Dopo il crollo del Grande Impero Romano, la sua parte orientale - Bisanzio - fiorì, mentre la parte occidentale era in declino. A partire dal V sec. Roma veniva regolarmente saccheggiata e saccheggiata dai barbari.

L'impero imbattuto fu schiacciato e umiliato dalle tribù vandaliche. Per resistere all'invasione degli Unni, guidati dall'impavido Attila, i Romani dovettero stringere un'alleanza con Visigoti, Franchi e Borgognoni. Nel 451 Attila fu fermato, ma l'Impero Romano non poté più riprendersi da devastazioni e sconvolgimenti. La sua parte occidentale terminò la sua esistenza nel 476.

Pertanto, l'inizio della storia medievale è associato alla distruzione e al quasi completo annientamento della cultura precedente. Questo spiega il rozzo primitivismo della prima arte europea. Ma non si può dire che le antiche tradizioni non abbiano influenzato affatto il lavoro dei maestri barbari. L'ornamento romano, così come le forme dei luoghi di culto romani, si diffusero. Ciò è dovuto principalmente al fatto che i conquistatori adottarono la religione cristiana dai romani sconfitti.

I barbari arricchirono notevolmente i temi delle opere d'arte dei maestri romani, introducendo nella loro arte il pensiero mitologico e motivi nazionali originali. Le loro tribù provenivano dalla lontana Mongolia, dove, a seguito degli scavi effettuati nel tratto Noin-Ula (1924-1925), furono scoperte sepolture della nobiltà unna, presumibilmente risalenti all'inizio della nostra era. Gli studi su articoli per la casa e prodotti di natura applicata trovati lì hanno rivelato eccellenti esempi di immagini pittoriche. I tappeti con scene di lotta di animali fantastici e figure di cavalli e persone trovate nel tumulo stupiscono per il loro realismo e la sottigliezza dell'esecuzione.

Fu dai popoli della steppa che ebbe origine il famoso stile animale o tetralogico, che per diversi secoli occupò un posto degno nell'arte europea.

Pittura paleocristiana

In quanto tale, la pittura in quest'epoca, ovviamente, non esisteva, ma con l'adozione del cristianesimo si può parlare di miniature di libri, che ebbero origine e si svilupparono nei monasteri che divennero i centri della vita spirituale dell'Europa occidentale. Nelle officine monastiche - scriptoria - venivano creati e decorati manoscritti. Il materiale per loro era la pergamena: pelli vestite di agnelli e capretti.

Il processo di creazione di un libro è stato molto lungo ea volte ha richiesto diversi decenni, a volte un intero vita umana. I monaci riscrivevano diligentemente la Bibbia e altri libri religiosi. Per la scrittura veniva utilizzata la vernice rossa, dal cui nome - minium - deriva la parola "miniatura".

Per un cristiano, il libro era un valore speciale, un simbolo dell'alleanza divina. I libri erano conservati con cura nei monasteri, quindi la maggior parte di essi ci è pervenuta nella loro forma originale. I manoscritti erano riccamente decorati e gli ornamenti animali astratti erano ampiamente utilizzati: un continuo intreccio di linee, accompagnato dall'immagine di uccelli e animali.

Le tribù barbariche intrapresero costantemente guerre di conquista tra di loro, a seguito delle quali i vecchi regni andarono in pezzi e ne furono creati di nuovi. Il più resistente agli shock fu il grande stato franco, che esistette per circa cinque secoli (dal V secolo alla metà del X secolo).

L'arte di questo periodo può essere condizionatamente suddivisa nell'era merovingia nel V-VIII secolo. (come venivano chiamati i re franchi, che consideravano il leggendario condottiero Merovei il loro antenato) e l'era dei Carolingi nei secoli VIII-IX. (dopo l'imperatore Carlo Magno)

Pittura del periodo merovingio

Nell'era dei Merovingi si diffuse la miniatura del libro anglo-irlandese, rappresentata dai magnifici monumenti della pittura paleocristiana che ci sono pervenuti. Nei monasteri d'Irlanda, che a quel tempo era una delle regioni d'Europa culturalmente più sviluppate, furono creati vangeli decorati con meravigliosi ornamenti. Usando una penna, i maestri irlandesi hanno scritto disegni incredibilmente dinamici raffiguranti persone e animali.

Molta attenzione è stata prestata all'iscrizione delle lettere, erano così riccamente decorate con tutti i tipi di riccioli che la linea stessa assumeva la forma di un ornamento. Una lettera maiuscola decorata - un'iniziale - a volte occupava un'intera pagina.

La tecnica di scrivere miniature del V-VIII secolo. non ha ancora raggiunto la perfezione che è insita nelle opere dei maestri carolingi. La mancanza di prospettiva e volume, la stilizzazione e il primitivismo delle immagini sono tratti caratteristici della pittura merovingia.

Pittura del periodo carolingio

Alla fine dell'VIII - l'inizio del IX secolo. cade il periodo di massimo splendore dello stato dei Franchi, che è associato alle attività del sovrano Carlo Magno. Il suo potere ha unito i territori Francia moderna, Germania meridionale e occidentale, Italia settentrionale e centrale, Spagna settentrionale, Olanda e Belgio.

Essendo una personalità eccezionale, Karl ha contribuito alla diffusione dell'istruzione nelle terre a lui soggette. Ha fondato una scuola in cui i suoi figli, insieme ai figli della nobiltà, hanno imparato le basi della retorica, della poesia, dell'astronomia e di altre scienze. Lo stesso Karl, che conosceva molto bene il greco e il latino, non ha ricevuto un'istruzione in gioventù, quindi ha cercato di diventare alfabetizzato già in età adulta, anche se non ci è riuscito bene.

Sforzandosi di creare una seconda Roma fuori dal suo paese e dichiarando le terre che gli appartenevano come Sacro Romano Impero, Carlo contribuì a far conoscere al popolo l'arte della tarda antichità, quindi la sua epoca è spesso chiamata "Rinascimento carolingio". .

Sotto Carlo Magno la pittura del tempio era di particolare importanza, era una specie di bibbia per gli analfabeti, perché spesso era la curiosità ad attirare la gente comune nella chiesa. Nei decreti del re si legge che "la pittura è lecita nelle chiese in modo che l'analfabeta possa leggere sui muri ciò che non può imparare dai libri".

