Ogni paese ha i suoi eroi arte contemporanea, i cui nomi sono noti, le cui mostre riuniscono folle di appassionati e curiosi e le cui opere sono distribuite in collezioni private.
In questo articolo ti presenteremo quelli più popolari artisti contemporanei Giappone.
Keiko Tanabe
Nata a Kyoto, Keiko ha vinto numerosi concorsi d'arte da bambina, ma istruzione superiore non è stata affatto accolta nel campo dell’art. Ha lavorato nel dipartimento relazioni internazionali in giapponese organizzazione commerciale autogoverno a Tokyo, un grande studio legale a San Francisco e una società di consulenza privata a San Diego, viaggiarono molto. A partire dal 2003 lascia il lavoro e, dopo aver appreso i rudimenti della pittura ad acquerello a San Diego, si dedica esclusivamente all'arte.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
L'artista giapponese Ikenaga Yasunari dipinge ritratti donne moderne Nell'antichità Tradizione giapponese pittura utilizzando il pennello Menso, pigmenti minerali, nerofumo, inchiostro e lino come base. I suoi personaggi sono donne del nostro tempo, ma grazie allo stile di Nihonga, c'è la sensazione che siano venuti da noi dai tempi antichi.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki è un artista realista che ha imparato tecnica dell'acquerello. Abe può essere definito un artista-filosofo: fondamentalmente non disegna punti di riferimento noti, preferendo composizioni soggettive che riflettono stati interni la persona che li guarda.
Hiroko Sakai
La carriera dell'artista Hiroko Sakai è iniziata all'inizio degli anni '90 nella città di Fukuoka. Dopo la laurea alla Seinan Gakuin University e scuola francese Interior Design Nihon nel campo del design e della visualizzazione, ha fondato "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." e ha gestito con successo questo studio per 5 anni. Molte delle sue opere adornano gli atri degli ospedali, gli uffici di grandi aziende e alcuni edifici municipali in Giappone. Dopo essersi trasferita negli Stati Uniti, Hiroko iniziò a dipingere ad olio.
Riusuke Fukahori
Le opere tridimensionali di Ryuusuki Fukahori sono come ologrammi. Hanno finito colori acrilici applicato in più strati e una resina liquida trasparente: tutto ciò, senza escludere i metodi tradizionali come disegnare ombre, ammorbidire i bordi, controllare la trasparenza, consente a Ryusuki di creare pittura scultorea e conferisce al lavoro profondità e realismo.
Natsuki Otani
Natsuki Otani è una talentuosa illustratrice giapponese che vive e lavora in Inghilterra.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu ha scelto come base per il suo lavoro un tema vantaggioso per tutti: disegna gatti. Le sue immagini sono popolari in tutto il mondo, soprattutto sotto forma di puzzle.
Tetsuya Mishima
La maggior parte dei dipinti moderni Artista giapponese Mishima è fatto con l'olio. Dipinge professionalmente dagli anni '90, ne ha diversi mostre personali E un gran numero di mostre collettive, sia giapponesi che straniere.
Che copre molte tecniche e stili. Nel corso della sua storia, ha subito numerosi cambiamenti. Furono aggiunti nuove tradizioni e generi e rimasero i principi originali giapponesi. Insieme a storia straordinaria Anche la pittura giapponese è pronta a presentare molti fatti unici e interessanti.
Giappone antico
I primi stili compaiono nei più antichi periodo storico paesi prima di a.C. e. Allora l’arte era piuttosto primitiva. Innanzitutto, nel 300 a.C. e., ce n'erano diversi figure geometriche che venivano realizzati su ceramica con bastoncini. Tale ritrovamento da parte degli archeologi come ornamento su campane di bronzo appartiene a un periodo successivo.
Poco dopo, già nel 300 d.C. e., apparire disegni rupestri che sono molto più varie. ornamento geometrico. Queste sono già immagini a tutti gli effetti con immagini. Sono stati trovati all'interno delle cripte e probabilmente le persone raffigurate su di essi furono sepolte in questi cimiteri.
