ผู้ที่เชื่อว่าศิลปะร่วมสมัยเป็นเพียงจุดจับจดบนผืนผ้าใบหรือนิทรรศการที่มีเตียงที่ไม่ได้ทำเป็นนิทรรศการจะประหลาดใจมากที่ได้เห็นผลงานดังต่อไปนี้เพราะ ศิลปินร่วมสมัยประติมากรและผู้สร้างคนอื่น ๆ มักจะสร้างผลงานชิ้นเอกที่แท้จริง พวกเขากล้าหาญ มีความคิด และสร้างสรรค์มาก! ลองสังเกตตัวเองดูว่าดีไหม?
1. เค้กลูกบาศก์รูบิค
2. การวาดภาพแบบรัสเซียในภาพเดียว - “ปัญหาไม่ได้มาคนเดียว”
3. ศิลปินเชิญชวนผู้กล้ามายืนใต้โกยแหลม 300 อันที่ห้อยลงมาจากเพดาน
4. ผลงานจากนิทรรศการใหม่ของ Banksy ศิลปินข้างถนนชื่อดัง
5. เรือขนาดใหญ่ที่ทำจากเรือกระดาษ
ผลงานของแคลร์ มอร์แกน “น้ำบนสมอง”
6. ศิลปะโคลนบนรถยนต์
7. จานเด็ดของเชฟที่สร้างขึ้นจากการปันส่วนของกองทัพ
เชฟชัค จอร์จ ผู้กำกับภาพจิมมี พลัม และช่างภาพเฮนรี ฮาร์จส์ ร่วมมือกันสร้างสรรค์ผลงานศิลปะจัดวางที่น่าสนใจเหล่านี้
สมองหมูกับมันฝรั่งตุ๋นและเนื้อกับซอสแดง
ลูกพรุน แยมแอปเปิ้ล และชีสแปรรูป
8. จะเกิดอะไรขึ้นหากคุณเพิ่มสีสันให้กับโลโก้กีฬาชื่อดัง?
9. จูบเซรามิก
10. งานติดตั้ง “คนเห็นแต่ไม่รู้”
ตุ๊กตาโลหะขนาดเล็กหลายพันชิ้นโดย Zadoc Ben-David
11. กราฟฟิตี้ที่น่าทึ่ง
12. กระป๋องเบียร์บดเซรามิก
13. ผลงานจัดวางทำจากหนังสือทั้งหมด
14. เค้กจิ๋ว
ในปัจจุบันนี้เพื่อที่จะได้ชมผลงานที่สร้างแรงบันดาลใจ ศิลปะคุณไม่จำเป็นต้องไปพิพิธภัณฑ์ อินเทอร์เน็ตทำให้ผู้คนสามารถชื่นชมและเพลิดเพลินกับงานศิลปะโดยนำเสนอผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีที่สิ้นสุด อย่างไรก็ตาม การค้นหาสิ่งที่ทำให้คุณตื่นเต้นนั้นแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง จำเป็นต้องพิจารณาใหม่ ประเภทต่างๆศิลปะเช่น งานศิลปะ, ประติมากรรม ภาพถ่าย และการจัดวางแต่มันไม่ง่ายเลยและใช้เวลานานมาก ดังนั้นวันนี้เราจะนำเสนอเทรนด์ศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดให้กับคุณ ปีที่ผ่านมา. ตั้งแต่ประติมากรรมในหนังสือไปจนถึงงานศิลปะจัดวางที่น่าตื่นตา สิ่งเหล่านี้คือเทรนด์ที่ผู้คนยังคงชื่นชมอย่างต่อเนื่อง
1. ประติมากรรมและศิลปะจัดวางจากหนังสือ
จากที่เหลือเชื่อ ประติมากรรมหนังสือจาก Brian Dettmer และ Guy Laramee ไปจนถึงประติมากรรมฝาผนังที่พังโดย Anouk Kruithof และกระท่อมน้ำแข็งที่สลับซับซ้อนโดย Miller Lagos ไม่เคยมีมาก่อนที่หนังสือจะได้รับความนิยมขนาดนี้ ศิลปะศิลปะ. ขึ้นอยู่กับข้อเท็จจริงที่ว่าทุกสิ่งทุกอย่าง ผู้คนมากขึ้นเปลี่ยนไปที่ e-booksงานศิลปะเหล่านี้มีคุณค่าทวีคูณ สิ่งเหล่านี้เป็นเครื่องเตือนใจว่าถึงแม้เราจะอยู่ในยุคอินเทอร์เน็ต หนังสือก็ยังมีสถานที่พิเศษอยู่เสมอ
2. การติดตั้งที่สวยงามจากร่ม
บ่อยครั้งร่มจะนอนอยู่ในตู้เสื้อผ้าจนกว่าฝนจะตกแต่ เมื่อเร็วๆ นี้สิ่งเหล่านี้กำลังปรากฏมากขึ้นตามสถานที่จัดวางต่างๆ ทั่วโลก ร่มโปรตุเกสในสีรุ้งทุกสีซึ่งเป็นสีชมพูในบัลแกเรีย - นี่ไม่ใช่เพื่อให้ผู้คนไม่เปียก แต่เพื่อแสดงให้เห็นว่างานศิลปะทั้งหมดสามารถสร้างขึ้นจากวัตถุธรรมดาได้อย่างไร
3. ศิลปะบนท้องถนนแบบอินเทอร์แอคทีฟ
สตรีทอาร์ตไม่ได้ถูกสร้างขึ้นเพียงเพื่อจุดประสงค์ทางสังคมหรือการเมืองเท่านั้น แต่ยังเพื่อสร้างความพึงพอใจให้กับผู้คนที่สัญจรไปมาอีกด้วย ตั้งแต่เด็กๆ ที่ขี่จักรยานของ Ernest Zacharevic ไปจนถึงบันไดรถไฟใต้ดินของ Panya Clark ผลงานศิลปะจัดวางเหล่านี้ออกแบบมาเพื่อการโต้ตอบ โดยตั้งใจหรือแม้กระทั่งโดยไม่รู้ตัว ผู้สัญจรผ่านไปมากลายเป็นส่วนหนึ่งของงานศิลปะ เพิ่มมิติใหม่ให้กับงานที่น่าสนใจอยู่แล้ว
4. ความคิดสร้างสรรค์ที่สร้างจากสิ่งนับพัน
ความคิดสร้างสรรค์ที่สร้างขึ้นจากสิ่งนับพันนั้นน่าสนใจเสมอ แม่น้ำที่ไหลจากหนังสือของ Luzinterruptus นกสีแดงสดที่สร้างจากกระดุมและเข็มหมุดโดย Ran Hwang งานศิลปะจัดวางเหล่านี้แสดงให้เราเห็นว่าสิ่งของหลายพันชิ้นจะมีลักษณะเป็นอย่างไรเมื่ออยู่ในมือของผู้สร้างที่อดทน ใครจะรู้ว่าภาพเหมือนแบบพิกเซลสามารถสร้างขึ้นด้วยดินสอ pointillism ได้ ถ้าไม่ใช่สำหรับ Christian Faur นี่เป็นตัวอย่างที่ดีของความคิดสร้างสรรค์ในงานศิลปะ
5. ประติมากรรมเลโก้อันยิ่งใหญ่
แม้ว่าผลิตภัณฑ์คลาสสิกของ Lego จะเป็นอิฐพลาสติกสำหรับเด็ก แต่นักออกแบบบางคนก็ใช้อิฐเหล่านี้เพื่อสร้างประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่ เหล่านี้ ประติมากรรมที่น่าทึ่งถูกสร้างขึ้นอย่างระมัดระวังด้วยอิฐทีละก้อน - บ้านที่น่ากลัวในยุควิคตอเรียน, ถ้ำแบทแมนใต้ดิน, โคลอสเซียมโรมัน, บ้านจาก สตาร์วอร์ส- พวกเขาทั้งหมดทำให้จินตนาการประหลาดใจ
6. ความคิดสร้างสรรค์ในทุกสีสันของสายรุ้ง
การสร้างสีเดียวหรือสองสีนั้นน่าเบื่อ - หรือบางทีอาจเป็นการสร้างสรรค์ที่รวมสีรุ้งทั้งหมดเข้าด้วยกัน! ผู้สร้างผลงานจัดวางเหล่านี้รู้วิธีทำให้คุณยิ้มได้ ทางเดินที่มีหน้าต่างสีรุ้งโดย Christopher Janney หรือระเบิดควันหลากสีโดย Olaf Breuning สิ่งเหล่านี้ไม่เพียงแต่น่ามองเท่านั้น แต่ยังต้องเติมเต็มอีกด้วย แม้แต่กระดาษพับและรถของเล่นก็ยังดูสนุกสนานยิ่งขึ้นเมื่อจัดเรียงเป็นลำดับสีรุ้ง
7.ชุดคนตัวเล็ก
ภาพถ่ายเหล่านี้แสดงให้เราเห็นว่ามีคนจำนวนน้อยอาศัยอยู่อย่างไร ไม่ว่าจะเป็นฉากอาหารโดย Christopher Boffoli หรือฉากถนนเล็กๆ โดย Slinkachu ผลงานสร้างสรรค์สุดน่ารักเหล่านี้บอกเล่าเรื่องราว เรื่องตลกชาวลิลลิพุตที่จะเข้าใจและ คนธรรมดา. นี่คือศิลปะที่แท้จริงที่ทำให้เรารู้สึกถึงสิ่งที่เราไม่เคยรู้สึกมาก่อน
8. หลอดไฟ LED หลายพันหลอด
ผลงานศิลปะจัดวางและประติมากรรมเหล่านี้เหมาะแก่การชมในเวลากลางคืนหรือในห้องมืด Li Hu ใช้ควันและเลเซอร์สร้างเตียงที่น่าขนลุกซึ่งกระตุ้นความรู้สึกผสมปนเป มาโกโตะ โทจิกิ แขวนหลอดไฟไว้บนเชือกเพื่อสร้างประติมากรรมแสงอันน่าทึ่งเป็นรูปคน ม้า และนก Panasonic ส่งหลอดไฟ LED 100,000 ดวงไปตามแม่น้ำเพื่อสร้างแสงหิ่งห้อยขึ้นมาใหม่
9. การติดตั้งทำจากด้าย
ไม่ใช่แค่คุณย่าเท่านั้นที่ใช้ด้าย เมื่อเร็ว ๆ นี้มีการใช้สิ่งเหล่านี้มากขึ้นกับภาพถ่ายหรือประติมากรรมโบราณ นักออกแบบ Perspicere ขึงด้ายเพื่อเลียนแบบการกระเซ็นสีที่เป็นรูปสัญญาณของแบทแมน Gabriel Dawe สร้างสรรค์ผลงานศิลปะจัดวางหลากสีสันอันน่าทึ่ง เป็นจำนวนมากด้ายด้ายถึงเพดาน เห็นได้ชัดว่าด้ายในการออกแบบกำลังอินเทรนด์ในขณะนี้
10. การติดตั้งแบบโต้ตอบที่น่าตื่นเต้น
แม้ว่าการติดตั้งภายนอกอาคารจะทำได้ดีมากเมื่อผู้ออกแบบทำงาน สี่กำแพง– สิ่งนี้ทำให้เขาสามารถหันกว้างขึ้นได้ Serge Salat ดีไซเนอร์ชาวฝรั่งเศสเชิญชวนผู้มาเยือนให้เดินผ่าน Beyond หลายชั้น ประสบการณ์มัลติมีเดียที่ผสมผสานศิลปะตะวันออกเข้ากับเรอเนซองส์ตะวันตก ยาโยอิ คุซามะ แสดงให้เห็นว่าจะเกิดอะไรขึ้นเมื่อเด็กๆ ได้รับสติกเกอร์หลากสีสันไม่จำกัดจำนวน Barbican ในลอนดอนเพิ่งสร้างห้องฝนเพื่อป้องกันไม่ให้แขกเปียก ใครจะไม่อยากเยี่ยมชมการติดตั้งเหล่านี้?
