แจ๊ส - รูปร่าง ศิลปะดนตรีซึ่งเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกาในนิวออร์ลีนส์อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์แอฟริกันและ วัฒนธรรมยุโรปและแพร่หลายออกไปในเวลาต่อมา ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือดนตรีบลูส์และดนตรีพื้นบ้านของชาวแอฟริกันอเมริกันอื่นๆ ลักษณะเฉพาะภาษาดนตรีของแจ๊สเริ่มแรกกลายเป็นการแสดงด้นสด จังหวะหลายจังหวะขึ้นอยู่กับจังหวะที่ประสานกัน และชุดเทคนิคเฉพาะสำหรับการแสดงพื้นผิวเป็นจังหวะ - การสวิง การพัฒนาดนตรีแจ๊สเพิ่มเติมเกิดขึ้นเนื่องจากการพัฒนารูปแบบจังหวะและฮาร์โมนิคใหม่ๆ โดยนักดนตรีและนักแต่งเพลงแจ๊ส ประเภทของดนตรีแจ๊ส ได้แก่ แจ๊สเปรี้ยวจี๊ด บีบอป แจ๊สคลาสสิก, คูล , แจ๊สโมดัล , สวิง , แจ๊สสมูท , โซลแจ๊ส , ฟรีแจ๊ส , ฟิวชั่น , ฮาร์ดป็อป และอื่นๆ อีกมากมาย
ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาดนตรีแจ๊ส
วงดนตรีแจ๊ส Vilex College รัฐเท็กซัส
ดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นจากการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมทางดนตรีหลายอย่างและ ประเพณีประจำชาติ. เดิมทีมาจากแอฟริกา ดนตรีแอฟริกันใด ๆ มีลักษณะเป็นจังหวะที่ซับซ้อนมาก ดนตรีจะมาพร้อมกับการเต้นรำเสมอซึ่งประกอบด้วยการกระทืบและปรบมืออย่างรวดเร็ว บนพื้นฐานนี้ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 แนวดนตรีอีกประเภทหนึ่งก็เกิดขึ้น - แร็กไทม์ ต่อจากนั้นจังหวะแร็กไทม์รวมกับองค์ประกอบบลูส์ทำให้เกิดทิศทางดนตรีใหม่ - แจ๊ส
เพลงบลูส์เกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 โดยเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะแอฟริกันและความกลมกลืนของยุโรป แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดตั้งแต่ช่วงเวลาที่นำเข้าทาสจากแอฟริกาไปยังดินแดนของโลกใหม่ ทาสที่นำมานั้นไม่ได้มาจากครอบครัวเดียวกันและมักจะไม่เข้าใจกันด้วยซ้ำ ความจำเป็นในการรวมเข้าด้วยกันนำไปสู่การรวมหลายวัฒนธรรมเข้าด้วยกัน และเป็นผลให้เกิดการสร้างวัฒนธรรมเดียว (รวมถึงดนตรี) ของชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมผสานวัฒนธรรมดนตรีแอฟริกันและยุโรป (ซึ่งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในโลกใหม่) เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การเกิดขึ้นของ "โปรโตแจ๊ส" จากนั้นจึงแจ๊สในความหมายที่ยอมรับกันโดยทั่วไป . แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือทางตอนใต้ของอเมริกา และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในนิวออร์ลีนส์
จำนำ ความเยาว์วัยชั่วนิรันดร์แจ๊ส - ด้นสด
ลักษณะเฉพาะของสไตล์คือการแสดงเฉพาะตัวของนักดนตรีแจ๊สอัจฉริยะ กุญแจสำคัญของความเยาว์วัยชั่วนิรันดร์ในดนตรีแจ๊สคือการด้นสด หลังจากการปรากฏตัวของนักแสดงที่เก่งกาจซึ่งใช้ชีวิตมาทั้งชีวิตในจังหวะของดนตรีแจ๊สและยังคงเป็นตำนาน - หลุยส์อาร์มสตรอง ศิลปะการแสดงดนตรีแจ๊สมองเห็นขอบเขตที่แปลกใหม่: การแสดงเดี่ยวร้องหรือบรรเลงกลายเป็นศูนย์กลางของการแสดงทั้งหมด เปลี่ยนแนวความคิดของดนตรีแจ๊สไปโดยสิ้นเชิง ดนตรีแจ๊สไม่ได้เป็นเพียงการแสดงดนตรีบางประเภทเท่านั้น แต่ยังเป็นยุคที่ร่าเริงและมีเอกลักษณ์อีกด้วย
แจ๊สนิวออร์ลีนส์
คำว่านิวออร์ลีนส์มักหมายถึงรูปแบบของนักดนตรีแจ๊สที่เล่นดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ระหว่างปี 1900 ถึง 1917 เช่นเดียวกับนักดนตรีนิวออร์ลีนส์ที่เล่นและบันทึกเสียงในชิคาโกตั้งแต่ปี 1917 ถึง 1920 ช่วงเวลานี้ ประวัติศาสตร์แจ๊สหรือที่เรียกว่ายุคแจ๊ส และแนวคิดนี้ยังใช้เพื่อบรรยายถึงดนตรีที่แสดงในรูปแบบต่างๆ ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ตัวแทนของการฟื้นฟูนิวออร์ลีนส์ซึ่งพยายามแสดงดนตรีแจ๊สในสไตล์เดียวกับนักดนตรีของโรงเรียนนิวออร์ลีนส์
โฟล์คและแจ๊สของชาวแอฟริกันอเมริกันมีเส้นทางที่แตกต่างกันนับตั้งแต่เปิด Storyville ซึ่งเป็นย่านโคมแดงของนิวออร์ลีนส์ซึ่งขึ้นชื่อในด้านสถานบันเทิง ผู้ที่ต้องการสนุกสนานและสนุกสนานจะได้รับโอกาสอันน่าดึงดูดใจมากมาย โดยมีทั้งฟลอร์เต้นรำ คาบาเร่ต์ รายการวาไรตี้ ละครสัตว์ บาร์ และสแน็คบาร์ และทุกที่ในสถานประกอบการเหล่านี้ก็มีเสียงดนตรีและนักดนตรีที่เชี่ยวชาญดนตรีที่ประสานกันใหม่ก็สามารถหางานทำได้ ด้วยจำนวนนักดนตรีที่เพิ่มขึ้นทีละน้อยที่ทำงานอย่างมืออาชีพในสถานบันเทิงของ Storyville จำนวนวงดนตรีทองเหลืองที่เดินขบวนและตามท้องถนนก็ลดลง และในสถานที่ของพวกเขาที่เรียกว่าวงดนตรี Storyville ก็ปรากฏตัวขึ้น การแสดงดนตรีที่กลายเป็นปัจเจกบุคคลมากขึ้น เมื่อเทียบกับการเล่นของวงทองเหลือง การเรียบเรียงเหล่านี้มักเรียกว่า "คอมโบออเคสตร้า" กลายเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์แจ๊สคลาสสิกของนิวออร์ลีนส์ ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2453 ถึง พ.ศ. 2460 ไนท์คลับ Storyville กลายเป็นสถานที่ในอุดมคติ สิ่งแวดล้อมสำหรับดนตรีแจ๊ส
ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2453 ถึง พ.ศ. 2460 ไนต์คลับของ Storyville มีบรรยากาศที่เหมาะสำหรับการเล่นดนตรีแจ๊ส
พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกาในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20
หลังจากที่ Storyville ปิดตัวลง ดนตรีแจ๊สจากภูมิภาค ประเภทคติชนเริ่มกลายเป็นกระแสดนตรีไปทั่วประเทศแพร่กระจายไปยังจังหวัดภาคเหนือและภาคตะวันออกเฉียงเหนือของสหรัฐอเมริกา แต่แน่นอนว่าการที่ย่านนี้แพร่กระจายออกไปนั้นไม่สามารถอำนวยความสะดวกได้โดยการปิดย่านบันเทิงเพียงแห่งเดียวเท่านั้น ควบคู่ไปกับนิวออร์ลีนส์ในการพัฒนาดนตรีแจ๊ส ความสำคัญอย่างยิ่งเซนต์หลุยส์, แคนซัสซิตี้ และเมมฟิสเล่นตั้งแต่ต้น Ragtime มีต้นกำเนิดในเมืองเมมฟิสในศตวรรษที่ 19 จากนั้นจึงแพร่กระจายไปทั่วทวีปอเมริกาเหนือในช่วงปี พ.ศ. 2433-2446
ในทางกลับกัน การแสดงของนักร้องประสานเสียงที่มีการเคลื่อนไหวทางดนตรีทุกประเภทของคติชนแอฟริกันอเมริกันตั้งแต่จิ๊กไปจนถึงแร็กไทม์ ได้แพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทุกที่และปูทางไปสู่การมาถึงของดนตรีแจ๊ส ดาราดนตรีแจ๊สในอนาคตหลายคนเริ่มต้นอาชีพการแสดงละครเพลง ก่อนที่ Storyville จะปิดตัวลง นักดนตรีในนิวออร์ลีนส์ได้ออกทัวร์ร่วมกับคณะละครที่เรียกว่า "vaudeville" Jelly Roll Morton ไปเที่ยวเป็นประจำในแอละแบมา ฟลอริดา และเท็กซัสตั้งแต่ปี 1904 ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2457 เขามีสัญญาให้แสดงในชิคาโก ในปี 1915 วงออเคสตรา Dixieland สีขาวของ Thom Browne ก็ย้ายไปชิคาโกด้วย “Creole Band” อันโด่งดังซึ่งนำโดยนักคอร์เนต์ชาวนิวออร์ลีนส์ Freddie Keppard ยังได้ทัวร์คอนเสิร์ตครั้งใหญ่ในชิคาโกด้วย หลังจากที่แยกตัวออกจากวง Olympia ศิลปินของ Freddie Keppard แล้วในปี 1914 ก็ประสบความสำเร็จในการแสดงละครที่ดีที่สุดในชิคาโก และได้รับข้อเสนอให้ทำการบันทึกเสียงการแสดงของพวกเขาก่อนที่จะมีวงดนตรีแจ๊ส Original Dixieland ซึ่ง Freddie Keppard มีสายตาสั้น ถูกปฏิเสธ พื้นที่ที่ครอบคลุมโดยอิทธิพลของดนตรีแจ๊สได้รับการขยายออกไปอย่างมีนัยสำคัญโดยวงออเคสตราที่เล่นโดยเรือกลไฟเพื่อความสุขที่แล่นไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้
เพิ่มเติมจาก ปลาย XIXศตวรรษ การเดินทางทางแม่น้ำจากนิวออร์ลีนส์ไปยังเซนต์พอลได้รับความนิยม ครั้งแรกในช่วงสุดสัปดาห์ และต่อมาตลอดทั้งสัปดาห์ ตั้งแต่ปี 1900 เป็นต้นมา วงออร์เคสตราของนิวออร์ลีนส์ได้แสดงบนเรือล่องแม่น้ำเหล่านี้ และดนตรีของพวกเขาก็กลายเป็นความบันเทิงที่ดึงดูดใจที่สุดสำหรับผู้โดยสารในระหว่างการทัวร์ชมแม่น้ำ “Suger Johnny” เริ่มขึ้นในวงออเคสตราวงหนึ่ง ภรรยาในอนาคตหลุยส์ อาร์มสตรอง นักเปียโนแจ๊สรุ่นบุกเบิก ลิล ฮาร์ดิน นักเปียโนอีกคนคือวงออร์เคสตราเรือล่องแม่น้ำของ Fates Marable นำเสนอนักดนตรีแจ๊สชาวนิวออร์ลีนส์ในอนาคตมากมาย
เรือกลไฟที่แล่นไปตามแม่น้ำมักจะจอดที่สถานีที่ผ่าน ซึ่งมีวงออร์เคสตราจัดคอนเสิร์ตให้กับประชาชนในท้องถิ่น คอนเสิร์ตเหล่านี้เองที่กลายเป็นการเปิดตัวอย่างสร้างสรรค์ของ Bix Beiderbeck, Jess Stacy และคนอื่นๆ อีกมากมาย เส้นทางที่มีชื่อเสียงอีกเส้นทางหนึ่งวิ่งผ่านมิสซูรีไปยังแคนซัสซิตี ในเมืองนี้ ซึ่งต้องขอบคุณรากฐานอันแข็งแกร่งของนิทานพื้นบ้านแอฟริกันอเมริกัน ดนตรีบลูส์จึงพัฒนาและเป็นรูปเป็นร่างในที่สุด การเล่นดนตรีแจ๊สของนิวออร์ลีนส์ที่เชี่ยวชาญทำให้มีสภาพแวดล้อมที่อุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษ ศูนย์พัฒนาหลัก ดนตรีแจสในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 ชิคาโกกลายเป็นซึ่งด้วยความพยายามของนักดนตรีหลายคนที่รวมตัวกันจากส่วนต่างๆ ของสหรัฐอเมริกา จึงได้สร้างสรรค์สไตล์ที่ได้รับชื่อเล่นว่าชิคาโก้แจ๊ส
วงใหญ่
วงดนตรีขนาดใหญ่รูปแบบคลาสสิกที่ก่อตั้งขึ้นเป็นที่รู้จักในวงการดนตรีแจ๊สมาตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1920 แบบฟอร์มนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงสิ้นทศวรรษที่ 1940 ตามกฎแล้ว นักดนตรีที่เข้าร่วมวงดนตรีใหญ่ๆ ส่วนใหญ่อยู่ในช่วงวัยรุ่น จะเล่นท่อนที่เฉพาะเจาะจงมาก ไม่ว่าจะจดจำในการซ้อมหรือจากโน้ตก็ตาม การเรียบเรียงอย่างระมัดระวังประกอบกับท่อนทองเหลืองขนาดใหญ่และเครื่องเป่าลมไม้ทำให้เกิดเสียงประสานของดนตรีแจ๊สที่หนักแน่น และสร้างเสียงที่ดังอย่างเร้าใจจนกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "เสียงของวงดนตรีขนาดใหญ่"
วงดนตรีขนาดใหญ่กลายเป็นเพลงยอดนิยมในยุคนั้น และมีชื่อเสียงสูงสุดในช่วงกลางทศวรรษที่ 1930 เพลงนี้กลายเป็นที่มาของความคลั่งไคล้การเต้นสวิง ผู้นำของวงออเคสตราแจ๊สชื่อดัง Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett แต่งหรือเรียบเรียงและบันทึกขบวนพาเหรดเพลงฮิตที่ได้ยินไม่เพียงแต่ใน วิทยุ แต่ยังทุกที่ใน ห้องเต้นรำ. วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงจัดแสดงผลงานเดี่ยวเดี่ยวของพวกเขา ซึ่งทำให้ผู้ชมตกอยู่ในอาการฮิสทีเรียระหว่าง "การต่อสู้ของวงดนตรี" ที่ได้รับการโปรโมตอย่างดี
วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงได้แสดงผลงานเดี่ยวแบบด้นสดของพวกเขา ซึ่งนำพาผู้ชมไปสู่สภาวะที่เกือบจะเป็นโรคฮิสทีเรีย
แม้ว่าความนิยมของวงดนตรีใหญ่จะลดลงอย่างมากหลังสงครามโลกครั้งที่สอง แต่วงออเคสตราที่นำโดย Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James และคนอื่นๆ อีกหลายคนได้ออกทัวร์และบันทึกเสียงบ่อยครั้งในช่วงไม่กี่ทศวรรษถัดมา ดนตรีของพวกเขาค่อยๆ เปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของเทรนด์ใหม่ กลุ่มต่างๆ เช่น วงดนตรีที่นำโดย Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus และ Tad Jones-Mal Lewis ได้สำรวจแนวความคิดใหม่ๆ ในความกลมกลืน การใช้เครื่องดนตรี และเสรีภาพในการแสดงด้นสด ปัจจุบัน วงดนตรีขนาดใหญ่เป็นมาตรฐานในการศึกษาดนตรีแจ๊ส วงออเคสตราสำหรับการแสดงละคร เช่น Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra และ Chicago Jazz Ensemble มักจะเล่นการเรียบเรียงดนตรีต้นฉบับของวงดนตรีขนาดใหญ่เป็นประจำ
แจ๊สตะวันออกเฉียงเหนือ
แม้ว่าประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สจะเริ่มต้นขึ้นในนิวออร์ลีนส์ด้วยการถือกำเนิดของศตวรรษที่ 20 แต่ดนตรีก็เริ่มได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เมื่อนักเป่าแตร หลุยส์ อาร์มสตรอง ออกจากนิวออร์ลีนส์เพื่อสร้างดนตรีแนวใหม่ที่ปฏิวัติวงการในชิคาโก การอพยพของปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ไปยังนิวยอร์ก ซึ่งเริ่มขึ้นหลังจากนั้นไม่นาน ถือเป็นแนวโน้มของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง นักดนตรีแจ๊สจากใต้สู่เหนือ
หลุยส์ อาร์มสตรอง
ชิคาโกนำดนตรีของนิวออร์ลีนส์มาสร้างความร้อนแรง โดยไม่เพียงแต่เพิ่มความเข้มข้นของวงดนตรี Hot Five และ Hot Seven อันโด่งดังของ Armstrong เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงวงอื่นๆ อีกด้วย รวมถึงปรมาจารย์อย่าง Eddie Condon และ Jimmy McPartland ซึ่งเป็นทีมงานที่ Austin High School ช่วยฟื้นฟูโรงเรียนในนิวออร์ลีนส์ ในบรรดาชาวชิคาโกผู้โด่งดังคนอื่นๆ ที่ขยายขอบเขตของดนตรีคลาสสิก สไตล์แจ๊สนิวออร์ลีนส์ ได้แก่ นักเปียโน Art Hodes มือกลอง Barrett Deems และนักคลาริเน็ต Benny Goodman อาร์มสตรองและกู๊ดแมนซึ่งในที่สุดก็ย้ายไปนิวยอร์ค ได้สร้างมวลชนสำคัญที่นั่นซึ่งช่วยให้เมืองนี้กลายเป็นเมืองหลวงแห่งดนตรีแจ๊สอย่างแท้จริงของโลก และในขณะที่ชิคาโกยังคงเป็นศูนย์บันทึกเสียงในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 นิวยอร์กก็กลายเป็นสถานที่แสดงดนตรีแจ๊สที่สำคัญ โดยมีคลับระดับตำนานอย่าง Minton Playhouse, Cotton Club, the Savoy และ the Village Vanguard และยังมีเวทีอื่นๆ อีกด้วย อย่างคาร์เนกี้ ฮอลล์
สไตล์แคนซัสซิตี้
ในช่วงยุคเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และการห้าม วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้กลายเป็นเมืองสำคัญของดนตรีแนวใหม่ในช่วงปลายทศวรรษ 1920 และ 1930 สไตล์ที่เฟื่องฟูในแคนซัสซิตีโดดเด่นด้วยการแสดงดนตรีแนวบลูส์ที่จริงใจซึ่งแสดงโดยวงดนตรีขนาดใหญ่และวงสวิงเล็ก ๆ ที่นำเสนอโซโลที่มีพลังสูงซึ่งแสดงสำหรับลูกค้าที่ขายเหล้าเถื่อน มันอยู่ในบวบเหล่านี้ที่สไตล์ของ Count Basie ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งเริ่มต้นในแคนซัสซิตีในวงออเคสตราของ Walter Page และต่อมากับ Benny Mouthen ตกผลึก วงออเคสตราทั้งสองนี้เป็นตัวแทนทั่วไปของสไตล์แคนซัสซิตี ซึ่งมีพื้นฐานมาจากรูปแบบบลูส์ที่แปลกประหลาด เรียกว่า "เออร์เบิร์นบลูส์" และก่อตั้งขึ้นจากการเล่นของออเคสตร้าที่กล่าวมาข้างต้น วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตีก็มีความโดดเด่นด้วยกลุ่มกาแล็กซี ปรมาจารย์ที่โดดเด่นโวคอลบลูส์ "ราชา" ที่ได้รับการยอมรับซึ่งเป็นศิลปินเดี่ยวของวงออเคสตรา Count Basie มายาวนานจิมมี่รัชชิ่งนักร้องบลูส์ชื่อดัง ชาร์ลี ปาร์กเกอร์ นักเป่าแซ็กโซโฟนอัลโตผู้โด่งดัง เกิดในแคนซัสซิตี้ เมื่อเขามาถึงนิวยอร์ก เขาใช้ “เทคนิค” บลูส์อันเป็นเอกลักษณ์ที่เขาได้เรียนรู้จากวงออเคสตราในแคนซัสซิตี้อย่างกว้างขวาง และต่อมาได้ก่อให้เกิดจุดเริ่มต้นหนึ่งในการทดลองดนตรีบอปเปอร์ใน ทศวรรษที่ 1940
เวสต์โคสต์แจ๊ส
ศิลปินที่หลงใหลในขบวนการดนตรีแจ๊สสุดเจ๋งในช่วงทศวรรษ 1950 ได้ทำงานอย่างกว้างขวางในสตูดิโอบันทึกเสียงในลอสแอนเจลิส โดยได้รับอิทธิพลส่วนใหญ่จากโนเน็ตของไมลส์ เดวิส นักแสดงจากลอสแอนเจลิสเหล่านี้ได้พัฒนาสิ่งที่ปัจจุบันเรียกว่า "แจ๊สชายฝั่งตะวันตก" ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกมีความนุ่มนวลกว่าเสียงบีบ็อพอันดุเดือดที่เกิดขึ้นก่อนหน้านี้มาก แจ๊สฝั่งตะวันตกส่วนใหญ่เขียนออกมาอย่างละเอียด เส้นความแตกต่างที่มักใช้ในการเรียบเรียงเหล่านี้ดูเหมือนจะเป็นส่วนหนึ่งของอิทธิพลของยุโรปที่แทรกซึมอยู่ในดนตรีแจ๊ส อย่างไรก็ตาม เพลงนี้มีพื้นที่เหลือมากสำหรับการแสดงเดี่ยวแบบเชิงเส้นแบบยาว แม้ว่า West Coast Jazz จะแสดงในสตูดิโอบันทึกเสียงเป็นหลัก แต่คลับต่างๆ เช่น Lighthouse ใน Hermosa Beach และ the Haig ในลอสแอนเจลิส มักแสดงโดยปรมาจารย์หลักๆ ของวง เช่น นักเป่าแตร Shorty Rogers นักเป่าแซ็กโซโฟน Art Pepper และ Bud Schenk มือกลอง Shelley Mann และนักคลาริเน็ต Jimmy Giuffre .
การแพร่กระจายของดนตรีแจ๊ส
ดนตรีแจ๊สดึงดูดความสนใจของนักดนตรีและผู้ฟังทั่วโลกมาโดยตลอด โดยไม่คำนึงถึงสัญชาติ พอจะติดตามครับ. งานยุคแรกนักเป่าแตร Dizzy Gillespie และการสังเคราะห์ประเพณีดนตรีแจ๊สของเขาด้วยดนตรีของชาวคิวบาผิวดำในช่วงทศวรรษที่ 1940 หรือต่อมาเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับดนตรีญี่ปุ่น ยูเรเชียน และตะวันออกกลาง ซึ่งมีชื่อเสียงในผลงานของนักเปียโน Dave Brubeck รวมถึงนักแต่งเพลงและหัวหน้าวงดนตรีแจ๊สที่ยอดเยี่ยม Duke Ellington ซึ่งผสมผสานมรดกทางดนตรีของแอฟริกา ละตินอเมริกา และตะวันออกไกล
เดฟ บรูเบค
ดนตรีแจ๊สไม่เพียงแต่ซึมซับประเพณีดนตรีตะวันตกเท่านั้น เช่น เมื่อศิลปินต่างๆ เริ่มลองร่วมงานด้วย องค์ประกอบทางดนตรีอินเดีย. ตัวอย่างของความพยายามเหล่านี้สามารถได้ยินได้ในการบันทึกของนักเป่าขลุ่ย Paul Horne ที่ทัชมาฮาล หรือในกระแสของ "ดนตรีโลก" ที่นำเสนอ เช่น ในงานของกลุ่ม Oregon หรือโครงการ Shakti ของ John McLaughlin ดนตรีของ McLaughlin ซึ่งก่อนหน้านี้เน้นดนตรีแจ๊สเป็นส่วนใหญ่ เริ่มใช้เครื่องมือใหม่ที่มีต้นกำเนิดจากอินเดีย เช่น khatam หรือ tabla จังหวะที่สลับซับซ้อน และการใช้รูปแบบ raga ของอินเดียอย่างแพร่หลายในช่วงเวลาที่เขาอยู่กับ Shakti
ในขณะที่โลกาภิวัฒน์ของโลกดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สยังคงได้รับอิทธิพลจากประเพณีดนตรีอื่นๆ
Art Ensemble of Chicago เป็นผู้บุกเบิกในยุคแรกในการผสมผสานรูปแบบแอฟริกันและแจ๊ส โลกต่อมาจอห์น ซอร์น นักเป่าแซ็กโซโฟน/นักแต่งเพลงที่ได้รับการยอมรับ และการสำรวจวัฒนธรรมดนตรีของชาวยิว ทั้งในและนอกวงมาซาดาออร์เคสตรา ผลงานเหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจให้กับนักดนตรีแจ๊สคนอื่นๆ ทั้งกลุ่ม เช่น นักคีย์บอร์ด John Medeski ซึ่งบันทึกเสียงร่วมกับนักดนตรีชาวแอฟริกัน Salif Keita นักกีตาร์ Marc Ribot และมือเบส Anthony Coleman นักเป่าแตร Dave Douglas ผสมผสานอิทธิพลของบอลข่านเข้ากับดนตรีของเขาอย่างกระตือรือร้น ในขณะที่วง Asian-American Jazz Orchestra ได้กลายเป็นผู้นำเสนอชั้นนำของการบรรจบกันของดนตรีแจ๊สและรูปแบบดนตรีของเอเชีย ในขณะที่กระแสโลกาภิวัตน์ของโลกยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สยังคงได้รับอิทธิพลจากประเพณีทางดนตรีอื่นๆ อย่างต่อเนื่อง ซึ่งเป็นแหล่งอาหารอันอุดมสมบูรณ์สำหรับการวิจัยในอนาคต และแสดงให้เห็นว่าดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีระดับโลกอย่างแท้จริง
ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย
วงดนตรีแจ๊สวงแรกของ Valentin Parnakh ใน RSFSR
วงการดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 พร้อมกับความรุ่งเรืองในสหรัฐอเมริกา วงออเคสตราแจ๊สวงแรกในโซเวียตรัสเซียถูกสร้างขึ้นในกรุงมอสโกในปี พ.ศ. 2465 โดยกวีนักแปลนักเต้น รูปละคร Valentin Parnakh และถูกเรียกว่า "วงออเคสตราประหลาดแรกของวงดนตรีแจ๊สของ Valentin Parnakh ใน RSFSR" วันเกิดของดนตรีแจ๊สรัสเซียตามประเพณีถือเป็นวันที่ 1 ตุลาคม พ.ศ. 2465 เมื่อมีการจัดคอนเสิร์ตครั้งแรกของกลุ่มนี้ วงดนตรีแจ๊สมืออาชีพกลุ่มแรกที่แสดงทางวิทยุและบันทึกแผ่นเสียงถือเป็นวงออเคสตราของนักเปียโนและนักแต่งเพลง Alexander Tsfasman (มอสโก)
วงดนตรีแจ๊สโซเวียตยุคแรกๆ ที่เชี่ยวชาญด้านการแสดง การเต้นรำที่ทันสมัย(ฟ็อกซ์ทรอต, ชาร์ลสตัน). ใน จิตสำนึกมวลชนดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงทศวรรษที่ 30 โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณวงดนตรีเลนินกราดที่นำโดยนักแสดงและนักร้อง Leonid Utesov และนักเป่าแตร Ya. B. Skomorovsky ภาพยนตร์ตลกยอดนิยมที่มีส่วนร่วมของเขาเรื่อง Jolly Guys (1934) อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ของนักดนตรีแจ๊สและมีเพลงประกอบที่เกี่ยวข้อง (เขียนโดย Isaac Dunaevsky) Utesov และ Skomorovsky ได้สร้างสไตล์ดั้งเดิมของ "thea-jazz" (ละครแจ๊ส) โดยอาศัยการผสมผสานของดนตรีกับโรงละคร โอเปเรตต้า หมายเลขเสียงร้อง และองค์ประกอบของการแสดงที่มีบทบาทอย่างมาก ผลงานที่โดดเด่นในการพัฒนา แจ๊สโซเวียตสนับสนุนโดย Eddie Rosner - นักแต่งเพลง นักดนตรี และผู้นำวงออเคสตรา หลังจากเริ่มต้นอาชีพในเยอรมนี โปแลนด์ และประเทศอื่นๆ ในยุโรป รอสเนอร์ย้ายไปที่สหภาพโซเวียต และกลายเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกวงสวิงในสหภาพโซเวียต และเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สเบลารุส
ในจิตสำนึกของมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 1930
