Jasmine, Ruska pop pevačica, Tv spiker:
Sve zavisi od pristupa i odnosa čoveka prema onome što stvara. Zanat se može uzdići u rang visoke umjetnosti ako se svako djelo stvara s dušom i ljubavlju. Umjetnost i zanat su svi isti kreativni proces, samo je njegova skala drugačija. A šta će se na kraju desiti - umjetničko djelo ili nešto obično - potpuno ovisi o tome ko ga stvara. Zanati i umjetnost mogu imati različite razmjere, različite etničke boje i semantičko opterećenje, ali razumijevanje ljepote je ono što, po mom mišljenju, ujedinjuje oba ova koncepta.
Irena Ponaroshku, TV voditelj, VJ:
Danas se mnogo ljudi bavi umetnošću. Ali nećete naći dobrog majstora danju sa vatrom. Oni koji se mogu naći plaćaju se dosta za svoj rad. Stoga bih svima preporučio da se bave zanatom i klone se umjetnosti, jer je tamo situacija slična kao u podzemnoj željeznici u špicu. Ima puno ljudi i svi ne mogu da dišu. Gomile marširaju pod zastavom savremene umjetnosti, nemajući apsolutno pojma kuda idu. A to dolazi u vrijeme kada je zanat pouzdaniji i traženiji.
Vladimir Kapaev, direktor ansambla kozačke pjesme "Krinitsa":
Umjetnost je kad se naježiš. Možda nešto nije završeno, nije u skladu, nije u skladu, ali dira dušu i to je to. Sada je granica između ova dva koncepta, nažalost, zamagljena, i oni često ne idu toliko ruku pod ruku, već teže istom cilju - zaraditi novac. Umjetnost je duševna i emotivna, osvaja vas do srži. Zanat je prizemniji i po pravilu praktičniji.
Alexander Rodnyansky, filmski producent:
Prije svega, zbir vještina. Ako govorimo o zanatu u kulturnoj sferi, onda su komunikacijske vještine ovdje važne. A umjetnost je prevođenje značenja kroz prizmu individualnog razumijevanja. Recimo samo da je umjetnost nemoguća bez upotrebe zanata, ali nije potreban obrnuti redoslijed – prisustvo zanata ne garantuje prisustvo umjetnosti.
Semjon Leskov, poslovni trener:
Generalno, ovo su dvije strane istog novčića. Iako su se u proteklih sto godina značajno udaljili jedno od drugog. Zanat implicira nekakav rezultat, dok je umjetnost apstraktnija. Zanatlije je teško imenovati kreativni ljudi. Iako varira. Dođem u auto-kuću da popravim auto, a automehaničar me gleda uplašenim očima. On pali auto i morate mu vidjeti lice kada počne da sluša motor. Gospodar ga sluša sa zatvorenih očiju kao da je Betovenova 5. simfonija. Zatim, dodavanjem gasa, njegov sluh postaje toliko oštar da mu se čak i uho počinje pomicati. Nakon završetka slušanja, radnik auto kuće precizno dijagnostikuje probleme s automobilom. Visoki nivo majstorstvo je sposobno bilo koje djelo pretvoriti u umjetnost.
Umjetnost u kulturnom sistemu
„Umjetnost je oblik kulture povezan sa sposobnošću subjekta da estetski ovlada životnim svijetom, reproducira ga na figurativan i simboličan način, oslanjajući se na resurse kreativna mašta» .
Ali možemo li reći da je ova definicija dovoljna da predstavi svu raznolikost značenja sadržanih u umjetnosti, da uhvati jedinstvenu specifičnost ovog fenomena... Naravno, odgovor će biti negativan. Nijedna definicija ne može zadovoljiti svakoga, u principu, jer svaka osoba ima svoju ideju o umjetnosti, njenu vrijednost i svrhu. Svaki pokušaj da se govori o tome šta je umetnost biće izraz krajnje subjektivne tačke gledišta. I to je jedna od najznačajnijih razlika između umjetnosti i drugih kulturnih fenomena. Umjetnost je, uprkos prividnoj neizvjesnosti i subjektivnosti percepcije, jednom ušla u čovjekov život i nikad ga ne napušta. Iz veka u vek, uprkos sve većem pragmatizmu čoveka, nesebična lepota slikarstva ili muzike i dalje uzbuđuje.
Danas je nemoguće nedvosmisleno odgovoriti na pitanje zašto je čovjeku potrebna umjetnost. Neki tvrde da umjetnost postoji da bi ukrašavala život - ovi ljudi uporno teže otkriću Ljepote kao vječnog zakona postojanja. Zaista, Ljepota je zabrinula čovjeka: pokušao je to uhvatiti u prirodi, u ljudima oko sebe, identificirati neke kriterije, a zatim to zabilježiti. U istoriji umetnosti mogu se naći milijarde „svedoka” (slike, skulpture, minijature, pesme, pesme) ovakvih susreta sa Lepotom. Drugi smatraju da umjetnost treba da obrazuje čovjeka – u djelima traže Dobro, Korist, Pravdu. A treći su uvjereni da je umjetnost način razumijevanja svijeta, pa je njihov cilj u umjetnosti otkrivanje i bilježenje Istine. Ispostavilo se da umjetnost može zadovoljiti vrlo raznolika interesovanja.
Koja je razlika između umjetnosti i drugih kulturnih fenomena koji također pružaju čovjeku mogućnost da ostvari svoje potrebe? Odgovor na ovo pitanje treba tražiti u neraskidivoj vezi između umjetnosti i stvarnosti. Ljudski život je pun varijabilnosti: osoba se nađe uvučena u ovu vječnu promjenu vanjske stvarnosti i unutrašnjeg svijeta. Osoba može tražiti načine da se prilagodi ili prevaziđe ovu varijabilnost: akumulirajući i primjenjujući znanje, gradi svijet kulture oko sebe, štiteći ga od nepredvidivosti prirode. Tako se ljudska aktivnost pretvara u borbu za opstanak. Ali čovjek je otkrio drugačiji način postojanja - ne da se prilagođava i bori sa okolnom stvarnošću, već da se igra s njom. Čovjek počinje da koristi sposobnost igre, svojstvenu čak i životinjama, ne samo kao način podučavanja nečega ili prenošenja znanja itd., već kao univerzalni način suživota čovjeka sa svijetom i drugim ljudima.