หนึ่งในวิธีหลักที่เราคิด ส่งผลให้มีการศึกษามากที่สุด แนวคิดทั่วไปและการตัดสิน (นามธรรม) ในงานศิลปะมัณฑนศิลป์ นามธรรมคือกระบวนการจัดรูปแบบธรรมชาติให้มีสไตล์
ใน กิจกรรมทางศิลปะมีนามธรรมอยู่ตลอดเวลา ในการแสดงออกที่รุนแรงในวิจิตรศิลป์มันนำไปสู่การเป็นนามธรรมซึ่งเป็นทิศทางพิเศษในวิจิตรศิลป์ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งโดดเด่นด้วยการปฏิเสธที่จะพรรณนาวัตถุจริงการวางนัยทั่วไปที่รุนแรงหรือการปฏิเสธรูปแบบโดยสมบูรณ์องค์ประกอบที่ไม่มีวัตถุประสงค์ (จาก เส้น จุด จุด ระนาบ และอื่นๆ) การทดลองด้วยสี การแสดงออกอย่างเป็นธรรมชาติ โลกภายในศิลปินจิตใต้สำนึกของเขาวุ่นวายวุ่นวายไม่เป็นระเบียบ รูปแบบนามธรรม(การแสดงออกเชิงนามธรรม) ทิศทางนี้รวมถึงภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซีย V. Kandinsky
ตัวแทนของการเคลื่อนไหวบางอย่างในศิลปะนามธรรมสร้างโครงสร้างที่เรียงลำดับตามตรรกะสะท้อนการค้นหาการจัดระเบียบที่มีเหตุผลของรูปแบบในสถาปัตยกรรมและการออกแบบ (Suprematism ของจิตรกรชาวรัสเซีย K. Malevich, คอนสตรัคติวิสต์ ฯลฯ ) นามธรรมนิยมแสดงออกในประติมากรรมน้อยกว่าในภาพวาด .
ศิลปะนามธรรมเป็นการตอบสนองต่อความไม่ลงรอยกันโดยทั่วไป โลกสมัยใหม่และประสบความสำเร็จเพราะประกาศการปฏิเสธจิตสำนึกในงานศิลปะและเรียกร้องให้ “ยอมริเริ่ม รูป สีสัน สีสัน”
ความสมจริง
จากศ. ความสมจริงจาก lat. เรียลลิส - จริง ในศิลปะในความหมายกว้างๆ การสะท้อนความเป็นจริงที่เป็นกลางและครอบคลุมโดยใช้วิธีการเฉพาะที่มีอยู่ในประเภทของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ
ลักษณะทั่วไปของวิธีการสมจริงคือความน่าเชื่อถือในการสร้างความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ ในเวลาเดียวกัน ศิลปะสมจริงมีวิธีการรับรู้ การวางนัยทั่วไป และการสะท้อนทางศิลปะของความเป็นจริง (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin ฯลฯ )
ศิลปะที่สมจริงแห่งศตวรรษที่ 20 ได้รับความสดใส ลักษณะประจำชาติและหลากหลายรูปแบบ ความสมจริงเป็นปรากฏการณ์ที่ตรงกันข้ามกับความทันสมัย
เปรี้ยวจี๊ด
จากศ. เปรี้ยว - ขั้นสูง จี๊ด - การปลด - แนวคิดที่กำหนดความพยายามเชิงทดลองและสมัยใหม่ในงานศิลปะ ในทุกยุคสมัย ปรากฏการณ์ทางนวัตกรรมเกิดขึ้นในวิจิตรศิลป์ แต่คำว่า "เปรี้ยวจี๊ด" ได้รับการจัดตั้งขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เท่านั้น ในเวลานี้ กระแสนิยมเช่น Fauvism, Cubism, Futurism, Expressionism และ Abstractionism ปรากฏขึ้น จากนั้นในช่วงทศวรรษที่ 20 และ 30 สถิตยศาสตร์ได้เข้าครอบครองตำแหน่งแนวหน้า ในยุค 60-70 มีการเพิ่มศิลปะนามธรรมประเภทใหม่ - รูปแบบต่างๆของการกระทำ, การทำงานกับวัตถุ (ศิลปะป๊อป), ศิลปะแนวความคิด, ภาพถ่ายสมจริง, จลนศาสตร์ ฯลฯ ศิลปินแนวหน้าแสดงความคิดสร้างสรรค์เป็นการประท้วงต่อต้าน วัฒนธรรมดั้งเดิม.
ในทุกทิศทางที่ล้ำหน้าแม้จะมีก็ตาม หลากหลายมากเราก็สามารถเน้นได้ คุณสมบัติทั่วไป: การปฏิเสธบรรทัดฐานของภาพลักษณ์คลาสสิก ความแปลกใหม่ที่เป็นทางการ การเปลี่ยนรูป การแสดงออก และการเปลี่ยนแปลงที่สนุกสนานต่างๆ ทั้งหมดนี้นำไปสู่การเบลอของขอบเขตระหว่างศิลปะและความเป็นจริง (สำเร็จรูป การติดตั้ง สภาพแวดล้อม) การสร้างอุดมคติ เปิดงานศิลปะที่รบกวนสิ่งแวดล้อมโดยตรง ศิลปะแนวหน้าได้รับการออกแบบมาเพื่อบทสนทนาระหว่างศิลปินและผู้ชม ปฏิสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับงานศิลปะ การมีส่วนร่วมในความคิดสร้างสรรค์ (เช่น ศิลปะจลน์ศาสตร์ เหตุการณ์ต่างๆ ฯลฯ)
ผลงานของขบวนการแนวหน้าบางครั้งสูญเสียต้นกำเนิดของภาพและถูกบรรจุด้วยวัตถุของความเป็นจริงโดยรอบ ทิศทางที่ทันสมัยแนวหน้ามีความเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิด ทำให้เกิดงานศิลปะสังเคราะห์รูปแบบใหม่
ใต้ดิน
ภาษาอังกฤษ ใต้ดิน - ใต้ดินดันเจี้ยน แนวคิดที่หมายถึงวัฒนธรรม "ใต้ดิน" ที่ขัดแย้งกับขนบธรรมเนียมและข้อจำกัดของวัฒนธรรมดั้งเดิม นิทรรศการของศิลปินในขบวนการดังกล่าวมักไม่ได้จัดขึ้นในร้านเสริมสวยและแกลเลอรี แต่จัดโดยตรงบนพื้นดินตลอดจนในทางเดินใต้ดินหรือรถไฟใต้ดิน ซึ่งในหลายประเทศเรียกว่าใต้ดิน (รถไฟใต้ดิน) อาจจะ, สถานการณ์นี้ยังมีอิทธิพลต่อความจริงที่ว่าทิศทางนี้ในงานศิลปะของศตวรรษที่ 20 ชื่อนี้ได้ถูกก่อตั้งขึ้น
ในรัสเซีย แนวคิดเรื่องใต้ดินได้กลายเป็นสัญลักษณ์สำหรับชุมชนศิลปินที่เป็นตัวแทนงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการ
สถิตยศาสตร์
คุณพ่อ สถิตยศาสตร์ - สุดยอดความสมจริง ทิศทางในวรรณคดีและศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 พัฒนาขึ้นในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 หลังจากที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสตามความคิดริเริ่มของนักเขียน A. Breton ในไม่ช้าสถิตยศาสตร์ก็กลายเป็นกระแสสากล นักสถิตยศาสตร์เชื่อว่าพลังงานสร้างสรรค์มาจากขอบเขตของจิตใต้สำนึกซึ่งปรากฏออกมาในระหว่างการนอนหลับ การสะกดจิต ความเพ้ออันเจ็บปวด การหยั่งรู้อย่างฉับพลัน การกระทำอัตโนมัติ ( เดินแบบสุ่มดินสอบนกระดาษ ฯลฯ)
ศิลปินแนวเซอร์เรียลิสต์ ต่างจากนักนามธรรมนิยมตรงที่ไม่ปฏิเสธที่จะพรรณนาถึงวัตถุในชีวิตจริง แต่นำเสนอสิ่งเหล่านั้นในความสับสนวุ่นวาย โดยจงใจปราศจากความสัมพันธ์เชิงตรรกะ การขาดความหมาย การปฏิเสธการสะท้อนความเป็นจริงอย่างสมเหตุสมผลเป็นหลักการพื้นฐานของศิลปะแห่งสถิตยศาสตร์ ชื่อของทิศทางนั้นพูดถึงความโดดเดี่ยวจากชีวิตจริง: "sur" ในภาษาฝรั่งเศส "ด้านบน"; ศิลปินไม่ได้แสร้งทำเป็นว่าสะท้อนความเป็นจริง แต่วางผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขาไว้ "เหนือ" ความสมจริงโดยส่งผ่านจินตนาการที่หลงผิดไปเป็นงานศิลปะ ดังนั้น จำนวนภาพวาดเหนือจริงจึงรวมผลงานที่คล้ายกันและอธิบายไม่ได้ของ M. Ernst, J. Miró, I. Tanguy รวมถึงวัตถุที่ประมวลผลโดยนักเหนือจริงจนเกินกว่าจะจดจำได้ (M. Oppenheim)
การเคลื่อนไหวเหนือจริงซึ่งนำโดย S. Dali มีพื้นฐานมาจากความแม่นยำลวงตาในการสร้างภาพที่ไม่จริงซึ่งเกิดขึ้นในจิตใต้สำนึก ภาพวาดของเขามีความโดดเด่นด้วยลักษณะการวาดภาพที่ระมัดระวัง การแสดงแสงและเงาที่แม่นยำ มุมมอง ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับ จิตรกรรมเชิงวิชาการ. ผู้ชมที่ยอมจำนนต่อความโน้มน้าวใจของการวาดภาพลวงตาถูกดึงดูดเข้าไปในเขาวงกตของการหลอกลวงและความลึกลับที่ไม่ละลายน้ำ: วัตถุที่เป็นของแข็งแพร่กระจาย, วัตถุหนาแน่นกลายเป็นโปร่งใส, วัตถุที่เข้ากันไม่ได้บิดและเปิดออก, ปริมาตรมหาศาลกลายเป็นไร้น้ำหนักและทั้งหมดนี้สร้างภาพที่เป็นไปไม่ได้ ในความเป็นจริง.
