1.1 Il paesaggio come genere di belle arti. Tipi di paesaggio

Paesaggio - (paesaggio francese, da pays - area, paese, patria) - un genere di belle arti, il cui soggetto è l'immagine della natura, del tipo di area, del paesaggio. Un'opera di questo genere è anche chiamata paesaggio. Il paesaggio è un genere tradizionale di pittura e grafica da cavalletto.

L'uomo ha iniziato a rappresentare la natura nei tempi antichi; gli elementi del paesaggio si possono trovare già nel Neolitico, nei rilievi e nei dipinti dei paesi dell'Antico Oriente, soprattutto nell'arte dell'Antico Egitto e dell'Antica Grecia. Nel Medioevo, i motivi paesaggistici venivano usati per decorare templi, palazzi e case ricche; i paesaggi spesso servivano come mezzo per costruzioni spaziali convenzionali nelle icone e, soprattutto, nelle miniature.

Il paesaggio ha ricevuto una linea speciale di sviluppo nell'arte orientale. Apparve come genere indipendente in Cina nel VI secolo. I paesaggi degli artisti cinesi, realizzati con inchiostro su rotoli di seta, sono molto spirituali e poetici. (vedi appendice Fig. 1.1.1) Hanno un profondo significato filosofico, come se mostrassero una natura in continuo rinnovamento, uno spazio sconfinato, che sembra tale grazie all'introduzione nella composizione di vasti panorami montani, superfici d'acqua e foschia nebbiosa. Il paesaggio comprende figure umane e motivi simbolici (pino mugo, bambù, pruno selvatico), personificando sublimi qualità spirituali. Sotto l'influenza della pittura cinese si sviluppò anche il paesaggio giapponese, caratterizzato da una grafica accentuata, un'enfasi sui motivi decorativi e un ruolo più attivo dell'uomo nella natura (K. Hokusai).

Nell'arte europea, i pittori veneziani del Rinascimento (A. Canaletto) furono i primi a dedicarsi alla rappresentazione della natura. Il paesaggio come genere indipendente si formò finalmente nel XVII secolo. È stato creato da pittori olandesi. (vedi appendice fig. 1.1.2) Gli artisti si dedicarono allo studio della natura di Leonardo prima di Vinci, poi P. Bruegel nei Paesi Bassi svilupparono un sistema di valori, prospettiva luce-aria nel XVI secolo.Le prime varietà e direzioni di questo genere si formarono: paesaggio lirico, eroico, documentario: P.Bruegel “Cloudy Day” (Spring Eve) (1565, Vienna, Kunsthistorisches Museum), P.P. Rubens “Lion Hunt” (c. 1615, Monaco, Alte Pinakothek), Rembrandt “Paesaggio con uno stagno e un ponte ad arco” (1638, Berlino - Dahlem), J. van Ruisdael “Palude della foresta” (1660, Dresda, Galleria d'arte), N. Poussin “Paesaggio con Polifemo” (1649, Mosca, Museo statale Pushkin di Belle Arti), C. Lorrain Noon (1651, San Pietroburgo, Hermitage), F. Guardi “Piazza San Marco, veduta della Basilica” (1760-1765 circa, Londra, Galleria Nazionale), ecc. (vedi Appendice, figura 1.1.3)

Nel 19 ° secolo le scoperte creative dei maestri del paesaggio, la sua saturazione con questioni sociali, lo sviluppo del plein air (rappresentazione dell'ambiente naturale) culminarono nelle conquiste dell'impressionismo, che diedero nuove opportunità nella trasmissione pittorica della profondità spaziale, della variabilità della luce -ambiente aereo, complessità dei colori, che ha aperto nuove opportunità nella trasmissione del gioco mutevole di luci, stati sfuggenti della natura, ricchezza di sfumature colorate. Questi sono i Barbizon, C. Corot “Mattina a Venezia” (1834 circa, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), E. Manet “Colazione sull'erba” (1863, Parigi, Louvre), C. Monet “Boulevard dei Cappuccini a Parigi” (1873, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), O. Renoir “La piscina per bambini” (1869, Stoccolma, Museo Nazionale). In Russia, A.K. Savrasov “The Rooks Have Arrived” (1871, Mosca, Galleria Tretyakov), I.I. Shishkin “Rye” (1878, Mosca, Galleria Tretyakov), V.D. Polenov “Moscow Courtyard” (1878, Mosca, Galleria Tretyakov). (vedi appendice fig. 1.1.4)

Grandi maestri della fine del XIX e XX secolo. (P. Cezanne, P. Gauguin, Van Gogh, A. Matisse in Francia, A. Kuindzhi, N. Roerich, N. Krymov in Russia, M. Saryan in Armenia) espandono le qualità emotive e associative della pittura di paesaggio. Le tradizioni del paesaggio russo furono ampliate e arricchite da A. Rylov, K. Yuon, N. Roerich, A. Ostroumova-Lebedeva, A. Kuprin, P. Konchalovsky e altri.

A seconda della natura del motivo paesaggistico, si possono distinguere paesaggi rurali, urbani (compresi l'architettura urbana e la veduta) e industriali. Un'area speciale è l'immagine dell'elemento mare: il porto turistico e il paesaggio fluviale.

Paesaggio rurale, noto anche come "villaggio" - Questa direzione del genere paesaggistico è stata popolare in ogni momento, indipendentemente dalla moda. Il rapporto tra la natura e i risultati dell'attività cosciente dell'uomo è sempre stato piuttosto complesso, addirittura conflittuale; nelle arti visive questo è particolarmente evidente. Gli schizzi di paesaggi con architettura, recinzione o ciminiera fumante di una fabbrica non creano un'atmosfera di pace: su uno sfondo simile, tutta la bellezza della natura si perde e scompare. Esiste però un ambiente in cui l'attività umana e la natura sono in armonia o, al contrario, la natura gioca un ruolo dominante: questo è il paesaggio, dove le strutture architettoniche sembrano completare i motivi rurali. Gli artisti dei paesaggi rurali sono attratti dalla tranquillità, dalla poesia unica della vita rurale e dall'armonia con la natura. Una casa in riva al fiume, rocce, prati verdi, una strada di campagna hanno dato slancio all'ispirazione di artisti di tutti i tempi e paesi. (vedi appendice fig 1.1.5)

Il paesaggio urbano è il risultato di diversi secoli di sviluppo della pittura di paesaggio. Nel XV secolo si diffusero i paesaggi architettonici che raffiguravano vedute della città dall'alto. Queste tele interessanti spesso fondevano antichità e modernità e includevano elementi di fantasia. (vedi appendice fig 1.1.6)

Il paesaggio architettonico è un tipo di paesaggio, uno dei tipi di pittura prospettica, un'immagine di architettura reale o immaginaria nell'ambiente naturale. Un ruolo importante nel paesaggio architettonico è giocato dalla prospettiva lineare e aerea, che collega natura e architettura. Nel paesaggio architettonico si distinguono le vedute prospettiche urbane, chiamate nel XVIII secolo. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi a Venezia), vedute di tenute, insiemi di parchi con edifici, paesaggi con rovine antiche o medievali (Y. Robert; K. D. Abbazia di Friedrich in un querceto, 1809-1810, Berlino , Museo statale; S.F. Shchedrin), paesaggi con edifici e rovine immaginarie (D.B. Piranesi, D. Pannini).

La Veduta è un paesaggio che documenta fedelmente l'aspetto di un territorio, di una città, una delle origini dell'arte del panorama. Paesaggio tardo veneziano, strettamente associato ai nomi di Carpaccio e Bellini, che riuscirono a trovare un equilibrio tra l'accuratezza documentaria della rappresentazione della realtà urbana e la sua interpretazione romantica. Il termine apparve nel XVIII secolo, quando veniva utilizzata una camera oscura per riprodurre le vedute. Il principale artista che lavorò in questo genere fu A. Canaletto: Piazza San Marco (1727-1728, Washington, National Gallery). (vedi appendice Fig. 1.1.7) Ulteriori seri contributi allo sviluppo di questa direzione furono apportati dagli impressionisti: C. Monet, Pissarro e altri.L'ulteriore sviluppo di questa direzione si ridusse alla ricerca dei migliori metodi di visualizzazione, colore soluzioni e la capacità di restituire la speciale “vibrazione dell'atmosfera” caratteristica delle città.

Il paesaggio urbano moderno non riguarda solo la folla di persone per le strade e gli ingorghi; queste sono anche vecchie strade, una fontana in un parco tranquillo, la luce del sole impigliata in una rete di fili... Questa direzione ha attratto e continuerà ad attrarre artisti e intenditori d'arte in tutto il mondo.

