Pittura ad olio. Nozioni di base. Lezioni per principianti di Bill Martin.
Ci sono cose che devi sapere prima di iniziare a dipingere a olio.
Tutte le vernici sono una miscela di pigmento secco e liquido. Nei colori ad olio, il pigmento colorante viene miscelato con olio di lino. L'olio di lino è un olio che si secca nel processo di ossidazione dell'aria. Assorbe l'ossigeno dall'aria e cristallizza permanentemente il pigmento della vernice. Una volta che l'olio si asciuga, non può essere rimosso.
I colori ad olio sono spessi. Sono prodotti in tubi. I colori vengono spremuti su una tavolozza e mescolati con una spatola per ottenere nuove sfumature. Quindi vengono applicati su una tela posizionata verticalmente con spazzole dure ed elastiche.
I colori ad olio si asciugano molto lentamente. Di solito è necessario attendere tre giorni prima di indossare lo strato successivo. Un tempo di asciugatura così lungo è sia un vantaggio che uno svantaggio. Il grande vantaggio è che avrai tempo per pensare a ciò che hai disegnato. Ciò è molto utile quando si effettuano transizioni sfumate da un colore all'altro. Oppure, se non sei soddisfatto del risultato mentre la vernice è ancora bagnata, puoi grattarla via con un panno, una spatola o un raschietto di gomma e ridipingere.
Lo svantaggio è che se metti le vernici bagnate di due colori diversi una accanto all'altra, possono mescolarsi tra loro in modo approssimativo. La tavolozza, i pennelli e il panno umido devono essere maneggiati con molta attenzione per non imbrattare se stessi, i vestiti, il cibo e i mobili.
Puoi lavorare con la vernice fino a 12 ore consecutive, poi devi lasciare asciugare l'opera per tre giorni, dopodiché puoi continuare a lavorare. Quando le vernici si saranno asciugate, puoi mettere sopra nuovi colori. Un’opera può avere molti strati. Ogni strato successivo deve avere lo stesso spessore o più spesso del precedente, altrimenti si verificheranno delle crepe.
Dopo che il lavoro si è completamente asciugato (da tre a sei mesi), è necessario applicare uno strato protettivo di vernice Damar.
DISEGNO.
Un disegno complesso viene rapidamente perso quando si applicano colori ad olio, quindi è meglio designare un disegno con figure semplici e linee di contorno. Il disegno può essere eseguito direttamente sulla tela oppure può essere preparato in anticipo e trasferito sulla tela.
Quando si applica il disegno direttamente sulla tela, è meglio usare la vernice diluita. Poiché è già vernice, non è necessario isolarla dalle mani successive.
Puoi anche usare il carbone. La carica di carbone dovrà essere isolata dagli strati successivi con un fissatore. Il carbone morbido è più facile da fissare con il fissatore rispetto al carbone pressato.
Il disegno può essere applicato anche con una matita sulla tela. Quindi aggiusta anche con un fissatore. La punta affilata della matita può creare crepe nello strato di primer, quindi puoi applicare anche un altro strato trasparente di primer. Se hai applicato un'altra mano di primer, non è necessario alcun fissatore.
Nella foto: una bomboletta spray con fissatore, in una scatola - carta carbone.
È meglio preparare un disegno da trasferire tramite carta carbone su carta da lucido sottile, quindi sarà più facile tradurlo. Attacca il disegno alla tela. Traducilo con carta carbone. Delinea il tuo disegno con la carta carbone sottostante. Usa una penna a sfera di colore contrastante per vedere quali aree hai già tradotto e controllare lo spessore delle linee. Il disegno applicato dovrà inoltre essere fissato con un fissativo o un sottile strato velante di primer trasparente.
TRANSIZIONE DA UN COLORE ALL'ALTRO
Considera una transizione graduale da un colore all'altro. I colori ad olio, poiché richiedono tempo per asciugarsi, ti consentono di spostarli sulla tela mentre sono ancora bagnati. Ecco perché è molto più semplice realizzare gradazioni di colore omogenee con l'olio che con altre vernici. Questo può essere fatto con qualsiasi pennello. Ma i pennelli piatti sono i migliori e quelli rotondi sono i peggiori. Per le smagliature piccole e grandi funzionano gli stessi principi. 
I colori vengono mescolati su una tavolozza e applicati nei punti previsti sulla tela. Successivamente il pennello viene mosso avanti e indietro in maniera incrociata tra due gradazioni di colore fino ad ottenere un risultato che vi soddisfi. Quindi vengono eseguite corse parallele per la lavorazione finale del sito. Lavora con un pennello pulito da scuro a medio, quindi ancora con un pennello pulito da chiaro a medio. 
(A) In questo esempio, i tratti del pennello sono SEMPRE perpendicolari all'evidenziazione. Muovendo il pennello in un cerchio, proviamo a eseguire tratti perpendicolari all'evidenziazione, rispettivamente, otteniamo la forma dei tratti di un pennello attorcigliato.
(C) A seconda della posizione dei colori primari del tratto, si crea un'idea del piano in cui si trova la superficie. Notare come le ombre sono posizionate per rappresentare una superficie piana (a sinistra) e una superficie curva (a destra).