ข้อเท็จจริงนี้เป็นที่รู้จักกัน ครั้งหนึ่งในนิทรรศการ ผู้ชมยืนเป็นเวลานานต่อหน้าผลงานของ S. Dali โดยเพ่งดูอย่างระมัดระวังและพยายามเข้าใจความหมาย ในที่สุดด้วยความสิ้นหวังอย่างยิ่ง เขาพูดเสียงดัง: “ฉันไม่เข้าใจว่านี่หมายถึงอะไร!” S. Dali ซึ่งอยู่ในนิทรรศการได้ยินเสียงอัศเจรีย์ของผู้ชม “ คุณจะเข้าใจความหมายของสิ่งนี้ได้อย่างไรถ้าฉันไม่เข้าใจตัวเอง” ศิลปินกล่าวโดยแสดงหลักการพื้นฐานของศิลปะเหนือจริง: วาดภาพโดยไม่ต้องคิดโดยไม่ไตร่ตรองละทิ้งเหตุผลและตรรกะ
นิทรรศการผลงานของนักสถิตยศาสตร์มักจะมาพร้อมกับเรื่องอื้อฉาว: ผู้ชมไม่พอใจกับเรื่องไร้สาระ ภาพแปลกๆเชื่อว่าพวกเขากำลังถูกหลอกและลึกลับ พวกเซอร์เรียลลิสต์ตำหนิผู้ชม โดยประกาศว่าพวกเขาล้าหลังและยังไม่โตพอที่จะตามทันผลงานของศิลปิน "ขั้นสูง"
คุณสมบัติทั่วไปของศิลปะแห่งสถิตยศาสตร์คือจินตนาการที่ไร้สาระ, alogism, การผสมผสานของรูปแบบที่ขัดแย้งกัน, ความไม่แน่นอนของการมองเห็น, ความแปรปรวนของภาพ ศิลปินหันไปเลียนแบบ ศิลปะดึกดำบรรพ์ความคิดสร้างสรรค์ของเด็กและผู้ป่วยทางจิต
ศิลปินของขบวนการนี้ต้องการสร้างความเป็นจริงบนผืนผ้าใบที่ไม่ได้สะท้อนความเป็นจริงที่แนะนำโดยจิตใต้สำนึก แต่ในทางปฏิบัติสิ่งนี้ส่งผลให้เกิดการสร้างภาพที่น่ารังเกียจทางพยาธิวิทยา การผสมผสานและศิลปที่ไร้ค่า (เยอรมัน - ศิลปที่ไร้ค่า; การผลิตจำนวนมากราคาถูกและไร้รสชาติได้รับการออกแบบ เพื่อผลภายนอก)
การค้นพบเหนือจริงบางส่วนถูกนำมาใช้ในพื้นที่เชิงพาณิชย์ ศิลปะการตกแต่ง, ตัวอย่างเช่น ภาพลวงตาช่วยให้คุณเห็นภาพหรือฉากที่แตกต่างกันสองภาพในภาพเดียวขึ้นอยู่กับทิศทางการรับชม
ผลงานของนักสถิตยศาสตร์ทำให้เกิดความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนที่สุดและสามารถระบุได้ในการรับรู้ของเราด้วยความชั่วร้าย นิมิตที่น่ากลัวและความฝันอันงดงามความรุนแรงความสิ้นหวัง - ความรู้สึกเหล่านี้ปรากฏในรูปแบบต่าง ๆ ในงานของนักสถิตยศาสตร์ซึ่งมีอิทธิพลต่อผู้ชมอย่างแข็งขัน ความไร้สาระของผลงานของสถิตยศาสตร์ส่งผลกระทบต่อจินตนาการและจิตใจที่เชื่อมโยงกัน
สถิตยศาสตร์แสดงถึงความขัดแย้ง ปรากฏการณ์ทางศิลปะ. บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมที่ก้าวหน้าอย่างแท้จริงหลายคนโดยตระหนักว่ากระแสนี้กำลังทำลายงานศิลปะ ต่อมาได้ละทิ้งมุมมองเหนือจริง (ศิลปิน P. Picasso, P. Klee และคนอื่น ๆ กวี F. Lorca, P. Neruda, ผู้กำกับชาวสเปน L. Buñuel ผู้สร้างภาพยนตร์เหนือจริง ) . ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 สถิตยศาสตร์ถูกแทนที่ด้วยทิศทางใหม่ที่โดดเด่นยิ่งขึ้นของลัทธิสมัยใหม่ แต่ผลงานที่แปลกประหลาดซึ่งส่วนใหญ่น่าเกลียดและไร้ความหมายของนักสถิตยศาสตร์ยังคงเต็มห้องในพิพิธภัณฑ์
สมัยใหม่
คุณพ่อ ความทันสมัยจากภาษาละติน modernus - ใหม่ทันสมัย การกำหนดโดยรวมสำหรับทุกคน แนวโน้มล่าสุดแนวโน้ม โรงเรียน และกิจกรรมของปรมาจารย์ด้านศิลปะแต่ละบุคคลแห่งศตวรรษที่ 20 ฝ่าฝืนประเพณี ความสมจริง และคำนึงถึงการทดลองเป็นพื้นฐาน วิธีการสร้างสรรค์(ลัทธิโฟวิสม์, ลัทธิการแสดงออก, ลัทธิคิวบิสม์, ลัทธิอนาคตนิยม, ลัทธินามธรรม, ลัทธิดาดานิยม, สถิตยศาสตร์, ศิลปะป๊อป, ศิลปะทางเลือก, ศิลปะจลน์ศาสตร์, ลัทธิเหนือจริง ฯลฯ ) ลัทธิสมัยใหม่มีความหมายใกล้เคียงกับความเปรี้ยวจี๊ดและตรงข้ามกับลัทธิวิชาการ ลัทธิสมัยใหม่ได้รับการประเมินในเชิงลบโดยนักวิจารณ์ศิลปะของสหภาพโซเวียตว่าเป็นปรากฏการณ์วิกฤตในวัฒนธรรมชนชั้นกลาง ศิลปะมีอิสระในการเลือกมัน เส้นทางประวัติศาสตร์. ความขัดแย้งของสมัยใหม่จะต้องได้รับการพิจารณาไม่คงที่ แต่ในพลวัตทางประวัติศาสตร์
ศิลปะป๊อป
ภาษาอังกฤษ ศิลปะป๊อปจากศิลปะยอดนิยม - ศิลปะยอดนิยม ทางศิลปะ ยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1950 ความมั่งคั่งของศิลปะป๊อปเกิดขึ้นในยุค 60 ที่ปั่นป่วน เมื่อการจลาจลของเยาวชนปะทุขึ้นในหลายประเทศของยุโรปและอเมริกา ขบวนการเยาวชนไม่มีเป้าหมายเดียว - เป็นอันหนึ่งอันเดียวกันด้วยความน่าสมเพชของการปฏิเสธ
คนหนุ่มสาวพร้อมที่จะละทิ้งวัฒนธรรมในอดีตทั้งหมด ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะ
ลักษณะเด่นของศิลปะป๊อปอาร์ตคือการผสมผสานระหว่างความท้าทายและความเฉยเมย ทุกสิ่งทุกอย่างล้วนมีค่าเท่ากันหรือไม่มีค่าพอๆ กัน สวยงามพอๆ กันหรือน่าเกลียดพอๆ กัน มีค่าพอๆ กันหรือไม่มีค่าพอๆ กัน บางทีเท่านั้น ธุรกิจโฆษณาบนพื้นฐานทัศนคติที่เฉยเมยและเชิงธุรกิจแบบเดียวกันต่อทุกสิ่งในโลก ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การโฆษณามีอิทธิพลอย่างมากต่อป๊อปอาร์ตและตัวแทนหลายคนทำงานและทำงานในศูนย์โฆษณา ผู้สร้างโปรแกรมโฆษณาและการแสดงสามารถตัดเป็นชิ้น ๆ และรวมเข้าด้วยกันที่พวกเขาต้องการ ผงซักฟอก และผลงานศิลปะชิ้นเอกที่มีชื่อเสียง ยาสีฟันและความทรงจำของบาค ศิลปะป๊อปก็ทำเช่นเดียวกัน
แรงจูงใจ วัฒนธรรมสมัยนิยมใช้ประโยชน์จากศิลปะป๊อปในรูปแบบต่างๆ แนะนำเข้าสู่ภาพผ่านภาพตัดปะหรือรูปถ่าย วัตถุจริงตามกฎแล้วในชุดค่าผสมที่ไม่คาดคิดหรือไร้สาระโดยสิ้นเชิง (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton) การวาดภาพสามารถเลียนแบบได้ เทคนิคการเรียบเรียงและเทคโนโลยีป้ายโฆษณาสามารถขยายภาพหนังสือการ์ตูนให้มีขนาดเท่าผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (อาร์. ลิคเทนสไตน์) ประติมากรรมสามารถใช้ร่วมกับหุ่นจำลองได้ ตัวอย่างเช่น ศิลปิน K. Oldenburg สร้างความคล้ายคลึงกันในการแสดงแบบจำลอง ผลิตภัณฑ์อาหารขนาดใหญ่ที่ทำจากวัสดุที่ผิดปกติ
มักไม่มีขอบเขตระหว่างประติมากรรมและจิตรกรรม งานศิลปะป๊อปอาร์ตไม่เพียงแต่มีสามมิติเท่านั้น แต่ยังเต็มไปทั่วทั้งห้องนิทรรศการอีกด้วย เนื่องจากการเปลี่ยนแปลงดังกล่าว ภาพต้นฉบับของวัตถุวัฒนธรรมมวลชนจึงถูกเปลี่ยนแปลงและรับรู้แตกต่างไปจากสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันโดยสิ้นเชิง