Umjetnost je univerzalni oblik svjetonazora koji je jedinstven za ljude. Stoga možemo reći da je umjetnost jedinstven način izražavanja ljudskog postojanja. Koja je specifičnost ovog načina realizacije osobe pokušaćemo da saznamo.
Kriterijumi za definisanje umetnosti su različiti: zavise od specifičnosti kulture unutar koje umetnik stvara, od mesta i vremena nastanka i percepcije dela.
U najširem smislu, pojam „umetnost“ se koristi u dva značenja:
1. Umjetnost je vještina, vještina, vještina, spretnost, visoka ocjena sposobnosti za obavljanje bilo kojeg posla. Često tako ocjenjuju osobu koja ne samo da profesionalno radi svoj posao, već ga radi lijepo, lako ili na neki posebno nadahnut način. Stoga, domar koji razbacuje lišće može sebe osjetiti ili ga drugi percipiraju kao pjesnika.
2. Umjetnost je kreativna djelatnost usmjerena na stvaranje umjetničkih djela i estetski izražajnih oblika.
Ako kombinirate ove dvije vrijednosti, dobit ćete sljedeću definiciju:
Umjetnost je umjetnička aktivnost zasnovana na vještini i vještini.
Tradicija shvatanja umetnosti kao veštine i veštine razvila se već u antici, kada su formulisani fundamentalni koncepti kao što su Poesis, Mimesis, Techne.
Prvi koncept, Poesis, označava čin stvaralačke akcije zasnovane na inspiraciji. Najvažniji uslov za stvaranje ili percepciju umjetničkog djela je posebno stanje. Nije slučajno što je zaplet pjesnika ili umjetnika koji posjećuje Muzu, simboličnu sliku inspiracije, toliko čest u svjetskoj umjetničkoj kulturi:
Marljivo sam u tajnosti slušao pouke djevojke;
I, oduševivši me nasumičnom nagradom,
Odbacujući kovrče sa slatke obrve,
Uzela mi je lulu iz ruku:
Trska je oživjela božanskim dahom
I ispunio moje srce svetim šarmom.
A. S. Puškin „Muza” Dakle, stanje inspiracije, doživljeno kao pojava „niotkuda” nečeg novog, karakteriše posebna otvorenost prema svetu i spremnost na kreativan dijalog, kako sa stvarnošću tako i sa sopstvenim osećajem ovu realnost.
Dijaloška priroda umjetnosti također je izražena u drugom konceptu. Mimesis znači "imitacija prirode". Prema starim Grcima, čovjek ne može izmisliti ništa što ne postoji u prirodi, pa ga u umjetnosti može samo oponašati.
Treći koncept, Techne, je zanat, nauka, spretnost, urađenost, potpunost. Ideja dolazi do izražaja i utjelovljenja tek kada je majstor utjelovljuje u materijalu i ulaže fizički napor u stvaranje umjetničkog djela.
Dakle, umjetnost se doživljava kao stalni povratak prirodi, dijalog sa svijetom u kojem umjetnik živi:
Kasnije se umjetnost počela shvaćati kao kreativna aktivnost usmjerena na razumijevanje i transformaciju okolnog svijeta prema zakonima ljepote. Čini se da riječi "prema zakonima ljepote" razlikuju umjetnost od drugih vrsta kreativnosti: na primjer, u nauci se kreativnost odvija prema zakonima logike i razuma. Ali u različitim kulturnim tradicijama, pojam lepote je različito definisan: ono što se čoveku činilo lepim u 17. veku, savremenom čoveku izgleda ružno. Osim toga, sve češće se umjetnici namjerno ne okreću nečemu “lijepom”, već svoj odnos prema svijetu izražavaju kroz “ružno”. Stoga, ako umjetnost doživljavamo kao sredstvo za hvatanje ljepote, umjetnost je lišena svakog značenja.
Isto tako, umjetnost je nemoguće definirati samo kao izraz individualno-ličnog stava umjetnika. Uostalom, bilo je razdoblja kada je umjetnik bio eksponent ne ličnog, već javnog pogleda na svijet: dovoljno je prisjetiti se prekrasnih srednjovjekovnih hramova građenih prema određenim kanonima, ikona koje su se slikale i još uvijek se slikaju prema ikonografskim kanonima, ili tipične staroegipatske "portrete" faraona. Takva umjetnost je, prije svega, umjetnost tradicije, a drugo, umjetnost individualne kreativne inicijative. Sve metode i tehnike drevne ruske ili staroegipatske umjetnosti osmišljene su da izraze vječnost i nepromjenjivost onoga što se događa i prikazuje. To su bile ere velikih kanona! Epohe koje nam nisu donijele praktički nijedno ime umjetnika ili arhitekte. Arhitekta koji je svoje ime stavio negdje na krov katedrale rizikovao je da završi u vatri inkvizicije. Vremena su se promenila, danas niko neće poslati umetnika na lomaču na potpis. Međutim, ova tradicija se nastavlja i danas: nećemo moći da saznamo ni ime ni vreme nastanka ikone koja je izašla iz ikonopisačke radionice Novotihvinskog manastira u Jekaterinburgu ili bilo kog drugog manastira u Rusiji - uostalom, ikonu nije stvorio čovek, već Bog ljudskim rukama. Kanoni, prošli kroz individualno poimanje, ne sputavaju, već vode umjetnika putem izražavanja univerzalnog ideala ili vječnog znanja, ideja o svijetu i čovjeku.
Zbog efikasnosti ovog načina prenošenja ideja kao umjetnosti, u različitim vremenima neko je nastojao da im umjetnost stavi u službu, da je iskoristi. Umetnost je dugo vremena dokazivala svoje pravo na nezavisnost od politike, morala, književnosti itd. Međutim, nijedan od nabrojanih kulturnih fenomena ne bi mogao u potpunosti potčiniti umjetnost: sama priroda umjetnosti ne dozvoljava korištenje njenog jezika da prenese gotove filozofske, religiozne ili političke ideje. Te se ideje još uvijek, na ovaj ili onaj način, transformiraju u sferi umjetnosti, podvrgavaju interpretaciji i emocionalno su obojene ovisno o umjetniku.