CREIAMO FORME
Tutti i moduli vengono creati da cinque moduli di base. Queste forme sono: palla, cono, cilindro, cubo e toro (ciambella, bagel). Parti di queste forme formano tutti gli oggetti che vediamo. Immagina mezzo cilindro su un cubo e otterrai la forma di una cassetta della posta americana. Una mezza palla e un cono ti daranno la forma di una lacrima, un abete è un cono, una quercia è un emisfero (mezza palla) e una tazza cilindrica di solito ha un manico a forma di mezzo toro (ciambella ). 
Il chiaroscuro crea una forma. Ognuna di queste forme ha posizioni ben definite di luci e ombre. La sfera è caratterizzata da una falce e da ovali. I coni hanno una parte triangolare illuminata e tutto il resto è in ombra. Cubi e superfici piane contengono smagliature (transizione graduale della luce nell'ombra).
I cilindri sono costituiti da strisce. Thor: da mezzelune e strisce.
Le versioni concave di queste forme hanno lo stesso chiaroscuro, ma senza riflessi.
Se impari a disegnare queste cinque forme, puoi disegnare qualsiasi cosa.
La sfera (sfera) è definita da mezzelune e ovali. Le palline sono dipinte con pennellate a forma di mezzaluna e ritorte. 
I coni sono costituiti da triangoli di luce e ombra. I coni scrivono con pennellate triangolari. 
I cilindri sono costituiti da strisce di luce e ombra. I cilindri scrivono con pennellate parallele.
I cubi e qualsiasi superficie piana seguono le stesse regole. Transizione graduale dalla luce all'ombra. Se la superficie raffigurata è parallela alla tela, viene raffigurata con un tono uniforme. Un cubo è una combinazione di piani che si intersecano. Ogni lato del cubo contiene un tratto di chiaroscuro. Il cubo è disegnato con pennellate parallele.
Il toro contiene aspetti delle altre due figure. Ha fasce di luce e ombra come un cilindro al centro e mezzelune come una sfera attorno ai bordi. Thor è scritto utilizzando tratti contorti e tratti a mezzaluna. 
Qui puoi vedere che per trasmettere la forma dell'oggetto è necessario utilizzare luci e ombre e non linee di contorno. La luce può confonderti, quindi prova prima a vedere la forma dell'oggetto e solo allora come cade esattamente la luce su questa forma.
ABBINAMENTO DI COLORE
L'arcobaleno ci fornisce esempi dei colori puri che ci circondano nel mondo. I colori dell'arcobaleno sono in ordine: rosso-viola, rosso, rosso-arancio, arancio, giallo-arancio, giallo, giallo-verde, verde, blu-verde, blu-viola, viola. Quando questi colori sono inquadrati in un cerchio, otteniamo una "ruota dei colori". La ruota dei colori è una cosa necessaria quando si abbinano i colori. 
Il cerchio è posizionato in modo che il giallo, il colore chiaro più brillante, sia in alto e il viola, il più scuro, sia in basso. Dall'alto in basso, a destra, sono giallo-arancio, arancio, rosso-arancio, rosso e rosso-viola. Questi colori sono chiamati caldi.
Dall'alto al basso, sul lato sinistro, sono giallo-verde, verde, blu-verde, blu e blu-viola. Questi colori sono chiamati freddi.
Colori aggiuntivi. 
DUE colori opposti sulla ruota dei colori sono chiamati colori COMPLEMENTARI. Il rosso e il verde sono colori complementari tra loro, poiché si trovano uno di fronte all'altro sulla ruota dei colori. Anche il giallo e il viola sono complementari tra loro. Il giallo-verde e il rosso-viola sono colori complementari. I colori complementari affiancati sulla tela si rinforzano a vicenda. I colori complementari quando mescolati sulla tavolozza si neutralizzano a vicenda. Su questo piatto, i colori complementari si trovano alle estremità opposte della scala, uno di fronte all'altro. Se ci spostiamo verso il centro di questa scala, ci ritroveremo con un colore grigio neutro, il meno saturo di tutti. 
Tutti i colori hanno sfumature. I colori spettrali puri in questa immagine sono contrassegnati da lettere.
Quindi, come scegliamo i colori, tenendo presente tutto quanto sopra?
Dobbiamo solo rispondere a queste tre domande.
1. Da quale colore verrà il colore di cui abbiamo bisogno, dove si trova questo colore sulla ruota dei colori? (ovvero il colore spettrale).
2. Quanto è intenso? (più aggiungiamo un colore aggiuntivo al colore, meno saturo diventa il colore di cui abbiamo bisogno).
3. Tonalità (quanto sarà scuro o chiaro).
Ecco come funziona. 
I colori sono ordinati per colore sulla tavolozza. 
Selezioniamo il colore, come una foglia marrone.
Il colore spettrale sarà rosso-viola. Il bianco viene aggiunto per abbinare la tonalità. Il giallo-verde, complementare al rosso-viola, viene aggiunto per ridurne la saturazione. 
Selezioniamo il colore della foglia verde.
