L'esposizione di una mostra museale è studiata come un certo sistema, che è una forma di comunicazione particolarmente significativa e specifica. Nei dizionari dei termini museali l'esposizione è interpretata o come "una parte della collezione museale messa in mostra" o come "una dimostrazione oggetti da museo in conformità con il concetto scientifico e l'argomento impostato.

"Lo scopo di ogni esposizione è l'informazione, e l'informazione può essere di natura didattica, commerciale o rappresentativa. Rivolta a una persona come consumatrice di beni e idee, l'esposizione serve per insegnare, attrarre dalla propria parte, rappresentare qualcosa, influenzare un persona, convincerlo a determinate azioni. Il criterio principale di ogni esposizione è la sua efficacia", così l'autore occidentale Frank K. - New York, 1961. - P. 7. Le funzioni dell'esposizione agiscono come derivate delle funzioni generali del museo, che l'esposizione incarna in forma concentrata, essendo rivolta direttamente al visitatore del museo, svolge il primo ruolo nella comunicazione culturale.

Di norma, un'esposizione espositiva mostra, raffigura, rappresenta determinati eventi o fenomeni, formando dall'interno, sulla base del materiale del soggetto, un sistema informativo generale, logico e figurativo che ha e sviluppa i propri criteri di contenuto ideologico e semantico e formazione della forma. Ma tutti i fenomeni, eventi e processi interpretati nel processo di comunicazione museale sono presentati in una forma molto specifica, "materiale", che è spesso presa come realtà stessa, come parte della realtà storicamente conservata (soprattutto nei musei commemorativi).

Lo sviluppo di problemi teorici e pratici della museologia richiede una profonda comprensione di uno dei processi critici creare un'esposizione, vale a dire visualizzazione e materializzazione concetto ideologico- risolvere il problema dell'unità di contenuto e forma, forma nel significato di contenuto. Riguarda sul ruolo dell'exhibition design. L'exhibition design è inteso come l'arte del design ambientale, che utilizza un complesso di mezzi estetici, costruttivi, tecnologici e di altro tipo per creare una struttura artistica e figurativa delle mostre. I compiti principali del design dell'esposizione dovrebbero essere considerati:

1) Garantire l'unità della forma e del contenuto dell'esposizione espositiva, espressione figurativa del progetto concettuale;

2) Creazione di condizioni favorevoli alla conservazione dei reperti e facilità di fruizione dell'esposizione, ad es. garantendo le sue elevate qualità utilitarie, denotate dal termine "tecnologia" dell'esposizione;

3) Modellatura alto livello comunicazioni - "esposizione - spettatore".

L'esecuzione virtuosa dell'esposizione ne fa un'opera d'arte, dove la forma che si cercava "per esprimere il contenuto, una volta trovata, diventa essa stessa il contenuto che sviluppa e integra le informazioni della costruzione scientifica dell'argomento" Rozhdestvensky K.I. Alcuni problemi dell'arte espositiva museale. - M., 1978. - P. 69.

Per la disposizione ottimale dei materiali espositivi in ​​\u200b\u200bcomplessi, file, nature morte, il ricercatore insieme all'artista sceglie determinate tecniche espositive, ovvero metodi per raggruppare i materiali espositivi. Tra i noti metodi collaudati, è necessario nominare:

Ø selezione di centri espositivi e mostre principali che portano il massimo carico semantico e figurativo;

Ø individuazione dei collegamenti tra oggetti, il metodo della "documentazione reciproca", che consente di identificare i collegamenti, compresi quelli non suscettibili di osservazione esterna (in particolare, il metodo della "reificazione" delle fonti scritte si basa sulla documentazione reciproca , che, di norma, risultano difficili come soggetti di comunicazione museale a causa della scarsa attrattività);

Ø confronto, inclusa opposizione (ricezione di un display di contrasto);

Ø Esposizione "massiccia" della stessa tipologia di materiali, concentrata su una piccola area. Tale esposizione è stata utilizzata, ad esempio, nell'esposizione di archeologia del Tver United Historical, Architectural and museo letterario(1996), dove un numero deliberatamente elevato dello stesso tipo di oggetti in pietra provenienti da reperti archeologici crea un'immagine espressiva dell '"età della pietra";

Ø distensione creando spazi vuoti intorno alle mostre più importanti per focalizzare l'attenzione su di esse;

Ø posizione delle mostre che richiedono considerazione con distanza ravvicinata, all'interno della zona espositiva più conveniente per la visualizzazione - l'area della superficie verticale della sala espositiva a un livello compreso tra 70-80 cm - il limite inferiore, a 200-220 cm - il limite superiore dal pavimento;

Ø organizzazione di "esposizione alla finestra", che consente attraverso l'apertura della finestra, per così dire, di guardare in un altro spazio e tempo;

Ø selezione del primo e del secondo piano, nonché creazione di un piano espositivo nascosto in tornelli, stand per cassette, ecc.

Puoi fornire esempi dell'uso di tecniche diverse quando mostri lo stesso complesso. L'esposizione di molti musei archeologici è costituita da gioielli femminili provenienti da antiche sepolture, che costituiscono un unico insieme. In molti musei la sepoltura è mostrata come appariva agli archeologi durante gli scavi: in una teca orizzontale a livello del pavimento, insieme a uno scheletro, imitazione del suolo, ecc. La cosa principale con questo metodo di esposizione è identificare l'autenticità di un ritrovamento archeologico, per familiarizzare il visitatore con il fatto di una scoperta scientifica. Alcuni esibizionisti raggruppano spettacolari oggetti archeologici in una vetrina, rivelando i loro meriti estetici con scarsa collocazione, sfondo e illuminazione. Esposizionisti di Rostov museo di storia locale, posizionando un insieme di mobili in una vetrina verticale in accordo con il luogo di ogni oggetto, al centro dove dovrebbe essere il volto, hanno posizionato uno specchio, invitando i visitatori a "provare" oggetti antichi, immaginarsi nelle sembianze del loro bis-bis-bisnonna.

L'uso di uno specchio durante la dimostrazione di reperti che richiedono l'ispezione dal retro è una tecnica comune (ad esempio, è così che gli esperti suggeriscono di mostrare le armi). a Saratov museo regionale La storia locale nella sala con soffitto a specchio mostra l'aereo su cui Yu.A. Gagarin. Sopra la sala, per così dire, appare un secondo aereo, che crea un "giro morto". Questa tecnica non solo consente di vedere il pozzetto aperto, ma spinge visivamente lo spazio limitato del salone basso a limiti "cosmici".

Team creativi di espositori trovano e sviluppano i propri trucchi originali realizzazione di complessi espositivi.

"Exhibit in focus" è anche un metodo comune per costruire un'esposizione oggi. L'attenzione dell'esibizionista è focalizzata non sulla totalità dei materiali museali, ma su un oggetto (prezioso, unico, raro) nel suo valore intrinseco.

La soluzione architettonica e artistica è inclusa nel concetto di "esposizione museale" come componente obbligatoria e organica che incarna i principi artistici ed estetici moderni. Questa definizione esprime un approccio moderno alla comprensione dell'esposizione museale come unità di principi scientifici e artistico-figurativi, che garantisce l'efficacia della principale forma di comunicazione museale.