ไม่ใช่หมวดหมู่หลักของศิลปะป๊อปอาร์ต ภาพศิลปะแต่เป็น "การกำหนด" ซึ่งบรรเทาผู้เขียนกระบวนการที่มนุษย์สร้างขึ้นในการสร้างสรรค์ภาพลักษณ์ของบางสิ่งบางอย่าง (M. Duchamp) กระบวนการนี้ถูกนำมาใช้โดยมีวัตถุประสงค์เพื่อขยายแนวความคิดทางศิลปะให้ครอบคลุมถึงกิจกรรมที่ไม่ใช่ศิลปะ ซึ่งเป็น "ทางออก" ของศิลปะสู่สาขาวัฒนธรรมมวลชน ศิลปินป๊อปอาร์ตเป็นผู้ริเริ่มรูปแบบต่างๆ เช่น เหตุการณ์ที่เกิดขึ้น การจัดวางวัตถุ สภาพแวดล้อม และรูปแบบอื่นๆ แนวความคิดศิลปะ. การเคลื่อนไหวที่คล้ายกัน: ใต้ดิน, ไฮเปอร์เรียลลิซึม, ศิลปะทางเลือก, สำเร็จรูป ฯลฯ
ศิลปะปฏิบัติการ
ภาษาอังกฤษ ศิลปะสหกรณ์ย่อ จากศิลปะออพติคอล - ศิลปะออพติคอล ความเคลื่อนไหวทางศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ที่แพร่หลายในทศวรรษ 1960 ศิลปิน Op art นำไปใช้งานต่างๆ ภาพลวงตาขึ้นอยู่กับลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของตัวเลขแบนและเชิงพื้นที่ ผลกระทบของการเคลื่อนไหวเชิงพื้นที่ การรวม และการลอยตัวของรูปแบบเกิดขึ้นได้โดยการแนะนำจังหวะซ้ำๆ สีที่คมชัดและคอนทราสต์ของโทนสี การตัดกันของโครงสร้างแบบเกลียวและโครงตาข่าย และเส้นที่บิดเบี้ยว ในศิลปะปฏิบัติการ การติดตั้งโครงสร้างแสงและไดนามิกที่เปลี่ยนแปลงมักจะถูกนำมาใช้ (จะอธิบายเพิ่มเติมในหัวข้อจลน์ศาสตร์) ภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวที่ลื่นไหล การเปลี่ยนแปลงของภาพตามลำดับ รูปแบบที่ไม่เสถียรและจัดเรียงใหม่อย่างต่อเนื่องจะปรากฏในศิลปะปฏิบัติการในการรับรู้ของผู้ชมเท่านั้น ทิศทางยังคงเป็นสายเทคนิคของสมัยใหม่
ศิลปะจลนศาสตร์
จากกรัม kinetikos - กำลังเคลื่อนไหว การเคลื่อนไหวในศิลปะร่วมสมัยที่เกี่ยวข้องกับการใช้โครงสร้างที่เคลื่อนไหวและองค์ประกอบแบบไดนามิกอื่นๆ อย่างกว้างขวาง จลนศาสตร์เป็น ทิศทางที่เป็นอิสระก่อตัวขึ้นในช่วงครึ่งหลังของปี 1950 แต่นำหน้าด้วยการทดลองในการสร้างงานศิลปะพลาสติกแบบไดนามิกในคอนสตรัคติวิสต์ของรัสเซีย (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko) และ Dadaism
ก่อนหน้านี้ ศิลปท้องถิ่นยังแสดงตัวอย่างสิ่งของและของเล่นที่เคลื่อนไหวได้ เช่น นกไม้แห่งความสุขจากภูมิภาค Arkhangelsk ของเล่นกลไกจำลองกระบวนการทำงานจากหมู่บ้าน Bogorodskoye เป็นต้น
ในศิลปะจลน์ศาสตร์ การเคลื่อนไหวถูกนำมาใช้ในรูปแบบที่แตกต่างกัน ผลงานบางชิ้นได้รับการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกโดยตัวผู้ชมเอง บางชิ้นได้รับการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกโดยการสั่นสะเทือนของอากาศ และงานอื่นๆ ขับเคลื่อนด้วยมอเตอร์หรือแรงแม่เหล็กไฟฟ้า ความหลากหลายของวัสดุที่ใช้ไม่มีที่สิ้นสุด - ตั้งแต่วิธีการแบบดั้งเดิมไปจนถึงวิธีการทางเทคนิคที่ทันสมัย ไปจนถึงคอมพิวเตอร์และเลเซอร์ กระจกเงามักใช้ในองค์ประกอบทางจลน์
ในหลายกรณี ภาพลวงตาของการเคลื่อนไหวถูกสร้างขึ้นโดยการเปลี่ยนแสง - ที่นี่จลนศาสตร์มาบรรจบกับศิลปะทางเลือก เทคนิคจลนศาสตร์ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในการจัดงานนิทรรศการ งานแสดงสินค้า ดิสโก้ และในการออกแบบจัตุรัส สวนสาธารณะ และการตกแต่งภายในสาธารณะ
ลัทธิจลน์นิยมมุ่งมั่นในการสังเคราะห์ศิลปะ: การเคลื่อนไหวของวัตถุในอวกาศสามารถเสริมด้วยเอฟเฟกต์แสง เสียง ดนตรีประกอบแสง ภาพยนตร์ ฯลฯ
เทคนิคศิลปะสมัยใหม่ (เปรี้ยวจี๊ด)
ไฮเปอร์เรียลลิสม์
ภาษาอังกฤษ เหนือจริง ความเคลื่อนไหวด้านจิตรกรรมและประติมากรรมที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาและกลายเป็นงานวิจิตรศิลป์ระดับโลกในช่วงทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ 20
อีกชื่อหนึ่งสำหรับไฮเปอร์เรียลลิสม์คือความสมจริงด้วยแสง
ศิลปินในขบวนการนี้เลียนแบบภาพถ่ายโดยใช้วิธีจิตรกรบนผืนผ้าใบ พวกเขาบรรยายถึงโลกของเมืองสมัยใหม่ ไม่ว่าจะเป็นหน้าต่างร้านค้าและร้านอาหาร สถานีรถไฟใต้ดินและสัญญาณไฟจราจร อาคารที่พักอาศัย และผู้คนที่สัญจรไปมาบนท้องถนน ในขณะเดียวกันก็ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับพื้นผิวมันเงาที่สะท้อนแสง เช่น แก้ว พลาสติก น้ำยาขัดเงารถยนต์ ฯลฯ การสะท้อนบนพื้นผิวดังกล่าวทำให้เกิดความรู้สึกของการแทรกซึมของช่องว่าง
เป้าหมายของนักไฮเปอร์เรียลลิสท์คือการพรรณนาโลกที่ไม่ใช่แค่ความจริงเท่านั้น แต่ยังมีความคล้ายคลึงและเหนือจริงอีกด้วย พวกเขาใช้สำหรับสิ่งนี้ วิธีการทางกลคัดลอกภาพถ่ายและขยายให้มีขนาดเท่าผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (การฉายภาพสไลด์และ ตารางขนาด). ตามกฎแล้วสีจะถูกพ่นด้วยแอร์บรัชเพื่อรักษาคุณสมบัติทั้งหมดของภาพที่ถ่ายและไม่รวมการแสดงลายมือของศิลปินแต่ละคน
นอกจากนี้ผู้เยี่ยมชมนิทรรศการในบริเวณนี้สามารถพบกันได้ที่ห้องโถง ร่างมนุษย์ทำจากวัสดุโพลีเมอร์สมัยใหม่ขนาดเท่าของจริง แต่งกายด้วยชุดสำเร็จรูปและทาสีในลักษณะที่แยกไม่ออกจากผู้ชมโดยสิ้นเชิง สิ่งนี้ทำให้เกิดความสับสนและทำให้ผู้คนตกใจมาก
Photorealism ได้กำหนดหน้าที่ในการเพิ่มการรับรู้ในชีวิตประจำวันของเราให้คมกริบ เป็นสัญลักษณ์ของสภาพแวดล้อมสมัยใหม่ และสะท้อนเวลาของเราในรูปแบบของ "ศิลปะทางเทคนิค" ที่แพร่หลายอย่างแม่นยำในยุคของความก้าวหน้าทางเทคนิคของเรา การแก้ไขและเปิดเผยความทันสมัย ซ่อนอารมณ์ของผู้เขียน ภาพเสมือนจริงในผลงานเชิงโปรแกรมพบว่าตัวเองอยู่บนขอบเขตของวิจิตรศิลป์และเกือบจะก้าวข้ามมันไป เพราะมันพยายามแข่งขันกับชีวิตนั่นเอง
สำเร็จรูป
ภาษาอังกฤษ พร้อมทำ - พร้อม หนึ่งในเทคนิคทั่วไปของงานศิลปะสมัยใหม่ (เปรี้ยวจี๊ด) ซึ่งประกอบด้วยความจริงที่ว่าวัตถุที่ผลิตทางอุตสาหกรรมถูกนำออกจากสภาพแวดล้อมตามปกติในชีวิตประจำวันและจัดแสดงใน ห้องโถงนิทรรศการ.