Marina (marina italiana, dal latino marinus - mare) è uno dei tipi di paesaggio, il cui oggetto è il mare. La marina divenne un genere indipendente in Olanda all'inizio del XVII secolo: J. Porcellis, S. de Vlieger, W. van de Velle, J. Vernet, W. Turner “Funeral at Sea” (1842, Londra, Tate Gallery ), K. Monet “Impression, Sunrise” (1873, Parigi, Museo Marmottan), S.F. Shchedrin “Piccolo porto di Sorrento” (1826, Mosca, Galleria Tretyakov). Aivazovsky, come nessun altro, è stato in grado di mostrare l'elemento acqua vivo, permeato di luce e in continuo movimento. Eliminando i contrasti troppo netti della composizione classicista, Aivazovsky raggiunge infine la vera libertà pittorica. La coraggiosa e catastrofica "La nona onda" (1850, Museo Russo, San Pietroburgo) è uno dei dipinti più riconoscibili di questo genere. (vedi appendice fig. 1.1.8)

Dipingere en plein air (all'aria aperta), soprattutto paesaggi ed esterni, richiede una certa esperienza e "allenamento". Le cose non sempre funzionano così facilmente. Se non riesci subito ad andare avanti come immaginavi, allora non ti resta che concederti del tempo e goderti il ​​panorama che hai di fronte. In generale, un paesaggio, uno schizzo, uno schizzo o un frammento incompiuto a volte può diventare un risultato lavorativo piacevole da non sottovalutare. Mostra ciò che vogliamo vedere. In sostanza, come in tutti gli altri soggetti della pittura, il nostro temperamento, la nostra esperienza e le nostre capacità devono essere dedicate a qualcosa di speciale.

Il cosiddetto mirino può aiutarci a trovare il formato desiderato. ritagliare un rettangolo su un foglio di cartoncino, possibilmente proporzionato al formato della foto. Questa "finestra" assomiglia al mirino di una fotocamera. Col tempo svilupperai un occhio esperto. Facciamo uno schizzo, entrando appena nei dettagli, su una tela preparata, cioè dobbiamo prima applicare diversi strati colorati sulla tela innescata e asciugarli in modo che la tela non assorba troppo la vernice. È meglio scrivere usando la tecnica alla prima.

Quando si lavora all'aria aperta, si consiglia di portare con sé due tele dello stesso formato. Una volta terminato il lavoro, pieghiamo entrambi i piani dell'immagine uno di fronte all'altro. Tra di loro mettiamo due strette assi di legno, oppure mettiamo piccoli pezzi di sughero ai quattro angoli. Le superfici dei dipinti sono interne, gli strati freschi di vernice non si toccano e non corrono il pericolo di essere danneggiati dall'esterno. In questo modo porterai a casa il tuo lavoro in tutta sicurezza.

Il paesaggio può essere di natura storica, eroica, fantastica, lirica, epica.

Spesso il paesaggio funge da sfondo in opere pittoriche, grafiche, scultoree (rilievi, medaglie) di altri generi. L'artista, raffigurando la natura, non solo si sforza di riprodurre fedelmente il motivo paesaggistico scelto, ma esprime anche il suo atteggiamento nei confronti della natura, la spiritualizza, crea un'immagine artistica che ha espressività emotiva e contenuto ideologico. Ad esempio, grazie a I. Shishkin, che riuscì a creare sulle sue tele un'immagine epica generalizzata della natura russa, il paesaggio russo salì al livello di un'arte profondamente significativa e democratica ("Rye", 1878, "Ship Grove", 1898 ). La forza dei dipinti di Shishkin non sta nel fatto che riproducono i paesaggi familiari della Russia centrale con una precisione quasi fotografica; l’arte dell’artista è molto più profonda e significativa. Le infinite distese di campi, il mare di spighe che ondeggiano sotto il vento fresco, le distanze della foresta nei dipinti di I. Shishkin fanno sorgere pensieri sull'epica grandezza e potenza della natura russa.

Il paesaggio di I. Levitan è spesso chiamato "paesaggio dell'umore". I suoi dipinti incarnano stati d'animo mutevoli, stati di ansia, dolore, presentimento, tranquillità, gioia, ecc. Pertanto, l'artista trasmette la forma tridimensionale degli oggetti in modo generale, senza un'attenta elaborazione dei dettagli, con tremuli punti pittorici. È così che dipinse i dipinti “Marzo” e “Autunno dorato” nel 1895, segnando il punto più alto nello sviluppo del paesaggio lirico russo. Poiché il suo stile è stato scelto come lo spirito più appropriato per dipingere il paesaggio “Attraverso il tempo. La tenuta degli Ualikhanov. Syrymbet. “Guardiamo il suo lavoro più nel dettaglio.

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Scenario(Paysage francese, da pays - paese, località) - un genere di belle arti (così come singole opere di questo genere), in cui il soggetto principale dell'immagine è la natura incontaminata, o la natura trasformata in un modo o nell'altro dall'uomo . Le idee moderne sul paesaggio si sono formate nel corso dei secoli con lo sviluppo di tecniche artistiche per la sua rappresentazione. In un'opera paesaggistica, particolare importanza è attribuita alla costruzione della prospettiva e alla composizione della vista, che trasmette lo stato dell'atmosfera, dell'aria e della luce dell'ambiente e la loro variabilità.

Paesaggio: un genere di pittura

Caratteristiche del genere

Il panorama è relativamente giovane. Per secoli, le immagini della natura sono state disegnate solo come immagini degli habitat dei personaggi, come decorazioni per icone e successivamente per scene di trame di genere e ritratti.

A poco a poco, con lo sviluppo delle conoscenze scientifiche e sperimentali sulla prospettiva lineare e aerea, sul chiaroscuro, sulla proporzionalità, sulla composizione generale, sul colore e sul rilievo dell'immagine, le vedute naturali sono diventate dapprima parte integrante della composizione della trama, e poi trasformate nel soggetto centrale. dell'immagine.

Per un lungo periodo di tempo, i motivi paesaggistici rappresentarono vedute generalizzate, composte e idealizzate. Una svolta significativa nella consapevolezza dell’artista del significato del paesaggio è stata rappresentata dalla sua rappresentazione di un luogo specifico (la riva del Lago di Ginevra, dell’artista svizzero del XV secolo Conrad Witz).

Nel processo culturale globale, il paesaggio come genere pittorico si è dichiarato, prima di tutto, come arte europea, nonostante l'esistenza delle antiche tradizioni cinesi e di altre tradizioni orientali dell'arte del disegno del paesaggio e la loro influenza sui processi artistici europei.

Le opere paesaggistiche dei maestri europei dei secoli XVII-XVIII sono un esempio integrale di visioni estetiche ideali sul paesaggio; le opere degli impressionisti e dei postimpressionisti furono il culmine dello straordinario sviluppo del genere paesaggistico alla fine del XIX secolo.

L'ascesa della pittura di paesaggio fu segnata dallo sviluppo del paesaggio all'aria aperta, associato all'invenzione nel XIX secolo del metodo di produzione dei colori in tubo. Il pittore poteva lavorare lontano dal suo studio, nella natura, alla luce naturale. Ciò ha arricchito in modo significativo la scelta dei motivi, ha avvicinato l'arte allo spettatore e ha dato al creatore l'opportunità di tradurre le sue impressioni emotive immediate in un'opera pittorica.

Se in passato, soprattutto sotto il predominio dell'accademismo, il paesaggio apparteneva a un genere pittorico “minore”, allora, soprattutto a partire dagli impressionisti (con la loro indubbia priorità paesaggistica) fino ai giorni nostri, questa direzione è rappresentata nelle opere di molti artisti e gode dell'interesse duraturo dei dilettanti che dipingono. Osservando le migliori opere di paesaggio si può sentire quasi fisicamente il soffio del vento, l'odore del mare, il silenzio della neve o il fruscio delle foglie.

Elementi, tipologie e caratteri del paesaggio

Il paesaggio di solito rappresenta uno spazio aperto. Di solito presenta un'immagine della superficie dell'acqua e/o della terra. A seconda della direzione: vegetazione, edifici, tecnologia, formazioni meteorologiche (nuvole, pioggia) e astronomiche (stelle, sole, luna).

A volte l'artista utilizza anche inclusioni figurative (persone, animali), principalmente sotto forma di situazioni di trama relativamente fugaci. In una composizione paesaggistica, tuttavia, ad essi viene attribuita un'importanza chiaramente secondaria, spesso il ruolo di staffaggio.

A seconda del tipo di motivo raffigurato, si possono distinguere paesaggi rurali, urbani (compresi quelli architettonici - veduti e industriali). Un'area speciale è l'immagine dell'elemento mare: un paesaggio marino o un porto turistico. Allo stesso tempo, i paesaggi possono essere sia intimi che panoramici.

Inoltre, il paesaggio può essere epico, storico, eroico, lirico, romantico, fantastico e persino astratto.

Il paesaggio nelle belle arti d’Europa

Evoluzione del genere paesaggistico dall'antichità al XX secolo

Elementi di paesaggio si ritrovano già nelle pitture rupestri del Neolitico (altopiano di Tassilin-Ajer nel Sahara). Gli artigiani primitivi raffiguravano schematicamente fiumi o laghi, alberi e massi sulle pareti delle caverne.

Nell'arte del Mediterraneo antico, il motivo paesaggistico è un dettaglio abbastanza comune nelle pitture murali delle case patrizie.

Tuttavia, più tardi, nell'arte del Medioevo, gli ideali che ispiravano gli artisti antichi - la gioia di essere, la fisicità, la veridicità - lasciarono il posto a forme pittoriche, principalmente in forma solida e figurativa, che danno un'idea di​​ la bellezza del divino: la pittura è stata concepita per influenzare lo spettatore come un sermone silenzioso (la stragrande maggioranza della popolazione non aveva accesso diretto alla Bibbia - la sua traduzione dal latino apparve solo nel XIV secolo).