La moderna pratica museale presta grande attenzione alla creazione di un'immagine espositiva, che si forma in misura maggiore grazie alla soluzione architettonica e artistica dell'esposizione. Questo è inteso come progettazione artistica e realizzazione in un ambiente tridimensionale e artistico. complesso espositivo sulla base di un concetto artistico al fine di padroneggiare in modo ottimale il contenuto dell'esposizione da parte dei visitatori del museo. Il compito principale del design artistico è quello di vari tipi arte per aiutare a rivelare la soluzione concettuale dell'esposizione, migliorare l'impatto emotivo e garantire un contatto efficace del visitatore con oggetti museali autentici. L'arte delle soluzioni architettoniche e artistiche si riferisce sia a pittoriche che viste espressive, fa affidamento sull'intero arsenale di mezzi artistici e tecnici.

Pertanto, il design artistico delle esposizioni e delle mostre nei musei moderni è inteso come una sintesi delle arti spazio-temporali e delle conquiste della scienza e della tecnologia (architettura, pittura, scultura, arti e mestieri, cinema, musica, parola, teatro, computer, ecc.). Lo spazio espositivo moderno è un'unità artistica organica di tutti gli elementi dell'ensemble: emotivo, concettuale e plastico.

Il ruolo dell'artista nella realizzazione della mostra.

Il design artistico è in gran parte determinato dall'immaginazione creativa dell'artista, utilizza ampiamente i dati della psicologia e della pedagogia, tiene conto di una combinazione di una serie di fattori che influenzano il processo percezione artistica e sulla capacità di una persona di assorbire una certa quantità di informazioni.

Tra questi ci sono dati così importanti come l'altezza ottimale della cintura espositiva, l'angolo di inclinazione delle vetrine, il più conveniente per visualizzare i reperti esposti in essa, il numero di materiali che cadono nel campo visivo di una persona alla volta tempo e da una posizione, la quantità di informazioni che una persona è in grado di assimilare in un'ora e mezza - due ore di permanenza nelle sale espositive. L'artista deve sforzarsi di concentrare in vari modi l'attenzione dello spettatore e mantenerne l'interesse durante l'intera visione dell'esposizione, potendo alleviare nel tempo la fatica "museale" e il sovraccarico emotivo.

L'immaginazione creativa dell'artista si basa su una conoscenza profonda e completa dell'oggetto, ad es. vero processo socio-culturale e caratteristiche della sua riflessione attraverso mezzi museali. Lavorando all'esposizione, l'artista deve fare affidamento sulla conoscenza del pubblico museale di un particolare museo, sulla composizione socio-demografica dei suoi visitatori.

È particolarmente importante attirare l'attenzione sui principali complessi espositivi o singoli elementi in termini di contenuto, per mantenerla su quei reperti che svolgono un ruolo importante nella comprensione del concetto scientifico dell'esposizione. L'esposizione museale è percepita visivamente, quindi il compito dell'artista è creare file visive, zone di impatto emotivo e percorsi per i visitatori. Tuttavia, gli esperti-artisti sottolineano che l'immagine artistica nella mostra non può essere percepita solo come una catena di associazioni visive. Questo è un concetto più complesso, la cui formazione implica conoscenza, riflessione, corretta comprensione storica dell'evento e sua valutazione.

metodo creativo artista contemporaneo organizzare un'esposizione museale è vicino al metodo di un architetto e designer, poiché la tavolozza dei suoi materiali comprende mostre museali, pittoriche, architettoniche e spaziali e mezzi tecnici mostrandoli. Di conseguenza, tutti insieme vengono ripensati, creando un unico linguaggio figurativo. Il contrasto di forme, materiali, trame, strutture, che conferisce ricchezza plastica e diversità all'esposizione, deve essere padroneggiato da un moderno progettista di musei.

L'organizzazione del colore dell'esposizione è necessaria per l'attivazione percezione visiva mostre. Migliora l'atmosfera emotiva generale. Il potere emotivo dell'impatto del colore consente di sviluppare una sorta di sinfonia cromatica, in cui gli accordi di colore, ad esempio, suonati nella prima sala, dovrebbero continuare a crescere come una melodia in un brano musicale e alla fine suonare un finale solenne. Il colore dovrebbe supportare ed esprimere il contenuto dell'esposizione.

Il ruolo dell'artista museale come "regista" si manifesta anche nel fatto che l'esposizione museale è diventata una sorta di performance che utilizza i mezzi specifici del linguaggio artistico del museo. L'esposizione museale combina organicamente l'autenticità scientifica del contenuto con il brillante intrattenimento dello spettacolo. Il compito dell'artista museale è tradurre il contenuto scientifico dell'esposizione dal linguaggio verbale al linguaggio figurativo. metodo efficace la loro comunicazione.

Argomento 5. architettura museale e attrezzature nelle attività espositive e fieristiche. Il design nella mostra museale.

Aspetto architettonico e artistico dell'esposizione. Il ruolo dell'artista nella realizzazione della mostra.

Attrezzature museali, il loro ruolo nell'organizzazione dello spazio espositivo. Tipi di attrezzature: vetrine, stand, scudi, podi, stand e così via. Requisiti funzionali, estetici, ergonomici, costruttivi per loro.

Design nella creazione dell'immagine dell'esposizione. Tecniche artistiche nella risoluzione dei problemi di progettazione.

Qualsiasi esposizione richiede un accompagnamento per rivelare il suo significato al visitatore. Anche le esposizioni create con metodi moderni (estetica, installazione), progettate per un'interferenza minima nel processo di comunicazione "spettatore - oggetto museale", suggeriscono la presenza di testi esplicativi (indicazioni di che tipo di oggetto, tempo e luogo di fabbricazione, paternità, ecc.). Le esposizioni tradizionali (sistematiche, paesaggistiche, d'insieme, tematiche) sono accompagnate da materiale ausiliario scientifico (riproduzioni e copie, mappe, diagrammi, diagrammi, ecc. - che rimanda a materiali ausiliari scientifici), testi, etichette.

Testi in esposizione– pensato nel suo insieme e sistematicamente organizzato insieme di intestazioni per sezioni e argomenti dell'esposizione, annotazioni, etichette, indici, ecc., ad es. tutte le iscrizioni utilizzate nell'esposizione, che non sono mostre, ma svolgono funzioni ausiliarie. I testi caratterizzano il livello dell'esposizione scientifica (più ce ne sono, più informazioni all'interno del profilo disciplinare vengono offerte al visitatore). I testi sono particolarmente importanti per i singoli visitatori che padroneggiano autonomamente l'esposizione. Un requisito importante per l'uso dei testi è impedire la sostituzione dell'obiettività al commento verbale.