ความหมายของสิ่งสำเร็จรูปคือ: เมื่อสภาพแวดล้อมเปลี่ยนแปลง การรับรู้ของวัตถุก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ผู้ชมมองเห็นวัตถุที่แสดงบนแท่นไม่ใช่สิ่งที่มีประโยชน์ แต่เป็นวัตถุทางศิลปะ การแสดงออกของรูปแบบและสี ชื่อ Readymade ถูกใช้ครั้งแรกในปี 1913-1917 โดย M. Duchamp โดยเกี่ยวข้องกับ "วัตถุสำเร็จรูป" ของเขา (หวี ล้อจักรยาน เครื่องเป่าขวด) ในยุค 60 ศิลปะสำเร็จรูปเริ่มแพร่หลายในงานศิลปะแนวหน้าหลายแขนง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในศาสนาดาดา
การติดตั้ง
จากอังกฤษ การติดตั้ง-การติดตั้ง องค์ประกอบเชิงพื้นที่ที่สร้างโดยศิลปินจากองค์ประกอบต่างๆ - ของใช้ในครัวเรือน ผลิตภัณฑ์และวัสดุอุตสาหกรรม วัตถุธรรมชาติ ข้อความ หรือ ข้อมูลภาพ. ผู้ก่อตั้งสถานที่จัดวางนี้คือ Dadaist M. Duchamp และนักสถิตยศาสตร์ ด้วยการสร้างสรรค์การผสมผสานสิ่งธรรมดาที่ไม่ธรรมดา ศิลปินจึงมอบสิ่งใหม่ให้กับพวกเขา ความหมายเชิงสัญลักษณ์. เนื้อหาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของการจัดวางคือการเล่นความหมายทางความหมายที่เปลี่ยนแปลงไปขึ้นอยู่กับตำแหน่งของวัตถุ - ในสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันที่คุ้นเคยหรือในห้องโถงนิทรรศการ การติดตั้งนี้สร้างขึ้นโดยศิลปินแนวหน้าหลายคน R. Rauschenberg, D. Dine, G. Uecker, I. Kabakov
การจัดวางเป็นรูปแบบศิลปะที่แพร่หลายในศตวรรษที่ 20
สิ่งแวดล้อม
ภาษาอังกฤษ สิ่งแวดล้อม - สภาพแวดล้อม, สิ่งแวดล้อม องค์ประกอบเชิงพื้นที่ที่ครอบคลุมซึ่งโอบรับผู้ชมราวกับสภาพแวดล้อมจริง เป็นหนึ่งในรูปแบบที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะแนวหน้าในยุค 60 และ 70 ประติมากรรมโดย D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg และ D. Hanson สร้างสรรค์สภาพแวดล้อมที่เป็นธรรมชาติซึ่งเลียนแบบการตกแต่งภายในด้วยร่างมนุษย์ การทำซ้ำความเป็นจริงดังกล่าวอาจรวมถึงองค์ประกอบของนิยายภาพลวงตาด้วย สภาพแวดล้อมอีกประเภทหนึ่งคือพื้นที่เล่นที่เกี่ยวข้องกับการกระทำบางอย่างของผู้ชม
กำลังเกิดขึ้น
ภาษาอังกฤษ เกิดขึ้น - เกิดขึ้นเกิดขึ้น ลัทธิแอ็คชั่นประเภทหนึ่ง ซึ่งพบได้ทั่วไปในศิลปะแนวหน้าในยุค 60 และ 70 เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นพัฒนาเป็นเหตุการณ์ที่กระตุ้นมากกว่าการจัดระเบียบ แต่ผู้ริเริ่มการกระทำจำเป็นต้องเกี่ยวข้องกับผู้ชมด้วย เหตุการณ์เกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 โดยเป็นรูปแบบหนึ่งของโรงละคร ในอนาคต ศิลปินส่วนใหญ่มักจัดกิจกรรมโดยตรงในสภาพแวดล้อมในเมืองหรือในธรรมชาติ
พวกเขาถือว่าแบบฟอร์มนี้เป็นงานเคลื่อนไหวประเภทหนึ่ง สิ่งแวดล้อมวัตถุมีบทบาทไม่น้อยไปกว่าผู้เข้าร่วมที่มีชีวิตในการกระทำ
การกระทำที่เกิดขึ้นกระตุ้นให้เกิดเสรีภาพของผู้เข้าร่วมแต่ละคนและการยักย้ายวัตถุ การกระทำทั้งหมดจะพัฒนาตามโปรแกรมที่วางแผนไว้ล่วงหน้า ซึ่งการด้นสดนั้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง ซึ่งจะช่วยระบายแรงกระตุ้นต่างๆ ที่เกิดขึ้นโดยไม่รู้ตัว เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นอาจรวมถึงองค์ประกอบของอารมณ์ขันและนิทานพื้นบ้าน เหตุการณ์ดังกล่าวแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความปรารถนาของลัทธิเปรี้ยวจี๊ดที่จะผสานศิลปะเข้ากับกระแสแห่งชีวิต
และสุดท้ายคือมุมมองที่ล้ำหน้าที่สุด ศิลปะร่วมสมัย- ซุปเปอร์แฟลต
ซุปเปอร์แฟลต
Superflat เป็นคำที่คิดค้นโดยศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่น Takashi Murakami
คำว่า Superflat ถูกสร้างขึ้นเพื่ออธิบายภาษาภาพใหม่ที่ใช้โดยคนรุ่นใหม่ ศิลปินญี่ปุ่นเช่น ทาคาชิ มูราคามิ: “ฉันกำลังคิดถึงความเป็นจริงของการวาดภาพและระบายสีของญี่ปุ่น และความแตกต่างจากศิลปะตะวันตก สำหรับญี่ปุ่น ความรู้สึกเรียบเป็นสิ่งสำคัญ วัฒนธรรมของเราไม่มีรูปแบบสามมิติ รูปแบบ 2D ได้รับการอนุมัติในอดีต ภาพวาดญี่ปุ่นคล้ายกับภาษาภาพที่เรียบง่ายและเรียบง่ายของแอนิเมชั่น การ์ตูน และการออกแบบกราฟิกสมัยใหม่"
ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 แม่นยำยิ่งขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21 จะมีการกล่าวถึงในบทความนี้ - ฉบับที่สามในชุดนี้ คู่มือศิลปะร่วมสมัยเราจะทำความรู้จักกับศิลปะร่วมสมัยต่อไป เรามาดูแนวโน้มที่สว่างที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 และต้นศตวรรษที่ 21 กัน
ศิลปะที่มีความหมายน้อย แต่มีความหมายมาก (Alexander Genis)
ศิลปะแห่งปลายศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21- กินไม่เลือก, แดกดัน, เป็นพิษ, ประชาธิปไตย - เรียกว่าพระอาทิตย์ตก ยุคที่ยิ่งใหญ่. ลัทธิหลังสมัยใหม่อยู่ในสถานการณ์ที่มีการกล่าวทุกสิ่งทุกอย่างต่อหน้าพวกเขา และสิ่งที่พวกเขาต้องทำคือใช้สิ่งที่พวกเขาสร้างขึ้น ผสมผสานสไตล์ สร้างสรรค์ แม้จะไม่ใช่เรื่องใหม่ แต่เป็นงานศิลปะที่เป็นที่รู้จัก...
ใน 2 บทความก่อนหน้าของซีรีส์ที่เราดู:
- ตอนที่ 3 ปลายศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21 ( เราจะดูในบทความนี้)
เช่นเดียวกับ 2 บทความที่แล้ว สำหรับงานศิลปะแต่ละประเภท จะมีการระบุสถานที่ - เมือง พิพิธภัณฑ์ สถานที่ต่างๆซึ่งคุณสามารถดูผลงานของพวกเขาได้ ตัวแทนที่โดดเด่น. บทความนี้ก็เหมือนกับสองบทความก่อนหน้านี้ที่อาจกลายเป็นบทความอื่น เป็นกำลังใจให้คุณกลับมาเที่ยวอีกครั้ง!
