สถาบันการละครตั้งชื่อตาม BORIS SHCHUKIN
ที่โรงละครวิชาการของรัฐชื่อ EVG วาคทังกอฟ
อี.บี. Vakhtangov และทิศทางของเขาในโรงละคร
ทดสอบประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซีย
นักศึกษาชั้นปีที่ 4
ฝ่ายผู้อำนวยการฝ่ายสารบรรณ
โมโนการาโรว่า เอเลน่า
ฉันจะเริ่มต้นด้วยการอ้างถึง Veniamin Smekhov - แม้ว่าจะไม่ใช่นักทฤษฎีการละคร แต่เป็นนักแสดงที่มีชื่อเสียงและสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน Shchukin เมื่ออ่านบทกวีของ Igor Severyanin ในตอนเย็นของบทกวีเขากล่าวว่าหากคุณเปิดกวีคนนี้ด้วยปุ่ม "Stanislavsky" มันจะน่าเบื่อ ปุ่ม "Vakhtangov" จะเปลี่ยน - เมื่อ "อุ่นจากด้านในและในขณะเดียวกันก็เติมพริกไทยภายนอก ... แม่บ้านทำอะไรเพื่อทำให้จานเป็นประกาย..." ให้พูดคำเหล่านี้ด้วยอารมณ์ขันเพื่ออธิบายให้ผู้ชมที่ไม่ได้เตรียมตัวได้ง่ายขึ้นถึงความแตกต่างระหว่างโรงเรียนโรงละคร แต่ในความคิดของฉันมีเกลืออยู่ในนั้น อะไรคือสิ่งแรกที่นึกถึงสำหรับคน ๆ หนึ่ง - ผู้ชมธรรมดา ๆ - เมื่อเราออกเสียงชื่อ Stanislavsky? "ฉันไม่เชื่อ!" และ “ความจริงแห่งชีวิต” แล้ววัคทันกอฟล่ะ? ฉันคิดว่ามันเป็น "ด้นสด" ซึ่งเป็นงานมหกรรมของ "เจ้าหญิง Turandot"
มีแนวคิดของ "MKhAT" เมื่ออยู่บนเวทีทุกอย่างเรียบง่ายและทุกอย่างซับซ้อนเช่นเดียวกับในชีวิตเมื่ออย่างที่เชคอฟกำหนดไว้อย่างชาญฉลาด "ผู้คนกินข้าวกลางวันแค่กินข้าวกลางวันและในเวลานี้ความสุขของพวกเขาก็ก่อตัวขึ้นและ ชีวิตแตกสลาย” แล้ววาห์ทังกอฟสโคยล่ะ? นี่คือการเฉลิมฉลองของโรงละคร: นักแสดงเล่นและอย่าซ่อนเกมของพวกเขา แน่นอนว่า Vakhtangovian ดำรงอยู่ในโรงละครมาโดยตลอดไม่ว่าจะเปิดเผยหรือเป็นความลับ แต่ด้วยการถือกำเนิดของ Vakhtangov "การแสดงละคร" นี้เมื่อไม่เพียงนำเสนอชีวิตจริงบนเวทีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสิ่งที่ "จินตนาการ" โดยศิลปินด้วย จินตนาการได้รับชื่อ
แน่นอนว่า Vakhtangov เองก็ไม่เคยต่อต้านตัวเองกับ Stanislavsky ครูของเขาและตามความเห็นของครูเอง Vakhtangov เป็นนักเรียนที่ดีที่สุดของเขา Vakhtangov ได้รับการยกย่องอย่างสูงจากปรมาจารย์แห่งโรงละครโลก: Gordon Craig, Andre Antoine, B. Brecht Peter Brook เขียนไว้ใน "Empty Space" ว่า Vakhtangov สามารถเจาะทะลุองค์ประกอบยอดนิยมของโรงละครได้อย่างไม่มีใครเหมือน และเขาเริ่มการเดินทางอย่างอิสระในสตูดิโอแห่งที่สามของโรงละครศิลปะมอสโกซึ่งเขาได้รับเชิญจากผู้กำกับ
เมื่อมาถึงนักเรียน Evgeniy Bogrationovich เริ่มต้นด้วยการประกาศว่าทุกที่ที่เขาพบตัวเองไม่ว่าเขาจะทำงานด้วยกับใครก็ตามเขาก็ตั้งภารกิจเดียวให้ตัวเอง: เผยแพร่ "ระบบ" ของ K. S. Stanislavsky
นี่คือภารกิจของฉัน งานในชีวิตของฉัน
นักเรียนรู้สึกยินดีกับคำพูดของอาจารย์ และด้วยรูปลักษณ์ที่มีเสน่ห์ของเขา และด้วยความสามารถพิเศษของเขา ซึ่งทำให้พวกเขาประทับใจในทันทีที่สามารถเจาะลึกความรู้สึกและความคิดของพวกเขา และพูดคุยกับชายหนุ่มและหญิงสาวในภาษาที่พวกเขาเข้าใจได้อย่างแน่นอน น่าตื่นเต้นอย่างใกล้ชิดเสมอ
ในวันที่ 13 กันยายน พ.ศ. 2463 สมาคมเยาวชนแห่งนี้จะได้รับสถานะเป็นสตูดิโอแห่งที่สามของโรงละครศิลปะมอสโกในปี พ.ศ. 2469 โรงละครที่ได้รับการตั้งชื่อตาม วาคทังกอฟ. ในระหว่างนี้ สมาชิกสตูดิโอที่เพิ่งก่อตั้งใหม่ไม่มีสถานที่ถาวรด้วยซ้ำ ชั้นเรียนจัดขึ้นในห้องนักเรียน ในระหว่างวัน สมาชิกสตูดิโอยังคงเข้าร่วมการบรรยาย หลายคนสามารถรวมตัวกันเพื่อเรียนศิลปะในตอนเย็นหรือตอนกลางคืนเท่านั้น Vakhtangov ในช่วงบ่าย - ใน First Studio จากนั้น - ที่โรงเรียนของ Khalyutina ต่อมา - บทเรียนกับนักเรียน เมื่อความเป็นไปได้ทั้งหมดของ "ความสะดวกสบายที่บ้าน" หมดลง พวกเขาก็เริ่มไปร้านอาหาร จากนั้น "สตูดิโอ" ก็ไม่ได้รับอนุญาตที่นี่อีกต่อไปเช่นกัน จากนั้นชาวสตูดิโอก็ขอพักค้างคืนที่ล็อบบี้โรงภาพยนตร์หลังการฉายภาพยนตร์