Nel VII secolo d.C. e. Il Giappone adotta la scrittura proveniente dalla Cina. Nello stesso periodo provengono da lì i primi dipinti. Quindi la pittura appare come una sfera d'arte separata.
edo
Edo non è il primo e non l'ultimo dipinto, ma è stata lei a portare molte cose nuove alla cultura. In primo luogo, è la luminosità e la brillantezza che sono state aggiunte alla tecnica familiare eseguita in bianco e nero. toni grigi. Maggior parte artista eccezionale Questo stile è considerato Sotasu. Lui creò dipinti classici ma i suoi personaggi erano molto colorati. Successivamente passò alla natura e la maggior parte dei paesaggi furono realizzati su uno sfondo dorato.
In secondo luogo, durante il periodo Edo, apparve l'esotico, il genere namban. Utilizzava moderne tecniche europee e cinesi, che erano intrecciate con gli stili tradizionali giapponesi.
E in terzo luogo, appare la scuola Nang. In esso, gli artisti prima imitano completamente o addirittura copiano le opere Maestri cinesi. Quindi appare un nuovo ramo, chiamato bunjing.
Periodo di modernizzazione
Il periodo Edo sostituisce quello Meiji e ora la pittura giapponese è costretta a entrare nel periodo nuova fase sviluppo. A quel tempo, generi come il western e simili stavano diventando popolari in tutto il mondo, quindi la modernizzazione dell'arte divenne una situazione comune. Tuttavia, in Giappone, un paese in cui tutte le persone venerano le tradizioni, in tempo a disposizione le cose erano molto diverse da quanto accaduto in altri paesi. Qui la concorrenza tra tecnici europei e locali divampa fortemente.
Il governo in questa fase dà la sua preferenza ai giovani artisti che mostrano grandi promesse nel migliorare le proprie abilità negli stili occidentali. Pertanto, li mandano nelle scuole in Europa e America.
Ma questo era solo all'inizio del periodo. Il fatto è che critici notevoli praticamente criticato arte occidentale. Per evitare grande scalpore attorno a questo problema, gli stili e le tecniche europee iniziarono a essere banditi dalle mostre, la loro esposizione fu interrotta, così come la loro popolarità.
L'emergere di stili europei
Poi arriva il periodo Taisho. In questo momento, i giovani artisti che partirono per studiare scuole straniere tornare in patria. Naturalmente portano con sé nuovi stili. Pittura giapponese che sono molto simili a quelli europei. Appaiono l'impressionismo e il post-impressionismo.
In questa fase si stanno formando molte scuole in cui gli antichi stili giapponesi. Ma non è possibile eliminare completamente le tendenze occidentali. Pertanto, è necessario combinare diverse tecniche per soddisfare sia gli amanti dei classici che gli appassionati della pittura europea moderna.
Alcune scuole sono finanziate dallo Stato, grazie al quale molte delle tradizioni nazionali vengono preservate. I commercianti privati, invece, sono costretti a seguire l'esempio dei consumatori che vogliono qualcosa di nuovo, sono stanchi dei classici.
Dipinto della seconda guerra mondiale
Dopo l'inizio della guerra, la pittura giapponese rimase per qualche tempo estranea agli eventi. Si è sviluppato separatamente e indipendentemente. Ma non poteva andare avanti così per sempre.
Col passare del tempo, quando la situazione politica nel Paese peggiora, figure elevate e rispettate attirano molti artisti. Alcuni di loro, anche all'inizio della guerra, iniziano a creare stili patriottici. Il resto avvia questo processo solo per ordine delle autorità.
Di conseguenza, le belle arti giapponesi durante la seconda guerra mondiale non riuscirono a svilupparsi in modo particolare. Pertanto, per la pittura può essere definito stagnante.
L'eterno Suibokuga
La pittura giapponese sumi-e, o suibokuga, significa "disegno a inchiostro". Questo definisce lo stile e la tecnica questa arte. Proviene dalla Cina, ma i giapponesi decisero di dargli il proprio nome. E inizialmente la tecnica non aveva alcun lato estetico. Era usato dai monaci per l'auto-miglioramento mentre studiavano lo Zen. Inoltre, prima hanno disegnato delle immagini e poi hanno allenato la loro concentrazione mentre le guardavano. I monaci credevano che linee rigorose, toni vaghi e ombre aiutassero al miglioramento: tutto ciò che è chiamato monocromatico.