Il paesaggio praticamente scompare dalla pittura per molto tempo: i pittori di icone quasi trascurano lo sfondo, se necessario, raffigurando la natura e gli edifici in modo molto schematico e senza volume.

L'interesse per il paesaggio diventa chiaramente evidente, a partire dalla pittura del primo Rinascimento - Quattrocento, XV secolo. (quattrocento anni, a partire dal millesimo). Molti testimoniano il desiderio dei pittori di ottenere un'immagine armoniosa e olistica della natura e dell'uomo. Tale, ad esempio, è il dipinto “Il corteo dei Magi” del maestro italiano Sassetta (1392-1450/51).

I motivi paesaggistici iniziarono a svolgere un ruolo ancora più importante nell'era dell'Alto Rinascimento, il Cinquecento (XVI secolo). È questo periodo, più di ogni altro, che si concentra sulla ricerca delle migliori possibilità di composizione, prospettiva e altri componenti della pittura per trasmettere il mondo circostante. Ora il paesaggio sembra essere un elemento importante della foto. L'esempio più chiaro di ciò è il famoso ritratto della Gioconda, dipinto da Leonardo (1452-1519). Non senza ragione fu in quest'epoca che lo status sociale dell'artista cambiò diametralmente: da rappresentante di una delle classi inferiori della società tradizionale (nel Medioevo l'artista fu assegnato a un negozio di colori), egli si trasforma in un ideale socioculturale, poiché è nelle sue attività che si realizzano le principali idee, valori e ideali culturali del Rinascimento umanesimo: libertà, creatività, iniziativa, autosufficienza e autosviluppo.

I maestri della scuola veneziana hanno avuto un ruolo importante nella creazione del genere paesaggistico di questo periodo. Uno dei primi artisti nei cui dipinti la natura è protagonista fu Giorgione (1476/7-1510). Il paesaggio sulla tela “Temporale” è sicuramente portatore di sentimenti e stati d’animo. E già nel dipinto giovanile “La Fuga in Egitto” (1508) di Tiziano (1473/88-1576), l’immagine della natura sullo sfondo comincia a dominare le scene rappresentate in primo piano.

Le tradizioni della scuola veneziana si riflettono anche nella pittura dell’allievo di Tiziano, l’artista spagnolo El Greco (1541-1614). Tra i dipinti più famosi del maestro c’è il paesaggio “Veduta di Toledo”.

Nel Nord Europa, a partire dal XVI secolo, il paesaggio emerse progressivamente anche dal campo di attrazione di altri generi artistici. Le immagini della natura occupano un posto importante nelle opere di molti artisti della scuola olandese: Pieter Bruegel (il Vecchio) (c. 1525-1569), John Vermeer di Delft (1632-1675) e altri. La maggior parte dei paesaggi olandesi sono caratterizzati da un colore tenue, costituito da sfumature argento chiaro, ocra olivastra, brunastre, vicine ai colori naturali della natura.

L'arte realistica di Spagna, Italia e Francia ha influenzato l'ulteriore sviluppo della pittura di paesaggio. I dipinti magistrali del grande maestro spagnolo Diego Velazquez (1599-1660) testimoniano l'emergere della pittura all'aria aperta. La sua opera “Veduta di Villa Medici” trasmette la freschezza del verde, calde sfumature di luce che scivolano lungo le foglie degli alberi e gli alti muri di pietra.

Durante il periodo del classicismo (XVII secolo), la natura veniva interpretata secondo le leggi della ragione e la sua rappresentazione sotto forma di armonia ideale era considerata uno standard estetico (paesaggio idilliaco). Claude Lorrain (1600-1682) e altri pittori.

La natura appare diversamente nei dipinti dei maestri barocchi, che si sforzano di trasmettere le dinamiche del mondo circostante, la vita turbolenta degli elementi. I paesaggi che affermano la gioia di essere sono caratteristici dell’opera del fiammingo Peter Paul Rubens (1577-1640) (“Paesaggio con arcobaleno”).

Nel XVIII secolo si diffuse il paesaggio architettonico, i cui elementi apparvero nell'arte del Medioevo. I rappresentanti della scuola di pittura veneziana Francesco Guardi (1712-1793) e Canaletto (1697-1768) furono notevoli maestri della vedata.

Un rappresentante di spicco dell'arte rococò (XVIII secolo) fu l'artista francese Francois Boucher (1703-1770), che creò paesaggi che sembravano intrecciati con sfumature blu, rosa e argento. Un altro artista francese che lavorò in questo stile studiò con Boucher, Jean Honore Fragonard (1732-1806), i cui paesaggi colorati sono permeati di aria e luce.

Nella pittura di paesaggio dell'era dell'Illuminismo (seconda metà del XVIII secolo), gli artisti cercavano di mostrare allo spettatore l'estetica della natura naturale. Basati su osservazioni sul campo e dotati di brillanti effetti di luce, i paesaggi marini di Joseph Vernet (1714-1789) suscitarono la gioia dei suoi contemporanei.

La pittura di Vernet influenzò i rappresentanti del movimento romantico apparso nell'arte europea e americana nella prima metà del XIX secolo. Rappresentanti significativi del paesaggio romantico in Inghilterra furono William Turner (1775-1851) e John Constable (1776-1837), in Germania - Caspar David Friedrich (1774-1840).

La bellezza della semplice natura rurale è stata scoperta per lo spettatore dai paesaggisti francesi - rappresentanti della scuola di Barbizon: Theodore Rousseau (1812-1867), Jules Dupré (1811-1889) e altri.Il dipinto è vicino all'arte dei Barbizoniani di Camille Corot (1796-1875), che cercò di trasmettere l'aria tremolante dell'ambiente con l'aiuto di Valers.

Camille Corot era considerata il loro predecessore dagli impressionisti francesi. I paesaggi plein air di Claude Monet (1840-1926), Auguste Renoir (1841-1919), Edouard Manet (1832-1883), Camille Pissarro (1830-1903), Alfred Sisley (1839-1899) e altri trasmettono in modo sorprendente la luce mutevole -ambiente aereo.

Le tradizioni degli impressionisti furono sviluppate nella loro pittura anche da artisti postimpressionisti: Paul Cézanne (1839-1906), Vincent van Gogh (1853-1890), Georges-Pierre Seurat (1859-1891), Paul Signac (1863-1935 ), eccetera.

Nel 20 ° secolo, i rappresentanti di un'ampia varietà di movimenti artistici si sono rivolti al genere del paesaggio. Immagini vivide della natura furono create dai Fauvisti: Henri Matisse (1869-1954), Andre Derain (1880-1954), Albert Marquet (1875-1947), Maurice Vlaminck (1876-1958), Raoul Dufy (1877-1953), eccetera.

Cubisti - Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963), Robert Delaunay (1885-1941) e altri realizzarono i loro paesaggi sotto forma di forme geometriche. Il genere paesaggistico interessava anche i surrealisti - Salvador Dalì (1904-1989) e altri, e gli artisti astratti - Helen Frankenthaler (1928-2011) e altri.

I rappresentanti dei movimenti realistici rimasero invariabilmente maestri riconosciuti della pittura di paesaggio nel XX secolo: Rockwell Kent (1882-1971), George Wesley Bellows (1882-1925), Renato Guttuso (1911/2-1987), ecc.

Il paesaggio nell'arte russa

L'evoluzione della pittura di paesaggio dal romanticismo al realismo

Nell'arte russa, il paesaggio come genere di pittura apparve alla fine del XVIII secolo. Il suo fondatore è considerato Semyon Shchedrin (1745-1804). Le opere paesaggistiche di Shchedrin sono costruite sui canoni stilistici del classicismo (l'uso delle ali nella composizione, la distribuzione del colore su tre piani, la trama levigata della scrittura). Nella loro bellezza ancora convenzionale, si differenziano tuttavia in modo significativo dalle “vedute pittoresche” di città e luoghi di interesse precedentemente esistenti nella loro espressività artistica ed emotiva. Ciò è ottenuto in vari modi dalla profondità e dall'ampiezza delle distanze, dai contrasti tra le grandi masse in primo piano e le distese verde-blu che si aprono dietro di loro, che nel complesso conferiscono ai suoi paesaggi un'impressionante ariosità.

Altri pionieri di questo genere furono gli artisti Fyodor Matveev (1758-1826), Fyodor Alekseev (1753/55-1824) e altri artisti, come Shchedrin, che si formarono nella pittura accademica nell'Europa occidentale.

Il classicismo continuò ad occupare una posizione dominante nell'arte russa della pittura di paesaggio all'inizio del XIX secolo. Matveev (paesaggi eroici) e Alekseev (vedute elegiache di San Pietroburgo e Mosca) continuano a lavorare; le vedute urbane attirano anche Andrei Martynov (1768-1826).

Questa direzione, tuttavia, fu gradualmente sempre più sostituita dal romanticismo. Qui va notato Sylvester Shchedrin (1791-1830), Vasily Sadovnikov (1800-1879), Mikhail Lebedev (1811-1837), Grigory Soroka (1823-1864) e, naturalmente, Alexei Venetsianov (1780-1847), uno dei primi che ha mostrato il fascino della natura oscura della striscia della Russia centrale.