I testi dell'esposizione sono suddivisi in titoli, testi guida, testi esplicativi, etichette, indici. Testo di testa - aiuta il visitatore a navigare nell'esposizione (contengono i nomi delle sale, delle sezioni tematiche, dei complessi espositivi). Testo principale - esprime l'idea principale dell'esposizione nel suo insieme, singole sezioni, temi, sale, complessi. Assomiglia infatti a un'epigrafe alle opere d'arte. Testo esplicativo - annotazione alla sala, al tema, al complesso o alla singola esposizione. I testi esplicativi forniscono informazioni che vanno oltre la percezione degli oggetti esposti da parte dello spettatore.

Etichetta- annotazione di testo su un oggetto separato contenente dati attributivi sull'oggetto: nome, paternità o origine, materiale, dimensioni, metodo e tempo di fabbricazione, se l'oggetto ha un valore commemorativo, informazioni su ciò che viene mostrato - l'originale o un copia. Se l'esposizione presenta principalmente originali e il numero di copie è ridotto, le etichette degli originali potrebbero non indicare lo stato, contrassegnare solo le copie. E viceversa, se l'esposizione consiste principalmente in copie (ad esempio, nei musei di calchi, ecc.), Solo lo stato dell'originale può essere annotato in modo speciale sulle etichette e la copia non deve essere contrassegnata. Tutte le etichette si formano etichettatura - la totalità di tutte le etichette in esposizione.

Puntatori- testi che aiutano a navigare nei locali del museo, navigare autonomamente nell'esposizione (sequenza di sale, complessi, ecc.). I puntatori possono essere posizionati su pareti, supporti speciali, ecc., I.е. nell'attuale edificio del museo. Il ruolo di indicatori può essere svolto da schemi, piani inseriti nelle guide.

I testi dovrebbero essere organizzati, tenendo conto delle peculiarità della percezione umana. I testi, in particolare il titolo e quelli ausiliari, dovrebbero essere letti da più visitatori contemporaneamente ed essere ben illuminati (l'illuminazione dovrebbe attirare l'attenzione su di essi). Le parole incluse in un blocco semantico non devono essere interrotte riga per riga, poiché ciò renderà difficile percepire il significato del testo. La composizione del carattere consente la stilizzazione, ma in ogni caso le iscrizioni dovrebbero essere percepite come un'unità integrale e la soluzione artistica del carattere non dovrebbe rendere difficile la lettura con variegature, contorni complessi, ecc. L'intestazione e i testi principali dovrebbero essere sollevati rispetto al flusso di visitatori: sono posizionati sopra il livello degli occhi. Testi esplicativi, annotazioni, etichette, puntatori sono posizionati all'altezza degli occhi o leggermente più in basso o più in alto. Le iscrizioni situate sopra o sotto il livello degli occhi sono posizionate in modo più competente su piani inclinati perpendicolari alla linea di vista, il che ne facilita la percezione.

Nel XX secolo i testi in esposizione per comodità dei visitatori iniziano a essere sostituiti dall'applicazione mezzi tecnici (intermediari tecnici ) trasmettere informazioni verbali, visive, sonore, audiovisive con l'ausilio di apposite apparecchiature. A aiuti visuali comprendono tessere elettrificate, display luminosi, insegne ed etichette luminose, indicatori Colore diverso, che servono ad attirare l'attenzione dei visitatori su determinati luoghi dell'esposizione e ad accendersi durante il tour.

Intermediari sani sono divisi in due gruppi: 1) quelli chiamati a commentare l'esposizione ( commenti fono - Registrazione dell'escursione su audiocassetta, in sostituzione di una guida professionista; rumori della natura - le voci di animali, uccelli, il suono di una cascata, ecc.); 2) servire come aggiunta all'esposizione e talvolta anche svolgere il ruolo di "oggetto da museo" (riproducendo la voce di un famoso cantante nel suo museo commemorativo, registrando uno strumento musicale suonato nell'esposizione, ecc.).

Audiovisivo influenzano simultaneamente la vista e l'udito. Questi includono film di diapositive (una serie di diapositive espresse per dimostrazione), programmi di diapositive (presentazioni di diapositive tematiche), schermi divisi (dispositivi per la visualizzazione simultanea di immagini su più schermi utilizzando proiettori), film poli (installazioni con grandi, di solito 6-15, raramente altro, schermi), film e video.

I musei utilizzano installazioni di riferimento automatiche (informatori) che forniscono informazioni sul lavoro del museo, la preparazione e lo svolgimento di mostre, esposizioni, collezioni di stock, la disponibilità e l'ubicazione di negozi, mense o buffet, ecc. I tipi di tali dispositivi sono diversi: segreterie vocali, elenchi meccanici (danno testi stampati sul tabellone), risponditori audiovisivi e visivi

I mezzi tecnici visivi e audiovisivi oggi possono far parte degli apparati espositivi. attrezzature espositive - un complesso di elementi e dispositivi che realizzano l'organizzazione strutturale e spaziale dell'esposizione, garantiscono la sicurezza e il fissaggio dei reperti in qualsiasi punto dello spazio espositivo, svolgendo determinate funzioni artistiche e simboliche. L'attrezzatura per l'esposizione ha fatto molta strada nello sviluppo. Inizialmente rifletteva i gusti dell'epoca e i principi della sua fabbricazione differivano poco dai principi della fabbricazione di qualsiasi altro mobile (questo è particolarmente vero per i musei privati ​​\u200b\u200bdi tipo chiuso, che spesso combinavano stanze private e un museo) . Solo nel 1 ° quarto del XX secolo. si sviluppa l'idea che l'attrezzatura non debba interferire con la percezione dell'esposizione, e, quindi, “affrontare” la semplicità delle forme, la funzionalità

Le attrezzature espositive sono suddivise in sistemi unici, creati per dimostrare una particolare collezione, e universali, unificati e flessibili che possono essere utilizzati in qualsiasi museo o continuare ad essere utilizzati dopo la riesposizione. Le singole attrezzature possono essere disegnate in base a un'epoca particolare per completare l'aspetto di un'esposizione museale. Ai tipi di moderno attrezzatura includere:

stand- pannelli piani verticali (comprese le attrezzature pneumatiche - stand gonfiabili, stand per container - utilizzati sia per il trasporto che per l'esposizione). I supporti includono tornelli - superfici piane rigide, simili a libri, fissate sull'asse con l'ausilio di cerniere

Vetrine- attrezzature per l'esposizione spaziale degli oggetti. Le vetrine moderne non solo proteggono gli oggetti dalla polvere e dal contatto indesiderato con le mani del visitatore, ma possono creare una modalità di conservazione ideale (ad esempio, le vetrine sottovuoto utilizzate al Louvre

passerelle– prospetti per la visualizzazione aperta di oggetti volumetrici

Sistemi modulari versatili(frame, frameless, combinato, frame, space-rod, rocker).

Vengono utilizzate esposizioni d'insieme manichini . Negli anni '60 -'80 le mostre con manichini sono state criticate per l'eccessivo "naturalismo", ma in ultimi decenni l'uso dei manichini è tornato nella pratica della museologia

Nella fase di formazione di un concetto scientifico, l'artista è coinvolto nell'opera, a cui il museo affida la creazione di una futura esposizione (di solito se il museo ha tale unità di personale o un artista la cui collaborazione è di natura a lungo termine), o più artisti, ciascuno dei quali darà la propria visione per risolvere le esigenze generali e specifiche degli operatori museali per una futura mostra. In generale, l'inclusione dell'artista nell'opera in esposizione può avvenire in fasi diverse, ma comunque non oltre la compilazione piano tematico. Il concetto generale (scientifico) è redatto come un unico documento, comprendente una descrizione del concetto generale, disegni-planimetrie delle sale espositive che indicano le aree di collocazione preferibile dei complessi espositivi, singoli grandi reperti, materiale scientifico ausiliario (diorami, modelli, ecc.).