เมื่อนึกถึงทุกวันนี้ B.V. Zakhava หนึ่งในสมาชิกสตูดิโอกล่าวว่า: “ ผู้ที่ผ่านโรงเรียน Vakhtangov แห่งนี้และไม่ได้เป็นนักแสดงจะไม่เสียใจกับเวลาที่เสียไปราวกับว่ามันสูญเสียไปอย่างไร้ผล:“ เขาจะเก็บความทรงจำไว้ตลอดไป ของนาฬิกาที่ดำเนินการในบทเรียนของ Vakhtangov ในฐานะผู้ที่เลี้ยงดูเขามาเพื่อชีวิต ได้ทำความเข้าใจหัวใจมนุษย์ให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น สอนให้เขาสัมผัสถึงจิตวิญญาณมนุษย์ที่มีความสุขและละเอียดอ่อน เผยให้เขาเห็นถึงกลไกอันละเอียดอ่อนที่สุดของการกระทำของมนุษย์…”
รอบปฐมทัศน์ของ "The Lanin Manor" โดย Boris Zaitsev เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2457 มันเป็นความล้มเหลวโดยสิ้นเชิง นักแสดงที่ไม่มีประสบการณ์เล่นด้วยความยินดี พวกเขาประทับใจกับประสบการณ์ของตัวเอง แต่ไม่มีอะไรเข้าถึงผู้ชมได้ ยกเว้นความทำอะไรไม่ถูกของนักแสดง
เราล้มเหลว! - Vakhtangov พูดอย่างร่าเริง – ตอนนี้คุณสามารถและควรเริ่มเรียนอย่างจริงจัง
หลังจากนั้นฝ่ายบริหารของ Art Theatre ห้ามไม่ให้ Vakhtangov ทำงานใด ๆ นอกกำแพงโรงละครและสตูดิโอ Evgeny Bogrationovich แกล้งทำเป็นส่ง สมาชิกทุกคนของ Student Studio (ซึ่งเรียกกันในปัจจุบัน) ลงนามในสัญญาอันเคร่งขรึม: ทุกคนให้ "คำยกย่อง" ของตนว่าจะไม่พูดในอนาคตเกี่ยวกับสิ่งที่จะทำในสตูดิโอ ทั้งกับคนรู้จัก เพื่อน หรือแม้แต่ คนที่ใกล้ที่สุด นับจากนี้เป็นต้นไปชื่อของผู้นำอันเป็นที่รักจะถูกเก็บไว้เป็นความลับอย่างเข้มงวดที่สุด
ในช่วงฤดูหนาวปี 1914/58 Student Studio ได้ทำงานอย่างหนักกับภาพร่างตาม "ระบบ" ของ Stanislavsky และในละครตอนเดียว เราเช่าอพาร์ตเมนต์เล็กๆ ใน บ้านสองชั้นในถนน Mansurovsky ครึ่งแรกพวก “มันซูไรต์” ได้สร้างหอพัก ส่วนอีกครึ่งมีเวทีเล็ก ๆ พร้อมด้วย หอประชุมสำหรับสามสิบสี่คน “ ตามคำบอกเล่าของฉัน” ที่จะไม่ส่งผู้ร้ายข้ามแดน Vakhtangov ถูกแขวนไว้บนผนังเพื่อที่เขาจะได้จดจำตลอดไป แต่เมื่อถึงปลายฤดูหนาวคำนั้นก็แตกสลาย ในฤดูใบไม้ผลิ แขกที่ได้รับเลือกจะได้ชม "การแสดงยามเย็น" ซึ่งประกอบด้วยการแสดงเดี่ยวห้าเรื่อง: เรื่องราวที่จัดโดย A. Chekhov "The Huntsman" และการแสดงเพลงสี่เพลง: "การแข่งขันระหว่างสองไฟ", "เกลือแห่งการแต่งงาน" ”, “เรื่องไร้สาระของผู้หญิง” และ “หน้านวนิยาย”
เมื่อเลือกเพลง Evgeny Vakhtangov กล่าวว่านักแสดงควรได้รับการเลี้ยงดูในเพลงโวเดอวิลล์และโศกนาฏกรรมเพราะรูปแบบเหล่านี้มีขั้วในศิลปะการละครต้องการความบริสุทธิ์ความจริงใจอารมณ์ที่ดีความรู้สึกที่ยอดเยี่ยมจากนักแสดงอย่างเท่าเทียมกันนั่นคือทุกสิ่งที่ประกอบขึ้นเป็น ความมั่งคั่งหลักของนักแสดง
แต่มันไม่ใช่แค่ความรู้สึกอีกต่อไป ไม่ใช่แค่ประสบการณ์ที่ถูกเลี้ยงดูมา... นักเรียนตระหนักดีว่าหากนักแสดงในโรงละครจิตวิทยามีหน้าที่รับผิดชอบต่อความจริงของประสบการณ์เท่านั้นและยังคงไม่แยแสกับรูปแบบเขาจะไม่ ถ่ายทอดประสบการณ์ให้กับผู้ชม
ความคลุมเครือของรูปแบบการโอเวอร์โหลดของเกมที่มีรายละเอียดที่ไม่มีความหมายสุ่มและไม่จำเป็น "ขยะในครัวเรือน" การขาดการวาดภาพที่แม่นยำและชัดเจน - คุณสมบัติเชิงลบทั้งหมดของ "โรงละครแห่งประสบการณ์" ที่ไม่มีรูปร่างเป็นสิ่งผิดกฎหมาย นี่คือขั้นตอนที่สอง แต่การค้นหารูปแบบใหม่ทำได้โดยการสัมผัสอย่างสังหรณ์ใจ หลักการพื้นฐานของสตูดิโอยังคงความเชื่อที่ว่าความคิดสร้างสรรค์นั้น "ไร้สติ" อยู่เสมอ Vakhtangov รู้สึกทึ่งกับงานสอนในงานนี้เขาเขียนไว้ในสมุดบันทึกของเขา:“ ในโรงเรียนการละครพระเจ้าทรงทราบดีว่าได้รับอะไร ข้อผิดพลาดหลักของโรงเรียนคือการที่พวกเขาทำ สอน,ระหว่างวิธีการให้ความรู้” “ระบบ” มีเป้าหมายเพื่อให้ความรู้:
“การศึกษาของนักแสดงควรประกอบด้วยการเพิ่มพูนจิตใต้สำนึกของเขาด้วยความสามารถที่หลากหลาย: ความสามารถในการเป็นอิสระ, มีสมาธิ, จริงจัง, เป็นคนแสดงละคร, มีศิลปะ, มีประสิทธิภาพ, แสดงออก, ช่างสังเกต, ปรับตัวได้รวดเร็ว ฯลฯ มี ความสามารถเหล่านี้มีมากมายไม่สิ้นสุด... โดยพื้นฐานแล้วนักแสดงจะต้องแยกวิเคราะห์และซึมซับข้อความร่วมกับคู่หูของเขาแล้วขึ้นเวทีเพื่อสร้างตัวละคร
นี่คืออุดมคติ เมื่อนักแสดงมีความสามารถที่จำเป็นทั้งหมด นักแสดงจะต้องเป็นนักแสดงด้นสดอย่างแน่นอน นี่คือพรสวรรค์”
สำหรับ Vakhtangov นี่คือจุดเริ่มต้นของระบบการสอนทั้งหมด