จากบทความคุณจะได้เรียนรู้: ศิลปะ - แนวโน้มที่โดดเด่นที่สุดของปลายศตวรรษที่ 20 - ต้นศตวรรษที่ 21
- ลัทธินีโอเรียลลิสม์;
- ศิลปะขั้นต่ำ;
- ยุคหลังสมัยใหม่;
- ไฮเปอร์เรียลลิสม์;
- การติดตั้ง;
- สิ่งแวดล้อม;
- วิดีโออาร์ต;
- กราฟฟิตี;
- ทรานส์อาวานการ์ด;
- ศิลปะบนเรือนร่าง;
- ติดขัด;
- นีโอพลาสติซึม;
- ศิลปะข้างถนน;
- จดหมายศิลปะ;
- ไม่มีศิลปะ
1. ลัทธินีออเรียลลิสม์ นี่คือศิลปะของอิตาลีหลังสงคราม ซึ่งต่อสู้กับการมองโลกในแง่ร้ายหลังสงคราม
แนวหน้าใหม่ของศิลปะเป็นหนึ่งเดียวระหว่างนักนามธรรมและนักสัจนิยมและกินเวลาเพียง 4 ปี แต่ศิลปินชื่อดังก็ปรากฏตัวออกมา: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto Treccani พวกเขาพรรณนาถึงคนงานและชาวนาอย่างชัดเจนและชัดเจน
แนวโน้มที่คล้ายกันปรากฏในประเทศอื่น ๆ แต่โรงเรียนที่โดดเด่นที่สุดถือเป็นโรงเรียนแห่งลัทธินีโอเรียลลิสม์ซึ่งปรากฏในอเมริกาผ่านความพยายามของนักอนุรักษ์นิยมดิเอโกริเวรา
ดู: Renato Guttuso - พระราชวัง Chiaramonte (ปาแลร์โม อิตาลี) จิตรกรรมฝาผนังโดย Diego Rivera - ทำเนียบประธานาธิบดี (เม็กซิโกซิตี้ เม็กซิโก)
รายละเอียดของจิตรกรรมฝาผนังของ Diego Rivera สำหรับโรงแรม Prado ในเม็กซิโกซิตี้ “ความฝันในวันอาทิตย์ใน Alameda Park” 1948
2. งานศิลปะขั้นต่ำ นี่คือทิศทางของเปรี้ยวจี๊ด ใช้รูปแบบที่เรียบง่ายและไม่รวมการเชื่อมโยงใดๆ
เทรนด์นี้ปรากฏในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษที่ 60 พวกมินิมอลลิสต์เรียกว่า Marcel Duchamp (สำเร็จรูป), Piet Mondrian (นีโอพลาสติกนิยม) และ Kazimir Malevich (ซูพรีมาติสม์) ซึ่งเป็นรุ่นก่อนๆ ของพวกเขา พวกเขาเรียกจัตุรัสสีดำของเขาว่าเป็นผลงานชิ้นแรกของศิลปะมินิมอล
มีการจัดวางองค์ประกอบที่เรียบง่ายและถูกต้องตามหลักเรขาคณิต เช่น กล่องพลาสติก ตะแกรงโลหะ กรวย สถานประกอบการอุตสาหกรรมตามแบบร่างของศิลปิน
ดู:
ผลงานโดย Donald Judd, Carl Andre, Sol LeWitt - พิพิธภัณฑ์ Guggenheim (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา)
3. ยุคหลังสมัยใหม่ นี่คือรายการแนวโน้มที่ไม่สมจริงจำนวนมากในช่วงปลายศตวรรษที่ 20
วันเชกี มูตู. Collage “อวัยวะสืบพันธุ์ของสตรีวัยผู้ใหญ่”, 2548 วัฏจักรเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะ แต่ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นตัวอย่างแรกของ "การปฏิเสธของการปฏิเสธ" ในตอนแรก ลัทธิสมัยใหม่ปฏิเสธความคลาสสิก และจากนั้นลัทธิหลังสมัยใหม่ก็ปฏิเสธลัทธิสมัยใหม่ เช่นเดียวกับที่มันเคยปฏิเสธความคลาสสิกก่อนหน้านี้ ลัทธิหลังสมัยใหม่กลับคืนสู่รูปแบบและรูปแบบที่มีอยู่ก่อนสมัยใหม่ แต่ในระดับที่สูงกว่า
ลัทธิหลังสมัยใหม่เป็นผลงานของยุคของเทคโนโลยีใหม่ ดังนั้นมัน คุณลักษณะเฉพาะเป็นการผสมผสานระหว่างรูปแบบ รูปภาพ ยุคสมัย และวัฒนธรรมย่อยต่างๆ สิ่งสำคัญสำหรับลัทธิหลังสมัยใหม่คือการอ้างอิง การใช้คำพูดอย่างคล่องแคล่ว
ดู: Tate Gallery (ลอนดอน สหราชอาณาจักร) พิพิธภัณฑ์แห่งชาติศูนย์ศิลปะร่วมสมัยปอมปิดู (ปารีส ฝรั่งเศส) พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา)
4. เหนือจริง ศิลปะที่เลียนแบบการถ่ายภาพ
ปิดชัค. "โรเบิร์ต", 2517 ศิลปะนี้เรียกอีกอย่างว่า Superrealism, Photorealism, Radical Realism หรือ Cold Realism แนวโน้มนี้ปรากฏในอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 60 และ 10 ปีต่อมาก็แพร่หลายในยุโรป
ศิลปินของขบวนการนี้เลียนแบบโลกอย่างที่เราเห็นในภาพถ่ายทุกประการ ในผลงานของศิลปิน เราสามารถอ่านถึงการประชดของเทคโนโลยีที่มนุษย์สร้างขึ้นได้ ศิลปินส่วนใหญ่ถ่ายทอดภาพชีวิตในมหานครสมัยใหม่
ดู:ผลงานโดย Chuck Close, Don Eddie, Richard Estes - พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน, พิพิธภัณฑ์ Guggenheim (นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา), พิพิธภัณฑ์บรูคลิน (สหรัฐอเมริกา)
5. การติดตั้ง นี่คือองค์ประกอบในแกลเลอรีที่สามารถสร้างจากอะไรก็ได้สิ่งสำคัญคือมีคำบรรยายและแนวคิด
เป็นไปได้มากว่าทิศทางนี้คงไม่เกิดขึ้นหากไม่ใช่เพราะโถปัสสาวะอันเป็นเอกลักษณ์ของ Duchamp ชื่อของผู้ติดตั้งหลักของโลก: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis และ Kabakov
สิ่งสำคัญในการติดตั้งคือข้อความย่อยและพื้นที่ที่ศิลปินชนกับวัตถุซ้ำซาก
ดู: เทต โมเดิร์น (ลอนดอน สหราชอาณาจักร), พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา)
6. สิ่งแวดล้อม นี่คือศิลปะในการสร้างองค์ประกอบสามมิติที่จำลองสภาพแวดล้อมจริง
ในฐานะผู้กำกับศิลป์ สิ่งแวดล้อม ปรากฏย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 ศิลปิน Dadaist ล้ำหน้ากว่าเขาหลายสิบปีเมื่อเขานำเสนอผลงานของเขา "Merz Building" ต่อสาธารณชนซึ่งเป็นโครงสร้างสามมิติที่ทำจากวัตถุและวัสดุต่างๆ ไม่เหมาะสำหรับสิ่งอื่นใดนอกจากการไตร่ตรอง
ครึ่งศตวรรษต่อมา Edward Kienholz และ George Siegel เริ่มทำงานประเภทนี้และประสบความสำเร็จ พวกเขาจำเป็นต้องนำองค์ประกอบที่น่าตกใจของจินตนาการที่หลงผิดมาใช้ในงานของพวกเขา
ดู: ผลงานของ Edward Kienholz และ George Siegel - พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ (สตอกโฮล์ม สวีเดน)
7. วิดีโออาร์ต แนวโน้มนี้เกิดขึ้นในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 เนื่องจากการถือกำเนิดของกล้องวิดีโอแบบพกพา
นี่เป็นอีกความพยายามที่จะนำศิลปะกลับมาสู่ความเป็นจริง แต่ตอนนี้ด้วยความช่วยเหลือจากเทคโนโลยีวิดีโอและคอมพิวเตอร์ American Nam June Paik ถ่ายวิดีโอสมเด็จพระสันตะปาปาที่เดินผ่านถนนในนิวยอร์กและกลายเป็นศิลปินวิดีโอคนแรก
การทดลองของ Nam June Paik มีอิทธิพลต่อโทรทัศน์ มิวสิควิดีโอ(เขาเป็นผู้ก่อตั้งช่อง MTV) เอฟเฟกต์คอมพิวเตอร์ในภาพยนตร์ ผลงานของ June Paik และ Bill Viola ทำให้การกำกับงานศิลปะนี้เป็นกิจกรรมสำหรับการทดลอง พวกเขาวางรากฐานสำหรับ “วิดีโอประติมากรรม” “วิดีโอจัดวาง” และ “วิดีโอโอเปร่า”
ดู: วิดีโออาร์ตจากประสาทหลอนสู่โซเชียล (ยอดนิยมในประเทศจีน, Chen-che-yen บน Youtube.com)
8. กราฟฟิตี้ จารึกและภาพวาดบนผนังบ้านพร้อมข้อความที่กล้าหาญ
ปรากฏตัวครั้งแรกในยุค 70 ในอเมริกาเหนือ เจ้าของแกลเลอรีจากเขตแมนฮัตตันมีส่วนร่วมในการปรากฏตัวของพวกเขา พวกเขากลายเป็นผู้อุปถัมภ์ความคิดสร้างสรรค์ของชาวเปอร์โตริโกและจาเมกาที่อาศัยอยู่ในละแวกของตน กราฟฟิตี้ผสมผสานองค์ประกอบของวัฒนธรรมย่อยในเมืองและชาติพันธุ์
ชื่อจากประวัติศาสตร์กราฟฟิตี: Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, John Mathom, Kenny Scharf บุคคลที่มีชื่อเสียงคือ Banksy ศิลปินกราฟฟิตี้ชาวอังกฤษ โปสการ์ดพร้อมผลงานของเขามีอยู่ในร้านขายของที่ระลึกของอังกฤษทุกแห่ง
ชม: พิพิธภัณฑ์กราฟฟิตี้ (นิวยอร์ก สหรัฐอเมริกา) ผลงานของ Banksy บนเว็บไซต์ Banksy.co.uk
9. ทรานซาวันต์การ์ด. หนึ่งในกระแสของการวาดภาพยุคหลังสมัยใหม่ ผสมผสานอดีต จิตรกรรมใหม่ และความหมาย
ผลงานของศิลปินข้ามชาติ Alexander Roitburd ผู้เขียนคำว่า transavantgarde คือนักวิจารณ์สมัยใหม่ Bonito Oliva ด้วยคำนี้เขาได้กำหนดงานของเพื่อนร่วมชาติ 5 คนของเขา ได้แก่ Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicolo de Maria ผลงานของพวกเขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วย: การผสมผสานระหว่างสไตล์คลาสสิก การขาดความผูกพันกับโรงเรียนแห่งชาติ มุ่งเน้นไปที่สุนทรียภาพและพลวัต
ดู: พิพิธภัณฑ์ Peggy Guggenheim Museum-Collection (เวนิส อิตาลี) พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ที่ Palazzo (เวนิส อิตาลี) หอศิลปะสมัยใหม่ (มิลาน อิตาลี)
10. ศิลปะบนเรือนร่าง ทิศทางหนึ่งของลัทธิแอ็คชั่น ร่างกายทำหน้าที่เป็นผืนผ้าใบ
ศิลปะบนเรือนร่างเป็นหนึ่งในการสำแดงวัฒนธรรมพังก์แห่งยุค 70 เกี่ยวข้องโดยตรงกับแฟชั่นสำหรับรอยสักและการเปลือยกายในขณะนั้น
ภาพวาดสดถูกสร้างขึ้นต่อหน้าผู้ชม บันทึกเป็นวิดีโอ จากนั้นจึงออกอากาศในแกลเลอรี Bruce Nauman วาดภาพโถปัสสาวะของ Duchamp ในแกลเลอรี คู่หูกิลเบิร์ตและจอร์จเป็นประติมากรรมที่มีชีวิต พวกเขาแสดงให้เห็นประเภทของชาวอังกฤษโดยเฉลี่ย
ดู: ตัวอย่างเช่นบนเว็บไซต์ของศิลปิน Orlan orlan.eu
11. การวางซ้อนกัน สมาคมศิลปะอังกฤษเพื่อการวาดภาพเป็นรูปเป็นร่าง ต่อต้านนักมโนทัศน์
นิทรรศการครั้งแรกจัดขึ้นที่ลอนดอนในปี 2550 เพื่อประท้วง Tate Gallery ตามเวอร์ชันหนึ่ง พวกเขาประท้วงเกี่ยวกับการซื้อผลงานของศิลปินในแกลเลอรีโดยฝ่าฝืนกฎหมาย ความโกลาหลในสื่อดึงความสนใจไปที่ Stuckists ปัจจุบันมีศิลปินมากกว่า 120 คนทั่วโลก คำขวัญของพวกเขา: ศิลปินที่ไม่วาดภาพก็ไม่ใช่ศิลปิน
คำว่า Stuckism ถูกเสนอโดย Thomson ศิลปิน Tracey Emin อุทานกับแฟนหนุ่มของเธอ Billy Childish: ภาพวาดของคุณติด ติด ติด! (อังกฤษ ติด! ติด! กอง!)