ทัศนคติ เจ้าหน้าที่โซเวียตที่มีต่อดนตรีแจ๊สนั้นคลุมเครือ: ตามกฎแล้วนักแสดงแจ๊สในประเทศไม่ได้ถูกห้าม แต่การวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีแจ๊สอย่างรุนแรงเช่นนี้ก็แพร่หลายในบริบทของการวิพากษ์วิจารณ์วัฒนธรรมตะวันตกโดยรวม ในช่วงปลายยุค 40 ในระหว่างการต่อสู้กับความเป็นสากลดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตมีความกังวลเป็นพิเศษ ช่วงเวลาที่ยากลำบากเมื่อกลุ่มที่แสดงดนตรี "ตะวันตก" ถูกข่มเหง เมื่อเริ่มมีอาการ Thaw การปราบปรามนักดนตรีก็ยุติลง แต่การวิพากษ์วิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป จากการวิจัยของอาจารย์ประวัติศาสตร์และ วัฒนธรรมอเมริกันเพนนี แวน เอสเชน กระทรวงการต่างประเทศสหรัฐฯ พยายามใช้ดนตรีแจ๊สเป็นอาวุธทางอุดมการณ์เพื่อต่อต้านสหภาพโซเวียต และต่อต้านการขยายอิทธิพลของโซเวียตไปสู่ประเทศโลกที่สาม ในช่วงทศวรรษที่ 50 และ 60 ในมอสโกวงออเคสตราของ Eddie Rosner และ Oleg Lundstrem กลับมาทำกิจกรรมต่อโดยมีการเรียบเรียงใหม่ซึ่งมีวงออเคสตราของ Joseph Weinstein (เลนินกราด) และ Vadim Ludvikovsky (มอสโก) ที่โดดเด่นรวมถึง Riga Variety Orchestra (REO)
วงดนตรีขนาดใหญ่ได้นำกาแล็กซีของผู้เรียบเรียงที่มีความสามารถและศิลปินเดี่ยว - การแสดงด้นสดซึ่งผลงานของเขาได้นำแจ๊สโซเวียตไปสู่ระดับใหม่ในเชิงคุณภาพและนำมาใกล้กับมาตรฐานโลกมากขึ้น ในหมู่พวกเขา ได้แก่ Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin การพัฒนาแชมเบอร์และคลับแจ๊สเริ่มต้นจากความหลากหลายของโวหาร (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, เยอรมัน Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor ฟรีดแมน, อันเดรย์ ตอฟมายาน, อิกอร์ บริล, เลโอนิด ชิซิก ฯลฯ)
คลับแจ๊ส "บลูเบิร์ด"
ปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สโซเวียตที่กล่าวมาข้างต้นหลายคนเริ่มอาชีพสร้างสรรค์บนเวทีของสโมสรแจ๊สมอสโกในตำนาน "Blue Bird" ซึ่งมีตั้งแต่ปี 2507 ถึง 2552 ค้นพบชื่อใหม่ของตัวแทนของดาราแจ๊สรัสเซียยุคใหม่ (พี่น้อง Alexander และ Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko และคนอื่น ๆ ) ในยุค 70 วงดนตรีแจ๊สทั้งสามคน "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) ซึ่งประกอบด้วยนักเปียโน Vyacheslav Ganelin มือกลอง Vladimir Tarasov และนักเป่าแซ็กโซโฟน Vladimir Chekasin ซึ่งมีอยู่จนถึงปี 1986 กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ในยุค 70 และ 80 วงดนตรีแจ๊สจากอาเซอร์ไบจาน "Gaya" และวงดนตรีนักร้องและเครื่องดนตรีจอร์เจีย "Orera" และ "Jazz Chorale" ก็มีชื่อเสียงเช่นกัน
หลังจากที่ความสนใจในดนตรีแจ๊สลดลงในช่วงทศวรรษที่ 90 ดนตรีแจ๊สก็เริ่มได้รับความนิยมอีกครั้งในวัฒนธรรมของเยาวชน เทศกาลดนตรีแจ๊ส เช่น “Usadba Jazz” และ “Jazz in the Hermitage Garden” จัดขึ้นทุกปีในมอสโก สถานที่คลับแจ๊สที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในมอสโกคือคลับแจ๊ส "Union of Composers" เชิญนักดนตรีแจ๊สและบลูส์ชื่อดังระดับโลก
แจ๊สในโลกสมัยใหม่
โลกแห่งดนตรีสมัยใหม่มีความหลากหลายพอๆ กับสภาพอากาศและภูมิศาสตร์ที่เราสัมผัสได้จากการเดินทาง แต่วันนี้เราเห็นการผสมผสานของทุกสิ่ง มากกว่าวัฒนธรรมโลกทำให้เราใกล้ชิดกับสิ่งที่กลายเป็น "ดนตรีโลก" (ดนตรีโลก) อยู่แล้ว ดนตรีแจ๊สในปัจจุบันช่วยไม่ได้อีกต่อไปแต่ได้รับอิทธิพลจากเสียงที่แทรกซึมเข้ามาจากเกือบทุกมุม โลก. การทดลองแบบยุโรปที่มีโทนเสียงคลาสสิกยังคงมีอิทธิพลต่อดนตรีของผู้บุกเบิกรุ่นเยาว์ เช่น Ken Vandermark นักเป่าแซ็กโซโฟนแจ๊สแนวหน้าอิสระ ซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาร่วมกับนักเป่าแซ็กโซโฟนที่มีชื่อเสียงในยุคเดียวกัน เช่น Mats Gustafsson, Evan Parker และ Peter Brotzmann นักดนตรีรุ่นใหม่และดั้งเดิมอื่นๆ ที่ยังคงค้นหาตัวตนของตัวเองต่อไป ได้แก่ นักเปียโน Jackie Terrasson, Benny Green และ Braid Meldoa, นักแซ็กโซโฟน Joshua Redman และ David Sanchez และมือกลอง Jeff Watts และ Billy Stewart
ประเพณีด้านเสียงแบบเก่าได้รับการสืบทอดอย่างรวดเร็วโดยศิลปิน เช่น นักเป่าแตร Wynton Marsalis ซึ่งทำงานร่วมกับทีมผู้ช่วย ทั้งในกลุ่มเล็กๆ ของเขาเองและใน Lincoln Center Jazz Orchestra ที่เขาเป็นผู้นำ ภายใต้การอุปถัมภ์ของเขา นักเปียโน Marcus Roberts และ Eric Reed นักเป่าแซ็กโซโฟน Wes “Warmdaddy” Anderson นักเป่าแตร Marcus Printup และนักไวบราโฟน Stefan Harris เติบโตจนกลายเป็นนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ มือเบส Dave Holland ยังเป็นผู้ค้นพบพรสวรรค์รุ่นเยาว์ที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย การค้นพบมากมายของเขารวมถึงศิลปินต่างๆ เช่น นักเป่าแซ็กโซโฟน/มือเบส M สตีฟ โคลแมน นักเป่าแซ็กโซโฟน สตีฟ วิลสัน นักไวบราโฟน สตีฟ เนลสัน และมือกลอง บิลลี่ คิลสัน ผู้ให้คำปรึกษาที่ยอดเยี่ยมสำหรับพรสวรรค์รุ่นเยาว์ ได้แก่ นักเปียโน Chick Corea มือกลอง Elvin Jones และนักร้อง Betty Carter โอกาสที่เป็นไปได้ การพัฒนาต่อไปปัจจุบันดนตรีแจ๊สมีขนาดค่อนข้างใหญ่ เนื่องจากวิธีในการพัฒนาความสามารถและวิธีการแสดงออกนั้นไม่อาจคาดเดาได้ โดยทวีคูณด้วยความพยายามร่วมกันของแนวเพลงแจ๊สต่างๆ ที่ได้รับการสนับสนุนในปัจจุบัน
บทคัดย่อในหัวข้อ
“ดนตรีแจ๊สเป็นปรากฏการณ์ของดนตรีผิวดำในวัฒนธรรมของสหรัฐอเมริกาและยุโรปในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20”
ดำเนินการ:
ตรวจสอบแล้ว:
เซวาสโทพอล 2012
บทนำ………………………………………………………………………...3
- ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊ส………………………………………………………..4
อิทธิพลของดนตรีแจ๊สต่อวัฒนธรรมของสหรัฐอเมริกาและยุโรป……………………...7
สไตล์แจ๊สในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ………………… 11
การอ้างอิง……………………………………………………………15
การแนะนำ
แจ๊สคือราชาแห่งการแสดงด้นสดในโลกแห่งสไตล์ดนตรี คติชนยังเป็นส่วนหนึ่งของวิธีการด้นสด แต่การแยกตัวและการมุ่งเน้นไปที่การอนุรักษ์ประเพณีนั้น จำกัด ไว้ในแง่ของวิธีการทางดนตรี ดนตรีแจ๊สเป็นเพลงสรรเสริญความคิดสร้างสรรค์ และเมื่อผสมผสานกับดนตรีด้นสดที่เข้มข้น มันจะกลายเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการก่อตัวของสาขาจำนวนมาก ดนตรีของทาสผิวดำที่นำมาสู่อเมริกาเริ่มมีชัยชนะไปทั่วยุโรปและทำให้โลกมีผลงานที่ซับซ้อนมากมายสำหรับวงออเคสตราในสไตล์บลูส์, บูกี้ - วูกี้, แร็กไทม์ ฯลฯ อิทธิพลของดนตรีแจ๊สขยายไปถึงเกือบทุกประเภท ดนตรีสมัยใหม่– จากวิชาการสู่ความนิยม นักแต่งเพลงและนักแสดงในสไตล์และการเคลื่อนไหวที่หลากหลายได้รับแรงบันดาลใจจากดนตรีแจ๊สซึ่งแทบจะไม่มีวันหมดสำหรับแนวคิดใหม่ ๆ
บทที่ 1 พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20
- ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊ส
ในปี พ.ศ. 2417 ในกรุงปารีส กลุ่มศิลปินรุ่นใหม่ได้จัดนิทรรศการ ผลงานที่จัดแสดงใช้เทคนิคพิเศษในการแยกลายเส้น ฮาล์ฟโทน และเงาสี ซึ่งสื่อถึงความไม่เที่ยงและชั่วครู่ของความประทับใจ ทิศทางใหม่ในงานศิลปะเรียกว่า "อิมเพรสชั่นนิสต์" และตัวแทนที่โดดเด่นที่สุด - Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pizarro, Edgar Degas, Alfred Sisley และ Paul Cezanne - ถูกเรียกว่า "อิมเพรสชั่นนิสต์" ผลงานของชาวดัตช์ Vincent Van Gogh, Oskar Kokoschka (ออสเตรีย), Edvard Munch (นอร์เวย์) ปูทางไปสู่ "การแสดงออก" ในไม่ช้ากระแสใหม่ๆ ก็เริ่มปรากฏในงานประติมากรรม วรรณกรรม สถาปัตยกรรม และดนตรี แต่ก็มีเช่นกัน ข้อเสนอแนะ. การจากไปของกฎแห่งความกลมกลืนแบบคลาสสิกนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Claude Debussy ซึ่งโลกดนตรีเริ่มพูดถึงในยุค 90 ของศตวรรษที่ 19 ผลงานของ Claude Debussy และ Maurice Ravel สื่อถึงความละเอียดอ่อน โปร่งสบาย ไร้ความรู้สึกเฉพาะเจาะจง และมีสุนทรียภาพแห่งอิมเพรสชันนิสม์ นักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ก็พัฒนาทิศทางนี้และทดลองใช้จังหวะ - Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky, Bela Bartok ประติมากรในผลงานของพวกเขาในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 เช่นเดียวกับจิตรกร พยายามที่จะย้ายจากคอนกรีตไปสู่นามธรรม (Constantin Brancusi, Henry Moore) สุนทรียศาสตร์ของสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ซึ่งแฟรงก์ ลอยด์ ไรต์ (พ.ศ. 2412-2502) นำมาใช้ในอาคารของเขานั้นมีพื้นฐานมาจากรูปแบบของ "สถาปัตยกรรมออร์แกนิก" ซึ่งมีความสามัคคีอย่างสมบูรณ์กับภูมิทัศน์โดยรอบ
เช่นเดียวกับสิ่งใหม่ๆ ดนตรีแจ๊สในช่วงที่เติบโตนั้นมีความคล่องตัวและสื่อสารได้ มีอิทธิพลต่อศิลปะรูปแบบอื่นๆ และซึมซับแรงกระตุ้นที่สร้างสรรค์ งานศิลปะหลายชิ้นจากต้นศตวรรษที่ 20 ผสมผสานกับดนตรีแจ๊ส เราสัมผัสได้ถึงอารมณ์ "แจ๊ส" เหล่านี้ได้ จิตรกรรม-เส้น, รูปทรง, การเล่นสี (ตัวอย่างเช่น ผลงานของ P. Picasso สะท้อนให้เห็นในองค์ประกอบของ D. Ellington; ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและนามธรรมนั้น "สอดคล้อง" กับผลงานของ T. Monk, C. Mingus, O. Colman) ; ในวรรณคดี - จังหวะของวลีของ E. Hemingway "ผลักดัน" ให้เข้าใจสไตล์บีบอป ความหรูหราและความสมบูรณ์ของวลีของ F. S. Fitzgerald ก่อให้เกิดเป็นเพลงเดียวที่มีดนตรีแจ๊ส - สวิง "ยุคทอง" นักแต่งเพลงชาวยุโรปและอเมริกาจำนวนหนึ่งกำลังปรากฏตัวขึ้น ซึ่งเป็นผู้ร่วมสมัยกับการพัฒนาดนตรีแจ๊ส โดยมีแนวโน้มที่จะค้นหาภาษาและเทคนิคใหม่ๆ ดนตรีแจ๊สมีอิทธิพลทางอ้อมผ่านดนตรีเชิงวิชาการ (เช่น C. Debussy) และบัลเล่ต์คลาสสิก การเกิดขึ้นของศิลปะพลาสติกและการเคลื่อนไหวใหม่ๆ ถูก "ผลักดัน" โดยการเชื่อมโยงที่ซ่อนอยู่ของศิลปะเหล่านี้ (ในผลงานของ Vaslav Nijinsky - "The Afternoon of a Faun") ลวดลายแจ๊สยังปรากฏในเครื่องแต่งกายตามภาพร่างของ Lev Bakst - เป็นเส้นผสมสี ในโปสเตอร์แจ๊สชุดแรก การโฆษณา และการออกแบบโน้ตเพลงใหม่ สถิตยศาสตร์ของ S. Dali, R. Magritte และ H. Mirro รวมถึงเสียงและเนื้อเพลงของเพลงบลูส์ที่อิดโรยมีส่วนเกี่ยวข้องในแรงจูงใจทางเพศในจิตใต้สำนึกซึ่งประกาศให้คนทั้งโลกได้รับรู้ในการศึกษาของเขาในต้นปีที่ 20 ศตวรรษโดยนักจิตวิเคราะห์และนักวิทยาศาสตร์ Z. Freud การเกิดขึ้นของดนตรีแจ๊สและการเกิดขึ้นของ “ลัทธิฟรอยด์” เกิดขึ้นพร้อมกันอย่างน่าประหลาดใจในช่วงเวลาหนึ่ง
