Ogni periodo della storia umana ha lasciato qualcosa di proprio, unico, a differenza degli altri. L'Europa è stata più fortunata in questo senso: ha sperimentato numerosi cambiamenti nella coscienza, nella cultura e nell'arte umana. Il declino del periodo antico segnò l'avvento dei cosiddetti “secoli bui” - il Medioevo. Ammettiamolo, è stato un momento difficile: la chiesa ha soggiogato tutti gli aspetti della vita dei cittadini europei, la cultura e l'arte erano in profondo declino.
Qualsiasi dissenso che contraddicesse le Sacre Scritture veniva severamente punito dall'Inquisizione, un tribunale creato appositamente per perseguitare gli eretici. Tuttavia, prima o poi tutti i problemi si risolvono: questo è ciò che accadde nel Medioevo. L'oscurità fu sostituita dalla luce: il Rinascimento o il Rinascimento. Il Rinascimento fu un periodo di “rinascita” culturale, artistica, politica ed economica europea dopo il Medioevo. Contribuì alla riscoperta della filosofia, della letteratura e dell'arte classica.
Alcuni dei più grandi pensatori, autori, statisti, scienziati e artisti della storia umana furono creati durante quest'epoca. Furono fatte scoperte nella scienza e nella geografia e il mondo fu esplorato. Questo periodo, benedetto per gli scienziati, durò quasi tre secoli dal XIV al XVII secolo. Parliamone più in dettaglio.
Rinascimento
Il Rinascimento (dal francese Re - ancora, ancora, naissance - nascita) segnò un ciclo completamente nuovo nella storia d'Europa. È stato preceduto dal periodo medievale, quando l'educazione culturale degli europei era agli albori. Con la caduta dell'Impero Romano nel 476 e la sua divisione in due parti: occidentale (con centro a Roma) e orientale (Bisanzio), anche i valori antichi caddero in decadenza. Da un punto di vista storico, tutto è logico: l'anno 476 è considerato la data di fine del periodo antico. Ma dal punto di vista culturale tale patrimonio non dovrebbe semplicemente scomparire. Bisanzio seguì il proprio percorso di sviluppo: la capitale Costantinopoli divenne presto una delle città più belle del mondo, dove furono creati capolavori architettonici unici, apparvero artisti, poeti, scrittori e furono create enormi biblioteche. In generale, Bisanzio apprezzava la sua antica eredità.
La parte occidentale dell'ex impero si sottomise alla giovane Chiesa cattolica, la quale, temendo di perdere influenza su un territorio così vasto, bandì rapidamente sia la storia che la cultura antiche e non permise lo sviluppo di una nuova. Questo periodo divenne noto come Medioevo o Tempi Oscuri. Anche se, in tutta onestà, notiamo che non tutto era così brutto: fu in quel momento che nuovi stati apparvero sulla mappa del mondo, fiorirono le città, apparvero i sindacati e i confini dell'Europa si espansero. E, cosa più importante, c’è un’impennata nello sviluppo tecnologico. Nel Medioevo furono inventati più oggetti che nel millennio precedente. Ma, ovviamente, questo non bastava.
Il Rinascimento stesso è solitamente diviso in quattro periodi: Proto-Rinascimento (seconda metà del XIII secolo - XV secolo), Primo Rinascimento (intero XV secolo), Alto Rinascimento (fine del XV secolo - primo quarto del XVI secolo) e Tardo Rinascimento (metà del XVI secolo – fine del XVI secolo). Naturalmente, queste date sono molto arbitrarie: dopo tutto, ogni stato europeo ha avuto il proprio Rinascimento secondo il proprio calendario e il proprio tempo.
Emersione e sviluppo
Qui è necessario notare il seguente fatto curioso: la caduta fatale nel 1453 ha avuto un ruolo nell'emergere e nello sviluppo (in misura maggiore nello sviluppo) del Rinascimento. Coloro che hanno avuto la fortuna di sfuggire all'invasione dei turchi sono fuggiti in Europa, ma non a mani vuote: le persone hanno portato con sé molti libri, opere d'arte, fonti antiche e manoscritti, fino ad allora sconosciuti all'Europa. L'Italia è ufficialmente considerata la culla del Rinascimento, ma anche altri paesi subirono l'influenza del Rinascimento.
Questo periodo si distingue per l'emergere di nuove tendenze nella filosofia e nella cultura, ad esempio l'umanesimo. Nel XIV secolo, il movimento culturale dell'umanesimo cominciò a prendere slancio in Italia. Tra i suoi numerosi principi, l’umanesimo promuoveva l’idea che l’uomo fosse il centro del proprio universo e che la mente avesse un potere incredibile in grado di capovolgere il mondo. L'umanesimo ha contribuito a un aumento di interesse per la letteratura antica.
Filosofia, letteratura, architettura, pittura
Tra i filosofi apparvero nomi come Nicola di Cusa, Nicolò Machiavelli, Tomaso Campanella, Michel Montaigne, Erasmo da Rotterdam, Martin Lutero e molti altri. Il Rinascimento diede loro la possibilità di creare le proprie opere, secondo il nuovo spirito dei tempi. I fenomeni naturali furono studiati più a fondo e si tentò di spiegarli. E al centro di tutto questo, ovviamente, c'era l'uomo, la principale creazione della natura.
Anche la letteratura sta subendo cambiamenti: gli autori creano opere che glorificano gli ideali umanistici, mostrando il ricco mondo interiore dell'uomo e le sue emozioni. Il fondatore del Rinascimento letterario fu il leggendario fiorentino Dante Alighieri, che creò la sua opera più famosa “Commedia” (in seguito chiamata “La Divina Commedia”). In modo piuttosto libero, descrisse l'inferno e il paradiso, cosa che alla chiesa non piaceva affatto - solo lei dovrebbe saperlo per influenzare le menti delle persone. Dante se la cavò facilmente: fu solo espulso da Firenze, con il divieto di tornare indietro. Oppure avrebbero potuto essere bruciati come eretici.
Altri autori del Rinascimento includono Giovanni Boccaccio (“Il Decameron”), Francesco Petrarca (i suoi sonetti lirici divennero un simbolo del primo Rinascimento), William Shakespeare (non ha bisogno di presentazioni), Lope de Vega (drammaturgo spagnolo, la sua opera più famosa è “Il Cane”) nella mangiatoia"), Cervantes (Don Chisciotte). Una caratteristica distintiva della letteratura di questo periodo erano le opere nelle lingue nazionali: prima del Rinascimento tutto era scritto in latino.
E, naturalmente, non si può non menzionare una cosa tecnica rivoluzionaria: la macchina da stampa. Nel 1450, nel laboratorio dello stampatore Johannes Gutenberg, fu creata la prima macchina da stampa, che rese possibile pubblicare libri in volumi più grandi e renderli accessibili alle masse, aumentandone così l'alfabetizzazione. A loro discapito, man mano che sempre più persone imparavano a leggere, scrivere e interpretare le idee, iniziarono a esaminare e criticare la religione come la conoscevano.