ดู: บนเว็บไซต์ Stuckist Stuckism.com ผลงานโดย Charlie Thomson และ Billy Childish ที่ Tate Gallery (ลอนดอน สหราชอาณาจักร)
12. นีโอพลาสติก ศิลปะนามธรรม จุดตัดของเส้นตั้งฉาก 3 สี
นักอุดมการณ์ของการเคลื่อนไหวคือชาวดัตช์ Piet Mondrian เขาถือว่าโลกเป็นเพียงภาพลวงตา ดังนั้นงานของศิลปินคือการทำความสะอาดภาพวาดในรูปแบบที่ตระการตา (เป็นรูปเป็นร่าง) ในนามของรูปแบบสุนทรียภาพ (นามธรรม)
ศิลปินเสนอให้ทำสิ่งนี้ให้กระชับที่สุดเท่าที่จะทำได้โดยใช้ 3 สี - น้ำเงินแดงและเหลือง พวกมันเติมเต็มช่องว่างระหว่างเส้นตั้งฉาก
นีโอพลาสติกนิยมยังคงเป็นแรงบันดาลใจให้กับนักออกแบบ สถาปนิก และศิลปินกราฟิกอุตสาหกรรม
ดู:ผลงานของ Piet Mondrian และ Theo Vannoy Doesburg ใน พิพิธภัณฑ์เทศบาลกรุงเฮก
13. สตรีทอาร์ต ศิลปะซึ่งเมืองนี้ใช้เป็นนิทรรศการหรือผืนผ้าใบ
เป้าหมายของศิลปินข้างถนน: ดึงดูดผู้คนที่สัญจรไปมาในบทสนทนาโดยอาศัยความช่วยเหลือจากงานศิลปะจัดวาง ประติมากรรม โปสเตอร์ หรือลายฉลุ
ในยุโรป "shufiti" (การติดตั้งรองเท้าที่แขวนไว้บนต้นไม้) และ "knitta" (คำจารึกที่ทำจากผ้าถักสีสดใสบนสัญญาณไฟจราจร ต้นไม้ เสาอากาศรถยนต์) ได้รับความนิยมในขณะนี้
ในอเมริกาใต้ "pis" หรือ "ภาพจิตรกรรมฝาผนัง" (การวาดภาพหรือจารึกเรื่องที่เชี่ยวชาญ) เป็นที่นิยม
ดู: La Llotja, โรงเรียนศิลปะเก่า, บาร์เซโลนา สตรีทอาร์ตทั้งหมดเริ่มจัดแสดงที่ Sotheby’s ในลอนดอน
14. ศิลปะทางไปรษณีย์ ขบวนการที่ไม่แสวงหาผลกำไรระหว่างประเทศ ใช้อีเมลและไปรษณีย์เพื่อเผยแพร่งานศิลปะ
ในขั้นต้น เมลอาร์ตก่อตั้งขึ้นจากการรวมตัวกันของทิศทางศิลปะยอดนิยมในยุค 60 - แนวความคิด ศิลปะหนังสือ ศิลปะวิดีโอ ศิลปะบนเรือนร่าง
Mail art คือ การส่งงานศิลปะทางไปรษณีย์ ต้นฉบับจะถูกส่งไปยังผู้รับเพียงคนเดียวเท่านั้น และสามารถส่งการทำสำเนาไปยังผู้รับหลายรายทางอีเมลหรือไปรษณีย์ธรรมดา
ศิลปินที่ทำงานในรูปแบบศิลปะทางไปรษณีย์จะใช้จดหมาย ซองจดหมาย ไปรษณียบัตร พัสดุ แสตมป์ และเครื่องหมายไปรษณียภัณฑ์ เทคนิคที่พบบ่อยที่สุดคือการจับแพะชนแกะ ได้รับความนิยมจากศิลปินชาวอเมริกัน เรย์ จอห์นสัน ซึ่งเป็นบุคคลสำคัญในเครือข่าย แกลเลอรีต่างๆ มักจัดนิทรรศการศิลปะทางไปรษณีย์
งานศิลปะทางไปรษณีย์ไม่ได้เป็นเพียงโปสการ์ดที่ออกแบบโดยศิลปินหรือมือสมัครเล่นเท่านั้น แต่ผลงานที่ส่งทางไปรษณีย์ยังมีตราประทับ แสตมป์ และจารึกอีกด้วย ดังนั้นพนักงานไปรษณีย์จึงเป็นผู้ร่วมเขียนงานศิลปะทางไปรษณีย์
ดู: งานศิลปะทางไปรษณีย์บนเว็บไซต์
15. ไม่ศิลปะ เหล่านี้เป็นโครงการที่มีอยู่เฉพาะทางออนไลน์เท่านั้น
แต่นี่ไม่ใช่การออกแบบเครือข่าย การจดจำผลงานศิลปะทางเน็ตไม่ใช่เรื่องง่าย โดดเด่นด้วยความเรียบง่ายและตรงไปตรงมา
พวกเขาแตกต่างจากผลงานของศิลปินที่ทำงานในโปรแกรมมืออาชีพในเรื่องแรงผลักดัน ขาดอคติและความเร็ว
ศิลปะมีมานานตราบเท่าที่ผู้คนมี แต่ศิลปินโบราณก็เข้ามาเกี่ยวข้อง ศิลปะหินแทบจะไม่สามารถจินตนาการได้ว่าศิลปะสมัยใหม่จะมีรูปแบบแปลก ๆ ได้อย่างไร
1. อนามอร์โฟซิส
Anamorphosis เป็นเทคนิคในการสร้างภาพที่สามารถมองเห็นและเข้าใจได้อย่างสมบูรณ์โดยการมองจากมุมหนึ่งหรือจากสถานที่ใดที่หนึ่งเท่านั้น ในบางกรณี ภาพที่ถูกต้องจะสามารถมองเห็นได้ด้วยการดูภาพสะท้อนของภาพวาดเท่านั้น ตัวอย่างแรกสุดของ anamorphosis แสดงโดย Leonardo da Vinci ในศตวรรษที่ 15 ตัวอย่างทางประวัติศาสตร์อื่นๆ ของรูปแบบศิลปะนี้ปรากฏในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา เทคนิคนี้ได้พัฒนาไป ทุกอย่างเริ่มต้นจากภาพสามมิติที่ได้รับบนกระดาษธรรมดา และค่อยๆ มาถึง ศิลปะข้างถนนเมื่อศิลปินเลียนแบบรูต่างๆ บนกำแพง หรือรอยแตกบนพื้น
และตัวอย่างสมัยใหม่ที่น่าสนใจที่สุดคือการพิมพ์แบบอะนามอร์ฟิก วันหนึ่ง นักเรียนออกแบบกราฟิก Joseph Egan และ Hunter Thompson วาดภาพข้อความที่บิดเบี้ยวบนผนังบริเวณโถงทางเดินในวิทยาลัยซึ่งจะอ่านได้ก็ต่อเมื่อมองจากจุดหนึ่งเท่านั้น
2. ภาพเสมือนจริง
เริ่มต้นในทศวรรษที่ 60 ขบวนการโฟโตเรียลลิสต์พยายามสร้างสุดยอด ภาพที่สมจริงซึ่งแทบจะแยกไม่ออกเลย ภาพถ่ายจริง. กำลังคัดลอก รายละเอียดที่เล็กที่สุดศิลปินนักถ่ายภาพเสมือนจริงพยายามสร้าง "ภาพแห่งภาพแห่งชีวิต" ซึ่งถ่ายด้วยกล้องถ่ายรูป
การเคลื่อนไหวอีกอย่างหนึ่งที่เรียกว่าซูเปอร์เรียลลิสม์ (หรือไฮเปอร์เรียลลิสม์) ไม่เพียงแต่ครอบคลุมการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานประติมากรรมด้วย การเคลื่อนไหวนี้อยู่ภายใต้ อิทธิพลที่แข็งแกร่ง ศิลปะป๊อปสมัยใหม่วัฒนธรรม. แต่ในขณะที่อยู่ในงานศิลปะป๊อปอาร์ต พวกเขาพยายามลบภาพในชีวิตประจำวันออกจากบริบท ในทางกลับกัน ภาพเสมือนจริงจะมุ่งเน้นไปที่ภาพธรรมดาๆ ชีวิตประจำวันสร้างขึ้นใหม่ด้วยความแม่นยำสูงสุดที่เป็นไปได้
ศิลปินนักถ่ายภาพเสมือนจริงที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ Richard Estes, Audrey Flack, Chuck Close และประติมากร Dway Hanson การเคลื่อนไหวดังกล่าวเป็นที่ถกเถียงกันอย่างมากในหมู่นักวิจารณ์ซึ่งเชื่อว่าทักษะทางกลนั้นมีชัยเหนือสไตล์และแนวคิดอย่างชัดเจน
3. วาดภาพบนรถสกปรก
การวาดภาพบนสิ่งสกปรกที่สะสมบนรถที่ไม่ได้ล้างมาเป็นเวลานานก็ถือเป็นศิลปะเช่นกัน ตัวแทนที่ดีที่สุดที่พยายามพรรณนาถึงคำจารึกซ้ำซากเช่น "ล้างฉัน"
นักออกแบบกราฟิกวัย 52 ปีชื่อ Scott Wade มีชื่อเสียงมากเนื่องจากภาพวาดที่น่าทึ่งของเขาที่เขาสร้างขึ้นโดยใช้สิ่งสกปรกบนกระจกรถยนต์
และศิลปินเริ่มต้นด้วยการใช้ฝุ่นหนา ๆ บนถนนในเท็กซัสเป็นผืนผ้าใบ เขาวาดการ์ตูนล้อเลียนต่าง ๆ บนถนน และเขาสร้างมันขึ้นมาด้วยความช่วยเหลือจากนิ้ว เล็บ และกิ่งไม้เล็ก ๆ ของเขาเอง
4. การใช้ของเหลวในร่างกายในงานศิลปะ
มันอาจจะดูแปลก แต่ก็มีศิลปินหลายคนที่ใช้ของเหลวในร่างกายในการทำงาน คุณอาจเคยอ่านเรื่องนี้มาแล้ว แต่เป็นไปได้มากว่านี่เป็นเพียงส่วนเล็กๆ ของภูเขาน้ำแข็งที่น่าขยะแขยงนี้เท่านั้น
