovremennik - e scrive immediatamente l'articolo sensazionale "Asmodeus of Our Time" sul romanzo "Fathers and Sons", che colpisce per la sua semplicità senza precedenti ridicola, in cui Bazàrov è definito un meschino spaccone e un ubriacone a caccia di champagne. Due anni dopo, Pisarev, nel suo articolo "Realisti", "attaccò Bazàrov" e questa disputa divenne uno dei temi centrali nella polemica di Pisarev con Antonovich.
Non potendo analizzare nel dettaglio in un breve articolo la controversia tra le riviste Sovremennik e Russkoe Slovo (dove lavorò Pisarev), mi soffermerò su questo episodio. Antonovich, nella sua recensione, pubblicata quasi immediatamente dopo l'uscita di Fathers and Sons, ha descritto il romanzo come "un trattato morale e filosofico cattivo e superficiale" e "un'opera estremamente insoddisfacente dal punto di vista artistico". Lo stesso Turgenev, secondo Antonovich, prova per gli eroi del suo romanzo "una sorta di odio personale e ostilità, come se gli avessero fatto personalmente una sorta di insulto e scherzo sporco, e cerca di vendicarsi di loro ad ogni passo, come una persona offesa personalmente; con piacere interiore scopre in essi debolezze e mancanze, di cui parla con malcelata soddisfazione”. Soprattutto Bazàrov, dal punto di vista di Antonovich, Turgenev “odia e disprezza con tutto il cuore”: “Si rallegra come un bambino quando riesce a pungere un eroe non amato con qualcosa, a scherzare con lui, a presentarlo in modo divertente o volgare e forma vile. Questa vendetta arriva al punto del ridicolo, ha l’aspetto di una presa da scolaretto, si rivela in sciocchezze e sciocchezze.
Così, scrive Antonovich, Bazàrov “parla con orgoglio e arroganza della sua abilità nel gioco di carte; e il signor Turgenev lo fa perdere costantemente”; poi “Sig. Turgenev cerca di ritrarre il personaggio principale come un ghiottone che pensa solo a come mangiare e bere": "In tutte le scene e i casi di cibo, il signor Turgenev, come se non di proposito, nota che l'eroe "parlava poco, ma mangiato molto”; se viene invitato da qualche parte, chiede prima di tutto se ci sarà champagne per lui, e se arriva a lui perde anche la passione per la loquacità, "ogni tanto dirà una parola, ma è sempre più occupato con lo champagne". Nelle controversie, Bazàrov "si perde completamente, dice sciocchezze e predica assurdità imperdonabili per la mente più limitata".
Inoltre, lasciandosi trasportare, Antonovich produce passaggi sempre più inaspettati nella sua caratterizzazione di Bazàrov. Quindi, a suo avviso, l'eroe di Fathers and Sons "odia e perseguita sistematicamente tutto, a partire dai suoi gentili genitori, che non sopporta, e finendo con le rane, che massacra con spietata crudeltà". Bazàrov appare ad Antonovich come “una specie di creatura velenosa che avvelena tutto ciò che tocca”: “ha un amico, ma disprezza anche lui; Ha dei seguaci, ma li odia anche. Insegna a chiunque si sottometta alla sua influenza a essere immorale e insensato”. Tratta i suoi genitori con “disprezzo e ironia disgustosi”. Odintsova - "una donna, gentile e sublime per natura" - è attratta per la prima volta da Bazàrov; ma poi, "dopo averlo conosciuto meglio, si allontana da lui con orrore e disgusto, sputa e "si asciuga con un fazzoletto". "In generale, questo risulta non essere un personaggio, non una personalità vivente, ma una caricatura, un mostro con una testa minuscola e una bocca gigante, un viso piccolo e un naso enorme”, riassume Antonovich le sue osservazioni.
Pisarev scrisse il primo articolo su "Padri e figli" quasi immediatamente dopo Antonovich; in esso fornisce un'analisi pratica e sensata del romanzo caratteristica positiva Bazàrov, ma non polemizza direttamente con il punto di vista di Sovremennik. Ritornò su questo argomento nel 1864, quando, nel suo articolo programmatico "Realisti", intraprese una sorta di escursione storica e analizzò l'articolo di Antonovich, sottolineando che in esso "era molto sciocco". “Il critico ha scritto un articolo estremamente duro, ha attaccato Turgenev con inaudita amarezza, lo ha condannato per pensieri e aspirazioni a cui Turgenev non aveva mai nemmeno pensato, ha resistito alla lotta più ostinata contro gli errori inesistenti dell'autore e poi, riempiendo Cinquanta pagine con questo rumore militante, lasciano un aspetto significativo, la questione è completamente intatta. Il critico tratta Turgenev in modo molto intelligente, ma quando incontra quelle persone che considerano Bazàrov un mostro e un cattivo, diventa completamente silenzioso. Queste persone dicono che Bazàrov esiste davvero e che è un animale feroce... E Antonovich dice che Bazàrov è una caricatura, che Bazàrov non esiste, ma che se esistesse, ovviamente, dovrebbe essere riconosciuto come un animale feroce... Per dimostrare che Bazàrov è una vile caricatura e che Turgenev ha scritto una spregevole diffamazione, il critico di Sovremennik argomenta in modo così innaturale e usa tratti così sorprendenti che il lettore che ha familiarità con il romanzo Padri e figli deve accusare e incriminare il critico ad ogni passo o per mancanza di comprensione o per riluttanza a comprendere”, Pisarev spiega il suo pensiero. Successivamente, esamina in dettaglio una serie di scene di Padri e figli e la loro interpretazione da parte di Antonovich; in particolare, l’analisi del rapporto di Bazàrov con i suoi genitori si conclude con il seguente passaggio: “Qual è la nostra critica profonda e penetrante?! - È riuscita solo a rimproverare Bazàrov per crudeltà di carattere e mancanza di rispetto per i suoi genitori. Oh, tu, gentile scatoletta! Oh, meschino accusatore! Oh, piccolo cestino di profondità russa!”
L'ormai famoso “cestino” ha gettato benzina sul fuoco della disputa tra le due riviste. Antonovich ha risposto alle accuse di Pisarev nell'articolo "Errori" - sorprendentemente pratico e intelligente rispetto ad "Asmodeus of Our Time", in cui ha difeso la sua posizione e ha sottolineato le contraddizioni del suo avversario. Vale la pena notare che se ora Bazàrov è percepito come una figura decisamente positiva e l'interpretazione di questa immagine quando si studia "Padri e figli" a scuola è vicina a quella di Pisarev, allora durante la disputa tra "Sovremennik" e "Parola russa" era percepito tutt’altro che inequivocabile. Il punto di vista di Antonovich aveva molti sostenitori, e "Padri e figli" fu persino classificato tra i cosiddetti "romanzi antinachilisti" volti a screditare i nichilisti e presentarli come mascalzoni e chiacchieroni vuoti. L'articolo di Antonovich sembra assurdo perché si spinge troppo oltre, interpreta gli episodi del romanzo di Turgenev in modo troppo superficiale e persino distorto; tuttavia, in un'ulteriore polemica con Pisarev, il critico di Sovremennik riuscì a argomentare meglio il suo punto di vista. A volte riusciva a eguagliare Pisarev in termini di luminosità del suo stile; Pertanto, Antonovich ha affermato che in "Fathers and Sons" "Turgenev ha mostrato alla parola russa un fico, e lo ha preso come un ideale, come un complimento".
A merito di Antonovich possiamo anche dire che si oppose non solo a Pisarev, ma di fatto all'intero team di autori della Parola russa, che si sostenevano a vicenda nei loro articoli. Si può solo essere sorpresi di quanta resistenza e perseveranza abbia mostrato Antonovich nella sua polemica con Pisarev, che lo ha chiaramente superato in talento, il quale, inoltre, ha assunto nei suoi testi un tono apertamente rozzo e in alcuni punti semplicemente offensivo. La disputa tra le riviste riguardava non solo Turgenev e l'immagine di Bazàrov, ma un intero complesso di questioni letterarie, filosofiche e le questioni sociali. Non si rivelò un chiaro vincitore, e i risultati furono tristi per entrambe le parti: nel 1866, dopo l’attentato ad Alessandro II, il governo rafforzò il controllo sulla stampa e Sovremennik e Russkoe Slovo furono contemporaneamente chiusi.
Dopo la chiusura di Sovremennik, il suo editore Nekrasov ha acquistato la rivista Otechestvennye zapiski e ha cercato di far rivivere la vecchia redazione in una nuova forma. Tuttavia, Antonovich non ha ricevuto un invito a "Note". Secondo una versione, a Nekrasov era vietato coinvolgerlo nel lavoro pubblica amministrazione per questioni di stampa. In un modo o nell'altro, Antonovich fu offeso da Nekrasov e, insieme a un altro dipendente di Sovremennik che non si unì a Zapiski, il pubblicista Yuli Zhukovsky, scrisse un articolo diffamatorio "Materiali per caratterizzare la letteratura russa moderna", in cui attaccava la nuova edizione di Zapiski. Antonovich ha sostenuto, in particolare, che i redattori e lo staff di Notes sono "solo marmaglia e bucce di Sovremennik", e Zhukovsky ha aggiunto che "non valgono un centesimo". Inoltre, la famosa storia di come il critico spiò il poeta e sua moglie attraverso il binocolo aggiunse benzina sul fuoco della discordia di Antonovich con Nekrasov. Divenuto testimone accidentale degli incontri di Nekrasov, avvenuti nell'appartamento di fronte, Antonovich iniziò a raccontare ai suoi amici l'immoralità dell'editore “ Note domestiche“, tuttavia, di conseguenza, lui stesso è stato accusato di agire in modo non etico nei confronti di Nekrasov. Successivamente, Antonovich si pentì del suo disaccordo con Nekrasov e prima della morte del poeta fece pace con lui.
Nell'ulteriore lavoro di Antonovich, si può evidenziare un articolo molto piccolo, "L'unità del cosmo fisico e morale", in cui il critico affronta questioni globali e discute il significato dell'esistenza umana. In questo capiente articolo egli delinea infatti un intero sistema morale, giungendo alla seguente conclusione: «La fonte del piacere per l'uomo onesto e morale è in se stesso, mentre per il ricco disonesto è fuori, in circostanze casuali e transitorie, e dentro di sé può soffrire un vero inferno, ed è tormentato dalla sua coscienza, la cui voce non può divorare con la gola, annaffiare con l'ubriachezza e soffocare con tutti i tipi di piaceri sensuali... Quindi, anche un uomo così altruista l'aspirazione e l'azione di una persona come virtù disinteressata ha in mente la vita, serve la vita, farlo è più pieno e più piacevole, dà a una persona piaceri che non dipendono affatto da circostanze casuali.
Una delle apparizioni più significative di Antonovich sulla stampa dopo il periodo “Sovremennik” fu la sua recensione de “I fratelli Karamazov” di Dostoevskij, intitolata “Un romanzo mistico-ascetico” (1881). Questo articolo colpisce per la sua “stupida” schiettezza non meno della valutazione di Bazàrov data da Antonovich 20 anni prima. Antonovich affronta I fratelli Karamazov - un'opera molto complessa, che è anche cinque volte più grande in volume di Padri e figli - con inimitabile sicurezza di sé; affronta il romanzo in modo così semplice e categorico da evocare involontariamente l'ammirazione del lettore, come un funambolo del circo che, senza alcuna difficoltà, ha eseguito un atto spettacolare e tecnicamente complesso.
In un’interessante introduzione alla recensione, Antonovich discute della “scuola di critica Dobrolyubov” degli anni ’60, che “negando l’arte pura e ignorando i requisiti e le condizioni dell’arte, metteva al primo posto l’idea di un’opera d’arte”. Secondo Antonovich, questa critica non ha avuto alcuna influenza su Dostoevskij e lui “fu un vero artista fin dall’inizio, un rappresentante dell’arte per l’arte”, le cui opere divennero “sempre più tendenziose”. Inoltre, passando allo stesso “I fratelli Karamazov”, nella recensione compaiono intonazioni, molto familiari dall'analisi di “Fathers and Sons”: “Questo è un trattato in volti; caratteri non parlano, ma pronunciano argomenti e, per di più, per la maggior parte sullo stesso argomento, ovviamente preferito dall'autore, di natura teologica o, meglio, mistico-ascetica... Per l'autore, la cosa più importante è il il pensiero, la tendenza, e il romanzo è una cosa secondaria, un involucro; cerca di trasmettere il suo pensiero con ogni mezzo e, temendo che il lettore stesso non lo veda e non lo capisca, cosparge l'allegoria di trattati che dovrebbero condurre direttamente il lettore allo sviluppo del romanzo. Ricordiamo che Antonovich considerava Padri e figli un "trattato morale e filosofico". Inoltre, Antonovich ha definito "Padri e figli" un'opera "estremamente insoddisfacente dal punto di vista artistico", e riguardo al romanzo "I fratelli Karamazov" dice questo: "Vi riconosciamo pochissima abilità artistica, molto meno di quanto ce n'era nelle opere precedenti di Dostoevskij". Nella sua recensione, Antonovich ha diviso i personaggi di "Padri e figli" in due gruppi (questo deriva dal titolo stesso), e in "I fratelli Karamazov" è stato in grado di identificare tre gruppi: i giusti (Alyosha e Mitya Karamazov, Elder Zosima), “di transizione” o “indecisi” (Ivan Karamazov) e peccatori (seminarista Rakitin, padre Karamazov, Smerdyakov). Qui puoi vedere quanto poco sia cambiato l’approccio di Antonovich all’analisi del testo in 20 anni.
Dopo l’introduzione, Antonovich, con la sua schiettezza unilaterale, “marchio di fabbrica”, descrive le opinioni di Dostoevskij, classificandolo come uno “slavofilo di sinistra”. L'essenza della visione del mondo di Dostoevskij, secondo Antonovich, è questa: "I russi semplici e ignoranti sono i più Persone religiose nel mondo; si trova al più alto grado di perfezione religiosa e illuminazione spirituale, quindi non richiede alcuna illuminazione mondana. Il popolo russo è un “popolo portatore di Dio”, come dice l’anziano Zosima, pseudonimo di Dostoevskij. L'illuminazione è luce spirituale, che illumina l'anima, illumina il cuore; e Dostoevskij afferma già direttamente da se stesso che "il nostro popolo è stato illuminato da molto tempo, avendo accolto Cristo e il suo insegnamento nella sua essenza", che sebbene la nostra terra sia povera, Cristo "è uscito benedicendola tutta". Oltre alla religiosità generale, la gente comune russa si distingue anche per il suo speciale amore e rispetto per il misticismo e l'ascetismo, per le intense imprese di digiuno, obbedienza, castità e tutti gli altri tipi di mortificazione della carne peccaminosa - in una parola, per quelle imprese che si praticano nei monasteri e negli eremi. “La salvezza della Rus’ viene dal popolo”, dice lo pseudonimo di Dostoevskij; "Il monastero russo è con la gente da tempo immemorabile." Da queste due premesse del sillogismo ognuno trarrà subito la conclusione: quindi salvezza dal monastero”.
Sono queste opinioni, secondo Antonovich, che sono espresse ne I fratelli Karamazov. Dal suo punto di vista, Dostoevskij voleva dire quanto segue nel suo romanzo: “L'intellighenzia deve abbandonare la propria illuminazione, deve respingere la dannosa educazione europea, rinunciarvi, umiliare il proprio orgoglio e la propria mente, dominare se stessi, “subordinarsi a se stessi”. ; e il modo migliore per farlo è andare in un monastero e scegliere un anziano come tuo leader”. Inoltre, Antonovich è indignato e in qualche modo prende in giro Dostoevskij con sarcasmo: “Ma questo è sempre lo stesso vecchia canzone, dirà il lettore, cosa che sentiamo e abbiamo sentito tante volte! Assolutamente giusto. Questa non è nemmeno una nuova variazione su un vecchio tema, ma semplicemente lo stesso vecchio tema, che è sempre stato sviluppato e viene sviluppato da tutti gli oscurantisti e retrogradi, opponendosi a qualsiasi miglioramento nella vita esterna, nello stato sociale e nella condizione delle persone. ... la stessa vecchia canzone, che per volontà di alcuni Alla fine della sua vita, il nostro immortale Gogol cantava del destino malvagio nella sua sfortunata "Corrispondenza con gli amici".
In generale, la recensione di Antonovich sorprende con due delle sue caratteristiche, che sembrano addirittura opposte tra loro: da un lato, con quanta abilità analizza un romanzo complesso e lungo, con quanta chiarezza e chiarezza classifica i personaggi, identifica i pensieri principali e tendenze e, dall’altro, alle conclusioni strane, distorte e sconcertanti che alla fine arrivano. L'articolo offre uno sguardo del tutto inaspettato ai fratelli Karamazov, e talvolta si ha addirittura l'impressione che Antonovich stesse leggendo un libro completamente diverso. Come nel caso di "Fathers and Sons", le parole di Pisarev secondo cui Antonovich "ragiona in modo innaturale e usa allungamenti sorprendenti" sono appropriate qui; ma allo stesso tempo lo fa con sorprendente fiducia in se stesso e fornisce conclusioni chiare e complete, in cui, in ogni caso, c'è qualcosa a cui pensare.
In conclusione, resta da dire che Antonovich sopravvisse a lungo ai suoi compagni “sessanta” e sopravvisse fino al 1918. Così, ha potuto vedere con i propri occhi la rivoluzione che lui, insieme a Dobrolyubov e Chernyshevskij, sognava mezzo secolo prima del "grande epilogo".