Medaglie) opere di altri generi. Descrivendo i fenomeni e le forme dell’ambiente naturale dell’uomo, l’artista esprime sia il suo atteggiamento nei confronti della natura sia la percezione di essa da parte della società contemporanea. Per questo motivo, il paesaggio acquisisce emotività e un contenuto ideologico significativo.

Immagini della natura furono trovate già nel Neolitico (simboli del firmamento, luminari, direzioni cardinali, superficie terrestre, confini del mondo abitato). I rilievi e i dipinti dei paesi dell'Antico Oriente (Babilonia, Assiria, Egitto), principalmente in scene di guerre, caccia e pesca, contengono singoli elementi del paesaggio, particolarmente moltiplicati e concretizzati nell'antica arte egiziana del Nuovo Regno. I motivi paesaggistici si diffusero nell'arte cretese nei secoli XVI-XV. AVANTI CRISTO e. (vedi Arte egea), dove per la prima volta è stata raggiunta l'impressione di un'unità emotivamente convincente di fauna, flora ed elementi naturali. Gli elementi paesaggistici dell'arte greca antica sono solitamente inseparabili dall'immagine dell'uomo; I paesaggi ellenistici e dell'antica Roma, che includevano elementi prospettici (dipinti illusionistici, mosaici, i cosiddetti rilievi pittorici), avevano un'indipendenza leggermente maggiore. Questa epoca è caratterizzata dall'immagine della natura, percepita come la sfera dell'esistenza idilliaca dell'uomo e degli dei. Nell'arte medievale europea, gli elementi del paesaggio (in particolare vedute di città e singoli edifici) spesso servivano come mezzo per spazi e strutture convenzionali (ad esempio, "colline" o "camere" nelle icone russe), nella maggior parte dei casi trasformandosi in laconiche indicazioni di la scena dell'azione. In una serie di composizioni, i dettagli del paesaggio formavano schemi speculativi e teologici che riflettevano le idee medievali sull'Universo.

Nell'arte medievale dei paesi dell'Oriente musulmano, gli elementi paesaggistici erano inizialmente rappresentati con molta parsimonia, ad eccezione di rari esempi basati sulle tradizioni ellenistiche. Dai secoli XIII-XIV. occupano un posto sempre più significativo nelle miniature dei libri, dove nei secoli XV-XVI. nelle opere della scuola di Tabriz e della scuola di Herat, gli sfondi paesaggistici, contraddistinti dalla radiosa purezza dei colori, evocano l'idea della natura come un giardino magico recintato. I dettagli del paesaggio raggiungono un grande potere emotivo nell'arte medievale dell'India (soprattutto nelle miniature a partire dalla scuola Moghul), dell'Indocina e dell'Indonesia (ad esempio, immagini di foreste tropicali in rilievi su temi mitologici ed epici). Il paesaggio occupa una posizione estremamente importante come genere indipendente nella pittura della Cina medievale, dove la natura in continuo rinnovamento era considerata l'incarnazione più visiva della legge mondiale (Tao); questo concetto trova diretta espressione nel paesaggio di tipo Shan Shui (Gur-Wood). Nella percezione del paesaggio cinese, un ruolo significativo è stato svolto dalle iscrizioni poetiche, motivi simbolici che personificavano sublimi qualità spirituali (pino mugo, bambù, prugna selvatica "meihua"), figure umane che risiedono in uno spazio che sembra illimitato a causa dell'introduzione di vasti panorami montani nella composizione, superfici d'acqua e foschia nebbiosa. I singoli piani spaziali del paesaggio cinese non sono delimitati, ma fluiscono liberamente l'uno nell'altro, subordinati al disegno decorativo generale del piano pittorico. Tra i più grandi maestri del paesaggio cinese (emersi nel VI secolo) ci sono Guo Xi (XI secolo), Ma Yuan, Xia Gui (entrambi - fine XII - prima metà XIII secolo), Mu-qi ( prima metà del XIII secolo). Paesaggio giapponese, formatosi nei secoli XII-XIII. e fu fortemente influenzato dall'arte cinese, si distingue per la sua elevata qualità grafica (ad esempio, in Sesshu, XV secolo), la tendenza a evidenziare motivi individuali, più vantaggiosi dal punto di vista decorativo, e infine (nei secoli XVIII-XIX), un aspetto più ruolo attivo dell'uomo nella natura (paesaggi di Katsushika Hokusai e Ando Hiroshige).

Nell'arte dell'Europa occidentale dei secoli XII-XV. la tendenza verso un'interpretazione sensualmente convincente del mondo porta al fatto che lo sfondo del paesaggio comincia a essere compreso come una parte di fondamentale importanza di un'opera d'arte. Gli sfondi convenzionali (dorati o ornamentali) vengono sostituiti da quelli paesaggistici, trasformandosi spesso in un ampio panorama del mondo (Giotto e A. Lorenzetti nell'Italia del XIV secolo; miniaturisti borgognoni e olandesi dei secoli XIV-XV; fratelli H. e J. van Eyck nei Paesi Bassi; K Witz e L. Moser in Svizzera e Germania nella prima metà del XV secolo). Gli artisti del Rinascimento si dedicarono allo studio diretto della natura, crearono schizzi e schizzi ad acquerello, svilupparono principi per la costruzione prospettica dello spazio paesaggistico, guidati dai concetti di razionalità delle leggi dell'universo e facendo rivivere l'idea del paesaggio come un vero essere umano habitat (quest'ultimo punto era particolarmente caratteristico dei maestri italiani del Quattrocento). Un posto importante nella storia del paesaggio è occupato dall'opera di A. Mantegna, P. Uccello, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci, Gentile e Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Tintoretto in Italia, Hugo van der Goes, Hertgen tot Sint-Jans, H. Bosch nei Paesi Bassi, A. Durer, M. Niethardt in Germania, maestri della scuola danubiana in Germania e Austria. Nell'arte del Rinascimento si formarono i presupposti per l'emergere di un genere paesaggistico autonomo, che prese forma inizialmente nella grafica (A. Dürer e la scuola danubiana) e in piccole composizioni pittoriche, dove l'immagine della natura costituisce l'unica contenuto dell'immagine (A. Altdorfer) o regna sovrano sulle scene in primo piano (L'olandese I. Patinir). Se gli artisti italiani cercavano di enfatizzare l'armoniosa consonanza dei principi umani e naturali (Giorgione, Tiziano) e di incarnare l'idea di un ambiente architettonico ideale negli sfondi del paesaggio urbano (Raffaello), i maestri tedeschi erano particolarmente disposti a trasformare alla natura selvaggia, conferendole spesso un aspetto catastroficamente tempestoso. La combinazione di aspetti paesaggistici e di genere, tipici del paesaggio olandese, porta ai risultati più sorprendenti nelle opere di P. Bruegel il Vecchio, le cui caratteristiche distintive non sono solo la grandiosità delle composizioni panoramiche, ma anche la più profonda penetrazione nel la natura della vita popolare, organicamente connessa con l'ambiente paesaggistico. Nei secoli XVI - inizi XVII. Numerosi maestri olandesi (Herri met de Bles, Josse de Momper, Gillis van Coninksloe) hanno intrecciato caratteristiche tradizionali del paesaggio rinascimentale, sottili osservazioni della vita, con fantasia manieristica, sottolineando l’atteggiamento soggettivo ed emotivo dell’artista nei confronti del mondo.

Entro l'inizio del XVII secolo. nelle opere dell'italiano An. Carracci, l'olandese P. Briel e il tedesco A. Elsheimer formulano i principi di un paesaggio “ideale”, subordinato all'idea di una legge ragionevole nascosta sotto la diversità esterna dei vari aspetti della natura. Nell’arte del classicismo si consolidò finalmente il sistema di composizione convenzionale a tre piani, dietro le quinte, e si affermò la differenza fondamentale tra uno schizzo o schizzo e un dipinto di paesaggio completato. Insieme a questo, il paesaggio diventa portatore di un alto contenuto etico, che è particolarmente caratteristico delle opere di N. Poussin e C. Lorrain, le cui opere rappresentano due versioni del paesaggio “ideale”: eroico e idilliaco. Nel paesaggio barocco (il fiammingo P. P. Rubens, gli italiani S. Rosa e A. Magnasco), la forza elementare della natura ha la precedenza, a volte sembra sopprimere l'uomo. Elementi di pittura dal vero, all'aria aperta (vedi Plein air) compaiono nei paesaggi di D. Velazquez, caratterizzati da una straordinaria freschezza di percezione. Pittori e grafici olandesi del XVII secolo. (J. van Goyen, H. Segers, J. van Ruisdael, M. Hobbema, Rembrandt, J. Wermeer di Delft), sviluppando in dettaglio la prospettiva luce-aria e il sistema di ombre-valori, uniscono nelle loro opere una poetica sentimento della vita naturale della natura, della sua eterna variabilità, l'idea della grandiosità degli infiniti spazi naturali con l'idea dello stretto legame della natura con l'esistenza quotidiana dell'uomo. I maestri olandesi hanno creato diversi tipi di paesaggi (compresi porticcioli e paesaggi urbani).