Dakle, jedini univerzalni kriterij koji određuje specifičnost umjetnosti kao oblika kulture je da se svaka ideja, bez obzira na njen sadržaj, izražava kroz umjetničku sliku i umjetničkim sredstvima. Zbog toga se umjetnost pokazuje kao specifična djelatnost, različita od ostalih oblika kulturne djelatnosti.
Umjetnost, ko i gdje god da je stvara ili percipira, stvara poseban prostor. Zaista, jedna od najčešćih verzija pojave i postojanja umjetnosti je verzija umjetnosti kao ukrasa života: siva svakodnevica se mijenja čim čujemo našu omiljenu pjesmu, a jednako siva betonska ograda prija oko kada , umjesto prostirke, na njoj se pojavljuje pravi grafiti. Knjiga Lewisa Carrolla "Aliceine avanture u zemlji čudesa" svojevrsna je potvrda ove verzije: junakinja ulazi u prekrasan svijet u kojem predmeti mijenjaju svoje uobičajene veličine i funkcije kroz zečja rupa, prevladavši neku vrstu granice koja razdvaja dvije stvarnosti.
Umetnički prostor je prožet raznim granicama: to može biti pozorišna scena, okvir za slike, televizijski ekran, prva stranica knjige i tako dalje - sve to različite varijante granice fiktivnog i stvarnom svijetu. Stoga se može govoriti o prisutnosti nekoliko značenja pojma „razgraničenja“ mjesta u kojem postoji umjetnost. Razmotrimo te granice na primjeru pozorišta kao posebnog prostora u kojem se isprepliće najveći mogući broj granica.
Prvi je pravo „razgraničenje“: pozorište kao zgrada, kao skup scenografskih objekata, uslužnih prostorija i sale, je mesto koje ima stvarne granice koje odvajaju ovo mesto od drugih.
Drugi je kulturno „razgraničenje“: osoba dolazi u pozorište, doživljavajući ga kao kulturnu instituciju u kojoj vrijede određeni zakoni, stereotipi ponašanja i tradicije. Sve ove norme i stereotipi ponašanja osmišljeni su da zaštite umjetničku stvarnost od stvarnosti „nevaspitanih“ auditorijum, od gledaoca koji razgovara telefonom, šušta omotima slatkiša, komentariše šta se dešava i tako dalje. Pozorište u u ovom slučaju djeluje kao poseban zatvoreni kulturni prostor u kojem djeluje sistem pravila ponašanja. U procesu edukacije čovjek uči da prilagodi svoje ponašanje ovisno o tome gdje se nalazi na rock koncertu ili estradi, u cirkusu ili u pozorištu.
Treće je umjetničko „razgraničenje“: pozorište kao mjesto u kojem se „rađa život“ u formi predstave, za vrijeme trajanja predstave zbog iskustva se ispostavlja da je „demarkirano od ostatka svijeta“. umjetničkih slika u umjetničkom prostoru od strane gledatelja i glumaca. Dakle, razgraničenje u pozorištu omogućava mu da istovremeno funkcioniše i kao pravi arhitektonski prostor, i kao hijerarhijski strukturiran kulturni prostor, i kao umetnički prostor – i uopšte kao prostor koji strukturira ljudsko postojanje u kulturi.
Sve postojeće granice koje osoba prevazilazi prije susreta s umjetničkim djelom (bilo da se radi o performansu, slici, arhitektonskom objektu ili knjizi) imaju za cilj ne samo da razdvoje nečiju umjetničku praksu kao odvojenu od njegovih svakodnevnih aktivnosti, već i da pripreme njega za ovu posebnu vrstu aktivnosti. Ali ako dolazak u pozorište i pridržavanje svih pravila boravka u njemu nije tako težak za osobu koja ima dovoljno iskustva u posjetu pozorištu, onda je prodor u „stvarnost“ predstave, pa i svakog umjetničkog djela najteža stvar za čovjeka, bez obzira na godine i iskustvo. Često višegodišnje iskustvo može čak i da ometa kada osoba nije u stanju da direktno, poput djeteta, percipira određeno umjetničko djelo, što utiče na količinu primljenog zadovoljstva.
Sposobnost prevazilaženja ove granice između percepcije svijeta i percepcije umjetnika direktno je povezana s pokretljivošću unutarnjeg svijeta čovjeka, njegovom sposobnošću da odgovori na vanjske utjecaje i promjene. Promjena ne samo u odnosu na bilo koje djelo, autora ili stil, već iu odnosu na kulturu u cjelini. Stoga je „razgraničenje“ usko povezano s procesom prevazilaženja granica: osoba, ulazeći u prostor postojanja umjetnosti, mijenja svoje svakodnevne duhovne i fizičke prakse, što je apsolutno neophodno za razvoj novih područja i nivoa kulture. , a samim tim i za poboljšanje pojedinca.
Međutim, granica koja razdvaja fiktivni i stvarni svijet ne može se u potpunosti prevladati, jer u protivnom dolazi do narušavanja umjetničkog prostora i nestanka umjetnosti. Veoma je važno da potrošač proizvoda umjetničke kulture shvati da ovaj proizvod nije stvarnost, već samo autorska vizija stvarnosti. Gledalac koji ne zna raditi s ovom granicom može zamijeniti igru za stvarnost i neprimjereno reagirati na umjetnost: na primjer, baciti nešto na glumca koji igra negativan lik ili baciti kiselinu na sliku.
Sposobnost kompetentnog rada sa svim vrstama opisanih granica pokazatelj je nivoa umjetničke kulture ličnosti, njenu sposobnost da uđe u umetnički dijalog. A ovo je veoma važan aspekt ovu temu, jer je umjetnost komunikativna po prirodi; stvorena djela su uvijek upućena osobi, gledaocu. I iako umjetnik može namjerno zauzeti stav „Ne treba mi publika, ja stvaram za sebe“, uvijek postoji nada da će njihova djela ugledati svjetlo dana. Stoga takva poza nije ništa drugo do lukavstvo. Umjetničko djelo koje čovjek ne može vidjeti je mrtvo.