Sia la generazione più anziana che quella più giovane sanno che non dovresti andare nella foresta a mani vuote. Un raccoglitore di funghi ha sempre con sé un cestino o un cestino. Conosci il significato di questa parola? Ci sono differenze tra loro? Come pensi? Continuare a leggere.

Significato della parola

Lukoshko è un cestino piccolo o piccolo fatto di ramoscelli o stecche. Progettato per la raccolta di funghi e frutti di bosco. A volte è fatto con corteccia di betulla. Innanzitutto si differenzia dal cestino per la sua leggerezza. È molto leggero. Puoi portarlo con te per seminare il grano.

Poiché il cestino era molto popolare tra la gente, i contadini iniziarono a usare questa parola per chiamare un fenomeno completamente diverso. Si è scoperto che un paniere è una certa misura di volume. Ma fu presto bandito. Ciò accadeva già nel 1690! Un’eco dell’uso della parola in questo significato è stata la frase in russo “cestino della profondità”.

Qual è la differenza tra un cestino e un cestino?

Come accennato in precedenza, un cestino è un cestino molto piccolo. Pertanto, i piccoli eroi dei racconti popolari russi sono andati nella foresta per raccogliere con lui bacche e funghi. È stato realizzato utilizzando tecnologie semplificate dalla corteccia di betulla. Potresti realizzare questo contenitore nella foresta, tutto ciò di cui hai bisogno è un coltello, materiali disponibili e ingegno!

Un cestino è un contenitore più grande. È stato tessuto con noci o la tecnologia di produzione è piuttosto complessa, a differenza del cestino. Oltre alla conoscenza, il produttore deve avere abilità, esperienza e talento! Sarà molto difficile tessere un cestino in condizioni di campeggio.

Riassumiamo. Lukoshko è originale Parola russa. Significa un piccolo contenitore fatto di corteccia di betulla, progettato per conservare e trasportare funghi e bacche. La radice di questa parola è antica. In russo ci sono detti con questa parola. Ad esempio: il nostro cuore non è un cestino, non puoi romperci una finestra!

Leggi e svela i segreti della tua lingua madre! E noterai come i confini del tuo mondo si allargheranno.

Pubblichiamo una nuova nota di Ivan Smekh dal titolo NUOVA TEORIA ESTETICA, che lo stesso autore ha definito “la sua opera principale”.

NUOVA TEORIA ESTETICA

IO

SUL GIORNALISMO MODERNO

Parliamo di letteratura. E sulla musica! Più precisamente, su quegli enti che comprendono il processo culturale in queste aree. La maggior parte delle moderne pubblicazioni online scrivono di musica, alcune pubblicazioni cartacee, giornalisti e blogger fanno programmi sull'argomento; Ci sono anche molte pagine pubbliche sui social network e recensioni di ascoltatori sparse in vari angoli di Internet. Con la letteratura, tutto è più o meno lo stesso, tuttavia qui aggiungiamo riviste classiche e spesse che stampano articoli seri e profondi.

E quali teorie estetiche dominano tra critici e percettori? Suonano così: "non si discute sui gusti" ("non ci sono compagni in base al gusto e al colore") e "lascia che tutti i fiori sboccino". Molto popolare è anche l'approccio di alcuni esperti che parlano di PROFESSIONALITÀ/QUALITÀ nello spirito di: "il suono della registrazione è di scarsa qualità, non lo ascolteremo" o "questo è un meraviglioso romanzo pop di alta qualità" degno della massima attenzione”. Esistono altre opinioni non tradizionali, di cui parlerò di seguito. Per ora vediamo quali risultati pratici porta questo meraviglioso approccio – ad esempio, nelle pubblicazioni online (senza nemmeno soffermarci sui casi di materiali a pagamento o scritti per motivi di suoceri). Quando scelgono quei fenomeni culturali di cui vale la pena scrivere, gli autori pensano come segue: "questo ha attirato la mia attenzione e, in linea di principio, mi è piaciuto, e da quando LET ALL FLOWERS BLOW, allora posso imprimere una nota!" Oppure semplicemente scrivono delle novità. O qualcosa che ha guadagnato popolarità. Allo stesso tempo, non ha senso criticare le opere analizzate - dopotutto NON C'È DISCUSSIONE SUL GUSTO. Tuttavia, anche altri fattori contribuiscono alla mancanza di critiche.

Primo. L'autore può ritenere che imporre la propria opinione e dare lezioni al lettore sia una cattiva educazione. Una visione sorprendentemente tenace, illogica e dannosa. Cioè, l'idea in sé è corretta, ma solo il giornalista e il lettore sono in un rapporto che non permette al giornalista di imporre nulla anche se avesse un grande desiderio. Dopotutto, ciò richiede una leva di influenza pratica, che un giornalista non ha. Tutto quello che può fare è esprimere la sua opinione, cercando di convincere il lettore della propria correttezza con argomentazioni ponderate. Se il lettore trova gli argomenti convincenti, allora non ci sarà alcuna imposizione, come nel caso in cui li trova poco convincenti. Per quanto riguarda gli insegnamenti, si può dire esattamente la stessa cosa. Se, ad esempio, un insegnante a scuola costringe uno studente a memorizzare del materiale, allora lo studente deve farlo, perché altrimenti riceverà un FALLIMENTO e se questa situazione si ripete, verrà espulso dalla scuola - una conseguenza indesiderabile. Pertanto, l'insegnante ha una leva sullo studente, grazie alla quale può FORZARLO ad agire contro la sua volontà, che è l'unico aspetto negativo dell'INSEGNAMENTO. Un giornalista non ha questa opportunità, il che significa che può insegnare solo nel significato positivo della parola, e ancora, esprimendo la sua opinione e selezionando prove ben adattate. Di conseguenza, ci troviamo di fronte a una bellissima frase sugli insegnamenti che non ha un contenuto reale, ma consente convenientemente all'autore di evitare il lavoro mentale.

Secondo. La critica risulta essere inutile e difficile. Per scrivere non solo NON MI PIACE, ma per mostrare VERAMENTE i lati deboli del materiale analizzato, sono necessari degli argomenti. Ma se un critico scrive costantemente, e accumula un bagaglio di articoli, allora il lettore potrà seguire il suo percorso e individuare un certo APPROCCIO GENERALE dell'autore. Potrebbe risultare che gli argomenti in essi contenuti siano in assurde contraddizioni e il critico verrà preso in giro. Questo non è consigliabile! Per evitare di cadere in una situazione del genere, il critico dovrà riconoscere in anticipo i propri gusti e supportarli con una sorta di teoria estetica. Ma per fare ciò è necessario un notevole dispendio mentale. Inoltre, quando la teoria viene sviluppata, si scopre che una buona metà dei materiali recensiti nella rivista in cui è pubblicato il critico meritano solo recensioni rabbiose, o meglio addirittura SILENZIO COSTITUENTE. Entrambi questi fattori possono allontanare parte del pubblico di massa dalla rivista: alcuni non troveranno articoli sui loro artisti preferiti e altri si offenderanno per essere stati rimproverati. E la persona stessa criticata potrebbe rivelarsi vulnerabile e in qualche modo rovinare le cose per ritorsione, senza prestare attenzione al fatto che la critica era la più educata e corretta. Svantaggi completi! Ma se lodi tutti, si scoprirà che sei un AMICO GENTILMENTE DOLCE e avrai pace, tranquillità e l'attenzione del lettore.

In generale, la mancanza di critica risulta essere molto logica dal meschino punto di vista soggettivo dei giornalisti, ma quali conseguenze porta questo per la cultura? Naturalmente, a quelli più tristi. Ma a volte anche comico! Ad esempio, al fenomeno del cosiddetto. NUOVA ONDA RUSSA. Te ne parlerò usando l'esempio del gruppo BAD; La sua copertura mediatica è andata più o meno così:

Appare il gruppo BAD, un giornalista si imbatte accidentalmente in esso e, con il sugo di RECENSIONARE NUOVI PRODOTTI, compone un articolo;
- un altro giornalista nota questo articolo e, temendo che nella sua rivista manchi materiale rilevante, ne scrive anche lui;
- si forma un'intera valanga di materiali, tutti scrivono di BAD, fino a SADWAVE (che in generale sta cercando di scrivere di alcuni fenomeni seri, e non di manichini), individualmente più volte.
Grazie a tutte queste pubblicazioni, l'ensemble diventa popolare.

La cosa divertente è che il gruppo non meritava nemmeno la prima pubblicazione, non rappresenta alcun valore culturale, ma non c'era assolutamente posto per questo fatto nello schema stabilito, mentre tutti ne scrivevano nemmeno per GRANDE AMORE, ma , per così dire, perché per l'ISTINTO DEL GRANDEZZA. Classico MOLTO RUMORE PER NIENTE!

Ecco come funzionano le pubblicazioni moderne. Se ci credete, allora al posto della cultura abbiamo un enorme mucchio di spazzatura, in cui, anche se si possono trovare oggetti di valore gettati lì per errore, l'esecuzione di questo lavoro spetta ai lettori, perché i giornalisti non hanno tempo. Di conseguenza, non esiste una sola rivista che io conosca che possa essere utilizzata per giudicare lo stato della musica moderna! Quel che è peggio è che lo stesso approccio comincia a diffondersi anche nelle pubblicazioni più inaspettate.

Sto parlando della reazione dei media all'album degli OXYMIRON. È comprensibile il fatto che l'istinto del gregge abbia costretto quasi tutte le pubblicazioni legate alla musica a scrivere su di lui. Ma inaspettatamente, una recensione elogiativa è apparsa sul sito web del quotidiano DOMANI! Scrivono poco di musica e per la cover scelgono per lo più artisti a loro ideologicamente vicini, il che sembrerebbe rendere impossibile l'apparizione di una simile recensione di OXYMIRON (1) - ma è apparsa. Considero mio dovere analizzare questo album e recensirlo in dettaglio, soprattutto perché la sua autrice è una giornalista che rispetto completamente, Alexandra Smirnova. Durante l'analisi, metterò le sue dichiarazioni tra parentesi.

Quindi, l’album degli OXYMIRON è una storia coerente raccontata in formato REP. La base letteraria di questa storia è assolutamente banale; avrebbe potuto essere scritta da un qualunque scribacchino o grafomane di terz'ordine; non ho voglia di raccontarla di nuovo. Questo è solo un insieme di cliché odiosi e personaggi piatti, banali e stereotipati. (" Sembra che si trovi all'intersezione di diversi generi: musica, letteratura e spazio mediatico, perché la trama dell'album potrebbe benissimo essere la base per una serie TV o semplicemente per notizie importanti.”, sono categorie che si escludono a vicenda, dov'è la letteratura nelle serie TV e nelle notizie calde?). Se OXYMIRON lo avesse pubblicato non come un album musicale, ma, ad esempio, come una storia, attirerebbe immediatamente l'attenzione di chiunque. Ma ha agito in modo più astuto! Per abbellire questo racconto, lo ha riempito di numerosi riferimenti culturali e storici. L'insieme delle fonti a cui fa riferimento è piuttosto ampio e dimostra che si trattava di una persona molto colta. Il che, sembrerebbe, dovrebbe essere un vantaggio, ma non lo è. Dopotutto, una persona che ama la cultura cercherà di scegliere tra tutti i suoi fenomeni quelli che ama particolarmente, per attirare ancora una volta l'attenzione degli ascoltatori su di loro. Lo farà con moderazione e con gusto, altrimenti i riferimenti si trasformeranno in volgare vanteria della propria erudizione, e perfino illeggibili. OXYMIRON ha preso la seconda strada, ma qui sorge subito un'altra domanda! Se il nostro artista si rivela così intelligente ed istruito, allora perché ha basato il suo album su una trama così banale? Qui dobbiamo già constatare la sua COMPLETA INDITTABILITÀ DEL GUSTO!

Ma i GIOIELLI non finiscono qui. Naturalmente OXYMIRON racconta tutta questa storia IN POESIE, e non semplici, ma IN RIME TRABOCCATE; il loro numero nei testi è fuori scala. Il che porta a una discordanza tra forma e contenuto. “Vuoi raccontarci una storia che sia degna di nota dal tuo punto di vista? Per favore! Ma siate così gentili da dirlo in modo chiaro e comprensibile,” - questo principio mi sembra molto logico e OXYMIRON non lo segue affatto. Il significato delle parole allegramente tintinnanti e intonate in modo inappropriato degli OXYMIRON è quasi impossibile da percepire; per andare a fondo bisogna ascoltare l'album più volte e con attenzione, ma anche leggendo direttamente i testi, le rime onnipresenti attirano costantemente Attenzione. (" Elegante, ben fatto e sopra le righe(sì, esattamente ri-) testi sui fenomeni culturali. Un grande gioco con sia il lato semantico che quello fonetico della parola».)

Sullo sfondo di tutto quanto sopra, diventa chiaro che OXYMIRON non voleva trasmettere la sua storia all'ascoltatore, voleva semplicemente costruire un PRODOTTO POP COMMERCIALE DI QUALITÀ OCCIDENTALE. (" Naturalmente, Miron affascina sia con la rigidità della sua presentazione che con la sincerità"). Per fare ciò, ha utilizzato una serie di semplici tecniche che potrebbero ingannare un ascoltatore credulone. In effetti, come dovrebbe essere percepito questo album secondo l'idea degli OXYMIRON? All'inizio senti musica allegra e piacevole con voci espressive. Quindi inizi ad ascoltare il testo e scopri molte parole intelligenti. Dopo aver ammirato la formazione dell'autore (soprattutto se il livello di istruzione del destinatario è basso), continui ad ascoltare l'uscita e noti che queste non sono solo canzoni, ma una trama coerente di cui puoi andare fino in fondo! Eccolo, l'apogeo della gioia! Avendo ceduto al fascino, l'ascoltatore di OXYMIRON non si impegna più a valutare seriamente e criticamente il prodotto. Ma se lo facessi, ripeterei inevitabilmente la mia conclusione!

In generale, OXYMIRON non ha detto nulla di nuovo con questo album, ha solo trasferito alla musica tecniche pop cento volte collaudate, ovviamente modificandole per adattarle al suo genere - quelle tecniche per le quali, ad esempio, lo scrittore Akunin era stato precedentemente ridicolizzato (2) . Allo stesso tempo, per creare un PRODOTTO del genere non è necessario alcun lavoro creativo; è sufficiente adattare semplicemente l'idea al formato pop desiderato in ogni fase e distrarre chi percepisce dai punti deboli con trucchi divertenti (“ Una persona di talento può arricchire, modificare e presentare qualsiasi materiale fondendolo in un crogiolo, affinché diventi Arte"). E sì, non ha senso dire che la componente musicale dell'album è un insieme ancora più scarso di tecniche collaudate.

