สมาคมศิลปะ "World of Art" และบทบาทในการพัฒนาวิจิตรศิลป์รัสเซีย จิตรกรรม. สมาคมศิลปะ “โลกแห่งศิลปะ” ซึ่งศิลปินเป็นหัวหน้าสมาคม “โลกแห่งศิลปะ”

โลกแห่งศิลปะ

World of Art (พ.ศ. 2441-2467) - สมาคมศิลปะที่ก่อตั้งขึ้นในรัสเซีย
ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1890 นิตยสารที่ตีพิมพ์ภายใต้ชื่อเดียวกันเริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2441
สมาชิกของกลุ่ม

หนึ่ง. เบอนัวต์ในหมู่ศิลปิน สิงหาคม พ.ศ. 2441

World of Art - นิตยสารศิลปะภาพประกอบรายเดือน ตีพิมพ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2441 ถึง พ.ศ. 2447 อุทิศตนเพื่อส่งเสริมผลงานของนักสัญลักษณ์ชาวรัสเซียและ
ซึ่งเป็นองค์กรของสมาคมชื่อเดียวกัน - "โลกแห่งศิลปะ" และนักเขียนสัญลักษณ์

ผู้จัดพิมพ์คือ Princess M.K. Tenisheva และ S.I. Mamontov บรรณาธิการคือ S.P. Diaghilev;
จากปี 1902 Diaghilev กลายเป็นผู้จัดพิมพ์ ตั้งแต่ฉบับที่ 10 ของปี พ.ศ. 2446 บรรณาธิการก็เช่นกัน
เอ.เอ็น. เบอนัวส์.

ปกนิตยสารปี 1901 เบอนัวต์ในหมู่ศิลปิน สิงหาคม พ.ศ. 2441

สมาคมได้ประกาศเสียงดังโดยจัดงาน “นิทรรศการภาษารัสเซียและฟินแลนด์
ศิลปิน" ในปี พ.ศ. 2441 ในพิพิธภัณฑ์การเขียนแบบเทคนิคกลางของโรงเรียนกลาง
บารอน เอ.แอล. สตีกลิตซ์
ช่วงเวลาคลาสสิกในชีวิตของสมาคมเกิดขึ้นระหว่าง พ.ศ. 2443-2447 - ในเวลานี้สำหรับ
กลุ่มนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยเอกภาพพิเศษของหลักการด้านสุนทรียศาสตร์และอุดมการณ์ ศิลปิน
จัดนิทรรศการภายใต้การอุปถัมภ์ของนิตยสาร World of Art
หลังปี พ.ศ. 2447 สมาคมได้ขยายและสูญเสียเอกภาพทางอุดมการณ์ ในปี พ.ศ. 2447-2453
สมาชิกส่วนใหญ่ของ World of Art เป็นสมาชิกของสหภาพศิลปินรัสเซีย

ศิลปินแห่งสมาคม "โลกแห่งศิลปะ" ในโรงเรียนของสมาคมส่งเสริมศิลปะ
เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มีนาคม 2457

ในการประชุมก่อตั้งเมื่อวันที่ 19 ตุลาคม พ.ศ. 2453 สมาคมศิลปะ "โลกแห่งศิลปะ"
ได้รับการฟื้นฟู (N.K. Roerich ได้รับเลือกเป็นประธาน) หลังการปฏิวัติมีร่างหลายร่าง
ถูกบังคับให้อพยพ สมาคมนี้เลิกมีอยู่จริงในปี พ.ศ. 2467

บี.เอ็ม. คุสโตดีฟ “ภาพหมู่สมาชิกของสมาคมโลกแห่งศิลปะ” พ.ศ. 2459-2463

จากซ้ายไปขวา: I.E. Grabar, N.K. Roerich, E.E. Lanceray, B.M. Kustodiev, I.Ya. บิลิบิน
เอ.พี. ออสโตรอูโมวา-เลเบเดวา, A.N. เบอนัวต์, จี.ไอ. นาร์บุต, K.S. Petrov-Vodkin, N.D. มิลิโอติ
เค.เอ. โซมอฟ, เอ็ม.วี. โดบูซินสกี้.

หลังจากประสบความสำเร็จในการจัดนิทรรศการรัสเซีย - ฟินแลนด์เมื่อปลายปี พ.ศ. 2441 ได้มีการก่อตั้งสมาคมขึ้น
"โลกแห่งศิลปะ" หนึ่งในผู้ก่อตั้งคือเบอนัวส์ ร่วมกับ S. Diaghilev
เขากลายเป็นบรรณาธิการของนิตยสารชื่อเดียวกันซึ่งต่อมาได้กลายเป็นผู้ประกาศข่าวของลัทธินีโอโรแมนติก

เบอนัวส์เขียนด้วยแรงบันดาลใจจากการเกิดขึ้นของ "โลกแห่งศิลปะ" ว่า:

“เราไม่ได้ถูกชี้นำมากนักโดยการพิจารณาคำสั่ง "อุดมการณ์" แต่โดยการพิจารณา
ความจำเป็นในทางปฏิบัติ ศิลปินรุ่นเยาว์จำนวนหนึ่งไม่มีที่ไป ของพวกเขา
หรือไม่ได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมนิทรรศการใหญ่ๆ ทั้งวิชาการ ท่องเที่ยว และสีน้ำ
หรือยอมรับเฉพาะกับการปฏิเสธทุกสิ่งที่ศิลปินเห็นมากที่สุดเท่านั้น
การแสดงออกถึงภารกิจของเขาอย่างชัดเจน... และนั่นคือสาเหตุที่ Vrubel มาอยู่ข้างๆ เรา
Bakst และ Somov ถัดจาก Malyavin “ที่ไม่รู้จัก” ก็มาสมทบกับ “ที่ไม่รู้จัก”
ที่รู้สึกไม่สบายใจในกลุ่มที่ได้รับอนุมัติ โดยหลักแล้วเลวีแทนเข้ามาหาเรา
Korovin และ Serov เพื่อความสุขที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเรา อีกครั้งในอุดมคติและด้วยวัฒนธรรมทั้งหมดของพวกเขา
อยู่ในแวดวงอื่น เหล่านี้เป็นลูกหลานคนสุดท้ายของความสมจริง ไม่ขาดหายไป
"การระบายสีเปเรดวิซนิกิ" แต่พวกเขาเชื่อมโยงกับเราด้วยความเกลียดชังทุกสิ่งที่เหม็นอับ
สถาปนาแล้วตายแล้ว”

ปกนิตยสารจากปี 1900

นิตยสาร World of Art ได้รับการตีพิมพ์ในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2441 โดยมีสำนักพิมพ์ในปี พ.ศ. 2442 เขา
ทำให้เกิดเสียงดังยิ่งกว่านิทรรศการอีก กำหนดโลกแห่งศิลปะให้เป็นศิลปะอันบริสุทธิ์
ปราศจากอคติทางอุดมการณ์ แน่นอน การหลงทางและวิชาการ
ดูเหมือนจงใจมีข้อบกพร่องซึ่งพบในภาพวาดของศิลปินรุ่นเยาว์ด้วย
ปรากฏการณ์ที่คล้ายกันนี้เกิดขึ้นในสถาปัตยกรรม กวีนิพนธ์ และการละคร ซึ่ง
ถูกมองว่าเป็นความเสื่อมโทรมและได้รับคำจำกัดความของความทันสมัยของรัสเซีย

ฮาร์เลควินาด. สกรีนเซฟเวอร์ในนิตยสาร "World of Art", 1902, N°7-9 2445

“ โลกแห่งศิลปะ” ได้รับการตีพิมพ์จนถึงปี 1901 - ทุกๆ 2 สัปดาห์จากนั้นทุกเดือน
เป็นนิตยสารภาพประกอบวรรณกรรมและศิลปะที่มีเนื้อหากว้างที่สุด
ซึ่งปิดผนึกชะตากรรมของเขา พวกเขาพูดถึงความนิยมในงานศิลปะรัสเซียของ XVIII -
ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 เกี่ยวกับการส่งเสริมตัวอย่างศิลปะพื้นบ้านและหัตถกรรม
งานฝีมือซึ่งแสดงสุนทรียภาพแห่งโลกแห่งศิลปะและความสนใจของผู้อุปถัมภ์

ช้าง. สกรีนเซฟเวอร์ในนิตยสาร World of Art, 1902 N° 7-9 2445

นิตยสารดังกล่าวแนะนำผู้อ่านให้รู้จักกับศิลปะรัสเซียและศิลปะต่างประเทศสมัยใหม่อย่างกว้างขวาง
ชีวิต (บทความและบันทึกโดย A.N. Benois, I.E. Grabar, S.P. Diaghilev, V.V. Kandinsky,
ตัดตอนมาจากสหกรณ์ R. Mutera และ J. Meyer-Graefe บทวิจารณ์สิ่งพิมพ์ต่างประเทศ
การทำสำเนานิทรรศการการทำซ้ำของรัสเซียสมัยใหม่และ
จิตรกรรมและกราฟิกของยุโรปตะวันตก)

สิ่งนี้สอดคล้องกับแรงบันดาลใจหลักของเพื่อนจากแวดวงเบอนัวส์ซึ่งก็คือการบรรลุการพัฒนา
ศิลปะรัสเซียสอดคล้องกับศิลปะยุโรปและโลกโดยมีพื้นฐานมาจาก
ความคิดเกี่ยวกับความล้าหลังของเราซึ่งจะเผยให้เห็นสิ่งที่ไม่คาดคิด: การพัฒนาของรัสเซีย
วรรณกรรมคลาสสิก ดนตรี และภาพวาดจะส่งผลให้เกิดการปฏิวัติวงการละครไปทั่วโลก
ขนาดและสิ่งที่เรารับรู้ในปัจจุบันว่าเป็นปรากฏการณ์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
นอกจากนี้ยังมีการตีพิมพ์บทความวิจารณ์วรรณกรรมบนหน้า World of Art
V.Ya.Bryusov และ Andrei Bely ซึ่งมีการกำหนดสุนทรียภาพของสัญลักษณ์รัสเซีย
แต่พื้นที่ส่วนใหญ่ถูกครอบครองโดยงานทางศาสนาและปรัชญาของ D. S. Merezhkovsky
Z. N. Gippius, N. M. Minsky, L. Shestov, V. V. Rozanov

ด้วยสมุดบันทึกบทกวีของคุณ
นานมาแล้วคุณสลายเป็นฝุ่น
เหมือนกิ่งไลแลคที่ร่วงหล่น

คุณอยู่ในประเทศที่ไม่มีแบบฟอร์มสำเร็จรูป
ที่ทุกสิ่งแยกปะปนแตกสลาย
ที่ซึ่งแทนที่จะเป็นท้องฟ้ากลับมีแต่เนินหลุมศพ
และวงโคจรของดวงจันทร์ไม่เคลื่อนที่

ที่นั่นเป็นภาษาอื่นที่ไม่เข้าใจ
แมลงเงียบๆ ร้องประสานเสียงกัน
มีไฟฉายเล็กๆ อยู่ในมือ
ชายด้วงทักทายคนรู้จักของเขา

สงบสติอารมณ์กันหน่อยมั้ยสหาย?
มันง่ายสำหรับคุณเหรอ? และคุณลืมทุกอย่างแล้วหรือยัง?
ตอนนี้คุณมีพี่น้อง - รากมด
ใบหญ้า ถอนหายใจ คอลัมน์ฝุ่น

ตอนนี้น้องสาวของคุณเป็นดอกคาร์เนชั่น
จุกนมไลแลค เศษไม้ ไก่...
และฉันจำภาษาของคุณไม่ได้
มีพี่ชายคนหนึ่งถูกทิ้งไว้ข้างหลังที่นั่น

เขายังไม่มีสถานที่ในส่วนเหล่านั้น
หายไปไหนมา สว่างเป็นเงา?
ในหมวกกว้าง แจ็กเก็ตยาว
ด้วยสมุดบันทึกบทกวีของคุณ
นิโคไล ซาโบลอตสกี้.

แอล.เอส.บิชโควา

Miriskusniks ในโลกแห่งศิลปะ*

สมาคมศิลปะและนิตยสาร World of Art ถือเป็นปรากฏการณ์สำคัญในวัฒนธรรมรัสเซียในยุคเงิน ซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงแนวโน้มด้านสุนทรียศาสตร์ที่สำคัญประการหนึ่งในยุคนั้น ชุมชน World of Arts เริ่มเป็นรูปเป็นร่างในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในช่วงทศวรรษที่ 90 ศตวรรษที่สิบเก้า รอบๆ กลุ่มศิลปิน นักเขียน และศิลปินรุ่นเยาว์ที่มุ่งมั่นที่จะฟื้นฟูชีวิตทางวัฒนธรรมและศิลปะของรัสเซีย ผู้ริเริ่มหลักคือ A.N. Benois, S.P. Diaghilev, D.V. Filosofov, K.A. Somov, L.S. Bakst ต่อมาคือ M.V. Dobuzhinsky และคนอื่น ๆ ดังที่ Dobuzhinsky เขียนไว้ มันเป็น "เพื่อนที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวกันซึ่งเชื่อมโยงกันด้วยวัฒนธรรมเดียวกันและรสนิยมเดียวกัน" ซึ่งเป็นนิทรรศการแรกจากห้านิทรรศการ นิตยสารดังกล่าวเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2442 โดยสมาคมเองก็ได้รับการจัดตั้งอย่างเป็นทางการในปี พ.ศ. 2443 นิตยสารดังกล่าวดำรงอยู่จนถึงสิ้นปี พ.ศ. 2447 และหลังจากการปฏิวัติในปี พ.ศ. 2448 กิจกรรมอย่างเป็นทางการของสมาคมก็ยุติลง นอกจากสมาชิกของสมาคมแล้ว ศิลปินที่โดดเด่นหลายรายในช่วงเปลี่ยนศตวรรษซึ่งมีสายหลักทางจิตวิญญาณและสุนทรียภาพหลักของ "โลกแห่งศิลปะ" ยังได้รับเชิญให้เข้าร่วมในนิทรรศการอีกด้วย ในหมู่พวกเขาก่อนอื่นเราสามารถตั้งชื่อชื่อของ K. Korovin, M. Vrubel, V. Serov, N. Roerich, M. Nesterov, I. Grabar, F. Malyavin อาจารย์ต่างชาติบางคนก็ได้รับเชิญด้วย นักคิดและนักเขียนศาสนาชาวรัสเซียจำนวนมากก็ได้รับการตีพิมพ์ในหน้านิตยสารเช่นกัน ซึ่งสนับสนุนการ "ฟื้นฟู" จิตวิญญาณในรัสเซียด้วยวิธีของตนเอง นี่คือ V. Rozanov

* บทความนี้ใช้ข้อมูลจากโครงการวิจัยหมายเลข 05-03-03137a ซึ่งได้รับการสนับสนุนจาก Russian Foundation for Humanities

D. Merezhkovsky, L. Shestov, N. Minsky และคนอื่น ๆ นิตยสารและสมาคมในรูปแบบดั้งเดิมใช้เวลาไม่นาน แต่จิตวิญญาณของ "โลกแห่งศิลปะ" การตีพิมพ์การจัดองค์กรนิทรรศการและกิจกรรมการศึกษาทำให้ เครื่องหมายที่เห็นได้ชัดเจนเกี่ยวกับวัฒนธรรมและสุนทรียภาพของรัสเซียและผู้เข้าร่วมหลักของสมาคม - นักเรียน World of Art - ยังคงรักษาจิตวิญญาณและความพึงพอใจด้านสุนทรียภาพนี้ไว้เกือบตลอดชีวิต ในปี พ.ศ. 2453-2467 “โลกแห่งศิลปะ” กลับมาดำเนินกิจกรรมอีกครั้ง แต่มีองค์ประกอบที่ขยายออกไปอย่างมาก และไม่มีแนวสุนทรีย์แนวแรก (สุนทรียภาพหลัก) ที่มุ่งเน้นอย่างชัดเจนเพียงพอ ผู้แทนสมาคมจำนวนมากในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ย้ายไปปารีส แต่ถึงแม้ที่นั่นพวกเขายังคงยึดมั่นในรสนิยมทางศิลปะในวัยเยาว์

แนวคิดหลักสองประการที่รวมผู้เข้าร่วม "โลกแห่งศิลปะ" ไว้ในชุมชนที่บูรณาการ: 1. ความปรารถนาที่จะกลับคืนสู่งานศิลปะรัสเซียซึ่งเป็นคุณภาพหลักของศิลปะ ศิลปะปลดปล่อยศิลปะจากความเอนเอียงใดๆ (สังคม ศาสนา การเมือง ฯลฯ) และมุ่งสู่ทิศทางแห่งสุนทรียศาสตร์ล้วนๆ ด้วยเหตุนี้ สโลแกน l'art pour l'art จึงเป็นที่นิยมในหมู่พวกเขา แม้จะเก่าแก่ในวัฒนธรรม การปฏิเสธอุดมการณ์และการปฏิบัติทางศิลปะของนักวิชาการและการพเนจร ความสนใจเป็นพิเศษในแนวโน้มโรแมนติกและสัญลักษณ์ในงานศิลปะ ในภาษาอังกฤษยุคก่อนราฟาเอล ภาษาฝรั่งเศส Nabids ในภาพวาดของ Puvis de Chavannes ตำนานของ Böcklin สุนทรียศาสตร์ของ Jugendstil, Art Nouveau แต่ยังรวมไปถึงเทพนิยายแฟนตาซีของ E.T.A. Hoffmann ไปจนถึงดนตรีของ R. Wagner ไปจนถึงบัลเล่ต์อันเป็นรูปแบบที่บริสุทธิ์ ศิลปะ ฯลฯ ; แนวโน้มที่จะรวมวัฒนธรรมและศิลปะของรัสเซียไว้ในบริบททางศิลปะของยุโรปในวงกว้าง 2. บนพื้นฐานนี้ - ความโรแมนติก บทกวี การทำให้มรดกแห่งชาติรัสเซียสวยงาม โดยเฉพาะช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 มุ่งเน้นไปที่วัฒนธรรมตะวันตก และความสนใจทั่วไปในวัฒนธรรมหลัง Petrine และศิลปะพื้นบ้านตอนปลาย ซึ่งผู้เข้าร่วมหลักของ สมาคมได้รับฉายาในวงการศิลปะว่า "นักฝันย้อนหลัง"

กระแสหลักของ "โลกแห่งศิลปะ" คือหลักการของนวัตกรรมทางศิลปะโดยอาศัยรสนิยมทางสุนทรีย์ที่ได้รับการพัฒนาอย่างสูง ดังนั้นความชอบทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์และทัศนคติที่สร้างสรรค์ของศิลปินระดับโลก ในความเป็นจริงพวกเขาสร้างเวอร์ชันรัสเซียที่มั่นคงของการเคลื่อนไหวที่เฉียบแหลมทางสุนทรียภาพในช่วงเปลี่ยนศตวรรษซึ่งมุ่งสู่บทกวีของนีโอโรแมนติกนิยมหรือสัญลักษณ์นิยมไปสู่การตกแต่งและความไพเราะของเส้นสายและในประเทศต่าง ๆ ก็มีชื่อที่แตกต่างกัน (อาร์ตนูโว , การแยกตัวออก, Jugendstil) และในรัสเซียเรียกว่าสไตล์ " ทันสมัย"