Nonostante la pittura a inchiostro giapponese grande varietà dipinti e tecniche non sono così complicati come potrebbe sembrare a prima vista. Si basa su solo 4 trame:
- Crisantemo.
- Orchidea.
- Ramo di prugna.
- Bambù.
Un numero limitato di appezzamenti non accelera lo sviluppo della tecnologia. Alcuni maestri credono che l’apprendimento duri tutta la vita.
Nonostante il sumi-e sia apparso molto tempo fa, è sempre richiesto. Inoltre, oggi puoi incontrare i maestri di questa scuola non solo in Giappone, ma è diffusa anche ben oltre i suoi confini.
Periodo moderno
Dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale, l'arte in Giappone fiorì solo nel principali città, gli abitanti dei villaggi e dei villaggi avevano già abbastanza preoccupazioni. Per la maggior parte, gli artisti hanno cercato di voltare le spalle alle perdite della guerra e di rappresentare l'arte contemporanea su tela. vita cittadina con tutti i suoi abbellimenti e caratteristiche. Europeo e idee americane ma questo stato di cose non durò a lungo. Molti maestri iniziarono gradualmente ad allontanarsi da loro verso le scuole giapponesi.
Lo stile tradizionale è sempre stato di moda. Pertanto, la pittura giapponese moderna può differire solo nella tecnica di esecuzione o nei materiali utilizzati nel processo. Ma la maggior parte degli artisti non percepisce bene le varie innovazioni.
Per non parlare della moda sottoculture moderne come anime e stili simili. Molti artisti stanno cercando di offuscare il confine tra i classici e ciò che è richiesto oggi. Per la maggior parte, questo stato di cose è dovuto al commercio. Classici e generi tradizionali infatti non comprano, quindi non è redditizio lavorare come artista nel tuo genere preferito, devi adattarti alla moda.
Conclusione
Indubbiamente, la pittura giapponese è un tesoro arti visive. Forse il paese in questione è rimasto l'unico che non ha seguito le tendenze occidentali, non si è adattato alla moda. Nonostante i numerosi colpi subiti dall'avvento delle nuove tecniche, gli artisti giapponesi riuscirono comunque a difendersi tradizioni nazionali in molti generi. Questo è probabilmente il motivo per cui, nei tempi moderni, i dipinti realizzati in stile classico sono molto apprezzati nelle mostre.
La pittura monocromatica del Giappone è una delle fenomeni unici arte d'Oriente. Ad esso sono dedicati molti lavori e studi, ma spesso è percepito come una cosa molto condizionale, e talvolta anche decorativa. Non è così, il mondo spirituale dell'artista giapponese è molto ricco, e lui si preoccupa non tanto della componente estetica, ma di quella spirituale. L'arte d'Oriente è una sintesi di esterno e interno, esplicito e implicito.
In questo post vorrei prestare attenzione non alla storia della pittura monocroma, ma alla sua essenza. Questo sarà discusso.
Paravento "Pino" Hasegawa Tohaku, 1593.
Ciò che vediamo nei dipinti monocromi è il risultato dell'interazione dell'artista con la triade del pino: carta, pennello, inchiostro. Pertanto, per comprendere adeguatamente l'opera, è necessario comprendere l'artista stesso e il suo atteggiamento.
"Paesaggio" Sesshu, 1398
Carta Per Maestro giapponese non facile materiale improvvisato, che subordina al suo capriccio, ma piuttosto, al contrario, è un “fratello”, quindi l'atteggiamento nei suoi confronti si è sviluppato di conseguenza. la carta è parte natura circostante, verso il quale i giapponesi sono sempre stati riverenti e hanno cercato di non sottomettersi, ma di convivere pacificamente con esso. La carta è nel passato un albero che stava in una certa zona, per un certo tempo, “vedeva” qualcosa attorno a sé, e immagazzina tutto. Così l'artista giapponese percepisce la materia. Spesso i maestri, prima di iniziare il lavoro, guardavano a lungo Foglio bianco(lo contemplò) e solo allora procedette alla pittura. Ancora oggi gli artisti giapponesi contemporanei che praticano il Nihon-ga (pittura tradizionale giapponese) scelgono con cura la loro carta. Lo acquistano su ordinazione dalle cartiere. Per ogni artista un certo spessore, permeabilità all'umidità e consistenza (molti artisti stipulano addirittura un accordo con il proprietario della fabbrica per non vendere questa carta ad altri artisti) - quindi, ogni dipinto è percepito come qualcosa di unico e vivo.