Pertanto, Alexandra, invece di sfatare il semplice inganno di OXYMIRON, si è lasciata ingannare e ha sostenuto questo inganno. Sfortunatamente, questo è molto tipico della critica moderna.

(1) Se non altro perché l'album degli OXYMIRON ha anche alcune sfumature politiche nello spirito del liberalismo occidentale, che non si adatta del tutto al cosiddetto. LA LINEA DELLA FESTA DEL GIORNALE DI DOMANI. Tuttavia, a causa della banalità del materiale, può anche essere considerato semplicemente umanistico generale.

II

NESSUNA CULTURA

Sì, la situazione è deprimente! Ma come è successo? Proverò a rispondere a questa domanda. Ma non intendo parlare solo di capitalismo, economia di mercato e meccanismi della SOCIETY OF PERFORMANCE per tre ragioni. In primo luogo, spero che tutto questo sia già noto al lettore, in secondo luogo, è già stato detto abbastanza senza di me, in terzo luogo, questo non risponderà ancora alla domanda posta, ma delineerà solo l'ambiente in cui esiste oggi la cultura. L’ambiente per la cultura (e per il giornalismo come suo corpo di riflessione) è infatti molto sfavorevole, ma ciò non significa che la cultura non possa esistere in esso con maggiore efficienza. Pertanto, per rispondere alla domanda, fornirò un'escursione storica basata sul libro di John Seabrook “Nobrow. Cultura del mercato. Marketing of Culture" (la prima edizione in inglese è stata pubblicata nel 2000).

Nonostante l'autore stesso, a giudicare dal libro, sia una persona piuttosto superficiale e poco piacevole, il suo lavoro è interessante da leggere. È dedicato all'America di fine secolo e descrive il processo in cui il confine tra cultura alta (highbrow) e cultura bassa (lowbrow) venne cancellato, per cui esisteva solo il NO (nobrow, anche se l'autore stesso lo definisce come il luogo in cui si concentrano cultura e marketing, e lo danno per scontato). La parte del libro che ci interessa è dedicata alla storia della rivista NEW YORKER, che un tempo era un'importante roccaforte di HIGHBROW. Articoli professionali e dettagliati su “ forme d'arte tradizionali dell'aristocrazia: pittura, musica(presumo accademico) , teatro, balletto (!) e letteratura" Grazie a ciò, secondo il signor SEABROOK, la rivista ha svolto un'importante funzione sociale: “ Negli Stati Uniti, le divisioni gerarchiche nella cultura erano l’unico modo per parlare apertamente di classe.<…>Per ottenere ciò che è stato ottenuto in altri paesi grazie alla gerarchia sociale, era necessaria una gerarchia culturale. Qualsiasi nuovo ricco potrebbe acquistare una villa, ma non tutti potrebbero diventare ammiratori appassionati di Arnold Schönberg o John Cage. Si supponeva che la differenza tra cultura d’élite e cultura commerciale fornisse differenze “qualitative”." Il NEW YORKER (3) era il portavoce di questa "classe" - finché tutto non andò storto. Da qualche parte negli anni Ottanta, divenne chiaro che anche i lettori di ARISTOCRAT, nonostante tutto il loro orgoglio e narcisismo, erano stanchi di cedere ai CUMUMERS. " È una bellissima rivista, ma non la compro più perché mi vergogno che sia sulla mia scrivania e non la leggo.“- così hanno detto, e le vendite sono diminuite. Una nuova persona, che si sedette sulla presidenza del redattore nel 1987, non riuscì a correggere la situazione e rimase in questa posizione fino al 1992, e chi lo seguì aiutò la rivista a degradarsi al gusto del lettore, scegliendo rock star, MTV e STAR GUERRE come argomento, così come articoli nello stile di JAUNDICE, sebbene tutto questo fosse adiacente a " articoli su figure culturali antiche: direttori di musei, direttori d'opera, collezionisti d'arte" La maggior parte dei vecchi dipendenti, abituati a standard elevati, alla fine lasciarono NEW YORKER.

Sembrerebbe che questa situazione sia degna di sospiri lacrimosi, ma scopriamolo. Ciò che in realtà è accaduto è che l'insostenibile quadro estetico di riferimento della rivista NEW YORKER ha semplicemente lasciato il posto a uno brutto. Puoi pentirtene, perché durante la sua vita il defunto era piacevole sotto certi aspetti, ma per qualche motivo non aveva abbastanza intelligenza per sopravvivere. Più precisamente, non per qualche motivo, ma per la mancanza di questa stessa mente. Si pensava che il vecchio sistema estetico fosse stabilito da secoli, e non implicasse rinnovamento, e tutto ciò che non viene aggiornato prima o poi muore. Inoltre, secondo il signor SEABROOK, l'interesse del pubblico per questa cultura è stato finto. Cioè, secondo me, una persona è interessata alla cultura per svilupparsi. Questo processo di per sé è molto interessante e ti salva dalla noia, ma questa è la sua funzione secondaria, non primaria. La cultura di massa è costituita da un insieme di idee e tecniche semplici che non ti salvano nemmeno dalla noia: quando ti imbatti negli stessi modelli e banalità per la millesima volta, provoca solo uno sbadiglio. E se la cultura di massa può contribuire allo sviluppo, è dieci volte peggiore della cultura REALE – perché è la sua versione volgarizzata. Di conseguenza, se una persona ha un SANO interesse per la cultura, anche se lo desidera, non sarà in grado di passare dall'interesse per HIGHBROW a LOWBROW (come ha fatto il signor SEABROOK) proprio perché quest'ultimo NON È INTERESSANTE ed è inutile per lo sviluppo. Ebbene, essere un aristocratico, a quanto pare, è davvero troppo difficile.

Il resto del libro di Mr. SEABROOK è dedicato alla descrizione di THE NEW YORKER sotto la guida di un nuovo editore, riflessioni sulla storia della rivista (e sul pensatore di Mr. SEABROOK, come ho detto, NON MOLTO), storie di fumetti di come si vestiva e di come vestiva papà con lo stesso obiettivo di mantenere l'ARISTOCRATISMO, nonché delle sue esperienze giornalistiche legate a MTV, al “nuovo KURT COBAIN” Ben Kweller e STAR WARS. E questo è adiacente alle confessioni del signor SEABROOK sull'estasi in cui a volte lo porta la musica pop. Pertanto, il signor SEABROOK ha mostrato con il suo esempio il processo di degrado culturale degli amanti del balletto e dell'opera. Non è che posso consigliare la lettura del suo libro: ne ho già raccontato tutte le preziose informazioni e probabilmente è stato presentato meglio in altre fonti, ma mi sono imbattuto in questo.

Ora possiamo tornare alla nostra cultura nazionale. In realtà, ad eccezione dei dettagli (che hanno un ruolo fondamentale in una conversazione dettagliata, ma non influiscono in alcun modo sul piano generale), la situazione descritta dal signor SEABROOK è facilmente proiettata sulla Russia. La cultura del marketing è fiorente, il giornalismo svolge una funzione di servizio per esso e gli aderenti all'ALTA ESTETICA sotto forma di spesse riviste letterarie (le stesse opinioni non mainstream di cui ho parlato nel secondo paragrafo di questo articolo) esistono da qualche parte nel loro mondo. , hanno perso la maggior parte dei lettori e la cultura attuale non ne è quasi intaccata. Il loro approccio ha smesso di funzionare e i tentativi di aggiornarlo portano alla stessa spazzatura - ad esempio, sebbene COLTA mantenga un livello professionale, la scelta delle personalità per la sezione MUSICA MODERNA è al di sotto di ogni critica, non riflette il quadro reale di questo molta musica e contiene anche materiale su IVAN DORNE e altri artisti di livello simile. Inoltre, non è possibile giudicare la letteratura moderna nel suo insieme dai loro articoli.

Quindi, a questo punto dell’articolo diventa chiaro che nessuna pubblicazione ha una vera teoria estetica che consentirebbe alle riviste di vedere la cultura dalla giusta angolazione e soddisfare il lettore sofferente. L’approccio dominante trasforma la cultura in un mucchio di spazzatura, e il vecchio amore dei critici per l’arte alta li getta fuori bordo nella nave della modernità. Qualsiasi tentativo di combinare l'approccio della spazzatura con uno serio non funziona: la discarica assorbe felicemente i suoi nuovi aderenti, rimanendo una discarica.

(3) In generale, questo ragionamento sembra alquanto dubbio, ma non ho informazioni sufficienti su questo argomento, quindi in questa nota mi atterrò all'opinione del signor SEABROOK, soprattutto perché fa riferimento ad alcune fonti che confermano tale opinione.

III

COSA FARE?

Il problema formulato è stato da me sentito da molto tempo e mi ha dato molto fastidio. Mentre ci pensavo, mi sono imbattuto in articoli di DMITRY IVANOVICH PISAREV. Si è scoperto che è riuscito a risolverlo abbastanza bene, per il suo tempo e le sue circostanze! Sono rimasto stupito dalla destrezza con cui ha affrontato le opere scadenti e ha elogiato quelle buone, e le ha persino analizzate profondamente, quindi non ho potuto resistere e ho conosciuto appieno la sua eredità. Qual è stata la sua teoria estetica che gli ha permesso di raggiungere risultati così invidiabili? Di questo bisogna parlare.

Pisarev visse solo meno di ventotto anni, essendo nato nel 1840 e annegando mentre nuotava nel 1868. Iniziò a scrivere circa nove anni prima della sua morte. Di conseguenza, aveva già a sua disposizione le opere di Belinsky, Dobrolyubov e Chernyshevsky, le cui idee poteva sviluppare e migliorare, e la tendenza dominante nella letteratura di quel tempo e il suo risultato più progressista era il realismo. Se il lavoro di un autore realista rifletteva correttamente la vita, allora, secondo Pisarev, era buono e necessario, e se l'autore fraintendeva i caratteri delle persone e non sapeva come descriverli in modo profondo e coerente, allora Pisarev cercava di disegnare il l'attenzione del lettore su queste debolezze dell'opera e la riconobbe insoddisfacente. Inoltre, nonostante le sue specifiche opinioni politiche e sociali, ha sostenuto:

« Non mi interessano le convinzioni personali dell'autore.<…>Presto attenzione solo a quei fenomeni della vita sociale rappresentati nel suo romanzo; se questi fenomeni vengono rilevati correttamente, se i fatti crudi che compongono il tessuto principale del romanzo sono del tutto plausibili, se il romanzo non contiene calunnie contro la vita, nessuna colorazione falsa e stucchevole, nessuna incongruenza interna,<…>poi tratto il romanzo come tratterei una presentazione attendibile di eventi realmente accaduti; Scruto e rifletto su questi eventi, cerco di capire come si succedono l'uno dall'altro, cerco di spiegarmi quanto dipendano dalle condizioni generali della vita, e allo stesso tempo lascio completamente da parte la visione personale del narratore, che può trasmettere i fatti in modo molto accurato e dettagliato e spiegarli è estremamente insoddisfacente».

Quindi, l'autore ha descritto i problemi della vita reale e Pisarev li ha estratti dal lavoro, li ha formulati chiaramente e poi ha dato proposte per risolverli, presentando così coerentemente le sue opinioni - e, di regola, le sue soluzioni sembravano abbastanza convincenti! Allo stesso tempo, Pisarev non ha prestato alcuna attenzione alla componente artistica dell'opera, sostenendo, ad esempio, che Chernyshevsky ha scritto il grande romanzo COSA FARE?, sebbene nella critica sia stato rimproverato per il linguaggio dell'autore - e questo argomento sembra abbastanza pesante per me!

Naturalmente, Dmitry Ivanovich non ha formulato immediatamente questo punto di vista, era supportato da argomentazioni e aveva molte sfumature, ma una presentazione così breve mi sembra generalmente corretta. Secondo Pisarev, si è scoperto che ci sono persone reali che vivono vite reali e cercano di risolvere i loro problemi reali. In questo li aiuta un connubio tra letteratura e critica: la prima descrive i problemi, la seconda li discute e offre le sue soluzioni. La letteratura e la critica servono le persone, le persone leggono letteratura e critica, e con attenzione, e tutti sono contenti l'uno dell'altro: la situazione è la più meravigliosa! E con questo approccio, tutto il vecchio carico letterario come poesie, classicismo, sentimentalismo e romanticismo viene gettato nella pattumiera della storia.

Tra i vantaggi di questo approccio, oltre a creare una discussione pubblica, si può evidenziare il fatto che gli autori mediocri, artificiosi e secondari non riceveranno alcun riconoscimento (e filtrare queste persone è oggi un compito urgente). In effetti, uno scrittore realista deve avere un'invidiabile conoscenza della vita e una comprensione della psicologia umana. Tale conoscenza si sviluppa solo con un enorme sforzo mentale ed è sufficiente affinché il lavoro dell'autore diventi interessante per il lettore.

IV

COSA FARE OGGI?

Tuttavia, proiettare l’approccio di Pisarev ai giorni nostri senza cambiamenti sarebbe una follia. La storia ha accumulato troppa esperienza perché oggi sia possibile restringere così tanto il campo dell'arte. Per cominciare, lo spiegherò usando l'esempio dell'articolo PUSHKIN E BELINSKY. Da un lato, in esso Dmitry Ivanovich ha potuto notare correttamente alcune caratteristiche del talento di Pushkin. Ha dimostrato che se chiudi gli occhi sulla dolce voce dal tono poetico patetico e leggi letteralmente ciò che Pushkin ha scritto, si scopre che non era completamente incapace di formulare i suoi pensieri. Ha cercato di ritrarre una cosa, ma in realtà ha caricaturato qualcosa di completamente diverso. Cercando di ritrarre il suo Onegin come un bravo ragazzo e Tatiana come una donna meravigliosa, ha dipinto due persone meschine e volgari, seguendo costantemente la guida dei loro desideri più semplici o delle opinioni della società circostante. Quando Pushkin ha provato a disegnare una BELLA UNIONE DI STUDENTI DEL LICEO, ancora una volta ha inventato una caricatura piuttosto volgare. Ma perché il lettore non se ne è accorto prima? Perché questo tono poetico di pathos dolcissimo funziona in modo tale da assorbire tutta l’attenzione del lettore. Dalla poesia cattura solo lo stato d'animo generale - cioè ciò che il poeta voleva dire, ma non poteva - e alcuni aforismi. Con un'accurata rivisitazione prosaica della poesia, il tono si perde e rimangono solo fatti nudi e assurdi. Come diceva il bandito messicano del film UN PUGNO DI DINAMITE, rivolgendosi al cittadino statunitense derubato fino ai vestiti: “E QUANDO SEI NUDO, SEI LO STESSO FATTO COME TUTTI”. E questa caratteristica si applica, ovviamente, non solo a Pushkin, ma a qualsiasi poesia scritta con questo tono: è molto utile capirlo. Un'altra cosa è che questa è proprio una CARATTERISTICA, e non un più o un meno: tutti possono valutarla, tenendo conto di questo, il meccanismo funziona correttamente: il lettore può comunque capire cosa voleva dire il poeta. Quindi in che modo Pisarev è stato parziale nel valutare PUSHKIN? La risposta sta nelle ultime parole del suo articolo:

« "Sarò immortale", dice Pushkin, "perché ho risvegliato buoni sentimenti con la lira". “Mi scusi, signor Pushkin”, diranno i realisti pensanti, “quali buoni sentimenti ha risvegliato? Attaccamento agli amici e ai compagni d'infanzia? Ma è davvero necessario risvegliare questi sentimenti? Ci sono persone al mondo che sarebbero incapaci di amare i propri amici? E questi uomini di pietra, se esistono, diventeranno teneri e amorevoli al suono della tua lira? - Amore per le belle donne? Ami il buon champagne? Disprezzo per il lavoro utile? Rispetto per il nobile ozio? Indifferenza agli interessi pubblici? Timidezza e immobilità di pensiero in tutte le questioni fondamentali della visione del mondo? Il migliore di tutti questi BUONI SENTIMENTI risvegliati dai suoni della tua lira è, ovviamente, l'amore per le belle donne. Non c'è davvero nulla di riprovevole in questo sentimento, ma, in primo luogo, si può notare che è abbastanza forte di per sé, senza alcuna stimolazione artificiale; e in secondo luogo, bisogna ammettere che i fondatori dei nuovissimi corsi di danza di San Pietroburgo sanno risvegliare e coltivare questo sentimento con incomparabilmente più successo dei suoni della tua lira. Quanto a tutti gli altri BUONI SENTIMENTI, sarebbe incomparabilmente meglio se non li risvegliassi affatto. "Sarò immortale", dice ulteriormente Pushkin, "perché sono stato utile". - "Come?" si chiederanno i realisti, e non ci sarà risposta a questa domanda da nessuna parte. "Sarò immortale", dice infine Pushkin, "perché ho invocato misericordia per i caduti". - “Signor Puskin! - diranno i realisti, - ti consigliamo di rivolgere questo argomento ai Tungus e ai Kalmyks. Questi figli della natura e amici della steppa forse vi crederanno sulla parola e comprenderanno proprio in questo senso filantropico le vostre poesie guerriere, scritte non durante la guerra, ma dopo la vittoria. Per quanto riguarda l'ORGOGLIOSO NIPOTE DEGLI SCHIAVI e dei FINN, queste persone sono già troppo viziate dalla civiltà europea per confondere esclamazioni guerresche con manifestazioni di mansuetudine e filantropia».