Nel periodo carolingio si svilupparono le miniature dei libri. I testi sono illustrati secondo i modelli bizantino e anglo-irlandese. Esistono diverse scuole che differiscono l'una dall'altra nella tecnica di esecuzione, soluzione compositiva e tema. Ma ci sono caratteristiche comuni comune a tutte le scuole senza eccezioni. Questo è il desiderio di chiarezza e chiarezza nella costruzione della composizione, a immagine realistica e l'uso di ornamenti architettonici come sfondo scenico.

Gli oggetti principali dell'immagine nelle miniature della scuola di Ada (altri nomi sono la scuola della badessa di Ada, la scuola del manoscritto di Ada, la scuola di Godescalc, la scuola di Carlo Magno) erano evangelisti. Caratteristiche distintive opere create dagli artisti di questa scuola - la presenza di ornamenti, dorature e colorazione viola della carta. Quasi ovunque, gli edifici dell'antichità fanno da sfondo. I simboli di Marco, Matteo, Giovanni e Luca - un leone, un angelo, un vitello e un'aquila - si trovano sopra le teste degli evangelisti. La convincente autenticità del dipinto si ottiene con l'ausilio di forme volumetriche e l'uso sapiente di luci e ombre.

I clienti dei libri creati dai maestri di questa scuola erano spesso membri della famiglia reale (secondo alcune fonti, la badessa dell'Inferno era la sorella di Carlo Magno).

Scene della vita di Gesù Cristo. Al Salmo XV. Salterio di Utrecht. IX secolo

Le miniature della scuola di Reims sono realizzate graficamente con inchiostro bruno. I contorni instabili, come se vibrassero, rendono le figure sorprendentemente vivaci e dinamiche. Il monumento più eccezionale di belle arti questa direzione e la miniatura carolingia nel suo insieme - il Salterio di Utrecht (dal nome del luogo di conservazione - nella biblioteca universitaria di Utrecht). Contiene 165 disegni con scene di feste, cacce, battaglie, trame domestiche così come i paesaggi. L'autore delle miniature attribuisce importanza anche ai più piccoli dettagli. Nella finestra di una piccola casa puoi vedere una tenda tirata indietro, nel tempio - una porta leggermente socchiusa.

Nelle miniature della scuola turca si possono vedere immagini stilizzate di monarchi. Queste opere sono caratterizzate da un rapporto sproporzionato di figure: il re è sempre molto più alto del resto dei personaggi.

Illustrare le Bibbie era la specialità diretta dei maestri Turan, che eseguivano miniature per la Bibbia di Alcuino, la Bibbia di Carlo il Calvo e il Vangelo di Lotario.

La cultura dello stato carolingio durò circa due secoli, ma in questo breve periodo furono create molte opere d'arte meravigliose, e ai nostri tempi fanno ammirare l'abilità artisti medievali.

A seguito delle devastanti invasioni dei nemici, l'impero di Carlo Magno fu distrutto e con esso perirono molti bei monumenti della cultura carolingia.

La fase successiva dello sviluppo Arte dell'Europa occidentale inizierà con il nuovo millennio, cioè nell'XI secolo.

Il Medioevo è spesso descritto come oscuro e cupo. Ciò è stato facilitato da guerre di religione, atti dell'Inquisizione, medicina non sviluppata. Tuttavia, hanno lasciato molti monumenti culturali, ammirevole discendenti. L'architettura e la scultura non si sono fermate: assorbendo le caratteristiche del tempo, hanno dato vita a nuovi stili e tendenze. Insieme a loro è andata inesorabilmente la pittura del Medioevo. Su di esso e sarà discusso oggi.

In stretta collaborazione

Dall'XI al XII secolo, lo stile romanico dominò tutta l'arte europea. Ha ricevuto la sua principale espressione nell'architettura. I templi dell'epoca sono caratterizzati da una struttura basilicale a tre, raramente a cinque navate, finestre strette che non danno molta luce. Spesso l'architettura di questo periodo è chiamata cupa. Anche lo stile romanico nella pittura del Medioevo si distingueva per una certa severità. Quasi completamente cultura artistica dedicato a temi religiosi. Inoltre, le azioni divine erano rappresentate in modo piuttosto formidabile, in linea con lo spirito dei tempi. I maestri non si sono posti il ​​​​compito di trasmettere i dettagli di determinati eventi. Il loro obiettivo era significato sacro, quindi, la pittura del Medioevo, soffermandosi brevemente sui dettagli, trasmetteva prima di tutto un significato simbolico, distorcendo per questo proporzioni e rapporti.

accenti

Gli artisti di quel tempo non conoscevano la prospettiva. Sulle loro tele i personaggi sono sulla stessa linea. Tuttavia, anche con uno sguardo fugace, è facile capire quale figura nell'immagine è quella principale. Per stabilire una chiara gerarchia di personaggi, i maestri ne hanno reso alcuni significativamente superiori in termini di crescita ad altri. Quindi, la figura di Cristo ha sempre torreggiato sugli angeli, e loro, a loro volta, hanno dominato la gente comune.

Questo approccio ha avuto lato posteriore: non ha dato molta libertà nel rappresentare l'ambientazione ei dettagli dello sfondo. Di conseguenza, la pittura del Medioevo di quel periodo prestava attenzione solo ai punti principali, senza preoccuparsi di catturare il secondario. I dipinti erano una sorta di schema, trasmettendo l'essenza, ma non le sfumature.

Trame

Pittura Medioevo europeo v Stile romanico pieno di immagini di eventi e personaggi fantastici. La preferenza veniva spesso data a trame cupe che raccontavano l'imminente punizione del cielo o le azioni mostruose del nemico della razza umana. Le scene dell'Apocalisse erano ampiamente utilizzate.

Fase di transizione

L'arte raffinata del periodo romanico superò la pittura dell'alto medioevo, quando era sotto pressione eventi storici molte delle sue specie sono praticamente scomparse e il simbolismo ha dominato. Affreschi e miniature dell'XI-XII secolo, che esprimono il primato dello spirituale sul materiale, hanno aperto la strada a ulteriori sviluppi direzioni artistiche. La pittura di quel periodo fu un'importante tappa di transizione dalla cupa arte simbolica dei tempi e dalle continue incursioni barbaresche a un nuovo livello qualitativo, che ha origine nell'era gotica.