La pittura rinascimentale è conosciuta in tutto il mondo. Citiamo solo alcuni nomi che tutti conoscono: Pietro della Francesco, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Rafael Santi, Michelandelo Bounarrotti, Tiziano, Pieter Bruegel, Albrecht Durer. Una caratteristica distintiva della pittura di questo periodo è l'apparizione di un paesaggio sullo sfondo, che conferisce realismo e muscoli ai corpi (vale sia per gli uomini che per le donne). Le donne sono raffigurate "nel corpo" (ricordate la famosa espressione "la ragazza di Tiziano" - una ragazza paffuta nel succo stesso, che simboleggia la vita stessa).
Cambia anche lo stile architettonico: il gotico viene sostituito dal ritorno all'antico tipo di costruzione romano. Appare la simmetria, vengono eretti di nuovo archi, colonne e cupole. In generale, l'architettura di questo periodo dà origine al classicismo e al barocco. Tra i nomi leggendari ci sono Filippo Brunelleschi, Michelangelo Bounarrotti, Andrea Palladio.
Il Rinascimento terminò alla fine del XVI secolo, lasciando il posto a un nuovo Tempo e al suo compagno: l'Illuminismo. Nel corso di tutti e tre i secoli, la Chiesa ha combattuto la scienza come meglio poteva, usando tutto ciò che poteva, ma non è mai stata completamente sconfitta: la cultura ha continuato a fiorire, sono apparse nuove menti che hanno sfidato il potere degli uomini di chiesa. E il Rinascimento è ancora oggi considerato la corona della cultura medievale europea, lasciando dietro di sé monumenti che testimoniano quegli eventi lontani.
Rinascimento o Rinascimento (Rinascimento italiano, Rinascimento francese) - restauro dell'educazione antica, rinascita della letteratura classica, dell'arte, della filosofia, degli ideali del mondo antico, distorti o dimenticati nel periodo “oscuro” e “arretrato” del Medioevo per l'Occidente Europa. Fu la forma che prese il movimento culturale conosciuto sotto il nome di umanesimo dalla metà del XIV all'inizio del XVI secolo (vedi breve e articoli al riguardo). È necessario distinguere l'umanesimo dal Rinascimento, che è solo il tratto più caratteristico dell'umanesimo, che cercava sostegno per la sua visione del mondo nell'antichità classica. La culla del Rinascimento è l'Italia, dove l'antica tradizione classica (greco-romana), che aveva carattere nazionale per gli italiani, non è mai tramontata. In Italia l'oppressione del Medioevo non fu mai particolarmente sentita. Gli italiani si chiamavano "latini" e si consideravano discendenti degli antichi romani. Sebbene l'impulso iniziale al Rinascimento provenisse in parte da Bisanzio, la partecipazione dei greci bizantini ad esso fu trascurabile.
Rinascimento. video
In Francia e Germania lo stile antico si mescolava con elementi nazionali, che nel primo periodo del Rinascimento, il Primo Rinascimento, apparvero più nettamente che nelle epoche successive. Il tardo Rinascimento sviluppò gli esempi antichi in forme più lussuose e potenti, da cui gradualmente si sviluppò il Barocco. Mentre in Italia lo spirito del Rinascimento penetrò quasi uniformemente in tutte le arti, negli altri paesi solo l'architettura e la scultura furono influenzate da modelli antichi. Il Rinascimento subì anche elaborazioni nazionali nei Paesi Bassi, in Inghilterra e in Spagna. Dopo che il Rinascimento degenerò in rococò, arrivò una reazione, espressa nella più stretta aderenza all'arte antica, ai modelli greci e romani in tutta la loro primitiva purezza. Ma questa imitazione (soprattutto in Germania) portò infine a un'eccessiva aridità, che all'inizio degli anni '60 del XIX secolo. tentò di superarlo ritornando al Rinascimento. Tuttavia, questo nuovo regno del Rinascimento nell'architettura e nell'arte durò solo fino al 1880. Da quel momento in poi, accanto ad esso, il barocco e il rococò iniziarono di nuovo a fiorire.
Il risveglio si divide in 4 fasi:
Protorinascimento (2a metà del XIII secolo - XIV secolo)
Primo Rinascimento (inizio XV secolo - fine XV secolo)
Alto Rinascimento (fine XV - primi vent'anni del XVI secolo)
Tardo Rinascimento (metà del XVI - anni '90 del XVI secolo)
Protorinascimento
Il Protorinascimento è strettamente connesso con il Medioevo, con romanico, Gotico tradizioni, questo periodo fu la preparazione al Rinascimento. Questo periodo è diviso in due sottoperiodi: prima della morte di Giotto di Bondone e dopo (1337). Le scoperte più importanti, i maestri più brillanti vivono e lavorano nel primo periodo. Il secondo segmento è associato all’epidemia di peste che colpì l’Italia. Tutte le scoperte sono state fatte a livello intuitivo. La prima arte del protorinascimento si manifestò nella scultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). La pittura è rappresentata da due scuole d'arte: Firenze ( Cimabue, Giotto) e Siena ( Duccio, Simone Martini).
Primo Rinascimento
Il periodo del cosiddetto “Primo Rinascimento” copre in Italia il periodo dal 1420 a 00 dell'anno"1500 LINK IPERTESTUALE "anno%221500%A0anno"dell'anno. Nel corso di questi ottant'anni l'arte non ha ancora abbandonato del tutto le tradizioni del recente passato, ma ha cercato di fondere in esse elementi presi in prestito dall'antichità classica. Solo più tardi, e solo poco a poco, sotto l'influenza di condizioni di vita e di cultura sempre più mutevoli, gli artisti abbandonano completamente le basi medievali e utilizzano con audacia esempi di arte antica, sia nel concetto generale delle loro opere che nei loro dettagli.
Mentre l'arte in Italia seguiva già risolutamente la via dell'imitazione dell'antichità classica, in altri paesi aderì a lungo alle tradizioni dello stile gotico. Nord di Alpi, così come in Spagna Il Rinascimento inizia solo alla fine del XV secolo e il suo primo periodo dura all'incirca fino alla metà del secolo successivo.
Alto Rinascimento
Il terzo periodo del Rinascimento - il periodo del più magnifico sviluppo del suo stile - è solitamente chiamato "Alto Rinascimento". Si estende in Italia per circa 1500 Di %% 20 anni"1527 LINK IPERTESTUALE "20anno%221527%20anno"anno. In questo periodo, il centro d'influenza dell'arte italiana si spostò da Firenze a Roma, grazie all'ascesa al soglio pontificio Giulia II- un uomo ambizioso, coraggioso e intraprendente, che attirò alla sua corte i migliori artisti d'Italia, li occupò con numerose e importanti opere e diede ad altri un esempio di amore per l'arte. Sotto questo Papa e sotto i suoi immediati successori, Roma diventa, per così dire, nuova Atene volte Pericle: qui vengono costruiti molti edifici monumentali, vengono realizzate magnifiche opere di scultura, vengono dipinti affreschi e dipinti, che sono ancora considerati le perle della pittura; allo stesso tempo, tutti e tre i rami dell'arte vanno armoniosamente di pari passo, aiutandosi a vicenda e influenzandosi a vicenda. L'antichità viene ora studiata più a fondo, riprodotta con maggiore rigore e coerenza; la calma e la dignità sostituiscono la giocosa bellezza che era l'aspirazione del periodo precedente; i ricordi del Medioevo scompaiono completamente e un'impronta completamente classica cade su tutte le creazioni d'arte. Ma l'imitazione degli antichi non soffoca la loro indipendenza negli artisti, ed essi, con grande intraprendenza e vivacità di immaginazione, rielaborano liberamente e applicano al loro lavoro ciò che ritengono opportuno prendere in prestito dall'antica arte greco-romana.