ผู้เข้าร่วมการเคลื่อนไหวด้วยตนเอง (Benoit, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lanceray, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin) ไม่ใช่ศิลปินที่ยอดเยี่ยมไม่ได้สร้างผลงานศิลปะชิ้นเอกหรือผลงานที่โดดเด่น แต่เขียนหน้าที่สวยงามและเกือบจะสวยงามหลายหน้าในประวัติศาสตร์ของ ศิลปะรัสเซียซึ่งแสดงให้โลกเห็นจริงๆ ว่าศิลปะรัสเซียไม่ได้แปลกแยกจากจิตวิญญาณของสุนทรียนิยมที่มุ่งเน้นระดับชาติในความหมายที่ดีที่สุดของคำที่เสื่อมโทรมอย่างไม่ยุติธรรมนี้ ลักษณะของสไตล์ของศิลปิน Miriskus ส่วนใหญ่คือความเป็นเส้นตรงอันงดงาม (ภาพกราฟิก - พวกเขานำกราฟิกของรัสเซียไปสู่ระดับของรูปแบบศิลปะอิสระ), การตกแต่งที่ละเอียดอ่อน, การคิดถึงความงามและความหรูหราของยุคที่ผ่านมา, บางครั้งแนวโน้มนีโอคลาสสิกและความใกล้ชิดในงานขาตั้ง ในเวลาเดียวกันพวกเขาหลายคนสนใจในการสังเคราะห์ศิลปะการแสดงละครด้วยเหตุนี้จึงมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการผลิตละครโครงการของ Diaghilev และ "ฤดูกาลของรัสเซีย" ทำให้ความสนใจในดนตรีการเต้นรำและโรงละครสมัยใหม่โดยทั่วไปเพิ่มขึ้น เป็นที่ชัดเจนว่าศิลปินในโลกส่วนใหญ่มีความระมัดระวัง และตามกฎแล้ว มีทัศนคติเชิงลบอย่างมากเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวแนวหน้าในยุคนั้น “โลกแห่งศิลปะ” พยายามค้นหาเส้นทางแห่งนวัตกรรมในงานศิลปะของตนเอง เชื่อมโยงอย่างแน่นหนากับประเพณีที่ดีที่สุดของศิลปะในอดีต เป็นทางเลือกแทนเส้นทางของเปรี้ยวจี๊ด วันนี้เราเห็นแล้วว่าในศตวรรษที่ยี่สิบ ความพยายามของศิลปิน World of Art ไม่ได้รับการพัฒนาเลย แต่ในช่วงสามแรกของศตวรรษพวกเขามีส่วนในการรักษาระดับสุนทรียภาพระดับสูงในวัฒนธรรมรัสเซียและยุโรปและทิ้งความทรงจำที่ดีไว้ในประวัติศาสตร์ศิลปะและวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณ

ที่นี่ฉันต้องการที่จะอยู่โดยเฉพาะในทัศนคติทางศิลปะและรสนิยมทางสุนทรีย์ของตัวแทนหลักบางส่วนของ "โลกแห่งศิลปะ" และศิลปินที่เข้าร่วมขบวนการอย่างแข็งขันเพื่อระบุแนวโน้มหลักทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ของการเคลื่อนไหวทั้งหมดนอกเหนือจาก สิ่งที่นักประวัติศาสตร์ศิลปะแสดงให้เห็นอย่างดีโดยอาศัยการวิเคราะห์ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของศิลปินระดับโลกเอง

คอนสแตนติน โซมอฟ (พ.ศ. 2412-2482) ใน "โลกแห่งศิลปะ" เป็นหนึ่งในสุนทรียภาพที่ประณีตและซับซ้อนที่สุดคิดถึงความงามของศิลปะคลาสสิกในอดีตจนกระทั่งวันสุดท้ายของชีวิตเขากำลังมองหาความงามหรือร่องรอยของมัน ในงานศิลปะร่วมสมัยและพยายามสร้างความงดงามนี้อย่างสุดความสามารถ ในจดหมายฉบับหนึ่งของเขา เขาอธิบายกับ A. Benois ว่าเหตุใดเขาจึงไม่สามารถมีส่วนร่วมในขบวนการปฏิวัติในปี 1905 ซึ่งกวาดล้างไปทั่วรัสเซียในทางใดทางหนึ่ง: "...ก่อนอื่นเลย ฉันหลงรักความงามและความต้องการอย่างบ้าคลั่ง ให้บริการ; ความเหงาที่มีน้อยและมีอะไรเข้ามา

จิตวิญญาณของมนุษย์เป็นนิรันดร์และไม่มีตัวตน ฉันให้ความสำคัญเหนือสิ่งอื่นใด ฉันเป็นคนปัจเจกนิยม โลกทั้งโลกหมุนรอบ "ฉัน" ของฉัน และโดยพื้นฐานแล้ว ฉันไม่สนใจว่าอะไรจะเกินขอบเขตของ "ฉัน" นี้และความคับแคบของมัน (89) และเพื่อตอบสนองต่อข้อร้องเรียนของนักข่าวเกี่ยวกับ "ความหยาบคาย" ที่เพิ่มมากขึ้นเขาปลอบใจเขาด้วยความจริงที่ว่ามีเพียงพอตลอดเวลา แต่ความงามยังคงอยู่ข้างๆ เสมอ - ในระบบใด ๆ ก็เพียงพอที่จะ "สร้างแรงบันดาลใจให้กับกวีและศิลปิน ” (91)

Somov มองว่าความงามเป็นความหมายหลักของชีวิตดังนั้นจึงมองเห็นการสำแดงทั้งหมดของมัน แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งขอบเขตของศิลปะผ่านแว่นตาสุนทรียศาสตร์แม้ว่าจะเป็นผลงานของเขาเองที่ค่อนข้างเป็นอัตนัยก็ตาม ในเวลาเดียวกัน เขาพยายามอย่างต่อเนื่องไม่เพียงแต่เพลิดเพลินไปกับวัตถุทางสุนทรีย์เท่านั้น แต่ยังเพื่อพัฒนารสนิยมทางสุนทรีย์ของเขาด้วย ในฐานะศิลปินชื่อดังอายุสี่สิบปีแล้ว เขาไม่คิดว่ามันน่าละอายที่จะเข้าร่วมการบรรยายเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของ I. Grabar แต่ตลอดชีวิตของเขา ประสบการณ์ด้านสุนทรียศาสตร์หลักของเขาได้มาจากการสื่อสารกับงานศิลปะ จนกระทั่งวาระสุดท้ายแห่งชีวิตของเขาสิ้นสุดลงกะทันหัน เขาก็ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย จากจดหมายและสมุดบันทึกของเขาเราพบว่าทั้งชีวิตของเขาใช้เวลาไปกับงานศิลปะ นอกเหนือจากงานสร้างสรรค์แล้ว การเข้าชมนิทรรศการ แกลเลอรี พิพิธภัณฑ์ เวิร์กช็อปของศิลปิน โรงละคร และคอนเสิร์ตฮอลล์อย่างต่อเนื่องเกือบทุกวัน ในเมืองใดก็ตามที่เขาไปเยือน สิ่งแรกที่เขาทำคือวิ่งไปที่พิพิธภัณฑ์และโรงละคร และเราพบปฏิกิริยาสั้นๆ ต่อการมาเยี่ยมเกือบทุกครั้งในสมุดบันทึกหรือจดหมายของเขา ที่นี่ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2453 เขาอยู่ในมอสโก “ฉันเหนื่อยในระหว่างวัน แต่ฉันก็ไปโรงละครทุกเย็น” (106) และบันทึกเดียวกันจนกระทั่งปีสุดท้ายของชีวิตในปารีส มีโรงละคร คอนเสิร์ต นิทรรศการเกือบทุกวัน ในเวลาเดียวกัน เขาไม่เพียงแต่เยี่ยมชมในสิ่งที่เขารู้ว่าเขาจะได้รับความพึงพอใจด้านสุนทรียภาพ แต่ยังรวมถึงหลาย ๆ สิ่งที่ไม่สามารถตอบสนองความต้องการด้านสุนทรียศาสตร์ของเขาได้ ติดตามเหตุการณ์ในชีวิตศิลปะอย่างมืออาชีพและมองหาร่องรอยของความงามเป็นอย่างน้อย

และเขาพบพวกมันได้เกือบทุกที่ เขาไม่ลืมที่จะกล่าวถึงความงดงามของภูมิประเทศที่เขาค้นพบในฝรั่งเศส อเมริกา ลอนดอน และในมอสโกวในยุคโซเวียต เกี่ยวกับความงามของอาสนวิหารชาตร์หรือการตกแต่งภายในบ้านและพระราชวังที่พระองค์เสด็จเยือนในประเทศต่างๆ ทั่วโลก อย่างไรก็ตามเขาเพลิดเพลินกับความงดงามของศิลปะด้วยความรักที่พิเศษและสม่ำเสมอ ในเวลาเดียวกันด้วยความหลงใหลที่เท่าเทียมกันเขาฟังเพลงโอเปร่าดูบัลเล่ต์และการแสดงละครอ่านนิยายบทกวีและแน่นอนว่าไม่พลาดโอกาสเดียวในการชมภาพวาดทั้งปรมาจารย์เก่าและผู้ร่วมสมัยของเขา และทุกครั้งที่สัมผัสกับงานศิลปะ เขาก็มีสิ่งที่จะพูด ในเวลาเดียวกันการตัดสินของเขาแม้จะค่อนข้างเป็นส่วนตัว แต่ก็มักจะกลายเป็นเช่นนั้น

เหมาะสมและแม่นยำซึ่งเน้นย้ำด้วยการพูดน้อย ความประทับใจทั่วไปความคิดเห็นเฉพาะบางประการ แต่เรารู้สึกถึงทั้งระดับจิตสำนึกด้านสุนทรียศาสตร์ของ Somov เองและจิตวิญญาณของบรรยากาศของยุคเงินซึ่งจิตสำนึกนี้ก่อตัวขึ้น

“ ตอนเย็นฉันอยู่ที่คอนเสิร์ต Koussevitzky พิธีมิสซาของบาคกำลังดำเนินต่อไป เรียงความเกี่ยวกับความงามและแรงบันดาลใจที่ไม่ธรรมดา การประหารชีวิตนั้นยอดเยี่ยมและกลมกลืนกันมาก” (1914) (138) รู้สึกยินดีอย่างยิ่งกับการแสดงของ New York Philharmonic ภายใต้ Toscanini: “ฉันไม่เคยได้ยินอะไรแบบนี้มาก่อนเลยในชีวิต” (Paris, 1930) (366) การแสดงมิสซาโดยคณะนักร้องประสานเสียงของสมเด็จพระสันตะปาปาที่มหาวิหารน็อทร์-ดาม: “ความประทับใจจากคณะนักร้องประสานเสียงนี้ช่างแปลกประหลาด ฉันไม่เคยได้ยินเสียงประสาน ความบริสุทธิ์ของเสียง ทำนองภาษาอิตาลี เสียงแหลมอันไพเราะเช่นนี้มาก่อน” (1931) (183) เกี่ยวกับการแสดงของคณะนักร้องประสานเสียงบาเซิลในโอเปร่า "Idomeneo" ของโมสาร์ท: "เธอกลายเป็นคนที่ยอดเยี่ยมและมีความงามที่ไม่มีใครเทียบได้" (ปารีส, 1933) (409) ฯลฯ และอื่น ๆ ในวัยชราเขาใช้เวลาสี่เย็นในแกลเลอรีของโรงละครซึ่งมีการแสดง tetralogy ของ Wagner โดยคณะ Bayreuth ไม่สามารถรับตั๋วอื่นได้ และการแสดงแต่ละครั้งใช้เวลา 5-6 ชั่วโมง ปลายเดือนมิถุนายน ปารีสร้อน “แต่ก็ยังมีความสุข” (355)

Somov เข้าร่วมบัลเล่ต์ด้วยความกระตือรือร้นมากยิ่งขึ้นตลอดชีวิตของเขา โดยเฉพาะรัสเซียซึ่งกองกำลังที่ดีที่สุดไปจบลงที่ตะวันตกหลังการปฏิวัติในปี 1917 ที่นี่มีทั้งความสุขทางสุนทรีย์และความสนใจอย่างมืออาชีพในการออกแบบงานศิลปะ ซึ่งบ่อยครั้ง (โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแสดงช่วงแรกๆ ของ Diaghilev) ดำเนินการโดยเพื่อนและเพื่อนร่วมงานของเขาใน "โลกแห่งศิลปะ" ในบัลเล่ต์ ดนตรี ละคร และในการวาดภาพ ความสุขที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Somov มาจากความคลาสสิกหรือสุนทรียภาพอันประณีต อย่างไรก็ตาม ในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 20 ไม่ค่อยมีเหตุการณ์เช่นนี้เกิดขึ้นเลย โดยเฉพาะในปารีส แนวโน้มของเปรี้ยวจี๊ดได้รับความแข็งแกร่งมากขึ้นเรื่อย ๆ ทุกทิศทางของเปรี้ยวจี๊ดก็เฟื่องฟูและ Somov เฝ้าดูฟังอ่านทั้งหมดนี้พยายามค้นหาร่องรอยของความงามในทุกสิ่งซึ่งไม่ได้พบเสมอไปดังนั้นเขาจึงมักจะมี เพื่อประเมินสิ่งที่เห็น ได้ยิน และอ่านในทางลบ

ทุกสิ่งที่มุ่งสู่สุนทรียศาสตร์แห่งต้นศตวรรษโดยเฉพาะอย่างยิ่งดึงดูดความสนใจของศิลปินชาวรัสเซียและนวัตกรรมล้ำหน้าไม่ได้รับการหลอมรวมจากเขาแม้ว่าจะรู้สึกว่าเขาพยายามค้นหากุญแจแห่งสุนทรียภาพของตัวเองสำหรับพวกเขาก็ตาม มันเกิดขึ้นน้อยมาก ในปารีสเขาเข้าร่วมการแสดงทั้งหมดของ Diaghilev มักจะชื่นชมนักเต้นและท่าเต้น แต่ไม่ค่อยพอใจกับทิวทัศน์และเครื่องแต่งกายซึ่งในช่วงปี ค.ศ. 1920

นักเขียนภาพแบบเหลี่ยมได้ทำสิ่งนี้บ่อยครั้งแล้ว “ฉันชอบบัลเลต์เก่าของเรา” เขายอมรับในจดหมายเมื่อปี 1925 “แต่นี่ไม่ได้ขัดขวางไม่ให้ฉันเพลิดเพลินไปกับบัลเลต์ใหม่ การออกแบบท่าเต้นและนักเต้นที่ยอดเยี่ยมเป็นหลัก ฉันไม่สามารถทนชมวิวของ Picasso, Matisse, Derain ได้ ฉันชอบภาพลวงตาหรือความงามอันเขียวชอุ่ม” (280) ในนิวยอร์ก เขาไปที่ "แถวหลังของแกลเลอรี" และเพลิดเพลินกับการแสดงของนักแสดงชาวอเมริกัน ฉันดูละครหลายเรื่องและสรุปว่า “ฉันไม่ได้เห็นการเล่นที่สมบูรณ์แบบและพรสวรรค์เช่นนี้มานานแล้ว นักแสดงชาวรัสเซียของเราเตี้ยกว่ามาก” (270) แต่เขาถือว่าวรรณกรรมอเมริกันเป็นวรรณกรรมชั้นสอง ซึ่งไม่ได้ขัดขวาง ชาวอเมริกันเองก็ไม่พึงพอใจกับวรรณกรรมเรื่องนี้ รู้สึกยินดีกับบางสิ่งโดย A. France และ M. Prous

ในงานศิลปะสมัยใหม่ Somov ชอบผลงานหลายชิ้นของเพื่อนของเขา A. Benois มากที่สุด: ทั้งกราฟิกและฉากละคร เขาพอใจกับภาพวาดและสีน้ำของ Vrubel - "บางสิ่งที่น่าทึ่งในความฉลาดและความกลมกลืนของสี" (78) เขาประทับใจ Gauguin ในคอลเลกชันของ Shchukin; เคยยกย่องสีสันที่หลากหลาย (ยอดนิยม) ในผลงานละครเรื่องหนึ่งของ N. Goncharova แม้ว่าในภายหลังจะอิงจากหุ่นนิ่งของเธอ แต่เขาก็พูดถึงเธอว่าโง่และโง่เขลา "ตัดสินโดยสิ่งโง่ ๆ เหล่านี้ของเธอ" (360) ; ตั้งข้อสังเกตโดยผ่านว่า Filonov มี "งานศิลปะที่ยอดเยี่ยมแม้ว่าจะไม่เป็นที่พอใจก็ตาม" (192) โดยทั่วไปแล้ว เขาตระหนี่ในการยกย่องเพื่อนจิตรกร บางครั้งเขาก็เหน็บแนม ขมขื่น และหยาบคายในการวิจารณ์ผลงานของหลายคน แม้ว่าเขาจะไม่ได้ยกย่องตัวเองก็ตาม เขามักจะแสดงความไม่พอใจกับงานของเขา เขามักจะบอกเพื่อนๆ และญาติๆ ว่าเขาร้องไห้และทำลายการเรียนและภาพร่างที่เขาไม่ชอบ และเขาไม่ชอบผลงานที่ทำเสร็จหลายชิ้น โดยเฉพาะงานที่จัดแสดงไปแล้ว

นี่คือความคิดเห็นที่เกือบจะสุ่มเลือกของ Somov เกี่ยวกับผลงานของเขา: “ ฉันเริ่มวาดภาพศตวรรษที่ 18 ผู้หญิงในชุดสีม่วงบนม้านั่งในสวนสาธารณะที่มีตัวอักษรภาษาอังกฤษ ซ้ำซากและหยาบคายอย่างยิ่ง ฉันไม่สามารถทำงานได้ดี” (192) “ ภาพวาดที่หยาบคายอีกครั้งเริ่มต้นขึ้น: Marquise (เวรกรรม!) นอนอยู่บนพื้นหญ้าคนสองคนกำลังฟันดาบในระยะไกล ฉันวาดจนถึง 21.00 น. มันน่าขยะแขยง พรุ่งนี้จะลองลงสีดูครับ จิตวิญญาณของฉันรู้สึกป่วย” (193) เกี่ยวกับผลงานของเขาที่ Tretyakov Gallery (และผลงานที่ดีที่สุดถูกนำไปที่นั่นรวมถึง "Lady in Blue" ที่โด่งดัง): "สิ่งที่ฉันกลัวฉันประสบ:" ฉันไม่ชอบ "The Lady in Blue" เช่น ทุกสิ่งทุกอย่างที่ฉันทำ...” (112) และคำพูดดังกล่าวไม่ใช่เรื่องแปลกจากเขาและแสดงให้เห็นถึงความสวยงามเป็นพิเศษของอาจารย์ต่อตัวเขาเอง ในเวลาเดียวกันเขารู้ถึงช่วงเวลาแห่งความสุขจากการวาดภาพและเชื่อมั่นว่า "การวาดภาพทำให้ชีวิตมีความสุขและบางครั้งก็ให้ช่วงเวลาที่มีความสุข" (80) เขาเข้มงวดกับเพื่อนร่วมงานในร้านเป็นพิเศษ และอย่างแรกเลยคือ