Cambiamenti favorevoli

L'ideologo dell'ordine, Francesco d'Assisi, ha apportato modifiche non solo a vita religiosa, ma anche nella visione del mondo uomo medievale. Guidati dal suo esempio di amore per la vita in tutte le sue manifestazioni, gli artisti iniziarono a prestare maggiore attenzione alla realtà. SU tele d'arte ancora contenuto religioso, cominciarono ad apparire i dettagli della situazione, scritti con la stessa cura dei personaggi principali.

gotico italiano

La pittura sul territorio dell'erede dell'Impero Romano acquisì molto presto molte caratteristiche progressiste. Qui vissero e lavorarono Cimabue e Duccio, i due fondatori del realismo visibile, che fino al '900 rimase la principale tendenza nelle belle arti d'Europa. Le loro pale d'altare raffiguravano spesso la Madonna col Bambino.

Giotto di Bondone, che visse poco dopo, divenne famoso per i suoi dipinti raffiguranti persone del tutto terrene. I personaggi sulle sue tele sembrano vivi. Giotto era in anticipo sui tempi in molti modi e solo dopo un po' fu riconosciuto come un grande artista drammatico.

affreschi

La pittura del Medioevo, anche nel periodo romanico, si arricchì di una nuova tecnica. I maestri hanno iniziato ad applicare la vernice sopra intonaco grezzo. Questa tecnica era associata ad alcune difficoltà: l'artista doveva lavorare velocemente, scrivendo frammento dopo frammento in quei punti in cui il rivestimento era ancora bagnato. Ma una tale tecnica ha dato i suoi frutti: la vernice, inzuppata nell'intonaco, non si è sgretolata, è diventata più luminosa e poteva rimanere intatta per molto tempo.

prospettiva

La pittura del Medioevo in Europa acquistò lentamente profondità. Un ruolo significativo in questo processo è stato svolto dal desiderio di trasmettere la realtà nella foto con tutti i suoi volumi. Lentamente, affinando le loro capacità nel corso degli anni, gli artisti hanno imparato a rappresentare la prospettiva, a dare a corpi e oggetti una somiglianza con l'originale.

Questi tentativi sono ben visibili nelle opere legate al gotico internazionale o internazionale che si svilupparono verso la fine del XIV secolo. La pittura del Medioevo di quel periodo aveva caratteristiche particolari: attenzione ai piccoli dettagli, una certa raffinatezza e raffinatezza nel trasferimento dell'immagine, tentativi di costruire la prospettiva.

miniature di libri

I tratti caratteristici della pittura di questo periodo sono più chiaramente visibili nelle piccole illustrazioni che adornavano i libri. Tra tutti i maestri della miniatura, meritano una menzione speciale i fratelli Limburg, vissuti all'inizio del XV secolo. Lavorarono sotto gli auspici del duca Jean di Berry, che era il fratello minore del re di Francia, Carlo V. Una delle opere più famose degli artisti furono le "Magnifiche ore del duca di Berry". Ha portato gloria sia ai fratelli che al loro protettore. Tuttavia, nel 1416, quando si perse la traccia dei Limburgo, rimase incompiuto, ma anche quelle dodici miniature che i maestri riuscirono a scrivere caratterizzano sia il loro talento che tutte le caratteristiche del genere.

Trasformazione della qualità

Poco dopo, negli anni '30 del XV secolo, la pittura si arricchì di un nuovo stile, che successivamente ebbe un enorme impatto su tutte le belle arti. Nelle Fiandre sono stati inventati Dipinti ad olio. L'olio vegetale, mescolato ai coloranti, ha conferito nuove proprietà alla composizione. I colori sono molto più saturi e vibranti. Inoltre è scomparsa la necessità di affrettarsi, che accompagnava la pittura con la tempera: il tuorlo che ne costituiva la base si seccava molto velocemente. Ora il pittore potrebbe lavorare in modo misurato, prestando la dovuta attenzione a tutti i dettagli. Strati di tratti applicati uno sopra l'altro hanno aperto possibilità fino ad allora sconosciute per il gioco del colore. I colori ad olio, quindi, hanno aperto ai maestri un mondo completamente nuovo e sconosciuto.

artista famoso

Robert Campin è considerato il fondatore di una nuova tendenza nella pittura nelle Fiandre. Tuttavia, i suoi successi sono stati oscurati da uno dei suoi seguaci, noto oggi a quasi tutti coloro che sono interessati alle belle arti. Era Jan van Eyck. A volte gli viene attribuita l'invenzione dei colori ad olio. Molto probabilmente, Jan van Eyck ha solo migliorato la tecnologia già sviluppata e ha iniziato ad applicarla con successo. Grazie alle sue tele, i colori ad olio divennero popolari e nel XV secolo si diffusero oltre i confini delle Fiandre, in Germania, Francia e poi in Italia.

Jan van Eyck era un eccellente ritrattista. I colori sulle sue tele creano quel gioco di luci e ombre, che a molti dei suoi predecessori mancava tanto per trasmettere la realtà. Tra le famose opere dell'artista ricordiamo "Madonna del Cancelliere Rolin", "Ritratto degli Arnolfini". Se guardi da vicino quest'ultimo, diventa chiaro quanto fosse significativa l'abilità di Jan van Eyck. Cosa valgono solo le pieghe accuratamente prescritte dei vestiti!

Tuttavia lavoro principale maestro - "L'altare di Gent", composto da 24 dipinti e raffigurante più di duecento figure.

Jan van Eyck è giustamente definito piuttosto un rappresentante Primo Rinascimento rispetto al tardo medioevo. La scuola fiamminga nel suo insieme divenne una sorta di stadio intermedio, la cui logica continuazione era l'arte del Rinascimento.

La pittura del Medioevo, brevemente trattata nell'articolo, è un enorme fenomeno culturale sia nel tempo che nel significato. Passando dai ricordi seducenti ma inaccessibili della grandezza dell'antichità alle nuove scoperte del Rinascimento, ha regalato al mondo molte opere che raccontano in gran parte non della formazione della pittura, ma della ricerca mente umana, la sua comprensione del suo posto nell'universo e il rapporto con la natura. Comprendere la profondità della fusione di spirito e corpo, caratteristica del Rinascimento, il significato dei principi umanistici e un certo ritorno ai canoni fondamentali delle belle arti greche e romane sarà incompleto senza studiare l'era che l'ha preceduta. Fu nel Medioevo che nacque un senso della grandezza del ruolo dell'uomo nell'Universo, così diverso dalla solita immagine di un insetto, il cui destino è completamente in potere di un formidabile dio.