Vakhtangov สอนสมาชิกในสตูดิโออย่างอดทนว่านักแสดงที่ขึ้นมาบนเวทีด้วยความรู้สึกเป็นอยู่ที่ดีจะต้องเอาชนะมันและสร้างความรู้สึกที่สร้างสรรค์ของความเป็นอยู่ที่ดีได้อย่างไร เขาสอนว่าความคิดสร้างสรรค์คือความสำเร็จของงานต่างๆ และภาพจะปรากฏขึ้นเมื่องานเสร็จสิ้น เขาย้ำว่าคุณไม่สามารถเล่นกับความรู้สึกได้ แต่คุณต้องดำเนินการอย่างเหมาะสมซึ่งเป็นผลมาจากความรู้สึกที่จะเกิดขึ้น แต่ละงานประกอบด้วยการกระทำ (“ ฉันควรทำอะไร”) ความปรารถนา (“ เพื่ออะไร”) และการปรับตัว (“ อย่างไร”) ทั้งหมดนี้จะต้องได้รับการปฏิบัติและจัดระเบียบในงานเบื้องต้นและการซ้อมจากนั้นจึงแสดงบนเวทีโดยไม่สมัครใจโดยธรรมชาติ ไว้วางใจธรรมชาติของคุณ
ในช่วงฤดูหนาวปี 1916/17 Student Studio ได้เตรียมการแสดงละครโดย Maupassant และ Chekhov ให้กับนักเรียนอีกครั้ง นักเรียนเลิกเป็นมือสมัครเล่นแล้ว ดังนั้นสตูดิโอจึงได้ชื่อว่า "Moscow Drama Studio of E.B. Vakhtangov" ปีแห่ง "การสมรู้ร่วมคิด" สิ้นสุดลงแล้วสำหรับพวกเขา
Vakhtangov เชื่อมั่นว่า “โรงละครที่แท้จริงใดๆ ก็สามารถแสดงออกมาทางสตูดิโอเท่านั้น สตูดิโอเป็นวิธีเดียวที่จะสร้างโรงละครที่แท้จริง แต่สตูดิโอคืออะไร? สตูดิโอเป็นทีมที่มีอุดมการณ์เป็นหนึ่งเดียวกัน มีเพียงทีมดังกล่าวเท่านั้นที่สามารถเริ่มสร้างโรงละครได้ มีเพียงทีมดังกล่าวเท่านั้นที่จะสามารถสร้างโรงเรียนที่แท้จริงได้ สตูดิโอไม่ใช่โรงเรียนหรือโรงละคร สตูดิโอคือสิ่งที่ให้กำเนิดทั้งโรงเรียนและโรงละคร การกำเนิดของโรงละครไม่ได้หมายความถึงการยกเลิกสตูดิโอแต่อย่างใด ในทางตรงกันข้าม การดำรงอยู่และการพัฒนาของโรงละครนั้นพิจารณาจากการมีสตูดิโอที่มีอยู่พร้อมๆ กัน (นั่นคือทีมที่มีอุดมการณ์เหนียวแน่น) ดังนั้น ไตรลักษณ์จึงเกิดขึ้น: โรงเรียน – สตูดิโอ – โรงละคร สตูดิโอเป็นศูนย์กลางของทรินิตี้นี้ เธอบริหารทั้งโรงเรียนและโรงละคร เธอจัดการทั้งสองอย่าง”
ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2463 สตูดิโอ Vakhtangov ได้รับการยอมรับให้เป็นครอบครัวของ Moscow Art Theatre ภายใต้ชื่อสตูดิโอที่สาม ในฤดูใบไม้ร่วง สตูดิโอได้ย้ายจาก Mansurovsky Lane ไปยังคฤหาสน์ว่างเปล่าบน Arbat ในเวลาเพียงสองปี การแสดงครั้งสุดท้ายของ Vakhtangov จะเกิดขึ้น - “Princess Turandot” การแสดงที่กลายมาเป็น “ นามบัตร“ โรงละครที่ตั้งชื่อตาม E. B. Vakhtangov แล้ว
วิธีการสร้างสรรค์ของ Vakhtangov คือของเขา ความคิดเกี่ยวกับโรงละครสามารถประสานโรงละครสองประเภทได้ - โรงละครแห่ง "การแสดง" และโรงละครแห่ง "ประสบการณ์"
สไตล์การกำกับของ Vakhtangov ได้รับการพัฒนาอย่างมากตลอดระยะเวลา 10 ปีของผลงานของเขา จากความเป็นธรรมชาติทางจิตวิทยาขั้นสุดขีดของผลงานชิ้นแรกของเขาเขามาถึงสัญลักษณ์โรแมนติกของ Rosmersholm จากนั้น - ถึงการแสดงออกถึง "Eric XIY" ถึง "หุ่นพิสดาร" ของ "The Miracle of St. Anthony" ฉบับที่สองและการแสดงละครแบบเปิดของ "Princess Turandot" ซึ่งได้รับการเรียกโดยนักวิจารณ์คนหนึ่งว่า "critical impresionism" . สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดในวิวัฒนาการของ Vakhtangov ตามข้อมูลของ P. Markov คือธรรมชาติตามธรรมชาติของการเปลี่ยนแปลงทางสุนทรียะดังกล่าวและความจริงที่ว่า "ความสำเร็จทั้งหมดของโรงละคร "ซ้าย" ที่สะสมในเวลานี้และมักถูกผู้ชมปฏิเสธมักจะเต็มใจ และได้รับการยอมรับอย่างกระตือรือร้นจากผู้ชมจาก Vakhtangov”
ถึงกระนั้นแม้จะอยู่ในสภาพเปลือยเปล่าของ "เจ้าหญิง Turandot" เขาก็ยังคงซื่อสัตย์ต่อความจริงที่เขาได้รับจากมือของ K.S. สตานิสลาฟสกี้ บุคคลสำคัญในโรงละครรัสเซียสามคนมีอิทธิพลต่อเขาอย่างเด็ดขาด: Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko และ Sulerzhitsky Vakhtangov ยอมรับว่าเขาได้รับสืบทอดจิตสำนึกว่านักแสดงจะต้องมีความบริสุทธิ์มากขึ้น ดีขึ้นในฐานะบุคคล หากเขาต้องการสร้างสรรค์อย่างอิสระและมีแรงบันดาลใจจาก L.A. ซูเลอร์ชิตสกี้. แน่นอนว่าอิทธิพลทางวิชาชีพที่เด็ดขาดต่อ Vakhtangov คือ K.S. สตานิสลาฟสกี้ งานตลอดชีวิตของ Vakhtangov คือการสอนระบบและก่อตั้งกลุ่มเยาวชนที่มีความสามารถจำนวนหนึ่งบนพื้นฐานความคิดสร้างสรรค์ จาก Nemirovich-Danchenko เขาเรียนรู้ที่จะรู้สึกถึงการแสดงละครที่เฉียบแหลมของตัวละคร ความชัดเจนและความสมบูรณ์ของฉากที่เพิ่มสูงขึ้น เรียนรู้วิธีการใช้เนื้อหาดราม่าฟรี โดยเข้าใจว่าในการแสดงละครแต่ละครั้งจำเป็นต้องมองหาแนวทางที่สอดคล้องมากที่สุด ถึงแก่นแท้ของงานที่ได้รับมอบหมาย (และไม่ได้ถูกกำหนดโดยทฤษฎีการแสดงละครทั่วไปจากภายนอก)