Dal 17 ° secolo Si diffusero le vedute topografiche paesaggistiche (incisori: il tedesco M. Merian e il ceco V. Gollar), il cui sviluppo era in gran parte predeterminato dall'uso di una camera oscura, che consentiva di trasferire singoli motivi su tela o carta con una velocità senza precedenti precisione. Questo tipo di paesaggio nel XVIII secolo. raggiunge il suo apice nelle veditas di Canaletto e B. Belotto, sature di aria e di luce, nelle opere di F. Guardi, che aprono una tappa qualitativamente nuova nella storia del paesaggio, e si distinguono per la riproduzione magistrale del cangiante della luce -ambiente aereo. Visualizza il paesaggio nel XVIII secolo. ha svolto un ruolo decisivo nello sviluppo del paesaggio in quei paesi europei dove, fino al XVIII secolo. non esisteva un genere paesaggistico indipendente (anche in Russia, dove i maggiori rappresentanti di questo tipo di paesaggio erano gli artisti grafici A.F. Zubov, M.I. Makhaev e il pittore F.Ya. Alekseev). Un posto speciale è occupato dai paesaggi grafici di G.B. Piranesi, che romanticizzò rovine e monumenti dell'architettura antica e li dotò di grandezza sovrumana. La tradizione del paesaggio “ideale” acquistò in epoca rococò un'interpretazione squisitamente decorativa (Paesaggio raffigurante le rovine del francese Y. Robert), ma in generale il paesaggio “ideale”, che assunse (sotto il nome di storico o mitologico) un posizione secondaria nel sistema classicista dei generi, per tutto il XVIII secolo V. degenera in una direzione accademica che subordina i motivi naturali alle leggi astratte della composizione classica. Le tendenze pre-romantiche possono essere individuate negli sfondi intimi e lirici del parco nei dipinti di A. Watteau, J. O. Fragonard in Francia, così come nelle opere dei fondatori della scuola inglese di paesaggio - T. Gainsborough, R. Wilson .

Fine XVIII - prima metà XIX secolo. il paesaggio è dominato dalle tendenze del romanticismo (J. Crome, J. S. Cotman, J. R. Cozens, J. M. W. Turner in Gran Bretagna; J. Michel in Francia; K. D. Friedrich, L. Richter in Germania; J. A. Koch in Austria; J. K. K. Dahl in Norvegia ; il paesaggio ha avuto un ruolo importante anche nelle opere di F. Goya e T. Géricault). L'importanza del paesaggio nel sistema artistico del romanticismo è spiegata dal fatto che i romantici avvicinarono la vita dell'animo umano alla vita della natura, vedendo nel ritorno all'ambiente naturale un mezzo per correggere le imperfezioni morali e sociali dell'uomo . Hanno mostrato una sensibilità speciale per l'unicità individuale dei singoli stati della natura e per l'unicità dei paesaggi nazionali. Questi ultimi tratti sono estremamente caratteristici dell'opera dell'inglese J. Constable, che ha maggiormente contribuito all'evoluzione del paesaggio in immagini reali che preservano la freschezza dello schizzo a grandezza naturale. La generalizzazione, l'illuminazione poetica della percezione del mondo, nonché l'interesse per i problemi dell'aria aperta sono caratteristici dei maestri che furono all'origine delle scuole nazionali del paesaggio realistico europeo (il primo C. Corot in Francia; in parte C. Blechen in Germania; A. A. Ivanov, in parte S. F. Shchedrin e M.I. Lebedev in Russia).

Rappresentanti del paesaggio realistico della metà e della seconda metà del XIX secolo. (Coro, maestri della scuola di Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Boudin in Francia; Macchiaioli in Italia; A. Menzel e in parte la scuola di Düsseldorf in Germania; J. B. Jongkind e la scuola dell'Aia in Olanda, ecc.) via via ha eliminato l'associatività letteraria del paesaggio romantico, cercando di mostrare il valore intrinseco della natura rivelando l'essenza oggettiva dei processi che si verificano in essa. I pittori paesaggisti di questo periodo cercarono la naturalezza e la semplicità della composizione (in particolare, abbandonando nella maggior parte dei casi le vedute panoramiche) e svilupparono in dettaglio le luci e le ombre e le relazioni di valore che permettevano di trasmettere la palpabilità materiale dell'ambiente naturale. Il suono etico e filosofico del paesaggio, ereditato dal romanticismo, assume ora una direzione più democratica, manifestata nel fatto che le persone delle persone e le scene del lavoro rurale erano sempre più incluse nel paesaggio.

Nel panorama russo del XIX secolo. le tradizioni romantiche giocano un ruolo di primo piano nelle opere di M. N. Vorobyov e I. K. Aivazovsky. Nella seconda metà del XIX secolo. Ci fu una fioritura del paesaggio realistico (le cui basi furono gettate nelle opere di A. G. Venetsianov e soprattutto A. A. Ivanov), strettamente associato alle attività dei Wanderers. Superando l'artificialità e la teatralità del panorama accademico, gli artisti russi si sono rivolti alla loro natura nativa (L. L. Kamenev, M. K. Klodt), i cui motivi sono particolarmente monumentali ed epici nelle opere di I. I. Shishkin. La tendenza a rappresentare gli stati transitori della natura, la ricchezza lirica caratteristica dell'opera di A. K. Savrasov, assume una tonalità drammatica e intensa in F. A. Vasiliev. Le tendenze tardo romantiche si manifestano nelle opere di A. I. Kuindzhi, che ha combinato la passione per i forti effetti di luce con un'interpretazione decorativa del piano pittorico. Alla fine del 19° secolo. la linea del paesaggio emotivo-lirico, spesso intriso di motivi di dolore civile, prosegue nel cosiddetto paesaggio dell'umore; Paesaggi di questo tipo includono le opere di V. D. Polenov, caratterizzate da una morbida contemplazione, e in particolare le tele di I. I. Levitan, che combinava lo psicologismo intimo e il miglior trasferimento degli stati della natura con un'interpretazione sublimemente filosofica dei motivi paesaggistici.

Il paesaggio ha acquisito un significato dominante tra i maestri dell'impressionismo (C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley, ecc.), che consideravano il lavoro all'aria aperta una condizione indispensabile per creare un'immagine paesaggistica. La componente più importante del paesaggio, gli impressionisti realizzavano un ambiente vibrante, leggero e ricco di sfumature colorate, avvolgendo gli oggetti e garantendo l'indissolubilità visiva della natura e dell'uomo. Cercando di catturare la diversa variabilità degli stati della natura, spesso creavano serie di paesaggi uniti da un motivo (Monet). Le loro opere riflettevano anche le dinamiche della vita urbana moderna, grazie alla quale il paesaggio urbano ha acquisito pari diritti con le immagini della natura. A cavallo tra il XIX e il XX secolo. Nel paesaggio emergono diverse direzioni che sviluppano i principi del paesaggio impressionista e allo stesso tempo entrano in rapporto antagonistico con essi. P. Cezanne ha affermato nelle sue opere il potere monumentale e la chiara costruttività dei paesaggi naturali. J. Seurat subordinò i motivi paesaggistici a strutture rigorosamente calibrate, planari e decorative. V. van Gogh si è adoperato per una maggiore associatività psicologica, spesso tragica, delle immagini del paesaggio, conferendo ai singoli dettagli del paesaggio un'animazione quasi umana. Nelle opere di P. Gauguin, vicine al paesaggio del simbolismo e caratterizzate dalla sonorità dei ritmici piani cromatici locali, l'immagine di un paesaggio idilliaco viene radicalmente ripensata. Artisti associati al simbolismo e allo stile Art Nouveau (Nabi in Francia, F. Hodler in Svizzera, E. Munch in Norvegia, A. Gallen-Kallela in Finlandia) hanno introdotto nel paesaggio l'idea della misteriosa parentela tra l'uomo e “ materia.” terre" (da qui le tipologie del paesaggio-sogno e del paesaggio-ricordo, in voga in questo periodo), giocate nelle loro composizioni con vari tipi di "forme passanti" (rami, radici, fusti, ecc.), le la cui disposizione ornamentale crea l'illusione di un'imitazione diretta dei ritmi della natura stessa. Allo stesso tempo, si intensificò la ricerca di un'immagine generalizzata della patria, tipica dei movimenti romantici nazionali, spesso satura di folklore o di reminiscenze storiche e combinando i segni più consolidati del panorama nazionale (il polacco F. Ruszczyc, il ceco A Slavichek, il rumeno S. Lukyan, il lettone V. Purvit).