ทุกสิ่งทุกอย่าง ไปจนถึงองค์ประกอบใดๆ ของศิลปะแนวหน้า เขาเหมือนกับคนส่วนใหญ่ในโลกแห่งศิลปะที่ไม่เข้าใจและไม่ยอมรับมัน นี่คือจุดยืนภายในของศิลปิน ซึ่งแสดงถึงลัทธิความเชื่อด้านสุนทรียภาพของเขา

ดวงตาอันสวยงามที่เข้มงวดของ Somov มองเห็นข้อบกพร่องในคนรุ่นราวคราวเดียวกัน มันไปทั้งรัสเซียและฝรั่งเศสอย่างเท่าเทียมกัน แน่นอนว่าเราไม่ได้พูดถึงผลงานของอาจารย์คนใดคนหนึ่งโดยรวมเสมอไป แต่หมายถึงผลงานเฉพาะที่เห็นในนิทรรศการหรือเวิร์คช็อปแห่งใดแห่งหนึ่ง ตัวอย่างเช่นเขาแสดง "ความจริงที่ไร้ความปรานี" ต่อ Petrov-Vodkin เกี่ยวกับภาพวาด "Attack" ของเขาหลังจากนั้นเขาต้องการ "ยิงตัวเองหรือแขวนคอตาย" (155-156) ในนิทรรศการครั้งหนึ่งในปี 2459: "Korovin's Dryzgatnya"; ภาพวาดของ Mashkov นั้น "มีสีสันสวยงาม แต่ก็โง่เขลา"; ผลงานของ Sudeikin, Kustodiev, Dobuzhinsky, Grabar นั้นไม่น่าสนใจ (155) ในนิทรรศการปี 1918: “ Grigoriev นักลามกอนาจารราคาถูกที่มีพรสวรรค์อย่างน่าทึ่ง แต่ไอ้โง่โง่เขลา ฉันชอบบางสิ่ง... Petrov-Vodkin ยังคงเป็นคนโง่ที่น่าเบื่อโง่และเสแสร้งเหมือนเดิม การผสมผสานที่ทนไม่ได้แบบเดียวกันของโทนสีน้ำเงินเขียวแดงและอิฐบริสุทธิ์อันไม่พึงประสงค์ Dobuzhinsky เป็นภาพครอบครัวที่แย่มากและอย่างอื่นอีกเล็กน้อย” (185) ตลอดชีวิตของเขาเขามีทัศนคติเดียวกับ Grigoriev - "มีพรสวรรค์ แต่ไร้สาระ โง่เขลาและหลงตัวเอง" (264) ในการแสดงครั้งแรกของการผลิต "The Stone Guest" โดย Meyerhold และ Golovin: "ไร้สาระ, เสแสร้งมาก, โง่เขลามาก, กองพะเนินเทินทึก, โง่เขลา" (171) ยาโคฟเลฟมีสิ่งมหัศจรรย์มากมาย แต่“ เขายังไม่มีสิ่งสำคัญ - จิตใจและจิตวิญญาณ ถึงกระนั้นเขาก็ยังคงเป็นศิลปินภายนอก” (352) “มีความผิวเผินและความเร่งรีบอยู่ในตัวเขาเสมอ” (376)

ศิลปินตะวันตกได้รับประโยชน์จาก Somov มากยิ่งขึ้น แม้ว่าแนวทางของเขาในทุกสิ่งจะเป็นไปในเชิงอัตวิสัยล้วนๆ (เช่นเดียวกับศิลปินในสาขาศิลปะของเขา) ดังนั้นในมอสโกในการพบกันครั้งแรกกับผลงานชิ้นเอกในคอลเลกชัน Shchukin: “ ฉันชอบ Gauguin มาก แต่ไม่ใช่ Matisse เลย ศิลปะของเขาไม่ใช่ศิลปะเลย!” (111) ภาพวาดของ Cezanne ไม่เคยได้รับการยอมรับว่าเป็นงานศิลปะ ในปีสุดท้ายของชีวิต (พ.ศ. 2482) ที่นิทรรศการ Cezanne: “ยกเว้นหุ่นหุ่นสวยหนึ่งตัว (หรืออาจจะสามตัว) เกือบทุกอย่างจะแย่ หมองคล้ำ ไม่มีคุณค่า และมีสีสันที่จืดชืด ร่างและการ "อาบน้ำ" ที่เปลือยเปล่าของเขานั้นน่าขยะแขยงปานกลางและไม่เหมาะสม ภาพบุคคลที่น่าเกลียด" (436) Van Gogh ยกเว้นบางสิ่ง: “ไม่เพียงแต่ไม่ยอดเยี่ยม แต่ยังไม่ดีอีกด้วย” (227) ดังนั้นเกือบทุกอย่างที่นอกเหนือไปจากสุนทรียศาสตร์ทางศิลปะระดับโลกที่ได้รับการขัดเกลาซึ่งเป็นรากฐานของความสัมพันธ์นี้ไม่ได้รับการยอมรับจาก Somov และไม่ได้ให้ความพึงพอใจทางสุนทรีย์แก่เขา

เขาพูดอย่างรุนแรงยิ่งขึ้นเกี่ยวกับศิลปินแนวหน้าที่เขาพบในมอสโกวแล้วพบเห็นเป็นประจำในปารีส แต่ทัศนคติต่อพวกเขาคงที่และเกือบจะเป็นลบเสมอ เกี่ยวกับนิทรรศการ "0.10" ซึ่งอย่างที่ทราบกันดีว่า Malevich ได้จัดแสดงผลงาน Suprematist ของเขาเป็นครั้งแรก: "ไม่มีนัยสำคัญโดยสิ้นเชิงและสิ้นหวัง ไม่ใช่ศิลปะ กลเม็ดอันเลวร้ายในการส่งเสียงดัง” (152) ในนิทรรศการปี 1923 ที่ Academy of Arts บน Vasilyevsky:“ มีฝ่ายซ้ายจำนวนมาก - และแน่นอนว่าเป็นสิ่งที่น่ารังเกียจอย่างยิ่งยวดและความโง่เขลา” (216) วันนี้เป็นที่ชัดเจนว่าในนิทรรศการดังกล่าวมี "ความเย่อหยิ่งและความโง่เขลา" มากมาย แต่ก็มีผลงานมากมายที่รวมอยู่ในผลงานคลาสสิกของเปรี้ยวจี๊ดระดับโลก Somov ก็เหมือนกับนักเรียน World of Art ส่วนใหญ่ที่ไม่เห็นสิ่งนี้ ในแง่นี้ เขายังคงเป็นผู้ยึดมั่นในแบบดั้งเดิม แต่เข้าใจการวาดภาพในแบบของเขาเอง เขายังไม่เคารพ Peredvizhniki และนักวิชาการ ศิลปินทั่วโลกต่างรวมตัวกันในเรื่องนี้ Dobuzhinsky จำได้ว่าพวกเขาไม่ค่อยสนใจผู้เดินทางเลย "ปฏิบัติต่อคนรุ่นของพวกเขาอย่างไม่เคารพ" และไม่เคยพูดถึงพวกเขาในการสนทนาเลยด้วยซ้ำ

อย่างไรก็ตามไม่ใช่ทุกสิ่งในเปรี้ยวจี๊ดที่ถูกปฏิเสธอย่างรุนแรงโดย Somov - ที่ซึ่งเขาเห็นร่องรอยของความงามอย่างน้อยเขาก็ปฏิบัติต่อคู่อริของเขาอย่างถ่อมตัว ดังนั้นเขาถึงชอบทิวทัศน์แบบคิวบิสม์ของ Picasso และเครื่องแต่งกายสำหรับ "Pulcinella" แต่ม่านของ Picasso ที่ "ผู้หญิงตัวใหญ่สองคนที่มีแขนเหมือนขาและขาเหมือนช้าง มีหัวนมเป็นรูปสามเหลี่ยมโปน สวมเสื้อคลุมสีขาวกำลังเต้นรำอย่างดุเดือด ” เขาอธิบายอย่างกระชับ:“ น่าขยะแขยง!” (250) เขาเห็นพรสวรรค์ของ Filonov แต่ปฏิบัติต่อภาพวาดของเขาอย่างเย็นชา หรือเขาชื่นชม S. Dali อย่างมากในฐานะช่างเขียนแบบที่ยอดเยี่ยม แต่โดยทั่วไปแล้วเขาไม่พอใจกับงานศิลปะของเขาแม้ว่าเขาจะดูทุกอย่างก็ตาม เกี่ยวกับภาพประกอบของมิเตอร์เซอร์เรียลิสต์สำหรับ "Songs of Maldoror" ของ Lautreamont ในแกลเลอรีเล็กๆ บางแห่ง: "ทุกอย่างเหมือนกันหมด ขาเน่าๆ ครึ่งๆ เดียวที่ห้อยลงมาจากอาร์ชิน สเต็กทีโบนบนต้นขามนุษย์ของร่างป่าของเขา<...>แต่ต้าหลี่มีพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมจริงๆ เขาวาดได้มหัศจรรย์ขนาดไหน เขาแสร้งทำเป็นเป็นคนเพียงคนเดียวที่พิเศษหรือแท้จริงเกี่ยวกับความเร้าอารมณ์และความคลั่งไคล้หรือไม่? (419) แม้ว่าในทางที่ขัดแย้งกัน ตัวเขาเองก็เป็นที่รู้จักกันดีจากผลงานของเขา แต่ก็ไม่ใช่คนแปลกหน้าสำหรับเรื่องกามารมณ์ แม้ว่าจะมีความสวยงาม น่ารัก และคริโนลีนก็ตาม และบางสิ่งทางพยาธิวิทยามักดึงดูดเขา ในปารีส ฉันไปที่ Musée patologique ซึ่งฉันดู... ตุ๊กตาหุ่นขี้ผึ้ง: ความเจ็บป่วย บาดแผล การคลอดบุตร ทารกในครรภ์ สัตว์ประหลาด การแท้งบุตร ฯลฯ ฉันชอบพิพิธภัณฑ์แบบนี้ ฉันอยากไปพิพิธภัณฑ์ Grevin” (320)

เช่นเดียวกับวรรณกรรม การละคร ดนตรี ทุกสิ่งที่ล้ำหน้าไม่ทางใดก็ทางหนึ่งผลักไสเขาและทำให้รสนิยมทางสุนทรีย์ของเขาขุ่นเคือง ด้วยเหตุผลบางอย่างเขาไม่ชอบ Stravinsky เป็นพิเศษ เธอวิพากษ์วิจารณ์เพลงของเขาบ่อยครั้งและด้วยเหตุผลทุกประการ ในวรรณคดีเขาโกรธเคืองกับเบลี “ ฉันอ่าน “Petersburg” ของ Andrei Bely - มันน่าขยะแขยง! รสจืด โง่! ไม่มีการศึกษา เหมือนผู้หญิง และที่สำคัญที่สุดคือน่าเบื่อและไม่น่าสนใจ” (415) อย่างไรก็ตาม “น่าเบื่อ” และ “ไม่น่าสนใจ” คือการประเมินด้านสุนทรียภาพเชิงลบที่สำคัญที่สุดของเขา เขาไม่เคยพูดเรื่องนี้เกี่ยวกับต้าหลี่หรือปิกัสโซ โดยทั่วไปแล้ว เขาถือว่าลัทธิเปรี้ยวจี๊ดทั้งหมดเป็นวิญญาณที่ไม่ดีในสมัยนั้น “ผมคิดว่าคนสมัยใหม่ในปัจจุบัน” เขาเขียนในปี 1934 “จะหายไปอย่างสิ้นเชิงใน 40 ปี และจะไม่มีใครรวบรวมพวกเขา” (416) อนิจจา การทำนายทางศิลปะและวัฒนธรรมนั้นอันตรายแค่ไหน ทุกวันนี้ "นักสมัยใหม่" เหล่านี้ได้รับเงินจำนวนมหาศาลและผู้ที่มีพรสวรรค์มากที่สุดก็กลายเป็นงานศิลปะคลาสสิกของโลก

ท่ามกลางความผันผวนทางประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 การประเมินผลงานของศิลปินแนวหน้าเชิงลบอย่างมากบางครั้งก็หยาบคายและอัตนัยอย่างมากของ Somov หลายคนดูเหมือนไม่ยุติธรรมสำหรับเราและดูเหมือนจะดูถูกภาพลักษณ์ของศิลปินที่มีความสามารถแห่งยุคเงินซึ่งเป็นนักร้องที่มีความซับซ้อนในบทกวีของ crinoline - ผู้กล้าหาญแห่งศตวรรษที่ 18 ซึ่งเขาได้สร้างอุดมคติไว้อย่างยิ่ง รำลึกถึงความงามอันประณีตที่เขาได้คิดค้นขึ้นเอง อย่างไรก็ตาม สาเหตุของทัศนคติเชิงลบของเขาต่อภารกิจแนวหน้าและการทดลองที่มีรูปแบบมีรากฐานมาจากสุนทรียศาสตร์ที่ประดิษฐ์ขึ้น ซับซ้อน และน่าดึงดูดอย่างน่าประหลาดใจ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Somov จับจ้องไปที่จุดเริ่มต้นของกระบวนการที่ต่อต้านหลักการสำคัญของศิลปะ - ศิลปะของมันแม้ว่าเขาจะวิพากษ์วิจารณ์ในหมู่ปรมาจารย์เมื่อต้นศตวรรษที่ยี่สิบก็ตาม มันยังค่อนข้างอ่อนแอ และมันก็เจ็บปวดที่ได้สัมผัส รสชาติอันประณีตของสุนทรีย์นั้นตอบสนองอย่างประหม่าและรุนแรงต่อการเบี่ยงเบนจากความงามในงานศิลปะแม้แต่ในตัวเขาเองก็ตาม ในประวัติศาสตร์ของประสบการณ์ศิลปะและสุนทรียศาสตร์ เขาเป็นหนึ่งในผู้ยึดมั่นใน "วิจิตรศิลป์" คนสุดท้ายและสม่ำเสมอในความหมายที่แท้จริงของแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์คลาสสิกนี้

และในตอนท้ายของการสนทนาเกี่ยวกับ Somov หนึ่งในคำสารภาพที่น่าสนใจอย่างยิ่งเกือบจะเป็นฟรอยด์และเป็นส่วนตัวของเขาในบันทึกประจำวันของเขาลงวันที่ 1 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2457 ซึ่งเผยให้เห็นประเด็นหลักของงานของเขา ความน่ารักที่กล้าหาญของเขา ผายลม และมารยาทในศตวรรษที่ 18 และในระดับหนึ่งก็ยกม่านขึ้นเหนือความหมายอันลึกซึ้งและไร้ความรู้สึกของสุนทรียศาสตร์โดยทั่วไป ปรากฎว่าภาพวาดของเขาตามความเห็นของศิลปินเองนั้นแสดงถึงความตั้งใจที่ใกล้ชิดและเร้าอารมณ์ที่สุดของเขา

อาตมา. “ผู้หญิงในภาพเขียนของฉันอ่อนระทวย การแสดงความรักบนใบหน้า ความโศกเศร้า หรือราคะตัณหา สะท้อนถึงตัวฉันเอง จิตวิญญาณของฉัน<...>และท่าทางที่แตกหักของพวกเขา ความอัปลักษณ์โดยเจตนาของพวกเขา เป็นการเยาะเย้ยตัวฉันเองและในขณะเดียวกันก็เป็นความเป็นผู้หญิงชั่วนิรันดร์ ซึ่งน่ารังเกียจต่อธรรมชาติของฉัน แน่นอนว่าเป็นเรื่องยากที่จะคาดเดาฉันโดยไม่รู้นิสัยของฉัน นี่เป็นการประท้วง ซึ่งเป็นเรื่องน่ารำคาญที่ตัวฉันเองก็เป็นเหมือนพวกเขาในหลายๆ ด้าน ผ้าขี้ริ้ว ขนนก - ทั้งหมดนี้ดึงดูดฉันและไม่เพียงดึงดูดฉันในฐานะจิตรกรเท่านั้น (แต่ที่นี่ยังมีความสงสารตัวเองอีกด้วย) ศิลปะ ผลงาน ภาพวาดและรูปปั้นที่ฉันชื่นชอบมักเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเพศและราคะของฉัน ฉันชอบสิ่งที่ทำให้ฉันนึกถึงความรักและความสุข แม้ว่าวิชาศิลปะจะไม่ได้พูดถึงความรักโดยตรงเลยก็ตาม” (125-126)

คำสารภาพที่น่าสนใจอย่างยิ่งกล้าหาญและตรงไปตรงมาซึ่งอธิบายได้มากมายเกี่ยวกับงานของ Somov เองความชอบทางศิลปะและสุนทรียภาพของเขาและสุนทรียภาพอันประณีตของ "โลกแห่งศิลปะ" โดยรวม โดยเฉพาะอย่างยิ่งความไม่แยแสของเขาต่อ Rodin (เขาไม่มีราคะ) หรือความหลงใหลในบัลเล่ต์การชื่นชมนักเต้นที่โดดเด่นอย่างไม่มีที่สิ้นสุดการชื่นชมแม้แต่ Isadora Duncan ที่แก่ชราและการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงของ Ida Rubinstein นั้นเป็นที่เข้าใจได้ อย่างไรก็ตามทั้งหมดนี้ไม่สามารถครอบคลุมได้ในบทความเดียวและถึงเวลาที่จะต้องไปยังอีกบทความหนึ่งซึ่งน่าสนใจและมีพรสวรรค์ไม่น้อยไปกว่าตัวแทนของ "โลกแห่งศิลปะ" มุมมองของพวกเขาเกี่ยวกับสถานการณ์ทางศิลปะในยุคนั้น

มสติสลาฟ โดบูซินสกี้ (พ.ศ. 2418-2500) ความหลงใหลในสุนทรียศาสตร์ของ Dobuzhinsky ซึ่งเริ่มปรากฏให้เห็นก่อนที่เขาจะเข้าสู่โลกแห่งวงการศิลปะสะท้อนให้เห็นถึงบรรยากาศทางจิตวิญญาณและศิลปะโดยรวมของสมาคมนี้เป็นอย่างดีซึ่งเป็นหุ้นส่วนของคนที่มีใจเดียวกันในงานศิลปะที่พยายาม "ฟื้นฟู" ในขณะที่พวกเขา เชื่อกันว่าชีวิตทางศิลปะในรัสเซียหลังจากการครอบงำของนักวิชาการและผู้พเนจรบนพื้นฐานของความเอาใจใส่อย่างใกล้ชิดต่อศิลปะที่แท้จริงของวิจิตรศิลป์ ในเวลาเดียวกันศิลปิน World of Art ทุกคนเป็นผู้รักชาติของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและแสดงออกถึงสุนทรียภาพพิเศษของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในงานศิลปะและความหลงใหลของพวกเขาซึ่งในความเห็นของพวกเขาแตกต่างอย่างมากจากมอสโก