L'artista deve fornire una conoscenza completa degli oggetti esposti, in particolare degli oggetti museali: la possibilità di esaminare punzoni, copyright o filigrane, nomi di marchi (per articoli di serie), segni araldici, ecc. Per questo, è possibile installare lenti di ingrandimento per evidenziare un frammento di un oggetto, una mostra può essere montata su un supporto rotante che fornisce una panoramica da tutti i lati, una superficie a specchio dell'attrezzatura espositiva del museo viene utilizzata per dimostrare il lato posteriore degli oggetti piatti , eccetera.

Tema 6. Pedagogia museale nell'attuazione delle funzioni educative e ricreative del museo. Forme e modalità di interazione tra museo e visitatore. Progettazione museale programmi pedagogici.

Natura scientifica e pratica della pedagogia museale e suo indirizzo. L'interdisciplinarietà della pedagogia museale e la sua connessione con la psicologia, la pedagogia, la sociologia e la museologia.

Diversità terminologica e condizionalità socio-politica dei concetti: "illuminismo", "politico ed educativo", "scientifico ed educativo", "lavoro ideologico ed educativo di massa", "culturale ed educativo", "attività ricreative", ecc.

Base teorica pedagogia museale. Il concetto di "potenziale educativo del museo". Opportunità ricreative del museo. Il ruolo dell'oggetto museale e dell'ambiente museale nei processi educativi e ricreativi.

Forme e modalità di lavoro con i visitatori e loro classificazione. Forme tradizionali e innovative di lavoro con il visitatore.

Programma museale-pedagogico e fasi della sua progettazione.

Pedagogia museale– speciale disciplina scientifica all'incrocio tra museologia, pedagogia, psicologia e la disciplina (o il loro complesso) specializzata per un dato museo, il cui oggetto è la comunicazione museale. Il suo compito è sviluppare nuovi metodi di lavoro con i visitatori, programmi museali e pedagogici, studiare l'impatto delle forme di comunicazione museale su vari gruppi di pubblico del museo.

Sotto auditorium del museo v questo caso si riferisce alla totalità delle persone incluse nell'ambito delle attività culturali e didattiche dei musei (esclusi i dipendenti dei musei che sono coinvolti nell'ambito di tale attività in virtù della loro professione)

La pedagogia museale come forma pratica di lavoro iniziò a prendere forma nella seconda metà del XIX e all'inizio del XX secolo. Il termine " pedagogia museale» fu introdotto nel 1931 da Freidel. Inizialmente, la pedagogia museale si è concentrata sullo sviluppo di metodi di lavoro e sullo studio di un pubblico principalmente di bambini. Solo negli anni '70 -'80. si riconosce anche l'importanza di tale ricerca per altri gruppi di visitatori (sebbene il lavoro con gruppi di bambini e adolescenti rimanga la direzione più importante), il collegamento della pedagogia museale con tutte le parti lavoro museale.

I dati sulla base dei quali la pedagogia museale trae conclusioni sono forniti da sociologia museale - una disciplina scientifica speciale all'intersezione tra sociologia (in primo luogo la sociologia della cultura), gestione culturale e museologia. La sociologia museale studia il funzionamento del museo come istituzione sociale; attuazione nelle proprie attività dei bisogni, delle richieste e delle aspettative sociali; l'impatto del museo sulla società e la società sul museo; atteggiamento nei confronti del museo di vari gruppi sociali, professionali, di età e di altro tipo, i loro bisogni e orientamenti di valore.

La museologia moderna ha idee pienamente formate sull'importanza della ricerca sociologica non solo nelle attività culturali ed educative dei musei, ma anche in altre aree di lavoro. La sociologia sviluppa metodi valutazioni di esperti, caratteristiche funzionali delle collezioni museali, indicatori significativi e semantici delle attività museali, criteri di efficacia della comunicazione intramuseale, legami tra opera museale ed extramuseale (determinando la misura della significatività di tale opera e delle sue singole forme per il museo pubblico, esperti, specialisti, ecc.).

La ricerca sociologica è una parte importante del lavoro di ricerca dei musei moderni. La sociologia museale si basa sia su dati sociologici generali (ad esempio, dati di censimenti o studi sociologici generali sulla dimensione, l'età, le caratteristiche sociali, professionali, ecc. della popolazione), sia conduce le proprie ricerche attraverso sondaggi, questionari, osservazioni, studi di documenti, ecc. d.

La separazione della sociologia museale in un campo indipendente di conoscenza scientifica avviene tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. In Russia, i primi studi sulla composizione sociale e demografica dei visitatori, delle loro richieste e comportamenti furono condotti negli anni '20, principalmente sulla base di temporanei e mostre itineranti. Negli anni '30 tali studi furono ridotti e ripresi solo negli anni '60. Scopo della ricerca sociologica musei nazionali cade negli anni '70-'80. In questo periodo nascono servizi sociologici in molti grandi musei: l'Ermitage, lo Stato museo storico, il Museo Russo, ecc. Sono in corso importanti ricerche, ad esempio

Il termine attività culturale ed educativa è stato utilizzato nella museologia domestica dall'inizio degli anni '90. Prima di questo, venivano utilizzati altri concetti (lavoro politico ed educativo di massa, lavoro scientifico ed educativo), che riflettevano la comprensione dell'essenza del lavoro con i visitatori in diversi periodi storici e cambiavano più velocemente della terminologia per designare altre aree di attività museale. Il processo di trasferimento di significati e significati culturali svolto nel museo, il cui scopo è la percezione delle informazioni da parte dei visitatori, è definito come comunicazione museale, durante la quale viene rivelato il potenziale informativo degli oggetti museali, le funzioni educative e di altro tipo del museo si realizzano.

Il contenuto delle attività culturali ed educative si esprime nelle forme di organizzazione del lavoro con il pubblico del museo, nell'interazione con il sistema educativo. Già negli anni '70 si notava che nell'arsenale del museo si possono distinguere fino a cento forme diverse, tra le quali si notano 10 forme base.
Questi sono: conferenza; escursione; consultazione; letture scientifiche; circoli, studi, club; serate letterarie, proiezioni cinematografiche, concerti; incontrare persone interessanti; vacanze; giochi storici; concorsi e quiz. Ci sono molte caratteristiche delle forme: tradizionale - nuovo; dinamico - statico; gruppo - individuale; attivo passivo; semplice - complesso; una tantum - ciclico; commerciale - non commerciale, ecc. Ad esempio, le forme tradizionali che sono servite da base per l'emergere di nuove includono conferenze ed escursioni, conferenze, letture scientifiche, consultazioni, club, circoli e studi. Forme mutuate da altri ambiti della cultura, dell'istruzione e della scienza o dovute allo sviluppo di nuove tecnologie museali possono essere considerate non tradizionali.