Di tutto questo meraviglioso paragrafo, che ho deciso di citare integralmente, se non altro perché io stesso lo rileggo sempre con piacere, fondamentalmente non sono d'accordo esattamente su un punto: riguardante l'utilità. Durante la sua vita, Pushkin riuscì ad apportare alcune importanti modifiche al linguaggio, alla forma e all'approccio ideologico alle belle lettere (4) - seguì il percorso dal romanticismo (con elementi di classicismo) al realismo. E questo è stato estremamente utile: è difficile immaginare che Chernyshevskij possa scrivere COSA FARE? nello spirito del romanticismo! Se non fosse stato per Pushkin, forse a quest’ora il nuovo genere non sarebbe ancora emerso. Per questo, i discendenti ringraziano Pushkin.

Pisarev, ovviamente, ha deliberatamente rifiutato l'approccio storico:

« Ora viviamo la vita ansiosa del momento presente; sentiamo un bisogno irresistibile di voltare le spalle al passato, dimenticarlo, seppellirlo e volgere con amore lo sguardo verso un futuro lontano, seducente, sconosciuto. Cedendo a questa esigenza, focalizziamo tutta la nostra attenzione su ciò in cui sono visibili la giovinezza, la freschezza e l'energia protestante, su ciò in cui si sviluppano e maturano gli ingredienti di una nuova vita, che rappresenta un netto contrasto con la nostra attuale vegetazione.».

Scrivendo il QUESTIONARIO A PUSHKIN, evidentemente si è dimenticato di questo scarto nel suo fervore polemico. Ma questo suo errore di calcolo illustra bene la direzione in cui dovrebbe essere affinata la teoria estetica di Dmitry Ivanovich. In fase di finalizzazione, non dovremmo dimenticare il fatto che se Pisarev fosse nato non nel 1840, ma nel 1886, come fece Alexey Kruchenykh, avrebbe ammirato il lavoro di quest’ultimo. Futuristi e nichilisti hanno molto in comune: hanno risposto in modo adeguato e brillante alle esigenze del loro tempo, sviluppando nuove teorie estetiche in modo che fossero il più utili possibile nella situazione attuale. Ma furono proprio queste esigenze del momento a renderli insoddisfacenti di fronte all'eternità. Tuttavia, gli approcci di realisti e futuristi presi in considerazione insieme, dopo aver rimosso le contraddizioni sorte tra loro, si riveleranno una base ideale su cui costruire una corretta comprensione dell'arte - e questa comprensione sarà confermata da tutte le successive storia.

V

NUOVA TEORIA ESTETICA

Ma entriamo nello specifico! Qual è questa comprensione corretta? Si spiega con una nuova teoria estetica. L'estetica è una scienza che studia le leggi eterne della bellezza che non dipendono dai gusti soggettivi di chi percepisce. Affermo che la sua legge eterna più generale per l'arte è formulata come segue:

“SOLO L’ARTE CHE È QUALCOSA DI NUOVO NEL CONTENUTO, NELLA FORMA O UNA NUOVA COMBINAZIONE DI CONTENUTO E FORMA PUÒ ESSERE BELLA.”

Questo è tutto! Non potresti pensare a qualcosa di più banale? Questo è solo uno scherzo! Abbiamo letto una montagna di testi solo per sentire una rivelazione come questa? È meglio rivolgersi a Tungus e Kalmyks con lui! Non posso credere ai miei occhi!

Anzi, devo scusarmi per una tale banalità. Non mi sarebbe mai venuto in mente di formularlo se avessi visto che in realtà la stragrande maggioranza delle persone che considerano questa idea del tutto ovvia, in pratica se ne dimentica costantemente! Sia i pensatori moderni che le figure di spicco del passato inventano costantemente qualsiasi cosa, le teorie più complesse e piene di risorse, solo per evitare di utilizzare questo metodo più semplice. Oppure semplicemente chiudono un occhio e iniziano a lodare o smontare proprio ciò che non è assolutamente una novità! Ciò verrà illustrato di seguito con molti esempi, forse anche troppi. Intanto darò alcune immediate e semplici precisazioni.

Nel comprendere la tesi secondo cui nell'arte siamo interessati solo al nuovo, si possono incontrare due estremi. Alcuni penseranno che qualsiasi opera sia automaticamente nuova, mentre altri, al contrario, diranno che NIENTE È NUOVO SOTTO LA LUNA. Entrambi questi estremi sono così assurdi che non ha senso opporsi ad essi. Inoltre, l'enunciato di tesi contiene suggerimenti su quali criteri dovrebbero essere utilizzati per valutare il “nuovo”. Se, ad esempio, un artista prende una vecchia forma musicale e sopra di essa esegue un testo banale nello spirito di "casa mia, casa tua - nuovi edifici", allora, ovviamente, non è necessario parlare di alcun nuova forma, contenuto o combinazione degli stessi. Tutto qui è secondario. Nei casi più difficili, come nel caso di OXYMIRON, è possibile creare l'apparenza di “nuovo”, ma un'analisi dettagliata lo dissiperà e spiegherà l'intero insieme di tecniche piatte e ripetutamente utilizzate in precedenza, grazie alle quali si crea questa sensazione. Cioè, rivelerà l'algoritmo più semplice, che richiede solo competenze formali e non lavoro mentale, in seguito al quale chiunque può ottenere risultati simili con un po' di allenamento. Ma cosa succederebbe se ci fosse davvero qualcosa di nuovo? Allora sarebbe bello provare a capire la portata di questa novità. Alcune cose sono rimaste sulla bocca per molto tempo, e se una certa figura non le avesse pronunciate, in un giorno, un mese o sei mesi le avremmo sentite dalle labbra di un altro autore. Ma alcuni nuovi prodotti possono essere seriamente in anticipo sui tempi! Ecco perché nella formulazione della TESI ho usato le parole FORSE: “Solo quell'arte può essere bella quella...”. Dopo aver selezionato i candidati per il BELLO, dovrai scegliere quelli veramente degni. Ecco come si rivelerà la vera BELLEZZA!

Noterò anche che la mia formulazione deliberatamente non pretende di essere scientifica (il che non interferisce con la sua obiettività). Non definisco i termini FORMA e CONTENUTO, ma è molto comodo usarli quando si parla di ogni specifica opera. Possono assumere significati diversi a seconda del contesto, ma da esso sarà ben chiaro di cosa stiamo parlando in questo caso. Inoltre, se un'opera è nuova almeno in qualche modo, risulta comunque candidata alla bellezza: la formulazione funziona universalmente! Ed ora, dopo queste mini-spiegazioni, mi concentrerò nel giustificare la validità e l'attualità della NUOVA TEORIA ESTETICA.

VI

GIUSTIFICAZIONE STORICA

Osservando la storia della letteratura, possiamo affermare con sicurezza che, nonostante tutte le distorsioni temporanee, l'unico criterio in base al quale questa o quell'opera è rimasta nel corso dei secoli è stato da me formulato un po' più in alto. Sì, i realisti hanno combattuto con gli appassionati dell’“arte pura”, i simbolisti hanno sputato sul realismo, i futuristi hanno buttato giù in teoria tutti i loro predecessori dalla nave della modernità, i realisti socialisti hanno fatto lo stesso con simbolisti e futuristi nella pratica, i postmodernisti hanno dichiarato la fine del realismo, ecc. ., ecc.... - ma alla fine tutti hanno trovato un posto nella storia. Alcuni dovettero essere riportati lì dopo l'accaduto, ma quando ritornarono rimasero seduti con fermezza. Non c'era posto solo per chi non diceva nulla di nuovo. Né nella forma né nel contenuto!

Ma perché è successo questo? Proprio perché qualsiasi direzione nell'arte è necessaria e pertinente. Inizierò con le scuse del realismo in tutte le sue manifestazioni, poiché ora è in triste declino. Tradizionalmente, il realismo è diviso in “naturalismo”, che fornisce fotografie fotografiche della vita circostante, e vero “realismo”, che generalizza artisticamente la realtà e disegna personaggi e situazioni tipiche. Di solito, quando uso la parola realismo, unisco questi due concetti come livelli diversi dello stesso fenomeno, ma in questa conversazione vale la pena separarli. Dove ha avuto inizio il naturalismo domestico? Da schizzi fisiologici. Gli scrittori che erano abituati a descrivere solo la vita della nobiltà (ad esempio Pushkin) non capivano nulla della psicologia delle persone INNOBIBILI, quindi potevano solo descrivere ciò che vedevano, cercare di trasmettere le caratteristiche linguistiche dei contadini, raccogliere le loro folklore, ecc. Il tema contadino fu introdotto nella letteratura dal nobile Grigorovich , che presto raggiunse alcune generalizzazioni. Anche Gogol e Dostoevskij arrivarono a loro: nelle loro opere sulle "piccole persone", poco dopo furono raggiunti da Pisemsky e Ostrovsky. Per molto tempo, il naturalismo è stato un'osservazione di persone dall'esterno - con rare eccezioni (Yakov Butkov) - e non c'era bisogno di parlare della completezza del quadro finché la gente comune non si è riversata nell'arena letteraria. Dopo Nikolai Uspensky (che fece il suo debutto nel 1857) vennero Levitov, Reshetnikov, Pomyalovsky, Kushchevsky, Gleb Uspensky, Omulevskij, Voronov e altri. Provenivano dal basso e sono diventati naturalisti per altri motivi: mancanza di istruzione, accesso ai libri, denaro. Erano poveri e cercavano di guadagnare denaro attraverso un costante lavoro letterario, quindi solo pochi eletti avevano il tempo di pensare e scrivere una grande opera. Tuttavia, furono i primi a registrare la “verità” sulle persone, conoscendone a fondo la vita, i personaggi e i destini. Da questi esempi risulta chiaro che, sebbene sia PIÙ DIFFICILE e UTILE dare un quadro generalizzato della realtà, nella pratica, realizzare opere realistiche che tengano conto delle condizioni reali non è sempre possibile. In una situazione del genere, l’unico modo per descrivere alcuni fenomeni importanti è il naturalismo. In sostanza, naturalismo e realismo non sono in conflitto, ma si completano a vicenda. La critica al naturalismo avrà senso solo quando ci saranno artisti delle parole in grado di descrivere adeguatamente gli stessi fenomeni. Inoltre, la storia ha dimostrato che gli unici scrittori della vita quotidiana in alcuni ambienti sociali non sono nemmeno scrittori, ma musicisti - basti ricordare le canzoni popolari o il punk rock siberiano (5). Pertanto, tutti i sottogeneri del realismo risultano necessari. I lettori avranno sempre bisogno di tutto il realismo semplicemente perché la vita non si ferma, cioè per comprendere le leggi con cui è strutturato il mondo che ci circonda in questo momento, la psicologia delle persone contemporanee e anche per guardare negli angoli inaccessibili della vita. il paese e il mondo: sociale o geografico. Questo rimarrà sempre il grande beneficio che una persona può ottenere dall'arte, e le vecchie opere realistiche non saranno mai in grado di soddisfare pienamente questa esigenza, quindi ne serviranno di nuove. È proprio per questa esigenza che Roman Senchin risulta essere oggi uno dei principali scrittori russi.

Modernismo, postmodernismo, fantascienza, distopia, ecc. In realtà, tutte queste direzioni e generi funzionano con la trasmissione di emozioni/atteggiamenti, o comprendono alcune idee scientifiche, sociali e filosofiche. Anche se aderisci alle visioni più disgustose del 20 ° secolo, riconoscendo solo il realismo come il risultato più alto della letteratura, il rifiuto di altre tendenze sarà fatale. Mikhail Verbitsky, in una delle sue interviste, ha sostenuto che L’UNIONE SOVIETICA CROLLA PERCHÉ NON SONO ENTRATE NEL FUTURISMO(6). In effetti, visti i cambiamenti della vita, anche il realismo deve adattarsi alle realtà moderne. Gli stessi realisti prestano pochissima attenzione all'aggiornamento e allo sviluppo della forma delle loro opere, quindi il formalismo che esiste accanto al loro lavoro ha un effetto estremamente benefico sui realisti. Sotto la sua influenza aggiornano il loro stile. La relazione tra questi due fenomeni è più o meno analoga alla ricerca di base e pratica nella scienza. I ricercatori fondamentali derivano una teoria senza preoccuparsi della sua applicazione ovunque, e i professionisti, di fronte a qualsiasi problema reale, la cui soluzione richiede una soluzione non standard, si rivolgono ai risultati derivati ​​​​in anticipo e spesso trovano tra loro quelli adatti - ricorda, per esempio, la geometria Lobachevskij o la teoria di Kalutz-Klein. Lo sguardo dei formalisti è rivolto all'eternità! E a volte arriva all'improvviso.

Forse questa affermazione necessita anche di un supporto pratico. Ho già fornito un esempio sul romanticismo e su Chernyshevskij, ma può sembrare che sotto Chernyshevskij il realismo si fosse già sviluppato come modo di pensiero artistico e non sia necessario svilupparlo ulteriormente. In realtà, sono state sviluppate solo le fondamenta e aggiornare la finitura sarà sempre utile, poiché il corso della vita cambia la percezione delle persone. Andreev, Platonov, Dobychin: tutti descrivevano la realtà, ma la rifrangevano solo attraverso il prisma della percezione emotiva degli autori o dei personaggi. Il linguaggio ha permesso loro di aggiungere un livello di contenuto aggiuntivo alla parte realistica (questo è generalmente caratteristico del “modernismo”). Parte degli sforzi dei modernisti miravano specificamente a modernizzare il realismo - e dopo un centinaio di anni risulta più logico abbandonare il termine modernismo nel valutare la letteratura moderna, riconoscendola semplicemente come una parte del realismo - pur introducendo tale terminologia l’aggiornamento sarà difficile a causa delle tradizioni consolidate. Ad esempio, considera la lingua dello scrittore Vladimir Kozlov. Queste sono frasi tritate, brevi e semplici. Tutto ciò che accade è descritto come se dall'esterno i pensieri dei personaggi non venissero trasmessi, per cui le loro azioni iniziano a sembrare prive di significato e riflessive (e nella maggior parte dei casi lo sono). Allo stesso tempo, Vladimir Kozlov è percepito dai lettori moderni, ovviamente, come un realista puro, anche se negli anni '20 sarebbe stato definito un formalista. Lo stesso si può dire dello scrittore Dmitry Danilov.