Nell'arte del 20° secolo. un certo numero di maestri si sforzano di trovare le caratteristiche più stabili di un particolare motivo paesaggistico, liberandolo da tutto ciò che è “transitorio” (rappresentanti del cubismo), altri, con l'aiuto di armonie cromatiche giubilanti o drammaticamente intense, enfatizzano la dinamica interna del paesaggio , e talvolta la sua identità nazionale (rappresentanti del fauvismo e dei loro maestri in Francia, Jugoslavia, Polonia ed espressionismo in Germania, Austria e Belgio), altri, in parte sotto l'influenza della fotografia artistica, spostano l'accento principale sulla stravaganza e sulla psicologia espressività del motivo (rappresentanti del surrealismo). Nell'opera di alcuni rappresentanti di questi movimenti, la tendenza a deformare l'immagine del paesaggio, trasformando spesso il paesaggio in un pretesto per costruzioni astratte, costituì una via di transizione verso l'arte astratta (un ruolo simile fu svolto dal paesaggio, per esempio). esempio, nell'opera dell'olandese P. Mondrian, dello svizzero P. Klee e del russo V. V. Kandinsky). Nel 20 ° secolo In Europa e in America si diffuse il paesaggio industriale, interpretando spesso il mondo della tecnologia come una sorta di anti-natura, irresistibilmente ostile all’uomo (C. Demuth, N. Spencer, C. Sheeler negli USA, P. Bruening in Germania ). Il paesaggio urbano dei futuristi e degli espressionisti assume spesso un aspetto fortemente aggressivo o alienato, intriso di stati d'animo di tragica disperazione o malinconia. Questa caratteristica è inerente anche al lavoro di numerosi maestri realisti (M. Utrillo in Francia, E. Hopper negli Stati Uniti). Allo stesso tempo, si sta rapidamente sviluppando un paesaggio di natura realistica e nazional-romantica, in cui le immagini di una natura incontaminata spesso si trasformano in una diretta antitesi della civiltà capitalista (B. Palencia in Spagna, Kjarval in Islanda, il “gruppo di Seven” in Canada, R. Kent negli USA, A. Namatjira in Australia).

Nel panorama russo a cavallo tra il XIX e il XX secolo. tradizioni realistiche della seconda metà del XIX secolo. intrecciato con le influenze dell'impressionismo e dell'Art Nouveau. Vicino all'atmosfera paesaggistica di Levitan, ma più camerali nello spirito sono le opere di V. A. Serov, P. I. Petrovichev, L. V. Turzhansky, raffiguranti vedute prevalentemente modeste, prive di vistosità esterna e caratterizzate dalla spontaneità dello studio di composizione e colore. La combinazione di intonazioni liriche con una maggiore sonorità del colore è caratteristica del lavoro di K. A. Korovin e in particolare di I. E. Grabar. Le caratteristiche nazional-romantiche sono inerenti alle opere di A. A. Rylov e alle composizioni di genere paesaggistico di K. F. Yuon; il folklore, il momento storico o letterario gioca un ruolo importante in A. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, N. K. Roerich, così come nel paesaggio “eroico” di K. F. Bogaevskij. Tra i maestri del "Mondo dell'Arte" si coltivava il tipo di memoria paesaggistica (L. S. Bakst, K. A. Somov), sorsero vedute storiche e architettoniche intrise di note elegiache (A. N. Benois, E. E. Lansere, A. P. . Ostroumova-Lebedeva), altamente drammatico paesaggio cittadino (M. V. Dobuzhinsky). Tra le variazioni sul tema di un paesaggio da sogno surreale nello spirito di V. E. Borisov-Musatov, tipiche degli artisti Blue Rose, spiccano le composizioni orientaliste di P. V. Kuznetsov e M. S. Saryan, così come i dipinti di N. P. Krymov, che lotta per un rigore rigoroso equilibrio nelle soluzioni coloristiche e compositive. Nel paesaggio dei maestri del “Fante di quadri”, la ricchezza della combinazione di colori e il modo pittorico capriccioso e libero rivelano la ricchezza plastica e la vivacità della natura.

Per il paesaggio sovietico, che si sviluppa in linea con il realismo socialista, le immagini più caratteristiche sono quelle che rivelano la bellezza del mondo che afferma la vita, la sua stretta connessione con le attività di trasformazione delle persone. In quest'area emersero maestri emersi nel periodo pre-rivoluzionario, ma dopo la Rivoluzione d'Ottobre del 1917 entrarono in una nuova fase di creatività (V.N. Baksheev, Grabar, Krymov, A.V. Kuprin, Ostroumova-Lebedeva, Rylov, Yuon, ecc.) , così come artisti le cui attività sono interamente legate all'epoca sovietica (S. V. Gerasimov, A. M. Gritsai, N. M. Romadin, V. V. Meshkov, S. A. Chuikov). Negli anni '20 sta emergendo il panorama industriale sovietico (B. N. Yakovlev e altri). Ispirato dal pathos della costruzione socialista, prende forma una sorta di paesaggio commemorativo (ad esempio, le tele di V.K. Byalynitsky-Birulya con vedute delle colline di Lenin e Yasnaya Polyana). Negli anni '30 e '50. I dipinti di paesaggi monumentali, basati su un ripensamento approfondito del materiale del disegno, stanno diventando sempre più diffusi. Nelle opere dei pittori paesaggisti sovietici, emerge sempre più un'immagine sintetica della Patria attraverso le caratteristiche di una località specifica, per cui anche le vedute tradizionalmente associate al concetto romantico di paesaggio (ad esempio, i paesaggi della Crimea o dell'Estremo Nord) perdere il tocco di alienazione esotica. Gli artisti sono attratti da motivi che consentono loro di mostrare l'interazione di forme industriali e naturali, cambiamenti dinamici nella percezione spaziale del mondo associati al ritmo accelerato della vita moderna (A. A. Deineka, G. G. Nissky, P. P. Ossovsky). Nelle scuole repubblicane di pittura paesaggistica sovietica, il ruolo principale è svolto dalle opere di I. I. Bokshai, A. A. Shovkunenko in Ucraina, D. Kakabadze in Georgia, Saryan in Armenia, U. Tansykbaev in Uzbekistan, A. Zhmuidzinavichyus e A. Gudaitis in Lituania, E. Keats in Estonia. Negli anni '60 e '80. Il principio dell'immagine paesaggistica conserva la sua importanza, ma viene alla ribalta la tendenza verso una maggiore espressività della trama e del colore, verso ritmi compositivi nudi che influenzano attivamente il pubblico. Tra i pittori paesaggisti sovietici più significativi emersi negli anni '50 e '70 ci sono L. I. Brodskaya, B. F. Domashnikov, E. I. Zverkov, T. Salakhov, V. M. Sidorov, V. F. Stozharov, I. Shvazhas.

Lett.: Fedorov-A. Davydov, Paesaggio russo del XVIII-inizio XIX secolo, M., 1953; il suo, Paesaggio sovietico, M., 1958; il suo, Paesaggio russo tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, M., 1974; F. Maltseva, Maestri del paesaggio realistico russo, V. 1-2, M., 1953-59; Maestri del paesaggio sovietico sul paesaggio, M., 1963; N. A. Vinogradova, Pittura paesaggistica cinese, M., 1972; N. Kalitina, pittura di paesaggio francese. 1870-1970, L., 1972; Problemi del paesaggio nell'arte europea del XIX secolo, M., 1978; O. R. Nikulina, La natura attraverso gli occhi di un artista, M., 1982; Santini P. S., Pittura di paesaggio moderno, L, 1972; Pochat G., Figur und Landschaft, B.-N. Y., 1973; Clark K., Il paesaggio nell'arte, L., 1976; Wedewer R., LandShaftsmalerei zwischen Traum und Wirklichkeit, Colonia, 1978; Baur Ch., Landschaftsmalerei der Romantik, Munch., 1979; Strisik P., L'arte della pittura di paesaggio, N. Y., 1980.

Svetlana Vasilieva
"Cos'è il paesaggio"

Bersaglio: Presentare ai bambini paesaggio come genere di belle arti. Sviluppare l'immaginazione creativa e i sentimenti estetici. Sviluppare il pensiero artistico, l’iniziativa e l’indipendenza. Evoca una risposta emotiva ai dipinti, coltiva un senso di bellezza. Arricchisci il tuo vocabolario bambini: scenario, paesaggista.

Materiale: Giochi educativi "Assembla un'immagine", "Trucco scenario» , riproduzione di un dipinto di Shishkin I. I. "Boschetto della nave", lavagne magnetiche, registratore, registrazione dei suoni della natura.

Entra l'Artista.

H. - Ciao ragazzi!

D. - Ciao!

H. – Sono un Artista. Sai chi un tale artista?

Le risposte dei bambini.

H. – Un artista è una persona che disegna o dipinge quadri. Ma adesso scoprirò come ti chiami. Tenderò a voi i miei palmi, li toccherete e pronuncerete i vostri nomi.

Vuoi diventare un artista?

Kh. - Allora ti invito alla scuola dei giovani artisti. Ogni scuola ha il proprio stemma. La nostra scuola è la stessa. Ho preparato un tale emblema per ciascuno di voi e vi invito a sceglierlo e indossarlo.

I bambini prendono i badge e li indossano.

Kh. - Ragazzi, per ottenere il titolo "Giovane artista"È necessario completare diverse attività e rispondere alle domande. Ecco il mio primo compito per te. Si prega di mettere insieme le parti nelle immagini (ai bambini vengono consegnate le buste). Qui si riuniranno i bambini il cui stemma è raffigurato su sfondo blu, e qui quelli il cui stemma è raffigurato su sfondo rosso.

I bambini vanno alle lavagne magnetiche e completano il compito.

Kh.- Che belle foto hai realizzato. Dai un'occhiata più da vicino. Cosa hanno i ragazzi con gli stemmi rossi? (risposte dei bambini) Cosa hanno i ragazzi con gli stemmi blu? (risposte dei bambini) Come possiamo chiamarlo in una parola? (risposte dei bambini) Può anche essere chiamato paesaggio.