IN condizioni moderne le attività culturali ed educative sono incentrate sulla personalità di un potenziale e reale visitatore del museo, in relazione a ciò si possono identificare le seguenti aree principali: informazione, educazione, sviluppo di principi creativi, comunicazione, ricreazione.
Tale selezione è condizionata, perché le direzioni stesse sono mutevoli, mobili e spesso strettamente correlate tra loro o si intersecano in alcuni aspetti.
Tuttavia, al fine di acquisire competenze metodologiche nel museo attività pedagogicaè necessario comprendere chiaramente lo scopo e gli obiettivi del lavoro in ciascuna di queste aree, nonché pensare alla forma ottimale di lavoro con il pubblico del museo e ai metodi di influenza pedagogica.
La totalità delle varie forme, unite da un tema comune e subordinate a un unico obiettivo pedagogico, diventano la base del programma pedagogico-museale.
Consideriamo più in dettaglio l'essenza di ciascuna delle direzioni.

1) Informare è il primo passo nello sviluppo dell'informazione museale, cioè prima ricezione di informazioni sul museo, sulla composizione e sul contenuto delle sue collezioni o su singoli oggetti museali, nonché su questioni relative al profilo del museo, ai vari settori della sua attività. Viene eseguito con l'aiuto di forme tradizionali come lezione e consultazione. Tuttavia, l'attuale livello di sviluppo delle tecnologie dell'informazione comporta la loro introduzione e utilizzo attivo nel museo, ad esempio sotto forma di uno speciale centro informazioni. I servizi di informazione includono un'ampia varietà di modi per presentare le informazioni ai visitatori utilizzando i computer, che vanno dalla qualità dei segnali, dei piani e delle guide per adulti e bambini, e terminano con l'uso di chioschi informativi installati nella sala o nelle sale del museo con una connessione Internet. I sistemi informativi contengono immagini di alta qualità di reperti che ne indicano l'ubicazione, le informazioni di accompagnamento e esplicative.

2) Istruzione - la seconda fase della padronanza delle informazioni museali a un livello qualitativamente nuovo, che include il trasferimento e l'assimilazione delle conoscenze, nonché l'acquisizione di abilità e abilità nel processo di comunicazione museale.
Studiare in un museo comporta l'acquisizione di conoscenze aggiuntive o alternative impossibili o non completamente disponibili in altri istituzioni educative. Ciò è facilitato dall'introduzione di programmi museali-pedagogici basati sulla conoscenza e lo studio di oggetti - originali.

Le caratteristiche distintive dell'educazione nel museo sono l'informalità e la volontarietà. Una caratteristica dell'apprendimento in un museo è l'opportunità di massimizzare le proprie capacità e soddisfare gli interessi; è stimolato dall'espressività, dalla diversità e dall'autenticità degli oggetti museali. L'educazione può essere svolta sotto forma di escursioni, lezioni museali, lezioni in cerchio. lezione museale(classe) è utilizzato principalmente come forma di lavoro museale con studenti di scuole, palestre, licei, college. Il circolo al museo è un'associazione di persone con gli stessi interessi con lo scopo di approfondire, ampliare e acquisire competenze legate al profilo del museo.

3) Lo sviluppo dei principi creativi è il terzo, più alto livello di comprensione delle informazioni museali. Lo sviluppo della creatività comporta l'utilizzo del potenziale del museo, concentrato nei monumenti della cultura materiale e spirituale, per identificare le inclinazioni e rivelare le capacità creative dell'individuo. Il museo ha condizioni speciali per stimolare il processo creativo. Il più efficace di essi è la possibilità di "inserire" nel sistema i migliori campioni, tradizioni, esempi della cultura del passato. Questa direzione può essere implementata sotto forma di uno studio, un laboratorio creativo o un festival, un quiz, un gioco storico, ecc. Lo studio mira a rivelare Abilità creative partecipanti basati sullo studio delle collezioni museali.
Creative Lab - un'associazione di stakeholder che guida il museo sotto la guida di ricercatore sperimentale attività scientifica combinato con la pratica creativa. Festival - un'azione con una vasta gamma di partecipanti, accompagnata da un'esposizione e una rassegna di vari tipi di arte o opere eseguite da membri di studi, circoli e altri gruppi creativi.

4) Comunicazione: stabilire contatti commerciali reciproci o amichevoli basati su interessi comuni legati al tema del museo, al contenuto delle sue collezioni. Il museo offre ampie opportunità sia per la comunicazione con informazioni museali sia per comunicazioni interpersonali significative, interessanti e informali. Può essere organizzato sotto forma di riunione, club, olimpiadi, riunioni o in alcuni forma non convenzionale.
Incontro - un incontro organizzato allo scopo di incontrare e comunicare con persone interessanti su un argomento correlato al profilo del museo. Il club è un'organizzazione pubblica regolamentata che offre un'opportunità di comunicazione gratuita con persone che hanno lo stesso orientamento di interessi relativi al museo e al suo contenuto. Incontri - una forma teatrale, i cui partecipanti si riuniscono nel museo per la comunicazione, l'intrattenimento in combinazione con qualsiasi attività congiunta di natura applicata (ricamo, tessitura di merletti, tessitura, modellazione, ecc.).

5) Ricreazione - organizzazione del tempo libero secondo i desideri e le aspettative del pubblico del museo, soddisfazione del bisogno di svago nell'ambiente museale. La maggior parte di queste forme di svago è pensato per un pubblico di diverse età (fiera, carnevale, open day, festival museale, concerto, KVN, ecc.), ma esistono anche forme di svago e intrattenimento appositamente studiate per determinate categorie di visitatori (una stanza dei giochi per bambini in età prescolare, un albero di Natale nel museo per gli studenti più giovani, tè per gli anziani, ballo di laurea nel museo, matrimonio, ecc.).

Molto spesso, le forme di successo sono complesse. Come le direzioni, le forme sono mobili, sono migliorate e sviluppate. Hanno preso forma nel corso di decenni e sono cambiati nel tempo sotto l'influenza di circostanze storiche, ricerche e sviluppi scientifici, richieste della società.
Il principio di base di qualsiasi forma di attività culturale ed educativa è fornire ai visitatori l'opportunità di fare ciò che li interessa, per creare le condizioni per l'autorealizzazione. Allo stesso tempo, è importante tenerne conto caratteristiche psicologiche diversi tipi e categorie di visitatori del museo. L'efficacia di questo lavoro dipende anche dall'interazione del museo con la scuola, dall'integrazione della pedagogia scolastica e museale.

Attualmente, le attività culturali ed educative sono una delle aree principali del lavoro museale, principalmente con bambini e adolescenti. I musei stanno sviluppando programmi mirati rivolti sia ai bambini che agli adulti, creando dipartimenti educativi con una nuova struttura, organizzando centri per bambini, mostre e mostre per bambini e famiglie. I processi di integrazione aiutano a identificare nuove questioni, metodi, che è rifrazione in programmi culturali ed educativi, progetti.