Tuttavia, il modernismo fu riconosciuto come altamente artistico anche nella tarda epoca sovietica. I critici moderni delle riviste spesse non cercano di respingerlo, mentre spesso trattano il postmodernismo con cautela, semplicemente come un gioco letterario senza senso che non porta da nessuna parte. In questo contesto, sarebbe interessante considerare il romanzo THE TURN dello scrittore Vladimir Sorokin. Sorokin ha davvero giocato molto con la letteratura; la trama delle sue opere è una sorta di aneddoto o scherzo dettagliato, la cui essenza può essere descritta in un paio di righe. A sua volta, ha anche continuato a suonare: ha deciso di comporre un romanzo solo con i dialoghi. E come sfondo per questa mossa ho scelto un caratteristico fenomeno sovietico: la coda. Ma alla fine si è scoperto che Sorokin non solo è apparso davanti a noi come un vero realista, ma è stato anche in grado di descrivere nel modo più completo e profondo possibile quel fenomeno caratteristico della realtà, di cui nessun realista ideologico ci aveva adeguatamente informato! Allo stesso tempo, il romanzo trasmette molto bene l'impressione emotiva di questa stessa coda. Pertanto, il risultato di un gioco puramente formalista si è rivelato molto utile per i rappresentanti di qualsiasi campo. Questo è il potere dell'arte!

Quindi, abbiamo visto l'influenza più diretta dei formalisti sul realismo, ma non dovremmo dimenticare le interconnessioni tra i vari tipi di arte. Anche nel XIX secolo la letteratura influenzò sia la musica che la pittura: Glinka, THE MIGHTY PICK, the Wanderers... Poi - teatro, architettura, scultura, cinema, azionismo. Le idee nate in un'area dell'arte possono influenzarne un'altra nel modo più vantaggioso, e non solo possono, ma lo fanno costantemente. Ma c’è anche la filosofia e la scienza. E qui non è possibile sapere in anticipo che proprio le scoperte formaliste fatte almeno in letteratura non potranno essere applicate con successo ed organicamente in un altro campo (7). Qualsiasi pensiero umano vivente può produrre ricchi germogli.

Ebbene, non c'è bisogno di parlare del fatto che il realismo non è adatto allo sviluppo di molte idee. Non per niente il critico V.M. Somov ha scritto: “ L'intero mondo visibile e sognante è proprietà del poeta"! Cioè, il RAPPORTO ESTETICO TRA ARTE E REALTÀ nel senso più globale si riduce al fatto che l'arte è un'impressione del mondo esterno, sebbene elaborata nell'oscurità dell'anima di qualcun altro, ma che la riflette specificamente. E quanto più diverse riflessioni prendiamo in considerazione, tanto più accurata sarà l'immagine del mondo reale che potremo tracciare davanti a noi. Così, così...

Pertanto, la logica stessa del processo storico ci dice esattamente l’approccio proposto dalla NET. Perché molte figure hanno provato e cercano di difenderne altre? A causa del mio approccio parziale. Vogliono scartare l'arte che non si adatta ai loro bisogni sociali o politici, alle loro idee sui REQUISITI DEL TEMPO. Una tale negazione delle leggi oggettive dell'arte può essere utile per loro sul momento, ma a lungo termine porterà sempre al crollo delle loro opinioni - beh, se non altro. Dichiarando dannosa qualsiasi arte, vengono privati ​​dell'utilità che potrebbero trarne. E più tardi si scopre che anche questa cosa utile era necessaria.

(5) In questo articolo, nella maggior parte dei casi, considero la musica moderna come un analogo della poesia, concentrandomi sul suo contenuto: la componente testuale e non sulla forma (direttamente musicale). Ma allo stesso tempo, bisogna capire che la musica volgare nel contenuto è quasi sempre presentata in modo volgare - e viceversa, quindi il mio approccio non distorce molto la realtà.

(6) Ho sicuramente questa frase nei miei ricordi, ma non sono riuscito a trovare la fonte della citazione. Spero di non averlo inventato, ma se è così, ne è valsa la pena.

VII

CASI STORICI

Interessante notare anche due episodi legati all'ignoranza/incomprensione della storia dell'arte. Il primo – il già citato crollo dell’Unione Sovietica – richiede qualche spiegazione. Naturalmente, la colpa di ciò non è la negazione del futurismo in sé; essa illustra solo bene il tentativo di rallentare (e non reindirizzare in un'altra direzione) il lavoro del pensiero umano in una varietà di settori a causa di una volgare sottovalutazione. della loro importanza. La tesi che la nuova arte sia INCORPORATA E NON NECESSARIA PER IL POPOLO è assurda, così come sarebbe assurdo vietare la ricerca fondamentale INCORPORABILE PER IL POPOLO, che raggiunge effettivamente le masse, ma indirettamente, attraverso ricercatori pratici, incarnata in varie tecniche , ecc. Da -a causa di questi divieti, la palma Garsha alla fine ha sfondato la cupola della serra, con tutte le conseguenze che ne sono derivate.

Ma allo stesso tempo, è interessante che anche i critici marxisti riconosciuti abbiano sempre capito che è la RETE ad essere corretta, e non l’approccio “marxista”. Ad esempio, Vaclav Vorovsky ha scritto nel suo articolo EVE AND GIOCONDA:

« Ma la critica non può limitarsi alle sole impressioni soggettive: il suo compito è fare una valutazione oggettiva di una determinata opera d'arte, classificarla tra i tesori accumulati della creatività umana e indicare il suo posto tra essi. Ogni opera artistica - la vera opera artistica - rappresenta una certa quantità di energia creativa, accumulata in una certa forma e capace in futuro di servire come fonte di emozioni estetiche, di svolgere quella funzione nell'educazione estetica ed etica della società che spetta al molta arte. Pertanto, riguardo a una nuova opera d'arte, dobbiamo scoprire se essa costituisce un reale contributo al tesoro dello spirito umano, cioè se si trova alla giusta altezza artistica, e, in caso affermativo, se apporta davvero qualcosa di nuovo, o se non nuovo, allora con una nuova illuminazione, una nuova forma, in una parola, qualcosa capace di evocare una nuova serie di idee artistiche, un nuovo insieme di emozioni estetiche. Se è così, allora dovremmo accogliere questo contributo come una preziosa acquisizione; in caso contrario, se la nuova opera è solo una ripetizione, un'imitazione, una masticazione dell'antica, o anche un'espressione peggiore di ciò che è già stato creato, allora dobbiamo rifiutare tale dono e mostrargli il suo posto - tra i surrogati dell'arte».

Nonostante il fatto che Vorovsky sia riuscito a sostanziare la RETE in modo così dettagliato, non ha cercato affatto di seguirla, aggrappandosi all'educazione etica della società. Basta guardare almeno il titolo del suo articolo SUL BOURGEISMO DEI MODERNISTI (in cui attaccava le ricerche innovative dei simbolisti) per capire quanto gli fosse estraneo il principio da lui formulato. Nello stesso articolo EVA E GIACONDA critica lo scrittore Stanislav Przebyshevskij per aver riscritto la sua vecchia opera quasi realista in uno spirito simbolista, “volgarizzandola”. In effetti, Vorovsky avrebbe dovuto sottolineare che Pshebyshevskij, con il suo dramma “Snow”, ha trovato una tecnica innovativa per creare un REMAKE della sua stessa opera (il dramma “For Happiness”, che “Snow” ripete nella trama) in una chiave stilistica diversa. , e gli consigliò di continuare a riscrivere all'infinito il suo dramma per adattarlo a tutti gli stili - allora i discendenti avrebbero avuto davanti a loro una divertente enciclopedia concettuale delle tendenze alla moda nella letteratura dell'inizio del XX secolo. Se Vorovsky avesse dato un consiglio del genere e Pshebyshevskij lo avesse seguito, allora la fama di Pshebyshevskij sarebbe ovviamente molto più grande ora. Leggerei una serie del genere con molto interesse!

Penso che sarebbe possibile fare una vasta selezione di citazioni simili da parte della critica sovietica, che giustificherebbero una nuova teoria estetica. A volte i critici hanno cercato di portare avanti questo punto di vista consapevolmente, a differenza di Vaclav. Ad esempio, durante il THAW, Vladimir Mikhailovich Pomerantsev ha scritto un articolo SUL SINCERO NELLA LETTERATURA, in cui ha affermato in modo abbastanza semplice e chiaro: “ I critici dovrebbero valutare il ruolo del libro nella letteratura, quali novità apporta rispetto a quelle precedenti" In generale, l'approccio NET è così naturale che qualsiasi scrittore ha dovuto essere d'accordo su di esso in un modo o nell'altro - nessun singolo critico ha osato negare il valore del NUOVO, e solo un atto di equilibrio mentale, associato a una visione ristretta o COMPITI DI IL TEMPO, ha permesso loro di inventare nella pratica ragioni per negare le innovazioni.

Questo è il primo, tragico incidente. Ma ce n'è anche uno comico! Lo illustrerò usando l'esempio del punto di vista di alcuni miei contemporanei. Tra questi, si trova spesso il seguente modello di pensiero: guarda la storia dell'arte, quali grandi persone ci sono: Pushkin, Gogol, Goncharov, Turgenev! Sono popolari adesso, il che significa che erano ovviamente popolari allora. Ma tra gli scrittori moderni conosco Pelevin, Akunin, Bykov e Prilepin. Dal momento che sono popolari, significa che passeranno sicuramente alla storia! Inoltre, ci sono già! Non ci possono essere dubbi, quindi qualsiasi attacco critico contro di loro è semplicemente un malinteso delle leggi oggettive! E anche l'invidia! Come se la caverà la storia senza ZEMFIRA, il gruppo SPLIN e OXYMIRON?

Le persone che la pensano in questo modo si trovano in una posizione completamente vantaggiosa. Non sospettano che la popolarità dei classici non sia stata affatto uniforme; Pushkin, Gogol, Turgenev e Goncharov alla fine della loro vita persero una parte significativa della loro influenza sul pubblico (quest'ultimo, ad esempio, morì di raffreddore all'età di 79 anni perché rimase completamente solo - non c'era nessuno per prendersi cura delle cure), e accanto a loro c'erano burattinai di grande successo, Bulgarin, Senkovsky e Boborykin. Allo stesso tempo, è stato il lavoro instancabile e ispirato dei critici, che hanno ripulito le cose inutili dalla letteratura e lodato gli autori degni, che ha contribuito al fatto che i classici rimanessero per secoli. Se apri le opere raccolte di Belinsky o Dobrolyubov, puoi solo rimanere stupito da ciò che una serie di nomi sconosciuti di scrittori insignificanti di quel tempo lampeggia davanti ai tuoi occhi. Ma la persona non lo sospetta, ed è inutile per lui nominare nomi dimenticati: come potrebbero questi autori essere popolari se non ne avesse sentito parlare? Tutto è come sbattere contro il muro! Così la gente legge con interesse i loro neo-Boborykin e Kukolnikov 3000(8). Anche se, sembrerebbe, sarebbe molto più logico adottare l'esperienza dell'antichità e ripulire immediatamente tutta la spazzatura, concentrandosi non sulla popolarità degli autori, ma sul loro valore artistico - nella comprensione che ho dato sopra.

(8) Ad esempio, è stata proprio questa logica a guidare un certo Andrei Korobov-Latyntsev quando scriveva il suo libro “Russian Rap. Saggi filosofici".

VIII

GIUSTIFICAZIONE PSICOLOGICA

Il culturologo sovietico A.V. Kukarkin, introducendo i lettori alle opere dei pensatori borghesi, ha parlato di Eduard Shils(9), che divideva la cultura in alta, media e bassa. Riguardo al primo, Shils ha scritto questo:

« La gamma della cultura "superiore" comprende i migliori esempi di poesia, romanzi, filosofia, teorie e ricerche scientifiche, scultura, pittura, opere teatrali (il loro testo e la loro esecuzione), composizioni musicali (e la loro esecuzione), storia, economia, sociale e politica analisi, architettura e opere d'arte applicata"(è interessante notare che ha definito quest'ultimo come segue: " Al terzo livello c'è la cultura “inferiore”, le cui opere sono elementari. Alcuni di essi hanno forme di genere della cultura “media” e perfino “superiore” (incarnazione visiva o plastica, musica, poesia, romanzi, racconti), ma questo include anche giochi e spettacoli (pugilato, corse di cavalli), che hanno espressività diretta e contenuto interno minimo».)

È caratteristico che in questa serie abbia incluso non solo aree che richiedono uno sviluppo “creativo”, ma anche esclusivamente mentali e scientifiche. Pertanto, per comprendere la mia idea, propongo di immaginare inizialmente qualsiasi creatore come un pensatore. Il Creatore si pone un nuovo compito importante e poi fornisce la sua soluzione. La soluzione richiede uno sforzo mentale significativo. Quando il percettore conoscerà la soluzione, vedrà la BELLEZZA DEL PENSIERO e gli verrà trasferita una CARICA CREATIVA DI ISPIRAZIONE! Se l'idea inizialmente era volgare e la soluzione del problema richiedeva solo determinate abilità tecniche, allora il percettore attende solo delusione. Il termine BELLEZZA DEL PENSIERO si adatta molto bene a questo modello, perché è noto che gli scienziati percepiscono le teorie scientifiche da questo punto di vista. Qualsiasi soluzione di talento a un problema li delizia e li ispira a fare il proprio lavoro, anche se non possono applicare nel loro campo le tecniche specifiche utilizzate dal suo autore per risolvere il problema.

Sfortunatamente, la bellezza scientifica per i comuni intenditori d'arte, di regola, rimane inaccessibile. I creatori non sempre risolvono consapevolmente i problemi, ma agiscono sotto l'influenza dell '"ispirazione" e in modo intuitivo. Tanto meglio per loro! Un approccio intuitivo può permetterti di affrontare cose che sarebbero quasi impossibili da raggiungere mentalmente. Dopotutto, in quale altro modo Lautréamont diventerebbe il fondatore del postmodernismo? E quasi tutta l’innovazione formale, quella che di solito viene chiamata “estetica”, viene solitamente creata in modo intuitivo. Ricorda Leonid Andreev, Louis Celine, Boris Usov!

Per chiarire la mia posizione, vorrei citare Andreev, più precisamente, la sua storia specifica chiamata PENSIERO. Lì, un certo dottore Kerzhentsev decise che avrebbe potuto ingannare tutti con l'aiuto della sua mente eccezionale. Un vecchio amico una volta gli rubò una donna, e il dottore decise di ucciderlo per questo, e poi di fingere la follia per rimanere impunito. Dopo aver agito diversi attacchi di follia, ha commesso un omicidio ed è andato in un manicomio per essere esaminato. Lì decide di rivelare le carte e raccontare con quanta astuzia ha ingannato tutti, ma i medici non gli credono. Il dottore inizia a cercare di capire se stesso, il pensiero risuona nella sua testa: “ Il dottor Keržentsev pensava che fingesse di essere pazzo, ma in realtà è pazzo" La situazione e la confusione nella sua testa lo stanno portando alla disperazione! Egli giunge alla conclusione: " Il pensiero vile ha tradito me, colei che ci credeva e lo amava così tanto" Kerzhentsev non è mai riuscito a trovare una via d'uscita da questo labirinto della coscienza; abbassò le mani. Andreev ha progettato questa storia nel migliore dei modi, come gli appunti di un medico, in cui descrive ciò che sta accadendo e conduce un monologo con se stesso, discutendo della possibilità della follia. Una creazione meravigliosa, eccezionale! Leonid Nikolaevich ha intuitivamente raffinato il razionalismo in lui in modo tale che un altro autore avrebbe dovuto scrivere un intero ardente trattato filosofico per un risultato simile. Ma proprio perché il pensiero umano non è veramente onnipotente, sono invariabilmente pieno di gioia per ciascuna delle sue nuove conquiste – artistiche o scientifiche! Questo approccio mi sembra molto naturale e consiglio di usarlo anche tu.