L'opera di tre grandi maestri italiani segna l'apice del Rinascimento, questo è Leonardo Da Vinci (1452 - 1519), Michelangelo Buonarroti(1475 - 1564) e Raffaele Santi (1483 - 1520).
Tardo Rinascimento
Il tardo Rinascimento in Italia abbraccia il periodo che va dal 1530 al 1590 fino al 1620. Alcuni ricercatori considerano anche gli anni Trenta del Seicento come parte del Tardo Rinascimento, ma questa posizione è controversa tra critici e storici dell'arte. L'arte e la cultura di questo tempo sono così diverse nelle loro manifestazioni che è possibile ridurle a un denominatore solo con un ampio grado di convenzione. Per esempio, Enciclopedia Britannica scrive che “Il Rinascimento come periodo storico integrale si è concluso con % caduta di Roma nel 1527." Trionfante nel Sud Europa Controriforma, che considerava con cautela ogni libero pensiero, inclusa la glorificazione del corpo umano e la resurrezione degli ideali dell'antichità come pilastri dell'ideologia rinascimentale. Le contraddizioni della visione del mondo e un generale sentimento di crisi hanno portato a Firenze nell'arte “nervosa” dei colori artificiosi e delle linee spezzate - manierismo. IN Parma dove ha lavorato Correggio, il manierismo arrivò solo dopo la morte dell’artista nel 1534. Nelle tradizioni artistiche Venezia aveva una propria logica di sviluppo; fino alla fine degli anni '70 del Cinquecento. ha lavorato lì Tiziano E Palladio, la cui opera aveva poco in comune con la crisi dell'arte di Firenze e Roma.
Rinascimento settentrionale
Fino a quel momento il Rinascimento italiano non ebbe praticamente alcuna influenza sugli altri paesi 1450 d. Dopo 1500 Lo stile si diffuse in tutto il continente, ma molte influenze tardo gotiche persistettero anche in quell'epoca barocco.
Il periodo rinascimentale nei Paesi Bassi, in Germania e in Francia è solitamente identificato come un movimento stilistico separato, che presenta alcune differenze con il Rinascimento in Italia, ed è chiamato "Rinascimento del Nord". Le differenze stilistiche più evidenti sono nella pittura: a differenza dell'Italia, nella pittura le tradizioni e le competenze si sono conservate da molto tempo 00108000 Gotico nell'arte, minore attenzione fu riservata allo studio del patrimonio antico e alla conoscenza dell'anatomia umana.
Rappresentanti eccezionali -% Alberto Dürer, Hans Holbein il Giovane, Lucas Cranach il Vecchio, Pieter Bruegel il Vecchio. Alcune opere di maestri del tardo gotico, come Jan van Eyck E Hans Memling.
Il risveglio si divide in 4 fasi:
Protorinascimento (2a metà del XIII secolo - XIV secolo)
Primo Rinascimento (inizio XV secolo - fine XV secolo)
Alto Rinascimento (fine XV - primi vent'anni del XVI secolo)
Tardo Rinascimento (metà del XVI - anni '90 del XVI secolo)
Protorinascimento
Il Protorinascimento è strettamente connesso con il Medioevo, con le tradizioni romanica e gotica; questo periodo fu la preparazione al Rinascimento. Questo periodo è diviso in due sottoperiodi: prima della morte di Giotto di Bondone e dopo (1337). Le scoperte più importanti, i maestri più brillanti vivono e lavorano nel primo periodo. Il secondo segmento è associato all’epidemia di peste che colpì l’Italia. Tutte le scoperte sono state fatte a livello intuitivo. Alla fine del XIII secolo a Firenze fu eretto l'edificio principale del tempio: la Cattedrale di Santa Maria del Fiore, l'autore fu Arnolfo di Cambio, poi i lavori furono continuati da Giotto, che progettò il campanile del Duomo di Firenze.
Benozzo Gozzoli raffigurò l'adorazione dei Magi come un solenne corteo dei cortigiani medicei
La prima arte del protorinascimento apparve nella scultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). La pittura è rappresentata da due scuole d'arte: Firenze (Cimabue, Giotto) e Siena (Duccio, Simone Martini). Giotto divenne la figura centrale della pittura. Gli artisti del Rinascimento lo consideravano un riformatore della pittura. Giotto ha delineato il percorso lungo il quale si è svolto il suo sviluppo: riempimento di forme religiose con contenuti secolari, un graduale passaggio dalle immagini piatte a quelle tridimensionali e in rilievo, un aumento del realismo, ha introdotto nella pittura il volume plastico delle figure e ha raffigurato l'interno nella pittura.
Primo Rinascimento
Il periodo del cosiddetto “Primo Rinascimento” copre il periodo dal 1420 al 1500 in Italia. Nel corso di questi ottant'anni l'arte non ha ancora abbandonato del tutto le tradizioni del recente passato, ma ha cercato di fondere in esse elementi presi in prestito dall'antichità classica. Solo più tardi, e solo poco a poco, sotto l'influenza di condizioni di vita e di cultura sempre più mutevoli, gli artisti abbandonano completamente le basi medievali e utilizzano con audacia esempi di arte antica, sia nel concetto generale delle loro opere che nei loro dettagli.
Mentre l'arte in Italia seguiva già risolutamente la via dell'imitazione dell'antichità classica, in altri paesi aderì a lungo alle tradizioni dello stile gotico. A nord delle Alpi, e anche in Spagna, il Rinascimento non inizia prima della fine del XV secolo, e il suo primo periodo dura fino a circa la metà del secolo successivo.
Alto Rinascimento
La richiesta per "Alto Rinascimento" viene reindirizzata qui. È necessario un articolo separato su questo argomento.
“Pietà del Vaticano” di Michelangelo (1499): nella trama religiosa tradizionale vengono messi in primo piano semplici sentimenti umani: amore materno e dolore
Il terzo periodo del Rinascimento - il periodo del più magnifico sviluppo del suo stile - è solitamente chiamato "Alto Rinascimento". Si estende in Italia dal 1500 al 1527 circa. In questo momento, il centro d'influenza dell'arte italiana da Firenze si trasferì a Roma, grazie all'ascesa al trono papale di Giulio II - un uomo ambizioso, coraggioso e intraprendente, che attirò alla sua corte i migliori artisti d'Italia, li occupò con numerose ed importanti opere e diede ad altri un esempio di amore per l'arte. Sotto questo Papa e sotto i suoi immediati successori, Roma diventa, per così dire, la nuova Atene dei tempi di Pericle: vi vengono costruiti molti edifici monumentali, vengono realizzate magnifiche opere scultoree, vengono dipinti affreschi e dipinti, che sono ancora considerati le perle della pittura; allo stesso tempo, tutti e tre i rami dell'arte vanno armoniosamente di pari passo, aiutandosi a vicenda e influenzandosi a vicenda. L'antichità viene ora studiata più a fondo, riprodotta con maggiore rigore e coerenza; la calma e la dignità sostituiscono la giocosa bellezza che era l'aspirazione del periodo precedente; i ricordi del Medioevo scompaiono completamente e un'impronta completamente classica cade su tutte le creazioni d'arte. Ma l'imitazione degli antichi non soffoca la loro indipendenza negli artisti, ed essi, con grande intraprendenza e vivacità di immaginazione, rielaborano liberamente e applicano al loro lavoro ciò che ritengono opportuno prendere in prestito dall'antica arte greco-romana.