Dobuzhinsky เป็นบุคคลที่โดดเด่นเป็นพิเศษในเรื่องนี้ เขารักเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตั้งแต่เด็กและในความเป็นจริงแล้วกลายเป็นนักร้องที่มีความซับซ้อนและประณีตในเมืองรัสเซียที่มีเอกลักษณ์แห่งนี้ซึ่งมีแนวความคิดแบบตะวันตกที่เด่นชัด “บันทึกความทรงจำ” หลายหน้าของเขาเต็มไปด้วยความรักอันยิ่งใหญ่ที่มีต่อเขา เมื่อกลับจากมิวนิกซึ่งเขาได้ศึกษาในเวิร์คช็อปของ A. Azhbe และ S. Holloshi (พ.ศ. 2442-2444) และที่ซึ่งเขาได้ทำความคุ้นเคยเป็นอย่างดีกับงานศิลปะของเพื่อนและเพื่อนร่วมงานในอนาคตของเขาในนิตยสารฉบับแรกของ "World of Art" ” Dobuzhinsky ด้วยความเฉียบแหลมเป็นพิเศษ

ฉันรู้สึกถึงเสน่ห์ทางสุนทรีย์ที่แปลกประหลาดของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ความงามที่เรียบง่าย กราฟิกที่น่าทึ่ง บรรยากาศสีพิเศษ พื้นที่เปิดโล่งและแนวหลังคา จิตวิญญาณของดอสโตเยฟสกีที่แทรกซึม สัญลักษณ์และความลึกลับของเขาวงกตหิน เขาเขียนในตัวฉันว่า "ความรู้สึกคุ้นเคยที่มีมาตั้งแต่เด็กต่ออาคารรัฐบาลที่น่าเบื่อหน่ายและโอกาสอันน่าทึ่งของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้รับการยืนยันอีกครั้งในตัวฉัน แต่ตอนนี้ฉันถูกแทงอย่างรุนแรงยิ่งขึ้นโดยด้านล่างของ เมือง<...>ผนังด้านหลังบ้านเหล่านี้เป็นกำแพงอิฐมีปล่องไฟแถบสีขาว หลังคาเรียบราวกับมีเชิงเทินป้อมปราการ - ปล่องไฟไม่มีที่สิ้นสุด คลองนอน กองฟืนสูงสีดำ บ่อน้ำในลานมืด รั้วว่างเปล่า พื้นที่ว่าง" (187) ความงามพิเศษนี้ทำให้โดบูชินสกีหลงใหล ซึ่งได้รับอิทธิพลจากมิวนิกอาร์ตนูโว (Stuck, Böcklin) และกำหนดบุคลิกทางศิลปะของเขาใน "โลกแห่งศิลปะ" ซึ่งในไม่ช้าเขาก็ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับ I. Grabar “ฉันจ้องไปที่ลักษณะกราฟิกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างตั้งใจ มองดูงานก่ออิฐของผนังเปล่าและไม่ได้ฉาบปูน และลวดลาย “พรม” ซึ่งตัวมันเองก่อตัวขึ้นจากความไม่สม่ำเสมอและคราบของปูนปลาสเตอร์” (188) เขาหลงใหลในเสน่ห์ของบาร์นับไม่ถ้วนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หน้ากากโบราณของอาคารเอ็มไพร์ ความแตกต่างของบ้านหินและมุมสบาย ๆ กับบ้านไม้เรียบง่าย เขารู้สึกยินดีกับป้ายไร้เดียงสา เรือท้องแบนลายหม้อบน Fontanka และผู้คนหลากสีสันบนเนฟสกี้

เขาเริ่มเข้าใจอย่างชัดเจนว่า “ปีเตอร์สเบิร์กด้วยรูปลักษณ์ภายนอก ตรงกันข้ามกับโศกนาฏกรรม อยากรู้อยากเห็น ตระหง่าน และสะดวกสบาย เป็นเมืองเดียวและมหัศจรรย์ที่สุดในโลกอย่างแท้จริง” (188) และก่อนหน้านั้นเขาได้มีโอกาสไปเที่ยวยุโรป ชมปารีส และบางเมืองในอิตาลีและเยอรมนีแล้ว และในปีที่เข้าร่วมแวดวงศิลปินโลก (พ.ศ. 2445) เขารู้สึกว่ามันเป็นความงามของเมืองที่ "ค้นพบใหม่" โดยเขา "ด้วยบทกวีที่เนือยๆและขมขื่น" ที่ยังไม่มีใครแสดงออกมาในงานศิลปะและ เขากำกับความพยายามสร้างสรรค์ของเขาที่มีต่อศูนย์รวมนี้ “ แน่นอน” เขายอมรับ“ เช่นเดียวกับคนรุ่นทั้งหมดของฉันถูกกระแสของสัญลักษณ์พัดพาฉันและโดยธรรมชาติแล้วความรู้สึกลึกลับก็อยู่ใกล้ฉันซึ่งปีเตอร์สเบิร์กตามที่ฉันเห็นตอนนี้ดูเหมือนจะเป็น เต็ม” (188) ผ่าน "ความหยาบคายและความมืดมนของชีวิตประจำวันในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก" เขารู้สึกถึง "บางสิ่งที่จริงจังและสำคัญอย่างยิ่งที่ซ่อนตัวอยู่ในด้านล่างที่ตกต่ำที่สุด" ของปีเตอร์สเบิร์ก "ของเขา" และใน "ฤดูใบไม้ร่วงที่เหนียวเหนอะหนะและฝนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่น่าเบื่อ ซึ่งเรียกเก็บเงินเป็นเวลาหลายวัน” สำหรับเขาดูเหมือน “ฝันร้ายของปีเตอร์สเบิร์กและ “ปีศาจตัวน้อย” คลานออกมาจากรอยแตกทั้งหมด” (189) และบทกวีของปีเตอร์นี้ดึงดูด Dobuzhinsky แม้ว่ามันจะทำให้เขาหวาดกลัวในเวลาเดียวกันก็ตาม

เขาบรรยายถึง "กำแพงอันน่าสยดสยอง" ที่ปรากฏอยู่หน้าหน้าต่างอพาร์ทเมนต์ของเขาในเชิงกวีว่า "ผนังว่างเปล่าสีธรรมชาติและสีดำ เศร้าที่สุดและน่าสลดใจที่สุดเท่าที่ใคร ๆ ก็สามารถจินตนาการได้ มีคราบความชื้น ลอกออกและมีเพียง หน้าต่างบานเล็กบานหนึ่ง” เธอดึงดูดเขาเข้าหาเธออย่างไม่อาจต้านทานได้และกดขี่เขา ปลุกความทรงจำเกี่ยวกับโลกแห่งความมืดของดอสโตเยฟสกี และเขาได้เอาชนะความรู้สึกกดดันของกำแพงอันเลวร้ายเหล่านี้ในขณะที่เขาบรรยายโดยบรรยายว่า "รอยแตกและไลเคนทั้งหมดของมัน ... ชื่นชมมันแล้ว" - "ศิลปินในตัวฉันชนะแล้ว" (190) Dobuzhinsky ถือว่าสีพาสเทลนี้เป็น "งานสร้างสรรค์ที่แท้จริง" งานแรกและผลงานหลายชิ้นของเขาทั้งในด้านกราฟิกและศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งก็เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของมัน ต่อมาเขาเองก็สงสัยว่าทำไม "ด้านผิด" ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กถึงทำให้เขาเริ่มทำงานที่ยิ่งใหญ่แม้ว่าตั้งแต่วัยเด็กเขาก็ถูกดึงดูดด้วยความงามตามพิธีการของเมืองหลวงปีเตอร์ก็ตาม

อย่างไรก็ตาม ถ้าเราจำผลงานของ Dobuzhinsky ได้ เราจะเห็นว่าจิตวิญญาณแห่งความโรแมนติก (หรือนีโอโรแมนติก) ของเมืองเก่า (โดยเฉพาะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและวิลนา ซึ่งใกล้ชิดกับเขาตั้งแต่สมัยมัธยมปลาย) นั้นดึงดูดเขาด้วยสัญลักษณ์ที่ดึงดูดใจเขาด้วยสัญลักษณ์ของมัน ความลับ ในเมืองวิลนาซึ่งเขาตกหลุมรักตั้งแต่ยังเป็นเด็กและถือเป็นบ้านเกิดแห่งที่สองของเขาร่วมกับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก สิ่งที่ดึงดูดเขามากที่สุดในฐานะศิลปินคือ "สลัม" เก่า "ที่มีถนนแคบและคดเคี้ยว มีซุ้มประตูตัดขวาง และมี บ้านหลากสีสัน” (195) ซึ่งเขาวาดภาพร่างหลายภาพ และจากภาพเหล่านั้น ภาพแกะสลักที่สวยงาม ละเอียดอ่อนมาก และมีศิลปะสูง ใช่นี่เป็นเรื่องที่เข้าใจได้หากเราพิจารณาความชอบด้านสุนทรียศาสตร์ของ Dobuzhinsky รุ่นเยาว์อย่างใกล้ชิด นี่ไม่ใช่แสงที่ชัดเจนและตรงและความงามที่กลมกลืนของ "Sistine Madonna" ของ Raphael (เธอไม่ได้สร้างความประทับใจให้กับเขาในเดรสเดน) แต่เป็นแสงสนธยาลึกลับของ "Madonna of the Rocks" ของ Leonard และ "John the Baptist" (169 ). แล้วยังมีชาวอิตาลียุคแรก ภาพวาดเซียนา โมเสกไบเซนไทน์ในซานมาร์โก และตินโตเร็ตโตในเวนิส เซกันตินีและซอร์น บ็อคลินและสติค พวกพรีราฟาเอล พวกอิมเพรสชั่นนิสต์ในปารีส โดยเฉพาะเดกาส์ (ผู้ซึ่งกลายมาเป็นหนึ่งใน “เทพเจ้าตลอดกาล” " สำหรับเขา) งานแกะสลักของญี่ปุ่นและในที่สุดศิลปิน World of Art ซึ่งเขาได้เห็นนิทรรศการครั้งแรกและศึกษาอย่างรอบคอบก่อนที่จะพบพวกเขาเป็นการส่วนตัวในปี พ.ศ. 2441 รู้สึกยินดีกับงานศิลปะของพวกเขา ในขณะที่เขายอมรับว่าที่สำคัญที่สุดคือเขา "หลงใหล" ในงานศิลปะของ Somov ซึ่งทำให้เขาประหลาดใจด้วยความละเอียดอ่อนของมันซึ่งเมื่อไม่กี่ปีต่อมาเขาก็กลายเป็นเพื่อนกันเมื่อได้เข้าสู่แวดวงไอดอลของเขา ขอบเขตของความสนใจด้านสุนทรียศาสตร์ของ Dobuzhinsky รุ่นเยาว์บ่งบอกถึงการวางแนวทางศิลปะของจิตวิญญาณของเขาอย่างชัดเจน เธอดังที่เราเห็นชัดเจนจาก "บันทึกความทรงจำ" ของเขา

สอดคล้องกับการวางแนวเชิงสัญลักษณ์ - โรแมนติกและซับซ้อนของศิลปินหลักของโลกซึ่งจำได้ทันทีว่าเขาเป็นหนึ่งในพวกเขาเอง

Dobuzhinsky ได้รับข้อมูลพื้นฐานเกี่ยวกับ "โลกแห่งศิลปะ" จาก Igor Grabar ซึ่งเขากลายเป็นเพื่อนสนิทในมิวนิกระหว่างที่เขาฝึกงานกับครูชาวเยอรมันและเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ได้เห็นเขาเป็นศิลปินตัวจริงและช่วยพัฒนาศิลปะของเขาอย่างถูกต้อง ให้แนวปฏิบัติที่ชัดเจนในด้านการศึกษาศิลปะ ตัวอย่างเช่น เขาได้รวบรวมรายการโดยละเอียดเกี่ยวกับสิ่งที่ควรดูในปารีสก่อนการเดินทางระยะสั้นครั้งแรกของ Dobuzhinsky ที่นั่น และต่อมาได้แนะนำให้เขารู้จักกับกลุ่มนักศึกษา World of Arts Dobuzhinsky แสดงความขอบคุณต่อ Grabar ตลอดชีวิตของเขา โดยทั่วไปแล้วเขาเป็นนักเรียนที่มีความกตัญญูและเป็นเพื่อนร่วมงานที่เป็นมิตรและเห็นอกเห็นใจและเป็นเพื่อนของศิลปินหลายคนที่ใกล้ชิดกับเขาด้วยจิตวิญญาณ จิตวิญญาณแห่งความสงสัยหรือการหัวสูงซึ่งเป็นลักษณะของ Somov ที่เกี่ยวข้องกับเพื่อนร่วมงานนั้นต่างจากเขาโดยสิ้นเชิง

Dobuzhinsky ให้คำอธิบายสั้น ๆ เป็นมิตรและเหมาะสมแก่ผู้เข้าร่วมเกือบทั้งหมดในสมาคม และในระดับหนึ่งทำให้เราเข้าใจธรรมชาติของบรรยากาศทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ของแนวโน้มที่น่าสนใจในวัฒนธรรมของยุคเงิน และจิตสำนึกด้านสุนทรียศาสตร์ของ Dobuzhinsky เองเพราะว่า เขาจดบันทึกส่วนใหญ่เกี่ยวกับเพื่อนของเขาผ่านปริซึมของความคิดสร้างสรรค์ของเขา

A. Benois "แทง" เขาย้อนกลับไปสมัยเป็นนักศึกษาเมื่อมีการแสดงภาพวาด "โรแมนติก" ของเขาในนิทรรศการครั้งแรกของ "World of Art" ซึ่งหนึ่งในนั้นมีความคล้ายคลึงอย่างมากกับลวดลายที่ชื่นชอบของ Dobuzhinsky นั่นคือ Vilna baroque จากนั้นเบอนัวต์มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนารูปแบบกราฟิกของ Dobuzhinsky รุ่นเยาว์โดยเสริมความแข็งแกร่งให้กับเขาในความถูกต้องของมุมการมองเห็นที่เลือกของภูมิทัศน์เมือง จากนั้นพวกเขาก็มารวมตัวกันด้วยความรักในการสะสม โดยเฉพาะงานแกะสลักโบราณ และลัทธิของบรรพบุรุษ และความหลงใหลในโรงละคร และการสนับสนุนที่เบอนัวต์มอบให้กับศิลปินรุ่นเยาว์ในทันที

Dobuzhinsky กลายเป็นเพื่อนสนิทกับ Somov เป็นพิเศษซึ่งกลายเป็นว่าสอดคล้องกับกราฟิกอันละเอียดอ่อนที่น่าทึ่งและ "บทกวีที่น่าเศร้าและฉุนเฉียว" ซึ่งไม่ได้รับการชื่นชมจากคนรุ่นเดียวกันในทันที Dobuzhinsky หลงรักงานศิลปะของเขาตั้งแต่ครั้งแรกที่พบกัน มันดูมีค่าสำหรับเขาและมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง เขายอมรับ “สิ่งนี้อาจดูแปลก เนื่องจากธีมของเขาไม่ใช่ธีมของฉัน แต่เป็นข้อสังเกตที่น่าทึ่งจากดวงตาของเขาและในขณะเดียวกันก็ "จิ๋ว" และในกรณีอื่น ๆ อิสรภาพและทักษะในการวาดภาพของเขาซึ่งไม่มี

งานที่ไม่ได้ทำด้วยความรู้สึก - ทำให้ฉันรู้สึกทึ่ง และที่สำคัญที่สุดคือความใกล้ชิดที่ไม่ธรรมดาในงานของเขา ความลึกลับของภาพของเขา ความรู้สึกตลกเศร้า และความรักแบบ "ฮอฟฟ์แมนเนียน" ของเขาในขณะนั้นทำให้ฉันตื่นเต้นอย่างมากและเผยให้เห็นโลกที่แปลกประหลาดซึ่งใกล้เคียงกับอารมณ์ที่คลุมเครือของฉัน” (210) Dobuzhinsky และ Somov กลายเป็นเพื่อนสนิทกันมากและมักจะแสดงผลงานให้กันและกันตั้งแต่เริ่มต้นเพื่อฟังคำแนะนำและความคิดเห็นของกันและกัน อย่างไรก็ตาม เขายอมรับว่า Dobuzhinsky มักจะประทับใจกับภาพร่างของ Somov ด้วย "บทกวีที่อิดโรย" และ "กลิ่นหอม" ที่ไม่สามารถอธิบายได้จนเขาไม่สามารถหาคำที่จะพูดอะไรเกี่ยวกับพวกเขาได้

เขายังสนิทสนมกับ Leon Bakst ครั้งหนึ่งเขายังสอนชั้นเรียนร่วมกับเขาที่โรงเรียนศิลปะของ E.N. Zvantseva ซึ่งในจำนวนนั้นมี Marc Chagall นักเรียนอยู่ด้วย เขารัก Bakst ในฐานะบุคคลและชื่นชมเขาสำหรับกราฟิกหนังสือของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับศิลปะการแสดงละครซึ่งเขาอุทิศทั้งชีวิต Dobuzhinsky นำเสนอผลงานกราฟิกของเขาว่า "ตกแต่งอย่างโดดเด่น" เต็มไปด้วย "บทกวีลึกลับพิเศษ" (296) เขายกย่อง Bakst ทั้งในชัยชนะของ "Russian Seasons" ของ Diaghilev และโดยทั่วไปในการพัฒนาศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งในตะวันตก “Scheherazade ของเขาทำให้ปารีสคลั่งไคล้ และนี่คือจุดเริ่มต้นของชื่อเสียงในยุโรปและระดับโลกของ Bakst” แม้ว่าชีวิตทางศิลปะจะมีชีวิตชีวาในปารีส แต่ Bakst ก็เป็นไปตามที่ Dobuzhinsky กล่าว ซึ่งมาเป็นเวลานาน "ยังคงเป็นหนึ่งในผู้นำเทรนด์ของ 'รสนิยม' ที่ไม่อาจทดแทนได้" ผลงานของเขาทำให้เกิดการเลียนแบบอย่างไม่สิ้นสุดในโรงละคร ความคิดของเขาเปลี่ยนไปอย่างไม่มีกำหนดและนำไปสู่จุดที่ไร้สาระ” ชื่อของเขาในปารีส “เริ่มฟังดูเหมือนชื่อของชาวปารีสมากที่สุดในปารีส” (295) สำหรับนักศึกษา World of Arts ที่มีความเป็นสากล การประเมินนี้ดูเหมือนเป็นการยกย่องเป็นพิเศษ

เมื่อเทียบกับภูมิหลังของ "ลัทธิยุโรป" ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กของศิลปินหลักของโลกแห่งศิลปะ Ivan Bilibin โดดเด่นเป็นพิเศษร่วมกับ Roerich สำหรับสุนทรียศาสตร์ Russophilism ของเขาซึ่งสวมเครารัสเซีย à la moujik และ จำกัด ตัวเองอยู่เฉพาะในธีมรัสเซียเท่านั้นที่แสดงโดย เทคนิคการประดิษฐ์ตัวอักษรที่ประณีตเป็นพิเศษและศิลปะพื้นบ้านที่มีสไตล์อันละเอียดอ่อน เขาเป็นบุคคลที่โดดเด่นและเข้ากับคนง่ายในแวดวงศิลปะ ในทางตรงกันข้าม N. Roerich ตามบันทึกความทรงจำของ Dobuzhinsky แม้ว่าเขาจะเป็นผู้มีส่วนร่วมประจำในนิทรรศการ World of Art แต่ก็ไม่ได้ใกล้ชิดกับผู้เข้าร่วม บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไม “ทักษะอันยอดเยี่ยมและสีสันที่สวยงามมากของเขาจึงดูเหมือนถูก “คำนวณ” มากเกินไป เน้นย้ำถึงความตระการตา แต่ก็ตกแต่งได้ดีมาก<...>Roerich เป็น "ความลึกลับ" สำหรับทุกคน หลายคนถึงกับสงสัยว่างานของเขาจริงใจหรือแค่ลึกซึ้งและชีวิตส่วนตัวของเขาก็ถูกซ่อนไม่ให้ใครเห็น” (205)