กฎพื้นฐานของทั้งโรงละครศิลปะมอสโกและโรงละคร Vakhtangov นั้นเป็นกฎแห่งการให้เหตุผลภายใน การสร้างชีวิตอินทรีย์บนเวที การตื่นตัวของนักแสดงในความจริงที่มีชีวิตของความรู้สึกของมนุษย์
Vakhtangov เช่นเดียวกับ Stanislavsky มี "ไม่มีอะไรที่ลึกซึ้ง ไม่มีอะไรที่ไม่สามารถพิสูจน์ได้ และไม่สามารถอธิบายได้" มิคาอิล เชคอฟ ซึ่งรู้จักผู้กำกับทั้งสองคนเป็นอย่างดีและชื่นชมพวกเขาอย่างสูงกล่าว
Vakhtangov นำความจริงในชีวิตประจำวันมาสู่ระดับของความลึกลับ โดยเชื่อว่าสิ่งที่เรียกว่าความจริงในชีวิตบนเวทีควรถูกนำเสนอในละคร โดยมีผลกระทบในระดับสูงสุด สิ่งนี้เป็นไปไม่ได้จนกว่านักแสดงจะเข้าใจธรรมชาติของการแสดงละครและเชี่ยวชาญเทคนิคภายนอก จังหวะ และความเป็นพลาสติกได้อย่างสมบูรณ์แบบ
ใน Rosmersholm (รอบปฐมทัศน์วันที่ 26 เมษายน พ.ศ. 2461) เป็นครั้งแรกด้วยความช่วยเหลือของวิธีการเชิงสัญลักษณ์ช่องว่างระหว่างนักแสดงและตัวละครที่เขาเล่นตามแบบฉบับของงานของ Vakhtangov ได้รับการอธิบายไว้อย่างชัดเจน ก็เพียงพอแล้วสำหรับนักแสดงที่จะเชื่อถูกล่อลวงด้วยความคิดที่จะอยู่ในสภาพการดำรงอยู่ของฮีโร่ของเขาเพื่อเข้าใจตรรกะของขั้นตอนที่ผู้เขียนอธิบายไว้ และในขณะเดียวกันก็ยังคงเป็นตัวคุณเอง
เริ่มต้นด้วย "Eric XIY" (รอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 29 มกราคม พ.ศ. 2464) สไตล์การกำกับของ Vakhtangov มีความชัดเจนมากขึ้นเรื่อย ๆ แนวโน้มของเขาที่จะ "ทำให้เทคนิคของเขาคมชัดขึ้น" เพื่อรวมเอาจิตวิทยาที่เข้ากันไม่ได้ - จิตวิทยาเชิงลึกเข้ากับการแสดงออกของหุ่นเชิดแปลกประหลาดกับการแต่งบทเพลงมากที่สุด ประจักษ์ เป็นครั้งแรกที่ Vakhtangov แนะนำหลักการของรูปปั้นและตัวละครคงที่ Vakhtangov แนะนำแนวคิดเรื่องประเด็น หลักการของประติมากรรมละครไม่ได้รบกวนธรรมชาติของการปรากฏตัวของนักแสดงในบทบาท ตามที่ A.I. นักเรียนของ Vakhtangov กล่าว Remizova ความจริงที่ว่านักแสดง "แช่แข็ง" ใน "ปาฏิหาริย์ของเซนต์แอนโทนี่" โดยฉับพลันทำให้พวกเขารู้สึกว่าเป็นความจริง นี่เป็นเรื่องจริง แต่เป็นเรื่องจริงสำหรับการแสดงครั้งนี้
การค้นหาตัวละครภายนอกที่เกือบจะแปลกประหลาดยังคงดำเนินต่อไปในละครเรื่อง "The Wedding" ของ Third Studio (กันยายน พ.ศ. 2464) ซึ่งแสดงในเย็นวันเดียวกับ "The Miracle of St. Anthony" Vakhtangov ดำเนินการที่นี่ไม่ใช่จากการค้นหาเชิงนามธรรมสำหรับการแสดงละครที่สวยงาม แต่จากความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับ Chekhov ในเรื่องราวของเชคอฟ: ตลก ตลก แล้วก็เศร้าในทันใด ความเป็นคู่ที่น่าเศร้าแบบนี้อยู่ใกล้เขามาก
เป็นการยากที่จะนับโรงเรียนการแสดงและสตูดิโอที่ Vakhtangov ทำงานอยู่ นอกจากสตูดิโอ First และ Mansurov แล้ว Vakhtangov ยังสอนที่สตูดิโอที่สองของ Moscow Art Theatre โดยบรรยายเกี่ยวกับระบบ Stanislavsky ใน Culture League ในเมือง Proletkult ในสตูดิโอของ B.V. Tchaikovsky และ A.O. กันสท์. เขาทำการซ้อมเพลง “The Green Parrot” ในสตูดิโอชลีพิน ทำงานที่หลักสูตรคนงาน Prechistensky เขาเข้าร่วมในองค์กรของ Proletarian Studio of Workers ของ Zamoskvoretsky District ซึ่งจัด People's Theatre ใกล้สะพาน Bolshaya Kamenny ซึ่ง Mansurov Studio เล่น
การทำงานในสตูดิโอต่างๆ ทำให้ Vakhtangov มีสื่อเกี่ยวกับมนุษย์และการแสดงจำนวนมหาศาล เขารักนักแสดงและพยายามทดสอบความคิดสร้างสรรค์ของทุกคนอยู่เสมอ หลักการที่เขาเลือกนักแสดงสำหรับบทบาทนี้เป็นที่รู้จักกันดี - ไม่ใช่คนที่เก่งกว่า แต่เป็นคนที่คาดเดาไม่ได้มากกว่า
แต่ในสตูดิโอที่สามนั้นมีการกำหนดแนวคิดการแสดงละครของ Vakhtangov มากมาย