ก้าวแรกของดนตรีแจ๊สมีลักษณะเฉพาะคือความเยื้องศูนย์ ความเหลื่อมล้ำ และการเต้น เพลงแจ๊สแพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทั่ว ประเทศต่างๆและแพร่หลายไป ดังนั้นดนตรีแจ๊สในทศวรรษแรกจึงกลายเป็นผลิตภัณฑ์สำหรับการบริโภคอย่างกว้างขวาง และปรากฎว่าดนตรีแจ๊สเป็นปรากฏการณ์ที่ขาดความสมบูรณ์ของชีวิตไปมาก
ตลอดช่วงทศวรรษที่ 20-30 ของศตวรรษที่ 20 ดนตรีแจ๊สกลายเป็นที่ชื่นชอบของโลกในฐานะ "เด็ก" ซึ่งเป็นการสำแดงของวัฒนธรรมมวลชน ตัวแทนของชนชั้นทางสังคมทั้งหมดเป็นแฟนเพลงแจ๊ส และสิ่งนี้ทำให้เราถือว่าดนตรีแจ๊สเป็นปรากฏการณ์ที่มีสัญญาณของความเป็นสากล เพลงนี้กลายเป็นส่วนสำคัญ ชีวิตศิลปะสังคมทัดเทียมวิชาการ แชมเบอร์ ดนตรีพื้นบ้าน บัลเล่ต์
รสนิยมของมวลชนต่อมาได้กำหนดลักษณะเฉพาะ (การมีส่วนร่วมของมวลชน ลักษณะการเต้นรำ คุณลักษณะภายนอก ลีลาพฤติกรรม) ของการพัฒนาและการขยายตัวของละครเพลงแจ๊ส ดังนั้นในช่วงทศวรรษที่ 30 การเต้นรำเร็วจึงได้รับความนิยมและวงออเคสตราก็แข่งขันกันในการแสดงอันเร่าร้อนของท่วงทำนองเดียวกัน หรือนักเต้นสุดขั้วอื่นๆ จำเป็นต้องเล่นอะไรที่สงบกว่านี้ ในกรณีนี้ เพลงของวงบิ๊กแบนด์มีเพลงบัลลาดด้วย ซึ่งเป็นเพลงช้าๆ ที่นักร้องมักแสดงเดี่ยวบ่อยที่สุด นอกจากนี้ยังมีวงออเคสตราหลายวงที่เล่นดนตรีแนวซาลอน - "วงดนตรีหวาน" วงดนตรีเหล่านี้จำนวนมากจมลงไปในความสับสน นี่เป็นปรากฏการณ์ที่แท้จริงของวัฒนธรรมมวลชนในยุค 30 และ 40
เคล็ดลับความสำเร็จของดนตรีแจ๊สอยู่ที่จังหวะที่พิเศษ ความสดใสของเสียง องค์ประกอบของเครื่องดนตรี บทบาทที่เปลี่ยนไปของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น และสไตล์ใหม่ของนักร้องนำ ผลกระทบของวงออเคสตราขนาดใหญ่ที่มีต่อผู้ชมนั้นน่าทึ่งไม่เพียงแต่จากคุณภาพของเนื้อหาทางดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการจัดเรียงที่ผิดปกติของนักดนตรีบนเวทีด้วย ส่วนใหญ่มักจะเป็นครึ่งวงกลมและผู้ชมจะรู้สึกถึงศูนย์กลางของความสนใจและความตึงเครียดของเสียง ซึ่งศิลปินในวงออเคสตราแจ๊สทุกคนทำงานเพื่อผู้ชม สิ่งนี้อำนวยความสะดวกด้วยท่าพิเศษของศิลปิน การเคลื่อนไหวแบบ "ดึง" ของระฆังของเครื่องลมถูกจัดฉาก - ปีกของทรอมโบนแกว่งไปมาจากด้านหนึ่งไปอีกด้านหนึ่งพร้อมกับจังหวะผู้เป่าแตรยกเครื่องดนตรีขึ้นสู่ท้องฟ้านักแซ็กโซโฟนรวมการหมุนและ "ก้าว" ต่างๆนักเปียโน โบกมือและยิ้ม ผู้เล่นดับเบิลเบสเล่นอย่างจงใจสาธิต และมือกลองซึ่งนั่งอยู่ในวงออเคสตรา "เหนือสิ่งอื่นใด" เขาแสดงปาฏิหาริย์แห่งจังหวะและบางครั้งก็เล่นกล
ลักษณะการเต้นของดนตรีแจ๊สที่เป็นที่ยอมรับได้ผลักดันนักธุรกิจจากธุรกิจบันเทิงให้สร้างอุตสาหกรรมดนตรีแจ๊สทั้งหมด จากตัวอย่าง (เพลงฮิต) ที่ประสบความสำเร็จและผ่านการพิสูจน์แล้ว "ฝาแฝด" ของพวกเขาถูกสร้างขึ้นและทำซ้ำ: ท่วงทำนอง เพลง ทำนองที่จัดเรียงในรูปแบบจังหวะ มันเป็นความคิดโบราณของละครเพลงแจ๊ส ช่วงเวลาตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 20 ถึงต้นทศวรรษที่ 40 เป็นช่วงหนึ่งของความสนใจในดนตรีแจ๊ส ไม่เพียงแต่ในอเมริกาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศในยุโรปด้วย สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการรวมกันของปัจจัยต่อไปนี้ที่ประสบความสำเร็จการปรากฏตัวของ "ห่วงโซ่": วงออเคสตรา (แสดง "ลิงก์") - นักเต้น ("ลิงก์" ที่ใช้งานอยู่ของผู้บริโภค) - บันทึกแผ่นเสียง ("ลิงก์" ที่เพิ่มขึ้นอย่างมาก จำนวนแฟน ๆ - ร้านค้าจำนวนมากที่ขายแผ่นเสียงทั่วโลก) - การออกอากาศทางวิทยุ ("ลิงก์" ที่เผยแพร่ดนตรีแจ๊สทันทีและในทุกระยะทาง ขยายกลุ่มผู้ฟังเป็นการปรับปรุงทางเทคนิค) - การโฆษณา ("ลิงก์" นี้ ” นักออกแบบที่มีพรสวรรค์ในด้านศิลปะการสร้างโปสเตอร์และโปสเตอร์ใช้กันอย่างแพร่หลายและมีส่วนร่วม) สถิตินี้ในช่วงเวลาที่สนใจจะถูกทำลายโดยดนตรีร็อคในยุค 60 และ 90 เท่านั้น
ในช่วงทศวรรษที่ 30-40 ในบรรดาวงออเคสตราหลายร้อยวง ผู้นำและผู้เรียบเรียงวงดนตรีขนาดใหญ่มีความโดดเด่นซึ่งกำลังมองหาเส้นทางของตนเอง พยายามกำจัดความหายนะทางการค้าของละครเพลง วงออร์เคสตราเหล่านี้หลุดออกจากรายชื่อวงดนตรีแนวแดนซ์ขนาดใหญ่ (เช่น D. Ellington) แม้แต่ "ราชา" แห่งวงสวิงในช่วงปลายยุค 30 บี. กู๊ดแมนยังตั้งข้อสังเกตในบันทึกความทรงจำของเขาว่าการเล่นในวงออเคสตราขนาดใหญ่ไม่ได้นำมาซึ่งความพึงพอใจเชิงสร้างสรรค์ที่เกิดขึ้นจากการเล่นกับวงดนตรีเล็ก ๆ การเล่นกับวงออเคสตราขนาดใหญ่หมายถึง “การเล่นเพื่อเต้นรำ” เมื่อพิจารณาถึงกิจกรรมของวงออเคสตราขนาดใหญ่ตลอดช่วงทศวรรษที่ 30-40 จำเป็นต้องสังเกตทิศทางหลัก: การเล่นในห้องเต้นรำขนาดใหญ่ การแสดงใน สโมสรใหญ่มีเวทีและอุปกรณ์และการตกแต่งที่เกี่ยวข้อง ทำงานในร้านกาแฟและร้านอาหารเล็ก ๆ ซึ่งเป็นเรื่องยากที่จะรองรับวงออเคสตรา คอนเสิร์ตในห้องโถงอันทรงเกียรติ สมาคมฟิลฮาร์โมนิก เที่ยวอเมริกาและไปเที่ยวประเทศในยุโรป
ความสนใจในดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นในยุโรปอันเป็นผลมาจากการที่นักดนตรีแจ๊สชาวอเมริกันมาเยือนโลกเก่าเป็นครั้งแรก การแสดงในปารีสของวงดนตรีแจ๊ส "Jazz Kings" ของ Louis Mitchell (พ.ศ. 2460 - 2468) นั้นน่าประทับใจ (Valentin Parnach ผู้จัดคอนเสิร์ตแจ๊สครั้งแรกในมอสโกในปี พ.ศ. 2465 อยู่ภายใต้อิทธิพลของเขา) ในปี 1919 วง Southern Syncopated Orchestra ของ Will Marion Cook ได้นำ Sidney Bechet นักคลาริเน็ตไปยังยุโรป ในช่วงทศวรรษที่ 20-30 มีวงออเคสตราและวงดนตรีมากมายออกทัวร์ยุโรป ชาวยุโรปเองก็พยายามเลียนแบบไอดอลของตนจากสหรัฐอเมริกาอย่างขยันขันแข็งโดยเริ่มแรกเน้นไปที่วงดนตรีสีขาวและต่อมาก็ไปที่นักแสดงผิวดำ สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการเปิด Hot Club de France ในปารีสในปี 1932 ซึ่งเป็นศูนย์ดนตรีแจ๊สที่นำโดย Hugues Panacier กลุ่มที่มีชื่อเสียงโดยการมีส่วนร่วมของนักไวโอลินชาวฝรั่งเศส Stephane Grappelli และนักกีตาร์ยิปซี Django Reinhardt เกิดขึ้นในสโมสรแห่งนี้ ควรสังเกตว่า Reinhardt เป็นนักดนตรีแจ๊สชาวยุโรปคนแรกที่สังเกตเห็นในบ้านเกิดของดนตรีแจ๊ส: Django ได้รับเชิญให้แสดงร่วมกับ Duke Ellington Orchestra ที่น่าสนใจคือไวโอลินมีบทบาทสำคัญในบริบทของดนตรีแจ๊ส-ยุโรป ดังนั้นนักไวโอลิน Svend Asmussen จึงกลายเป็นนักดนตรีแจ๊สชั้นนำในเดนมาร์ก
ในรัสเซียทั้งแนวออเคสตราและวงดนตรีขนาดเล็กได้รับการพัฒนาและชื่อของ Alexander Tsfasman, Alexander Varlamov และ Leonid Utesov ก็เกิดขึ้น
ในช่วงสงคราม ความเป็นไปได้ในการพัฒนาแนวดนตรีแจ๊สในยุโรปถูกขัดจังหวะ
- สไตล์แจ๊สในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20
หลังจากกำหนดจุดยืนและสิทธิในการดำรงอยู่ ดนตรีแจ๊สก็เริ่มแตกแขนงออกไปในการเคลื่อนไหวทุกประเภท ปัจจุบันมีแนวโน้ม "ประเภทย่อย" ดังกล่าวมากกว่าสามสิบรายการ บลูส์ถือเป็นหนึ่งในเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ชื่อนี้มาจากคำว่า "สีน้ำเงิน" - ความเศร้าโศกความเศร้าโศก คำนี้แสดงให้เห็นลักษณะของแนวดนตรีอย่างชัดเจนมาก นอกจากนี้ชื่อนี้มีความเกี่ยวข้องกับสำนวนภาษาอังกฤษ "ปีศาจสีน้ำเงิน" - "ความเศร้าโศกของปีศาจ" เมื่อแมวข่วนวิญญาณของพวกเขา เพลงบลูส์เป็นเพลงที่สบายๆ และไม่เร่งรีบ โดยมีลักษณะเฉพาะคือความนุ่มนวลและการแสดงด้นสด เนื้อเพลงของเพลงบลูส์มีความคลุมเครือและมีความคิดที่ไม่ได้พูดเกือบตลอดเวลา ปัจจุบัน เพลงบลูส์ยังไม่ค่อยแพร่หลายมากนัก งานบรรเลงส่วนใหญ่จะใช้ มักจะเป็นเพลงด้นสดแจ๊ส นักแสดงบลูส์ที่โด่งดังที่สุด - Louis Armstrong และ Duke Ellington - มีอิทธิพลอย่างมากไม่เพียง แต่ต่อวัฒนธรรมดนตรีอเมริกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึง เพลงโลกเลย ตัวแทนสมัยใหม่ของเพลงบลูส์ ได้แก่ Hot Rod Band Ragtime เป็นอีกหนึ่งทิศทางเฉพาะของดนตรีแจ๊ส ปรากฏเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 และชื่อนี้แปลว่า "เวลาที่ฉีกขาด" คำว่า rag หมายถึง ช่วงจังหวะ Ragtime กลายเป็นหนึ่งในงานอดิเรกทางดนตรีที่ทันสมัยของยุโรปซึ่งจัดแจงใหม่โดยชาวแอฟริกันอเมริกันในรูปแบบใหม่ ในเวลานั้น โรงเรียนสอนเปียโนโรแมนติกซึ่งมีผลงานของโชแปง ชูเบิร์ต และลิซท์ ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ก่อนหน้านี้การเรียบเรียงของพวกเขาเคยแสดงในสหรัฐอเมริกา แต่เมื่อคนอเมริกันเชื้อสายแอฟริกันตีความ พวกเขามีคุณสมบัติที่แตกต่างกัน - จังหวะและไดนามิกพิเศษ ต่อมาเริ่มบันทึกแร็กไทม์เป็นโน้ตดนตรี นอกจากนี้ ยังได้รับประโยชน์จากการที่ตัวบ่งชี้สถานะครอบครัวชั้นสูงในขณะนั้นคือการมีเปียโนอยู่ในบ้าน โดยเฉพาะเปียโนกลไกซึ่งเล่นท่วงทำนองแร็กไทม์ที่ซับซ้อน สะดวกกว่า เมืองที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในแง่ของการแพร่กระจายของเวลาแร็กไทม์ ได้แก่ แคนซัสซิตี้ เซนต์หลุยส์ และเซดาเลีย (มิสซูรี) รวมถึงรัฐเท็กซัส Scott Joplin หนึ่งในนักแต่งเพลงและนักแสดงแร็กไทม์ที่โด่งดังที่สุดมาจากเท็กซัส การแสดงของเขาที่ Maple Leaf club ประสบความสำเร็จอย่างมาก โจเซฟ แลมบ์ และเจมส์ สก็อตต์ก็กลายเป็นนักเขียนและนักแสดงสไตล์นี้ที่โดดเด่นเช่นกัน
วิกฤตเศรษฐกิจในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 ในสหรัฐอเมริกานำไปสู่การล่มสลายของวงดนตรีส่วนใหญ่รวมถึงวงดนตรีแจ๊สด้วย มีเพียงวงออเคสตราที่เล่นเพลงแดนซ์หลอกแจ๊สเท่านั้นที่ยังคงให้บริการอยู่ ขั้นตอนใหม่ในการพัฒนาทิศทางดนตรีแจ๊สคือการสวิง - แนวดนตรีและการเต้นรำที่ขัดเกลาขัดเกลาเรียบ (ในภาษาอังกฤษคำว่า "สวิง" แปลว่า "สวิง") คำว่า "แจ๊ส" ถือเป็นศัพท์เฉพาะในเวลานั้น ดังนั้นจึงมีความพยายามที่จะแนะนำแนวคิดใหม่แทน - "สวิง" คุณสมบัติหลักของวงสวิงคือการด้นสดเดี่ยวที่สดใสและดนตรีประกอบที่ซับซ้อน
นักแสดงวงสวิงทุกคนต้องโดดเด่นด้วยเทคนิคที่ไม่มีใครเทียบได้ ความกลมกลืน และความรู้เกี่ยวกับหลักการจัดองค์กรทางดนตรี วงดนตรีขนาดใหญ่หรือออเคสตร้าขนาดใหญ่ซึ่งได้รับความนิยมในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 30 มักเหมาะสำหรับการแสดงดังกล่าว แบบฟอร์มมาตรฐานสำหรับการแต่งเพลงวงออเคสตราค่อยๆถูกสร้างขึ้น - 10-20 คน