Ma dobbiamo capire: il fatto che molte figure creino intuitivamente non impedisce minimamente che siano valutate dall'esterno come pensatori. La persona che percepisce, ovviamente, può impegnarsi nell'analisi per cercare di comprendere le caratteristiche dell'approccio dell'autore, ma in senso globale non c'è differenza per lui: è difficile entrare nella testa di un'altra persona, il risultato di questo la penetrazione potrebbe rivelarsi errata, e ciò non influirà in alcun modo sulla creazione stessa: se porta in sé qualcosa di veramente nuovo, allora risulta essere bella, e quasi nessuno vorrebbe arrivare fino in fondo se la volgarità è stata creata intuitivamente o mentalmente.

È interessante notare che Pisarev ha tracciato un'analogia tra scrittura e creatività scientifica anche nella sua polemica con il defunto Belinsky. Vissarion Grigorievich ha dichiarato: “ Che trucco sarebbe diventare un poeta e chi non potrebbe diventare un poeta per bisogno, profitto o capriccio, se per questo fosse solo necessario inventare qualche idea e comprimerla in una forma inventata? No, non è così che fanno i poeti per natura e per vocazione!" Pisarev ha risposto dimostrando: “ In effetti, tutte le opere poetiche vengono create esattamente in questo modo: la persona che chiamiamo poeta ha un'idea e poi la comprime in una forma inventata." Il problema è che sia inventare che inserire è un processo molto complesso, non accessibile a tutti. Sfortunatamente, la dimostrazione di Dmitry Ivanovich occupa due pagine; Lo inserirei volentieri qui, ma temo che il lettore mi maledirà per questo, quindi suggerisco agli interessati di rivolgersi autonomamente al secondo capitolo della seconda parte dell'articolo PUSHKIN E BELINSKY. Dopo averlo letto, capirai che un approccio generalizzante a tutti i creatori come pensatori sembrava naturale 150 anni fa (l'articolo di Pisarev risale al 1865).

Penso che la naturalezza e la fecondità dell'approccio con cui ogni creatore viene percepito dall'esterno come un pensatore sia stata da me sufficientemente dimostrata. Ma difficilmente considererai una persona che ripete invariabilmente solo generalità come un pensatore.

(9) Kukarkin ha fatto riferimento al suo articolo tratto dal libro “Mass Culture Revisited”, 1971.

IX

MOTIVAZIONE DELL'OBIETTIVITÀ

Un vantaggio importante della nuova teoria estetica è la sua oggettività. Chiunque può giungere alle stesse conclusioni riguardo al primato di alcune opere d'arte e alla secondarietà di altre. Per fare questo, ha solo bisogno di familiarizzare con ampi strati d'arte, tenendo conto del tempo della loro creazione, e iniziare a confrontare attentamente quali idee sono state sviluppate prima, quali sono state prese in prestito da altri, ma allo stesso tempo sviluppate, e che sono stati presi in prestito stupidamente. È chiaro che se solo la creatività popolare contemporanea, cioè quasi ovviamente secondaria, rientra nel campo informativo di una persona, allora sarà difficile comprenderne l'insignificanza: è necessario lasciare il solito circolo, rivolgersi alla storia dell'arte, ecc. Ad esempio, dopo aver studiato un certo ampio strato di musica nazionale e straniera, non potrà più sospettare che l'intero repertorio della NOSTRA RADIO abbia scoperte nel contenuto o nella forma. E questo illustra molto bene la trappola psicologica in cui cadono le persone quando usano la frase SUL GUSTO NON C'È DISCUSSIONE SUL GUSTO. Se dicessi che IL PESO DELLE COSE NON È CONTESTATO PERCHÉ LA SENSAZIONE DEL PESO È SOGGETTIVA, allora mi guarderesti come un cretino: dopotutto puoi sempre mettere una cosa sulla bilancia e scoprire quanti chilogrammi contiene. Eppure, se prendiamo due persone diverse, una può chiamare un oggetto pesante e l'altra leggero. Per rendere “leggero” un oggetto “pesante” per la prima persona, è necessaria una certa preparazione fisica. La situazione con l'arte è completamente simile: affinché la creatività "facile" smetta di sembrare "bella" a una persona, avrà bisogno di una formazione estetica - uno studio attento di alcuni strati dell'arte. Solo così il soggettivo diventerà oggettivo! Naturalmente, molte persone non pensano di aver bisogno di allenamento fisico: hanno altro da fare. Perché sollevare oggetti “pesanti”? Questo non aumenterà il tuo stipendio! E il fatto che dall'allenamento fisico il loro corpo diventerà più sano, acquisirà più forza e saranno in grado di svolgere il loro lavoro in modo più produttivo, a seguito del quale il loro stipendio potrebbe aumentare, è loro sconosciuto. Grazie a queste considerazioni, l'affermazione SUL GUSTO NON DISCUTE assume un nuovo significato: così come sono assurdi i dibattiti su quale oggetto sia più pesante, è altrettanto stupido negare che la creatività secondaria e volgare sia secondaria e volgare.

Tuttavia, in un impeto di ispirazione polemica, ho leggermente distorto la situazione. Le innovazioni si misurano non su scale, ma su analisi, e per la teoria estetica sarà necessario introdurre una sorta di assiomatica, perché è strutturata in modo più intuitivo. L'assiomatica suonerà così: se nessuna persona vivente potesse dimostrare in modo convincente che qualsiasi lavoro non è secondario, allora lo considereremo secondario e insignificante. Se c'è un critico che riesce a trovare qualcosa di nuovo e di prezioso in un'opera (così nuovo che la sua ripetizione è possibile solo con l'aiuto di un vero lavoro mentale, e non solo un insieme di abilità che potrebbero essere insegnate a una scimmia), lo faremo considerare questo lavoro come un criterio NET soddisfacente e vedere in esso la BELLEZZA DEL PENSIERO. Ciò preserverà l’obiettività dell’intera teoria.

Tutto questo è meraviglioso, ma il lettore che ama sinceramente gli autori di opere mediocri rimarrà probabilmente con la domanda: cosa dovrebbe fare? Esplodere o cosa? Ha padroneggiato una NUOVA TEORIA ESTETICA, ma è in conflitto con le sue abitudini. Niente potrebbe essere più facile! Non gli resta che cambiare punto di vista e organizzare un monologo interiore: "Mi piace molto Zemfira, ha cantato con tanta passione dell'amore infelice, della sensazione di perdersi... Ho anche sperimentato l'amore infelice, Zemfira risuona perfettamente con i miei sentimenti, quindi Mi piace ascoltarla. Ma ora ho capito che questo è davvero volgare. Milioni di autori avevano già scritto sugli stessi sentimenti e alcuni di loro erano ancora più originali. E comunque, cosa voglio dalla musica? Amore infelice: sì, c'è, ma è questo il mio sentimento principale? Dovrei collegare il resto della mia vita con lei, o forse sono capace di qualcosa di più? E voglio che la creatività che assorbo non mi sviluppi affatto, ma risuoni solo con alcune delle mie decadenti aspirazioni spirituali? Zemfira, ovviamente, è assolutamente incapace di svilupparmi a causa della sua natura secondaria. Quindi forse dovrei rivolgermi a quegli artisti che possono davvero darmi nuove idee e dare alla mia vita una direzione più significativa? Da chi posso prendere in prestito indizi almeno approssimativi su dove va questa traccia? Cosa mi aiuterà a svilupparmi piuttosto che addolorarmi inutilmente? Forse questo aiuto non risiederà nemmeno nello stato d'animo che trasmettono, ma nel coraggio dei loro pensieri, adottando i quali non potrò trovare con meno audacia la mia vera strada? Del resto, anche se è bello ascoltare Zemfira, se la ascolto cinque, dieci volte, se ascolto migliaia di artisti che trasmettono cose altrettanto ovvie, la mia vita cambierà? No, per niente. Ciò significa che il mio legame emotivo con lei è stato un errore, e preferirei ascoltare IL PACCHETTO DI LENIN: mi aiuteranno sicuramente a ritrovare me stesso, mi daranno almeno alcuni indizi e non solo mi verseranno addosso un secchio di verità e banalità. " E non posso che essere d’accordo con il ragionamento di questo lettore.

X

MOTIVAZIONE PRATICA

È piuttosto strano includere questo punto in questo articolo: è chiaro che la fedeltà della teoria non dipende in alcun modo dalla sua utilità pratica. Se fosse vero, dovremmo fare i conti con la sua nocività. Ma chiuderò gli occhi su questo e spiegherò comunque il mio punto di vista, perché il riconoscimento di questa teoria può salvarci da NOUBROW e dalla bancarotta mentale che ha colpito il signor SEABROOK, così come da quegli incidenti comici che screditano il lavoro delle pubblicazioni moderne che riflettono il processo culturale.

Dopotutto, qual è la logica di NOUBROW? Anche dal titolo esteso su CULTURA DEL MARKETING e CULTURA DEL MARKETING si evince la tesi: CIÒ CHE È POPOLARE È BENE. Ma come fa un prodotto culturale a diventare popolare? Per “decollare” deve, in primo luogo, essere potenzialmente popolare, cioè contenere elementi di intrattenimento e accessibilità per l’ascoltatore/spettatore di massa, e in secondo luogo deve essere promosso attraverso il marketing. È chiaro che la promozione in realtà non ha nulla a che vedere con il valore culturale dell'opera, mentre gli elementi di intrattenimento la volgarizzano inevitabilmente. Perché? Sì, perché tutti gli schemi di intrattenimento sono noti e molto semplici. Per creare azione, viene utilizzato lo stesso eterno insieme di tecniche, la cui ripetizione ti fa semplicemente ammalare. Tutti questi collegamenti della trama, epiloghi, svolte “inaspettate” e momenti di suspense sono già noti fin nei più semplici schemi matematici. Seguirli è un’attività anti-creativa. Per realizzare un prodotto pop, devi solo studiare questi schemi nudi e banali e poi aggiungere loro carne banale: il prodotto è pronto. Pertanto, in ogni fase della creazione di tali prodotti, all'autore è richiesto solo di indirizzare il suo pensiero verso modelli, attenuarlo e non svilupparlo. La popolarità della creatività moderna suggerisce ALTAMENTE che l'autore abbia fatto ricorso alla volgarizzazione. Ma perché il CREATORE dovrebbe impegnarsi nella volgarizzazione? Ovviamente il vettore delle sue ambizioni dovrebbe essere diretto nella direzione opposta! Se una persona ha concetti di bellezza, non spingerà mai consapevolmente la bellezza in cornici brutte. Spingere è possibile solo se una persona ha un vero talento intuitivo, ma allo stesso tempo manca completamente di pensiero critico. Ci sono pochissime persone del genere: di solito solo le mediocrità sono così senza scrupoli. Pertanto, la popolarità di qualsiasi creatività o prodotto creativo dovrebbe prima di tutto allarmare sia il critico che l'ascoltatore. Dopo aver ricevuto un segnale così allarmante, deve analizzare l'opera due volte, tre volte attentamente - e nella stragrande maggioranza dei casi, dopo l'analisi, scoprirà davvero che davanti a lui c'è un surrogato indifeso. E lo manderà nella pattumiera della storia dell'arte.

In generale, NET nega completamente l'attuale triste approccio alla cultura, permettendole di purificarsi da qualsiasi attività di marketing e anti-creativa! Dopo averlo utilizzato, i creatori dovranno PENSARE davvero e non FALSO! Infine, solo ciò che è veramente arte sarà considerato arte.

Per illustrare questa conclusione, farò una digressione dalla musica e dalla letteratura e analizzerò, ad esempio, il film THE MATRIX, che molti spettatori indiscriminati hanno riconosciuto come semi-intellettuale. Con quale standard dovremmo affrontarlo? Forse contiene un'interessante psicologia umana? Ma no, tutti i personaggi risultano molto stereotipati, come si suol dire, EPICI. Anche se si evolvono, quindi lungo gli stessi sentieri battuti, Neo ripete il percorso quasi di ILYA MUROMETS. Ciò significa che gli standard del realismo non sono applicabili qui. Ulteriore. È chiaro che non sarà possibile scoprire alcuna rivelazione nemmeno nel LINGUAGGIO FILMATO del film: inquadratura, illuminazione, lavoro con i colori, montaggio: tutto ciò corrisponde ai soliti modelli hollywoodiani. Inoltre, la narrativa "seria" del film viene periodicamente interrotta da scene divertenti di inseguimenti, battaglie, sparatorie e battaglie su larga scala, schematicamente e accuratamente stipate nel tempo. Quindi, almeno qualcosa di nuovo il film potrebbe dire o nel quadro di FILOSOFIA o nel quadro di DISTOPIA. Ma il primo è serio? Penso che anche i fan più devoti del film non oseranno chiamare le SORELLE WACHOWSKI almeno un po 'ricchi filosofi e sospettarli di alcune, anche le più minime, scoperte in questo settore. Ma in termini di distopia... Naturalmente, non hanno copiato nulla di vecchio in uno solo, ma hanno chiaramente costruito la realtà di MATRIX semplicemente mescolando vecchie scoperte e modelli. Se c'è qualcosa di nuovo nel film, è solo qui, ma il nuovo è minimo, e non sarà possibile riconoscere il film come UN'OPERA ECCEZIONALE non sullo sfondo del trash artigianato hollywoodiano, ma sullo sfondo di opere sensate dell'arte. E i registi che hanno dato un contributo così minore alla cultura meritano di essere riconosciuti come intellettuali? Difficilmente!

XI

PROFESSIONALITÀ NELL'ARTE

Sullo sfondo del capitolo sulla GIUSTIFICAZIONE PRATICA, vale la pena discutere due argomenti: professionalità nell'arte e sincerità nell'arte. Cominciamo con il primo.

I pensatori antichi insistevano sul fatto che il lavoro gioca un ruolo quasi maggiore nella creatività rispetto al talento. Thomas Edison ha detto: " Il segreto del genio è il lavoro, la perseveranza e il buon senso." Goethe: " Il genio è per l'1% talento e per il 99% lavoro" Anton Cechov: " Il talento è prima di tutto lavoro" Puoi trovare molte citazioni simili e di solito sono interpretate nel senso che la professionalità è importante per un genio. Che triste errore! Se queste affermazioni parlano di professionalità, allora solo della PROFESSIONALITÀ DEL PENSATORE; non per niente anche lo scienziato rientra in questa categoria. Imparare a pensare è un lavoro duro, ma è del tutto possibile farlo. La professionalità è solitamente intesa proprio come un'attività anti-creativa: la capacità di adattare sconsideratamente la propria creatività agli stupidi canoni popolari esistenti. Naturalmente, nel caso del realismo nella sua accezione più alta, non è così: è impossibile trasmettere la psicologia delle persone senza comprenderla. Ma imparare a produrre rime doppie è solo questione di pratica, la mente riposa. Ma questa pratica, che chiamiamo PROFESSIONALITÀ NELLA COMPRENSIONE QUOTIDIANA (in breve, PROFESSIONALITÀ QUOTIDIANA), ha qualche ruolo? Certo che lo fa, ma è molto limitato. Vale la pena valutarlo così.