The Art Newspaper Russia ha invitato noti architetti, designer e curatori a partecipare a un piccolo sondaggio per scoprire quali sono i principali problemi del design museale ed espositivo in Russia e per chi è più importante: per gli spettatori, i musei o coloro chi lo crea.

1. Cosa ti impedisce di fare mostre di grande qualità? Raccontaci del tuo progetto museale di maggior successo.
2. Qual è la sua specificità, insolita, complessità?
3. Quale progetto museale ricordi in particolare, ti piace e perché?
4. Quale vede come compito del progettista di mostre e spazi museali?

Boris Bernaskoni

1. Finora, nulla ha interferito. Anche se, ovviamente, in Russia esiste un approccio completamente diverso alla creazione di tali progetti su larga scala, a differenza, ad esempio, dell'Europa o degli Stati Uniti. Ciò è dovuto al fatto che, di regola, sono finanziati dallo Stato e ciò comporta alcune difficoltà, anche burocratiche.

2. Il progetto di maggior successo è probabilmente il padiglione cittadino Monumento al luogo in piazza Lubjanka. Volevo che in città apparissero cilindri che fissassero alcuni punti "malati" sulla mappa di Mosca, ad esempio monumenti distrutti. Un cilindro nero, installato in uno di questi punti, si è trasformato in una sorta di museo di un luogo a cui si richiedeva attenzione. Sono passati 14 anni da quando è nata questa idea, ma la considero ancora una delle migliori nel mio portfolio. Principalmente perché io stesso ero il cliente di questo progetto e facevo affidamento esclusivamente su me stesso e sui miei sentimenti.

Progetto Museo Mulino della cultura mondiale a Oslo. BERNASKONI, 2009

3. Tutte le grandi mostre museali - sia in Russia che in Europa - sono realizzate approssimativamente secondo lo stesso principio, quindi non mi fanno una forte impressione. Ma quello che mi ha veramente colpito è stato il museo scientifico e tecnico Ars Electronica Center di Linz. Inoltre, colpisce non solo il suo design high-tech, ma anche il concetto stesso. Il fatto è che questo museo collabora con molte università austriache e internazionali, che mostrano il loro scoperte scientifiche come modelli funzionanti. I visitatori del museo possono non solo vedere le novità della scienza, ma anche prendere parte autonomamente ad alcuni processi, ad esempio provare a coltivare nuove varietà vegetali. Grazie a questo, il museo diventa un laboratorio dove vivere una vera e propria esperienza di ricerca. Inoltre, l'Ars Electronica Center ospita costantemente mostre legate all'arte, alla scienza e al business innovativo. Questo è il massimo museo interessante di tutto quello che ho visto negli ultimi dieci anni.

4. Il compito principale è trasmettere il significato di ciò a cui è dedicata la mostra. Molto spesso le persone si limitano ad appendere quadri e sistemare oggetti. Anche questo è un compito difficile che richiede determinate competenze: la capacità di lavorare con la luce, i materiali, la comprensione della scala e molto altro. Ma la cosa principale che dà interesse a qualsiasi mostra è la connessione delle mostre con lo spazio, non solo lo spazio espositivo, ma anche lo spazio semantico, mentale, della nostra vita. Perché, ad esempio, una mostra di candidati al Premio Kandinsky è sempre così interessante per lo spettatore? Poiché tutte le opere selezionate dal consiglio di esperti sono sulla cresta dell'onda, riflettono i processi che avvengono nella società. Questa connessione dell'arte con il tempo presente è sempre molto sentita e riflessa anche nel design. Qualsiasi mostra richiede una selezione significativa di contenuti e la sua distribuzione nello spazio. Uno di migliori esempi come dovrebbe essere - il lavoro della galleria "Triumph". Le persone che ci lavorano capiscono perché questa o quell'immagine dovrebbe essere qui, come dovrebbe essere articolata, che significato ha. Sfortunatamente, l'approccio di un tale gioielliere alla creazione di mostre è raro nel nostro paese.

Katia Bochavar

1. Il mio metodo è questo: faccio del mio meglio all'interno della situazione proposta. Anche se il volume fisico della mostra è piccolo, le idee possono essere grandi. Sì, non divido i progetti in grandi e piccoli, le dimensioni in questo caso non contano. Tuttavia, adoro l'ambito e spesso ricevo offerte per creare mostre su larga scala, soprattutto nell'ambito dei festival ("Gogolfest", "Archstoyanie", Lexus Hybrid Art e altri). Nessuno mi impedisce di fare il mio lavoro, ma a volte mi aiutano male, ma questo accade in ogni caso. Il denaro può essere truffato. Puoi fare in modo che nessuno indovini che il budget del progetto è di tre copechi e tutto si basa, come si suol dire, sul talento nudo.

2. Faccio diversi progetti al mese ed è difficile per me parlare di quello di maggior successo. Spero che ognuno di loro sia buono a modo suo. Le mie permanenti e preferite al momento sono due gallerie-laboratori statali, "Khodynka" e "On Peschanaya", unite in un gruppo sotto il nome comune GROUND (State Regional Artistic University of Independent Talents). Per me, come artista, curatore ed espositore, questo progetto è una rara opportunità per implementare costantemente, nella modalità di due mostre al mese, le mie idee e sperimentare. Il progetto è molto libero, in esso la creatività non è intasata dalla routine, ma diventa una disciplina e una formula di vita per tutto il team, e lo stesso team GROUND è un altro prodotto arte contemporanea. Non so per quanto tempo il progetto vivrà nelle difficoltà che ci stanno arrivando, compresi gli attacchi all'arte contemporanea, alla musica, al teatro, alla letteratura, perché il nostro compito principale è divulgarli, ma speriamo tutti per il meglio e siamo abbiamo fretta di seminare il ragionevole, gentile, eterno, mentre c'è una tale opportunità, e ci mettiamo tutte le nostre forze.

Esposizione Rifugio di pianoforti nella galleria GROUND Peschanaya (art director Katia Bochavar). 2014

3. Mi è piaciuto molto il design della mostra al MMOMA sul Museo Petrovka con le previsioni, realizzato per il 15° anniversario del museo. Il complimento principale che può essere tranquillamente dato a questa esposizione è "proprio come non qui, ma all'estero". Comprendere l'intero spazio e decisioni coraggiose per cambiarlo, lavoro scrupoloso su ogni dettaglio, risultati compositivi e installazioni architettoniche originali, soluzioni cromatiche e di illuminazione sottili e appropriate, comprensione del materiale esposto e un atteggiamento rispettoso nei suoi confronti, lavorando con la psicologia dello spettatore e la capacità di guidarlo attraverso lo spazio in modo premuroso - in una parola, tutto in questa mostra è buono ed eccellente.