ดนตรีแจ๊สอีกแขนงหนึ่งที่เกิดขึ้นในยุคของการแพร่กระจายของวงสวิงคือรูปแบบเปียโนในการแสดงเพลงบลูส์ ซึ่งต่อมาเรียกว่า "บูกี้-วูกี" เทรนด์นี้ปรากฏครั้งแรกในแคนซัสซิตี้ แพร่กระจายผ่านเซนต์หลุยส์และไปถึงชิคาโก Boogie-woogie จริงๆ แล้วเป็นการแสดงดนตรีสำหรับแบนโจและกีตาร์ที่เรียบเรียงโดยนักเปียโน มันเป็นเปียโนบูกี้วูกีที่นำไปสู่การเกิดเบส "เดิน" ที่เล่นด้วยมือซ้ายในขณะที่ มือขวาดนตรีบลูส์ด้นสดก้องกังวาน นักเปียโน Jimmy Yancey มีบทบาทพิเศษในการทำให้สไตล์นี้เป็นที่นิยม อย่างไรก็ตาม boogie-woogie มาถึงจุดสูงสุดของความสำเร็จหลังจากการปรากฏตัวของ Lewis, Johnson และ Ammons ต่อหน้าสาธารณชนทั่วไป ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้ Boogie-woogie กลายเป็นเพลงคอนเสิร์ตจากเพลงแดนซ์ ต่อจากนั้นลวดลายบูกี้ - วูกีก็ถูกนำมาใช้อย่างแข็งขันโดยวงออเคสตราสวิงตลอดจนผู้แต่งและนักแสดงในประเภทจังหวะและบลูส์ กระแสน้ำมีผลกระทบสำคัญต่อการกำเนิดของร็อกแอนด์โรล
บทสรุป
จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยการเกิดขึ้นของความเป็นจริงทางศิลปะใหม่ในวัฒนธรรม ดนตรีแจ๊สเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่สำคัญและมีชีวิตชีวาที่สุดตลอดศตวรรษที่ 20 ไม่เพียงแต่มีอิทธิพลต่อการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะ ศิลปะประเภทต่างๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตประจำวันของสังคมด้วย จากผลการศึกษาเราได้ข้อสรุปว่าดนตรีแจ๊สในพื้นที่วัฒนธรรมของศตวรรษที่ 20 พัฒนาขึ้นในสองทิศทาง การพัฒนาครั้งแรกในอุตสาหกรรมบันเทิงเชิงพาณิชย์ ซึ่งแจ๊สยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน ทิศทางที่สอง - เป็นศิลปะอิสระ เป็นอิสระจากเชิงพาณิชย์ เพลงยอดนิยม. ทิศทางทั้งสองนี้ทำให้สามารถกำหนดเส้นทางการพัฒนาดนตรีแจ๊สจากปรากฏการณ์วัฒนธรรมมวลชนไปจนถึงศิลปะชั้นยอดได้
ดนตรีแจ๊สสามารถเอาชนะอุปสรรคทางเชื้อชาติและสังคมได้ กลายเป็นตัวละครมวลชนในช่วงปลายทศวรรษที่ 20 และกลายเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมเมือง ในช่วงทศวรรษที่ 30-40 ที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาสไตล์และการเคลื่อนไหวใหม่ๆ ดนตรีแจ๊สมีวิวัฒนาการและได้รับคุณลักษณะต่างๆ ศิลปะชั้นยอดซึ่งยังคงเกิดขึ้นจริงตลอดศตวรรษที่ 20
ทุกวันนี้ การเคลื่อนไหวและสไตล์ดนตรีแจ๊สยังคงมีชีวิตอยู่: แจ๊สแบบดั้งเดิม, ออร์เคสตร้าขนาดใหญ่, บูกี้-วูกี, สไตรด์, สวิง, บีบอป (นีโอบ็อบ), ฟีอูจ, ลาติน, แจ๊สร็อค อย่างไรก็ตาม รากฐานของแนวโน้มเหล่านี้ถูกวางไว้เมื่อต้นศตวรรษที่ 20
ฯลฯ................
หลังจากที่คริสโตเฟอร์ โคลัมบัสค้นพบทวีปใหม่และชาวยุโรปได้ตั้งรกรากที่นั่น เรือที่ค้าขายเกี่ยวกับสินค้ามนุษย์ก็มุ่งหน้าไปยังชายฝั่งอเมริกามากขึ้น
เหนื่อยจากการทำงานหนัก คิดถึงบ้าน และทุกข์ทรมานจาก ความสัมพันธ์ที่ไม่เหมาะสมผู้คุมและทาสก็พบความปลอบใจในเสียงเพลง ชาวอเมริกันและชาวยุโรปเริ่มสนใจท่วงทำนองและจังหวะที่ผิดปกติทีละน้อย นี่คือวิธีที่ดนตรีแจ๊สถือกำเนิดขึ้น แจ๊สคืออะไรและมีคุณสมบัติอย่างไรเราจะพิจารณาในบทความนี้
คุณสมบัติของทิศทางดนตรี
ดนตรีแจ๊สรวมถึงดนตรีที่มีต้นกำเนิดจากแอฟริกันอเมริกันซึ่งมีพื้นฐานมาจากการแสดงด้นสด (วงสวิง) และโครงสร้างจังหวะพิเศษ (การประสานเสียง) แตกต่างจากแนวอื่นๆ ที่คนหนึ่งเขียนเพลงและอีกคนหนึ่งแสดง นักดนตรีแจ๊สก็เป็นนักแต่งเพลงเช่นกัน
ทำนองถูกสร้างขึ้นเองตามธรรมชาติ ช่วงเวลาของการเรียบเรียงและการแสดงจะถูกแยกออกจากกันด้วยช่วงเวลาขั้นต่ำ นี่คือที่มาของดนตรีแจ๊ส วงออเคสตรา? นี่คือความสามารถของนักดนตรีในการปรับตัวเข้าหากัน ในขณะเดียวกัน ทุกคนก็แสดงด้นสดเป็นของตัวเอง
ผลลัพธ์ของการแต่งเพลงที่เกิดขึ้นเองจะถูกจัดเก็บไว้ในโน้ตดนตรี (T. Cowler, G. Arlen "Happy All Day", D. Ellington "Don't You Know What I Love?" ฯลฯ)
เมื่อเวลาผ่านไป ดนตรีแอฟริกันก็สังเคราะห์ขึ้นพร้อมกับดนตรียุโรป ท่วงทำนองปรากฏว่าผสมผสานความเป็นพลาสติก, จังหวะ, ทำนองและความกลมกลืนของเสียง (CHEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece ฯลฯ )
ทิศทาง
ดนตรีแจ๊สมีมากกว่าสามสิบสไตล์ ลองดูบางส่วนของพวกเขา
1. บลูส์ แปลจาก คำภาษาอังกฤษหมายถึง "ความโศกเศร้า", "ความเศร้าโศก" ในตอนแรก บลูส์ถูกเรียกว่าโซโล เพลงโคลงสั้น ๆชาวอเมริกันเชื้อสายแอฟริกัน แจ๊สบลูส์เป็นช่วงสิบสองบาร์ซึ่งสอดคล้องกับสามบรรทัด รูปแบบบทกวี. มีการเรียบเรียงเพลงบลูส์ใน อย่างช้าๆมีการกล่าวเกินจริงไปบ้างในข้อความ เพลงบลูส์ - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith และคนอื่นๆ
2. แร็กไทม์ การแปลชื่อสไตล์ตามตัวอักษรนั้นขาดเวลา ในภาษาของคำศัพท์ทางดนตรี "rag" หมายถึงเสียงเพิ่มเติมระหว่างจังหวะของการวัด กระแสดังกล่าวเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาหลังจากที่ผู้คนในต่างประเทศเริ่มสนใจผลงานของ F. Schubert, F. Chopin และ F. Liszt ดนตรีของนักประพันธ์เพลงชาวยุโรปแสดงเป็นสไตล์แจ๊ส ต่อมามีการเรียบเรียงต้นฉบับ Ragtime เป็นเรื่องปกติสำหรับผลงานของ S. Joplin, D. Scott, D. Lamb และคนอื่น ๆ
3. บูกี้-วูกี สไตล์ดังกล่าวปรากฏขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ผ่านมา เจ้าของร้านกาแฟราคาไม่แพงต้องการนักดนตรีมาเล่นดนตรีแจ๊ส เกิดอะไรขึ้น ดนตรีประกอบแน่นอนว่าต้องมีวงออเคสตราอยู่แต่ก็น่าดึงดูดใจ จำนวนมากมันแพงสำหรับนักดนตรี นักเปียโนชดเชยเสียงเครื่องดนตรีต่างๆ ทำให้เกิดองค์ประกอบจังหวะมากมาย คุณสมบัติบูกี้:
- ด้นสด;
- เทคนิคอัจฉริยะ
- คลอพิเศษ: มือซ้ายทำการกำหนดค่ามอเตอร์ ช่วงเวลาระหว่างเบสและทำนองคือ 2-3 อ็อกเทฟ
- จังหวะต่อเนื่อง
- การยกเว้นคันเหยียบ
บูกี-วูกี รับบทโดย โรมิโอ เนลสัน, อาร์เธอร์ มอนทานา เทย์เลอร์, ชาร์ลส์ เอเวอรี่ และคนอื่นๆ
ตำนานสไตล์
ดนตรีแจ๊สเป็นที่นิยมในหลายประเทศทั่วโลก ทุกที่ต่างก็มีดวงดาวเป็นของตัวเอง ล้อมรอบด้วยกองทัพแฟน ๆ แต่บางชื่อก็กลายเป็นตำนานที่แท้จริง พวกเขาเป็นที่รู้จักและชื่นชอบไปทั่วโลก โดยเฉพาะนักดนตรี เช่น หลุยส์ อาร์มสตรอง
ไม่มีใครรู้ว่าชะตากรรมของเด็กชายจากย่านคนผิวดำที่ยากจนจะเป็นอย่างไรหากหลุยส์ไม่ได้ไปอยู่ในค่ายราชทัณฑ์ ที่นี่ ดาวแห่งอนาคตเข้าร่วมวงดนตรีทองเหลือง แม้ว่าวงดนตรีจะไม่ได้เล่นดนตรีแจ๊สก็ตาม ชายหนุ่มค้นพบด้วยตัวเองในภายหลังว่าทำอย่างไร Armstrong ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกด้วยความขยันหมั่นเพียรและความอุตสาหะ
Billie Holiday (ชื่อจริง Eleanor Fagan) ถือเป็นผู้ก่อตั้งการร้องเพลงแจ๊ส นักร้องถึงจุดสูงสุดของความนิยมในช่วงทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ผ่านมาเมื่อเธอเปลี่ยนฉากไนท์คลับเป็นเวทีละคร
ชีวิตไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเจ้าของช่วง 3 อ็อกเทฟ Ella Fitzgerald หลังจากแม่ของเธอเสียชีวิต เด็กหญิงก็หนีออกจากบ้านและมีวิถีชีวิตที่ไม่ค่อยดีนัก จุดเริ่มต้นของอาชีพนักร้องคือการแสดงที่ การแข่งขันดนตรีสมัครเล่นคืน.
George Gershwin มีชื่อเสียงระดับโลก ผู้แต่งสร้างผลงานดนตรีแจ๊สจากดนตรีคลาสสิก การแสดงที่ไม่คาดคิดทำให้ผู้ฟังและเพื่อนร่วมงานหลงใหล คอนเสิร์ตมักจะมาพร้อมกับเสียงปรบมือ ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ D. Gershwin คือ "Rhapsody in Blue" (ร่วมเขียนกับ Fred Grof), โอเปร่า "Porgy and Bess", "An American in Paris"
ยังเป็นที่นิยม นักแสดงแจ๊สมีและยังคงอยู่เช่น เจนิส จอปลิน, เรย์ ชาร์ลส์, ซาราห์ วอห์น, ไมล์ส เดวิส และคนอื่นๆ
ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียต
การปรากฏตัวของสิ่งนี้ ทิศทางดนตรีในสหภาพโซเวียตมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของกวีนักแปลและผู้ชมละคร Valentin Parnakh คอนเสิร์ตครั้งแรกของวงดนตรีแจ๊สที่นำโดยอัจฉริยะเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2465 ต่อมา A. Tsfasman, L. Utesov, Y. Skomorovsky ได้ก่อตั้งทิศทางของการแสดงละครแจ๊สโดยผสมผสานการแสดงดนตรีและบทละคร E. Rosner และ O. Lundstrem ทำอะไรมากมายเพื่อทำให้ดนตรีแจ๊สเป็นที่นิยม
ในช่วงทศวรรษที่ 1940 ดนตรีแจ๊สถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างกว้างขวางว่าเป็นปรากฏการณ์หนึ่งของวัฒนธรรมชนชั้นกลาง ในช่วงทศวรรษที่ 50 และ 60 การโจมตีนักแสดงหยุดลง วงดนตรีแจ๊สถูกสร้างขึ้นทั้งใน RSFSR และในสาธารณรัฐสหภาพอื่นๆ
ปัจจุบันดนตรีแจ๊สแสดงอย่างอิสระในสถานที่จัดคอนเสิร์ตและคลับต่างๆ
แจ๊สเป็นปรากฏการณ์ทางดนตรีแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ
ดนตรีแจ๊สเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมดนตรีอเมริกัน ดนตรีแจ๊สของชาวอเมริกันผิวดำถือกำเนิดขึ้นบนพื้นฐานของดนตรีโฟล์กจึงกลายเป็นต้นฉบับ ศิลปะมืออาชีพซึ่งมีอิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาดนตรีสมัยใหม่
ดนตรีแจ๊สได้รับการขนานนามว่าเป็นศิลปะอเมริกัน ซึ่งเป็นผลงานของอเมริกาในด้านศิลปะ แจ๊สยังได้รับการยอมรับในหมู่ผู้ที่เติบโตมาจากประเพณีดนตรีคอนเสิร์ตของยุโรปตะวันตกเป็นหลัก
ปัจจุบัน ดนตรีแจ๊สมีผู้นับถือและนักแสดงจากทั่วทุกมุมโลก และได้แทรกซึมเข้าไปในวัฒนธรรมของทุกประเทศ พูดได้อย่างยุติธรรมว่าดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีระดับโลกและเป็นเพลงแรกในเรื่องนี้
แจ๊ส (แจ๊สอังกฤษ) พัฒนาขึ้นในรัฐทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกาในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20 อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมดนตรีของยุโรปและแอฟริกา ผู้ถือวัฒนธรรมแอฟริกันคือคนผิวดำชาวอเมริกัน - ลูกหลานของทาสที่ถูกพรากไปจากแอฟริกา สิ่งนี้ปรากฏให้เห็นในการเต้นรำพิธีกรรม, เพลงทำงาน, เพลงสวดฝ่ายวิญญาณ - วิญญาณ, โคลงสั้น ๆ บลูส์และแร็กไทม์, เพลงพระกิตติคุณ (สดุดีนิโกร) ที่เกิดขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 18 - 20 ในกระบวนการดูดซึมโดยคนผิวดำของวัฒนธรรมของประชากรผิวขาวของ สหรัฐ.