Tardo Rinascimento
Crisi rinascimentale: il Tintoretto veneziano nel 1594 raffigura l'Ultima Cena come un incontro clandestino in inquietanti riflessi crepuscolari
Il tardo Rinascimento in Italia abbraccia il periodo che va dal 1530 al 1590 fino al 1620. Alcuni ricercatori considerano anche gli anni Trenta del Seicento come parte del Tardo Rinascimento, ma questa posizione è controversa tra critici e storici dell'arte. L'arte e la cultura di questo tempo sono così diverse nelle loro manifestazioni che è possibile ridurle a un denominatore solo con un ampio grado di convenzione. Ad esempio, l'Enciclopedia Britannica scrive che "Il Rinascimento come periodo storico coerente terminò con la caduta di Roma nel 1527". Nell’Europa meridionale trionfò la Controriforma, che guardava con diffidenza a qualsiasi libero pensiero, compresa la glorificazione del corpo umano e la resurrezione degli ideali dell’antichità come pilastri dell’ideologia rinascimentale. Le contraddizioni della visione del mondo e un generale sentimento di crisi hanno portato a Firenze nell'arte “nervosa” dei colori artificiosi e delle linee spezzate: il manierismo. Il Manierismo raggiunse Parma, dove il Correggio lavorò, solo dopo la morte dell’artista nel 1534. Le tradizioni artistiche di Venezia avevano una propria logica di sviluppo; fino alla fine degli anni Settanta del Cinquecento. Vi lavorarono Tiziano e Palladio, la cui opera aveva poco in comune con la crisi dell'arte di Firenze e Roma.
Rinascimento settentrionale
Articolo principale: Rinascimento settentrionale
Il Rinascimento italiano ebbe poca influenza sugli altri paesi fino al 1450. Dopo il 1500 lo stile si diffuse in tutto il continente, ma molte influenze del tardo gotico persistettero anche nell’era barocca.
Il periodo rinascimentale nei Paesi Bassi, in Germania e in Francia è solitamente identificato come un movimento stilistico separato, che presenta alcune differenze con il Rinascimento in Italia, ed è chiamato “Rinascimento settentrionale”.
“Love Struggle in a Dream” (1499) è uno dei più alti risultati della stampa rinascimentale
Le differenze stilistiche più evidenti sono nella pittura: a differenza dell'Italia, le tradizioni e le abilità dell'arte gotica sono state preservate a lungo nella pittura, meno attenzione è stata prestata allo studio del patrimonio antico e alla conoscenza dell'anatomia umana.
Rappresentanti di spicco sono Albrecht Dürer, Hans Holbein il Giovane, Lucas Cranach il Vecchio, Pieter Bruegel il Vecchio. Anche alcune opere dei maestri del tardo gotico, come Jan van Eyck e Hans Memling, sono intrise dello spirito pre-rinascimentale.
L'alba della letteratura
L'intensa fioritura della letteratura durante questo periodo è in gran parte associata a un atteggiamento speciale nei confronti del patrimonio antico. Da qui il nome stesso dell'epoca, che si pone il compito di ricreare, “far rivivere” ideali e valori culturali presumibilmente persi nel Medioevo. In effetti, l’ascesa della cultura dell’Europa occidentale non avviene sullo sfondo di un precedente declino. Ma nella vita della cultura del tardo Medioevo cambiano così tante cose che sembra di appartenere ad un altro tempo e si sente insoddisfatto dello stato precedente delle arti e della letteratura. All'uomo del Rinascimento il passato sembra essere l'oblio delle meravigliose conquiste dell'antichità e si propone di restaurarle. Ciò si esprime sia nell'opera degli scrittori di quest'epoca che nel loro stesso modo di vivere: alcune persone di quel tempo divennero famose non per aver creato capolavori letterari pittoreschi, ma per il fatto che sapevano “vivere in un modo antico”, imitando gli antichi greci o romani nella vita di tutti i giorni. Il patrimonio antico in questo momento non viene solo studiato, ma “restaurato”, e quindi le figure del Rinascimento attribuiscono grande importanza alla scoperta, alla raccolta, alla conservazione e alla pubblicazione di manoscritti antichi.. Per gli amanti delle opere letterarie antiche
Dobbiamo ai monumenti del Rinascimento se oggi abbiamo l’opportunità di leggere le lettere di Cicerone o il poema di Lucrezio “Sulla natura delle cose”, le commedie di Plauto o il romanzo di Long “Dafni e Cloe”. Gli studiosi del Rinascimento si impegnano non solo per la conoscenza, ma per migliorare la loro padronanza del latino e poi del greco. Trovarono biblioteche, crearono musei, fondarono scuole per lo studio dell'antichità classica e intrapresero viaggi speciali.
Cosa servì come base per i cambiamenti culturali avvenuti nell'Europa occidentale nella seconda metà dei secoli XV-XVI? (e in Italia - la culla del Rinascimento - un secolo prima, nel XIV secolo)? Gli storici associano giustamente questi cambiamenti all'evoluzione generale della vita economica e politica dell'Europa occidentale, che ha intrapreso la via dello sviluppo borghese. Il Rinascimento è un periodo di grandi scoperte geografiche: principalmente l'America, il periodo dello sviluppo della navigazione, del commercio e dell'emergere dell'industria su larga scala. È questo il periodo in cui, sulla base delle nazioni europee emergenti, si formano gli Stati nazionali, non più privi dell'isolamento medievale. In questo momento, c'è il desiderio non solo di rafforzare il potere del monarca all'interno di ogni stato, ma anche di sviluppare relazioni tra stati, formare alleanze politiche e negoziare. È così che nasce la diplomazia, quel tipo di attività politica interstatale, senza la quale è impossibile immaginare la vita internazionale moderna.