Tradotto dal francese scenario denota la zona. Molto spesso è un'immagine della natura. Se l'artista ha raffigurato una città o una strada cittadina, scenario chiamato urbano. Le distese forestali sono... foreste scenario, montagne - ... montagna, mare - ... mare. Ragazzi, l'artista che scrive paesaggi, chiamato - paesaggista. E allora un paesaggio del genere? Qual è il nome dell'artista che lo raffigura? scenario? Ragazzi, scenarioè un tipo di arte.

Bravo, hai fatto il primo passo verso il titolo di giovane artista.

Kh. - Per diventare giovani artisti bisogna saper comporre paesaggi. Ecco il mio prossimo compito, ti suggerisco di provare a comporlo tu stesso scenario.

Un gioco "Trucco scenario» (i bambini dispongono gli alberi su un foglio di carta A3, che mostra lo sfondo, creando scenario)

I bambini svolgono il compito ai tavoli.

H. – Che interessante hai ottenuto i paesaggi. Per favore dimmi perché hai deciso di comporre un inverno scenario? Perché hai deciso di fare un'estate scenario?

Mi congratulo con te, hai fatto il secondo passo verso il titolo di giovane artista.

La musica sta suonando

H. -E ora andiamo nella foresta. Ma questa non è una foresta normale, ma magica. Vi invito a diventare piccoli semi. I semi caddero nel terreno (i bambini si accovacciano). La pioggia si riversò su di loro, il sole li scaldò e cominciarono a germogliare (i bambini si alzano lentamente, alzano le mani). Gli alberi diventano sempre più alti, i piccoli germogli si trasformano in giovani alberi forti. La brezza li accarezza e cominciano a dondolare silenziosamente. E gli uccelli si siedono sui rami e cantano. Ascoltiamoli.

I bambini si siedono sul tappeto e viene registrato il suono del canto degli uccelli.

Kh. – La terra russa è sempre stata ricca di foreste. La gente andava nella foresta per raccogliere funghi, raccogliere bacche e cacciare. Costruivano case con tronchi di alberi abbattuti, riscaldavano le loro case con legna da ardere e realizzavano mobili in legno. I cucchiai erano scolpiti nel legno. Strapparono la rafia dai tigli e intrecciarono scarpe di rafia. La foresta nutriva e riscaldava le persone.

E così la foresta russa aspettava il suo artista.

Nella piccola città di Yelabuga, un ragazzo è nato nella famiglia di un commerciante. Lo chiamarono Vanja. Avrebbe dovuto aiutare suo padre a condurre affari commerciali. Ma Vanja lo fece con tanta riluttanza e inettitudine che presto fu lasciato solo. Il padre fu molto felice quando suo figlio mostrò interesse per l'arte e lo mandò a Mosca a studiare. Quando Vanya è cresciuto e ha imparato, è diventato un vero artista. Amava veramente, profondamente la natura. Quando sono arrivato nella foresta, ho trovato il posto più bello, mi sono seduto su un ceppo, ho montato un cavalletto e ho iniziato a scrivere. Nei suoi dipinti, alberi, erba e cespugli sembrano vivi. Per questo fu soprannominato - "Re della foresta". Era il grande artista Ivan Ivanovich Shishkin (ritratto mostrato)

La musica sta suonando

Avviciniamoci e ammiriamo anche noi una delle opere del grande artista. Questa è una riproduzione di un dipinto di Shishkin "Boschetto della nave"- il formato più grande nella sua opera. (i bambini esaminano la riproduzione in modo indipendente)

Ciò che è mostrato nell'immagine

Pensi che l'artista abbia raffigurato una giornata fresca o calda?

Ti piacerebbe essere in questa foresta?

Guarda attentamente l'immagine e Raccontare: dove nella foresta puoi crogiolarti al sole, dove puoi nasconderti all'ombra? Vuoi correre a piedi nudi sull'acqua, metti il ​​palmo della mano pietre: cosa sono: freddi o caldi?

Ti piacerebbe ritrovarti in cima ad uno dei pini? Perché?

Perché il boschetto prende il nome "nave"?

Se i bambini hanno difficoltà a rispondere, lo farà l’insegnante spiega:

Ovviamente ciò è dovuto al fatto che i pini sono alti e dritti, come alberi, e i loro rami che si muovono nel vento sembrano vele. O forse ci vorrà un po' di tempo. E molti di questi giganti si trasformeranno in potenti navi e vedranno le vaste distese della terra.

Kh. - Dimmi, per favore, con che tipo di arte hai conosciuto? Come si chiamano questi artisti? Quale ci sono paesaggi?

Kh. - Per il fatto che hai completato tutti i miei compiti, hai risposto correttamente a tutte le domande, ti presento i certificati che ti hanno assegnato il titolo "Giovane artista" (rilascio di certificati, applausi). E nuovi incontri con gli artisti e i loro dipinti ti aspettano.

H. - Arrivederci, ragazzi!

La tipologia di paesaggio più importante e più antica è l'immagine della natura e del paesaggio incontaminati. Questa è l'interpretazione originaria della parola francese “paysage” e del tedesco “Landschaft” (immagine di villaggio, immagine della terra), che nel corso di tre secoli si sono saldamente radicate nella nostra lingua. Il paesaggio industriale, emerso tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo, così come il paesaggio urbano costituiscono direzioni separate nello sviluppo della pittura di paesaggio.

Nell'Europa medievale, l'arte di rappresentare la natura conobbe per lungo tempo un certo declino. Raffigurando la vendemmia, il Giardino dell'Eden o la fine del diluvio, l'artista europeo medievale si limitò solo alla designazione decorativa della natura, senza preoccuparsi di alcuna somiglianza visiva con il mondo naturale (libro di V.N. Stasevich "Landscape. Picture and Reality" ).

Le conquiste del realismo antico, entrate nella pittura medievale, sembrano svanire e degenerare in motivi decorativi o designazioni estremamente convenzionali della scena d'azione. Ciò è particolarmente tipico per l'arte di Bisanzio. Nel XIV secolo nell'arte di questo paese si notava una certa svolta verso il realismo. Di conseguenza, l'immagine della natura assume un carattere più specifico.

L'influenza dell'arte bizantina si diffuse in Italia e nella parte del continente europeo a nord delle Alpi. Principi correlati di rappresentazione di alberi, montagne e altri elementi della natura si trovano nell'arte dell'Europa occidentale, compresi gli affreschi di artisti del Trecento italiano, il periodo precedente al Rinascimento.

I paesaggi in miniatura europea del XV secolo sono immagini liriche di luoghi familiari all'artista, spesso trasmettono in modo molto accurato l'aspetto di un particolare paesaggio e strutture architettoniche.

Fin dal primo Rinascimento, gli artisti si sono occupati di questioni di prospettiva lineare e aerea. Le immagini prospettiche vengono utilizzate anche in rilievo, che acquisisce un carattere pittoresco non tipico della scultura. L'interesse per lo spazio reale ha dato impulso alla scoperta delle leggi della prospettiva

Nel XVII secolo l’Olanda conobbe un’ondata di rinnovamento spirituale. In questo Paese si stanno diffondendo generi artistici come la natura morta e il paesaggio, che presuppongono la capacità dello spettatore di fruire dell'arte senza reminiscenze religiose, storiche o eroiche. Qui, per la prima volta, un paesaggio realistico come immagine di un'area specifica ha ricevuto un ampio riconoscimento. Qui il mare diventa il protagonista dei dipinti. Dopotutto, era un vero capofamiglia per il paese di marinai e pescatori.

I paesaggi marini di Adrian van Velde sono così eccellenti nella loro accuratezza nella rappresentazione della natura, nel senso della luce e del colore, che in seguito i critici d'arte iniziarono a chiedersi se l'artista dipingesse i suoi dipinti dal vero.

Non meno significativi sono i meriti artistici delle opere di Albert Cuyp, Jan van Goyen e Solomon van Ruisdael.

I maestri olandesi della metà del secolo erano caratterizzati dalla pittura in toni simili, in toni argento-brunastro o argento-giallastro. Questi toni hanno attratto gli artisti con l'opportunità di trasmettere l'aria satura di umidità dell'Olanda (Meindert Gobbema, Philipp Wouwerman, Claes Berchem, ecc.). Gli artisti amavano dipingere i cieli nuvolosi, quando la fioca luce del sole penetra attraverso un sottile strato di nuvole e avvolge uniformemente la natura.

Il paesaggio di Delft di Vermeer "Veduta di Delft" può essere definito vere perle della pittura.

Ma i paesaggisti olandesi non si sono limitati a un “ritratto” affidabile della loro terra natale. C'erano artisti “italianisti” o “romanzieri” che dipingevano paesaggi italiani o seguivano le tendenze del paesaggio italiano “composto” (KlasBerchem, Jan Asseleym, Jan Bot, ecc.). Uno dei maggiori maestri dello stile romantico fu Hercules Seghers, seguito nella sua interpretazione della natura da Jacob van Ruisdael e Harmenswan Rein Rembrandt. Nei paesaggi di questi artisti, il realismo olandese si combina con un inizio romantico.

Paesaggio del Barocco e del Classicismo. Un atteggiamento diverso nei confronti dell'immagine della natura si osserva nell'artista fiammingo Peter Paul Rubens. L'arte di Rubens si è formata sotto la forte influenza del barocco. Il barocco è un movimento artistico incline all'esagerazione, in cui un atteggiamento realistico nei confronti del mondo oggettivo convive liberamente con la finzione. Ha avuto origine in Italia e si è diffuso in tutta Europa.