"Lettura in un boschetto di bambù" Shubun, 1446.
Parlando del significato di questo materiale, vale la pena menzionarlo monumenti famosi Letteratura giapponese come "Note alla testiera" di Sei Shonagon e "Genji Monogotari" di Murasaki Shikibu: sia in "Note" che in "Genji" si possono trovare scene in cui cortigiani o amanti si scambiano messaggi. La carta su cui sono stati scritti questi messaggi era della stagione, dell'ombra appropriata e il modo di scrivere il testo corrispondeva alla sua trama.
"Murasaki Shikibu al Santuario di Ishiyama" Kyosen
Spazzola- la seconda componente è la continuazione della mano del maestro (di nuovo, questo è materiale naturale). Pertanto, anche i pennelli venivano realizzati su ordinazione, ma molto spesso dall'artista stesso. Ha selezionato i peli della lunghezza richiesta, ha scelto la dimensione della spazzola e il manico più comodo. Il maestro scrive solo con il proprio pennello e nessun altro. (Da esperienza personale: era alla master class dell'artista cinese Jiang Shilun, al pubblico è stato chiesto di mostrare cosa sanno fare i suoi studenti presenti alla master class, e ognuno di loro, prendendo in mano il pennello del maestro, ha detto che non sarebbe risultato quello che si aspettavano, visto che lo spazzolino non è loro, non sono abituati e non sanno come usarlo correttamente).
Schizzo a inchiostro "Fuji" di Katsushika Hokusai
inchiostro- terzo elemento importante. Succede l'inchiostro tipi diversi: può dare un effetto lucido o opaco dopo l'asciugatura, può essere miscelato quindi con tonalità argento o ocra giusta scelta anche il mascara non è irrilevante.
Yamamoto Baitsu, fine 18- XIX secolo.
I soggetti principali della pittura monocromatica sono i paesaggi. Perché non hanno colore?
Schermo doppio "Pini", Hasegawa Tohaku
Innanzitutto l'artista giapponese non è interessato all'oggetto in sé, ma alla sua essenza, una certa componente che è comune a tutti gli esseri viventi e porta all'armonia tra uomo e natura. Pertanto, l'immagine è sempre un suggerimento, è indirizzata ai nostri sentimenti e non alla visione. L’understatement è uno stimolo al dialogo, e quindi alla connessione. Le linee e i punti sono importanti nell'immagine: si formano linguaggio artistico. Questa non è la libertà del maestro, che, dove voleva, ha lasciato un segno untuoso lì, e in un altro punto, al contrario, ha disegnato male - nella foto tutto ha il suo significato e significato, e non porta un carattere casuale.
In secondo luogo, il colore ne porta sempre qualcuno colorazione emotiva e percepito diversamente. persone diverse in diversi stati, quindi, la neutralità emotiva consente allo spettatore di entrare nel dialogo nel modo più adeguato, posizionarlo per la percezione, la contemplazione e il pensiero.
In terzo luogo, questa è l'interazione di yin e yang, qualsiasi immagine monocromatica è armoniosa in termini di rapporto tra inchiostro e area intatta di carta in essa contenuta.
Perché la maggior parte lo spazio carta non viene utilizzato?
"Paesaggio" di Syubun, metà del XV secolo.
Innanzitutto, il vuoto di spazio immerge lo spettatore nell'immagine; in secondo luogo, l'immagine viene creata come se fluttuasse in superficie per un momento e stesse per scomparire - questo è collegato alla visione del mondo e alla visione del mondo; in terzo luogo, in quelle zone dove non è presente inchiostro, vengono in primo piano la trama e la tonalità della carta (questo non è sempre visibile sulle riproduzioni, ma in realtà è sempre l'interazione di due materiali: carta e inchiostro).