Il Rinascimento è un periodo in cui la scienza si sta sviluppando intensamente e la visione del mondo secolare inizia, in una certa misura, a spiazzare la visione del mondo religiosa, o a cambiarla in modo significativo, preparando la riforma della chiesa. Ma la cosa più importante è questo periodo in cui una persona inizia a sentire se stessa e il mondo che la circonda in un modo nuovo, spesso per rispondere in modo completamente diverso a quelle domande che l'hanno sempre preoccupata, o per porre altre domande complesse. L'uomo del Rinascimento si sente vivere in un tempo speciale, vicino al concetto di età dell'oro grazie ai suoi “talenti aurei”, come scrive uno degli umanisti italiani del XV secolo. L'uomo vede se stesso come il centro dell'universo, rivolto non verso l'alto, verso l'ultraterreno, il divino (come nel Medioevo), ma spalancato alla diversità dell'esistenza terrena. Le persone della nuova era scrutano con avida curiosità la realtà che li circonda, non come pallide ombre e segni del mondo celeste, ma come una manifestazione pura e colorata dell'esistenza, che ha il suo valore e la sua dignità. L'ascetismo medievale non ha posto nella nuova atmosfera spirituale, godendo della libertà e del potere dell'uomo come essere terreno e naturale. Da una convinzione ottimistica nel potere dell'uomo, nella sua capacità di migliorare, nasce il desiderio e persino il bisogno di correlare il comportamento di un individuo, il proprio comportamento con un esempio concreto di "personalità ideale" e la sete di sé. -nasce il miglioramento. È così che si formò un movimento centrale molto importante di questa cultura nella cultura dell'Europa occidentale del Rinascimento, chiamato "umanesimo".
Non si deve pensare che il significato di questo concetto coincida con le parole comunemente usate oggi “umanesimo”, “umano” (che significa “filantropia”, “misericordia”, ecc.), anche se non c’è dubbio che il loro significato moderno in ultima analisi risale a al Rinascimento. L'umanesimo nel Rinascimento era un complesso speciale di idee morali e filosofiche. Era direttamente correlato all'educazione e all'educazione di una persona sulla base di un'attenzione primaria non alle conoscenze precedenti, scolastiche, o religiose, “divine”, ma alle discipline umanistiche: filologia, storia, moralità. È particolarmente importante che le discipline umanistiche in questo momento cominciassero ad essere valutate come le più universali, che nel processo di formazione dell'immagine spirituale di una persona, l'importanza principale fosse attribuita alla "letteratura", e non a nessun'altra, forse più “pratico”, ramo della conoscenza. Come scrisse il meraviglioso poeta rinascimentale italiano Francesco Petrarca, è “attraverso la parola che il volto umano diventa bello”. Il prestigio del sapere umanistico fu altissimo durante il Rinascimento.
Nell'Europa occidentale in questo momento apparve un'intellighenzia umanistica: una cerchia di persone la cui comunicazione tra loro non si basava sulla comunanza della loro origine, status di proprietà o interessi professionali, ma sulla vicinanza di ricerche spirituali e morali. A volte tali associazioni di umanisti che la pensano allo stesso modo ricevevano il nome di Accademie, nello spirito dell'antica tradizione. A volte la comunicazione amichevole tra gli umanisti veniva effettuata tramite lettere, una parte molto importante del patrimonio letterario del Rinascimento. La lingua latina, che nella sua forma aggiornata divenne la lingua universale della cultura di vari paesi dell'Europa occidentale, contribuì al fatto che, nonostante alcune differenze storiche, politiche, religiose e di altro tipo, le figure del Rinascimento d'Italia e Francia, Germania e i Paesi Bassi si sentivano coinvolti in un unico mondo spirituale. Il sentimento di unità culturale fu accresciuto anche dal fatto che in questo periodo iniziò l'intenso sviluppo da un lato dell'educazione umanistica e dall'altro della stampa: grazie all'invenzione del tedesco Gutenberg della metà del sec. 15 ° secolo. Le tipografie si stanno diffondendo in tutta l'Europa occidentale e un numero maggiore di persone rispetto a prima ha l'opportunità di familiarizzare con i libri.
Durante il Rinascimento, il modo stesso di pensare di una persona cambia. Non un dibattito scolastico medievale, ma un dialogo umanistico, che comprende diversi punti di vista, dimostrando unità e opposizione, la complessa diversità delle verità sul mondo e sull'uomo, diventa un modo di pensare e una forma di comunicazione delle persone di questo tempo. Non è un caso che il dialogo sia uno dei generi letterari popolari del Rinascimento. Il fiorire di questo genere, come il fiorire della tragedia e della commedia, è una delle manifestazioni dell'attenzione della letteratura rinascimentale alla tradizione del genere atipico. Ma il Rinascimento conosce anche nuove formazioni di genere: il sonetto in poesia, il racconto, il saggio in prosa. Gli scrittori di quest'epoca non ripetono autori antichi, ma sulla base della loro esperienza artistica creano, in sostanza, un mondo diverso e nuovo di immagini, trame, problemi letterari
Arte rinascimentale
Rinascimento- questo fu il periodo di massimo splendore di tutte le arti, compreso il teatro, la letteratura e la musica, ma, senza dubbio, quella principale tra queste, che esprimeva più pienamente lo spirito del suo tempo, era l'arte figurativa.
Non è un caso che esista una teoria secondo cui il Rinascimento iniziò con il fatto che gli artisti smisero di accontentarsi del quadro dello stile “bizantino” dominante e, alla ricerca di modelli per la loro creatività, furono i primi a rivolgersi a all'antichità. Il termine “Rinascimento” fu introdotto dal pensatore e artista dell’epoca stesso, Giorgio Vasari (“Biografie di famosi pittori, scultori e architetti”). Così chiamò il periodo dal 1250 al 1550. Dal suo punto di vista, era un periodo di rinascita dell'antichità. Per Vasari l'antichità appare come un'immagine ideale.
Successivamente, il contenuto del termine si è evoluto. La rinascita cominciò a significare l’emancipazione della scienza e dell’arte dalla teologia, un raffreddamento verso l’etica cristiana, l’emergere di letterature nazionali e il desiderio di una persona di libertà dalle restrizioni della Chiesa cattolica. Cioè, il Rinascimento, in sostanza, cominciò a significare umanesimo.
REVIVAL, RINASCIMENTO(Renais sance francese - revival) - una delle epoche più grandi, un punto di svolta nello sviluppo dell'arte mondiale tra il Medioevo e i tempi moderni. Il Rinascimento copre i secoli XIV-XVI. in Italia, secoli XV-XVI. in altri paesi europei. Questo periodo nello sviluppo della cultura ha ricevuto il suo nome: Rinascimento (o Rinascimento) in connessione con il risveglio dell'interesse per l'arte antica. Tuttavia, gli artisti di questo tempo non solo copiarono vecchi modelli, ma inserirono anche in essi contenuti qualitativamente nuovi. Il Rinascimento non dovrebbe essere considerato uno stile o movimento artistico, poiché durante quest'epoca c'erano vari stili, direzioni e tendenze artistiche. L'ideale estetico del Rinascimento si è formato sulla base di una nuova visione del mondo progressista: l'umanesimo. Il mondo reale e l'uomo furono proclamati il valore più alto: l'uomo è la misura di tutte le cose. Il ruolo della personalità creativa è particolarmente aumentato.
Il pathos umanistico dell'epoca era meglio incarnato nell'arte, che, come nei secoli precedenti, mirava a fornire un'immagine dell'universo. La novità è che hanno cercato di unire il materiale e lo spirituale in un tutt'uno. Era difficile trovare una persona indifferente all'arte, ma la preferenza è stata data alle belle arti e all'architettura.