Il periodo di sviluppo della cultura e dell'arte nell'Europa occidentale dal tempo della caduta dell'Impero Romano d'Occidente (V secolo) all'inizio del Rinascimento (XV secolo) fu chiamato per la prima volta "Medioevo" dagli scrittori umanisti italiani. Consideravano questa volta selvaggia e barbara in contrasto con l'antichità e la cultura del loro tempo. Successivamente, gli scienziati hanno rivisto questa valutazione negativa. Uno studio dettagliato di monumenti artistici, documenti, opere letterarie ha portato alla conclusione che l'arte medievale è stata una tappa importante e significativa nello sviluppo della cultura mondiale.

Nella storia dell'arte dell'Europa occidentale del Medioevo, è consuetudine distinguere tre periodi: l'arte dell'alto medioevo (V-IX secolo), l'arte romanica e quella gotica. Gli ultimi due nomi sono condizionali. Romansky (dalla parola latina "Roma" - "Roma") archeologi del XIX secolo. chiamati gli edifici dei secoli X-XII, in cui trovarono somiglianze con l'architettura romana, in seguito iniziarono a chiamare l'arte dell'epoca nel suo insieme. Il gotico era originariamente chiamato tutta l'arte medievale. Gli umanisti italiani lo consideravano un prodotto dei Goti, all'inizio del V secolo. saccheggiata Roma. Quando apparve il termine "arte romanica", il gotico iniziò ad essere inteso come opere di architettura, scultura e pittura della metà del XII-XV secolo, che differivano dalle precedenti per una spiccata originalità.

Oddone di Metz. Interno della cappella del palazzo di Aquisgrana. OK. 798-805.

L'era dell'alto medioevo è il momento della formazione di una nuova cultura che è stata creata sul territorio dell'Europa tribù aliene. I romani li chiamavano barbari. Dopo aver sconfitto la potente Roma, i popoli barbari formarono i loro regni sul territorio dell'impero conquistato. I nuovi sovrani d'Europa non sapevano costruire edifici in pietra con la stessa abilità dei romani, raffiguravano una persona nell'arte estremamente raramente e in modo molto condizionale. Molto più vicino a loro era il mondo degli animali fantastici e il complesso schema di ornamenti con cui decoravano metallo, legno, ossa, capi di abbigliamento, armi, utensili rituali.

Inizialmente, i conquistatori attirarono costruttori e artisti che vivevano nelle terre che conquistarono, ma le abilità di elevate abilità costruttive andarono gradualmente perse e l'ornamento minacciò di soppiantare per sempre le antiche tradizioni di raffigurare una persona.

Man mano che le relazioni feudali si sviluppavano in Europa, il potere centrale si rafforzava, l'idea del potere e della grandezza dell'antica Roma attirava i governanti di nuovi stati, che sognavano la gloria dei Cesari romani. Il re franco Carlo Magno, creatore di un enorme potere, cercando di circondare il suo potere di grandezza e splendore, fu incoronato a Roma e cercò di far rivivere le tradizioni della cultura romana alla sua corte. Nella residenza di Carlo ad Aquisgrana fu costruito un palazzo e accanto ad esso - una chiesa del palazzo - una cappella. È ben conservata. Ne fece da modello la chiesa di San Vitale a Ravenna, da dove furono portate le colonne di marmo installate nella cappella. Ma in generale, la creazione di un architetto franco è più pesante e massiccia di un tempio bizantino.

Gli edifici religiosi prevalevano tra l'architettura in pietra dell'era carolingia (la cosiddetta dinastia dei re franchi, il cui rappresentante più importante era Carlo Magno). Era collegato a quel ruolo speciale.

che la chiesa ha giocato nella vita della società medievale. La più grande proprietaria feudale, giustificava il sistema esistente con i suoi insegnamenti e, in quanto principale committente di opere d'arte, dirigeva imperiosamente lo sviluppo dell'arte nel proprio interesse. Sotto la sua influenza iniziarono a prendere forma rigide regole per la raffigurazione di soggetti sacri, obbligatorie per ogni artista.

Chiesa di Paray-le-Monial. OK. 1100. Francia.

Chiese e palazzi carolingi erano decorati con dipinti e mosaici e nei templi sono state trovate anche sculture. Tuttavia, molti monumenti sono morti e possiamo giudicare il lavoro degli artisti carolingi solo dalle lastre scolpite che ci sono pervenute. Avorio, gioielli, preziosi stipendi di libri scritti a mano e principalmente dalle illustrazioni di questi libri - miniature. I libri nell'alto medioevo erano rari. Furono creati da ordini di imperatori, grandi feudatari, vescovi e abati di monasteri in officine speciali - scriptoria. In epoca carolingia, gli scriptoria esistevano alla corte reale e nei grandi centri ecclesiastici. A differenza dei loro predecessori, gli artisti dei secoli VIII-IX. ha studiato attentamente le opere di maestri romani e bizantini e ha imparato molto da loro. L'elemento di design principale nei libri erano le miniature delle storie raffiguranti attori% di paesaggi, sfondo architettonico (vedi Miniatura).

IN epoca romanica L'architettura ha svolto un ruolo di primo piano nella creatività artistica. Entro l'XI secolo vasta costruzione in pietra dispiegata in tutta Europa. Durante la costruzione di edifici in pietra, gli architetti medievali incontrarono una serie di difficoltà tecniche, in particolare durante l'erezione dei soffitti: travi e soffitti in legno spesso bruciavano, mentre le strutture in pietra - archi, cupole, volte - avevano contorni semicircolari e, come un arco teso, sembravano sforzarsi di separare le pareti dell'edificio ai lati. Nel tentativo di evitare ciò, gli architetti romanici realizzarono muri molto spessi e massicci pilastri e supporti.