Percepcija umjetničkog djela uvijek je dijalog, a ne komunikacija. Ako se u procesu komunikacije informacije kreću jednosmjerno od autora do gledatelja, a u dijalogu obje strane učestvuju u razmjeni ideja.
Umjetnički dijalog je odnos koji nastaje između sudionika u procesu umjetničkog sustvaranja i umjetničke percepcije, svojevrsni dijalog u kojem se prenose umjetničke informacije. U tom slučaju umjetničko djelo postaje posrednik između autora i gledatelja, koji je ujedno i koautor.
Umjetnička komunikacija može biti “direktna”: kada autor i gledalac “komuniciraju” direktno, a vrijeme nastanka i percepcije djela se poklapa. Na primjer, pozorište je umjetnost koja se stvara samo pred očima gledatelja, a koja svake sekunde ovisi o raspoloženju glumaca i neposrednoj reakciji publike, što osigurava „neposrednost“ umjetničke komunikacije. Između glumca i gledaoca može biti samo rampa i nekoliko redova ljudi koji sede ispred; i u pozorišnom okruženju mala scena rampa je uništena, a gledalac dobija priliku da joj se što više približi umetnička stvarnost performanse, pa čak i da se nađete u njemu. Vrijeme nastanka i percepcije djela kombinuje se i u cirkusu, na koncertu, na raznim vrstama predstava, kada je publika direktno prisutna u trenutku rađanja nečeg novog i može uticati na proces.
Ali umjetnička komunikacija može biti i indirektnija: autora i gledatelja razdvajaju vrijeme i prostor. Recimo, koliko god mi, koji živimo u 21. veku, želeli da komuniciramo sa velikim ludakom Vincentom Van Goghom, to je nemoguće!
Kao što vidite, umjetničku komunikaciju određuju ne samo vrijeme i prostor, već i specifičnosti različitih vrsta umjetnosti, od kojih svaka podrazumijeva svoj jezik, svoj način organizacije dijaloga i prostora.
U takvim vrstama umjetnosti kao što su arhitektura, skulptura, kino, slikarstvo, umjetnička slika je čvrsto fiksirana u materijalu. I ovdje možete uočiti i prednosti i nedostatke takvog vezivanja za materijal. S jedne strane, što umjetničko djelo više ovisi o materijalu, to se manje mijenja. Nemoguće je predložiti režiseru Andreju Tarkovskom da nešto promijeni u svom filmu, raspravljati se s njim, ne samo zato što ovaj režiser više nije živ, već i zato što je film već montiran i ozvučen. Takođe, ne možemo zahtevati da se promene proporcije figure Venere Miloske „zbog promena standarda lepote žensko tijelo- To bi bilo apsurdno. Ali s druge strane, uništavanje materijala dovodi do smrti samog materijala. umjetnička slika. Toliko je nenadoknadivih gubitaka u svjetskoj kulturi: slike izgubljene u vojnim sukobima i od ruku mentalno poremećenih ljudi, uništene crkve, uništene skulpture. U tom smislu, fraza "Rukopisi ne gore!" postaje veoma uslovno.
Postoje umjetnička djela u kojima je vezanost za određeni materijal gotovo svedena na minimum, mogu se mijenjati ovisno o gledaocu. Ali i oni se nalaze bespomoćni pred vremenom. Tako je, na primjer, moguće dati novo značenje u Shakespeareovu dramu “Hamlet”: i, po pravilu, svaki režiser koji je ikada preuzeo ovu predstavu izražavao je ideje koje su bile moderne i relevantne za njega, njegovo vrijeme i zemlja. Mogao je da obuče Hamleta u farmerke, da ga natera da svira saksofon, ali pritom nije promenio ni jedan red Šekspirovog teksta. Kao drama, Hamlet može postojati kao pisani ili izgovoreni tekst, koji može biti oličen u predstavi ili filmu.
Jedan od „najneopipljivijih“ oblika umetnosti je muzika. Zvuk se začuo i više ga nije bilo! Dakle, muzika koja nije transkribovana u note možda neće biti sačuvana tokom vremena. Ali muzika takođe ima prednosti u odnosu na istu skulpturu. Tako vajar bilježi vlastitu interpretaciju slike „jednom za svagda” u materijalu. Gledalac koji razmatra ovu skulpturu suočava se sa gotovom vidljivom slikom i njegova mašta se ispostavlja podređena viziji vajara. U istom muzičkom delu dva slušaoca mogu čuti potpuno različite ideje ili raspoloženja; njihova mašta je ograničena samo njihovom sopstvenom ličnošću. Stoga apstraktna muzika često dotiče čovjeka više od gotove vidljive skulpturalne slike. Možete navesti sljedeći primjer: čovjek ode u kino da pogleda ekranizaciju knjige koju je nedavno pročitao i shvati da je sve zamislio potpuno drugačije. Činjenica je da što više umjetničko djelo dozvoljava gledaocu da razmišlja, to će gledalac dobiti više zadovoljstva.
No, vratimo se na razmatranje specifičnosti umjetničkog dijaloga. Može se shematski prikazati na sljedeći način:
Umjetnička slika uhvaćena u radu je takoreći autorska izjava namijenjena gledaocu. Stoga je problem razumijevanja jezika jedan od najvažnijih. U interpersonalnoj komunikaciji često se javlja problem nerazumijevanja Drugog: iako su ljudi u blizini i imaju povoljne uslove da razumiju jedni druge, do razumijevanja možda ipak neće doći. U uslovima umjetničkog dijaloga, Gledalac može pokušati razumjeti Autora samo kroz djelo koje je ostavio iza sebe, pa se put do razumijevanja usložnjava. Osoba sa malo iskustva u komunikaciji sa umetnošću, kada se suoči sa nekim novim umjetnički jezik počinje da doživljava rad kao svog protivnika. Odbijanje nečega nepoznatog je prirodna psihološka reakcija. "Braneći", osoba počinje da se "bori" protiv posla, zauzimajući poziciju "nerazumijevanja i nespremnosti da se razumije". Pored faktora neiskustva gledaoca, postoji i faktor navikavanja na određeni umetnički jezik. Tako, na primjer, 60-70-ih godina. U 19. veku pojavljuju se umetnici koji više nisu bili zadovoljni realističkim jezikom, razvili su sopstveni stil i dobili naziv „impresionisti” - C. Monet, P. Renoir, P. Signac, E. Degas i drugi. Međutim, javnost još nije navikla na njihove slike, kritike padaju na njihove izložbe. Proći će nekoliko godina i impresionisti će uspješno prodavati svoja djela, a na mjesto „izopćenika“ doći će novi umjetnici: V. Van Gogh, J. Seurat, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec i drugi.