Dipinto italiano del XV secolo. per lo più monumentali (affreschi). La pittura occupa un posto di primo piano tra i tipi di belle arti. Corrisponde nel modo più completo al principio rinascimentale di “imitare la natura”. Si sta sviluppando un nuovo sistema pittorico basato sullo studio della natura. L'artista Masaccio ha dato un degno contributo allo sviluppo della comprensione del volume e alla sua trasmissione con l'aiuto del chiaroscuro. La scoperta e la giustificazione scientifica delle leggi della prospettiva lineare e aerea hanno influenzato in modo significativo il destino futuro della pittura europea. Si sta formando un nuovo linguaggio plastico della scultura, il suo fondatore fu Donatello. Ha fatto rivivere la statua rotonda indipendente. La sua opera migliore è la scultura del David (Firenze).
In architettura vengono resuscitati i principi dell'antico sistema di ordine, viene aumentata l'importanza delle proporzioni, si formano nuove tipologie di edifici (palazzo di città, villa di campagna, ecc.), si sviluppa la teoria dell'architettura e il concetto di città ideale . L'architetto Brunelleschi costruì edifici in cui unì l'antica comprensione dell'architettura e le tradizioni del tardo gotico, raggiungendo una nuova fantasiosa spiritualità dell'architettura sconosciuta agli antichi. Durante l'alto Rinascimento, la nuova visione del mondo fu incarnata al meglio nel lavoro di artisti che sono giustamente chiamati geni: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione e Tiziano. Gli ultimi due terzi del XVI secolo. chiamato tardo Rinascimento. In questo momento, una crisi travolge l’arte. Diventa irreggimentato, cortese e perde il suo calore e la sua naturalezza. Tuttavia, alcuni grandi artisti - Tiziano, Tintoretto - continuano a creare capolavori durante questo periodo.
Il Rinascimento italiano ha avuto un'enorme influenza sull'arte di Francia, Spagna, Germania, Inghilterra e Russia.
L'ascesa dello sviluppo dell'arte nei Paesi Bassi, in Francia e in Germania (secoli XV-XVI) è chiamata Rinascimento settentrionale. Le opere dei pittori Jan van Eyck e P. Bruegel il Vecchio rappresentano l'apice di questo periodo di sviluppo artistico. In Germania, il più grande artista del Rinascimento tedesco fu A. Dürer.
Le scoperte fatte durante il Rinascimento nel campo della cultura spirituale e dell'arte furono di grande significato storico per lo sviluppo dell'arte europea nei secoli successivi. L'interesse per loro continua nel nostro tempo.
Il Rinascimento in Italia ha attraversato diverse fasi: primo Rinascimento, alto Rinascimento, tardo Rinascimento. Firenze divenne la culla del Rinascimento. Le basi della nuova arte furono sviluppate dal pittore Masaccio, dallo scultore Donatello e dall'architetto F. Brunelleschi.
Il più grande maestro del Protorinascimento fu il primo a creare dipinti invece di icone Giotto. Fu il primo a sforzarsi di trasmettere idee etiche cristiane attraverso la rappresentazione di sentimenti ed esperienze umane reali, sostituendo il simbolismo con la rappresentazione di spazio reale e oggetti specifici. Nei famosi affreschi di Giotto Cappella dell'Arena a Padova Accanto ai santi si possono vedere personaggi molto insoliti: pastori o filatori. Ogni singola persona in Giotto esprime esperienze ben precise, un carattere specifico. 
Durante il primo Rinascimento nell'arte, l'antico patrimonio artistico fu padroneggiato, si formarono nuovi ideali etici, gli artisti si dedicarono alle conquiste della scienza (matematica, geometria, ottica, anatomia). Il ruolo principale nella formazione dei principi ideologici e stilistici dell'arte del primo Rinascimento è svolto da Firenze. Nelle immagini create da maestri come Donatello, Verrocchio, la statua equestre del David del condottiero Gattamelata è dominata dai principi eroici e patriottici di Donatello ("San Giorgio" e "David" di Donatello e "David" di Verrocchio). 
Il fondatore della pittura rinascimentale è Masaccio(dipinti della Cappella Brancacci, “Trinità”), Masaccio ha saputo trasmettere la profondità dello spazio, ha collegato la figura e il paesaggio con un unico concetto compositivo e ha dato espressività ritrattistica agli individui.
Ma la formazione e l'evoluzione del ritratto pittorico, che rifletteva l'interesse della cultura rinascimentale per l'uomo, è associata ai nomi degli artisti della scuola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Il lavoro dell’artista si distingue nel primo Rinascimento Sandro Botticelli. Le immagini che ha creato sono spirituali e poetiche. I ricercatori notano l'astrazione e il sofisticato intellettualismo nelle opere dell'artista, il suo desiderio di creare composizioni mitologiche con contenuti complicati e crittografati ("Primavera", "Nascita di Venere"). Uno degli scrittori della vita di Botticelli ha detto che le sue Madonne e Veneri danno l'impressione di perdita, provocandoci un sentimento di tristezza indelebile... Alcuni di loro hanno perso il cielo, altri hanno perso la terra. 
"Primavera" "Nascita di Venere"
Il culmine nello sviluppo dei principi ideologici e artistici del Rinascimento italiano diventa Alto Rinascimento. Leonardo da Vinci, grande artista e scienziato, è considerato il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento.
Ha creato numerosi capolavori: "Mona Lisa" ("La Gioconda") A rigor di termini, il volto stesso della Gioconda si distingue per moderazione e calma, il sorriso che ha creato la sua fama mondiale e che in seguito è diventato una parte indispensabile delle opere di La scuola di Leonardo vi è appena percettibile. Ma nella foschia dolcemente sciogliente che avvolge il viso e la figura, Leonardo è riuscito a far sentire la variabilità illimitata delle espressioni facciali umane. Sebbene gli occhi di Gioconda guardino attentamente e con calma lo spettatore, grazie all'ombreggiatura delle sue orbite, si potrebbe pensare che siano leggermente accigliati; le sue labbra sono compresse, ma vicino ai loro angoli ci sono ombre sottili che ti fanno credere che ogni minuto si apriranno, sorrideranno e parleranno. Proprio il contrasto tra il suo sguardo e il mezzo sorriso sulle sue labbra dà l'idea dell'incoerenza dei suoi vissuti. Non invano Leonardo torturò il suo modello con lunghe sessioni. Come nessun altro, è stato in grado di trasmettere ombre, sfumature e mezzitoni in questa immagine, e danno origine a una sensazione di vita vibrante. Non per niente Vasari pensò che sul collo di Gioconda battesse una vena.