Sesshu, 1446
Perchè paesaggio?
"Contemplazione della cascata" Gayami, 1478
Secondo la visione del mondo giapponese, la natura è più perfetta dell'uomo, quindi deve imparare da lei, proteggerla in ogni modo possibile e non distruggere o soggiogare. Pertanto, in molti paesaggi si possono vedere piccole immagini di persone, ma sono sempre insignificanti, piccole rispetto al paesaggio stesso, o immagini di capanne che si inseriscono nello spazio circostante e non sono nemmeno sempre visibili: questi sono tutti simboli di la visione del mondo.
"Stagioni: autunno e inverno" Sesshu. "Paesaggio" Sesshu, 1481
In conclusione, voglio dire che la pittura giapponese monocromatica non è inchiostro schizzato casualmente, non è un capriccio dell'ego interiore dell'artista - è intero sistema immagini e simboli, è un deposito di pensiero filosofico e, soprattutto, un modo di comunicazione e armonizzazione di se stessi e del mondo circostante.
Qui, credo, ci sono le risposte alle principali domande che lo spettatore si pone quando si confronta con la pittura giapponese monocromatica. Spero che ti aiuteranno a capirlo nel modo più corretto e a percepirlo quando lo incontrerai.
La pittura giapponese è una direzione assolutamente unica nell'arte mondiale. Esiste fin dall'antichità, ma come tradizione non ha perso la sua popolarità e la capacità di sorprendere.
Attenzione alle tradizioni
L'Oriente non è solo paesaggi, montagne e Alba. Queste sono anche le persone che hanno creato la sua storia. Sono queste persone che hanno mantenuto per molti secoli la tradizione della pittura giapponese, sviluppando e moltiplicando la loro arte. Coloro che hanno dato un contributo significativo alla storia Artisti giapponesi. È grazie a loro che quelli moderni hanno conservato tutti i canoni della pittura tradizionale giapponese.
Stile pittorico
A differenza dell’Europa, gli artisti giapponesi preferivano dipingere più vicino alla grafica che alla pittura. In tali dipinti non si possono trovare i tratti di olio ruvidi e trascurati che sono così caratteristici degli impressionisti. Qual è la natura grafica dell'arte giapponese come alberi, rocce, animali e uccelli? Tutto in queste immagini è disegnato nel modo più chiaro possibile, con linee di inchiostro ferme e sicure. Tutti gli oggetti nella composizione devono avere un contorno. Il riempimento all'interno del contorno viene solitamente eseguito con l'acquerello. Il colore viene sbiadito, vengono aggiunte altre sfumature e da qualche parte rimane il colore della carta. La decoratività è esattamente ciò che distingue i dipinti giapponesi dall'arte di tutto il mondo.
Contrasti nella pittura
Il contrasto è un'altra tecnica caratteristica utilizzata dagli artisti giapponesi. Potrebbe trattarsi di una differenza di tono, colore o di un contrasto di tonalità calde e fredde.
L'artista ricorre ad una tecnica quando vuole evidenziare qualche elemento del soggetto. Può essere una vena su una pianta, un singolo petalo o il tronco di un albero contro il cielo. Quindi vengono raffigurate la luce, la parte illuminata dell'oggetto e l'ombra sottostante (o viceversa).
Transizioni e colori
Quando si disegnano dipinti giapponesi, vengono spesso utilizzate le transizioni. Sono diversi: ad esempio, da un colore all'altro. Sui petali delle ninfee, delle peonie, puoi notare il passaggio da una tonalità chiara a una ricca e luminosa di qualche colore.
Nell'immagine vengono utilizzate anche le transizioni superficie dell'acqua, cielo. La transizione graduale dal tramonto al crepuscolo scuro e sempre più profondo sembra molto bella. Anche le nuvole vengono disegnate con transizioni da sfumature diverse e riflessi.
I motivi principali della pittura giapponese
Nell'arte tutto è connesso vita reale, con i sentimenti e le emozioni di chi ne è coinvolto. Come nella letteratura, nella musica e in altre manifestazioni di creatività, nella pittura ce ne sono diverse temi eterni. Queste sono trame storiche, immagini di persone e natura.