Dakle, vizija individualnog autora možda se ne poklapa s našom vizijom svijeta, umjetnost nam je privlačnija. Zauzvrat, umjetnička kultura pomaže osobi da nauči razumjeti različite jezike umjetnosti. Akumulirajući iskustvo u komunikaciji s umetnošću, osoba postepeno ovladava jezikom boja, linija, muzike, gestova i tako dalje, što mu pomaže da dublje sagleda nova umjetnička djela. Stoga možete naučiti muzički jezik i jezik apstraktno slikarstvo, možete naučiti proces percipiranja jezika bilo kojeg autora. Ovladavajući umjetničkim jezicima, čovjek ide putem međusobnog razumijevanja, a ne izolacije od drugih ljudi, te, shodno tome, njegovo postojanje u kulturi postaje raznovrsnije, a samoostvarenje višestruko.
U okviru umjetničke kulture čovjek ovladava različitim tehnikama umjetničke komunikacije. I istovremeno razvija:
1. Potreba za umjetničkom komunikacijom, svojevrsna navika koja čini motiv komunikacije. Motiv može biti želja da doživi bilo koju emociju: kao rezultat ostvarenja ove želje, osoba razvija "vezanosti", sklonosti u umjetnosti, osoba skuplja svoje omiljene filmove u svojoj kućnoj videoteci ili skuplja muzičke zapise svojih omiljenih grupe i ide na svaki novi koncert ove grupe. Motiv može biti ne samo želja za primanjem nečega (emocije, nove ideje), već i želja da se izrazi stvaranjem nekog umjetničkog predmeta s oličenim idejama ili osjećajima, te se tako fiksira u kulturi. Oba opisana motiva aktuelizuju kreativni potencijal koji je svojstven svakom pojedincu;
2. Stav prema komunikaciji koji se razvija prije početka umjetničkog kontakta. U procesu umjetničkog dijaloga postavka može imati pozitivnu ulogu, prilagođavajući gledatelja određeni umjetnički jezik i način komunikacije, ali može i interferirati. Dovoljno je zamisliti sljedeću uvjetnu situaciju: stariji ljubitelj klasične muzike ide na koncert, čiji program obećava izvođenje Wagnerovih djela. Ali igrom slučaja ona završava na koncertu grupe “The Untouchables”. Možda bi, da je bila spremna na takvu promjenu, uspjela da percipira ovu muziku, ali zbog određenog odnosa prema Wagneru, naša će junakinja najvjerovatnije biti šokirana;
3. Komunikacijske vještine koje se zasnivaju na ovladavanju umjetničkim jezicima: sposobnost korištenja jezika ovisno o žanru i vrsti umjetnosti + razumijevanje motivacije autora;
4. Fleksibilnost svijesti i umjetničkog pamćenja;
5. Formiranje vrednosno-semantičkog stava prema umjetničkom djelu;
6. Sposobnost uspostavljanja zajedništva duhovnog svijeta i svijeta autora.
Dakle, što je viši nivo umjetničke kulture, što je čovjek sposobniji za stvaralačku i kokreativnu djelatnost, to postaje otvoreniji za dijaloški kontakt sa svijetom druge osobe, izražen u umjetničko djelo, i što život osobe postaje raznovrsniji. Na osnovu navedenog, potrebno je utvrditi funkcije umjetnosti u ljudskom životu i procesu postojanja kulture u cjelini.
Kroz istoriju svjetske kulture umjetnost je bila specifičan sistem akumulacije
i prenošenje iskustva u posebnom jezičkom sistemu koji koristi boju, ritam,
oblici, volumeni, zvukovi itd. Informacije se pohranjuju u slike, znakove, simbole, tekstove i stvari
itd. Postoje institucije koje se bave akumulacijom i očuvanjem kulturnih informacija:
muzej, galerija, pozorište. Odnosno, umjetnička kultura je prirodna memorija ljudskog društva,
kolektivno pamćenje i individualne utiske.
Prvo, uvođenjem osobe u ovo pamćenje ostvaruje se i obrazovna funkcija. Obrazovanje u umjetnosti nastaje indirektno, jer obrazovanje nije cilj umjetnosti, ono je manje važno od procesa. Umjetnički odgoj i obrazovanje su podsistemi umjetničke kulture.
Drugo, funkcija akumuliranja i prenošenja iskustva uključuje i funkciju objedinjavanja, koja podrazumijeva integraciju društva kroz umjetnost.
I treće, osim akumulacije i prenošenja iskustva, umjetnost ga i obnavlja. To je zbog činjenice da umjetnost uvijek ima autorsku prirodu (čak i ako se autor namjerno ponaša kao anonimna osoba). Svaki put umjetnik iznova otkriva svijet, neprestano ažurirajući stvarnost. Inovacija i novost se ovdje pojavljuju kao poseban način samopotvrđivanja. Upotrebom likovnih sredstava, model stvarnosti koji je predložio umetnik predstavlja živopisnim, emotivnim slikama, što ima snažan uticaj na posmatrača. Stoga je proizvođač uvijek odgovoran za ono što je stvorio, koje ideje je izrazio i kako je njegova kreacija utjecala na ljude.
Specifičnost umjetnosti kao načina prenošenja informacija je u tome što umjetnost
dijaloški. Stoga je dijaloška funkcija jedna od središnjih. Ako uzmemo u obzir umjetnost
kao sredstvo komunikacije, možemo reći da učvršćuje vezu između osobe i kulture;
Zahvaljujući umjetnosti, osoba ne samo da može ući u dijalog sa svojim savremenicima, već i biti transportirana
u drugim epohama i državama, komunicirati sa drugim generacijama, ljudima (čak i izmišljenim).