Nel ritratto della Gioconda, Leonardo non solo ha trasmesso perfettamente il corpo e l'aria che lo circonda. Ci ha messo anche la comprensione di ciò di cui l'occhio ha bisogno affinché un'immagine produca un'impressione armoniosa, motivo per cui tutto sembra che le forme nascano naturalmente l'una dall'altra, come accade nella musica quando la dissonanza tesa è risolta da un accordo eufonico. . La Gioconda è perfettamente inscritta in un rettangolo strettamente proporzionale, la sua mezza figura forma un tutt'uno, le mani giunte danno completezza all'immagine. Ora, ovviamente, non si potrebbe parlare dei riccioli fantasiosi della prima "Annunciazione". Tuttavia, non importa quanto siano ammorbiditi tutti i contorni, la ciocca ondulata dei capelli di Monna Lisa è in sintonia con il velo trasparente, e il tessuto appeso gettato sulle sue spalle trova un’eco nelle morbide curve della strada lontana. In tutto questo Leonardo dimostra la sua capacità di creare secondo le leggi del ritmo e dell'armonia. “Dal punto di vista della tecnica esecutiva, la Gioconda è sempre stata considerata qualcosa di inspiegabile. Ora penso di poter rispondere a questo enigma”, dice Frank. Secondo lui, Leonardo ha utilizzato la tecnica dello “sfumato” da lui sviluppata. La tecnica è che gli oggetti nei dipinti non dovrebbero avere confini chiari, tutto dovrebbe trasformarsi dolcemente l'uno nell'altro, i contorni degli oggetti dovrebbero essere ammorbiditi con l'aiuto della foschia dell'aria leggera che li circonda. La principale difficoltà di questa tecnica risiede nelle macchie più piccole (circa un quarto di millimetro), che non sono riconoscibili né al microscopio né utilizzando i raggi X. Pertanto, ci sono volute diverse centinaia di sessioni per dipingere il dipinto di Da Vinci. L'immagine della Gioconda è composta da circa 30 strati di pittura ad olio liquida, quasi trasparente. Per tali lavori di gioielleria, a quanto pare l'artista ha dovuto utilizzare una lente d'ingrandimento. Forse l'uso di una tecnica così laboriosa spiega il lungo tempo trascorso a lavorare sul ritratto - quasi 4 anni. 
, "Ultima cena" fa un'impressione duratura. Sul muro, come se lo superasse e trasportasse lo spettatore in un mondo di armonia e visioni maestose, si svolge l'antico dramma evangelico della fiducia tradita. E questo dramma trova la sua soluzione in un impulso generale diretto al personaggio principale: un marito dalla faccia addolorata che accetta ciò che sta accadendo come inevitabile. Cristo ha appena detto ai suoi discepoli: “Uno di voi mi tradirà”. Il traditore siede con gli altri; gli antichi maestri raffiguravano Giuda seduto separatamente, ma Leonardo rivelava il suo cupo isolamento in modo molto più convincente, avvolgendo i suoi lineamenti nell'ombra. Cristo è sottomesso al suo destino, pieno della consapevolezza del sacrificio della sua impresa. La sua testa chinata con gli occhi bassi e il gesto delle sue mani sono infinitamente belli e maestosi. Un incantevole paesaggio si apre attraverso la finestra dietro la sua figura. Cristo è il centro dell'intera composizione, di tutto il vortice di passioni che imperversano intorno. La sua tristezza e la sua calma sembrano eterne, naturali - e questo è il significato profondo del dramma mostrato. Ha cercato nella natura le fonti delle forme d'arte perfette, ma è stato lui che N. Berdyaev considera responsabile dell'imminente processo di meccanizzazione e la meccanizzazione della vita umana, che separava l'uomo dalla natura.
La pittura raggiunge l'armonia classica nella creatività Raffaello. La sua arte si evolve dalle prime immagini umbre di Madonne (“Madonna Conestabile”), freddamente distaccate, al mondo del “cristianesimo felice” delle opere fiorentine e romane. "Madonna con il cardellino" e "Madonna in poltrona" sono morbide, umane e persino ordinarie nella loro umanità. 
Ma l'immagine della “Madonna Sistina” è maestosa e collega simbolicamente il mondo celeste e quello terreno. Soprattutto, Raffaello è conosciuto come il creatore di delicate immagini di Madonne. Ma nella pittura ha incarnato sia l'ideale dell'uomo universale del Rinascimento (ritratto di Castiglione) sia il dramma degli eventi storici. “La Madonna Sistina” (1513 circa, Dresda, Pinacoteca) è una delle opere più ispirate dell’artista. Dipinto come immagine d'altare per la chiesa del monastero di S. Sixta a Piacenza, questo dipinto per concezione, composizione e interpretazione dell'immagine si differenzia notevolmente dalle “Madonne” del periodo fiorentino. Invece dell'immagine intima e terrena di una bella fanciulla che osserva con condiscendenza i divertimenti di due bambini, qui vediamo una visione meravigliosa che appare all'improvviso nel cielo da dietro una tenda tirata da qualcuno. Circondata da un bagliore dorato, Maria solenne e maestosa cammina tra le nuvole, tenendo davanti a sé il Cristo bambino. A sinistra e a destra S. si inginocchia davanti a lei. Sisto e S. Varvara. La composizione simmetrica e rigorosamente equilibrata, la chiarezza della silhouette e la monumentale generalizzazione delle forme conferiscono alla “Madonna Sistina” una grandiosità speciale.
In questo dipinto Raffaello, forse più che altrove, è riuscito a coniugare la vitale veridicità dell'immagine con i tratti della perfezione ideale. L'immagine della Madonna è complessa. La commovente purezza e ingenuità di una giovanissima donna si uniscono in lui con ferma determinazione ed eroica disponibilità al sacrificio. Questo eroismo collega l'immagine della Madonna con le migliori tradizioni dell'umanesimo italiano. La combinazione tra l'ideale e il reale in questa immagine ci fa ricordare le famose parole di Raffaello da una lettera al suo amico B. Castiglione. “E io ti dirò”, scrive Raffaello, “che per dipingere una bellezza ho bisogno di vedere molte bellezze... ma per la mancanza... di belle donne, uso qualche idea che mi viene in mente . Non so se abbia qualche perfezione, ma faccio del mio meglio per raggiungerla”. Queste parole fanno luce sul metodo creativo dell'artista. Partendo dalla realtà e appoggiandosi ad essa, si sforza allo stesso tempo di elevare l'immagine al di sopra di tutto ciò che è casuale e transitorio.
Michelangelo(1475-1564) è senza dubbio uno degli artisti più ispirati della storia dell'arte e, insieme a Leonardo Da Vinci, la figura più potente dell'Alto Rinascimento italiano. Come scultore, architetto, pittore e poeta, Michelangelo ebbe un'enorme influenza sui suoi contemporanei e sulla successiva arte occidentale in generale.
Si considerava fiorentino, sebbene fosse nato il 6 marzo 1475 nel piccolo villaggio di Caprese vicino alla città di Arezzo. Michelangelo amava profondamente la sua città, la sua arte, la sua cultura, e portò questo amore fino alla fine dei suoi giorni. Trascorse la maggior parte della sua età adulta a Roma, lavorando su ordine dei papi; lasciò però un testamento, secondo il quale il suo corpo fu sepolto a Firenze, in una bella tomba nella chiesa di Santa Croce.
Michelangelo realizzò una scultura in marmo Pietà(Compianto di Cristo) (1498-1500), che si trova ancora nella sua sede originaria: la Basilica di San Pietro. Questa è una delle opere più famose della storia dell'arte mondiale. La Pietà fu probabilmente completata da Michelangelo prima dei 25 anni. Questa è l'unica opera da lui firmata. La giovane Maria è raffigurata con il Cristo morto sulle ginocchia, immagine presa in prestito dall'arte nordeuropea. Lo sguardo di Maria non è tanto triste quanto solenne. Questo è il punto più alto dell'opera del giovane Michelangelo. 