1. หลักการของสตูดิโอ Vakhtangov เช่นเดียวกับ Sulerzhitsky เริ่มการศึกษาของเขาในฐานะนักแสดงที่ไม่ได้ทำงานเกี่ยวกับเทคนิคภายนอกและไม่ใช่แม้แต่เทคนิคภายใน แต่ด้วยแนวคิดของ "สตูดิโอ" Vakhtangov เชื่อว่าการแสวงหาความพึงพอใจทางศิลปะมากเกินไปเป็นอันตรายต่อศิลปินรุ่นเยาว์ สตูดิโอเป็นสถาบันที่ยังไม่ควรเป็นโรงละคร นักศึกษาจะต้องรักษาความบริสุทธิ์ต่อหน้าเทพเจ้าแห่งศิลปะ ไม่เหยียดหยามมิตรภาพ และปฏิบัติตามมาตรฐานทางจริยธรรมอย่างเคร่งครัด Vakhtangov เปลี่ยนระเบียบวินัยอันยิ่งใหญ่ของ Moscow Art Theatre ให้กลายเป็นเวทมนตร์แห่งการแสดงละคร Vakhtangov กล่าวว่างานในสตูดิโอถือเป็นวินัยอันดับแรกและสำคัญที่สุด ไม่มีระเบียบวินัย - ไม่มีสตูดิโอ
หลักการของสตูดิโอเสริมด้วยสูตรที่แยกไม่ออก: “โรงเรียน – สตูดิโอ – โรงละคร” สามในหนึ่งเดียว สตูดิโอยังคงรักษาจิตวิญญาณแห่งศิลปะเอาไว้ โรงเรียนให้ความรู้แก่นักแสดงมืออาชีพบางประเภทโดยมีสุนทรียภาพที่เหมือนกัน โรงละครเป็นสถานที่แห่งความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงของนักแสดง ไม่สามารถสร้างโรงละครได้ โรงละครสามารถสร้างขึ้นได้ด้วยตัวเองเท่านั้น โดยยังคงรักษาทั้งโรงเรียนและสตูดิโอไว้ในตัวมันเอง ดังนั้นสูตร “โรงเรียน – สตูดิโอ – โรงละคร” จึงมีความคงที่และเป็นสากลสำหรับการสร้างสรรค์อย่างแท้จริง กลุ่มโรงละคร.
2. "โรงเรียน". งานของครูถูกกำหนดโดย Vakhtangov ดังนี้: เพื่อค้นหาความเป็นตัวตนของนักเรียนเพื่อพัฒนา ความสามารถตามธรรมชาติและ “กระหายความคิดสร้างสรรค์” จนนักแสดงไม่มีความรู้สึก “ฉันไม่อยากเล่น” เพื่อให้เทคนิคและวิธีการในการทำงานบทบาทในละคร - สอนการควบคุมความสนใจ วิธีแยกส่วนละครออกเป็นชิ้น ๆ พัฒนาเทคนิคภายนอกและภายใน พัฒนาจินตนาการ อารมณ์ รสนิยม - ลักษณะที่สองของนักแสดง
Vakhtangov ทำซ้ำภารกิจระดับสูงของสตูดิโออย่างต่อเนื่องโดยประกาศว่าเขามีศาสนาแห่งการแสดงละคร - นี่คือเทพเจ้าที่ Konstantin Sergeevich สอนให้สวดภาวนา
คุณสามารถสร้างได้ก็ต่อเมื่อคุณเชื่อในความสำคัญของความคิดสร้างสรรค์ของคุณเท่านั้น ศรัทธาเรียกร้องความชอบธรรม นั่นคือ ความเข้าใจในเหตุผลของการกระทำ ตำแหน่ง และสถานะแต่ละครั้ง Vakhtangov ระบุองค์ประกอบหลายประการที่นักแสดงต้องสามารถจัดวางได้: 1) ท่าทาง 2) สถานที่ 3) การกระทำ 4) สถานะ 5) ชุดของตำแหน่งที่ไม่ต่อเนื่องกัน งานของครูด้วยความช่วยเหลือของแบบฝึกหัดคือการพัฒนาความสามารถในการแสดงให้กับนักแสดงในการแสดงชีวิตบนเวทีทั้งหมดของเขา
ศรัทธาของนักแสดงมีพื้นฐานมาจากความไร้เดียงสาบนเวทีพิเศษ นักแสดงอดไม่ได้ที่จะรู้ว่าเขาอยู่บนเวที แต่ด้วยความศรัทธา เขาจึงสามารถตอบสนองตามความเป็นจริงด้วยความรู้สึกต่อนิยาย เขาไม่จำเป็นต้องโน้มน้าวตัวเองว่ากล่องไม้ขีดนั้นเป็นนก ด้วยความไร้เดียงสาและศรัทธาก็เพียงพอแล้วที่จะปฏิบัติต่อกล่องไม้ขีดเหมือนนกที่มีชีวิตอย่างจริงใจและจริงจัง
สิ่งที่สำคัญที่สุดในการศึกษาของนักแสดงคือความรู้สึกของจังหวะภายใน ศิลปะแห่งการเรียนรู้เพิ่มและลดพลังงาน พลังงานต่ำ – ความเศร้าโศก ความเบื่อหน่าย ความโศกเศร้า เพิ่มขึ้น – ความสุข เสียงหัวเราะ เดียวกัน การกระทำทางกายภาพในสถานะพลังงานที่แตกต่างกัน จะมีการออกแบบเวทีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและต้องใช้อุปกรณ์ที่แตกต่างกัน
อย่างไรก็ตาม นักแสดงไม่ได้อยู่คนเดียวบนเวที และเอฟเฟกต์ของฉากใดฉากหนึ่งนั้นขึ้นอยู่กับทักษะการสื่อสารของเขากับคู่ของเขา การสื่อสารประกอบด้วยการถ่ายทอดความรู้สึกของเราต่อกันและกัน: ชีวิตของคู่ของฉันกระทำต่อคู่ของฉันและในทางกลับกัน - ชีวิตของคู่ของฉันกระทำต่อฉัน เมื่อสื่อสารวัตถุนั้นคือวิญญาณที่มีชีวิต หากคู่รักไม่ได้ "ดำเนินชีวิต" ด้วยความรู้สึกที่แท้จริง (อารมณ์) การ "แสดง" ที่ไร้รสชาติก็จะเริ่มต้นขึ้น เขาเสนอภาพร่างต่อไปนี้แก่ศิลปินเพื่อทดสอบความจริงของการสื่อสารทางการแสดงละคร: “นี่คือกล่อง บอกฉันทีว่ามันเป็นทองคำ และไม่สำคัญสำหรับฉันในสิ่งที่คุณเชื่อ แต่ให้คู่ของคุณเชื่อว่าเป็นทองคำ ”
Vakhtangov ไม่ได้พิจารณาว่า Moscow Art Theatre "กำแพงที่สี่" จำเป็น การจงใจแปลกแยกจากผู้ชมไม่มีจุดหมาย หน้าที่ของนักแสดงคือการโน้มน้าวผู้ชม และด้วยเหตุนี้เขาจึงไม่เพียงต้องการเทคนิคภายในที่พัฒนาขึ้นเท่านั้น แต่ยังต้องมีเทคนิคภายนอกที่มีประสิทธิภาพด้วย ระดับของ “ความติดต่อกัน” ซึ่งเป็นการวัดอิทธิพลต่อผู้ชม ขึ้นอยู่กับเทคนิคภายนอกของนักแสดง นี่ไม่ได้หมายความว่าเทคโนโลยีภายนอกจะมีได้เลย ความหมายที่เป็นอิสระนอกประสบการณ์บนเวทีของศิลปิน นักแสดงจะต้องค้นหารูปแบบการแสดงละครภายนอกดังกล่าวเพื่อให้ภาพวาดภายในที่พัฒนาอย่างประณีตเข้าถึงผู้ชมได้มากที่สุด