ลักษณะสำคัญของดนตรีแจ๊สคือบทบาทพื้นฐานของจังหวะ การเต้นของจังหวะเมตริกปกติ หรือ "จังหวะ" สำเนียงอันไพเราะที่สร้างความรู้สึกของการเคลื่อนไหวเหมือนคลื่น (การแกว่ง) การเริ่มต้นด้นสด ฯลฯ แจ๊สเรียกอีกอย่างว่าวงออเคสตราที่ประกอบด้วย เครื่องดนตรีประเภทลม เครื่องเพอร์คัชชัน และเสียงที่ออกแบบมาเพื่อแสดงดนตรีดังกล่าว
แจ๊สเป็นเลิศ ศิลปะการแสดง. คำนี้ปรากฏครั้งแรกในปี พ.ศ. 2456 ในหนังสือพิมพ์ฉบับหนึ่งของซานฟรานซิสโกในปี พ.ศ. 2458 ได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของชื่อวงออเคสตราแจ๊สของที. บราวน์ซึ่งแสดงในชิคาโกและในปี พ.ศ. 2460 ก็ปรากฏบนแผ่นเสียงแผ่นเสียงที่บันทึกโดยวงออเคสตรานิวออร์ลีนส์ที่มีชื่อเสียง วงดนตรีแจ๊ส DixieIand ดั้งเดิม (Jass)
ที่มาของคำว่า "แจ๊ส" นั้นค่อนข้างไม่ชัดเจน อย่างไรก็ตามไม่มีข้อสงสัยเลย ว่ามันมีความหมายค่อนข้างหยาบคายในเวลาที่เริ่มนำไปใช้กับดนตรีประเภทนี้ - ประมาณปี 1915 ควรเน้นว่าในขั้นต้นชื่อนี้ถูกตั้งให้กับดนตรีโดยคนผิวขาวซึ่งแสดงถึงการดูถูกเหยียดหยามของพวกเขา
ในตอนแรกคำว่า “แจ๊ส” จะได้ยินเฉพาะในคำว่า “วงดนตรีแจ๊ส” ซึ่งหมายถึงวงดนตรีเล็กๆ ที่ประกอบด้วย ทรัมเป็ต คลาริเน็ต ทรอมโบน และท่อนจังหวะ (อาจเป็นแบนโจ กีตาร์ ทูบา หรือดับเบิลเบส) การตีความท่วงทำนองแห่งจิตวิญญาณและแร็กไทม์ เพลงบลูส์ และเพลงยอดนิยม การแสดงนี้เป็นการแสดงด้นสดแบบโพลีโฟนิกโดยรวม ต่อมา ดนตรีด้นสดโดยรวมจะคงอยู่เฉพาะในตอนเปิดและตอนปิดเท่านั้น และส่วนที่เหลือมีเสียงหนึ่งเป็นนักร้องเดี่ยว ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากท่อนจังหวะและเสียงคอร์ดง่ายๆ ของเครื่องดนตรีลม
ใน ยุโรปที่ 18ค. เมื่อการแสดงด้นสดเป็นลักษณะทั่วไปของการแสดงดนตรี นักดนตรี (หรือนักร้อง) เพียงคนเดียวเท่านั้นที่ด้นสด ในวงการดนตรีแจ๊ส หากมีข้อตกลงร่วมกัน แม้แต่นักดนตรีแปดคนก็สามารถแสดงดนตรีสดได้ในเวลาเดียวกัน นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นในดนตรีแจ๊สสไตล์แรกสุด - ที่เรียกว่าวงดนตรี Dixieland
เพลงบลูส์เป็นสำนวนแจ๊สที่สำคัญและมีอิทธิพลมากที่สุดในบรรดาสำนวนแอฟริกันอเมริกันทั้งหมด เพลงบลูส์ที่ใช้ในดนตรีแจ๊สไม่จำเป็นต้องสะท้อนถึงความเศร้าหรือความเศร้าเสมอไป แบบฟอร์มนี้เป็นการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบจากประเพณีของชาวแอฟริกันและชาวยุโรป เพลงบลูส์ร้องด้วยความไพเราะเป็นธรรมชาติและอารมณ์สูง ในช่วงต้นทศวรรษที่ 20 หรือก่อนหน้านั้น บลูส์ไม่เพียงแต่เป็นเสียงร้องเท่านั้น แต่ยังเป็นแนวเพลงบรรเลงอีกด้วย
แร็กไทม์ที่แท้จริงปรากฏในช่วงปลายทศวรรษที่ 1890 มันได้รับความนิยมในทันทีและอยู่ภายใต้การทำให้เข้าใจง่ายทุกประเภท โดยแก่นแท้แล้ว แร็กไทม์คือดนตรีที่เล่นด้วยเครื่องดนตรีที่มีคีย์บอร์ดคล้ายกับเปียโน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าการเต้นรำแบบเค้กวอล์ค (เดิมมีพื้นฐานมาจากการล้อเลียนกิริยาท่าทางที่น่ารักของคนใต้ผิวขาวอย่างมีสไตล์และสง่างาม) มีมาก่อนแร็กไทม์ ดังนั้นจึงต้องมีดนตรีแบบเค้กวอล์ค
มีสิ่งที่เรียกว่าดนตรีแจ๊สสไตล์นิวออร์ลีนส์และชิคาโก ชาวพื้นเมืองในนิวออร์ลีนส์สร้างวงดนตรีและผลงานดนตรีแจ๊สที่มีชื่อเสียงที่สุด ดนตรีแจ๊สยุคแรกมักบรรเลงโดยวงออร์เคสตราขนาดเล็กที่มีเครื่องดนตรี 5 ถึง 8 ชิ้น และมีลักษณะเฉพาะด้วยสไตล์เครื่องดนตรีที่เฉพาะเจาะจง ความรู้สึกแทรกซึมเข้าไปในดนตรีแจ๊ส ดังนั้นอารมณ์จึงยกระดับและลุ่มลึกยิ่งขึ้น ในช่วงสุดท้าย ศูนย์กลางของการพัฒนาดนตรีแจ๊สได้ย้ายไปที่ชิคาโก ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือนักเป่าแตร Joe King Oliver และ Louis Armstrong นักคลาริเน็ต J. Dodds และ J. Nui นักเปียโนและนักแต่งเพลง Jelly Roll Morton นักกีตาร์ J. St. Cyr และมือกลอง Warren Baby Dodds
การแสดงละครโดยกลุ่มดนตรีแจ๊สกลุ่มแรกๆ - Original Dixieland Jazz-Band - ได้รับการบันทึกลงในแผ่นเสียงในปี พ.ศ. 2460 และในปี พ.ศ. 2466 ได้มีการบันทึกบทละครแจ๊สอย่างเป็นระบบ
ประชาชนชาวอเมริกันในวงกว้างเริ่มคุ้นเคยกับดนตรีแจ๊สทันทีหลังสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เทคนิคของเขาได้รับการยอมรับจากนักแสดงจำนวนมากและทิ้งร่องรอยไว้ในดนตรีเพื่อความบันเทิงทุกประเภทในสหรัฐอเมริกาและยุโรปตะวันตก
อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่ทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ถึงกลางทศวรรษปี ค.ศ. 1930 เป็นเรื่องปกติที่จะใช้คำว่า "แจ๊ส" อย่างไม่เจาะจงกับดนตรีเกือบทุกประเภทที่ได้รับอิทธิพลจากดนตรีแจ๊สทั้งในด้านจังหวะ ทำนอง และโทนเสียง
Symphojazz (ภาษาอังกฤษ simphojazz) เป็นดนตรีแจ๊สหลากหลายสไตล์ผสมผสานกับดนตรีซิมโฟนิกแนวเบา คำนี้ถูกใช้ครั้งแรกในปี ค.ศ. 1920 โดย Paul Whiteman วาทยากรชื่อดังชาวอเมริกัน ในกรณีส่วนใหญ่เป็นเพลงแดนซ์ที่มีกลิ่นอายของ "ซาลอน" อย่างไรก็ตาม Whiteman คนเดียวกันได้ริเริ่มการสร้างสรรค์และเป็นนักแสดงคนแรกของเพลง "Rhapsody in Blue" อันโด่งดังโดย George Gershwin ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สและ เพลงไพเราะมันกลับกลายเป็นว่ามีความออร์แกนิกมาก มีความพยายามที่จะสร้างการสังเคราะห์ที่คล้ายกันขึ้นใหม่ในคุณภาพใหม่และในเวลาต่อมา
ในช่วงต้นทศวรรษ 1930 ดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์และชิคาโกถูกแทนที่ด้วยสไตล์ "สวิง" ซึ่งมี "วงดนตรีขนาดใหญ่" ซึ่งประกอบด้วยแซกโซโฟน 3-4 ตัว ทรัมเป็ต 3 ตัว ทรอมโบน 3 ตัว และท่อนจังหวะ คำว่า "แกว่ง" มาจากหลุยส์ อาร์มสตรอง และใช้เพื่อกำหนดรูปแบบที่รู้สึกถึงอิทธิพลของเขาอย่างแรงกล้า การเพิ่มองค์ประกอบทำให้จำเป็นต้องเปลี่ยนไปใช้การจัดเตรียมที่สร้างไว้ล่วงหน้า บันทึกไว้ในบันทึกย่อ หรือเรียนรู้ด้วยการฟังโดยตรงตามคำแนะนำโดยตรงของผู้เขียน การมีส่วนร่วมที่สำคัญที่สุดในการ "แกว่ง" ทำโดย F. Henderson, E. Kennedy, Duke Ellington, W. Chick Webb, J. Landsford แต่ละคนผสมผสานพรสวรรค์ของผู้นำวงออเคสตรา ผู้เรียบเรียง นักแต่งเพลง และนักดนตรี ติดตามพวกเขาวงออเคสตราของ B. Goodman, G. Miller และคนอื่น ๆ ก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งยืมความสำเร็จทางเทคนิคของนักดนตรีผิวดำ
ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1930 "วงสวิง" ได้หมดสิ้นลง และกลายเป็นชุดเทคนิคที่เป็นทางการและทางเทคนิค ปรมาจารย์ด้าน "วงสวิง" ที่มีชื่อเสียงหลายคนเริ่มพัฒนาแนวเพลงแจ๊สแชมเบอร์และคอนเสิร์ต การแสดงในวงดนตรีขนาดเล็ก พวกเขาสร้างละครชุดที่กล่าวถึงทั้งผู้ฟังในที่สาธารณะและผู้ฟังที่ค่อนข้างแคบอย่างเท่าเทียมกัน เอลลิงตันบันทึกเสียงร่วมกับวงออเคสตราชุด "Reminiscence in Tempo" ซึ่งใช้ดนตรีแจ๊สเกินกว่าเพลงเต้นรำสามนาที
จุดเปลี่ยนที่สำคัญเกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 เมื่อนักดนตรีกลุ่มหนึ่งเป็นผู้นำทิศทางใหม่ของดนตรีแจ๊ส โดยเรียกมันว่าคำว่า "บีบ็อบ" เขาวางรากฐานสำหรับดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ (ดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ในอังกฤษ - ดนตรีแจ๊สสมัยใหม่) - คำนี้มักใช้เพื่อกำหนดสไตล์และแนวโน้มของดนตรีแจ๊สที่เกิดขึ้นหลังจากการครอบงำของวงสวิง Bebop เป็นจุดแตกหักครั้งสุดท้ายระหว่างดนตรีแจ๊สและอาณาจักรแห่งดนตรีเพื่อความบันเทิง ในด้านศิลปะ เขาเปิดทางสำหรับการพัฒนาดนตรีแจ๊สอย่างอิสระในฐานะหนึ่งในสาขาศิลปะดนตรีสมัยใหม่
ในทศวรรษที่ 1940 วงออเคสตราที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ Glenn Miller Orchestra อย่างไรก็ตาม เครดิตสำหรับความคิดสร้างสรรค์อย่างแท้จริงในดนตรีแจ๊สในช่วงหลายปีที่ผ่านมาตกเป็นของ Duke Ellington ซึ่งตามคำวิจารณ์ของนักวิจารณ์คนหนึ่ง เขาผลิตผลงานชิ้นเอกที่ดูเหมือนทุกสัปดาห์