Verde spettrale. Il verde cadmio è il nostro colore base. Contiene un po' di giallo, quindi riduciamo la sua saturazione con il rosso-viola (rosa chinacridone). Il giallo-verde e il rosso-viola sono colori complementari tra loro.
Il bianco viene aggiunto per affinare la tonalità. 
Selezioniamo il colore del nastro isolante argento.
Il colore spettrale è blu. Il bianco viene aggiunto per chiarire la saturazione tonale. Arancio, complementare al blu, aggiungiamo e otteniamo il grigio. 
Selezioniamo il colore di un oggetto tridimensionale. Un pezzo di sapone. 
Scegliamo prima quello centrale. Il colore spettrale è giallo-arancio. Viene aggiunta una piccolissima quantità di blu-viola aggiuntivo per ridurre l'intensità del colore. E un po' di bianco. 
Per ottenere aree chiare del nostro sapone, aggiungi il bianco al colore risultante della parte centrale. Per ottenere il colore dell'ombra, aggiungi un altro blu-viola al colore centrale. 
Quindi, vengono selezionati i colori del sapone. Solitamente, per ottenere il colore dell'ombra sul soggetto, è necessario aggiungere un colore aggiuntivo al colore principale del soggetto. Per ombre più scure, utilizza il colore principale del soggetto, ma con meno bianco. In alcuni casi, l'aggiunta di un colore extra non scurisce abbastanza il colore, è allora che aggiungiamo del nero.
OMBRE
Le ombre creano la luce. Le ombre si dividono in tre categorie. La prima è la parte in ombra del soggetto, detta semplicemente OMBRA. La seconda è l'ombra che cade da un oggetto, formata dal fatto che l'oggetto oscura la luce della sorgente luminosa. La terza categoria è l'ombra degli oggetti vicini. 
La parte in ombra di un oggetto è una versione più scura e meno saturata del suo colore di base.
La luce diretta produce ombre scure. La luce diffusa produce ombre sfocate meno intense.
Luce riflessa nell'ombra (riflesso). 
La luce che cade su un oggetto dal suo ambiente è chiamata luce riflessa o riflesso. Il colore degli oggetti che circondano il nostro oggetto influisce in modo significativo sulla luce riflessa. Vedi la luce verde riflessa nella palla sinistra? Notare il rosso riflesso nella palla centrale. Il colore dell'ambiente è parte integrante di tutte le ombre. 
Anche la saturazione di luci e ombre degli oggetti circostanti influisce sulla luce riflessa. La prima palla resta sospesa in aria. Anche la seconda pallina riflette la superficie bianca. La terza palla riflette una superficie nera. Anche la saturazione di luci e ombre degli oggetti circostanti è parte integrante delle ombre.
Ombre cadenti.
Un'ombra esterna è sempre caratterizzata dall'essere più scura e maggiormente focalizzata sulla fonte dell'ombra (il soggetto). Le ombre esterne sono scritte in un colore più scuro e meno intenso rispetto al colore della superficie su cui cadono. 
Un colore dell'ombra esterna contiene sempre il colore complementare al colore dell'illuminazione e il colore complementare al colore della superficie su cui giace l'ombra.
Vedi la tinta blu nell'ombra del soggetto illuminato dalla luce arancione? E una tinta arancione all'ombra di un oggetto illuminato di blu. All'ombra di un oggetto illuminato con luce rossa, c'è una sfumatura verde. E notate la tonalità rosso-viola dell'ombra proiettata dall'oggetto illuminato dalla luce giallo-verde.
Le ombre esterne riguardano forma e consistenza. 
Le ombre esterne descrivono l'ambiente di un oggetto. A sinistra, il muro è definito dall'ombra cadente del vetro. A destra l'ombra indica la presenza di un tumulo. 
I bordi dell'ombra determinano la trama della superficie su cui cade l'ombra.
Erba a sinistra e fango con rocce a destra.
Elimina le ombre con luce diretta e diffusa. 
La luce diretta (a sinistra) proviene solitamente da un'unica fonte di luce, come il sole o un riflettore. Fornisce un contrasto elevato e ombre scure ricche.
La luce diffusa è solitamente ottenuta da più sorgenti luminose. Fornisce ombre a basso contrasto e sfocate. 
Gli oggetti con poca o nessuna ombra esterna sono SEMPRE alla luce ambientale, dove appaiono più piatti e meno strutturati.
Ombre provenienti da oggetti vicini. 
Queste sono le ombre scure che vediamo dove gli oggetti si toccano. La linea scura attorno alla porta chiusa, la linea scura sotto la tazza di caffè, la linea scura tra le dita ben serrate: questa è l'ombra degli oggetti vicini.
È relativamente indipendente dalla direzione dell'illuminazione. Queste ombre nell'ombra sono solitamente i luoghi più bui del disegno. 
La stretta striscia scura sotto il cilindro a sinistra ci dice che gli oggetti sono separati. Il cilindro a destra è collegato alla sua base.
CONTRASTO
Usiamo luce e ombra insieme.
Il contrasto è il rapporto tra la parte più chiara e quella più scura di un oggetto o dell'ambiente circostante.
Scala del tono.