Valentin Serov เป็นตัวแทนของมอสโกใน "โลกแห่งศิลปะ" และได้รับความเคารพจากผู้เข้าร่วมทุกคนสำหรับความสามารถที่โดดเด่น ความขยันเป็นพิเศษ นวัตกรรมในการวาดภาพ และการค้นหาทางศิลปะอย่างต่อเนื่อง หาก Peredvizhniki และนักวิชาการแห่งโลกแห่งศิลปะได้รับการพิจารณาว่าเป็นผู้สนับสนุนลัทธิประวัติศาสตร์นิยม พวกเขาก็มองว่าตนเองเป็นผู้ที่นับถือ "สไตล์" ในเรื่องนี้ Dobuzhinsky มองเห็นแนวโน้มทั้งสองใน Serov ความใกล้ชิดโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับ "โลกแห่งศิลปะ" คือ "Petra" ของ Serov, "Ida Rubinstein", "ยุโรป" และ Dobuzhinsky เห็นว่านี่เป็นจุดเริ่มต้นของเวทีใหม่ซึ่งอนิจจา "ไม่ต้องรอ " (203)

Dobuzhinsky เขียนสั้น ๆ เป็นส่วนตัวอย่างแท้จริง แม้ว่ามักจะบันทึกที่แม่นยำมากเกี่ยวกับนักเรียนและศิลปินและนักเขียนของ World of Art เกือบทั้งหมดที่ใกล้ชิดกับพวกเขา ด้วยความรู้สึกดีเขาจำ Vrubel, Ostroumova, Borisov-Musatov (ภาพวาดที่สวยงามนวัตกรรมและเป็นบทกวี), Kustodiev, Chiurlionis ในระยะหลัง ศิลปินระดับโลกถูกดึงดูดโดยความสามารถของเขาในการ "มองเข้าไปในความไม่มีที่สิ้นสุดของอวกาศ ไปสู่ส่วนลึกของศตวรรษ" และ "พวกเขาพอใจกับความจริงใจที่หาได้ยาก ความฝันที่แท้จริง และเนื้อหาทางจิตวิญญาณที่ลึกซึ้ง" ผลงานของเขา “ดูราวกับอยู่เพียงลำพัง ด้วยความสง่างามและความเบา โทนสีและองค์ประกอบที่น่าทึ่ง ดูเหมือนอัญมณีที่ไม่คุ้นเคยสำหรับเรา” (303)

ในบรรดานักเขียน Dobuzhinsky ได้รับความสนใจเป็นพิเศษจาก D. Merezhkovsky, V. Rozanov, Vyach Ivanov (เขาเป็นแขกประจำไปยังหอคอยที่มีชื่อเสียงของเขา), F. Sologub, A. Blok, A. Remizov, เช่น นักเขียนที่ร่วมมือกับ “โลกแห่งศิลปะ” หรือมีความใกล้ชิดกันโดยเฉพาะนักสัญลักษณ์ สิ่งที่ทำให้เขาประทับใจเกี่ยวกับ Rozanov คือความคิดที่ไม่ธรรมดาและงานเขียนต้นฉบับของเขา ซึ่งเต็มไปด้วย "ความขัดแย้งที่กล้าหาญและน่ากลัวที่สุด" (204) ในบทกวีของ Sologub Dobuzhinsky ชื่นชม "การประชดที่ช่วยชีวิต" และ Remizov ดูเหมือนเขาในบางสิ่ง "นักสถิตยศาสตร์ที่แท้จริงก่อนที่จะมีสถิตยศาสตร์" (277) สิ่งที่น่ายกย่องเกี่ยวกับ Ivanov ก็คือ "เขาแสดงความเคารพอย่างระมัดระวังเป็นพิเศษต่อศิลปินในฐานะเจ้าของความลับบางอย่างของเขาเอง ซึ่งการตัดสินของเขามีค่าและสำคัญ" (272)

ด้วยความรู้สึกพิเศษและเกือบจะใกล้ชิดกับความรัก Dobuzhinsky บรรยายถึงบรรยากาศที่ครอบงำในสมาคมศิลปินระดับโลก จิตวิญญาณของทุกสิ่งคือเบอนัวต์และศูนย์กลางที่ไม่เป็นทางการคือบ้านอันอบอุ่นของเขาซึ่งทุกคนมารวมตัวกันบ่อยครั้งและสม่ำเสมอ มีการเตรียมนิตยสารฉบับต่างๆ ไว้ที่นั่นด้วย นอกจากนี้พวกเขามักจะพบกันที่ Lancere, Ostroumova, Dobuzhinsky ในงานเลี้ยงน้ำชายามเย็นที่มีผู้คนหนาแน่น Dobuzhinsky เน้นย้ำว่าบรรยากาศใน World of Art เป็นแบบครอบครัว ไม่ใช่โบฮีเมียน ใน "บรรยากาศพิเศษของชีวิตส่วนตัว" ศิลปะเป็น "สาเหตุที่เป็นมิตรร่วมกัน" ได้ทำมากแล้ว

พร้อมด้วยความช่วยเหลือและสนับสนุนซึ่งกันและกันอย่างต่อเนื่อง Dobuzhinsky เขียนอย่างภาคภูมิใจว่างานของพวกเขาไม่สนใจอย่างยิ่ง เป็นอิสระ ปราศจากกระแสหรือแนวคิดใดๆ ความคิดเห็นที่มีค่าเพียงอย่างเดียวคือความคิดเห็นของคนที่มีใจเดียวกันนั่นคือ สมาชิกในชุมชนเอง สิ่งกระตุ้นที่สำคัญที่สุดสำหรับกิจกรรมสร้างสรรค์คือความรู้สึกของการเป็น "ผู้บุกเบิก" ผู้ค้นพบพื้นที่ใหม่และขอบเขตทางศิลปะ “บัดนี้ เมื่อมองย้อนกลับไปและจดจำผลงานสร้างสรรค์อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนในช่วงเวลานั้นและทุกสิ่งที่เริ่มถูกสร้างขึ้นรอบตัว” เขาเขียนในวัยผู้ใหญ่ “เรามีสิทธิ์ที่จะเรียกเวลานี้ว่า “ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา” ของเราอย่างแท้จริง (216); “นี่เป็นการต่ออายุวัฒนธรรมทางศิลปะของเรา ใครๆ ก็บอกว่ามันกำลังฟื้นคืนชีพ” (221)

นวัตกรรมและ "การฟื้นฟู" ของวัฒนธรรมและศิลปะเป็นที่เข้าใจในแง่ของการเปลี่ยนการเน้นในศิลปะจากทุกสิ่งรองไปสู่ด้านศิลปะโดยไม่ละทิ้งการพรรณนาถึงความเป็นจริงที่มองเห็นได้ “เรารักโลกและความสวยงามของสิ่งต่างๆ มากเกินไป” โดบูซินสกีเขียน “และจากนั้นก็ไม่จำเป็นต้องจงใจบิดเบือนความเป็นจริง เวลานั้นยังห่างไกลจาก "ลัทธิ" ใด ๆ ที่มาจาก Cezanne, Matisse และ Van Gogh (ถึงเรา) เราไร้เดียงสาและบริสุทธิ์ และบางทีนี่อาจเป็นศักดิ์ศรีของงานศิลปะของเรา” (317) วันนี้ หนึ่งศตวรรษหลังจากเหตุการณ์ที่น่าสนใจเหล่านั้น ด้วยความโศกเศร้าและความคิดถึง เราสามารถอิจฉาความไร้เดียงสาทางศิลปะขั้นสูงนี้ ความบริสุทธิ์ และความเสียใจที่ทั้งหมดนี้เป็นเพียงอดีตไปไกลแล้ว

และกระบวนการของการเอาใจใส่อย่างใกล้ชิดต่อความเฉพาะเจาะจงทางสุนทรีย์ของศิลปะได้เริ่มต้นขึ้นในหมู่ผู้บุกเบิกโลกแห่งศิลปะ ซึ่งบางคนได้ร่วมมือกับโลกแห่งศิลปะอย่างแข็งขันในเวลาต่อมา โดยรู้สึกว่างานดังกล่าวกำลังสานต่องานที่พวกเขาเริ่มต้นไว้ ในบรรดาผู้บุกเบิกจำเป็นต้องตั้งชื่อศิลปินรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดก่อนอื่น มิคาอิล วรูเบล (พ.ศ. 2399-2453) และ คอนสแตนติน โคโรวิน (1861-1939).

เช่นเดียวกับผู้ก่อตั้งโลกแห่งศิลปะโดยตรง พวกเขารู้สึกรังเกียจกับความโน้มเอียงทางศิลปะใดๆ ก็ตามที่ก่อให้เกิดความเสียหายต่อวิธีการทางศิลปะล้วนๆ ไปจนถึงความเสียหายต่อรูปแบบและความงาม เกี่ยวกับนิทรรศการหนึ่งของนักเดินทาง วรูเบลบ่นว่าศิลปินส่วนใหญ่อย่างล้นหลามสนใจเฉพาะหัวข้อของวัน เกี่ยวกับหัวข้อที่น่าสนใจต่อสาธารณะ และ "รูปแบบ เนื้อหาที่สำคัญที่สุดของงานศิลปะพลาสติก อยู่ในคอก" (59) ตรงกันข้ามกับนักสุนทรียศาสตร์มืออาชีพจำนวนมากทั้งในยุคสมัยและยุคใหม่ ซึ่งเป็นผู้นำการอภิปรายเกี่ยวกับรูปแบบและเนื้อหาในงานศิลปะอย่างไม่รู้จบ ศิลปินที่แท้จริงที่ใช้ชีวิตตามศิลปะรู้สึกดีว่ารูปแบบนั้น

นี่คือเนื้อหาที่แท้จริงของศิลปะ และทุกสิ่งทุกอย่างไม่มีความเกี่ยวข้องโดยตรงกับตัวศิลปะเอง โดยหลักการทางสุนทรียภาพที่สำคัญที่สุดของศิลปะนี้ได้รวมศิลปินต่าง ๆ เช่น Vrubel, Korovin, Serov เข้ากับโลกแห่งศิลปะโดยทั่วไป

Vrubel กล่าวว่ารูปแบบศิลปะที่แท้จริงนั้นได้มาเมื่อศิลปินดำเนินการ "การสนทนาด้วยความรักกับธรรมชาติ" และหลงรักวัตถุที่ปรากฎ เมื่อถึงตอนนั้นเท่านั้นที่ผลงานที่มอบ "ความสุขพิเศษ" ให้กับจิตวิญญาณ ลักษณะเฉพาะของการรับรู้งานศิลปะ และแยกแยะความแตกต่างจากแผ่นพิมพ์ซึ่งมีการอธิบายเหตุการณ์เดียวกันดังในภาพ ครูหลักของรูปแบบศิลปะคือรูปแบบที่สร้างขึ้นโดยธรรมชาติ เธอ “ยืนหยัดเป็นหัวหน้าแห่งความงาม” และปราศจาก “หลักปฏิบัติแห่งสุนทรียศาสตร์สากล” ใด ๆ ที่เป็นที่รักของเรา เพราะ “เธอเป็นผู้ถือครองจิตวิญญาณที่จะเปิดใจให้กับคุณเพียงผู้เดียวและบอกคุณเกี่ยวกับจิตวิญญาณของคุณ” (99-100) . ธรรมชาติเผยให้เห็นจิตวิญญาณของมันในรูปแบบที่สวยงามจึงเผยให้เห็นจิตวิญญาณของเราต่อเรา ดังนั้น Vrubel จึงมองเห็นความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงไม่เพียงแต่ในการเรียนรู้งานฝีมือทางเทคนิคของศิลปินเท่านั้น แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือความรู้สึกที่ลึกซึ้งและตรงไปตรงมาต่อหัวข้อของภาพ การรู้สึกอย่างลึกซึ้งหมายถึง "การลืมว่าคุณเป็นศิลปินและเป็น ดีใจที่คุณเป็นมนุษย์ก่อน” (99)

อย่างไรก็ตาม ความสามารถในการ "รู้สึกอย่างลึกซึ้ง" ในตัวศิลปินรุ่นเยาว์มักถูก "โรงเรียน" ท้อแท้ โดยเจาะลึกพวกเขาในนักแสดงและนางแบบเพื่อหารายละเอียดทางเทคนิค และลบความทรงจำใดๆ เกี่ยวกับการรับรู้สุนทรียศาสตร์โดยตรงของโลก Vrubel เชื่อมั่นว่านอกเหนือจากการเรียนรู้เทคนิคแล้ว ศิลปินจะต้องรักษา "มุมมองที่ไร้เดียงสาและเป็นส่วนตัว" เอาไว้ เพราะในนั้น "พลังและแหล่งที่มาของความสุขของศิลปิน" อยู่ในนั้น (64) Vrubel มาจากประสบการณ์ของเขาเอง เขาอธิบายว่าเขาสร้างสถานที่เดิมขึ้นมาใหม่หลายสิบครั้งในงานของเขาได้อย่างไร “แล้วประมาณหนึ่งสัปดาห์ที่แล้วผลงานชิ้นแรกที่มีชีวิตก็ออกมา ซึ่งทำให้ฉันพอใจมาก ฉันตรวจสอบกลอุบายของเขาแล้วปรากฎว่ามันเป็นเพียงการถ่ายโอนความประทับใจในการใช้ชีวิตที่มีรายละเอียดมากที่สุดของธรรมชาติอย่างไร้เดียงสา” (65) เขาพูดซ้ำเกือบสิ่งเดียวกันและอธิบายด้วยคำพูดเดียวกันกับที่อิมเพรสชั่นนิสต์กลุ่มแรกทำในปารีสเมื่อสิบปีก่อน ทั้งยังชื่นชมความประทับใจโดยตรงของธรรมชาติที่ถ่ายทอดบนผืนผ้าใบ ซึ่งงานศิลปะของ Vrubel ดูเหมือนว่ายังไม่คุ้นเคย ในเวลานั้นเขาสนใจเวนิสและชาวเวนิสเก่า Bellini, Tintoretto, Veronese มากขึ้น ศิลปะไบแซนไทน์ดูเหมือนครอบครัวสำหรับเขา:“ ฉันอยู่ใน Torcello และตื่นเต้นในใจของฉันอย่างสนุกสนาน - ที่รักอย่างที่เป็นอยู่ Byzantium” (96)

การรับรู้อย่างใกล้ชิดถึงศิลปะไบแซนไทน์ "พื้นเมือง" เพียงอย่างเดียวนี้มีค่ามากและเป็นพยานถึงความเข้าใจอย่างลึกซึ้งถึงแก่นแท้ของศิลปะที่แท้จริง ด้วยการค้นหาอันเจ็บปวดตลอดชีวิตของเขาเพื่อ "งานศิลปะที่สวยงามอย่างบริสุทธิ์และมีสไตล์" (80) Vrubel เข้าใจดีว่าความงามนี้เป็นการแสดงออกทางศิลปะของบางสิ่งที่ลึกซึ้งซึ่งแสดงออกโดยวิธีการเหล่านี้เท่านั้น นี่คือสิ่งที่เขาค้นหารูปแบบมาอย่างยาวนาน ทั้งเมื่อวาดภาพพุ่มม่วงอันโด่งดัง (109) และเมื่อทำงานเกี่ยวกับหัวข้อคริสเตียนสำหรับโบสถ์ในเคียฟ - ผู้แต่งคิดใหม่ทางศิลปะเกี่ยวกับศิลปะวัดสไตล์ไบแซนไทน์และรัสเซียเก่า และ เมื่อทำงานเกี่ยวกับธีมนิรันดร์ของปีศาจให้กับเขาและเมื่อวาดภาพใด ๆ และเขาเชื่อมโยงพวกเขาเข้ากับความเฉพาะเจาะจงของการคิดทางศิลปะของรัสเซียล้วนๆ “ตอนนี้ฉันกลับมาที่ Abramtsevo แล้ว และมันโดนใจฉันอีกครั้ง ไม่เลย แต่ฉันได้ยินโน้ตประจำชาติที่เป็นส่วนตัวที่ฉันอยากจับบนผืนผ้าใบและในเครื่องประดับมาก นี่คือดนตรีของคนทั้งมวล ไม่ถูกแยกออกจากสิ่งรบกวนสมาธิของตะวันตกที่มีระเบียบ แตกต่าง และซีดเซียว” (79)

และดนตรีของ "คนทั้งคน" นี้สามารถถ่ายทอดได้ด้วยวิธีการที่เป็นภาพล้วนๆ เท่านั้น ดังนั้นเขาจึงค้นหา "ภาพที่งดงาม" อย่างต่อเนื่องและเจ็บปวดในผลงานแต่ละชิ้นของเขาโดยสังเกตเห็นมันในธรรมชาติ ใช่แล้ว จริงๆ แล้วมีเพียงธรรมชาติเช่นนี้เท่านั้นที่ดึงดูดความสนใจของเขา ในปีพ.ศ. 2426 ในจดหมายจากปีเตอร์ฮอฟถึงพ่อแม่ของเขา เขาได้บรรยายรายละเอียดเกี่ยวกับภาพวาดที่กำลังดำเนินการอยู่และในแผนงานของเขา และความสนใจทั้งหมดของเขามุ่งไปที่ด้านที่งดงามของภาพเหล่านั้นเท่านั้น ไปสู่การวาดภาพที่บริสุทธิ์ ในตอนเย็นเขาจะไปชม "ชีวิตที่งดงามราวภาพวาด" ของชาวประมงในท้องถิ่นแทน "เสียงดนตรี" “ฉันชอบชายชราคนหนึ่งในหมู่พวกเขา ใบหน้าที่มืดมนราวกับเหรียญทองแดง ผมหงอกสกปรกซีดจางและมีหนวดเคราเกะกะ เสื้อสเวตเตอร์สีควันบุหรี่สีขาวมีแถบสีน้ำตาลห่อร่างเก่าของเขาอย่างแปลกประหลาดด้วยสะบักที่ยื่นออกมาและมีรองเท้าบู๊ตขนาดมหึมาอยู่บนเท้าของเขา เรือของเขาแห้งทั้งด้านในและด้านบน มีลักษณะคล้ายกระดูกที่ผุกร่อน จากกระดูกงูมันเปียก มืด สีเขียวนุ่ม โค้งงออย่างงุ่มง่าม - เหมือนกับด้านหลังของปลาทะเลบางชนิด เรือที่น่ารัก - มีแผ่นไม้สดเป็นประกายแวววาวท่ามกลางแสงแดดชวนให้นึกถึงพื้นผิวของฟาง Kuchkurovsky เพิ่มสีม่วงไลแลคสีน้ำเงินอมฟ้าของยามเย็นที่ตัดด้วยเส้นโค้งแปลก ๆ ของเงาสะท้อนสีน้ำเงินแดงเขียวและนี่คือภาพที่ฉันตั้งใจจะวาด” (92-93)