ตัวอย่างเช่น ศิลปินจากออสเตรีย Hermann Nitsch ใช้ปัสสาวะของเขาเองและ จำนวนมากเลือดสัตว์ ความสมัครใจที่คล้ายกันเกิดขึ้นในวัยเด็กซึ่งเกิดขึ้นในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง สงครามโลกและอคติเหล่านี้ก็เป็นประเด็นถกเถียงกันตลอดหลายปีที่ผ่านมา แม้ว่าจะมีคดีฟ้องร้องอยู่บ้างก็ตาม
ศิลปินอีกคนจากบราซิลชื่อ Vinicius Quesada ทำงานด้วยเลือดของเขาเองและไม่ใช้เลือดสัตว์ ภาพวาดของเขาซึ่งมีเฉดสีแดง เหลือง และเขียวที่ดูน่าเบื่อ สื่อถึงบรรยากาศที่มืดมนและเหนือจริง
5. การวาดภาพเป็นส่วนๆ ร่างกายของตัวเอง
ไม่ใช่แค่ศิลปินที่ใช้ของเหลวในร่างกายเท่านั้นที่เพิ่มมากขึ้น การใช้ส่วนต่างๆ ของร่างกายเป็นแปรงก็กำลังได้รับความนิยมเช่นกัน ยกตัวอย่างเช่น Tim Patch เขาเป็นที่รู้จักกันดีภายใต้นามแฝง "Pricasso" ซึ่งเขาได้รับเกียรติจากผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินชาวสเปนปาโบล ปิกัสโซ. เขายังเป็นที่รู้จักในเรื่องการใช้องคชาตของตัวเองเป็นพู่กัน โดยทั่วไปแล้วชาวออสเตรเลียวัย 65 ปีคนนี้ไม่ชอบจำกัดตัวเองในเรื่องใดๆ ดังนั้นนอกเหนือจากองคชาตแล้ว เขายังใช้บั้นท้ายและถุงอัณฑะในการวาดภาพอีกด้วย Patch ทำธุรกิจที่ไม่ธรรมดานี้มานานกว่า 10 ปี และความนิยมก็เพิ่มขึ้นทุกปี
และ Kira Ain Varseji ใช้หน้าอกของเธอเองในการวาดภาพบุคคลแนวนามธรรม แม้ว่าเธอจะถูกวิพากษ์วิจารณ์บ่อยครั้ง แต่เธอก็ยังคงเป็นศิลปินที่เต็มเปี่ยมซึ่งทำงานทุกวัน (เธอวาดภาพโดยไม่ใช้หน้าอกด้วย)
6. ย้อนกลับภาพ 3 มิติ
ในขณะที่อะนามอร์โฟซิสพยายามทำให้วัตถุ 2 มิติดูเหมือนวัตถุ 3 มิติ แต่การย้อนกลับ 3 มิติจะพยายามทำให้วัตถุ 3 มิติดูเหมือนภาพวาด 2 มิติ
ศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในพื้นที่นี้คือ Alexa Mead จากลอสแองเจลิส ในงานของเขา มี้ดใช้ผลิตภัณฑ์ปลอดสารพิษ ภาพวาดสีอะคิลิกซึ่งเธอบังคับให้ผู้ช่วยของเธอกลายเป็นเหมือนภาพวาดสองมิติที่ไม่มีชีวิต มี้ดเริ่มพัฒนาเทคนิคนี้ในปี 2551 และนำเสนอต่อสาธารณชนในปี 2552
งานของมี้ดมักเป็นชายคนหนึ่งนั่งอยู่กับผนัง และวาดภาพในลักษณะที่ผู้ชมมีภาพลวงตาว่าเบื้องหน้าเขาคือผืนผ้าใบธรรมดาที่มี ภาพเหมือนธรรมดา. อาจใช้เวลาหลายชั่วโมงในการสร้างผลงานชิ้นนี้
บุคคลสำคัญอีกประการหนึ่งในสาขานี้คือ Cynthia Greig ศิลปินและช่างภาพจากดีทรอยต์ ต่างจากมี้ดตรงที่ Greig ไม่ได้ใช้ผู้คนในการทำงานของเขา แต่เป็นของใช้ในครัวเรือนทั่วไป เธอคลุมด้วยถ่านและทาสีขาวเพื่อให้ดูเรียบเมื่อมองจากภายนอก
7. เงาในงานศิลปะ
เงาเป็นสิ่งที่หายวับไปตามธรรมชาติ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องยากที่จะบอกว่าเมื่อใดที่ผู้คนเริ่มใช้เงาเหล่านี้ในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ แต่ “ศิลปินเงา” ยุคใหม่ได้บรรลุถึงจุดสูงสุดในการใช้เงาอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ศิลปินใช้การวางตำแหน่งวัตถุต่างๆ อย่างระมัดระวังเพื่อสร้างภาพเงาที่สวยงามของบุคคล วัตถุ หรือคำพูด
ศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในบริเวณนี้คือ Kumi Yamashita และ Fred Eerdecens
แน่นอนว่า เงามีชื่อเสียงที่ค่อนข้างน่าขนลุก และ "ศิลปินเงา" หลายคนใช้ธีมแห่งความสยองขวัญ ความหายนะ และความเสื่อมโทรมของเมืองในงานของพวกเขา Tim Noble และ Sue Webster มีชื่อเสียงในเรื่องนี้ ผลงานที่โด่งดังที่สุดของพวกเขามีชื่อว่า "Dirty Whiteถังขยะ" ซึ่งกองขยะทอดเงาเหนือคนสองคนที่กำลังดื่มและสูบบุหรี่ ผลงานอีกชิ้นหนึ่งแสดงให้เห็นเงาของนก บางทีอาจเป็นเงาของอีกา กำลังจิกหัวที่ถูกตัดขาดคู่หนึ่งที่ปักไว้บนเสา
8. "กราฟฟิตี้แบบย้อนกลับ"
เช่นเดียวกับการทาสีบนรถที่สกปรก "กราฟฟิตี้แบบย้อนกลับ" คือการสร้างภาพวาดโดยขจัดสิ่งสกปรกส่วนเกินออกแทนที่จะเติมสี ศิลปินมักใช้เครื่องซักล้างอันทรงพลังเพื่อขจัดสิ่งสกปรกออกจากผนังและสร้างสรรค์ผลงานในขั้นตอนนี้ ภาพที่สวยงาม. ทุกอย่างเริ่มต้นจากศิลปิน Paul "Muse" Curtis ซึ่งวาดภาพแรกของเขาบนผนังที่มีนิโคตินดำคล้ำของร้านอาหารที่เขากำลังล้างจาน
ศิลปินที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งคือ Ben Long จากสหราชอาณาจักร ผู้ฝึกฝน "กราฟฟิตี้แบบย้อนกลับ" เวอร์ชันที่ค่อนข้างเรียบง่าย โดยใช้นิ้วของเขาเองขจัดสิ่งสกปรกออกจากผนังที่สะสมอยู่ที่นั่นเนื่องจากไอเสียจากรถยนต์ ภาพวาดของเขาใช้เวลานานอย่างน่าประหลาดใจ ถึงหกเดือน หากไม่ถูกฝนพัดพาหรือถูกทำลายโดยคนป่าเถื่อน
9. ศิลปะบนเรือนร่างภาพลวงตา
แท้จริงแล้วทุกคนมีส่วนร่วมในการวาดภาพมาหลายศตวรรษแล้ว แม้แต่ชาวอียิปต์โบราณและชาวมายันก็ยังพยายามทำสิ่งนี้ อย่างไรก็ตาม ศิลปะบนเรือนร่างด้วยภาพลวงตาได้ยกระดับการปฏิบัติแบบโบราณนี้ไปสู่อีกระดับหนึ่ง ตามชื่อที่แนะนำ ศิลปะบนเรือนร่างลวงตาเกี่ยวข้องกับการใช้ร่างกายมนุษย์เป็นผืนผ้าใบ แต่สร้างบางสิ่งบนผืนผ้าใบที่สามารถหลอกลวงผู้สังเกตได้ ภาพลวงตาบนร่างกายมีตั้งแต่คนที่วาดเป็นรูปสัตว์หรือเครื่องจักร ไปจนถึงภาพรูหรือบาดแผลที่อ้าออกในร่างกาย
10. วาดภาพด้วยแสง
น่าแปลกที่ผู้ฝึกวาดภาพด้วยแสงกลุ่มแรกๆ ไม่ได้มองว่ามันเป็นศิลปะ Frank และ Lillian Gilbreth กำลังทำงานเกี่ยวกับปัญหาการเพิ่มประสิทธิภาพของคนงานในภาคอุตสาหกรรม ในปี 1914 ทั้งคู่เริ่มใช้แสงและกล้องเพื่อบันทึกการเคลื่อนไหวของผู้คน ด้วยการศึกษาภาพแสงที่เกิดขึ้น พวกเขาหวังว่าจะหาวิธีทำให้การทำงานของเจ้าหน้าที่ง่ายขึ้นและง่ายขึ้น
และในงานศิลปะ วิธีการนี้เริ่มใช้ในปี 1935 เมื่อแมน เรย์ ศิลปินแนวเหนือจริงใช้กล้องโดยเปิดชัตเตอร์เพื่อถ่ายภาพตัวเองยืนอยู่ท่ามกลางแสงไฟ เป็นเวลานานมากแล้วที่ไม่มีใครรู้ว่าในภาพมีลอนแสงแบบใด และเฉพาะในปี 2009 เท่านั้นที่ชัดเจนว่านี่ไม่ใช่ชุดของลอนแสงแบบสุ่ม แต่เป็นภาพสะท้อนของลายเซ็นของศิลปิน