ในช่วงปลายยุค 40 ทิศทางของดนตรีแจ๊ส "เท่" เกิดขึ้น โดยโดดเด่นด้วยความดังปานกลาง ความโปร่งใสของสี และไม่มีความแตกต่างแบบไดนามิกที่คมชัด การเกิดขึ้นของเทรนด์นี้เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักเป่าแตรเอ็ม. เดวิส ต่อมาดนตรีแจ๊สแบบ "เท่" ได้รับการฝึกฝนโดยกลุ่มที่ทำงานบนชายฝั่งตะวันตกของสหรัฐอเมริกาเป็นหลัก
ดนตรีแจ๊สในยุค 40 และ 50 ภาษาฮาร์โมนิคมีสีมากขึ้นเรื่อยๆ แม้แต่ "นีโอเดบุสเซียน" และนักดนตรีก็แสดงท่วงทำนองยอดนิยมที่ซับซ้อน ในเวลาเดียวกัน พวกเขายังคงแสดงแก่นแท้ของเพลงบลูส์แบบดั้งเดิมต่อไป และดนตรียังคงรักษาและขยายความมีชีวิตชีวาของพื้นฐานจังหวะของมัน
เหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สมีศูนย์กลางอยู่ที่นักแต่งเพลงที่สังเคราะห์ดนตรีและมอบให้ แบบฟอร์มทั่วไปจากนั้นรอบนักดนตรีแต่ละคน ศิลปินเดี่ยวผู้สร้างสรรค์ที่อัพเดทคำศัพท์ดนตรีแจ๊สเป็นระยะ บางครั้งขั้นตอนเหล่านี้สามารถใช้แทนกันได้ ตั้งแต่การสังเคราะห์ของ Morton ไปจนถึงนวัตกรรมของ Armstrong จากการสังเคราะห์ของ Ellington ไปจนถึงนวัตกรรมของ Parker
ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 แนวคิดทางศิลปะและรูปแบบการแสดงดนตรีแจ๊สที่แตกต่างกันมากได้เพิ่มมากขึ้น การมีส่วนร่วมที่โดดเด่นในการปรับปรุงเทคนิคการแต่งเพลงแจ๊สนั้นเกิดขึ้นโดยวงดนตรี Modern Jazz Quartet ซึ่งสังเคราะห์หลักการของ "บีบอป", "แจ๊สสุดเท่" และพฤกษ์ยุโรปของศตวรรษที่ 17 - 18 กระแสนี้นำไปสู่การสร้างบทละครขยายสำหรับวงออเคสตราแบบผสมผสาน รวมถึงผู้เล่นวงออเคสตราเชิงวิชาการและการแสดงดนตรีสดแจ๊ส สิ่งนี้ทำให้ช่องว่างระหว่างดนตรีแจ๊สและดนตรีเพื่อความบันเทิงลึกซึ้งยิ่งขึ้น และทำให้ประชาชนส่วนใหญ่แปลกแยกจากมันโดยสิ้นเชิง
เพื่อค้นหาสิ่งทดแทนที่เหมาะสม นักเต้นรุ่นเยาว์เริ่มหันไปหาแนวเพลงในชีวิตประจำวัน เพลงสีดำ“จังหวะและบลูส์” ผสมผสานการแสดงเสียงร้องที่แสดงออกในสไตล์บลูส์เข้ากับเสียงกลองอันทรงพลังและกีตาร์ไฟฟ้าหรือแซกโซโฟน ในรูปแบบนี้ ดนตรีถือเป็นบรรพบุรุษของ "ร็อกแอนด์โรล" ในยุค 50 และ 60 ซึ่งมีผลกระทบ อิทธิพลใหญ่สำหรับการแต่งและแสดงเพลงยอดนิยม ในทางกลับกัน "boogie-woogie" ซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษที่ 30 (อันที่จริงมันเก่ากว่ามาก) เป็นสไตล์บลูส์ที่เล่นบนเปียโน
ในช่วงปลายยุค 50 ริทึมและบลูส์เข้ามารวมกัน ประเภทยอดนิยม- "วิญญาณ" (วิญญาณอังกฤษ - วิญญาณ) ซึ่งเป็นเวอร์ชันฆราวาสของหนึ่งในสาขาของดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของชาวนิโกร
กระแสดนตรีแจ๊สอีกประการหนึ่งในช่วงปลายทศวรรษที่ 60 และต้นทศวรรษที่ 70 เกิดจากความสนใจที่เพิ่มขึ้นในนิทานพื้นบ้านและศิลปะดนตรีมืออาชีพของเอเชียและแอฟริกา มีการแสดงละครจำนวนหนึ่งโดยนักเขียนหลายคน โดยอิงจากบทเพลงและการเต้นรำพื้นบ้านของประเทศกานา ไนจีเรีย ซูดาน อียิปต์ และประเทศต่างๆ ในคาบสมุทรอาหรับ
ในช่วงปลายทศวรรษที่ 60 ดนตรีแจ๊สแนวหนึ่งพัฒนาขึ้นในสหรัฐอเมริกาโดยใช้เพลงร็อคแบบดั้งเดิม ภายใต้อิทธิพลของนักดนตรีผิวดำ ไมลส์ เดวิส และนักเรียนของเขา ซึ่งพยายามทำให้ดนตรีของพวกเขาชัดเจนขึ้นและเข้าถึงได้มากขึ้น ความเจริญของเพลงร็อค "อัจฉริยะ" และความแปลกใหม่ของสไตล์ทำให้ได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงกลางทศวรรษ 1970 ต่อมา แจ๊ส-ร็อคได้แยกออกเป็นหลายรูปแบบที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้น ผู้ที่สมัครพรรคพวกบางคนกลับมาสู่ดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิม บางคนหันมาสนใจดนตรีป๊อปโดยสิ้นเชิง และมีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่ยังคงมองหาวิธีในการแทรกซึมของดนตรีแจ๊สและร็อคอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น แจ๊สร็อครูปแบบสมัยใหม่รู้จักกันดีในชื่อฟิวชัน
เป็นเวลาหลายทศวรรษแล้วที่การพัฒนาดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นเองโดยส่วนใหญ่และถูกกำหนดโดยความบังเอิญของสถานการณ์ ในขณะที่ยังคงเป็นปรากฏการณ์ของวัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกันเป็นหลัก ระบบของภาษาดนตรีแจ๊สและหลักการของการแสดงก็ค่อยๆ มีลักษณะเป็นสากล แจ๊สสามารถดูดซึมได้ง่าย องค์ประกอบทางศิลปะวัฒนธรรมทางดนตรีใด ๆ ในขณะที่ยังคงรักษาความคิดริเริ่มและความซื่อสัตย์
การเกิดขึ้นของดนตรีแจ๊สในยุโรปในช่วงปลายทศวรรษ 1910 ดึงดูดความสนใจของนักประพันธ์เพลงชั้นนำทันที องค์ประกอบบางอย่างของโครงสร้าง น้ำเสียง การเปลี่ยนจังหวะและเทคนิคต่างๆ ถูกนำมาใช้ในงานของพวกเขาโดย C. Debussy, I. F. Stravinsky, M. Ravel, K. Weil และคนอื่นๆ
ในขณะเดียวกัน อิทธิพลของดนตรีแจ๊สที่มีต่อผลงานของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้ก็มีจำกัดและมีอายุสั้น ในสหรัฐอเมริกาเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับดนตรี ประเพณียุโรปให้กำเนิดผลงานของ J. Gershwin ผู้ซึ่งเข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะ ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดแจ๊สซิมโฟนี
ดังนั้นประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊สจึงสามารถบอกเล่าได้บนพื้นฐานของพัฒนาการของท่อนจังหวะและความสัมพันธ์ของนักดนตรีแจ๊สกับท่อนทรัมเป็ต
วงดนตรีแจ๊สยุโรปเริ่มปรากฏตัวขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1920 แต่จนกระทั่งสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สอง การขาดการสนับสนุนจากผู้ชมจำนวนมาก ทำให้พวกเขาต้องแสดงละครเพลงป๊อปและเต้นรำเป็นหลัก หลังจากปี 1945 ในอีก 15-20 ปีข้างหน้าในเมืองหลวงและเมืองใหญ่ส่วนใหญ่ของยุโรป กลุ่มนักดนตรีได้ก่อตั้งขึ้นซึ่งเชี่ยวชาญเทคนิคการแสดงดนตรีแจ๊สเกือบทุกรูปแบบ: M. Legrand, H. Littleton, R. Scott, เจ. แดนค์เวิร์ธ, แอล. กัลลิน, วี. ชเลเตอร์, เจ. ควาสนิคกี้
แจ๊สดำเนินงานในสภาพแวดล้อมที่แข่งขันกับเพลงยอดนิยมประเภทอื่นๆ ในขณะเดียวกันก็เป็นศิลปะที่ได้รับความนิยมจนได้รับความชื่นชมและความเคารพอย่างสูงสุดและเป็นที่ยอมรับอย่างกว้างขวาง และดึงดูดความสนใจของทั้งนักวิจารณ์และนักวิชาการ ยิ่งไปกว่านั้น การเปลี่ยนแปลงในเพลงยอดนิยมประเภทอื่น ๆ บางครั้งดูเหมือนเป็นแฟชั่น ในส่วนของดนตรีแจ๊สมีวิวัฒนาการและพัฒนา นักแสดงนำเอาดนตรีในอดีตมาสร้างเป็นดนตรีขึ้นมา และอย่างที่เอสแดนซ์กล่าวไว้ว่า “ นักดนตรีที่ดีที่สุดนำหน้าผู้ฟังเสมอ" .
รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว
แจ๊ส / สารานุกรมดนตรี. ต. 2. หน้า 211-216.
มิคาอิลอฟ เจ.เค. ทบทวน เพลงอเมริกัน// สหรัฐอเมริกา. เศรษฐศาสตร์ การเมือง อุดมการณ์ พ.ศ. 2521 ฉบับที่ 12. หน้า 28-39.
Pereverzev L. เพลงทำงานของชาวนิโกร // สฟ. ดนตรี. พ.ศ. 2506 ลำดับที่ 9. หน้า 125-128.
Troitskaya G. นักร้องแจ๊ส ในทัวร์ เวทีต่างประเทศ// โรงภาพยนตร์. พ.ศ.2504 ลำดับที่ 12. หน้า 184-185.
Williams M. ประวัติโดยย่อของดนตรีแจ๊ส // สหรัฐอเมริกา เศรษฐศาสตร์ การเมือง อุดมการณ์ พ.ศ. 2517 ลำดับที่ 10. หน้า 84-92. ลำดับที่ 11. หน้า 107-114.
ดนตรีแจ๊สเป็นศิลปะดนตรีรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกา เป็นผลจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรป และต่อมาก็แพร่หลาย
ดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีที่น่าทึ่ง มีชีวิตชีวา มีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง โดยผสมผสานอัจฉริยะด้านจังหวะของแอฟริกา ซึ่งเป็นสมบัติล้ำค่าของศิลปะการตีกลอง พิธีกรรม และบทสวดในพิธีการที่มีอายุนับพันปี เพิ่มการร้องเพลงประสานเสียงและร้องเพลงเดี่ยวของคริสตจักรแบ๊บติสและโปรเตสแตนต์ - สิ่งที่ตรงกันข้ามถูกรวมเข้าด้วยกัน ทำให้โลกเป็นงานศิลปะที่น่าทึ่ง! ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สนั้นไม่ธรรมดา มีชีวิตชีวา เต็มไปด้วยเหตุการณ์ที่น่าทึ่งซึ่งมีอิทธิพลต่อกระบวนการทางดนตรีของโลก
แจ๊สคืออะไร?