A sinistra il contrasto è elevato, a destra il contrasto è basso.
Quando gli oggetti hanno un contrasto elevato, appaiono più vicini a noi. Quando il contrasto è minore, gli oggetti appaiono più lontani da noi. Quelle rocce in lontananza ci sembrano situate più lontano da noi, il loro contrasto è inferiore rispetto al contrasto della roccia più vicina a noi. 
La graduale saturazione degli oggetti con contrasto li rende visivamente più vicini a noi. 
La distanza può essere determinata dal contrasto tra l'ombra che cade e l'ambiente circostante.
Basso contrasto 
Gli oggetti nella luce ambientale hanno il contrasto più basso. 
Gli oggetti senza ombra esterna sono sempre nella luce ambientale. Se un oggetto ha una gamma tonale da media a scura, dovrebbe avere un'ombra esterna. 
Se l'oggetto ha una transizione tonale da medio a chiaro, apparirà come in una foschia o nebbia.
IL CONTRASTO CREA UN TIPO DI LUCE. Un contrasto elevato corrisponde a un'illuminazione intensa. Il basso contrasto corrisponde alla luce ambientale, alla lontananza e alla foschia.
STRUTTURA
La trama aiuta a definire ciò che vedi.
La trama si vede meglio quando la luce passa all'ombra. Su oggetti lisci, il bagliore è una visualizzazione distorta della sorgente luminosa stessa. Quanto più nitida è la messa a fuoco di questa riflessione, tanto più liscia sarà la superficie dell'oggetto. Una bottiglia di vetro ha una superficie più liscia dell'alluminio, che a sua volta è più liscia della cera delle candele. Sappiamo come questi oggetti focalizzino su se stessi il risalto.
Sugli oggetti senza riflessi luminosi, la trama è ben visibile ed è determinata dal passaggio dalla luce all'ombra.
Questi dieci oggetti sono disposti in ordine di grado di consistenza.
Nota dove il tuo occhio guarda immediatamente per apprezzare la trama di un oggetto.
Osserviamo la transizione dalla luce all'ombra per determinare la struttura di un oggetto.
Texture a luce diffusa.
A sinistra - luce diretta, a destra - diffusa.
Gli oggetti esposti alla luce diretta appaiono più strutturati rispetto agli oggetti esposti alla luce ambientale.
Il tronco e l'asciugamano appaiono più morbidi e levigati nella luce diffusa. Gli oggetti appaiono meno strutturati nella luce ambientale perché la transizione dalla luce all'ombra richiede più tempo.
VETRATURA / STRATI VETRANTI
Gli strati di verniciatura vengono applicati sulla vernice essiccata.
Gli strati trasparenti di pittura ad olio sono chiamati vetri. Traslucido: questi sono strati di vetri. Per ottenere uno smalto, la vernice viene diluita in un rapporto di 1/3 di vernice Dammar, 1/3 di trementina e 1/3 di olio di lino. La glassa è un sottile strato di vernice trasparente che viene posizionato su un altro strato essiccato per ottenere una sfumatura del terzo colore. Ad esempio, se metti il rosa chinacridone diluito (colore trasparente) sul blu, ottieni il viola. Se glassi esattamente lo stesso colore, lo rafforzerai. Le ombre che cadono su trame complesse sono spesso velate. La verniciatura scurisce leggermente il colore. (Vedi la lezione "Vernici" sulla trasparenza e la foschia).
Questa è la verniciatura.
Ad esempio, il guscio di uno scarabeo deve essere reso verde.
Il liquido per glassatura viene miscelato su una tavolozza con il verde ciano (colore trasparente) fino al raggiungimento del grado di trasparenza desiderato.
Quindi la miscela viene applicata con un pennello Kolinsky sul disegno in posizione orizzontale. Lasciamo asciugare per una notte. Quando si utilizza la verniciatura, è possibile modificare il colore del disegno senza modificare la direzione dei tratti di vernice sullo strato principale.
La velatura si ottiene utilizzando un colore opaco diluito sul colore essiccato di un'altra vernice. Lo strato di smalto non cambia colore ed è uno strato traslucido.
La vernice viene anche miscelata su una tavolozza con una miscela per velatura e applicata su una superficie orizzontale con un pennello kolinsky.
Sogni da molto tempo di provare a dipingere con colori ad olio, ma non sai di cosa hai bisogno? Abbiamo messo insieme 28 suggerimenti per aiutare i principianti a capire le cose. Ti auguriamo ispirazione!
1. Il set principale di colori ad olio è costituito dai seguenti colori: Alizarina cremisi, Giallo cadmio, Ocra gialla, Bianco titanio, Rosso cadmio, Blu oltremare, Nero marziano. Da queste tonalità è possibile creare qualsiasi altro colore.
2. Acquista il bianco con un margine. Quando si mescolano le vernici, si consumerà molto rapidamente.
3. Per un'esperienza di pittura piacevole, non risparmiare spese per colori ad olio e strumenti di qualità.
4. Per la prima esperienza di disegno è sufficiente acquistare un paio di pennelli di diverso tipo. Ad esempio, puoi acquistare spazzole rotonde, piatte e in setola di diverse dimensioni.