Un'opera non meno significativa del giovane Michelangelo era un'immagine in marmo gigante (4,34 m). Davide(Accademia, Firenze), eseguito tra il 1501 e il 1504, dopo il ritorno a Firenze. L'eroe dell'Antico Testamento è raffigurato da Michelangelo come un giovane bello, muscoloso e nudo che guarda con ansia in lontananza, come se valutasse il suo nemico: Golia, con il quale deve combattere. L'espressione vivace e intensa del volto di David è caratteristica di molte opere di Michelangelo: questo è un segno del suo stile scultoreo individuale. Il David, la scultura più famosa di Michelangelo, divenne un simbolo di Firenze e originariamente era collocato in Piazza della Signoria di fronte a Palazzo Vecchio, il municipio di Firenze. Con questa statua Michelangelo dimostrò ai suoi contemporanei di aver superato non solo tutti gli artisti contemporanei, ma anche i maestri dell'antichità.
Dipingere la volta della Cappella Sistina Nel 1505 Michelangelo fu chiamato a Roma da papa Giulio II per eseguire due commesse. Il più importante fu l'affresco della volta della Cappella Sistina. Lavorando sdraiato su un'alta impalcatura proprio sotto il soffitto, Michelangelo realizzò tra il 1508 e il 1512 le più belle illustrazioni per alcuni racconti biblici. Sulla volta della cappella papale dipinse nove scene del Libro della Genesi, iniziando con la separazione della luce dalle tenebre e comprendendo la creazione di Adamo, la creazione di Eva, la tentazione e la caduta di Adamo ed Eva e il diluvio. Intorno ai dipinti principali si alternano immagini di profeti e sibille su troni marmorei, altri personaggi dell'Antico Testamento e gli antenati di Cristo.
Per prepararsi a questa grande opera, Michelangelo completò un numero enorme di schizzi e cartoni, sui quali raffigurò le figure dei modelli in una varietà di pose. Queste immagini regali e potenti dimostrano la magistrale comprensione dell'artista dell'anatomia e del movimento umano, che ha dato slancio a un nuovo movimento nell'arte dell'Europa occidentale. 
Altre due statue eccellenti, Il prigioniero incatenato e la morte di uno schiavo(entrambi intorno al 1510-13) sono al Louvre di Parigi. Dimostrano l'approccio di Michelangelo alla scultura. A suo avviso le figure sono semplicemente racchiuse all'interno di un blocco di marmo, e compito dell'artista è quello di liberarle rimuovendo la pietra in eccesso. Spesso Michelangelo lasciava le sculture incompiute, o perché diventavano inutili o semplicemente perché perdevano l'interesse per l'artista. 
Biblioteca di San Lorenzo Il progetto per la tomba di Giulio II richiese un'elaborazione architettonica, ma l'impegno serio di Michelangelo in campo architettonico iniziò solo nel 1519, quando gli fu commissionata la facciata della Biblioteca di San Lorenzo a Firenze, dove l'artista tornò nuovamente (questo progetto non è mai stato realizzato). Negli anni Venti del Cinquecento progettò anche l'elegante androne della Biblioteca, adiacente alla Chiesa di San Lorenzo. Queste strutture furono completate solo diversi decenni dopo la morte dell'autore.
Michelangelo, aderente alla fazione repubblicana, partecipò alla guerra contro i Medici nel 1527-29. Le sue responsabilità includevano la costruzione e la ricostruzione delle fortificazioni a Firenze. 
Cappelle Medicee. Avendo vissuto a Firenze per un periodo piuttosto lungo, Michelangelo eseguì, tra il 1519 e il 1534, l'ordine della famiglia Medici per la costruzione di due tombe nella sacrestia nuova della Chiesa di San Lorenzo. In un salone dall'alta volta a cupola, l'artista fece erigere addossate alle pareti due magnifiche tombe, destinate a Lorenzo De' Medici, duca di Urbino e a Giuliano De' Medici, duca di Nemours. Le due tombe complesse dovevano rappresentare tipologie opposte: Lorenzo è un individuo autonomo, una persona meditabonda e riservata; Giuliano, al contrario, è attivo e aperto. Lo scultore collocò sculture allegoriche del Mattino e della Sera sulla tomba di Lorenzo e allegorie del Giorno e della Notte su quella di Giuliano. I lavori sulle tombe medicee continuarono dopo il ritorno di Michelangelo a Roma nel 1534. Non visitò mai più la sua amata città.
Ultimo Giudizio
Dal 1536 al 1541 Michelangelo lavorò a Roma al dipinto della parete dell'altare della Cappella Sistina in Vaticano. L'affresco più grande del Rinascimento raffigura il giorno del Giudizio Universale. Cristo, con un fulmine infuocato in mano, divide inesorabilmente tutti gli abitanti della terra nei giusti salvati, raffigurati sul lato sinistro della composizione, e nei peccatori che scendono nel mondo di Dante. inferno (lato sinistro dell'affresco). Seguendo rigorosamente la propria tradizione, Michelangelo originariamente dipinse tutte le figure nude, ma un decennio più tardi un artista puritano le "vesté" quando il clima culturale divenne più conservatore. Michelangelo ha lasciato il proprio autoritratto sull'affresco: il suo volto è facilmente visibile sulla pelle strappata al Santo Apostolo Martire Bartolomeo.
Anche se in questo periodo Michelangelo ebbe altre commissioni pittoriche, come il dipinto della Cappella di San Paolo Apostolo (1940), cercò innanzitutto di dedicare tutte le sue energie all'architettura.
Cupola della Cattedrale di San Pietro. Nel 1546 Michelangelo fu nominato architetto capo della costruzione della Basilica di San Pietro in Vaticano. L'edificio fu costruito secondo i progetti di Donato Bramante, ma alla fine fu Michelangelo a occuparsi della costruzione dell'abside dell'altare e dello sviluppo del progetto ingegneristico e artistico della cupola della cattedrale. Il completamento della costruzione della Cattedrale di San Pietro fu il risultato più alto del maestro fiorentino nel campo dell'architettura. Nel corso della sua lunga vita, Michelangelo fu amico intimo di principi e papi, da Lorenzo De' Medici a Leone X, Clemente VIII e Pio III, oltre che di numerosi cardinali, pittori e poeti. Il carattere dell'artista, la sua posizione nella vita è difficile da comprendere chiaramente attraverso le sue opere: sono così diverse. Solo nella poesia, nelle sue stesse poesie, Michelangelo affrontava più spesso e più profondamente le questioni della creatività e del suo posto nell'arte. Un ampio spazio nelle sue poesie è dedicato ai problemi e alle difficoltà che dovette affrontare nel suo lavoro, nonché ai rapporti personali con i rappresentanti più importanti di quell'epoca.Uno dei poeti più famosi del Rinascimento, Lodovico Ariosto, scrisse un epitaffio per questo famoso artista: "Michele è più che mortale, è un angelo divino." 