“ภาพ” อธิบายได้งดงามมากจนเราแทบจะเห็นด้วยตาเราเอง นอกจากนี้ เขายังบรรยายถึงผลงานอื่นๆ และแผนงานใหม่ๆ ของเขาอีกด้วย ในขณะเดียวกันเขาก็ไม่ลืมที่จะเน้นย้ำพวกเขา

ตัวละครที่งดงามความแตกต่างที่งดงามเช่น: “ นี่คือการศึกษาความแตกต่างที่ละเอียดอ่อน: เงิน, ปูนปลาสเตอร์, มะนาว, การทาสีและเบาะของเฟอร์นิเจอร์, ชุดเดรส (สีน้ำเงิน) - สีที่ละเอียดอ่อนและละเอียดอ่อน; จากนั้นร่างกายก็เคลื่อนไหวด้วยคอร์ดที่อบอุ่นและลึกไปสู่สีสันที่หลากหลายและทุกสิ่งถูกปกคลุมไปด้วยพลังอันแหลมคมของกำมะหยี่สีน้ำเงินของหมวก” (92) ดังนั้นจึงเป็นที่ชัดเจนว่าในการชุมนุมที่มีเสียงดังของเยาวชนยุคใหม่ ซึ่งมีการพูดคุยถึงประเด็นเกี่ยวกับวัตถุประสงค์และความหมายของศิลปะพลาสติกและอ่านบทความเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของ Proudhon และ Lessing Vrubel เป็นเพียงผู้ปกป้องวิทยานิพนธ์เรื่อง "ศิลปะเพื่อ เห็นแก่ศิลปะ” และ “กลุ่มผู้พิทักษ์การใช้ศิลปะ” ต่อต้านเขา (90) ตำแหน่งทางสุนทรีย์แบบเดียวกันนำเขาไปสู่ ​​"โลกแห่งศิลปะ" ซึ่งเขาได้รับการยอมรับในทันทีว่าเป็นผู้มีอำนาจและตัวเขาเองก็รู้สึกเหมือนมีส่วนร่วมอย่างเต็มที่ในขบวนการของผู้ปกป้องศิลปะในงานศิลปะ “พวกเรา โลกแห่งศิลปะ” Vrubel ประกาศ “ต้องการหาขนมปังที่แท้จริงสำหรับสังคม” (102) และขนมปังชิ้นนี้เป็นงานศิลปะที่สมจริงที่ดีโดยที่ด้วยความช่วยเหลือของวิธีการแสดงภาพล้วนๆ ไม่ใช่เอกสารอย่างเป็นทางการของความเป็นจริงที่มองเห็นได้ถูกสร้างขึ้น แต่เป็นงานบทกวีที่แสดงถึงสภาวะส่วนลึกของจิตวิญญาณ ("ภาพลวงตาของจิตวิญญาณ") ปลุกมัน "จาก เรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ ในชีวิตประจำวันด้วยภาพอันงดงาม” (113) มอบความสุขทางจิตวิญญาณแก่ผู้ชม

เค. โคโรวินผู้ที่ยอมรับโปรแกรม World of Art และเข้าร่วมอย่างแข็งขันในนิทรรศการของพวกเขาได้ศึกษามุมมองที่สวยงามโรแมนติกของธรรมชาติและศิลปะจากจิตรกรภูมิทัศน์ที่ยอดเยี่ยม A.K. Savrasov เขาจำสุนทรพจน์อันสุนทรีย์ของครูได้หลายคำและติดตามไปในชีวิตและการทำงานของเขา “ สิ่งสำคัญ” Korovin เขียนคำพูดของ Savrasov ให้กับนักเรียนของเขาซึ่งเขาและ Levitan อยู่แถวหน้า“ คือการไตร่ตรอง - ความรู้สึกถึงแรงจูงใจของธรรมชาติ ศิลปะและทิวทัศน์ไม่จำเป็นหากไม่มีความรู้สึก” “ถ้าคุณไม่รักธรรมชาติ คุณก็ไม่จำเป็นต้องเป็นศิลปิน อย่าทำเช่นนั้น<...>ต้องการความโรแมนติก. แรงจูงใจ ความโรแมนติกเป็นอมตะ คุณต้องการอารมณ์ ธรรมชาติคือลมหายใจตลอดกาล เธอร้องเพลงอยู่เสมอและเพลงของเธอก็เคร่งขรึม ไม่มีความสุขใดมากไปกว่านี้ในการใคร่ครวญธรรมชาติ โลกคือสวรรค์ และชีวิตคือความลึกลับ เป็นสิ่งลึกลับที่สวยงาม ใช่เป็นความลับ เฉลิมฉลองชีวิต ศิลปินคือกวีคนเดียวกัน" (144, 146)

คำพูดเหล่านี้และคำที่คล้ายกันของครูนั้นใกล้เคียงกับจิตวิญญาณของ Korovin เองมากซึ่งยังคงรักษาความน่าสมเพชทางสุนทรีย์และความโรแมนติกของ Savrasov ไว้ แต่ในการแสดงออกถึงความงดงามของธรรมชาติเขาได้ไปไกลกว่าครูของเขามากตามเส้นทางการค้นหาเทคนิคทางศิลปะล่าสุด และใช้การค้นพบรูปภาพสมัยใหม่ โดยเฉพาะภาพอิมเพรสชั่นนิสต์ ในแง่ทฤษฎี เขาไม่ได้ค้นพบใดๆ เลย แต่เรียบง่ายและบางครั้งก็ค่อนข้างจะโบราณด้วยซ้ำ

แสดงออกถึงตำแหน่งทางสุนทรีย์ของเขาคล้ายกับตำแหน่งของ Mir Iskusniks และขัดแย้งอย่างรุนแรงกับ "สุนทรียศาสตร์แห่งชีวิต" ที่โดดเด่นของ Peredvizhniki ในยุคของเขาและนักสุนทรียศาสตร์และนักวิจารณ์ศิลปะที่มุ่งเน้นประชาธิปไตย (เช่น Pisarev, Stasov ฯลฯ ) ซึ่งทั้งเขาและ Vrubel และศิลปิน Mir Iskus ทั้งหมดหลังจากนิทรรศการครั้งแรกของปี พ.ศ. 2441 ได้รับการขายส่งว่าเสื่อมโทรม

Korovin เขียนว่าตั้งแต่วัยเด็กเขารู้สึกถึงบางสิ่งที่น่าอัศจรรย์ ลึกลับ และสวยงามในธรรมชาติ และตลอดชีวิตของเขาเขาไม่เคยเบื่อที่จะเพลิดเพลินไปกับความงามอันลึกลับของธรรมชาตินี้ “ ตอนเย็นช่างสวยงามเหลือเกิน พระอาทิตย์ตก อารมณ์ในธรรมชาติ ความประทับใจ” เขาทำซ้ำบทเรียนของ Savrasov แทบจะคำต่อคำ - ความสุขนี้เปรียบเสมือนดนตรีการรับรู้ของจิตวิญญาณ ช่างเป็นบทกวีที่น่าเศร้า” (147) และในงานศิลปะของเขา เขาพยายามที่จะแสดงออกและรวบรวมความงามของธรรมชาติที่รับรู้โดยตรง ความประทับใจของอารมณ์ที่มีประสบการณ์ ในเวลาเดียวกันเขาเชื่อมั่นอย่างลึกซึ้งว่า "ศิลปะการวาดภาพมีเป้าหมายเดียวคือการชื่นชมความงาม" (163) เขาให้คติพจน์นี้แก่ Polenov ด้วยตัวเองเมื่อเขาขอให้เขาพูดเกี่ยวกับผืนผ้าใบขนาดใหญ่ของเขา "Christ and the Sinner" Korovin ชื่นชมภาพวาดนี้อย่างไม่เหมาะสม แต่ยังคงเย็นชากับเนื้อหาเพราะเขารู้สึกถึงความหนาวเย็นจากการวาดภาพของปรมาจารย์ ในเวลาเดียวกัน เขาได้ทำตามแนวคิดของ Polenov เอง ซึ่งดังที่ Korovin เคยเขียน เขาเป็นคนแรกที่บอกนักเรียนของเขาว่า "เกี่ยวกับการวาดภาพล้วนๆ ยังไงมันเขียนว่า...เกี่ยวกับความหลากหลายของสี” (167) นี้ ยังไงและกลายเป็นสิ่งสำคัญสำหรับ Korovin ในงานทั้งหมดของเขา

“สัมผัสได้ถึงความงามของสี แสง นี่คือจุดที่ศิลปะถูกแสดงออกเพียงเล็กน้อย แต่เป็นเรื่องจริงอย่างแท้จริงที่จะเพลิดเพลินไปกับความสัมพันธ์ของโทนสีอย่างอิสระ โทนเสียงจะสมจริงและเงียบขรึมยิ่งขึ้น - มันคือเนื้อหา” (221) ปฏิบัติตามหลักการของอิมเพรสชั่นนิสต์ในการสร้างสรรค์ มองหาเนื้อเรื่องของโทนสี โทนสี ความสัมพันธ์ของสี - เนื้อหาของภาพ เห็นได้ชัดว่าข้อความและการค้นหาดังกล่าวถือเป็นการปฏิวัติอย่างมากทั้งสำหรับนักวิชาการด้านการวาดภาพชาวรัสเซียและสำหรับผู้พเนจรแห่งยุค 90 ศตวรรษที่สิบเก้า มีเพียงศิลปินโลกรุ่นใหม่เท่านั้นที่สามารถเข้าใจพวกเขาได้แม้ว่าพวกเขาจะยังไม่ถึงความกล้าหาญของ Korovin และ Impressionists ก็ตาม แต่พวกเขาก็ปฏิบัติต่อพวกเขาด้วยความเคารพ ด้วยความหลงใหลในการค้นหาในขอบเขตของการแสดงออกทางศิลปะล้วนๆ Korovin มีความรู้สึกที่ดีเกี่ยวกับความหมายเชิงสุนทรีย์ทั่วไปของศิลปะในการย้อนหลังทางประวัติศาสตร์ “ศิลปะเท่านั้นที่ทำให้มนุษย์กลายเป็นมนุษย์ได้” คือความเข้าใจอันลึกซึ้งของศิลปินชาวรัสเซีย ซึ่งก้าวขึ้นสู่จุดสูงสุดของสุนทรียศาสตร์คลาสสิกของเยอรมัน สู่สุนทรียภาพของความโรแมนติกที่ยิ่งใหญ่ที่สุด และนี่ก็เป็นการโต้เถียงอย่างไม่คาดคิดของ Korovin กับนักคิดเชิงบวกและนักวัตถุนิยม: “มันไม่จริงเลย ศาสนาคริสต์

ไม่ได้กีดกันบุคคลแห่งความรู้สึกสุนทรีย์ พระคริสต์ทรงบอกให้เราดำเนินชีวิตและไม่ฝังพรสวรรค์ของเรา โลกนอกรีตเต็มไปด้วยความคิดสร้างสรรค์ภายใต้ศาสนาคริสต์ อาจจะมากกว่าสองเท่า” (221)

ในความเป็นจริง Korovin แสวงหางานศิลปะในลักษณะเดียวกับโลกแห่งศิลปะในแบบของเขาเอง - ศิลปะคุณภาพทางสุนทรียศาสตร์ของศิลปะ หากมีอยู่เขาจะยอมรับงานศิลปะใด ๆ : นอกรีต, คริสเตียน, เก่า, ใหม่, ทันสมัยที่สุด (อิมเพรสชั่นนิสม์, นีโออิมเพรสชั่นนิสต์, คิวบิสม์) หากเพียงแต่จะส่งผลต่อ “การรับรู้ทางสุนทรีย์” และทำให้เกิด “ความสุขทางจิตวิญญาณ” (458) ดังนั้นความสนใจพิเศษของเขาคือการตกแต่งภาพวาดซึ่งเป็นคุณสมบัติทางสุนทรียศาสตร์ล้วนๆ เขาเขียนมากมายเกี่ยวกับคุณสมบัติการตกแต่งของฉากละครซึ่งเขาทำงานอยู่ตลอดเวลา และเขามองเห็นเป้าหมายหลักของทิวทัศน์คือการที่พวกเขามีส่วนร่วมอย่างเป็นธรรมชาติในวงดนตรีเดี่ยว: แอ็กชั่นดราม่า - ดนตรี - ทิวทัศน์ ในเรื่องนี้เขาเขียนด้วยความชื่นชมเป็นพิเศษเกี่ยวกับความสำเร็จในการผลิต "Tsar Saltan" โดย Rimsky-Korsakov ซึ่งอัจฉริยะของพุชกินและนักแต่งเพลงได้รวมเข้าด้วยกันเป็นการกระทำเดียวโดยอิงจากทิวทัศน์ของ Korovin เอง (393)

โดยทั่วไปแล้ว Korovin พยายามอย่างหนักในขณะที่เขาเขียนในการตกแต่งของเขาเพื่อที่พวกเขาจะทำให้ผู้ชมได้รับความพึงพอใจเช่นเดียวกับเสียงเพลงที่ฟัง “ฉันต้องการให้ดวงตาของผู้ดูเพลิดเพลินในเชิงสุนทรีย์ เช่นเดียวกับที่หูของจิตวิญญาณเพลิดเพลินกับเสียงเพลง” (461) ดังนั้นงานของเขาจึงอยู่ในแนวหน้าเสมอ ยังไงซึ่งเขาสืบทอดมาจาก บางสิ่งบางอย่างศิลปินไม่ใช่ อะไรซึ่งควรจะเป็นผลตามมา ยังไง. เขาเขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้ซ้ำแล้วซ้ำอีกในบันทึกร่างและจดหมายของเขา โดยที่ ยังไงมันไม่ใช่สิ่งที่ประดิษฐ์ขึ้นมา แต่เป็นการละเมิดโดยศิลปิน ไม่ ตามคำกล่าวของ Korovin มันเป็นผลมาจากการค้นหา "ภาษาแห่งความงาม" ตามธรรมชาติของเขา ยิ่งไปกว่านั้น การค้นหาสิ่งที่เป็นธรรมชาติและไร้ข้อจำกัด - "รูปแบบของศิลปะจะดีก็ต่อเมื่อมันมาจากความรัก อิสรภาพ และความสะดวกสบายใน เอง” (290) และศิลปะใด ๆ ก็เป็นเรื่องจริงเมื่อมีการแสดงออกถึงความงามในรูปแบบดั้งเดิมโดยไม่สมัครใจ แต่เกี่ยวข้องกับการค้นหาอย่างจริงใจ

นักเรียน World of Arts เกือบทุกคนสามารถสมัครรับคำตัดสินที่คล้ายกันของ Korovin ได้ การค้นหาคุณภาพสุนทรียศาสตร์ของงานศิลปะ ความสามารถในการแสดงออกในรูปแบบที่เพียงพอเป็นภารกิจหลักของชุมชนนี้ และสมาชิกเกือบทั้งหมดสามารถแก้ไขปัญหานี้ด้วยวิธีของตนเองในการทำงาน แม้ว่าจะไม่ได้ยอดเยี่ยมก็ตาม (ยกเว้นภาพวาดที่โดดเด่นบางภาพโดย Vrubel) แต่เป็นงานศิลปะที่มีคุณค่าทางศิลปะที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งเข้ามาแทนที่โดยชอบธรรมในประวัติศาสตร์ศิลปะ

หมายเหตุ

ดูเอกสารอย่างน้อย: เบอนัวส์ เอ.เอ็น. การเกิดขึ้นของ "โลกแห่งศิลปะ" ล. 2471; Etkind M. Alexander Nikolaevich Benois ล.-ม., 2508; กูซาโรวา เอ.พี. "โลกแห่งศิลปะ". ล., 1972; ลาภชินา เอ็น.พี. "โลกแห่งศิลปะ". บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และการปฏิบัติอย่างสร้างสรรค์ ม. , 1977; พรูซาน ไอ. คอนสแตนติน โซมอฟ ม. 2515; จูราฟเลวา อี.วี. เค.เอ. โซมอฟ ม. , 1980; โกลีเน็ตส์ เอส.วี. แอล.เอส.แบคสท์. ล., 1981; Pozharskaya M.N. ศิลปะการแสดงละครและการตกแต่งของรัสเซียในช่วงปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX ม., 1970 เป็นต้น

สมาคมศิลปะ "World of Art" มีบทบาทสำคัญในวัฒนธรรมรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาสัญลักษณ์ของรัสเซียและความทันสมัย

การเกิดขึ้นและระยะการดำรงอยู่ของสมาคม

ประวัติความเป็นมาของ "โลกแห่งศิลปะ" เริ่มต้นขึ้นในปี พ.ศ. 2430 ด้วยการก่อตัวของกลุ่มนักเรียนจากโรงเรียน Karl May "Neva Pickwickians" ซึ่งรวมถึง A. Benois, K. Somov, V. Nouvel, D. Filosofov

จุดประสงค์ของวงกลมคือเพื่อศึกษาประวัติศาสตร์วิจิตรศิลป์และดนตรี ต่อมา S. Diaghilev และ L. Bakst เข้าร่วมแวดวงนี้ ในปี พ.ศ. 2441 วงกลมภายใต้การนำของ Diaghilev ได้เติบโตขึ้นและกลายเป็นสมาคมสร้างสรรค์ "โลกแห่งศิลปะ"

อ. เบอนัวส์ ภาพเหมือนตนเอง

โดยมีการอำนวยความสะดวก 2 เหตุการณ์ คือ

1.นิตยสาร World of Art ฉบับแรก จัดพิมพ์โดย Princess M.K. Tenishev และ S.I. มามอนตอฟ;

2. นิทรรศการของศิลปินรัสเซียและฟินแลนด์ซึ่งนอกเหนือจากสมาชิกของวงแล้ว S.V. ก็เข้าร่วมด้วย มาลยูติน, I.I. เลวีตัน, A.M. Vasnetsov, V.A. เซรอฟและอื่น ๆ

ในปี พ.ศ. 2443 สมาคมได้รับการจัดตั้งอย่างเป็นทางการ มีการพัฒนากฎบัตรและมีการเลือกตั้งคณะกรรมการบริหาร

ในปี 1902 บทความ "Forms of Art" ได้รับการตีพิมพ์ในนิตยสาร "World of Art" ฉบับที่ 20 ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมากวีสัญลักษณ์หลายคนได้ตีพิมพ์ผลงานของพวกเขาบนหน้าเว็บ