5. Puoi usare vecchi stracci e barattoli per pulire i pennelli.
6. Non è necessario acquistare una tavolozza per dipingere, è sufficiente utilizzare una tavola o un cartone.
7. C'è una regola nella pittura a olio: da densa a liquida. Per il primo strato, acquista un solvente. Applicare uno spesso strato sopra.
8. Disegna in un'area ben illuminata con luce naturale. In caso contrario, i colori potrebbero differire da quelli che apparivano sotto una luce specifica.
9. Il cavalletto è regolato in base alla tua altezza e posizione in modo che tu possa sederti senza disagio e fatica.
10. I colori ad olio sono difficili da rimuovere dal tessuto. Quindi indossa cose che non ti dispiace.
11. Per cominciare, è necessario posizionare uno schizzo a matita o carboncino sulla tela. Costruisci una composizione.
12. Per rendere il disegno realistico, determina dove sarà la fonte di luce. In questo modo puoi facilmente rappresentare aree oscurate e illuminate, ombre, penombra, luci.
13. Il colore della luce si ottiene aggiungendo il bianco, l'ombra - aggiungendo il nero.
14. Per rendere la vernice meno densa, mescolala con trementina o olio di lino. Aggiungili lentamente alla vernice per ottenere esattamente la consistenza di cui hai bisogno.
15. Prenditi il tuo tempo per applicare il secondo strato. Lascia asciugare la vernice. Di solito sono 3 giorni.
16. Impara a mescolare i colori. Aggiungi strati di vernice in modo che le vernici adiacenti possano essere miscelate con un pennello piatto. Lo striscio dovrebbe andare nella direzione della miscelazione.
17. Per realizzare la glassa avrete bisogno di 1/3 di olio di lino, trementina e vernice ad olio. Mescolateli e otterrete un colore trasparente che può essere miscelato con altre vernici per realizzare una glassa.
18. Per creare l'effetto di una figura più trasparente, puoi utilizzare un pennello con setole naturali. Applicare i punti sulla tela con un pennello con un angolo di 90 gradi.
19. Per creare uno spesso strato di vernice, usa una spatola. Spalma la vernice con un coltello sulla tela. Questo è lo strumento migliore per trasmettere movimento e disegnare il paesaggio.
20. Le vernici si asciugano per circa 3 giorni. Prenditi questo tempo per valutare criticamente il disegno. È possibile correggere l'immagine o cancellare completamente i dettagli.
22. Pulisci i pennelli con trementina e un vecchio straccio. Strofina la vernice finché l'acqua non scorre via dal pennello e diventa limpida. Se la vernice si asciuga sul pennello, è improbabile che lo strumento salvi qualcosa.
23. I dipinti impiegano 3 o più mesi per asciugarsi. Fino ad allora, lascia la tua creazione in un luogo ben ventilato dove nessuno disturberà il dipinto.
24. Dopo che il dipinto si è asciugato, dovrebbe essere verniciato. Proteggerai la tua immagine e i tuoi colori dallo sbiadimento.
25. Evitare di utilizzare Ivory Black per gli sfondi poiché impiega molto tempo ad asciugarsi.
26. L'olio di lino non viene utilizzato per i colori chiari. Altrimenti diventeranno gialli.
27. Per rimuovere la pittura ad olio dalle mani, usa un olio diverso (baby o oliva). Pulisci la vernice con un panno e non lavarti le mani finché non l'hai completamente rimossa.
28. Applica i colori nei punti previsti, quindi mescolali con un pennello fino a ottenere una gradazione che ti soddisfi.
La maggior parte delle persone sceglie il ricamo o altre opzioni artistiche come hobby. Inoltre, a causa degli stessi beni prodotti in serie, aumenta la domanda di cose fatte da sé. Le foto o le immagini del computer vengono stampate più volte. Puoi fare una cosa unica imparando a dipingere dipinti ad olio. Anche un principiante può comprendere questa tecnica pittorica.
Anche se provi a ripetere perfettamente la trama due volte, non riuscirai comunque a crearne una copia esatta. Questo crea l'unicità delle opere d'arte.
Materiali che saranno richiesti per il lavoro:
- ospite.
- Colori differenti.
- Spazzole.
- Solvente e un piccolo contenitore per esso.
- Tavolozza speciale per la miscelazione.
Anche i maestri usano Spatola di metallo- speciali pale elastiche in metallo con manici in legno, con le quali viene applicata la vernice alla base. È importante per un principiante padroneggiare i pennelli.
Inoltre, i maestri dipingono immagini cavalletto o un quaderno da disegno di alta qualità, se vanno a lavorare nella natura, per rappresentare dipinti ad olio dalla natura.
I paesaggi per principianti sono un argomento difficile. È meglio creare immagini con l'aiuto dell'immaginazione o utilizzando fotografie. Ciò renderà più semplice rappresentare il paesaggio.
Secondo i professionisti, più facile lavorare su un cavalletto, poiché è più facile fare un passo indietro e guardare il risultato del lavoro. All'inizio puoi provare a esercitarti sulla superficie del tavolo, ma è meglio prendere una tavola e metterla sulla sedia con una certa pendenza. Vedrai una panoramica del tuo lavoro e potrai valutarne bene la qualità, notare in tempo le tue mancanze.