Međutim, dijaloška funkcija je direktno povezana sa funkcijom kulturne obnove. Umjetnost je dijalog između autora i gledatelja kao koautora, uslijed čega se pojavljuje nešto novo (emocija, vrijednost, ideja, predmet). Stoga je svaki susret s umjetnošću potencijalno svojevrsni eksperiment:
“Eksperiment je iskustvo, pokušaj da se nešto postigne na neki način.” Pored ove definicije, trebalo bi da postoje značenja koja se doživljavaju kao sastavne komponente koncepta eksperimenta: „potraga”, „pokušaj”, „otkriće”, „novina”, „promena tradicije”, „razbijanje stereotipa” itd.
“Eksperiment pretpostavlja spremnost umjetnosti da traži, čak i da griješi zarad onoga što još ne postoji.”
Dijalog je taj koji određuje smjer eksperimenta: za kvalitativnu promjenu umjetničke kulture (njenog sadržaja i funkcija), eksperiment se mora proširiti na sve sudionike, a ne samo na publiku. Umjetnik, kao inicijator i koordinator eksperimenta, sve napore usmjerava prvenstveno na sebe - stavlja se u situaciju stalnog samoodređenja - pa se tek nakon toga okreće publici. Stoga je organiziranje dijaloške situacije poseban zadatak umjetnosti koji se mora riješiti za uspješan završetak umjetničkog eksperimenta.
Umjetnički eksperiment je iskustvo stvaranja određenih uvjeta za ažuriranje umjetničkih tehnika, promjenu učesnika i vrednosnog sistema kulture u cjelini, koje se provodi kroz formiranje jedinstvenog semantičkog umjetničkog (igre) prostora.
Još uvijek ne znate po čemu se renesansa razlikuje od umjetnosti prosvjetiteljstva? Da li stalno zaboravljate na karakteristike moderne i savremene umetnosti? Stvorili smo za vas kratki vodič u istoriji umetnosti od rock art na modernu umjetnost! Besplatno Čini se da svi vide jasnu razliku između moderne umjetnosti i umjetnosti prošlih stoljeća. Često to čujemo moderna umjetnost optuženi su za nedostatak estetizma, umjetnici našeg vremena optuženi su za nedostatak profesionalizma, a kulturna sfera u cjelini predstavljena je kao u krizi. Ali je li? Možda je ovo sljedeća faza evolucije u kreativnosti i tumačenju svijeta? Da bismo odgovorili na ovo pitanje, potreban je kratak diskurs o istoriji umetnosti, pa treba da počnemo od toga rock art, primitivni plesovi, nakit u starom kamenom dobu. Ovdje je sve vrlo jednostavno i jasno. Većina kreacija povezana je s ritualima, ceremonijama i vjerovanjima. Čak i mali dio onoga što je sačuvano omogućava dotaknuti antiku i uroniti u kulturu našeg porijekla. Dalje, naravno, treba govoriti o antike. Umjetnost antike imala je ogroman utjecaj na naredne ere i još uvijek se smatra standardom ljepote. Prva se pojavljuju remek-djela mikenske i minojske kulture, i to: oslikana keramika, koja se pojavila u 6. vijeku. BC. Morski i floralni motivi slika odražavali su svijet u kojem su živjeli majstori, svijet u kojem je čovjek dio prirode. grčka kultura, koji je zamijenio mikenski ili minojski period, postojao je pod okriljem trijade Ljepota-Istina-Dobro, i bio je prožet filozofijom i mudrošću. Lijepo je ležalo u matematičkom skladu, bogatom sadržaju i istini. Pažnja umjetnosti prebacuje se na osobu. Na primjer, sve skulpture koje prikazuju mitološke likove i bogove stvorene su na sliku osobe. Ono što je ugodno za oko i uho naziva se lijepim. U isto vrijeme umjetnici oponašaju prirodu, pokušavajući pronaći savršenih oblika. Majstor se uzdiže u status stvaraoca. Religijsko mišljenje također ostaje važna komponenta. Srednje godine– sveto vrijeme u umjetnosti. Ovdje djeluje kao vizualizator Sveto pismo. Ikonografija čini Sveto pismo dostupnijim, jer je jezik slikarstva jasniji od verbalnog jezika. Preko ikone Bog dolazi u kontakt sa vernicima. Arhitektura srednjeg vijeka također uzdiže Boga: gotički hramovi sežu do neba, manastiri i katedrale Romanički stil naglašavaju ulogu crkve u ljudskom životu. Važna karakteristika umjetnosti srednjeg vijeka je simbolizam. Umjetnost je prožeta skrivenim značenjima, znacima, slikama. Osim toga, autor postaje nevažan, on se ponaša kao prevodilac, a ikona kao prozor kroz koji možemo pristupiti Bogu.
Renesansa takođe poziva na vezu između božanskog i ljudskog, ali daje glavna uloga osobi. Autoriteti, uključujući i filozofske, su odbačeni. Pojavljuje se interesovanje za nauku i umetnost. Umetnik je sada univerzalna osoba, kokreator. Senzorna sfera se rehabilituje. Umjetnost renesanse osvjetljava mračni srednji vijek. Pravo na fikcija. Umjetnici čine izvanredan iskorak u svom radu: pojavljuje se perspektiva, volumen, raznolikost boja, obnavlja se vanjska, fizička ljepota. Renesansa je doba povratka antici i njenog poboljšanja u emocionalnom i senzualnom smislu. 
Doba prosvjetiteljstva– još dublje razumijevanje antičkih klasika. Ako je renesansa emocionalnost, onda je prosvjetiteljstvo racionalnost. Svijet se mijenja, blještavi bljeskovi naučnim otkrićima. Ali umjetnost ostaje jedan od ključeva za razumijevanje i promjenu svijeta. U ovom trenutku, što nije manje važno, nastaje umjetnička infrastruktura: prva muzeji umjetnosti novi tip - u Londonu (1753) i Parizu (1793), umjetničke akademije i umjetnički časopisi. Pokreću se problemi ukusa i razvija se umjetnička kritika. Postulira se činjenica nužnog uključivanja umjetnika u proces javni život. “Umjetnost nije samo imitacija, izraz osjećaja, ona je nastavak života i sfera slobodne samospoznaje duha.” Pravo umjetničko djelo moguće je samo uz duboko uranjanje u njega. Dakle, doba prosvjetiteljstva, uz trijumf razuma, označava tranziciju klasična umjetnost u novu fazu razvoja. 