ลักษณะตัวละคร:
- จังหวะหลายจังหวะขึ้นอยู่กับจังหวะที่ซิงโครไนซ์กัน
- บิต - การเต้นเป็นจังหวะปกติ
- วงสวิง - การเบี่ยงเบนจากจังหวะชุดเทคนิคในการแสดงพื้นผิวเป็นจังหวะ
- ด้นสด,
- ช่วงฮาร์โมนิคและโทนเสียงที่มีสีสัน
ดนตรีประเภทนี้เกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรปในฐานะศิลปะที่มีพื้นฐานมาจากการแสดงด้นสดผสมผสานกับรูปแบบการแต่งเพลงที่มีอุปาทาน แต่ไม่จำเป็นต้องเขียนเป็นลายลักษณ์อักษร นักแสดงหลายคนสามารถแสดงสดพร้อมกันได้ แม้ว่าจะได้ยินเสียงโซโลอย่างชัดเจนในวงดนตรีก็ตาม ที่เสร็จเรียบร้อย ภาพศิลปะงานขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ของสมาชิกทั้งมวลกับแต่ละอื่น ๆ และกับผู้ชม
การพัฒนาทิศทางดนตรีใหม่เพิ่มเติมเกิดขึ้นเนื่องจากความเชี่ยวชาญของรูปแบบจังหวะและฮาร์มอนิกใหม่โดยผู้แต่ง
ยกเว้นพิเศษ บทบาทที่แสดงออกจังหวะได้รับการสืบทอดมาจากคุณสมบัติอื่น ๆ ของดนตรีแอฟริกัน - การตีความเครื่องดนตรีทั้งหมดเป็นการเพอร์คัชชัน, จังหวะ; ความเด่นของน้ำเสียงสนทนาในการร้องเพลงการเลียนแบบ คำพูดภาษาพูดเมื่อเล่นกีตาร์ เปียโน เครื่องเพอร์คัชชัน
ประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊ส
ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สอยู่ในประเพณีของดนตรีแอฟริกัน ผู้คนในทวีปแอฟริกาถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้ง นำมาสู่ โลกใหม่ทาสจากแอฟริกาไม่ได้มาจากครอบครัวเดียวกันและมักไม่เข้าใจกัน ความจำเป็นในการมีปฏิสัมพันธ์และการสื่อสารนำไปสู่การรวมเป็นหนึ่งและการสร้างวัฒนธรรมที่เป็นหนึ่งเดียว รวมถึงดนตรีด้วย โดดเด่นด้วยจังหวะที่ซับซ้อน การเต้นรำด้วยการกระทืบและปรบมือ เมื่อใช้ร่วมกับลวดลายบลูส์ พวกเขาได้กำหนดแนวทางดนตรีใหม่
กระบวนการผสมผสานวัฒนธรรมดนตรีแอฟริกันและยุโรปซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในวันที่ 19 นำไปสู่การกำเนิดของทิศทางดนตรีใหม่ นั่นเป็นเหตุผล ประวัติศาสตร์โลกดนตรีแจ๊สแยกออกจากประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สของอเมริกาไม่ได้
ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาดนตรีแจ๊ส
ประวัติความเป็นมาของการกำเนิดดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดในเมืองนิวออร์ลีนส์ ทางตอนใต้ของอเมริกา เวทีนี้มีลักษณะพิเศษคือการด้นสดโดยรวมของทำนองเพลงเดียวกันหลายเวอร์ชันโดยนักเป่าแตร (เสียงหลัก) นักคลาริเน็ต และนักทรอมโบน โดยมีฉากหลังเป็นการเดินขบวนของเบสและกลองทองเหลือง วันสำคัญ - 26 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2460 - จากนั้นในสตูดิโอนิวยอร์กของ บริษัท Victor นักดนตรีผิวขาวห้าคนจากนิวออร์ลีนส์บันทึกแผ่นเสียงแผ่นแรก ก่อนที่จะออกอัลบั้มนี้ ดนตรีแจ๊สยังคงเป็นปรากฏการณ์เล็กๆ น้อยๆ ในตำนานดนตรีพื้นบ้าน และหลังจากนั้น ในเวลาไม่กี่สัปดาห์ แจ๊สก็สร้างความตกตะลึงและตกตะลึงทั่วทั้งอเมริกา การบันทึกเสียงเป็นของ "Original Dixieland Jazz Band" ในตำนาน นี่คือวิธีที่ดนตรีแจ๊สอเมริกันเริ่มต้นการเดินขบวนอย่างภาคภูมิใจไปทั่วโลก
ในช่วงทศวรรษที่ 20 พบคุณสมบัติหลักของสไตล์ในอนาคต: การเต้นของดับเบิลเบสและกลองที่สม่ำเสมอซึ่งมีส่วนช่วยในการสวิง โซโลอัจฉริยะ และลักษณะของการแสดงด้นสดด้วยเสียงโดยไม่ต้องใช้คำโดยใช้แต่ละพยางค์ (“ scat”) บลูส์เข้ามาแทนที่อย่างมีนัยสำคัญ ต่อมาทั้งสองเวที - นิวออร์ลีนส์, ชิคาโก - รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยคำว่า "Dixieland"
ในดนตรีแจ๊สอเมริกันแห่งยุค 20 ระบบที่กลมกลืนกันเกิดขึ้น เรียกว่า "สวิง" สวิงโดดเด่นด้วยการเกิดขึ้นของวงออเคสตรารูปแบบใหม่ - วงดนตรีขนาดใหญ่ ด้วยวงออเคสตราที่เพิ่มมากขึ้น เราจึงต้องละทิ้งการแสดงด้นสดแบบรวมกลุ่มและเดินหน้าไปสู่การแสดงที่บันทึกไว้ในแผ่นเพลง การจัดเตรียมนี้กลายเป็นหนึ่งในการแสดงครั้งแรกของจุดเริ่มต้นของผู้แต่ง
วงดนตรีขนาดใหญ่ประกอบด้วยเครื่องดนตรีสามกลุ่ม - ท่อนต่างๆ ซึ่งแต่ละท่อนสามารถฟังดูเหมือนเครื่องดนตรีโพลีโฟนิกกลุ่มเดียว: ท่อนแซ็กโซโฟน (ต่อมามีคลาริเน็ต), ท่อน "ทองเหลือง" (ทรัมเป็ตและทรอมโบน), ท่อนจังหวะ (เปียโน, กีตาร์, ดับเบิลเบส, กลอง)
การแสดงด้นสดเดี่ยวตาม "สี่เหลี่ยม" ("คอรัส") ปรากฏขึ้น “Square” คือรูปแบบหนึ่งซึ่งมีระยะเวลาเท่ากัน (จำนวนบาร์) ตามธีม โดยแสดงกับพื้นหลังของคอร์ดเดียวกับธีมหลัก ซึ่งผู้ด้นสดจะปรับการเปลี่ยนทำนองใหม่
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 อเมริกันบลูส์ได้รับความนิยม และรูปแบบเพลง 32 บาร์ก็แพร่หลาย ในด้านสวิง “riff” ซึ่งเป็นคิวที่ยืดหยุ่นตามจังหวะได้ 2 ถึง 4 บาร์ เริ่มมีการใช้กันอย่างแพร่หลาย ดำเนินการโดยวงออเคสตราในขณะที่ศิลปินเดี่ยวแสดงด้นสด
ในบรรดาวงดนตรีใหญ่วงแรกๆ ได้แก่ วงออเคสตราที่นำโดยนักดนตรีแจ๊สชื่อดัง - Fletcher Henderson, Count Basie, Benny Goodman, Glen Miller, Duke Ellington อย่างหลังในช่วงทศวรรษที่ 40 ได้หันไปใช้รูปแบบวงจรขนาดใหญ่ตามคติชนนิโกรและละตินอเมริกา
แจ๊สอเมริกันในช่วงทศวรรษที่ 1930 กลายเป็นเชิงพาณิชย์ ดังนั้นในหมู่ผู้ชื่นชอบและผู้ที่ชื่นชอบประวัติศาสตร์ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สจึงมีการเคลื่อนไหวเพื่อการฟื้นฟูสไตล์ดั้งเดิมดั้งเดิม บทบาทชี้ขาดเล่นโดยวงดนตรีผิวดำขนาดเล็กในยุค 40 ซึ่งทิ้งทุกสิ่งที่ออกแบบมาเพื่อเอฟเฟกต์ภายนอก: วาไรตี้การเต้นรำการร้องเพลง บทเพลงเล่นพร้อมกันและแทบจะไม่ได้ยินเลย รูปแบบดั้งเดิมดนตรีประกอบไม่จำเป็นต้องมีการเต้นรำสม่ำเสมออีกต่อไป
สไตล์นี้ซึ่งนำมาสู่ยุคสมัยใหม่เรียกว่า "ป็อบ" หรือ "บีบอป" การทดลองของนักดนตรีชาวอเมริกันที่มีความสามารถและนักแสดงแจ๊ส - Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk และคนอื่น ๆ - ได้วางรากฐานสำหรับการพัฒนารูปแบบศิลปะอิสระซึ่งเกี่ยวข้องกับแนวป๊อปแดนซ์ภายนอกเท่านั้น
ตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 40 ถึงกลางทศวรรษที่ 60 การพัฒนาเกิดขึ้นในสองทิศทาง ครั้งแรกรวมถึงสไตล์ "เย็น" - "เย็น" และ "ชายฝั่งตะวันตก" - “ ชายฝั่งตะวันตก" พวกเขาโดดเด่นด้วยการใช้ประสบการณ์ดนตรีคลาสสิกและสมัยใหม่อย่างกว้างขวาง - รูปแบบคอนเสิร์ตที่พัฒนาแล้วพฤกษ์ ทิศทางที่สองรวมถึงสไตล์ของ "ฮาร์ดบอป" - "ร้อน", "มีพลัง" และใกล้เคียงกับ "โซล - แจ๊ส" (แปลจากภาษาอังกฤษ "วิญญาณ" - "วิญญาณ") ผสมผสานหลักการของบีบ็อปเก่าเข้ากับประเพณีของ นิทานพื้นบ้านสีดำ จังหวะเจ้าอารมณ์ และน้ำเสียงแห่งจิตวิญญาณ
ทิศทางทั้งสองนี้มีเหมือนกันมากในความปรารถนาที่จะปลดปล่อยตัวเองจากการแบ่งการแสดงด้นสดออกเป็นช่องสี่เหลี่ยมที่แยกจากกัน เช่นเดียวกับการแกว่งเพลงวอลทซ์และเมตรที่ซับซ้อนมากขึ้น
มีความพยายามที่จะสร้างผลงานขนาดใหญ่ - ดนตรีแจ๊สไพเราะ ตัวอย่างเช่น “Rhapsody in Blue” โดย J. Gershwin ผลงานหลายชิ้นของ I.F. สตราวินสกี ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 50 การทดลองเพื่อผสมผสานหลักการของดนตรีแจ๊สและดนตรีสมัยใหม่ได้กลายเป็นที่แพร่หลายอีกครั้งภายใต้ชื่อ "การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม" รวมถึงในหมู่นักแสดงชาวรัสเซีย (“Concerto for orchestra” โดย A.Ya. Eshpai ผลงานของ M.M. Kazhlaev คอนเสิร์ตเปียโนครั้งที่ 2 กับวงออเคสตราของ R.K. Shchedrin ซิมโฟนีที่ 1 โดย A.G. Schnittke) โดยทั่วไปแล้ว ประวัติศาสตร์ของการกำเนิดของดนตรีแจ๊สนั้นมีการทดลองมากมายและมีความเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาดนตรีคลาสสิกและทิศทางที่เป็นนวัตกรรมใหม่
ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 60 การทดลองเชิงรุกเริ่มต้นด้วยการแสดงด้นสดที่เกิดขึ้นเอง ไม่จำกัดแม้แต่ธีมดนตรีเฉพาะ - Freejazz อย่างไรก็ตาม หลักการของโหมดมีความสำคัญมากยิ่งขึ้น: ในแต่ละครั้งที่ชุดของเสียงถูกเลือกอีกครั้ง - โหมดและไม่สามารถแยกความแตกต่างได้อย่างชัดเจน ในการค้นหารูปแบบดังกล่าว นักดนตรีหันไปหาวัฒนธรรมของเอเชีย แอฟริกา ยุโรป ฯลฯ ในยุค 70 มาพร้อมเครื่องดนตรีไฟฟ้าและจังหวะดนตรีร็อคของวัยรุ่นโดยอาศัยจังหวะที่เล็กลงกว่าเดิม สไตล์นี้เรียกว่า "ฟิวชั่น" เป็นครั้งแรกเช่น "โลหะผสม"
โดยสรุป ประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สเป็นเรื่องราวเกี่ยวกับการค้นหา ความสามัคคี การทดลองที่กล้าหาญ และความรักอันแรงกล้าในดนตรี
นักดนตรีและผู้รักดนตรีชาวรัสเซียต่างสงสัยเกี่ยวกับประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตอย่างแน่นอน
ในช่วงก่อนสงคราม ดนตรีแจ๊สในประเทศของเราพัฒนาขึ้นภายในวงดนตรีป๊อป ในปี 1929 Leonid Utesov ได้จัดวงดนตรีป๊อปและเรียกกลุ่มของเขาว่า "Tea-jazz" สไตล์ "Dixieland" และ "สวิง" ได้รับการฝึกฝนในวงออเคสตราของ A.V. Varlamova, N.G. มินฮา, A.N. Tsfasman และคนอื่น ๆ ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 50 กลุ่มสมัครเล่นกลุ่มเล็กเริ่มพัฒนา ("Eight TsDRI", "Leningrad Dixieland") นักแสดงที่มีชื่อเสียงหลายคนได้เริ่มต้นชีวิตที่นั่น
ในยุค 70 การฝึกอบรมเริ่มขึ้นในแผนกป๊อปของโรงเรียนดนตรีและสำนักพิมพ์ สื่อการสอน, แผ่นโน้ตเพลง, บันทึก
ตั้งแต่ปี 1973 นักเปียโน L.A. Chizhik เริ่มแสดงใน "การแสดงดนตรีแจ๊สในตอนเย็น" วงดนตรีที่นำโดย I. Bril, “Arsenal”, “Allegro”, “Kadans” (มอสโก) และกลุ่ม D.S. แสดงเป็นประจำ Goloshchekin (เลนินกราด), กลุ่มของ V. Ganelin และ V. Chekasin (วิลนีอุส), R. Raubishko (ริกา), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (ทาลลินน์), A. Lyubchenko (Dnepropetrovsk), M. Yuldybaeva ( อูฟา ), วงออเคสตรา O.L. Lundstrem ทีมงานของ K.A. ออร์เบลยัน เอ.เอ. Kroll ("ร่วมสมัย")
แจ๊สในโลกสมัยใหม่
โลกแห่งดนตรีในปัจจุบันมีความหลากหลาย มีการพัฒนาอย่างไม่หยุดนิ่ง และมีสไตล์ใหม่ๆ เกิดขึ้น เพื่อที่จะนำทางได้อย่างอิสระและเข้าใจกระบวนการที่เกิดขึ้น อย่างน้อยที่สุดคุณต้องรู้ประวัติโดยย่อของดนตรีแจ๊ส! ทุกวันนี้ เรากำลังเห็นการผสมผสานของวัฒนธรรมโลกจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งนำเราเข้าใกล้สิ่งที่สำคัญซึ่งกำลังกลายเป็น "ดนตรีโลก" (ดนตรีโลก) อยู่ตลอดเวลา ดนตรีแจ๊สในปัจจุบันผสมผสานเสียงและประเพณีจากเกือบทุกมุมโลก รวมทั้งการคิดทบทวนและ วัฒนธรรมแอฟริกันซึ่งทุกอย่างเริ่มต้นขึ้น การทดลองแบบยุโรปที่มีโทนเสียงคลาสสิกยังคงมีอิทธิพลต่อดนตรีของผู้บุกเบิกรุ่นเยาว์ เช่น Ken Vandermark นักเป่าแซ็กโซโฟนแนวหน้าซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาร่วมกับนักเป่าแซ็กโซโฟนที่มีชื่อเสียงในยุคเดียวกัน เช่น Mats Gustafsson, Evan Parker และ Peter Brotzmann นักดนตรีรุ่นเยาว์คนอื่นๆ ที่มีแนวคิดแบบดั้งเดิมซึ่งยังคงค้นหาตัวตนของตนเอง ได้แก่ นักเปียโน Jackie Terrasson, Benny Green และ Braid Meldoa, นักแซ็กโซโฟน Joshua Redman และ David Sanchez และมือกลอง Jeff Watts และ Billy Stewart ประเพณีด้านเสียงแบบเก่ายังคงดำเนินต่อไปและได้รับการดูแลอย่างต่อเนื่องโดยศิลปิน เช่น นักเป่าแตร Wynton Marsalis ซึ่งทำงานร่วมกับทีมผู้ช่วย เล่นในกลุ่มเล็กๆ ของเขาเอง และเป็นผู้นำของ Lincoln Center Orchestra ภายใต้การอุปถัมภ์ของเขา นักเปียโน Marcus Roberts และ Eric Reed นักเป่าแซ็กโซโฟน Wes "Warmdaddy" Anderson นักเป่าแตร Marcus Printup และนักไวบราโฟน Stefan Harris เติบโตจนกลายเป็นปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่
มือเบส Dave Holland ยังเป็นผู้ค้นพบพรสวรรค์รุ่นเยาว์ที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย การค้นพบมากมายของเขา ได้แก่ นักเป่าแซ็กโซโฟน Steve Coleman, Steve Wilson, นักไวบราโฟน Steve Nelson และมือกลอง Billy Kilson
ผู้ให้คำปรึกษาที่ยอดเยี่ยมสำหรับพรสวรรค์รุ่นเยาว์ ได้แก่ นักเปียโนในตำนาน Chick Corea มือกลอง Elvin Jones และนักร้อง Betty Carter ศักยภาพในการพัฒนาเพลงนี้ต่อไปในปัจจุบันมีมากมายและหลากหลาย เช่น นักเป่าแซ็กโซโฟน คริส พอตเตอร์ อันเดอร์ ชื่อของตัวเองปล่อยเพลงกระแสหลักพร้อมๆ กับการบันทึกเสียงร่วมกับ Paul Motian มือกลองแนวหน้าผู้ยิ่งใหญ่อีกคน
เรายังต้องเพลิดเพลินไปกับคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยมนับร้อยและการทดลองอันกล้าหาญ ร่วมเป็นสักขีพยานถึงการเกิดขึ้นของทิศทางและสไตล์ใหม่ - เรื่องราวนี้ยังไม่ได้เขียนจนจบ!
เรามีการฝึกอบรมที่โรงเรียนดนตรีของเรา:
- บทเรียนเปียโน - ผลงานหลากหลายตั้งแต่เพลงคลาสสิกไปจนถึงเพลงป๊อปสมัยใหม่ การแสดงภาพ ใช้ได้กับทุกคน!
- กีตาร์สำหรับเด็กและวัยรุ่น - ครูผู้สอนที่เอาใจใส่และบทเรียนที่น่าตื่นเต้น!