In un'Europa frammentata e in guerra dei secoli X-XII. i principali tipi di strutture architettoniche erano castello del cavaliere, complesso monastico e tempio. Nell'era dei conflitti civili e delle guerre, gli edifici in pietra servivano da protezione contro gli attacchi. Pertanto, gli edifici romanici sono molto simili a una fortezza: hanno mura massicce, finestre strette, alte torri.

Figure degli apostoli. Frammento della decorazione scultorea della facciata della Chiesa di S. Trofim ad Arles. OK. 1180-1200. Francia.

L'arte romanica si rivelava più chiaramente nell'architettura degli edifici ecclesiastici, nella loro decorazione pittoresca e scultorea. Il tempio romanico è caratterizzato da una bellezza severa e coraggiosa, si distingue per imponenza e potere solenne. IN Europa occidentale le chiese avevano una parte centrale allungata. All'interno, questa stanza era divisa da file di sostegni, pilastri o, più spesso, arcate in sale longitudinali più strette - navate. Sul lato occidentale, dove si trovava l'ingresso, era incorniciato o coronato da torri; nella parte orientale era collocato il santuario del tempio - l'altare. Era contrassegnato da una nicchia speciale: l'abside. La parte dell'altare della chiesa era preceduta da una navata trasversale. La lontananza dall'ingresso dell'altare ben illuminato, il cui percorso si snodava attraverso la navata crepuscolare, sottolineava la distanza che, come si credeva allora, sembrava separare l'uomo da dio.

All'interno, le chiese romaniche erano affrescate, all'esterno erano decorate con rilievi dai colori vivaci temi biblici. Le parti di coronamento delle colonne - capitelli - erano decorate con immagini scultoree narrative. Gli artisti romanici non persero il gusto per le decorazioni ornamentali, ma in misura molto maggiore furono attratti dalle immagini di una persona e delle sue azioni. I maestri di quel tempo iniziarono più spesso a rivolgersi all'eredità del passato, conoscevano le opere degli artisti bizantini, erano attenti. Sono stati in grado di notare e trasmettere una posa espressiva, un gesto caratteristico e raccontare in modo divertente l'evento. Per rendere questa storia più espressiva, i maestri del romanico spesso violavano le proporzioni del corpo umano, dettagli individuali ingranditi e movimenti esagerati.

Spesso pittori e scultori davano libero sfogo alla loro fantasia e "abitavano" le pareti dei templi o le pagine dei manoscritti con immagini di creature fantastiche, figure di acrobati, uccelli e animali, immagini mutuate dalle credenze popolari.

Sono sopravvissute poche opere d'arte profana di epoca romanica. E quindi, di particolare interesse è il grande tappeto ricamato che ornava la cattedrale di Bayeux in Francia (XI secolo). Le scene presentate in esso raccontano la conquista dell'Inghilterra da parte dei Normanni.

Fino al 12 ° secolo principale centri culturali c'erano monasteri dove c'erano le persone più istruite, si discuteva di problemi di costruzione, si copiavano libri. Nel XII sec. la superiorità iniziò a spostarsi verso nuovi centri economici e culturali: le città. Qui è nato scienza medievale, l'artigianato e la creatività artistica raggiunsero un'alta fioritura. Le città hanno combattuto con i signori feudali per la loro indipendenza. Tra i cittadini nacquero il libero pensiero e un atteggiamento critico nei confronti del sistema feudale. Durante questo periodo, la poesia cavalleresca raggiunse un'alta fioritura e prese forma la letteratura della classe urbana. Le crociate hanno cambiato le rappresentazioni geografiche degli europei, ampliato la conoscenza del mondo che li circonda. Sembrava enorme e dinamico.

Interno della cattedrale di Notre Dame a Reims. XIII secolo Francia.

In questo periodo in Francia, dove il potere reale combatteva per l'unificazione del paese, iniziò a prendere forma l'arte del gotico, che si diffuse poi in Inghilterra, Germania, Spagna, Repubblica Ceca e altri paesi europei.

L'architettura è rimasta la principale forma d'arte in epoca gotica. Ha incarnato in modo più vivido nuove idee sul mondo che la circonda. Altre forme d'arte, principalmente la scultura, iniziarono ad acquisire un significato indipendente. La più alta creazione gotica è la maestosa cattedrale della città. Nella patria dell'arte gotica, in Francia, furono erette cattedrali su una delle piazze della città. I costruttori che lavorarono alla creazione di un grandioso edificio si unirono in un'organizzazione speciale: una loggia, che comprendeva muratori, falegnami, scultori e soffiatori di vetro che producevano vetri colorati per vetrate. La costruzione era diretta dal maestro capo, un architetto esperto e abile. Gli architetti delle cattedrali gotiche furono audaci sperimentatori. Sono riusciti a sviluppare una struttura complessa che ha permesso di individuare un telaio dell'edificio nell'edificio dai supporti della volta e da ulteriori pilastri portanti - contrafforti. Appositi archi di collegamento - contrafforti rampanti trasferivano la pressione delle volte della navata centrale, più alte di quelle laterali, ai contrafforti posti lungo le pareti. Ora, non il muro, ma questa struttura nel suo insieme sosteneva le volte, così i maestri gotici tagliarono audacemente finestre nelle pareti e furono costruite arcate leggere e alte tra i supporti. Il gotico è caratterizzato da archi ogivali rivolti verso l'alto. Hanno sottolineato la leggerezza e l'aspirazione dell'architettura gotica verso l'alto. In Francia, i maestri hanno pagato Attenzione speciale il disegno della facciata occidentale, riccamente decorata con sculture. Immagini scultoree sono state collocate anche sui portali ai lati della navata trasversale. All'interno della cattedrale, esili pilastri, circondati da esili semicolonne, si innalzavano rapidamente fino alle volte ogivali, le arcate creavano una maestosa prospettiva delle navate.

Nel presbiterio, nelle navate laterali e nell'ordine superiore della navata centrale, numerose finestre brillavano di vetrate policrome. A seconda del tempo, dell'ora del giorno o dell'anno, la luce che penetrava attraverso il vetro colorato colorava l'interno del tempio in modi diversi, rendendolo misterioso o gioiosamente festoso.