4. Il compito principale è rendere la mostra interessante per tutti, indipendentemente da età, istruzione, nazionalità, stato sociale e tutto il resto. La mostra dovrebbe avere diversi livelli di approfondimento, e più sono, meglio è. Dovrebbe "agganciare" e coinvolgere il pubblico in un dialogo, suscitare il desiderio di ripetere l'esperienza di comunicazione con la cultura, espandere la visione del mondo sia dei visitatori che dei creatori della mostra. E l'espositore deve prima di tutto pensare all'argomento della mostra e allo spettatore, e non alla sua amata. Il desiderio di esprimersi attraverso i contenuti porta a tristi conseguenze, a volte semplicemente "uccidendo" le mostre. L'autore del design della mostra è un tramite tra lo spettatore e la mostra, è uno psicologo, un artista e un po' un mago.

Sergej Choban

1. Quelle mostre in cui ero impegnato, nulla mi ha impedito di farlo. Comunicazione con i musei, tra cui la Galleria statale Tretyakov, Museo di architettura. Shchusev e altri, è stato sempre piacevole e costruttivo. Fortunatamente, c'erano degli sponsor che sostenevano questi progetti.

2. Il nostro ufficio ha progettato l'edificio del Museo del disegno architettonico a Berlino. La sua particolarità è che si trattava di un territorio molto piccolo. Per questo motivo il museo stesso si è rivelato molto compatto, intimo, che si riflette nel design degli interni, che si è rivelato laconico, pratico e versatile. Qualsiasi museo moderno è, prima di tutto, un oggetto ingegneristico complesso, che dovrebbe portare a risparmi di energia, costi operativi e spazio. È su questo principio che è stato creato il nostro museo.

Padiglione Russo alla XIII Biennale di Architettura di Venezia (curatore Sergej Choban). 2012

3. L'ultima vivida impressione è il Museo di arte contemporanea Frieder Burd a Baden-Baden. È stato costruito da Richard Mayer nei primi anni 2000. Vi è conservata l'arte dei secoli XX-XXI, che è molto accuratamente correlata alla scala degli spazi interni, delle superfici espositive, dei materiali e delle trame. Per qualsiasi museo, questa è la cosa più importante. L'importante non sono gli effetti speciali, ma la geometria dello spazio, le proporzioni.

4. Immagino che il compito principale ce ne può essere solo uno: la creazione di spazi unici. In ogni caso, quando realizzo allestimenti espositivi, mi prefiggo proprio questo compito. Una persona che entra nella mostra deve immergersi nello spazio unico, che è una parte organica del concetto della mostra, e non qualcosa di separato.

Olga Trevis

1. Siamo impegnati in grandi mostre di qualità, sia che si tratti della Biennale di arte contemporanea di Mosca, progetti su larga scala Museo "Garage" o esposizione dell'anniversario del Museo di arte moderna di Mosca. Anche se un buon progetto non dipende dalle dimensioni. In ogni caso, creiamo la nostra storia unica per ogni nuovo progetto.

2. È sempre emozionante lavorare con un nuovo sito. Questo è esattamente quello che è successo con la mostra Lost in Translation per MMOMA alla Biennale di Venezia. Ecco dov'erano davvero le difficoltà di traduzione, le situazioni imprevedibili ei segreti inaspettati del più bel Palazzo Ca'Foscari! Di conseguenza, conciso e semplice nell'architettura, si adatta perfettamente sale espositive università più antica.

Progetto principale Più luce 5a Biennale d'Arte Contemporanea di Mosca (allestimento della mostra — Modulo Ufficio: Olga Treivas, Vera Odin e così via.). 2013. Mosca, Sala espositiva centrale "Manege"

3. Nuovo spazio espositivo temporaneo in Museo Ebraico ha iniziato a lavorare con una mostra piuttosto da camera di Le Corbusier, l'architetto del libro. L'esposizione è dedicata al libro il più grande architetto XX secolo Le Corbusier Il poema dell'angolo retto del 1955, uno degli esempi eccezionali del genere livre d'artiste. Mai prima d'ora è stato mostrato in modo così dettagliato. L'architettura degli stand ripeteva la struttura del contenuto del libro e mostrava ogni pagina della pubblicazione separatamente.

4. Il compito dell'exhibition design è quello di immergere lo spettatore in tale atmosfera quando l'oggetto della mostra sarà rivelato nel miglior modo possibile. A volte per questo basta immergerlo in un cubo bianco, a volte basta costruirci attorno una “storia”.

Come lavorano i designer occidentali in un'esposizione museale?

Egor Larichev, Dima Baryudin
Pensiamo che la parola chiave qui sia "consapevolmente". Il senso occidentale della storia non è lo stesso della Russia. O viviamo nella storia o cerchiamo di scappare da essa verso il futuro. Nello stesso luogo, le narrazioni del passato richiedono un guscio fragile separato, che i nostri colleghi creano con cura e attenzione.

Andrej Vovk
Non posso dire di tutto l'Occidente, ogni azienda ha le sue caratteristiche. Alla RAA (Ralph Appelbaum Associates), la maggior parte dei progetti viene sviluppata interamente, compresa la trama e il contenuto dell'esposizione. In questo caso il museo svolge il ruolo di consulente e committente. Il processo di lavoro diventa più efficiente e produttivo. È così che abbiamo lavorato a quasi tutti i progetti in Russia e non si può dire che sia impossibile in Russia. È possibile e necessario.

Qual è la differenza tra la progettazione di mostre permanenti e mostre temporanee?

Jonathan Barnbrook
Quando lavori a una mostra temporanea, devi ricordare che verrà mostrata in altri luoghi: dovrebbe essere facile da capire. Devi anche essere creativo quando lavori con materiali temporanei. Nel caso di una mostra permanente, bisogna capire subito come sarà tra dieci anni. Ciò significa materiali più durevoli e allo stesso tempo un design più semplice che non diventa obsoleto così rapidamente. Tutte le mostre non dovrebbero solo educare, dovrebbero anche avere un elemento di intrattenimento.

Egor Larichev, Dima Baryudin
Nella responsabilità. La mostra temporanea è sempre fuochi d'artificio. UN esposizione permanente in questo senso rimozione del gas, aria condizionata, creazione di un ambiente confortevole. Utilizzo di tecnologie senza tempo, lavoro con materiali più sostenibili, ricerca di soluzioni tecnologiche. È chiaro che un museo cool alla fine è un equilibrio infinitamente regolato di significati e tecnologie, comfort e sensibilità, vistosità e correttezza.

Questa sezione descriverà i principi del comportamento dei visitatori in interno del museo. Ne offriamo diversi punti di partenza ricerca:

• Progettazione espositiva;
• Caratteristiche dell'oggetto;
• Caratteristiche dell'architettura;
• caratteristiche dei visitatori.

L'elenco di questi principi non è esaustivo. Speriamo solo che stimoli il tuo pensiero e ti spinga a esplorare nella pratica. Il che, ovviamente, ti aiuterà ad avvicinarti al design del museo da un lato più professionale.

"Il progetto di interior design e la decorazione del soggetto aumentano l'interesse per l'esposizione"

Vengono fornite alcune prove empiriche, ma sono necessarie ulteriori ricerche per convalidare questi metodi, identificare le dimensioni specifiche di ciascuna variabile e determinare l'impatto relativo di ciascun fattore sul comportamento dei visitatori.