ในปี 1904 ความขัดแย้งเกิดขึ้นระหว่างศิลปินและกวี นิตยสาร World of Art หยุดตีพิมพ์ และสมาคมก็ล่มสลาย ในปี 1906 เขาได้จัดนิทรรศการอำลาก่อนที่จะอพยพไปปารีสภายใต้ชื่อเดียวกัน ในปารีสตั้งแต่ปี 1909-1914 เขายังจัดงาน "Russian Seasons" อีกด้วย ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2453 สมาคมได้รับการฟื้นฟูภายใต้การนำของเบอนัวต์ แต่ทำหน้าที่เป็นองค์กรนิทรรศการ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2460 สมาชิกบางคนของสมาคมได้หันไปทำกิจกรรมบูรณะและกิจกรรมการจัดองค์กรพิพิธภัณฑ์ ในช่วงทศวรรษที่ 20 ในที่สุด "โลกแห่งศิลปะ" ก็หยุดดำรงอยู่

นักเรียน Miriskus - สมาชิกของสมาคมศิลปะ

นักอุดมการณ์หลักของสมาคมศิลปะนี้คือ A. Benois และ S. Diaghilev

ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2447 ถึง พ.ศ. 2453 สมาชิกหลายคนของสมาคมเป็นสมาชิกของสหภาพศิลปินรัสเซีย แกนหลักของ "โลกแห่งศิลปะ" ได้แก่ E. Lanseray, K. Somov, L. Bakst, M. Dobuzhinsky ต่อจากนั้นพวกเขาเข้าร่วมโดยสมาชิกของวง Abramavtsevo V. Serov, M. Nesterov, พี่น้อง Vasnetsov, M. Vrubel และคนอื่น ๆ ในปี 1906 ศิลปินรุ่นเยาว์ได้เข้าร่วมสมาคม: M. Saryan, M. Larionov และ N. Feofilaktov

Diaghilev ให้ความสนใจอย่างมากกับนิตยสาร World of Art ตีพิมพ์บทความวิจารณ์ที่นั่น และเขียนเกี่ยวกับปัญหาการแลกเปลี่ยนวัฒนธรรมระหว่างประเทศ Diaghilev ยังมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในกิจกรรมขององค์กร จัดนิทรรศการของศิลปินรัสเซียร่วมสมัย จิตรกรยุโรปตะวันตก ฯลฯ

ทิวทัศน์อันสวยงามของ "โลกแห่งศิลปะ"

สมาคมโลกแห่งศิลปะพยายามดิ้นรนเพื่อคุณค่าทางจิตวิญญาณและศิลปะอันประเสริฐ และคัดค้านมุมมองศิลปะร่วมสมัยของขบวนการนักเดินทางและวิชาการ ในด้านวิจิตรศิลป์ ศิลปินระดับโลกยังได้ปลูกฝังอีกด้วย "ความสมัครเล่นทางวัฒนธรรม"เนื่องจากมันยังแสดงถึงรูปแบบหนึ่งของเสรีภาพในการสร้างสรรค์ที่ไม่ผูกมัดกับหลักการใด ๆ

อุดมคติของศิลปะที่ "บริสุทธิ์" ถูกรวมเข้าด้วยกันในหมู่ศิลปินระดับโลกด้วยแนวคิดที่ว่าความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะมีจุดมุ่งหมายเพื่อเปลี่ยนแปลงความเป็นจริงโดยรอบอย่างมีสุนทรีย์ สมาชิกส่วนใหญ่ของสมาคมได้รับแรงบันดาลใจจากความสำเร็จทางศิลปะในอดีต – ได้รับรูปลักษณ์อันเป็นเอกลักษณ์ในผลงานของพวกเขา ยุคต่างๆ ดึงดูดศิลปินไม่ใช่เพราะลักษณะหรือพัฒนาการทางประวัติศาสตร์ แต่ดึงดูดเพียงความสวยงาม สไตล์ และบรรยากาศเท่านั้น ศิลปินของ "เมียร์" ในภาพเขียนดังกล่าวมุ่งมั่นในการเล่น จินตนาการ และการแสดงละคร คุณลักษณะที่สำคัญอีกประการหนึ่งของนักเรียน Miriskus คือการประชดและการประชดตัวเอง

“โลกแห่งศิลปะ” ยุคแรกมุ่งเน้นไปที่กลุ่มชาวยุโรปตะวันตก ศิลปินและนักเขียนที่เป็นเอกภาพซึ่งมีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดของสมัยใหม่ นีโอโรแมนติกนิยม ฯลฯ เป้าหมายหลักของความคิดสร้างสรรค์ตามที่ผู้เข้าร่วม World of Art เข้าใจคือความงามในความเข้าใจส่วนตัวของศิลปิน หลังจากนั้นไม่นานจิตรกรก็เริ่มให้ความสำคัญกับลวดลายของอดีตชาติก่อนยุค Petrine Rus มากขึ้น เป็นผลให้สมาคมถูกแบ่งออกเป็นสองกลุ่มศิลปิน: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (เน้นไปทางตะวันตก) และมอสโก (เน้นไปที่อดีตของชาติ) แต่ถึงแม้จะมีความแตกต่างกันทั้งหมด สมาคมศิลปะแห่งนี้ก็รวมพวกเขาทั้งหมดเข้าด้วยกันเพื่อต่อต้านศิลปะเชิงวิชาการอย่างเป็นทางการและลัทธิธรรมชาตินิยมในปีต่อมา

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มือสมัครเล่นที่ไม่มีการศึกษาด้านศิลปะระดับมืออาชีพมักสร้างงานศิลปะขึ้นมา พวกเขาพยายามสร้างทิศทางใหม่ในปัญหาด้านวิจิตรศิลป์และวัฒนธรรม

กิจกรรมและความสำคัญของสมาคมโลกแห่งศิลปะ

นิทรรศการที่จัดโดย World of Art ประสบความสำเร็จอย่างมาก ในปี พ.ศ. 2442 Diaghilev ได้จัดนิทรรศการระดับนานาชาติซึ่งมีการจัดแสดงผลงานของ Böcklin, Whistler, Monet, Degas, Moreau, Puvis de Chavannes และคนอื่นๆ จัดแสดง ระหว่างปี พ.ศ. 2442 ถึง พ.ศ. 2446 มีการจัดนิทรรศการขนาดใหญ่ดังกล่าวห้าครั้ง

Miriskusnik ตีพิมพ์นิตยสารชื่อเดียวกันซึ่งมีนักปรัชญา นักคิด และกวีหลายคนตีพิมพ์ นิตยสารนี้ได้รับการอธิบายอย่างสวยงามโดยศิลปินของขบวนการนี้

สิ่งสำคัญประการหนึ่งของกิจกรรมของผู้เข้าร่วม "โลกแห่งศิลปะ" คือการกระตุ้นความสนใจในการสร้างสรรค์ทางศิลปะของอดีตชาติซึ่งเกี่ยวข้องกับสิ่งนี้พวกเขาได้ตีพิมพ์คอลเลกชัน "สมบัติทางศิลปะแห่งรัสเซีย" ฯลฯ สมาชิกของ ชุมชนเปิดช่วงเวลาทั้งหมดในประวัติศาสตร์ของศิลปะ - การเคลื่อนไหว - สู่วงกว้างของกลุ่มปัญญาชนชาวรัสเซีย ศิลปินและช่างแกะสลักแห่งศตวรรษที่ 18-19 สิ่งตีพิมพ์ในนิตยสารยังเกี่ยวข้องกับศิลปินร่วมสมัยด้วย และมีการตีพิมพ์บทความเกี่ยวกับบุคคลสำคัญในวัฒนธรรมโลก

ความคิดสร้างสรรค์ของผู้เข้าร่วม Mir มีหลายแง่มุม พวกเขามีส่วนร่วมในการวาดภาพ ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ และการออกแบบการแสดงละคร แต่มรดกส่วนใหญ่ของพวกเขาประกอบด้วยงานกราฟิก

กิจกรรมการแสดงละครและการตกแต่งที่ออกดอกมากที่สุดคือการออกแบบการแสดงของ "ฤดูกาลรัสเซีย" ในปารีส ภาพวาดถูกครอบงำด้วยภูมิทัศน์เมือง ภาพบุคคล และแนวประวัติศาสตร์ ในด้านกราฟิก ความสำเร็จพิเศษคือการปรากฏตัวของภาพประกอบหนังสือ ผู้เข้าร่วมบางส่วนในช่วงการปฏิวัติปี 1905-1907 ทำหน้าที่เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการเสียดสีทางการเมือง

ลักษณะเฉพาะของผลงานของศิลปินระดับโลกหลายคนคือการตกแต่ง ความเป็นเส้นตรง และการผสมผสานของโทนสีด้าน

"ตอนเย็นของดนตรีร่วมสมัย" มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสมาคม "โลกแห่งศิลปะ" ซึ่งมีวัตถุประสงค์คือการแสดงและส่งเสริมดนตรียุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 19-20

สมาชิกของสมาคม World of Art มักเข้าร่วมในร้านเสริมสวยตอนเย็นต่างๆ สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดในวัฒนธรรมรัสเซียในยุคเงินคือ "Ivanovo Wednesdays", คอลเลกชัน "On the Tower" โดย Vyacheslav Ivanov, "Sundays", ร้านเสริมสวยของ Sologub และ

สมาคมได้ทิ้งร่องรอยไว้อย่างลึกซึ้งในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย เนื่องจากผู้คนในแวดวงนี้ให้ความสนใจใหม่กับปัญหารูปแบบทางศิลปะและภาษาภาพ

การมีส่วนร่วมของโลกแห่งศิลปะต่อประวัติศาสตร์นั้นมีค่ายิ่ง นี่ไม่ใช่แค่ภาพวาด กราฟิก บทกวี และร้อยแก้วเท่านั้น แต่ยังเป็นผลงานทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะและวัฒนธรรมของยุคเงิน

คุณชอบมันไหม? อย่าซ่อนความสุขของคุณจากโลก - แบ่งปันมัน

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ชีวิตทางศิลปะในรัสเซียมีชีวิตชีวามาก สังคมแสดงความสนใจเพิ่มขึ้นในนิทรรศการศิลปะและการประมูลในบทความและวารสารเกี่ยวกับวิจิตรศิลป์ ไม่เพียงแต่ในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น แต่ยังมีหนังสือพิมพ์และนิตยสารประจำจังหวัดจำนวนมากที่มีส่วนถาวรที่เกี่ยวข้องอีกด้วย สมาคมศิลปะประเภทต่างๆ เกิดขึ้น โดยมอบหมายงานต่างๆ ให้กับตนเอง แต่ส่วนใหญ่เป็นลักษณะการศึกษา ซึ่งได้รับอิทธิพลจากประเพณีของผู้พเนจร

ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ความคิดของ Diaghilev ที่จะรวมพลังทางศิลปะรุ่นเยาว์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกซึ่งเป็นความต้องการที่สัมผัสกันมานานในงานศิลปะรัสเซียได้รับการตอบรับอย่างดี

ในปี พ.ศ. 2441 Diaghilev ให้พวกเขาแสดงร่วมกันเป็นครั้งแรกในนิทรรศการศิลปินรัสเซียและฟินแลนด์ Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lanceray, Levitan, Malyutin, E. Polenova, Ryabushkin, Serov, Somov และคนอื่น ๆ เข้ามามีส่วนร่วม

ในปี 1898 เดียวกัน Diaghilev สามารถโน้มน้าวบุคคลที่มีชื่อเสียงและผู้รักงานศิลปะ S.I. Mamontov และ M.K. Tenisheva ให้จัดหาเงินทุนให้กับนิตยสารศิลปะรายเดือน ในไม่ช้านิตยสาร World of Art ฉบับสองฉบับก็ได้รับการตีพิมพ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งมีบรรณาธิการคือ Sergei Pavlovich Diaghilev

เป็นนิตยสารศิลปะฉบับแรกที่มีลักษณะและทิศทางที่กำหนดโดยศิลปินเอง บรรณาธิการแจ้งผู้อ่านว่านิตยสารจะพิจารณาผลงานของปรมาจารย์ชาวรัสเซียและชาวต่างชาติ “จากทุกยุคสมัยของประวัติศาสตร์ศิลปะ ตราบเท่าที่ผลงานดังกล่าวเป็นที่สนใจและมีความสำคัญต่อจิตสำนึกทางศิลปะสมัยใหม่”

ในปีต่อมา พ.ศ. 2442 มีการจัดนิทรรศการนานาชาติครั้งแรกของนิตยสาร World of Art มีการนำเสนอผลงานมากกว่า 350 ชิ้น และมีศิลปินชาวยุโรปสี่สิบสองคนเข้าร่วม รวมทั้ง P. de Chavannes ดี. วิสต์เลอร์, อี. เดกาส์, ซี. โมเนต์, โอ. เรอนัวร์ นิทรรศการ

ทำให้ศิลปินและผู้ชมชาวรัสเซียได้รู้จักกับทิศทางต่างๆ ของศิลปะตะวันตก

ต้องขอบคุณการปรากฏตัวของนิตยสาร World of Art และนิทรรศการในปี พ.ศ. 2441-2442 จึงมีกลุ่มศิลปินรุ่นเยาว์ที่เห็นอกเห็นใจกับทิศทางของนิตยสาร

ในปี 1900 Diaghilev สามารถรวมพวกเขาหลายคนไว้ในชุมชนสร้างสรรค์ "World of Art" "ทีมที่ยอดเยี่ยม" นี้ (การแสดงออกของ A.P. Ostroumova-Lebedeva) ประกอบด้วยศิลปินที่ยอดเยี่ยมที่มางานศิลปะในช่วงทศวรรษที่ 1890 ได้แก่: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobuzhinsky K. Korovin, Lansere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Rushchits, Serov, Somov, Trubetskoy, Tsionglinsky, Yakunchikova และ Yaremich

นอกจากนี้ Repin, V. และ E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin ยังมีส่วนร่วมในนิทรรศการ World of Art บางส่วนในยุคนั้น

ตั้งแต่ปี 1900 ถึง 1903 มีการจัดนิทรรศการ World of Art สามครั้ง ด้วยการจัดนิทรรศการเหล่านี้ Diaghilev ให้ความสนใจเป็นพิเศษกับศิลปินรุ่นเยาว์ในประเทศ คนเหล่านี้คือชาวเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Bakst, Benois Somov, Lansere และ Muscovites - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin และอื่น ๆ มันเป็นของ Muscovites ที่ Diaghilev ปักหมุดความหวังที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา เขาเขียนว่า: "... ศิลปะในปัจจุบันทั้งหมดของเราและทุกสิ่งที่เราคาดหวังได้ในอนาคตอยู่ในมอสโกว" ดังนั้นเขาจึงพยายามทุกวิถีทางเพื่อดึงดูดศิลปินมอสโกให้เข้าร่วมนิทรรศการ World of Art ซึ่งเขาไม่ประสบความสำเร็จเสมอไป

นิทรรศการ World of Art ได้แนะนำสังคมรัสเซียให้รู้จักกับผลงานของปรมาจารย์ชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงและศิลปินหน้าใหม่ที่ยังไม่ได้รับการยอมรับเช่น Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinsky, Lanceray, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznetsov, Saryan

ไม่จำเป็นต้องกล่าวถึงรายละเอียดกิจกรรมของ "โลกแห่งศิลปะ" ที่นี่ เนื่องจากเมื่อเร็ว ๆ นี้ได้มีการเผยแพร่สิ่งพิมพ์ที่เกี่ยวข้องกับเรื่องนี้โดยเฉพาะ ควรจะพูดถึงคุณสมบัติทั่วไปบางประการโดย World of Arts และผู้ร่วมสมัยหลายคนเน้นย้ำ

สมาคม "โลกแห่งศิลปะ" ไม่ใช่ปรากฏการณ์สุ่มในงานศิลปะรัสเซีย แต่เป็นปรากฏการณ์ที่มีเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ ตัวอย่างเช่นนี่คือความคิดเห็นของ I. E. Grabar: “ หากไม่มี Diaghilev<...>ศิลปะแห่งคำสั่งนี้ย่อมปรากฏให้เห็น”

เมื่อกล่าวถึงคำถามเกี่ยวกับความต่อเนื่องของวัฒนธรรมทางศิลปะ Diaghilev กล่าวในปี 1906 ว่า “งานศิลปะพลาสติกของรัสเซียในปัจจุบันและอนาคตทั้งหมด... จะได้รับการหล่อเลี้ยงด้วยหลักการเดียวกันกับที่ "โลกแห่งศิลปะ" ได้รับไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง การศึกษาอย่างรอบคอบของปรมาจารย์ชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ตั้งแต่สมัยของปีเตอร์”

หนึ่ง. เบอนัวต์เขียนว่าทุกสิ่งที่ทำโดยนักศึกษา World of Art "ไม่ได้หมายความว่าเลย" ที่พวกเขา "ทำลายอดีตทั้งหมด" ในทางตรงกันข้าม เบอนัวส์แย้งว่าแก่นแท้ของ "โลกแห่งศิลปะ" "ยืนหยัดเพื่อการต่ออายุของประเพณีมากมายทั้งด้านเทคนิคและอุดมการณ์ของศิลปะรัสเซียและนานาชาติ" และเพิ่มเติม: "... เราถือว่าตัวเองเป็นตัวแทนของภารกิจเดียวกันและวิธีการสร้างสรรค์แบบเดียวกับที่เราให้ความสำคัญในจิตรกรภาพเหมือนของศตวรรษที่ 18 และใน Kiprensky และใน Venetsianov และใน Fedotov เช่นเดียวกับ ในปรมาจารย์ที่โดดเด่นในรุ่นก่อนหน้าเรา - ใน Kramskoy, Repin, Surikov”

V. E. Makovsky ผู้พเนจรผู้โด่งดังในการสนทนากับนักข่าวกล่าวว่า:“ เราทำงานของเราเสร็จแล้ว<...>เราได้รับตัวอย่างของ "สหภาพศิลปินรัสเซีย" และ "โลกแห่งศิลปะ" อย่างต่อเนื่องซึ่งขณะนี้พลังการวาดภาพรัสเซียที่ดีที่สุดทั้งหมดรวมตัวกันอยู่ แต่ใครคือพลังที่ดีที่สุดเหล่านี้ ถ้าไม่ใช่ลูกของเรา?<...>ทำไมพวกเขาถึงทิ้งเราไป? ใช่ เพราะมันแออัดสำหรับพวกเขาและพวกเขาตัดสินใจที่จะก่อตั้งสังคมใหม่ของตัวเอง”

ในงานของนักเรียน Miriskus ความต่อเนื่องของประเพณีที่ดีที่สุดของขบวนการ Peredvizhniki นี้ปรากฏให้เห็นในช่วงการปฏิวัติปี 1905 ศิลปินส่วนใหญ่ของ "โลกแห่งศิลปะ" เข้าร่วมการต่อสู้กับลัทธิซาร์โดยมีส่วนร่วมในการตีพิมพ์สิ่งพิมพ์เสียดสีทางการเมือง

“ โลกแห่งศิลปะ” มีบทบาทสำคัญในชะตากรรมที่สร้างสรรค์ของศิลปินหลายคนและบางครั้งก็มีบทบาทชี้ขาดด้วยซ้ำ ตัวอย่างเช่น I. E. Grabar หลังจากพบกับสมาชิกของคณะกรรมการนิทรรศการ World of Art Diaghilev, Benois และ Serov เท่านั้นที่ "เชื่อในตัวเองและเริ่มทำงาน" แม้กระทั่งเกี่ยวกับ Serov เองโดยไม่มีเหตุผลก็กล่าวกันว่า "ความเห็นอกเห็นใจอย่างแข็งขันของแวดวงโลกแห่งศิลปะเป็นแรงบันดาลใจและเสริมสร้างความคิดสร้างสรรค์ของเขาอย่างน่าอัศจรรย์"