Ricordati che la vernice si consuma rapidamente Pertanto, è necessario acquistarli singolarmente e in grandi quantità. La forma di rilascio è di diverse dimensioni. La vernice bianca è la più veloce da lasciare, ma la vernice nera viene consumata in quantità molto piccole. Per prima cosa devi decidere complotto, quindi acquista le vernici dei colori e delle sfumature appropriati.
Per disegnare un bouquet autunnale, avrai bisogno di un set e, per un bouquet estivo, di uno completamente diverso. Per non sprecare il budget con colori non necessari, è meglio prendere solo quelli necessari nella giusta quantità. Tutti i colori e le sfumature possono essere ottenuti solo con tre colori principali(giallo, rosso, blu), nonché bianco e nero.
Galleria: pittura ad olio (25 foto)
Crea e seleziona una base
Se vuoi semplificarti il disegno, acquista in negozi specializzati basi già pronte per lavori su cui è possibile applicare immediatamente la vernice. Costano una discreta quantità di denaro, ma sono perfetti per un principiante, poiché semplificano notevolmente il lavoro.
Un'altra ottima opzione è applicazione di pannelli di fibra. Nella casa di ogni uomo ci sono degli scarti di questo materiale, che rimangono dopo la riparazione. È facile trovarlo chiedendo ad amici, parenti o ad una persona cara. Qualcuno sicuramente lo ha utilizzato e conserva i resti di questo materiale in garage.
La forma dei lati del pannello di fibra è diversa, uno sembra molto liscio e l'altro è piuttosto ruvido, lontanamente simile a una struttura intrecciata. È possibile utilizzare entrambe le forme, ma è necessario applicare più parti e strati di primer su una superficie ruvida, altrimenti il colore potrebbe diventare opaco, poiché la vernice affonderà leggermente nella struttura di tale prodotto.
Se per la prima volta decidi di provare a dipingere un dipinto ad olio di paesaggio, puoi prendere una base in fibra di legno già pronta con il primer già applicato. Il foglio dovrebbe essere preso piccolo, non più di uno orizzontale.
Se vuoi creare una base da WPV con le tue mani, c'è un modo semplice ed economico utilizzando la gelatina semplice, puoi aggiungere colla PVA in modo che il colore diventi bianco. È necessario applicare questo primer in più strati previa asciugatura del passato. Tre volte saranno sufficienti. Dovresti sentire che la superficie è cambiata. Dopo aver preparato la base, puoi procedere alla creazione di un'immagine.
Pittura a olio del corso di perfezionamento
Dopo aver creato le basi e preparato i materiali, procediamo a lavorare per fasi:
- Realizza un disegno a tratteggio sulla tela con una semplice matita o un colore.
- Prenditi cura della distribuzione delle ombre e delle luci (dove ci saranno aree chiare e scure).
- Crea lo sfondo e tutti gli oggetti di grandi dimensioni.
- Impegnati a disegnare piccole forme e dettagli.
A volte fare marcia indietro dalla foto per valutare i risultati delle loro attività. Nel processo di disegno, mescola diverse tonalità di colori sulla tavolozza. L'ultima azione è il design dell'immagine per la cornice.
Master class di pittura ad olio per principianti
In questa master class disegneremo il mare!
Descrizione del disegno passo dopo passo:
Prima di tutto, devi preparare un'immagine con cui dipingerai il mare. Metti la tela sul cavalletto. Crea i primi tratti sulla tela, creando lo sfondo principale. Aspetta un po 'finché non si asciuga completamente. Se segui i suggerimenti della master class, sarai in grado di dipingere un quadro con colori ad olio con il mare. Dopo aver finito di disegnare, devi decidere il nome, soprattutto, non dimenticare di lasciare le tue iniziali al lavoro. La paternità è molto importante perché fa risaltare il tuo lavoro.
Puoi imparare a disegnare immagini da solo. Tuttavia, a volte vale la pena mostrare il proprio lavoro a uno specialista e allo stesso tempo trattare ogni critica con comprensione. Ed è consigliabile iniziare imparando le regole su come dipingere i fiori ad olio.
Come sai, i fiori sono il soggetto migliore per qualsiasi pittore. Perché è molto facile disegnare e non devi preoccuparti della prospettiva o del colore. Inoltre, puoi scrivere con attenzione o presunzione. E con qualunque spirito ciò non venga fatto, i fiori rimangono comunque belli e aggraziati. Vale anche la pena ricordare che in ogni disegno floreale, uno sfondo scuro evidenzia perfettamente il fascino di un bouquet colorato. E non è necessario approfondire i dettagli per dipingere i fiori con colori ad olio, aggiungendo un po' di simbolismo all'immagine.
Come disegnare fiori sott'olio?
Prima di dipingere i fiori ad olio, devi preparare uno schizzo che puoi disegnare su carta o riprendere immediatamente la tela usando la natura, e possibilmente anche una copia di una fotografia. Assicurati di prestare attenzione al colore e alla composizione spaziale. Perché anche un piccolo petalo, se non è scritto in questo modo, rovinerà per sempre l'intero aspetto.