Musei di flora e fauna

Ad esempio, considera una mostra con tutti i tipi di animali e altri rappresentanti della fauna.
1. Oggetti o animali di grandi dimensioni attirano l'attenzione molte volte di più di quelli piccoli.
Molti ricercatori occidentali hanno trovato una forte relazione tra le dimensioni degli animali e il tempo di esposizione allo zoo. Risultati simili sono stati osservati nei padiglioni dei rettili.
2. Gli oggetti o gli animali in movimento si concentrano su se stessi meglio di quelli statici. Nei musei scientifici, viene prestata maggiore attenzione ai meccanismi in movimento. Nelle stagioni vita attiva degli abitanti dello zoo, anche il flusso di visitatori sta crescendo in modo significativo.
3. Oggetti o animali insoliti ed esotici per una certa area attirano più attenzione di quelli ordinari. I visitatori accorrono costantemente per vedere specie rare come tigri bianche, koala, pantere, panda, ecc.
4. Ci sono certe qualità di oggetti o animali che per loro natura suscitano un vivo interesse. Ad esempio, il diamante Hope, un grande diamante, uno dei famosi nel Nuovo Mondo, è di per sé di grande interesse. D'altra parte, i quadri per bambini saranno più interessanti per i visitatori rispetto ai mobili antichi. Pertanto, è importante tenere conto dei fattori di simpatia psicologica o di maggiore interesse per determinate aree della vita o argomenti.
5. Oggetti che uniscono, insieme al visivo, la possibilità di contatto sensoriale, tattile, attirano sempre più visitatori. La possibilità di toccare con mano la mostra aumenta notevolmente il tempo trascorso dal visitatore in mostra. Anche il suono dell'oggetto della mostra aumenta l'attrazione e cattura l'attenzione. Pertanto, possiamo affermare che la combinazione del campo visivo, della componente uditiva e tattile dell'oggetto di ispezione lo rende molto più attraente per i visitatori.

Il Vasa Ship Museum di Stoccolma, di cui abbiamo già parlato, attua pienamente questi principi, offrendo ai suoi visitatori mappe interattive delle rotte marittime, “stanze sonore” dove ascoltare con le proprie orecchie come suonava la vita a bordo della nave, e la ricostruzione delle cabine passeggeri e altri locali nave. È giusto dire che puoi toccare assolutamente tutto in questo museo? Anche se un antico proiettile di cannone sollevato dal fondo del mare è sotto vetro, nelle vicinanze ci sarà sicuramente il suo intonaco esatto, che può e deve essere sentito, accarezzato e almeno leccato da tutti i lati!
6. Anche gli elementi interattivi aumentano notevolmente il tempo di navigazione. Ad esempio, un pulsante su un dispositivo che illumina la tana di una lontra ha generato più visualizzazioni rispetto a un'esposizione simile senza luce. Inoltre, vale la pena notare che computer e pulsanti sono meno interessanti per i visitatori rispetto alla possibilità di nutrire gli animali dalle loro mani.
7. Il metodo della triangolazione consente di rendere la mostra un catalizzatore per l'interazione sociale tra i visitatori. Quindi gli artisti di strada e le sculture insolite stimolano contatto sociale fra estranei sulla strada.

Oggetti architettonici nella progettazione museale

1. Maggiori sono le opportunità di ispezione senza ostacoli dell'oggetto che fornisci al visitatore, maggiore sarà l'attenzione che riceverà questo oggetto (o soggetto). Ci sono almeno tre variabili qui: livello di illuminazione, ostacoli visivi e schermi visivi. Il livello di illuminazione diventa un fattore quando il livello è così basso che i visitatori non possono vedere l'oggetto per 15-20 minuti. In un'esposizione con poca luce i visitatori sono pochissimi.

Le ostruzioni visive includono barriere solide, rocce, alberi e altri oggetti che bloccano la linea visiva tra il visitatore e l'oggetto o l'animale.

Gli schermi visivi si riferiscono a materiali come recinzioni o teche di vetro che creano bagliori che interferiscono con una visione chiara di un oggetto o di un animale. L'eliminazione di questi ostacoli ti darà un indubbio aumento dei visitatori e un aumento dei tempi di ispezione dell'oggetto.
2. Il fattore di prossimità gioca un certo ruolo. Minore è la distanza tra il visitatore e l'oggetto, più spesso i visitatori si fermeranno vicino alla mostra e aumenterà anche il tempo di visione.
3. La posizione dell'oggetto o del soggetto esposto rispetto al visitatore influisce sul tempo trascorso vicino all'oggetto esposto. IN questo momento vengono presi in considerazione il livello degli occhi del visitatore e il punto di osservazione dell'esposizione. La durata della visione aumenterà se la disposizione degli oggetti è centrifuga. Inoltre, le posizioni superiori delle file di oggetti riceveranno più attenzione rispetto alle posizioni inferiori.
4. Una mostra più "reale" è percepita come più positiva. C'è un'osservazione secondo cui gli animali venivano percepiti meglio quando venivano mostrati in condizioni naturali piuttosto che in gabbia - questo si rifletteva nel momento dell'esame.
5. Competizione sensoriale. Il concetto include la presenza di oggetti esposti nelle vicinanze che competono visivamente tra loro. Oppure i loro stimoli uditivi sono in conflitto. Ciò ridurrà la percezione della mostra da parte del visitatore se le vetrine sono posizionate su entrambi i lati dell'ingresso.
6. La profondità dell'oggetto espositivo può avere l'effetto opposto a quello previsto. I visitatori possono effettivamente saperne di più sulla mostra, che non è stata affondata in profondità nelle sale.

Progetto museale e fattori pubblici

1. Caratteristiche demografiche: l'età, il sesso, lo stato socioeconomico e il livello di istruzione e persino i fattori etnici possono influenzare le reazioni dei visitatori della mostra.
2. Gli interessi particolari dei visitatori attirano e catturano i loro sguardi. La ricerca suggerisce che gli interessi speciali (mi piace e non mi piace) sono importanti predittori del comportamento degli ospiti.
3. Fatica da museo. I visitatori sono sempre meno interessati a mostre in cui gli oggetti sono per lo più simili tra loro.
4. La percezione è pienamente influenzata da sentimenti istintivi, ad esempio un senso di bellezza o pericolo. Le persone tendono a guardare i serpenti ripugnanti con apprensione per molto tempo, anche se non rappresentano affatto una minaccia.
5. Dominio. Se il visitatore guarda l'animale in cattività dall'alto, piuttosto che guardarlo dal basso, è probabile che si attivi un senso di dominio nei confronti dell'oggetto.
6. impatto sociale. Il comportamento di altre persone influenza il comportamento degli altri. Le persone tendono a seguire il comportamento degli altri imitandoli. Ad esempio, i visitatori regolano la loro velocità di camminata in mezzo alla folla o in una particolare sala. Le persone sono attratte da una folla interessata a qualcosa e spiazzano il resto.

Tutti gli aspetti e le norme di cui sopra influenzano fortemente il design delle sale espositive. Ti consigliamo di non escluderne nessuno durante l'analisi della tua mostra e assicurati di integrare il lavoro con un progetto di design professionale del museo.