K. S. Petrov-Vodkin เขียนในปี 1923 ในบันทึกความทรงจำของเขาเกี่ยวกับ "โลกแห่งศิลปะ": "เสน่ห์ของ Diaghilev, Benois, Somov, Bakst, Dobuzhinsky คืออะไร? ที่ขอบเขตของจุดเปลี่ยนทางประวัติศาสตร์ กลุ่มดาวกลุ่มมนุษย์ดังกล่าวเกิดขึ้น พวกเขารู้มากและนำคุณค่าในอดีตเหล่านี้ติดตัวไปด้วย พวกเขารู้วิธีดึงสิ่งต่าง ๆ ออกจากฝุ่นแห่งประวัติศาสตร์ และฟื้นคืนชีพ มอบเสียงที่ทันสมัย... “โลกแห่งศิลปะ” มีบทบาททางประวัติศาสตร์อย่างยอดเยี่ยม” และในอีกที่หนึ่งในบันทึกความทรงจำเดียวกัน: “ เมื่อคุณจำได้ว่าเมื่อยี่สิบปีที่แล้วท่ามกลางความเสื่อมโทรมท่ามกลางรสชาติที่ไม่ดีทางประวัติศาสตร์ความมืดมนและโคลนของภาพวาด Sergei Diaghilev และสหายของเขาเตรียมเรือของพวกเขาอย่างไรพวกเราชายหนุ่ม จากนั้นจึงสยายปีกไปกับพวกมันโดยหายใจไม่ออกท่ามกลางความมืดมนที่อยู่รอบตัวเรา - จำทั้งหมดนี้ไว้คุณจะพูดว่า: ใช่ทำได้ดีมากพวกคุณนำพวกเรามาสู่ยุคปัจจุบันบนไหล่ของคุณ”

N.K. Roerich กล่าวว่า "โลกแห่งศิลปะ" คือ "ชูธงสำหรับความสำเร็จครั้งใหม่ในงานศิลปะ"

เมื่อนึกถึงช่วงปี 1900 อันห่างไกลในชีวิตบั้นปลายของเธอ A.P. Ostroumova-Lebedeva เขียนว่า:“ นักเรียน World of Arts เลือกและเชิญศิลปินรุ่นเยาว์เข้ามาในสังคมของพวกเขาเมื่อพวกเขาสังเกตเห็นพวกเขา นอกเหนือจากความสามารถแล้ว ทัศนคติที่จริงใจและจริงจังต่องานศิลปะและงานของพวกเขา<...>คนงานของ Miriskus หยิบยกหลักการของ "งานฝีมือในงานศิลปะ" อย่างต่อเนื่อง นั่นคือพวกเขาต้องการให้ศิลปินสร้างภาพวาดโดยมีความรู้ที่ละเอียดครบถ้วนเกี่ยวกับวัสดุที่พวกเขาทำงานด้วย และนำเทคนิคนี้ไปสู่ความสมบูรณ์แบบ<...>นอกจากนี้ พวกเขาทั้งหมดพูดคุยเกี่ยวกับความจำเป็นในการปรับปรุงวัฒนธรรมและรสนิยมในหมู่ศิลปิน และไม่เคยปฏิเสธธีมในภาพวาด ดังนั้นจึงไม่ได้กีดกันงานศิลปะวิจิตรศิลป์จากคุณสมบัติโดยธรรมชาติของความปั่นป่วนและการโฆษณาชวนเชื่อ” ข้อสรุปของออสโตรโมวา-เลเบเดวาชัดเจนมาก: “คุณไม่สามารถทำลายความสำคัญของสังคมโลกแห่งศิลปะและปฏิเสธมันได้ ดังเช่นที่นักวิจารณ์ศิลปะของเราทำเพราะหลักการของ “ศิลปะเพื่อประโยชน์ของศิลปะ”

เค.เอฟ. Yuon ตั้งข้อสังเกตว่า “โลกแห่งศิลปะ” บ่งบอกถึงดินบริสุทธิ์ที่ยังมิได้ถูกแตะต้องของการแสดงออกทางศิลปะที่หลากหลาย เขาสนับสนุนทุกสิ่งที่หยั่งรากและเป็นของชาติ ... " ในปี 1922 A. M. Gorky ให้คำจำกัดความของความสามารถอันโดดเด่นนี้ว่า

“โลกแห่งศิลปะ” ยุติลงในปี 1903 แต่ยังคงรักษาพลังอันน่าดึงดูดใจมหาศาลสำหรับคนรุ่นเดียวกันไว้ ในปี 1910 สังคม "โลกแห่งศิลปะ" เกิดขึ้นอีกครั้งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แต่ Diaghilev ไม่ได้มีส่วนร่วมในงานอีกต่อไป กิจกรรมทางศิลปะของ Diaghilev มีทิศทางที่แตกต่างออกไป

ในปี 1905 ที่พระราชวัง Tauride ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาได้จัดนิทรรศการประวัติศาสตร์และศิลปะอันยิ่งใหญ่ของภาพวาดบุคคลของรัสเซีย Diaghilev ไม่ได้จำกัดตัวเองอยู่แค่ผลงานจากพระราชวังและพิพิธภัณฑ์ในเมืองหลวงเท่านั้น เดินทางไปรอบๆ จังหวัดต่างๆ โดยระบุภาพบุคคลได้ทั้งหมดประมาณ 4,000 ภาพ มีการค้นพบที่น่าสนใจและคาดไม่ถึงมากมายในนิทรรศการ งานศิลปะภาพบุคคลของรัสเซียดูมีความสำคัญและสมบูรณ์เป็นพิเศษ V. E. Borisov-Musatov เขียนในสมัยนั้นถึง V. A. Serov:“ สำหรับงานนี้ [เช่น e. การจัดนิทรรศการ] Diaghilev เป็นอัจฉริยะและชื่อทางประวัติศาสตร์ของเขาจะกลายเป็นอมตะ ความสำคัญของมันไม่ค่อยมีใครเข้าใจ และฉันรู้สึกเสียใจกับเขาอย่างจริงใจที่เขาถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพัง” ภาพถ่ายที่ถ่ายตามความคิดริเริ่มของ Diaghilev จากการจัดแสดงส่วนใหญ่ (ฟิล์มเนกาทีฟถูกเก็บไว้ใน TG) ทำให้เราได้ทำความคุ้นเคยกับผลงานศิลปะชิ้นเอกของรัสเซียหลายชิ้นที่เสียชีวิตหรือสูญหายไปในช่วงเหตุการณ์ปั่นป่วนของการปฏิวัติในปี 1905 สงครามกลางเมืองและสงครามโลก (สำหรับ ตัวอย่างเช่นชะตากรรมของผลงานสิบแปดชิ้นของ D. G. Levitsky ซึ่งในบรรดาผลงานอื่น ๆ ของเขาถูกจัดแสดงในนิทรรศการ Taurida)

ในฤดูใบไม้ผลิปี 1905 บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมในมอสโกตัดสินใจให้เกียรติ Diaghilev ด้วยความขอบคุณที่เขาแก้ไขนิตยสาร "World of Art" และจัดนิทรรศการประวัติศาสตร์และศิลปะ ตอบสนองต่อคำทักทาย Diaghilev กล่าวว่า: "...หลังจากการเร่ร่อนอย่างละโมบเหล่านี้ [Diaghilev หมายถึงการเดินทางรอบรัสเซียที่เขารวบรวมผลงานสำหรับนิทรรศการประวัติศาสตร์และศิลปะ] ทำให้ฉันเชื่อมั่นเป็นพิเศษว่าเวลานั้นมาถึงแล้ว เพื่อผลลัพธ์ ข้าพเจ้าสังเกตเห็นสิ่งนี้ไม่เพียงแต่ในภาพอันสุกใสของบรรพบุรุษของเราเท่านั้น ซึ่งเห็นได้ชัดว่าอยู่ห่างไกลจากเรา แต่ส่วนใหญ่อยู่ในลูกหลานของเราที่มีชีวิตอยู่ในสมัยของพวกเขา จุดจบของชีวิตอยู่ที่นี่<...>เราเป็นพยานถึงช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของผลลัพธ์และการสิ้นสุดในนามของวัฒนธรรมใหม่ที่ไม่มีใครรู้จักซึ่งจะเกิดขึ้นโดยเรา แต่จะกวาดล้างเราไปด้วย ดังนั้น โดยปราศจากความกลัวและความไม่เชื่อ ฉันยกกระจกขึ้นบนกำแพงที่พังทลายของพระราชวังที่สวยงาม เช่นเดียวกับพินัยกรรมใหม่ของสุนทรียภาพใหม่”

ข้อมูลประวัติศาสตร์ “โลกแห่งศิลปะ” สมาคมศิลปะรัสเซีย ก่อตัวขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1890 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบนพื้นฐานของกลุ่มศิลปินรุ่นเยาว์และผู้รักศิลปะที่นำโดย A. N. Benois และ S. P. Diaghilev ในฐานะสหภาพนิทรรศการภายใต้การอุปถัมภ์ของนิตยสาร World of Art จึงมีอยู่ในรูปแบบดั้งเดิมจนถึงปี 1904 ในองค์ประกอบที่ขยายออกไปโดยสูญเสียเอกภาพทางอุดมการณ์และความคิดสร้างสรรค์ในปรมาจารย์ส่วนใหญ่ของ "M. และ." เป็นส่วนหนึ่งของสหภาพศิลปินรัสเซีย นอกเหนือจากแกนหลัก (L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lancers, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov) “ M. และ." รวมถึงจิตรกรและศิลปินกราฟิกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกหลายคน (I. Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov และอื่น ๆ ) ในนิทรรศการ “ม. และ." M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov และศิลปินต่างประเทศบางคนเข้าร่วม

นิตยสาร “WORLD OF ART” สมาคมศิลปะ “World of Art” ประกาศตัวเองโดยการตีพิมพ์นิตยสารชื่อเดียวกันในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 การตีพิมพ์นิตยสาร World of Art ฉบับแรกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อปลายปี พ.ศ. 2441 เป็นผลมาจากการสื่อสารสิบปีระหว่างกลุ่มจิตรกรและศิลปินกราฟิกที่นำโดย Alexander Nikolaevich Benois ()

พื้นฐานอุดมคติ แนวคิดหลักของสมาคมแสดงไว้ในบทความโดยผู้ใจบุญที่โดดเด่นและนักเลงศิลปะ Sergei Pavlovich Diaghilev () “ คำถามที่ซับซ้อน การลดลงในจินตนาการของเรา" เป้าหมายหลักของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะได้รับการประกาศให้เป็นความงามและความงามในความเข้าใจส่วนตัวของปรมาจารย์แต่ละคน ทัศนคติต่องานศิลปะนี้ทำให้ศิลปินมีอิสระอย่างเต็มที่ในการเลือกธีม รูปภาพ และวิธีการแสดงออก ซึ่งค่อนข้างใหม่และแปลกสำหรับรัสเซีย

การทำงานร่วมกันกับนักเขียน Symbolist มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับปรมาจารย์ที่รวมตัวกันรอบ ๆ Benois และ Diaghilev ในนิตยสารฉบับที่สิบสองในปี พ.ศ. 2445 กวี Andrei Bely ตีพิมพ์บทความ "รูปแบบของศิลปะ" และตั้งแต่นั้นมาก็มีการตีพิมพ์กวีสัญลักษณ์ที่ใหญ่ที่สุดบนหน้าเว็บเป็นประจำ

ALEXANDER BENOIS ผลงานที่ดีที่สุดของ Benois เป็นแบบกราฟิก; ในบรรดาภาพประกอบของบทกวีของ A. S. Pushkin เรื่อง "The Bronze Horseman" (gg.) มีความน่าสนใจเป็นพิเศษ “ ฮีโร่” หลักของวงจรทั้งหมดคือเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: ถนน, ลำคลอง, ผลงานชิ้นเอกทางสถาปัตยกรรมของมันปรากฏทั้งในเส้นบาง ๆ ที่หนาวเย็นหรือในความแตกต่างอย่างมากของจุดสว่างและความมืด เมื่อถึงจุดสุดยอดของโศกนาฏกรรมเมื่อยูจีนวิ่งหนีจากยักษ์ที่น่าเกรงขามซึ่งเป็นอนุสาวรีย์ของปีเตอร์ควบม้าตามเขาไปอาจารย์ก็วาดภาพเมืองด้วยสีเข้มและมืดมน

LEON BAKST การออกแบบการแสดงละครเป็นหน้าที่สว่างที่สุดในผลงานของ Lev Samuilovich Bakst (ชื่อจริง Rosenberg;) ผลงานที่น่าสนใจที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์ของ Russian Seasons ในปารีส เทศกาลศิลปะรัสเซียชนิดหนึ่งที่จัดโดย Diaghilev

LEON BAKST สิ่งที่น่าทึ่งเป็นพิเศษคือภาพร่างเครื่องแต่งกายซึ่งกลายเป็นงานกราฟิกอิสระ ศิลปินสร้างโมเดลเครื่องแต่งกายโดยเน้นไปที่ระบบการเคลื่อนไหวของนักเต้น เขาพยายามเปิดเผยรูปแบบการเต้นรำและลักษณะของดนตรีผ่านเส้นและสี ภาพร่างของเขาน่าทึ่งด้วยการมองเห็นที่เฉียบคมของภาพ ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับธรรมชาติของการเคลื่อนไหวของบัลเล่ต์ และความสง่างามที่น่าทึ่ง

MYRISKISTS และ ROCOCO หนึ่งในธีมหลักสำหรับปรมาจารย์ด้าน "โลกแห่งศิลปะ" หลายคนคือการหันหลังให้กับอดีตและโหยหาโลกในอุดมคติที่สูญหายไป ยุคที่ฉันชอบคือศตวรรษที่ 18 และเหนือยุคโรโกโกทั้งหมด ศิลปินไม่เพียงแต่พยายามฟื้นคืนชีพในครั้งนี้ในงานของพวกเขาเท่านั้น แต่ยังดึงดูดความสนใจของสาธารณชนไปที่งานศิลปะที่แท้จริงแห่งศตวรรษที่ 18 โดยได้ค้นพบผลงานของจิตรกรชาวฝรั่งเศส Antoine Watteau และ Honore Fragonard และเพื่อนร่วมชาติ Fyodor Rokotov และ Dmitry Levitsky อีกครั้ง

KONSTANTIN SOMOV ลวดลาย Rococo ปรากฏขึ้นพร้อมกับความหมายโดยเฉพาะในผลงานของ Konstantin Andreevich Somov () เขาเริ่มมีส่วนร่วมในประวัติศาสตร์ศิลปะตั้งแต่เนิ่นๆ (พ่อของศิลปินเป็นผู้ดูแลคอลเลกชั่น Hermitage) หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts นายหนุ่มก็กลายเป็นนักเลงภาพวาดเก่าที่ยอดเยี่ยม

KONSTANTIN SOMOV Somov เลียนแบบเทคนิคของเธอในภาพวาดของเขาได้อย่างยอดเยี่ยม ประเภทงานหลักของเขาอาจเรียกได้ว่าหลากหลายในธีมของ "ฉากที่กล้าหาญ" แท้จริงแล้ว บนผืนผ้าใบของศิลปิน ตัวละครของ Watteau ไม่ว่าจะเป็นผู้หญิงในชุดเดรสและวิกผมฟูฟ่อง นักแสดงในหน้ากากตลก ดูเหมือนจะมีชีวิตขึ้นมาอีกครั้ง พวกเขาจีบ จีบ ร้องเพลงเซเรเนดในตรอกซอกซอยของสวนสาธารณะ ล้อมรอบด้วยแสงเรืองรองของแสงพระอาทิตย์ตก

KONSTANTIN SOMOV Somov สามารถแสดงความชื่นชมในอดีตของเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งผ่านภาพผู้หญิงอย่างละเอียด ผลงานที่มีชื่อเสียง "Lady in Blue" (ปี) เป็นภาพเหมือนของศิลปินร่วมสมัยของปรมาจารย์ E. M. Martynova เธอแต่งกายด้วยชุดแบบโบราณและมีภาพเป็นฉากหลังของสวนภูมิทัศน์ที่มีบทกวี สไตล์การวาดภาพเลียนแบบสไตล์บีเดอร์ไมเออร์ได้อย่างยอดเยี่ยม แต่การเจ็บป่วยที่ชัดเจนของการปรากฏตัวของนางเอก (ในไม่ช้า Martynova ก็เสียชีวิตด้วยวัณโรค) ทำให้เกิดความรู้สึกเศร้าโศกเฉียบพลันและความนุ่มนวลอันงดงามของภูมิทัศน์ดูเหมือนไม่จริงซึ่งมีอยู่ในจินตนาการของศิลปินเท่านั้น

NICHOLAS ROERICH ศิลปินชาวรัสเซีย นักปรัชญา ผู้ลึกลับ นักวิทยาศาสตร์ นักเขียน นักเดินทาง นักโบราณคดี บุคคลสาธารณะ สมาชิก กวี ครู ผู้สร้างภาพวาดประมาณ 7,000 ชิ้น (หลายชิ้นอยู่ในแกลเลอรีที่มีชื่อเสียงทั่วโลก) และผลงานวรรณกรรมประมาณ 30 ชิ้น ผู้เขียนแนวคิดและผู้ริเริ่มสนธิสัญญา Roerich ผู้ก่อตั้งขบวนการวัฒนธรรมนานาชาติ "สันติภาพผ่านวัฒนธรรม" และ "แบนเนอร์แห่งสันติภาพ" ".

NICHOLAS ROERICH ศิลปะจะรวมมนุษยชาติเข้าด้วยกัน ศิลปะเป็นหนึ่งเดียวและแยกจากกันไม่ได้ ศิลปะมีหลายแขนง แต่รากฐานคือหนึ่งเดียว... ทุกคนสัมผัสได้ถึงความจริงของความงาม ประตูน้ำพุศักดิ์สิทธิ์จะต้องเปิดให้ทุกคน แสงแห่งศิลปะจะส่องสว่างหัวใจนับไม่ถ้วนด้วยความรักครั้งใหม่ ในตอนแรกความรู้สึกนี้จะเกิดขึ้นโดยไม่รู้ตัว แต่หลังจากนั้นจะทำให้จิตสำนึกของมนุษย์ทั้งหมดบริสุทธิ์ มีหัวใจวัยรุ่นกี่ดวงที่กำลังมองหาสิ่งที่สวยงามและเป็นความจริง มอบให้พวกเขา. มอบงานศิลปะให้กับผู้คนในที่ที่มันอยู่

คำถามทดสอบ (ต่อ) 7 – ใครเป็นคนเขียนภาพเหมือนของ ZINAIDA GIPPIUS 8 – ใครมีชื่อเสียงจากผลงานที่เกี่ยวข้องกับการผลิตโอเปร่าและบัลเลต์? 9 – ใครถูกเรียกว่า “นักร้องสายรุ้ง” 10 – ใครได้รับชื่อเสียงในฐานะผู้ทำนาย กูรู? 11 – ชื่อเล่นของ ROSENBERG