Neklasična umjetnost počinje sa (1848-1853), koji se suprotstavljao akademizmu i svim prethodnim temeljima klasike. Majstori su se služili manirom umjetnika Rana renesansa
, smatrajući da je umjetnost ovog vremena prožeta istinska lepota i lišen nepotrebnog 
metaforički. Prerafaeliti su u početku tretirani kao revolucionarni pokret, kasnije su ipak prepoznati, ali sredinom 20. veka interesovanje za njihov rad ponovo je izbledelo. kasno XIX veka pojavljuje se novi pravac u umetnosti - impresionizam, koji još strože učvršćuje tranziciju umjetnosti u nova faza. Termin „impresionizam“ zasnovan je na nazivu slike „Impresija. Rising Sun» Claude Monet. Impresionizam karakteriše posebna percepcija stvarnosti, glavni zadatakšto je hvatanje promjenjivog stvarnog svijeta, prijenos, prije svega, utiska, a ne spekulativne slike. Novi pravac je ideal prolaznosti, empatije, lakoće naše percepcije.Na platnima C. Moneta, O. Renoira, E. Degasa i drugih velikih impresionista vidimo život u senzualnoj formi, blizu granice subjektivnosti. , ali ne prelazi preko njega. Zamućenost, nestabilnost slike i osobenosti kompozicije potiču maštu da stvara slike koje su svima poznate - one utiske koji se ne mogu jasno učvrstiti u našem sjećanju, ali koji omogućuju istraživanje svijeta. Osim toga, impresionizam nastoji osloboditi znanje od fragmentacije, omogućavajući da se svijet sagleda u njegovoj cjelovitosti i jedinstvu svih dijelova ovdje i sada. Tako je impresionizam označio početak prvog perioda moderne umjetnosti, tj Moderna umjetnost.Arhitektura moderno odlikuje se novim oblicima, odbacivanjem ravnih linija i uglova, traženjem novog 
nestandardni materijali (metal, staklo). Za slikarstvo i skulpturu veliki uticaj pružio simboliku. I tu možemo vidjeti direktnu vezu između moderne umjetnosti i umjetnosti srednjeg vijeka. Kubisti, dadaisti, futuristi koristite alegoriju, dvosmislenost, kao što ikonopis koristi simbole i slike. Modernizam time potvrđuje teoriju cikličnosti u razvoju umjetnosti. Ispostavilo se da je avangardna muzika najosjetljivija na ponavljanje. Modernost je preispitala svoj odnos prema tembru, ritmu i tonu. Moderna umjetnost postala konceptualna, došlo je do slabljenja estetskog smisla. Ovdje vidimo i tendenciju da se ideje moderne umjetnosti konvergiraju sa nekim idejama prosvjetiteljstva u pogledu intelektualizacije umjetnosti.U drugoj polovini 20. stoljeća počinje drugi period moderne umjetnosti, tj. savremena umetnost. Nastao je kao potraga za alternativama modernizmu. To je bilo izraženo u obliku novih materijala, slika, promjena u kreativnim metodama. Značajno pojačan socijalna orijentacija u umjetnosti. Umjetnost ne oponaša samo svijet, ona formira drugu stvarnost u kojoj se reflektuje stvarni svijet. Pojavljuju se novi žanrovi: performans, hepening, land art, digital... Umetnost prestaje da bude iza zidova muzeja i galerija, izlazi na ulice, uvodi se u javni prostor, ruši barijere između ideje i ljudske svijesti. Savremena umetnost nam govori, jeste skrivena značenja koji žele da budu otvoreni i razumljivi svima. 
Da rezimiramo, istaknimo glavne razlike između moderne i klasične umjetnosti:
Zašto se ova slika (knjiga, zgrada, film) smatra remek-djelom, a ona tamo - roba široke potrošnje, loš ukus i sranje?
Tek nedavno sam konačno došao do dobrog objektivnog kriterija.
Nekada sam mislio da se riječ “kvalitet” uopće ne odnosi na umjetnička djela, da je to stvar ukusa, mode, marketinške promocije itd. Smatrao sam da u ovoj oblasti nema i ne može biti objektivnih pokazatelja.
I sami poznavaoci umjetnosti potkrijepili su ovu moju zabludu svojim razgovorima poput: „Samo treba puno gledati, proučavati, upoređivati – i razumijevanje i ukus za dobra umjetnost doći će sami s vremenom.”
A ja sam tehničar, ovo uopšte ne razumem. Zvuči kao – “treba se puno diviti formulama i tada će prirodno postati jasno zašto su i kako ih koristiti, razumijevanje fizičkih zakona će doći samo od sebe.”
U tehnologiji obično postoje jasni kriterijumi (njihova kombinacija) koji vam omogućavaju da kvalitet stvari izmerite brojkama. Recimo da se motor procjenjuje po specifičnoj snazi, efikasnosti i vijeku trajanja. Šta je sa kipom?
Likovni kritičari uopšte ne operišu sa nečim takvim.
Pa, možda postoji aukcijska cijena, ali i ovo je od male koristi u mnogim područjima ili uopće nije primjenjivo.
Kako, na primjer, određujete cijenu zgrade kao umjetničkog djela? Ili opere?
Nažalost, bez obzira na to koliko sam razgovarao o ovom pitanju različiti ljudi od umjetnosti, niko mi nije mogao formulirati kako da razlikujem visoka umjetnost od sranja. Odnosno, ljudi razumiju da je Raphael pisao remek-djela, a Glazunov - apsurdna mrlja, ali kako se to može objasniti riječima?Uostalom, postoji tako raširen izraz - “ dobar ukus" To automatski znači da se može objektivizirati i mjeriti njegov kvalitet. Ali kako dođavola???