I primi tratti devono iniziare dall'angolo in alto a sinistra della tela. Perché è lì che si trova la zona più importante. Ad esempio, qualsiasi fiore può essere posizionato lì. Con tratti punteggiati, segna il bordo dei petali, quindi ombreggia leggermente, spostandoti gradualmente fino al centro del bocciolo. Si consiglia di disegnare il gambo con tratti lunghi e lisci: il centro con vernice chiara e i lati un po' più scuri.
Assicurati di prestare attenzione al colore bianco. Se decidi di scrivere la camomilla, tutte le foglie dovrebbero essere diverse l'una dall'altra, quindi ogni volta dovrai utilizzare non solo una tonalità diversa, ma anche una tecnica di tratto diversa.
Le viole del pensiero sono molto facili da disegnare, ma è necessario monitorare costantemente la transizione del colore. Non dovresti disegnare nello stesso modo, perché i fiori sembrerebbero troppo piatti. Qui dobbiamo iniziare dal nucleo, spostandoci lentamente verso i bordi di ciascun petalo.
Piccoli fiori, come i lillà, devono essere disegnati in modo molto accurato, disegnando ogni dettaglio, tuttavia, aderire alla posizione corretta o sfumare la vernice, delineando solo la metà di ciascuno di essi.
Guarda il video tutorial su come dipingere i fiori con l'olio.
Va inoltre ricordato che il quadro può rovinarsi completamente quando il bouquet viene posizionato al centro della tela. E se ciò accade, nell'angolo in alto a destra o più vicino in basso a sinistra è necessario aggiungere qualsiasi fiore, petalo o stelo per bilanciarlo almeno un po '.
Come dipingere fiori a olio per principianti. Questo è il posto più semplice da cui iniziare per un aspirante artista.
Per iniziare, avrà bisogno di:
- base: un foglio di carta o tela;
- Pittura a olio;
- spazzole;
- solvente;
- contenitore per solventi;
- tavolozza;
- salviette asciutte o uno straccio.
Quale base è richiesta?
Di norma, l'olio viene dipinto su tela, ma a un pittore inesperto sembrerà difficile, perché il tessuto deve essere teso su un barella e quindi innescato. Ma al giorno d'oggi è facile ottenere una base già pronta su cui iniziare subito a disegnare. Certo, è un po' costoso, ma per i principianti è molto adatto, rendendo loro più facile il lavoro.
Inoltre, non dimenticare che prima è consigliabile selezionare in anticipo l'argomento desiderato. Il modo più semplice per realizzare fiori o natura morta.
Quando si lavora con la natura, è meglio utilizzare oggetti che non cambiano. Poiché la prima volta ci vorrà molto tempo e potresti anche dover disegnare in più fasi, quindi l'artista alle prime armi deve prendere la trama dell'immagine da una fotografia o da un'immagine precedentemente copiata. I fiori vivi non sono ancora desiderabili, perché appassiscono rapidamente o cambiano colore durante il lavoro.
Per rendere la stanza sempre molto bella e accogliente, potete decorarla posizionando sulla parete un quadro con fiori. In tal caso, gli astri sono fantastici. Dal momento che non sono molto difficili da disegnare, perché spesso mostrano una normale forma ellittica, e i petali più piccoli possono essere facilmente scritti in tratti separati in un cerchio. Sono adatti anche fiori come mimosa, lillà, girasoli, camomilla, cioè tutti quelli che hanno elementi separati o infiorescenze di forma semplice e chiara, che può essere facilmente eseguita con un colpo, e quindi disegnare un paio di dettagli necessari.
Puoi scegliere un fiore di ninfea, per la forma semplice dei petali, che creano un buon contrasto con lo sfondo circostante. Inoltre, per tali studi è necessario disporre di una forte fonte di luce, grazie alla quale verrà creato un gioco di chiaroscuri. Poiché in condizioni di scarsa illuminazione, il giglio non sembrerà un fiore molto grande e poco riconoscibile. Pertanto, è molto importante che ci sia un contrasto tonale tra il soggetto e lo sfondo.
La chiave per un dipinto di successo
La cosa principale da ricordare è che il compito principale dell'artista non è trasmettere l'accuratezza fotografica dell'oggetto, ma creare e trasmettere il bellissimo effetto di ciò che ha visto. Pertanto, devi scegliere la trama che ti piace, acquistare i materiali necessari e avviare un entusiasmante processo creativo. Prima di ciò, prenditi cura della presenza di un modello dal vivo o di una foto da cui dipingerai un'immagine. Inoltre, non dimenticare che la pittura sviluppa il pensiero creativo, aiuta a sviluppare il proprio stile, permette di trasmettere le proprie impressioni ed emozioni attraverso i dipinti, così come il coraggio della scrittura.
Naturalmente, invece dei fiori, puoi scegliere di dipingere un ritratto o il mare. Tuttavia questi dipinti sono considerati opere leggermente complesse. Pertanto, prima di dipingere il mare con olio, dovresti assolutamente consultare e consultare persone più esperte che ti aiuteranno sempre e ti diranno come fare tutto nel modo giusto. La cosa principale è non aver paura. Ci sarebbe solo desiderio. E poi andrà tutto bene. Abilità e talento arriveranno con il tempo.