Supponiamo di essere riusciti a introdurre un criterio comparativo oggettivo per l'innovazione. Lascia che sia discreto! E cinque punti: questo lavoro contiene un'idea nuova, ma abbastanza ovvia: a differenza di miliardi di mestieri che non contengono nulla di nuovo, saremo comunque interessati a questo e lo classificheremo 1, non 0. Ma abbiamo qualcosa di completamente rivoluzionario! Ad esempio, Kruchenykh. Le sue poesie ottengono 5. Moderatamente rivoluzionarie - 3 (Burliuk, Kamensky). Forte svolta - 4 (Khlebnikov). Sfondamento debole - 2 (Majakovskij). Inseriamo Livshits 0, Goltsschmidt - 3, Semenko - 4. Ma cosa fare con la professionalità in questo schema? Ovviamente dategli una seconda scala, la scala decimale! Quindi Mayakovsky avrà 2,9 contro 3,2 di Burliuk e 3,6 di Kamensky, e Khlebnikov avrà 4,3 contro 5,9 di Kruchenykh! È chiaro che in realtà è difficile valutare i talenti in modo così accurato, ma, soprattutto, il rapporto tra questi talenti è stato determinato correttamente! La conclusione principale di questa scala, che non esiste nella sua forma pura, risulta essere del tutto reale: la professionalità quotidiana non ti permetterà mai di saltare sopra la testa e 0,9 rimarrà sempre inferiore a 1,0. La stupidità più professionale non supererà mai un nuovo arrivato di talento. Tutti i prodotti pop su questa scala rientrano nell'intervallo 0,5< x<1. Только на таком говне можно зарабатывать сегодня, когда все шаблоны для псевдоискусства уже окончательно сложились! Выше 1 продать будет уже очень трудно, к такому слушатель не привык! Такое творчество сможет попасть в ротацию только по глубокому недосмотру.

Quindi, abbiamo capito come PENSIERO e PROFESSIONALITÀ QUOTIDIANA sono correlati. Ma come sono allora legati il ​​talento e il lavoro sulla PROFESSIONALITÀ PENSANTE? Questa domanda, sebbene non correlata all'argomento NET, sorge qui da sola, perché consideravo i futuristi non come persone creative in via di sviluppo dinamico, ma come risultato del loro intero percorso di vita! Ho pensato a lungo a questa domanda e sono giunto ad alcune conclusioni; La risposta sembra interessante e degna di pubblicità. Ma prima, un'analogia. Uno studente della scuola padroneggia la fisica con facilità, mentre un altro la trova molto difficile. Ne consegue che il primo ha maggiore talento nel campo in questione. Tuttavia, dopo la scuola abbandona la fisica e diventa, ad esempio, un viaggiatore. Il secondo, a causa delle circostanze attuali, continua a studiare fisica e anni dopo raggiunge in questa scienza vette tali che risultano irraggiungibili per il primo. Attraverso il lavoro sistematico, divenne un fisico più talentuoso. Ciò significa che il talento è un certo COEFFICIENTE DI AZIONE UTILE insito in una persona, con il quale acquisisce conoscenza in qualche ambito. Una persona con un fattore di efficienza pari a 0,1 dovrà impiegare cinque ore per acquisire le stesse competenze che una persona con un fattore di efficienza pari a 0,5 acquisirà in un'ora. Tuttavia, con il progredire della vita, questa efficienza può cambiare: con il lavoro costante aumenterà e, in assenza di tale lavoro, diminuirà. È molto probabile che sarà più facile per il nostro fisico padroneggiare da zero qualche nuova branca della fisica che per un viaggiatore. E anche la chimica, perché le stesse capacità di pensiero generale vengono applicate in molti settori della scienza e della vita! Il viaggiatore difficilmente li ha ricevuti, a meno che, ovviamente, non si sia interessato all'etnografia, alla statistica, ecc. È così che le persone sviluppano il PENSIERO PROFESSIONALE. Tuttavia, se il primo studente avesse dedicato tutta la sua vita alla fisica, avrebbe raggiunto livelli tali che il secondo studente non avrebbe potuto raggiungere. Quindi, dal mio punto di vista, il talento è l'efficienza inerente a una persona, che cambia dinamicamente sotto l'influenza delle circostanze della vita.

Ed ora torniamo alla nostra PROFESSIONALITÀ QUOTIDIANA nell'art. È importante capire che questa è un'arma a doppio taglio! La pratica dimostra che un'eccessiva preoccupazione per tale professionalità può avere un effetto opacizzante su una persona e l'adattamento sconsiderato del proprio talento ai formati esistenti spesso porta alla degenerazione del talento. Torniamo ancora una volta al cinema. È noto che molti paesi stanno cercando di imitare i film di Hollywood. Ma gli autori e gli spettatori non sempre capiscono che l’imitazione fallita è la forza di un film, non la sua debolezza. Ci sono anche molti dipinti senza volto lì! Avendo imparato a imitare, otteniamo dei NIGHT WATCH senz'anima, mentre imitando in modo inetto otteniamo meravigliosi film d'azione del periodo della perestrojka, profondi ed esistenziali. In loro, la realtà russa irrompe da sola, ed è per questo che oggi sono guardati con interesse. Come le imitazioni di qualsiasi altro paese, sono bellissime con il loro sapore nazionale.

Lo stesso vale in altri settori. È noto che gli esordi creativi di molte persone risultano molto più interessanti dei loro lavori maturi. Quanti musicisti sono degenerati dopo le loro prime registrazioni! Di solito, i critici spiegano questo fenomeno con una certa "ingenuità" e "spontaneità infantile" delle prime esperienze, di cui vengono privati ​​durante le costanti attività creative. Questo non è del tutto vero. In effetti questi primi esperimenti erano più professionali! Solo questa era la professionalità dei pensatori intuitivi. Non per niente Alexey Koltsov ammirava le canzoni popolari! Non per niente Alexei Kruchenykh è stato il primo in Russia a pubblicare un libro con poesie e immagini per bambini, presentandolo come vera creatività, non per niente i fratelli Zdanevich hanno scoperto Pirosmanishvili, che oggi è diventato l'artista georgiano più popolare e riconoscibile , e gli artisti d'avanguardia occidentali dell'inizio del XX secolo erano attivamente interessati a vari primitivi africani e imparavano da loro! Ciò che abbiamo studiato non era PROFESSIONALITÀ QUOTIDIANA! Ma quando una persona non comprende il reale valore della sua creatività e cerca di imitare le sue mediocrità pop preferite, stupindosi con la pratica costante della professionalità quotidiana, il degrado creativo è inevitabile.

Lo stesso si può dire dell'ascoltatore. Dopo essersi abituato alla musica di QUALITÀ, aver acquistato un sacco di attrezzature costose e aver installato un potente sistema di altoparlanti in giro per casa, lui, ovviamente, si libererà dall'ascolto di musica non registrata in uno studio e si ritroverà nella ridicola posizione di una persona che legge libri solo in edizioni regalo. La registrazione in studio richiede solo investimenti finanziari da parte del musicista e non talento. Una limitazione degli orizzonti così insensata non avrà conseguenze positive per l'ascoltatore, ma solo negative. Se la registrazione del suono fosse esistita all'inizio del XIX secolo, allora Alexei Koltsov probabilmente avrebbe strimpellato le sue poesie con una chitarra (10), guidato le mucche nei campi e registrato su un registratore economico. Ciò renderebbe il suo lavoro meno bello, anche rispetto ad altri poeti-musicisti che hanno più mezzi finanziari per registrare? Ovviamente no. Un moderno amante della qualità potrà ammirare i primi album degli STRAW RACCONS? Certo che no: li spegnerà con rabbia dopo 10 secondi, poiché sui suoi sette altoparlanti suoneranno in modo terrificante, a differenza del gruppo LINKIN PARK. Quindi non è necessario abituarsi alla qualità quando hai l’opportunità di abituarti alla BELLEZZA. Per coloro che si sono già abituati a non farlo, posso solo consigliare di realizzare un dialogo nella loro testa, simile al dialogo di un lettore che ama ZEMFIRA.

(10) Il poeta Arkady Kutilov ha fatto proprio questo!

XII

SINCERO NELL'ARTE

Un altro approccio con cui spesso si cerca di separare la vera arte da quella costruita per la vendita sono i giudizi sulla sincerità dell'artista, l'APPROCCIO EMOZIONALE. A volte funziona, ma in generale risulta essere molto traballante e soffre di soggettività. Dopotutto, OXYMIRON è riuscito a convincere i suoi ascoltatori della sincerità, anche se l'unica cosa che voleva veramente con tutta la sua anima era vendere loro i suoi mestieri e poi batterli nel cioccolato. Ma anche la vera sincerità non è sempre sufficiente! Se un bambino ricorda la tavola pitagorica, è molto felice del suo successo e inizia a vantarsene con entusiasmo davanti agli adulti, recitandone singole righe memorizzate - allora questo, ovviamente, causerà affetto, ma un adulto non sarà in grado di imparare qualsiasi informazione per il proprio sviluppo da parte del bambino.

Ma la sincerità può essere diversa. Le persone sono già abituate al fatto che un attore recita in un film, e non identificano un personaggio cinematografico con chi interpreta un ruolo nella vita reale; non verrebbe loro nemmeno in mente di attribuire, ad esempio, le parole di un CATTIVO ad un attore. Inoltre, criticheranno l'attore se non riesce ad abituarsi al ruolo e a recitare le sue battute con sufficiente sincerità, anche se il significato di queste battute sembra loro terribile! Ma con la musica non ha funzionato: non esiste una tradizione che distingua l'eroe lirico dall'autore-esecutore e le parole dell'esecutore, di regola, sono prese alla lettera, sebbene i musicisti spesso usino lo stesso approccio recitativo, costruiscano un'immagine, ecc. Tuttavia, anche se l'ascoltatore capisce che c'è un'immagine davanti a lui, crede che l'autore approvi il suo eroe. In letteratura questo non accade una volta ogni tanto. Anche se l'autore racconta in prima persona, l'eroe può essere sia distinto dall'autore che identificato con lui, a seconda delle impressioni personali del lettore e delle informazioni aggiuntive a lui note. Come si può giudicare la sincerità di un artista dai suoi dipinti? Sconosciuto.

Una persona che vuole diventare famosa o arricchirsi attraverso la sua creatività è considerata insincera con un APPROCCIO EMOZIONALE. Ma anche qui ci possono essere situazioni diverse. Uno penserà che per guadagnare è meglio farlo in modo comprovato, imitando gli artisti popolari esistenti, e l'altro penserà che le persone sono stanche delle cose vecchie e, per accontentarle, devi inventare qualcosa nuovo e interessante. Senza precedenti! È più facile distinguersi in questo modo! Se ha anche talento, il risultato potrebbe essere interessante.

Di conseguenza, arriviamo alla conclusione che l'APPROCCIO EMOZIONALE può aiutare solo in rari casi speciali e su di esso non è possibile costruire alcuna divisione fondamentale dell'arte. Troppa psicologia che non è rilevante. Ma questo può essere evitato modificando leggermente l’approccio utilizzando il vecchio metodo. Se i creatori si presentano davanti a noi come pensatori, allora la loro sincerità diventerà la SINCERA DEL PENSATORE - cioè il desiderio di dire qualcosa di nuovo, e la valutazione dall'esterno porterà nuovamente al fatto che non abbiamo nemmeno bisogno di stabilire se avevano davvero un tale desiderio o hanno trovato qualcosa di nuovo intuitivamente. Questo conflitto è stato facilmente risolto.

XIII

ANCORA UNA VOLTA ALTA

Può sembrare che anche la divisione precedentemente proposta dallo scienziato culturale occidentale Edward Shils in arte alta, media e bassa abbia permesso di ottenere esattamente gli stessi risultati di NET. Dopotutto, nessuna volgarità completa potrebbe salire al rango di arte alta: può essere solo popolare, ma non alta. Allora perché è stato necessario introdurre qualche nuova gradazione?

La risposta è semplice: basta ricordare ancora una volta il fallimento mentale dello stesso signor SEABROOK. Amava così tanto l'arte ALTA che non poteva permettersi di seguire nient'altro, né “basso” né “medio”. Di conseguenza, si staccò completamente dal tempo, e questa separazione portò alla delusione per il nichilismo ALTO ed estetico: era pronto ad amare qualsiasi "arte" purché sembrasse "rilevante", indipendentemente dal suo valore culturale. E il processo del suo degrado, purtroppo, risulta essere molto naturale. Questa è esattamente la stessa NEGLIGENZA DEL CONSIGLIO AL FUTURISMO: la radice di questi “neurubons” è la stessa: un malinteso delle leggi oggettive della bellezza nell'arte, un malinteso della NUOVA TEORIA ESTETICA. E penso che la radice di questo malinteso risieda nella frase LA FORMA È CONTENUTO, MA IL CONTENUTO È FORMATO.

Più precisamente, non da esso, ma dalla sua interpretazione specifica. LA FORMA È CONTENIBILE E IL CONTENUTO È PROGETTATO. Cosa potrebbe esserci di più vero? Tesi meravigliosa! Suggerisce direttamente una conclusione: qualsiasi esperimento formalista è significativo. Creando una nuova forma, l'autore crea anche un nuovo contenuto, poiché è significativo e devi solo essere in grado di comprenderlo con l'aiuto dell'analisi critica. D'altra parte, eventuali nuove opere significative saranno decorate in qualche modo e, poiché contengono contenuti di valore (come nel naturalismo), il loro design giocherà un ruolo secondario. Indipendentemente da quanto l'autore abbia acquisito capacità di scrittura professionale, se ha qualcosa da dire, vale la pena ascoltarlo. Una visione molto valida, completamente coerente con NET!

Ma come interpretano questa frase gli artigiani? Lasciate che vi faccia un esempio. Leggendo gli articoli del critico Alexander Ageev, mi sono imbattuto nella seguente situazione: rivedendo una nota di un certo Nikolai Pereyaslov, JUSTIFICATION OF POSTMODERNISM, Ageev è rimasto affascinato dalla frase: “ Da un lato della nostra moderna letteratura russa vediamo le vele della FORMA letteraria nuove di zecca, adattate con inventiva, ma mollemente cadenti, e dall'altro sentiamo le raffiche del vento del CONTENUTO, che sta diventando sempre più forte, ma non riesce a trovare un'applicazione per la sua forza." e ha commentato così: " Purtroppo, noi lettori conservatori con un'istruzione universitaria, a cui in epoca sovietica è stato insegnato che la forma è significativa e il contenuto è formalizzato, non possiamo tenere il passo con l'innovatore Pereyaslov" Vedendo che un critico che rispetto diceva queste sciocchezze, sono caduto in uno stato di torpore (11). Pensavo che per scopi polemici fingesse di non capire le parole di Pereyaslov, sebbene il loro significato fosse ovvio per un bambino. Ma poi ci ho pensato e ho capito che il problema era più profondo. Naturalmente conoscevo la tesi generale sulla formalità, ma non ne avevo studiato le interpretazioni dettagliate e ho deciso di indagare su come, con l'aiuto di un assurdo atto di bilanciamento scientifico, questa frase sia stata interpretata in modo classico, cito: " La forma è significativa, il contenuto è formalizzato. L'uno non esiste senza l'altro. I tentativi di separare la forma dal contenuto e di dargli un significato autosufficiente portano al formalismo. La sottovalutazione della forma nella creatività artistica è irta di volgare naturalismo, perdita di mezzi espressivi e impatto emotivo e psicologico" È ovvio che il formalismo e il naturalismo volgare qui non sono riconosciuti come arte, sono condannati. Ma questa è una totale assurdità! Traducendo questa affermazione, ad esempio, sul piano architettonico, otteniamo quanto segue: “Vogliamo che venga costruita per noi una nuova casa bella e forte. Tuttavia, non osare dedicarsi alla chimica e inventare nuovi materiali da costruzione: questo sarà naturalismo volgare. Non osare sviluppare la tua visione di una nuova casa su carta e disegnare disegni: questo sarebbe formalismo. Costruiscilo per noi subito, senza alcun lavoro mentale. Immediatamente e completamente! Sia lo sviluppo dei materiali che lo sviluppo della teoria architettonica sono spazzatura mentale inaccettabile, degna della più ardente condanna. Solo la casa che è impossibile senza quest’opera sarà degna di ammirazione”. E l’unica conferma di questa idea è che alcuni geni letterari sono effettivamente riusciti a costruire la loro OPERA LETTERARIA (analogo di una casa) forte e bella grazie a intuizioni creative intuitive quasi impensabili e isolate - come DEAD SOULS di Gogol o SONGS OF MALDOOR di Lautreamont. Altrimenti, il processo letterario (per non parlare dell'architettura) procede molto gradualmente e senza tali scoperte, anche intuitive. L'intuizione elabora lo stesso materiale disponibile della mente, solo secondo leggi diverse - e il materiale qui è la realtà circostante, la letteratura disponibile, ecc.