Volim da mislim da ima istine i u nauci i u umetnosti. A mi, patetični mali ljudi, sve dok svemir ne izgori do pakla, pokušavamo asimptotski pristupiti ovoj istini s manje ili više uspjeha. Štaviše, ova istina je objektivna. Sva ova mećava oko činjenice da je za neke ljude Ukupnik bolji od Fredija Merkjurija, što znači da su oba sjajna, otprilike je isto što i obrazloženje da je za Vasju dva puta pet, a za Petju četiri, što znači da svaki put računamo drugačije .
Naravno, u percepciji umjetnosti postoji udio subjektivnosti, ali (!) ne treba zaboraviti na objektivnost, koja, posebno, leži u činjenici da je Janusz Leon Wisniewski govno, a Thomas Mann talentovani pisac(čak i ako neki ljudi misle suprotno). Svako ima pravo da voli Višnevskog, ali slažemo se da pretpostavimo da u ovom slučaju osoba nema razvijen književni ukus.
Tamo sam u komentarima pokušao da predložim takav kriterijum hladnoće umetnosti kao što je tehnička složenost. Ali ne, i dalje ne radi. Remek djelo ne mora biti komplikovano. Bonnie je sugerirala da je glavna stvar stvoriti nešto novo što niko prije nije radio. Deluje toplije, ali takođe nije isto. Nije teško stvoriti potpuno originalno sranje.
A nedavno sam došao na ovu ideju:
Remek-djelo umjetničkog djela određuje se njegovim citiranjem.
Za ocjenu naučnika koristi se sličan kriterij – indeks citiranosti. Što se drugi naučnici više pozivaju na vaš rad/članke, to ste bolji kao naučnik. Naravno, ovdje su moguće i razne vrste izobličenja i varanja, ali općenito je ovo zgodan i općenito primjenjiv kriterij. Ista stvar se može koristiti u umjetnosti!
Remek-djela često citiraju drugi umjetnici.
Štaviše, takvo citiranje se opaža kako unutar predmeta, recimo arhitekta citira arhitektu, tako i između vrsta umjetnosti.
Umjetnici slikaju slike sa zgradama. Zgrade izazivaju misli kompozitorima. Arhitekte stvaraju zgrade inspirisane simfonijama. Pesnici čuju prelepa muzika i pisati poeziju na to. I tako dalje.
Zapravo, potpuno različite oblasti umjetnosti prožete su milionima citata, aluzija i pozajmica.
Odavde postaje jasno zašto je potrebno mnogo posmatrati, vidjeti i čuti mnogo umjetničkih djela i kako ovo iskustvo može pomoći u njihovoj procjeni - tek s vremenom ćete moći vidjeti te međusobne veze, vidjeti ko je šta uzeo od ko i šta ih je inspirisalo. I odavde će biti jasno ko je stvorio remek-delo, a ko papagaj.
Ko je stvorio eru, trend i ko jednostavno prati trend.
Dakle, što je neko umjetničko djelo više remek-djela, to se više tragova može naći u njemu i drugim područjima umjetnosti.
Identifikacija ovih tragova pomoći će da se objektivizira čitava ova, na prvi pogled, čisto subjektivna sfera.
Inače, ne tvrdim da je ova ideja originalna, samo mi je drago da sam sve to mogao doživjeti i konačno formulirati ove stvari za sebe.
Među pojmovima koji se odnose na život društva najvažniji su „umetnost“ i „kultura“. Koje su navedene kategorije, kako su međusobno povezane i po čemu se umjetnost razlikuje od kulture? O tome se dalje govori u nastavku.
Definicija
Art odnosi se na oblast delovanja u kojoj se najviše ispoljava kreativnost ljudi. U ovoj oblasti postoje oblasti poput muzike, koreografije koje su nastale razvojem filmske tehnologije, arhitekture, slikarstva i dr. Specifičnost umjetnosti leži u njenom umjetničkom i figurativnom oličenju.
« Kultura“ je veoma širok pojam. Često se tumači kao dostignuća umjetnosti, načina života i tradicije zajednice. U drugim značenjima, kultura se poistovjećuje s dobrim manirima, obrazovanjem ( kulturna osoba) ili neka vrsta modela (kultura govora, komunikacije itd.).
Poređenje
Dakle, ako je potrebno okarakterizirati određenu državu, naciju ili čovječanstvo u cjelini, ova dva pojma se koriste u bliskoj međusobnoj vezi. IN takav slučaj Razlika između umjetnosti i kulture je u tome što je prva kategorija nešto uža i sastavni je dio druge. Drugim rečima, umetnost se posmatra kao deo kulturno nasljeđe neke istorijski uspostavljene zajednice.
Općenito, umjetnost je ostvarenje čovjeka kreativni potencijal. Izražava se u stvaranju radova koji prikazuju određene aspekte stvarnosti i utiču na ljude kroz osećanja. Umjetnički proizvodi su uvijek estetski i izražajni, rađaju se zahvaljujući vještini talentiranih pojedinaca.
U kulturi jednog naroda, pored umjetnosti, formiraju se i običaji i predstave o životu. U tom pogledu mogu postojati značajne razlike između zajednica. Na primjer, u jednoj kulturi, halucinacije se smatraju deluzijama, mentalnim poremećajem. U drugom, takav fenomen se pogrešno smatra posebnim darom proročanstva, mističnom vizijom.
Postoji i koncept “subkulture”. Odnosi se na grupu ljudi koja se izdvaja od većine svojim pogledima na život, priznatim vrijednostima i ponašanjem. Što se tiče kulture u smislu lepog ponašanja i poštovanja pravila bontona, na prvom mestu je sposobnost čoveka da se ponaša pristojno i taktično prema drugima, da uvek izgleda uredno i da pazi na svoj govor.
U zaključku, napravimo mali zaključak o razlici između umjetnosti i kulture. Dakle, umjetnost je posebna sfera života koja utjelovljuje visoku kreativnost talentovanih ljudi. Dostignuća u ovoj oblasti, zajedno sa tradicijom i običajima, čine kulturu jedne zajednice. Reč „kultura“ ima i mnoga druga značenja koja se ne preklapaju uvek sa pojmom „umetnost“.