La scultura gotica rispetto al romanico è più simile a una statua rotonda. Le figure, sebbene attaccate a una colonna oa un muro, sono diventate più voluminose, sporgono audacemente nello spazio reale. Anche i temi delle immagini sono diventati più diversi. Insieme a soggetti ecclesiastici, apparvero figure di antichi filosofi, re, immagini veritiere di rappresentanti di diversi popoli, illustrazioni di favole edificanti. Le immagini dei santi iniziarono ad assomigliare ai loro contemporanei e apparvero i primi tentativi di creare ritratti di persone secolari. In precedenza, tali immagini venivano trovate solo sulle lapidi di nobili feudatari e rappresentanti di spicco della chiesa. maestri medievali non ha funzionato dalla natura e ha creato immagini di ritratti ideali e rappresentative. In epoca gotica, gli artisti stanno già cercando di conferire al modello caratteristiche realistiche. Gli scultori che intorno al 1250 crearono dodici statue di feudatari nella città tedesca di Naumburg, che donarono fondi per la costruzione del tempio, non poterono vedere i ritratti, che erano morti molto prima. Tuttavia, i maestri li hanno dotati tratti individuali, volti espressivi, gesti caratteristici.

Insieme ai templi in epoca gotica, molta attenzione è stata prestata alla costruzione di edifici secolari: municipi, gallerie commerciali, ospedali e magazzini. Le sale cerimoniali furono riccamente ricostruite nei castelli. Nelle città sono emerse gradualmente due piazze: la cattedrale e il mercato. La città era protetta da alte mura con porte d'ingresso. Il municipio, edificio del magistrato cittadino, era un simbolo dell'autogoverno cittadino. Nei paesi in cui le città erano fiorenti, i municipi a volte potevano competere con la loro grandezza con le cattedrali.

Entro la prima metà del XII secolo, a quanto pare, l'apparizione dell'opera di Teofilo "De Diversis Artibus", che ha descritto in dettaglio la maggior parte delle tecniche e dei metodi di lavoro del pittore, artista del vetro colorato e orafo e argentiere. Lo scritto di Teofilo è una preziosa testimonianza dello Stato pratica artistica 12 ° secolo, la consapevolezza dell'artista della propria.

La personalità di Twophilus, talvolta identificata con Rogier Helmarshausen, è di grande interesse (Theophilus De Diversis Artubus. Ed. di Dodwell C. B. London, 1961. Vedi: Introduzione di Dodwell, pp. XXIII-XLIV.). Un monaco colto che univa la pratica artistica alla conoscenza delle arti liberali non è un fenomeno raro in epoca romanica. Notevole è l'ampiezza della conoscenza pratica di Teofilo nella sua conoscenza delle ultime tendenze del pensiero teologico e filosofico, che applica alla sua arte. L'abilità dell'artista, ovviamente, è percepita da Teofilo come un dono di Dio. Se il talento - ingenium - con il pensiero dell'alto medioevo era spesso associato all'ispirazione divina ed era considerato come una dipendenza diretta della creatività dell'artista da Dio, allora nel XII secolo la partecipazione divina all'opera dell'artista è intesa indirettamente, da analogia della creatività umana con quella divina. Nella prefazione alla sua opera, Teofilo scrive che una persona "creato a immagine e somiglianza di Dio, animato dal soffio divino, dotato di ragione, meritata partecipazione alla sapienza e al talento della mente divina".

Ma sebbene l'uomo, per ostinazione e disobbedienza, abbia perduto il privilegio dell'immortalità, "Egli, tuttavia, ha trasmesso alle generazioni successive il rispetto per le scienze e la conoscenza, in modo che coloro che fanno diligenza in tutte le arti possano acquisire talento e abilità, per così dire, per diritto ereditario". Tutti e sette i benefici riversati dallo spirito santo su una persona - saggezza, comprensione, suscettibilità ai consigli, forza spirituale, conoscenza, pietà, timore di Dio - si riferisce all'artista.

• Artista monaco che dipinge una statua. Miniatura dal manoscritto dell'Apocalisse. Ultimo quarto del XIII sec.
• Un artista che dipinge una statua. Miniatura dal manoscritto della "Decretale di Gregorio IX". Metà del XIV secolo Pittore al lavoro. Foglio del campionario dell'inizio del XIII secolo.

La questione della correlazione dei doni sacri con le virtù umane fu oggetto di discussione nella prima metà del XII secolo negli scritti di Anselmo di Canterbury, Yves di Chartres, Onorio di Autun, Rupert Dvitsky, Abelardo, Bernardo di Nlervos e altri filosofi e teologi del XII secolo. L'artista è inteso come l'erede della sapienza divina. Attraverso il lavoro costante, il miglioramento delle conoscenze e delle abilità, l'artista è in grado di avvicinarsi alla più alta saggezza e abilità che l'uomo possedeva prima della caduta. Una genuina passione per la propria arte oscura a Teofilo tutti gli altri modi di conoscere Dio. Vede una connessione diretta tra l'opera dell'artista ei sette doni dello Spirito Santo, e comprende praticamente il problema dei doni sacri. "Perciò, figlio tremante,- scrive l'autore, rivolgendosi al futuro lettore-studente, - quando avrai addobbato la casa del Signore con tanta bellezza e tanta varietà di prodotti, non dubitare, ma pieno di fede, sappi che è lo spirito del Signore che ha fatto bere il tuo cuore".

La leggenda dell'artista. Miniatura del manoscritto "Canti di Alfonso X". Seconda metà del XIII secolo

Gli scritti di Teofilo mostrano quanto l'artista stesso apprezzasse molto la propria abilità, considerandola una manifestazione diretta della grazia divina. I filosofi, come Ugo di San Vittore, potevano classificare la conoscenza e stabilirne l'ordine gerarchico. Ma per l'artista l'arte era l'unica via possibile per la conoscenza di Dio ed era molto apprezzata.

Teofilo assegna un ruolo importante all'arte nell'attuazione da parte dell'uomo del suo scopo principale: la lode di Dio e il desiderio della sua conoscenza. L'artista, secondo Teofilo, ha presentato ai fedeli il suo lavoro per decorare il tempio "Il paradiso del Signore, fiorito di vari colori, verde di fogliame, e incoronando le anime dei santi con corone di vari meriti", e ha dato loro l'opportunità di "lodare il Creatore nella sua creazione, cantare la meraviglia di ciò che lui creò".