Qual è l’idea generale di questo capitolo? Non si può rifiutare alcuna BELLEZZA DEL PENSIERO, cercando di adattare questa bellezza a criteri innaturali e fittizi, basati su eccezioni storiche. Il vero criterio è la logica della storia, secondo la quale, DI REGOLA, tutto si sviluppa gradualmente. Non dovresti rifiutare nulla di nuovo - vale la pena lodarlo, perché anche se questa cosa nuova non ti sembra abbastanza bella, ci saranno persone che riceveranno uno slancio creativo dal coraggio del pensiero e porteranno gli sviluppi che le hanno ispirate alla perfezione. Nella maggior parte dei casi, ciò richiederà tempo, ma per rimanere in contatto con il momento presente è necessario seguire eventuali innovazioni. Inoltre, non è sempre possibile valutare le innovazioni secondo i vecchi criteri: un'idea rivoluzionaria deve diventare chiara almeno al gruppo dirigente, in modo che possa trasmettere comprensione all'intera società. Alcuni aspetti di Lautréamont furono compresi per la prima volta dai surrealisti decenni dopo, ma solo i postmodernisti lo apprezzarono in tutta la sua bellezza. Parte dell’innovazione di Pushkin fu compresa dai suoi contemporanei, ma solo i marxisti e così via potevano comprenderla nella sua interezza. Non credo che il pensatore borghese Edward Shils riconoscerebbe i primi esperimenti punk e rap come arte alta, anche se furono delle vere e proprie scoperte! Quindi la sua gradazione risulta non essere universale, a differenza di NET.

(11) La citazione è stata leggermente modificata: ne ho escluso dettagli che erano incomprensibili senza il contesto dell'articolo. Ma per quanto mi riguarda, non saprei spiegare se Ageev intendesse davvero una tale assurdità alla lettera, o se volesse ancora dire qualcos'altro, ma non potesse esprimerlo correttamente. Forse con questa frase descriveva la sua impressione sull'articolo di Pereyaslov nel suo complesso.

XIV

IL PUNTO DEBOLE DELLA RETE

Tuttavia, NET ha un punto debole. Tu ed io capiamo che ciò che è nuovo è bello. Abbiamo imparato che le buffonate pop quasi sempre non hanno nulla a che fare con l'arte, e se il prodotto è progettato utilizzando gli algoritmi più semplici e una certa consapevolezza del creatore, allora è insignificante. Scarteremo e odieremo tale pseudo-arte. Questo è buono! Ma questo non basta. Come costruire una gradazione dopo questo? Tutto ciò che è nuovo ha la stessa audacia di pensiero? Come valutare la complessità di algoritmi non del tutto evidenti? Questo problema non è stato finalmente risolto da me. Ho già scritto una serie di articoli che possono fornire alcuni indizi empirici al riguardo. Spero di scrivere una serie di altri articoli che forniranno anche approfondimenti teorici specifici, permettendoci di identificare e valutare semplici “notizie”. Per il resto, il perfezionamento e l'eliminazione di questa debolezza della RETE sarà responsabilità dei miei lettori: voi. Ora metterò solo in guardia contro alcuni errori lungo questo percorso.

Potresti pensare che il mio articolo, ad esempio, giustifichi la ridicola istituzione della critica d’arte contemporanea, una struttura commerciale in cui le persone sono diventate abili a spiegare il contenuto di opere miserabili. Potresti pensare che io respinga la critica marxista attirando costantemente l’attenzione sugli errori dei pensatori sovietici e proto-sovietici. Forse hai deciso che anch'io sono un PENSATORE BORGHESE? O almeno piccolo-borghesi? Spero che tu non sia così stupido. Condanno la vera critica solo per le sue evidenti imperfezioni, che derivano dalla forzata ristrettezza di pensiero - e lo faccio perché sono dolorosamente offeso dai suoi errori. È questo che cerco di correggere e perfezionare, secondo la logica della storia dell'arte. Allo stesso tempo, vale ovviamente la pena adottare le idee positive e costruttive dei critici non sovietici: questo è ciò che Belinsky ha lasciato in eredità. Ma fondamentalmente rifiuto l'approccio borghese di NOUBROW, perché mescola il bello con il mediocre, negando così il primo. E riguardo all'istituzione della critica d'arte contemporanea, dirò questo. Il poeta e pensatore Alexander Brener ha scritto quanto segue:

« Cosa significa il fallimento di tutta l’arte moderna, quella che viene chiamata arte contemporanea?

Ciò significa che alle sue origini l’arte moderna era alimentata principalmente dalla disperazione, dall’affetto e dallo shock. Van Gogh e Gauguin, Courbet e Whitman, Rimbaud e Toulouse-Lautrec furono persone che si accorsero che la tradizione millenaria della cultura cristiana europea stava finendo davanti ai loro occhi, finendo con il trionfo del capitalismo, la morte di Dio e la perdita della fondamenti ontologici dell’esistenza umana e della cultura umana. L’ipocrisia capitalista, l’avidità, la sete di profitto e un acuto senso di competizione divorarono la compassione e tutto ciò di cui la cultura europea parlava da secoli davanti agli occhi di artisti confusi. Fanculo il gattino. Gli artisti lo hanno annunciato con un grido mostruoso (Rimbaud), una predicazione dell'uguaglianza universale (Whitman), un sogno di una civiltà nuova, ingenua e pura (Gauguin), un appello all'autenticità (Van Gogh), una richiesta di verità e giustizia ( Courbet), un crollo nel dolore e nel riso (Toulouse-Lautrec). È così che è iniziata la cultura moderna.

Ma in seguito arrivò una nuova generazione di artisti puri che si stracciarono i vestiti. Questa era una generazione di maghi e ciarlatani. Il migliore e il più abile fu Duchamp. Picasso era incomparabilmente più goffo e goffo. Queste persone trassero conclusioni diverse dalla fine del cristianesimo e dai loro predecessori. Una volta che il gattino è stato scopato, rimane la “roulette”. Il gioco è ciò che l’arte ha ancora di riserva. Giochi, ciarlataneria raffinata, nichilismo dandy, arguzia, ridicolo. Però c'erano dei pazzi lì: alcuni dadaisti, altri surrealisti. Ma in generale: risatine, un nuovo salone, un gioco di perle di vetro, facce.

E solo dopo che questi ciarlatani iniziarono a rimpicciolirsi. La generazione successiva è diventata un po’ rugosa e alterata. E presto si resero conto che senza grandi soldi non è interessante, è difficile e per ottenere soldi devi esporre il tuo culo, le tue labbra, i tuoi capezzoli ai ricchi! E ci siamo impegnati. C'erano persone vere in mezzo a tutta questa marmaglia, ma sempre meno. E poi ci sono quasi solo doppiogiochisti, furfanti, intrattenitori.

Questo è quello che ho capito. Questo è ciò che io chiamo il fallimento dell’arte moderna».

È difficile descrivere questo processo in modo più preciso. E prenderò su di me questo lavoro. Una smentita così radicale non tiene conto delle reali norme dell'art. Una persona può creare qualcosa di prezioso anche in una situazione di stallo: ecco perché è una persona. Brener in realtà questo lo capisce – e anche tra i creatori di arte contemporanea individua degli alleati (come si vede dai suoi libri). Ma non ricava un criterio generale per il BENE, avvicinandosi alla NUOVA TEORIA ESTETICA solo intuitivamente. È molto difficile superare lo strato di spiegazioni curatoriali disgustose e beffarde: hanno appeso la lingua e hanno imparato a lodare anche il compensato bianco e un cannone in un portello. Qui dobbiamo astrarci da loro e guardare dall'esterno, dal punto di vista dei BENEFICI PER L'UMANITÀ. Gli stupefacenti e tristi carri dei curatori devono essere incasinati o non letti, dimostrando al contempo che quasi tutta l'arte contemporanea è creata proprio da quegli stessi pessimi algoritmi (lo stesso insieme di tecniche in diverse combinazioni viene utilizzato incessantemente e il contenuto dell'opera viene messo nel modo più volgare e detto cento volte). Quasi, ma non tutti, ed è necessario identificare i cereali preziosi. Per quanto difficile possa essere, l’intera storia dell’arte deve essere riscritta da un nuovo punto di vista, senza rispetto per le autorità del “marketing” e rendendo omaggio a geni dimenticati. Ma chi intraprenderà questo lavoro: restituire all'arte moderna il suo nome onesto?

XV

RISULTATO

Se ricordi, all'inizio di questo articolo ho menzionato la visione estetica popolare, LASCIAMO TUTTI I FIORI. All'inizio volevo sviluppare questa metafora e spiegare che se bellissimi fiori crescono in un letto e centinaia di erbacce si schiudono accanto a loro, allora le erbacce distruggeranno semplicemente tutto ciò che è tenero e riempiranno il letto. Quindi il ruolo del critico è quello di estirpare le erbacce. Giunto al punto attuale dell'articolo, mi sono reso conto della depravazione di questa metafora e della profonda verità della tesi originale sui fiori! Ma solo in una nuova comprensione di esso. Dopotutto, la critica non è un comitato di censura o una stazione di polizia. È inaccettabile strappare qualcosa. La bellezza dei fiori potrà essere realizzata dalle generazioni successive, ma per quelle attuali sarà nascosta. Senza ripensare la storia dell’arte, l’arte è impossibile. Un critico dovrebbe essere un botanico, non un giardiniere. Dovrebbe semplicemente apprezzare la bellezza dei fiori, secondo l'assiomatica della NET. Deve separare le erbacce dalle piante NOBILI, ma ricorda che potrebbe sbagliarsi. Ho già scritto sopra a cosa hanno portato i tentativi di eugenetica artistica. Non dimenticarti di loro!

Ora resta da dire ancora una volta come dovrebbe essere questo processo di valutazione dei colori e cosa dovrebbero fare i giornalisti e gli ascoltatori che trattano la cultura con amore.

Il primo livello è la raccolta dei materiali. Come ho spiegato, vale la pena archiviare tutto - e qui il primo ruolo sarà svolto dal percettore, indipendentemente dalle sue preferenze di gusto, perché è lui che dovrebbe caricare l'album su ifolder e root tracker, scansionare libri, scrivere resoconti sulle mostre e concerti, fotografare ciò che accade, girare video, raccogliere discografie di artisti. Questa è una fase pre-critica e addirittura quasi pre-giornalistica, perché non necessita di riviste (se non per raccogliere informazioni biografiche, interviste, ecc.). Senza questa fase di raccolta del materiale non sarà possibile alcuna valutazione critica dell'arte: non ci sarà nulla da valutare. E qui ogni percettore deve fare del suo meglio - soprattutto se capisce che nessun altro preserverà questo atto - e la storia sarà grata a tutti coloro che hanno contribuito ad archiviare il suo pezzo, anche se alla fine risulterà dimenticato.

Il secondo livello è sistematizzare il materiale raccolto. Qui, ovviamente, sarebbe bello armarsi di NET e contrassegnare la spazzatura raccolta come spazzatura, ma non c'è giudizio. Ancora una volta, chiunque può fare uno schizzo della storia dell'arte: ciò che è importante qui è la sistematizzazione per genere, la ricerca di relazioni e influenze reciproche. Gli ascoltatori possono essere guidati da alcuni dei loro impulsi non del tutto consapevoli, ma oggettivamente giustificati: raccogliere cose simili a ciò che gli piaceva. Questi sono tutti pubblici di genere. Questa è la storia fittizia del “underground”, dove i FRATELLI CHIMPANZEE, GUF, ecc. hanno potuto insinuarsi formalmente. In ogni caso, questi schizzi renderanno più facile ai critici scrivere una vera storia dell'arte.

Terzo livello. Si tratta precisamente di filtrare il materiale secondo i criteri NET. Qui l'autore deve immaginare realisticamente la dialettica dello sviluppo di un'idea, registrarla e spiegarla, scartando quelli dei suoi seguaci che non hanno apportato nulla di nuovo. Una valutazione di tale sviluppo è impossibile senza un certo bagaglio culturale: come identificare la secondarietà senza conoscere il primato? È qui che inizia il vero giornalismo (una linea che il cosiddetto GIORNALISTA NAZIONALE PIÙ INFLUENTE non potrebbe oltrepassare). Quando analizzi un'opera particolare, dovrai indicare il suo posto nella storia dell'arte, se, ovviamente, è degno di essere incluso in essa.

Questa è la BASE. E la SOVRASTRUTTURA?

La storia mostra che la critica produttiva spesso contiene elementi di polemica. Pertanto, la polemica dovrebbe essere riconosciuta come la sovrastruttura. Dopo che il critico ha spiegato cosa di nuovo un'opera d'arte ha dato all'umanità e cosa le generazioni successive possono prendere in prestito dai suoi PENSIERI, è libero di costruire la propria linea, perseguire la propria visione del mondo e interpretarla a modo suo: politico, estetico, etico, ecc. - fino al religioso. Sarebbe assurdo rifiutare questa critica: una persona ha il diritto di promuovere idee a lui vicine, ma solo capendo che sono sua proprietà personale e che altre persone potrebbero non condividerle, e spiegando quale valore oggettivo porta il lavoro. Ciò correggerà gli errori di Vaclav Vorovsky e di centinaia di altri. Ma dobbiamo capire che questa è proprio la SOVRASTRUTTURA, e la prima parte del dovere del critico è dimostrare il valore oggettivo del materiale analizzato. Può sembrare strano! Perché, ad esempio, un araldo dei valori della famiglia dovrebbe dimostrare che un'opera che glorifica l'amore libero è preziosa per l'umanità. È sicuro che sia dannoso. Ma qui dovrebbe separare due fattori. Se l'opera è originale, contiene sottili osservazioni psicologiche o è scritta in una forma insolita, il critico dovrà spiegare quali benefici apporta l'opera alle persone che professano i valori della famiglia - un beneficio universale, e solo allora entrare nelle spiegazioni di quale danno possa causare il suo contenuto specifico, o meglio ancora, mostrare la sua infedeltà, basandosi sulla propria fiducia in esso, supportata da osservazioni specifiche. Avrei descritto questo paragrafo in modo molto più dettagliato, ma, fortunatamente, Apollo Grigoriev lo ha fatto in anticipo per me, parlando di arte e moralità nel suo articolo ARTE E MORALITÀ:

« L'arte, come risposta organicamente cosciente alla vita organica, come forza creativa e come attività di una forza creativa, non è e non può essere soggetta a nulla di condizionale, inclusa la moralità; non dovrebbe essere giudicata o misurata da nulla di condizionale, e quindi non dovrebbe essere giudicato o misurato in base alla moralità. Con questa convinzione sono pronto, forse, a raggiungere un estremo paradossale. Non è l’arte che dovrebbe imparare dalla morale, ma è la morale che dovrebbe imparare (e ha imparato e impara) dall’arte».

Vorrei chiarire che la MORALITÀ dovrebbe imparare dall'arte non tanto la moralità quanto la capacità di pensare, al fine di rafforzare la propria comprensione della moralità. Ciò significa che le opere che possono insegnare a pensare sono utili a chiunque.

Pertanto, il ruolo della critica si riduce alla critica. Non ha alcuna influenza fisica sull'arte, solo morale. Incoraggerà coloro che fanno cose veramente belle e chiederà a coloro che fanno cose brutte di migliorare. Per gli ascoltatori servirà come una sorta di SISTEMA DI COORDINATE o SCALA estetica, cioè spiegherà come si può risalire quello che sembrava un vortice d'arte infinito e incomprensibile. Basta fornire linee guida convenienti. Se una persona ha un desiderio, si eleverà, e se vuole rimanere ai livelli inferiori, rimanga su di essi, ma solo consapevolmente.