3. “โรงละคร”: นักแสดงและภาพลักษณ์ ในวิธีการแสดงละครของ Vakhtangov ส่วนการกำกับ ศิลปะการแสดงละคร และเทคนิคต่างๆ มีคุณค่าเป็นพิเศษ การทำงานร่วมกันผู้กำกับและนักแสดงบนเวที
Vakhtangov เรียกผลงานของนักแสดงเกี่ยวกับบทบาทนี้ว่าเป็นส่วนสร้างสรรค์ของระบบ และเชื่อว่าระบบในตัวเองไม่ได้กำหนดทั้งรูปแบบการผลิต หรือประเภทของการแสดง หรือแม้แต่วิธีการแสดงด้วยตนเอง การทำงานตามบทบาทหมายถึงการค้นหาและพัฒนาความสัมพันธ์ที่จำเป็นสำหรับบทบาทนี้ในตัวนักแสดง ในการที่จะเข้าใจตัวละคร คุณต้องจำลองความรู้สึกของมันขึ้นมาใหม่ จากนั้นจึงแสดงความรู้สึกเหล่านี้บนเวที นักแสดงที่อยู่บนเวทีตามความเป็นจริงคือผู้ที่ในขณะเดียวกันก็ใช้ชีวิตในสถานการณ์ที่เสนอของบทบาทและควบคุมพฤติกรรมบนเวทีของเขา เพื่อที่จะเล่นบทบาทจากต้นจนจบได้อย่างถูกต้อง นักแสดงมองหา "เมล็ดพืช" ซึ่งเป็นแก่นแท้ของบุคลิกภาพ ซึ่งเป็นสิ่งที่ก่อตัวขึ้นตลอดหลายปีที่ผ่านมาและประสบการณ์ชีวิต
ในวิธีการทำงานตามบทบาทของ Vakhtangov ภายนอกและภายในอยู่ร่วมกันอย่างเท่าเทียมกันเสมอ การกระทำทางกายภาพทุกครั้งในโรงละครจะต้องมีเหตุผลภายใน และลักษณะใดๆ จะต้องไม่ "เหนียวเหนอะหนะ" - ไม่ใช่การบังคับ แต่เป็นสภาวะธรรมชาติ ซึ่งเป็นการแสดงออกภายนอกของแก่นแท้ภายในบางอย่าง Vakhtangov ไม่ชอบการวิเคราะห์บทละครยาวๆ บนโต๊ะ แต่มองหาการกระทำทันที พยายามค้นหาประเภทของจินตภาพของบทละครและแก่นแท้ทางจิตวิทยาของตัวละครแต่ละตัว เขาเชิญชวนศิลปินอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยให้จินตนาการถึงบทบาทนี้: “วันนี้ฉันฝันไว้ และพรุ่งนี้มันจะเล่นตามใจฉัน” เขายืนยัน
การซ้อมของ Vakhtangov เป็นการด้นสดไม่รู้จบโดยนักแสดงและผู้กำกับ ในแผนของเขาสำหรับระบบนี้ เขาเรียกการซ้อมว่า "อุบัติเหตุที่ซับซ้อน" ซึ่ง "บทละครเติบโตขึ้น"
ผู้กำกับมีอิทธิพลต่อนักแสดงในหลายๆ ด้าน มีการจัดแสดงวิธีการสร้างสรรค์หลักของเขา บางครั้งการแสดงก็เปลี่ยนการซ้อมเป็นการแสดงเดี่ยว โดยผู้กำกับได้โชว์การแสดงจิ๋วอันยอดเยี่ยมของเขา เขาทำให้นักแสดงติดเชื้อทั้งจากอารมณ์และความศรัทธาที่ไร้เดียงสาในตัวละคร
เมื่อแก่นของบทบาทครบถ้วนแล้ว นักแสดงก็ไม่จำเป็นต้องกังวลเกี่ยวกับการระบุคุณลักษณะบางอย่างของโหงวเฮ้งภายในและภายนอกของภาพ ธรรมชาติทางศิลปะของนักแสดงนำทางเขา สิ่งที่เหลืออยู่คือการเฉลิมฉลอง อิสระในการสร้างสรรค์ ความสุขที่ได้สัมผัสบนเวที นี่คือแรงบันดาลใจในการแสดงที่แท้จริง เมื่อทุกส่วนของผลงานของนักแสดง ทั้งองค์ประกอบของเทคนิคภายในและเทคนิคภายนอก ได้รับการขัดเกลาอย่างไร้ที่ติ นักแสดงด้นสดอย่างอิสระ และการแสดงอย่างกะทันหันของแต่ละคนได้รับการจัดเตรียมภายในและไหลออกมาจากบทบาท
ความฝันของนักแสดงด้นสดที่มีบทบาทตั้งแต่เริ่มต้นเป็นหนึ่งในแนวคิดที่ชื่นชอบของ Vakhtangov เขาใฝ่ฝันว่าวันหนึ่งนักเขียนจะหยุดเขียนบทละคร เพราะในโรงละครงานศิลปะจะต้องสร้างขึ้นโดยนักแสดง นักแสดงไม่ควรรู้ว่าจะเกิดอะไรขึ้นกับเขาเมื่อเขาขึ้นเวที เขาควรจะขึ้นเวที เช่นเดียวกับที่เราไปสนทนากันในชีวิต
นั่นคือสุนทรียศาสตร์ของ Vakhtangov วิธีการสอนและการกำกับของเขา ดังนั้นในงานของเขา แนวคิดเรื่อง "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" จึงเกิดขึ้น โดยส่วนใหญ่เกิดขึ้นจริงในการแสดงสองรายการล่าสุดของเขา: "Gadibuk" และ "Princess Turandot"
Vakhtangov เริ่มเรียกวิธีการแสดงละครของเขาว่า "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตโดยประกาศว่าหลักการ: "ไม่ควรมีโรงละครในโรงละคร" ควรถูกปฏิเสธ จะต้องมีโรงละครในโรงละคร สำหรับการเล่นแต่ละครั้งจำเป็นต้องมองหารูปแบบเวทีพิเศษและไม่เหมือนใคร และโดยทั่วไปแล้วไม่จำเป็นต้องสร้างความสับสนให้กับชีวิตและโรงละคร โรงละครไม่ใช่สำเนาของชีวิต แต่เป็นความจริงที่พิเศษ ในแง่หนึ่ง ความเหนือจริง การควบแน่นของความเป็นจริง โรงละครไม่สามารถกลายเป็นความจริงได้อย่างสมบูรณ์ - เนื่องจากมีการประชุมบนเวที นักแสดงที่เป็นตัวแทนของผู้อื่น ตัวละครในจินตนาการ และสถานการณ์ในละคร ไม่เคยได้ยินคำนี้เป็นครั้งแรก โดย Dostoevsky, Blok และศิลปินคนอื่น ๆ แต่ Vakhtangov นำมันไปประยุกต์ใช้กับเวทีโดยให้ความหมายใหม่แก่มัน
“ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์” คือความสมจริงเพราะความรู้สึกในนั้นเป็นของแท้ จิตวิทยาของมนุษย์นั้นมีอยู่จริง เวทีแบบเดิมๆ หมายความว่าตัวพวกเขาเองนั้นยอดเยี่ยมมาก นักแสดงไม่ควรแสดงตัวละครอย่างเป็นธรรมชาติ เขาจะต้องเล่นมันโดยใช้คลังแสงแห่งการแสดงออกบนเวทีทั้งหมด
ผู้ชมในโรงละครแห่ง "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ไม่ลืมว่าเขาอยู่ในโรงละคร แต่สิ่งนี้ไม่ได้รบกวนความจริงใจในความรู้สึกของเขา น้ำตาที่แท้จริงและเสียงหัวเราะของเขาเลย
หน้าที่ของ “ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์” ในการผลิตใดๆ ก็ตามคือการหา “รูปแบบการแสดงละครที่สอดคล้องกับเนื้อหาและนำเสนอด้วยวิธีการที่เหมาะสม”
นักแสดงในผลงานเหล่านี้ได้แปลงร่างเป็นภาพและพยายาม "ละลาย" ในภาพนั้น ดูเหมือนจะเปล่งประกายผ่านภาพด้วยตัวพวกเขาเอง และเมื่อเล่นเป็นคนอื่นก็แสดงตัวตนออกมาในนั้น
แน่นอนว่า "Princess Turandot" คือแก่นสารของวิธีการของ Vakhtangov วิธีการกำหนดวิธีหนึ่งในการรวมองค์ประกอบที่หลากหลายให้เป็นหนึ่งเดียวคือหลักการของการประชด... ถุงน่องของผู้หญิงบนศีรษะของจักรพรรดิอัลทูม ไม้เทนนิสซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของอำนาจของราชวงศ์ ผ้าเช็ดตัวขนปุยแทนเคราในหมู่ปราชญ์ - องค์ประกอบทั้งหมดนี้และองค์ประกอบที่น่าขันอื่น ๆ อีกมากมายไม่ได้สิ้นสุดในตัวเอง งานประชดของ Vakhtangov มุ่งเป้าไปที่การสร้างความจริงใหม่จากการผสมผสานที่ขัดแย้งกันระหว่างแบบแผนของโรงละครและความจริงของความรู้สึกของมนุษย์ - ความจริงของโรงละคร และในแง่นี้ งานสุดท้ายผลงานของผู้กำกับกลายเป็นนวัตกรรมที่แท้จริงเพราะไม่เคยมีการแสดงแบบนี้ในโรงละครรัสเซียมาก่อน
ในอารัมภบทแล้วผู้เข้าร่วมทุกคนแนะนำตัวเองต่อสาธารณชนด้วยชื่อแล้วดำเนินการในนามของตนเองต่อหน้าผู้ชมไม่ว่าจะคุ้นเคยกับบทบาทนี้อย่างจริงจังหรือล้อเลียนตัวละครของพวกเขาเล็กน้อย Vakhtangov วางภารกิจที่ยากมาก: ขั้นแรกให้ทำลายภาพลวงตาบนเวทีให้หมดจากนั้นจึงฟื้นฟูมัน จากนั้น - ทำลายอีกครั้งและประกอบใหม่ นักแสดงได้รับการสนับสนุนให้เล่นกับภาพอยู่ตลอดเวลา ใน "Princess Turandot" "ใบหน้า" ของนักแสดงและ "หน้ากาก" ของภาพไม่ได้ทับซ้อนกันอย่างสมบูรณ์และมีอยู่ (อย่างน้อยก็ในความคิดของผู้กำกับ) พร้อมกัน
แผนของผู้กำกับได้รับการเก็บรักษาไว้ ซึ่งทำให้เราสามารถตัดสินได้ว่า Vakhtangov ตั้งใจที่จะพัฒนาหลักการของ "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ของเขาในอนาคตอย่างไร
ในโปรเจ็กต์การผลิต “The Fruits of Enlightenment” เขาเสนอให้สร้างเงื่อนไขสำหรับนักแสดงที่จะผสมผสานการประชุมบนเวทีเข้ากับความจริงของตัวละครในบทละครของตอลสตอย นักแสดงอีกครั้งเช่นเดียวกับใน Turandot ถูกขอให้ไม่เล่นบทบาทจากละครเลย แต่ตัวเขาเองกำลังนั่งอยู่ในห้องโถงในการซ้อม ถัดไป - ตัวฉันเองกำลังเล่นในห้องโถง Yasnaya Polyana ต่อหน้า Leo Tolstoy เอง และเมื่อนั้นเท่านั้น - เพื่อพรรณนาตัวละครบางตัว
ในขณะที่ทำงานในโครงการจัดฉาก "Hamlet" ซึ่งเขาตั้งใจจะใช้เป็น "ข้ออ้างในการออกกำลังกาย" ที่สตูดิโอ Vakhtangov ยอมรับว่าเขาไม่สามารถหาแบบฟอร์มสำหรับ "Hamlet" ได้ นอกเหนือจากแบบที่เขาค้นพบและทดสอบ ใน “เจ้าหญิงทูรานดอต”
Evgeny Bagrationovich Vakhtangov ผู้ซึ่งเติบโตมาในฐานะปรมาจารย์ของ Moscow Art Theatre ประสบความสำเร็จในการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์อย่างเหลือเชื่อตลอดหลายปีที่ผ่านมา เขาสัมผัสได้ถึงคุณลักษณะของโรงละครแห่งใหม่อย่างชัดเจนและน่าเชื่อมากจน Art Theatre ยอมรับทันทีว่าเป็น Vakhtangov ที่ "เปลี่ยนแปลงงานศิลปะของเขา"
อย่างไรก็ตาม แม้ว่าสไตล์การสร้างสรรค์ของผู้กำกับจะเปลี่ยนไป แต่ความจริงก็ยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ความเข้าใจของ Vakhtangov เกี่ยวกับจุดประสงค์ของโรงละครยังคงไม่เปลี่ยนแปลงเลย ละครเป็นเส้นทางสู่จิตวิญญาณ โรงละครคือการบริการ ไม่มีโรงละครใดที่ปราศจากความรู้สึกเฉลิมฉลอง การแสดงแต่ละครั้งมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และการแสดงแต่ละครั้งถือเป็นวันหยุด