L'opera di Teofilo mostra quanto fosse apprezzata l'opera dell'artista nel XII secolo. Ripete ripetutamente di aver scritto il suo saggio per lodare Dio, e non per amore dell'orgoglio e della vanità terrena. Il suo lavoro ci offre l'opportunità di avvicinarci alla comprensione dell'atmosfera spirituale vissuta dall'artista nella prima metà del XII secolo. Profonda umiltà verso il creatore di tutte le cose, intrecciata con un chiaro senso di importanza e valore lavoro creativo, caratterizza l'atteggiamento dell'artista di quel tempo nei confronti del mondo, nell'ordine armonioso di cui si sente un anello necessario e occupa il posto che gli spetta.

Il libro di Teofilo ci rivela il sistema di pensieri e sentimenti che l'artista visse alla vigilia dell'apparizione del gotico. È interessante notare che le idee che riguardano Teofilo sulla decorazione di un tempio come atto gradito a Dio, lodando il creatore e permettendo ai credenti di ascendere alla sua anima, saranno sviluppate su un diverso livello filosofico da Suger, l'ispiratore dello stile gotico e il costruttore del primo tempio gotico negli anni '40 del XII secolo: la basilica dell'abbazia reale di Saint-Denis vicino a Parigi.

• Foglio da un manoscritto alsaziano. Ultimo quarto del XII secolo
• Foglio da un manoscritto francese dell'inizio del X secolo.
• Foglio dal manoscritto di Ademar di Chabannes. OK. 1025

Il prossimo lavoro sopravvissuto sulla tecnica delle belle arti è il famoso album dell'architetto francese Villard de Honnecourt, risalente agli anni '30 del XIII secolo e conservato a Parigi Biblioteca Nazionale. L'album è una fonte inestimabile per lo studio dell'artigianato gotico. Si tratta di una raccolta estremamente curiosa di campioni per l'artista e scultore, schizzi dal vero, immagini di meccanismi, disegni di dettagli architettonici, piante e rappresentazione schematica"segreti" arte gotica.

Sebbene il libro di Theophilus e l'album di Villard de Honnecourt siano completamente diversi per tradizione, carattere e livello di istruzione degli autori, c'è un'irresistibile tentazione di confrontare gli scritti tra loro. Poiché i manoscritti sono stati creati da artisti professionisti, praticanti delle belle arti, questo parallelo non sarebbe troppo artificioso. Hanno molto in comune tra loro, ognuno è abbastanza tipico per il suo tempo. Il libro di Teofilo è opera di un monaco colto del XII secolo, che fu allo stesso tempo artista e artigiano. Il manoscritto è scritto in modo semplice, chiaro, in buon latino, e le dettagliate discussioni di Teofilo sullo scopo e lo scopo delle arti rivelano una conoscenza delle principali direzioni del pensiero filosofico dell'epoca. Lo scopo dell'arte, come scopo della sua composizione, il monaco vede nel servizio e nella lode di Dio. All'inizio di ogni sezione del libro, l'autore si rivolge agli studenti con un lungo discorso, dove rivela la pietà dell'opera dell'artista, invita al servizio, alla pazienza e alla consapevolezza che le conoscenze e le capacità loro concesse provengono dalla misericordia di Dio. L'album di Villard, a differenza dell'opera di Theophilus, non è un saggio, ma un album di schizzi di lavoro, un taccuino di un architetto gotico professionista che non appartiene a un ambiente monastico, accompagnato da brevi spiegazioni in francese antico.

La lunga e dettagliata introduzione di Teofilo al primo libro, scritta con gusto, si conclude con un discorso ai suoi discepoli: “Se rileggerai spesso questo e lo conserverai ben saldo nella tua memoria, mi ricompenserai, per quante volte beneficerai per te stesso del mio lavoro, tante volte pregherai per me Dio onnipotente misericordioso, il quale sa che io ha scritto il mio lavoro non per amore della lode umana, non per l'avidità di una ricompensa in questo mondo, che è transitoria, e non ha nascosto nulla di prezioso o raro per invidia, non ha risparmiato nulla per se stesso personalmente, ma ha aiutato i bisogni di molti e aiutato con consigli per aumentare l'onore e la gloria del nome di Dio ".

Album di Villard de Honnecourt: fogli 14, 27; foglio 15 - pianta del coro ideale di una chiesa gotica (pianta della cattedrale di Meaux); foglio 17 - pianta del coro della chiesa di Vossel e figura.

L'introduzione di Villard è più simile a una concisa e breve trascrizione del pensiero conclusivo di Teofilo nella sua introduzione, presentato peraltro da quest'ultimo in elegante forma letteraria: "Villars de Honnecourt ti saluta e chiede a tutti coloro che lavoreranno con i mezzi indicati in questo libro di pregare per la sua anima e di ricordarlo. Perché in questo libro puoi trovare ottimi consigli sulla grande abilità della costruzione in pietra e della falegnameria. Troverai qui l'arte del disegno, nonché i fondamenti richiesti e insegnati dalla scienza della geometria". Breve, tono professionale, niente di più, noi stiamo parlando solo per quanto riguarda la cosa più importante, il contenuto e lo scopo dell'intero libro sono delineati in poche frasi succinte, il tradizionale appello agli studenti è estremamente breve e limitato a un saluto con la richiesta di pregare per l'autore dell'album in segno di gratitudine per il suo lavoro. Che contrasto con il tono positivo e istruttivo di Teofilo, la costante enfasi sulla connessione dell'arte con Dio, le descrizioni meschine e dettagliate delle ricette. Potrebbe essere una forzatura vedere questa differenza non solo come conseguenza della differenza tra due tipi distinti di manuale tecnico del Medioevo - un trattato e un album di campioni - non solo come risultato del fatto che gli autori appartenevano a diversi strati della società medievale, ma, tuttavia, sembra che questo contrasto sia dovuto anche al secolo che intercorre tra la creazione delle due opere analizzate.

Proprio come Teofilo nella sua opera esprimeva l'atteggiamento dell'artista romanico e la sua idea del suo posto nella vita e lo scopo della sua arte, così Villard de Honnecourt nel suo album rifletteva le caratteristiche tipiche dell'architetto gotico con le sue idee sul mondo. In primo luogo, professionalità, conoscenza della pratica artistica, compresa l'architettura, la scultura e l'ingegneria, che era comune e tradizionale nel Medioevo. Inoltre, il testo di Villard non dice nulla sulla sua conoscenza delle tendenze del pensiero teologico o filosofico. Quindi - democrazia, chiarezza di schemi, disegni ed esempi, il testo di accompagnamento non è in latino, ma in francese antico.