I paesaggi giapponesi sono vari. Spesso nei dipinti ci sono immagini di stagni, il soggetto preferito degli interni giapponesi. Uno stagno decorativo, diverse ninfee e bambù nelle vicinanze: ecco come appare un tipico dipinto del XVII-XVIII secolo.
Gli animali nella pittura giapponese
Anche gli animali sono un elemento ricorrente nella pittura asiatica. Tradizionalmente è una tigre accovacciata o un gatto domestico. In generale, gli asiatici sono molto affezionati e quindi i loro rappresentanti si trovano in tutte le forme di arte orientale.
Il mondo della fauna è un altro tema seguito dalla pittura giapponese. Uccelli - gru, pappagalli decorativi, pavoni lussuosi, rondini, passeri poco appariscenti e persino galli - si trovano tutti nei disegni dei maestri orientali.
Pesce - niente di meno argomento reale per gli artisti giapponesi. I Koi sono la versione giapponese dei pesci rossi. Queste creature vivono in Asia in tutti gli stagni, anche nei piccoli parchi e giardini. La carpa koi è un tipo di tradizione che appartiene specificamente al Giappone. Questi pesci simboleggiano la lotta, la determinazione, il raggiungimento del proprio obiettivo. Non c'è da stupirsi che siano raffigurati mentre fluttuano nel flusso, sempre con creste ondulate decorative.
Dipinti giapponesi: raffigurazione di persone
Le persone nella pittura giapponese sono un tema speciale. Gli artisti raffiguravano geishe, imperatori, guerrieri e anziani.
Le geishe sono raffigurate circondate da fiori, indossando sempre abiti elaborati con molte pieghe ed elementi.
I saggi sono raffigurati seduti o mentre spiegano qualcosa ai loro studenti. L'immagine di un vecchio scienziato è un simbolo della storia, della cultura e della filosofia dell'Asia.
Il guerriero veniva descritto come formidabile, a volte intimidatorio. Quelli lunghi erano disegnati in dettaglio e sembravano un filo.
Di solito tutti i dettagli dell'armatura vengono rifiniti con inchiostro. Spesso i guerrieri nudi sono decorati con tatuaggi raffiguranti un drago orientale. È un simbolo di forza e potere militare Giappone.
I governanti furono ritratti per famiglie imperiali. Bellissimi abiti, ornamenti nei capelli degli uomini: tali opere d'arte abbondano.
paesaggi
Tradizionale paesaggio giapponese- montagne. I pittori asiatici sono riusciti a rappresentare una varietà di paesaggi: possono raffigurare la stessa vetta colori differenti, con un'atmosfera diversa. L'unica cosa che rimane invariata è la presenza obbligatoria dei fiori. Di solito, insieme alle montagne, l'artista raffigura una specie di pianta in primo piano e la disegna in dettaglio. Le montagne sono bellissime e fiori di ciliegio. E se disegni petali che cadono, l'immagine è ammirata dalla triste bellezza. Il contrasto nell'atmosfera del dipinto è un'altra notevole qualità della cultura giapponese.
Geroglifici
Spesso la composizione di un'immagine nella pittura giapponese è combinata con le lettere. I geroglifici sono disposti in modo che appaiano belli dal punto di vista compositivo. Di solito sono disegnati a sinistra o a destra dell'immagine. I geroglifici possono indicare ciò che è raffigurato nell'immagine, il suo nome o il nome dell'artista.
Il Giappone è uno dei paesi più ricchi di storia e cultura. In tutto il mondo è consuetudine considerare i giapponesi come persone pedanti che trovano l'estetica in assolutamente tutte le manifestazioni della vita. Pertanto, i dipinti giapponesi sono sempre molto armoniosi nel colore e nel tono: se ci sono inclusioni di qualche colore brillante, solo nei centri semantici. Sull'esempio dei dipinti di artisti asiatici, si può studiare la teoria del colore, il corretto trasferimento della forma utilizzando la grafica e la composizione. La tecnica di esecuzione dei dipinti giapponesi è così elevata che può servire da esempio per lavorare con gli acquerelli ed eseguire il "lavaggio" di opere grafiche.