Artista di eccezionale talento, Rubens divenne il capo della scuola fiamminga e trasferì i principi del barocco nella rappresentazione della natura. Quando nelle sue opere successive l'artista si rivolse all'immagine della natura fiamminga, dipinse un'immagine eroica, ideale, collettiva. Da qui la caratteristica portata panoramica delle sue tele, provenienti dalla tradizione del XVI secolo.

Ma il paesaggio del XVII secolo non è solo Olanda e Fiandre. Questo genere ha ricevuto una soluzione caratteristica nell'arte francese, in particolare nelle opere di Nicolas Poussin, Claude Jelle e Claude Lorrain. I paesaggi di Poussin e Lorrain presentano tutti i segni necessari del classicismo: equilibrio ordinato, distribuzione ponderata dei volumi, masse tonali e pittoriche della composizione, frammenti di colonne antiche, statue e persino intere strutture che ricordano l'architettura antica, necessarie dal punto di vista visione del classicismo. Ci sono motivi mitologici e biblici presi in prestito dai monumenti letterari del mondo antico e del Medioevo e introdotti nel paesaggio come staffaggi per rivitalizzarlo e dargli un focus semantico.

Il paesaggio classico è chiamato “storico” per la sua connessione con scene della storia antica e medievale. A differenza del paesaggio barocco con il suo eroismo elementare, quello classico ha l'armonia e la chiarezza della natura. Un paesaggio classico è un paesaggio composto, ma composto sulla base dell'esplorazione artistica della realtà.

In Francia, negli anni '30 del XIX secolo, stava emergendo una scuola di artisti, creatori del paesaggio nazionale. Georges Michel è stato uno dei primi a rivolgersi all'immagine della natura nazionale. La natura della Francia “quotidiana”, con le sue betulle e pioppi, diventa il tema dei dipinti di Camille Corot. Amava dipingere gli stati di transizione della sera e del mattino, evitando contrasti luminosi.

Un gruppo di contemporanei di Corot - Theodore Rousseau, Leon Dupré, Charles-Francois Daubigny, Constant Troyon, Narcisse Diaz de la Pena, che non erano soddisfatti del sistema razionale del panorama accademico - decisero un esperimento che ricorda l'esperimento di Constable. Cominciarono a dipingere i boschetti, i campi e i ruscelli che circondano Parigi. A volte lavoravano insieme, riunendosi nel villaggio di Barbizon con Theodore Rousseau. Il risultato dei loro sforzi è stata una composizione naturale e realistica del paesaggio.

Il XX secolo ha introdotto qualcosa di completamente nuovo nella storia del paesaggio, rompendo con le tradizioni secolari di rappresentazione della natura. Questo è il cubismo, i cui primi rappresentanti furono gli artisti francesi Georges Braque e Pablo Picasso. Il cubismo si basa su un'analisi costruttiva puramente speculativa delle forme, dividendole in elementi arbitrariamente assunti o assolutizzandone il significato geometrico. I paesaggi cubisti sono forse meno legati al paesaggio della realtà rispetto ai paesaggi dei secoli passati.

In Russia, il XIX secolo nell'arte del paesaggio iniziò con la graduale conquista di posizioni realistiche. Come in Europa, ciò si espresse nello sviluppo del plein air e del motivo nazionale. All'inizio del secolo molte tradizioni del paesaggio classico erano ancora conservate. Gli artisti russi sono andati in Italia per i paesaggi.

Tuttavia, gli artisti della generazione di Sylvester Shchedrin non si accontentavano dello schema statico del classico paesaggio-scenario con i suoi alberi senza nome. Nel tentativo di trasmettere la vita della natura, introducono effetti di luce romantici nelle loro opere, si allontanano dalla composizione della “scena” e dal colore marrone e si sforzano di catturare la luce del sole e il carattere specifico della natura.

Alexander Andreevich Ivanov ha fatto un passo colossale in questa direzione. I suoi dipinti sono caratterizzati da purezza e naturalezza del colore, ricchezza di rapporti tonali e cromatici. Ivanov, come gli altri suoi contemporanei, era attratto dalla natura dai segni dell'eterno, piuttosto che da quello transitorio.

La calma epica dell'immagine ideale prevale anche in quei casi in cui gli artisti russi hanno preso come base il paesaggio nazionale e hanno cercato di rappresentare senza arte la loro natura nativa così com'è. Questi sono i paesaggi di A.G. Venetsianov, i suoi studenti G.V. Soroki, I.S. Krylov e altri pionieri del panorama nazionale russo, che videro la portata e la bellezza della natura russa “anonima”.

Tra questi artisti il ​​fenomeno originale fu rappresentato dai fratelli G.G. e I.G. Chernetsov, i primi artisti del Volga. Con l'intenzione di dipingere un panorama di entrambe le sponde del fiume, hanno viaggiato da Rybinsk ad Astrakhan su una chiatta speciale e hanno creato molti schizzi e schizzi originali. Uno di questi è “Vista dei monti Syukeevskij sul Volga nella provincia di Kazan”.

La vera e sistematica esplorazione artistica della natura russa iniziò nella seconda metà del XIX secolo, attraverso il lavoro degli artisti degli anni '60. La natura russa, discreta e “non ideale” - pianure paludose, distese fangose, monotona piattezza - divenne la protagonista dei paesaggi dei Viandanti. Gli artisti russi hanno finalmente “scoperto” la loro patria e hanno smesso di andare in Italia per la bellezza. Hanno scoperto la bellezza della manifestazione naturale della vita e hanno perso il bisogno di cercare una natura “ideale”.

Efim Volkov dipinse principalmente paesaggi della Russia settentrionale e centrale: come soggetto dei suoi dipinti non scelse bellissimi "paesaggi", ma angoli modesti della natura del nord russo, e in essi cercò di notare e trasmettere la loro poesia e fascino intrinseci. . Possiede molti dipinti sul tema di una palude avvolta nella foschia nebbiosa: "Swamp in Autumn" (1871), "Evening" (1877), "Marsh Swamp" (1878), "Autumn" (1890), "Foggy Morning" (1881), “Paesaggio con palude” (1898), “Palude” (1902) e molti altri. I contemporanei chiamavano Efim Volkov “il poeta dell’autunno russo e delle nebbie russe”.

A metà del XIX secolo l’estetica idealizzante del romanticismo e del classicismo cominciò a diventare un ricordo del passato. Il paesaggio nazionale comincia ad acquisire un'importanza primaria nell'arte russa.

Il concetto stesso di “paesaggio nazionale” presuppone un “ritratto” di una certa natura geograficamente specifica, caratteristica dell’Olanda, della Francia o dell’Inghilterra. Per gli artisti russi, la Russia centrale è diventata per molto tempo un paesaggio del genere. Ma, a differenza degli europei, i maestri russi spesso attribuivano un significato sociale ai motivi nazionali.

La natura del paesaggio russo è stata influenzata dai principi del realismo critico. I motivi dolorosi sono inerenti alle immagini della natura non solo nei dipinti di V.G. Perov ("Seeing Off the Dead Man") o I.M. “Vuoto” di Pryanishnikov, dove il paesaggio funge da accompagnamento alla rappresentazione dei lati negativi della vita russa.

Caratteristica del paesaggio nazionale russo è anche l'attrazione per l'immagine epica, in un certo senso, ideale della terra russa, gloriosa per la sua ricchezza forestale, ampi campi e possenti fiumi (I.I. Shishkin).

L'inizio del paesaggio lirico russo è solitamente associato al lavoro di A.K. Savrasov e il suo famoso dipinto “The Rooks Have Arrived”. Allo stesso tempo, in altre opere di Savrasov - "Country Road" o "Rye" - lo spirito del romanticismo è vivo.

I paesaggi dinamici del talentuoso artista F.A. sono intrisi di un sentimento romantico. Vasilieva. Nel film “Palude nella foresta. Autunno".

L'insegnante di Vasiliev, I.I., si è posto un compito diverso. Shishkin. Shishkin credeva che “un dipinto dal vero dovrebbe essere privo di immaginazione”. I dipinti solari di Shishkin non sono privi di poesia, un senso dell'epica grandezza della natura.

A.I. Kuindzhi, un artista epico-romantico, credeva che un artista dovesse dipingere un paesaggio “a memoria”, basandosi interamente sull’immaginazione creativa. Con una completa impressione di naturalezza, i suoi paesaggi si distinguono per l'equilibrio ponderato. Spesso l'artista introduce nell'immagine un'immagine quasi stereoscopica di dettagli tridimensionali in primo piano. Servono per enfatizzare ulteriormente l'illusione e la portata dello spazio.

Meno comune nell'arte russa è il paesaggio marino. Tuttavia, quasi tutti i principali artisti russi hanno dipinto il mare. I.K. Aivazovsky ha attraversato un lungo percorso creativo dal poema romantico a quello realisticamente convincente "Il Mar Nero", o le magnifiche "Onde". Senza effetti apertamente romantici, A.P. ha scritto i suoi paesaggi "acquatici" in modo convincente e veritiero. Bogolyubov.