La caratteristica successiva è un'estrema curiosità per tutto ciò che è senza precedenti, divertente, raro, interessante, costringendolo a disegnare un leone insieme ad altri animali rari. Quindi - osservazione, preoccupazione per le impressioni visive, forse sostituendo una solida educazione; la conoscenza di diversi paesi, i viaggi che Villard ha fatto, l'esperienza, la profonda conoscenza della pratica della sua arte. Non meno di caratteristicaè il soggettivismo dei giudizi sull'arte, la scelta per schizzi di dettagli architettonici, scene e figure secondo il gusto personale di Villard, che il maestro non ha mancato di dichiarare più volte. Quest'ultimo è di particolare interesse, esprimendo la crescente autocoscienza dell'artista gotico.

L'album di Villar, essendo un album di campioni e una guida tecnica per altri maestri, è rimasto un taccuino personale, un album di viaggio, dove è stato abbozzato tutto ciò che sembrava interessante. "Ecco la pianta del coro della nostra chiesa santa vergine Maria a Cambrai. "Ho disegnato queste finestre perché mi piacevano più di altre". Infine, la sua pietà tradizionale, in qualche modo formale, è caratteristica, espressa in un picchiettio in una frase e nettamente diversa dalla pietà dettagliata e dettagliata di Teofilo.

L'idea del patrocinio dell'artista da parte di Dio, oh dio aiuto a un uomo che "la destra divina dirige nella sua attività" acquisisce infatti nel tempo una sfumatura alquanto formale, sebbene conservi il suo antico significato nei paesi transalpini incomparabilmente più a lungo che in Italia. Continua a farsi sentire nei trattati dei maestri del tardo gotico, discutendo con entusiasmo degli aspetti tecnici e artistici del loro mestiere, fino al XVI secolo. Ha segnato i trattati di Albert Dürer e Niklas Hilliard.

Non meno significativo è lo stile rapido, impetuoso e dinamico delle brevi spiegazioni di Villard. Mi piacerebbe vedere in esso la manifestazione dello spirito dell'atmosfera professionale che si sviluppò intorno alla costruzione della cattedrale gotica. È estremamente importante per caratterizzare l'artista medievale che il taccuino e l'album degli schizzi di viaggio di Villard siano diventati in seguito un libro modello per un'intera bottega. A quanto pare, già dopo la morte di Villar, l'album è stato integrato con disegni e registrazioni di altri due maestri rimasti anonimi. Sono comunemente indicati come "Master 2" e "Master 3".

Sebbene il processo di separazione del singolo artista dall'ambiente corporativo si sviluppò lentamente ma inesorabilmente durante i secoli XIII-XIV, l'artista gotico percepiva se stesso e la sua abilità solo in una connessione aziendale, come limitato da quei quadri e norme che gli venivano presentati da la stessa completezza dell'arte gotica e di cui il mondo gotico lo circondava.

Quindi dalle pagine manuali tecnici su arte, raccolte di ricette, regole e album di campioni, affrontiamo le figure degli artisti medievali - i loro autori, con le loro idee su se stessi e gli obiettivi del loro lavoro, con il loro senso del mondo e il loro posto in esso.

Tag: Teoria dell'arte (filosofia)

Storia della cultura mondiale e russa: appunti delle lezioni di Konstantinov SV

4. Pittura del Medioevo

4. Pittura del Medioevo

Poiché le tribù barbare erano costantemente nomadi, la loro arte antica è rappresentata principalmente da:

1) armi;

2) gioielli;

3) vari utensili.

Preferivano i maestri barbari colori luminosi e materiali costosi, mentre non si apprezzava di più la bellezza del prodotto, ma il materiale con cui era realizzato.

La pittura romana servì da modello per i miniaturisti. L'autore di una miniatura medievale non è solo un illustratore; Lui narratore di talento, che in una scena è riuscito a trasmettere sia la leggenda che il suo significato simbolico.

"Rinascimento carolingio" (francese) Rinascimento"Rinascimento"): è così che i ricercatori hanno chiamato l'arte di quest'epoca. Molti monasteri franchi avevano scriptoria (laboratori di scrittura di libri), in cui i monaci riscrivevano antichi manoscritti e ne compilavano di nuovi, sia ecclesiastici che secolari. I manoscritti erano inseriti in cornici di avorio o metalli nobili con inserti da pietre preziose. Nella progettazione di libri, oltre a ornamento complesso, motivi spesso usati Arte cristiana- ghirlande, croci, figurine di angeli e uccelli.

Verso la fine del III sec. il rotolo di papiro fu sostituito dalla pergamena; invece dello stile (bastoncini per scrivere), iniziarono a usare piume di uccelli.

Nell'era dei Carolingi, l'arte dell'illustrazione di libri in miniatura raggiunse una straordinaria fioritura. Non c'erano scuole in miniatura, ma c'erano centri per la produzione di manoscritti illustrati nei monasteri (ad esempio, un laboratorio di scrittura di libri ad Aquisgrana).

I templi carolingi erano decorati in modo molto modesto all'esterno, ma all'interno brillavano di pitture murali: affreschi. Molti ricercatori hanno notato la grande importanza delle belle arti in un mondo barbaro in cui la maggior parte delle persone non sapeva leggere. Ad esempio, nella chiesa di S. Giovanni Battista (VIII secolo) nella città di Müster (moderna Svizzera) sono i più antichi famosi affreschi. L'arte dell'Impero Ottone ha svolto un ruolo enorme nello sviluppo dello stile romanico.

I murales del periodo romanico non sono stati praticamente conservati. Erano edificanti; i movimenti, i gesti e i volti dei personaggi erano espressivi; le immagini sono planari. Di norma, le scene bibliche erano raffigurate sulle volte e sulle pareti del tempio. Sul muro occidentale c'erano scene del Giudizio Universale.

Nei secoli XIII-XIV. insieme ai libri sacri, riccamente illustrati con immagini di santi e scene della Storia Sacra, si sono diffusi:

1) libri d'ore (raccolte di preghiere);

2) romanzi;

3) cronache storiche.