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1. disegno sono comuni contorni in modo che si adattino tela. Quindi disegna i petali e le foglie in dettaglio. Tieni presente che i contorni approssimativi e quelli più dettagliati sono scritti in diversi colori.
2. Designare vernici combinazione di colori generale di petali e foglie.
3. Scrivi lo sfondo composizioni.
4. Usarne di più colori, così come la miscelazione dipingere su tela, dona ai fiori e alle foglie forma e volume extra.
5. Accentua luci, mezzitoni e ombre.
6. Piccolo giro nappa annotare i più piccoli dettagli.
Verniciatura finita 255 x 215 mm
Ibisco 510 x 510 mm
Fiore scritto su scala allargata, e questo è un compito molto interessante. Già la dimensione del fiore attira la nostra attenzione. Quando scriviamo fiori più grandi del naturale, siamo ancora una volta convinti che dobbiamo guardare il fiore con molta attenzione, notando tutte le sottigliezze del colore e compositivo soluzioni.
Budello 510 x 405 mm
Questo è il fiore che le farfalle adorano. Erano il centro della composizione. Per prima cosa, i fiori sono stati dipinti per lo sfondo, poi la vernice si è asciugata e poi l'artista li ha camminati sopra con un pennello asciutto, ammorbidendone i contorni e ottenendo la sfocatura. L'importante è aspettare che la vernice si asciughi un po': non deve essere completamente asciutta o ancora umida.
Natura morta
Non esistono leggi speciali per scrivere una natura morta. La cosa principale è che le parti della composizione sono equilibrate e sembrano belle.
Ecco alcuni suggerimenti.
Non ingombrare natura morta dettagli. Non scrivere molti colori diversi contemporaneamente. Prova a sceglierli nella stessa combinazione di colori. Gli steli dei fiori dovrebbero apparire il più naturali possibile.
Scegli un vaso che si abbini ai fiori per forma e colore. Il vaso deve abbinarsi correttamente ai fiori. Ricorda: se il vaso è troppo squisito, l'attenzione si sposterà su di esso.
Fornire una forte illuminazione su un solo lato: questo creerà uno spettacolare contrasto di luci e ombre. Non dimenticare le proporzioni: più piccolo è il vaso di fiori, maggiore sarà lo sfondo nella composizione.
foto di natura morta
1. Lavora prima con una matita o un pennellino. Disegna contorni leggeri e grezzi sulla tela. A questo punto, devi adattare la scala complessiva della composizione alle dimensioni della tua tela.
2. Ora disegna molto debolmente i contorni dei fiori e delle foglie stesse. Non dettagliare il tuo disegno.
3. Dipingi sullo sfondo scuro, aggirando i contorni dei colori. Quindi dipingi sul tavolo e sul vaso e infine sulle foglie più grandi.
4. Ora dipingi i contorni dei fiori stessi. Lavora velocemente e senza dettagli: ora devi decidere la forma e il colore approssimativi degli elementi della composizione.
5. Dipingi sulle parti centrali dei fiori e sulle foglie più piccole. Ora l'intera composizione è composta da frammenti di colore.
6. Mescolando i colori direttamente sulla tela, schiarisci o scurisci alcune aree. Applicare piccoli tratti di vernice bianca sulle aree illuminate, tratti oltremare sulle aree ombreggiate. Questo è uno dei vantaggi della pittura a olio: mentre la vernice è ancora fresca, possiamo cambiarne il tono quanto vogliamo.
7. In questa fase, mescoli i colori direttamente sulla tela, creando alcuni toni dalla tavolozza. Sperimenta diversi pennelli per provare a cambiare la trama del dipinto. Per prima cosa lavora sui frammenti più piccoli, passando a quelli più grandi, aggiungendo dettagli e ammorbidendo da qualche parte i toni con un pennello asciutto. Questa è la fase in cui si sviluppa il tuo stile individuale.
8. Infine, con un pennellino rotondo, dipingi i dettagli con colori piccoli, aggiungendo piccoli tratti sopra quelli grandi. Riuscire a fermarsi in tempo è difficile quanto trovare il posto per il primo colpo.
Girasoli e rudbeckia 305 x 345 mm. Questa è l'immagine finita.
Anemoni in caraffa 405 x 330 mm
Gli anemoni pulsano di colori delicati e squisiti. Il decanter in vetro trasparente sottolinea l'eleganza della composizione: va ricordato che l'acqua rifrange l'immagine degli steli. Di particolare difficoltà sarà la scrittura di un decanter trasparente: per questo è necessario studiare attentamente tutti i riflessi e i chiaroscuri. Per cominciare, puoi mettere un singolo fiore in un decanter e copiare tutte le transizioni tonali, riducendole se possibile a forme semplici.
Margherite e ombre da loro 405 x 330 mm
Entrambi i lati dello spettro sono inclusi nella composizione: toni caldi (farfalla) e freddi
Noel G. Dipinge fiori a olio