Vakhtangov เข้าใจความทันสมัยของศิลปะการแสดงละครไม่ได้อยู่ในหัวข้อพิเศษของโครงเรื่อง แต่ในความจริงที่ว่ารูปแบบของการแสดงนั้นสอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย
โดยทั่วไปดังที่ P. Markov เขียนไว้ แก่นของงานละครทั้งหมดของ Vakhtangov คือ "การปลดปล่อยพลังจิตใต้สำนึกของนักแสดงก่อนที่จะก้าวไปสู่รูปแบบการแสดงละครใหม่"
ใน "ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์" ของเขา ความรู้สึกของมนุษย์เป็นของแท้ และวิธีการแสดงออกก็เป็นเรื่องปกติ โรงละครจินตนาการถึงรูปแบบจากเนื้อหาจริงของละคร
องค์ประกอบที่จำเป็นของการแสดงละครตาม Vakhtangov: บทละครเป็นข้ออ้างสำหรับการแสดงบนเวที นักแสดงเป็นปรมาจารย์ที่มีเทคนิคทั้งภายในและภายนอก ผู้กำกับเป็นช่างแกะสลักการแสดงละคร เวทีคือสถานที่แห่งการกระทำ ศิลปิน นักดนตรี ฯลฯ เป็นพนักงานของผู้กำกับ องค์ประกอบทั้งหมดเหล่านี้ประกอบขึ้นเป็นสิ่งมีชีวิตเดียวในการแสดง มีชีวิตชีวาในทุกส่วน
Vakhtangov มองเห็นโรงละครแห่งอนาคตที่สามารถถ่ายทอดความสมบูรณ์ของชีวิตแห่งจิตวิญญาณมนุษย์ได้ในรูปแบบของอัฒจันทร์ซึ่งทุกการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณของนักแสดงการแสดงออกของดวงตาของเขาทุกท่าทางที่แทบจะเข้าใจยากจะมองเห็นได้ดีที่สุด สิ่งสำคัญในโรงละครที่สมบูรณ์แบบแห่งนี้คือนักแสดงที่ได้ผสมผสานเทคนิคภายในที่สมบูรณ์แบบเข้ากับเทคนิคภายนอกที่พัฒนาขึ้นแล้ว จะกลายเป็นนักแสดงด้นสดระดับปรมาจารย์อย่างแท้จริง ใช้ชีวิตบนเวทีอย่างเป็นธรรมชาติ และสร้างพื้นผิวของโรงละครแห่ง "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" และไม่ใช่แค่เล่นบทบาทนี้หรือบทบาทที่ได้รับมอบหมายให้เขาเล่นเท่านั้น
“ค่อยๆ พิเศษขึ้น. วาคทังอฟสกี้ตัวแปรของระบบ Stanislavsky ซึ่งยังคงผสมพันธุ์กับความคิดสร้างสรรค์และ การฝึกสอนโรงละคร" - เขียน พ.ศ. ซาฮาวา. “ จนถึงขณะนี้ Vakhtangovites - ผู้กำกับครูและนักแสดง - เมื่อวิเคราะห์บทบาทใด ๆ ให้ใช้คำสอนของ Stanislavsky ในงานบนเวทีที่มีประสิทธิภาพซึ่งตามการตีความของ Vakhtangov ประกอบด้วยองค์ประกอบสามประการ:
การดำเนินการ ( ฉันกำลังทำอะไร);
เป้าหมายและความปรารถนา ( ทำไมฉันถึงทำเช่นนี้?) และ
รูปภาพของการดำเนินการหรือ "อุปกรณ์" ( ฉันจะทำอย่างไร)».
ผ่าน "ภาพลักษณ์ของการแสดง" นักแสดงสามารถถ่ายทอดทั้งสไตล์และประเภทของงาน และรูปแบบของบทบาทของผู้กำกับ และค้นหาความเป็นพลาสติกของภาพ
Vakhtangov แสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นผู้สร้างที่แท้จริง ไม่เพียงแต่ในการสร้างโรงละครของเขา สุนทรียศาสตร์ทางการแสดงละครของเขาเท่านั้น เขายังมีส่วนสนับสนุนเชิงนวัตกรรมในการพัฒนาคำสอนของ Stanislavsky ดังนั้นจึงสามารถเข้าใจ "ทิศทางของ Vakhtangov" ได้ในสองสัมผัส - เป็นพื้นฐานของสิ่งใหม่ ทิศทางศิลปะและเป็นช่วงเวลาหนึ่งของการพัฒนาระบบ
บางครั้งมันก็เกิดขึ้นที่การรวบรวมความคิดของ Vakhtangov ลงมาที่การใช้เทคนิคของ "Princess Turandot" แต่การแสดงละครของ Vakhtangov ไม่ใช่เทคนิคหรือผลรวมของเทคนิค นี่เป็นวิธีการแสดงเนื้อหาละครซึ่งพบได้ทุกครั้งสำหรับการแสดงใหม่แต่ละครั้ง นี่คือความกลมกลืนของแนวคิดและรูปลักษณ์บนเวทีของมัน นี่คือ "ความมหัศจรรย์ของโรงละคร" ที่ทำให้ผู้ชมตกตะลึง
บรรณานุกรม:
1. “ การสนทนาเกี่ยวกับ Vakhtangov” บันทึกโดย Kh. N. Khersonsky ม.-ล.: WTO, 1940.
2. Vakhtangov E. หมายเหตุ จดหมาย บทความ. ม.-ล.: ศิลปะ 2482 หน้า 306.
3. เยฟเจนี วัคทังอฟ รวบรวม/เรียบเรียง เรียบเรียงโดย แอล.ดี. Vendrovskaya, G. Kaptereva. อ.: WTO, 1984.
4. Markov P. เกี่ยวกับโรงละคร ใน 4 เล่ม เล่มที่ 1 จากประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซียและโซเวียต อ.: ศิลปะ, 2517.
5. Simonov R. กับ Vakhtangov อ.: ศิลปะ, 2502.
6. สมีร์นอฟ-เนสวิตสกี ยู.เอ. เยฟเจนี วัคทังกอฟ. ล.: ศิลปะ, 2530.
7. เคอร์ซันสกี้ เอช. วาห์ทังกอฟ. อ.: องครักษ์หนุ่ม, 2483
8. Chekhov M. มรดกทางวรรณกรรม ความทรงจำ ตัวอักษรในสองเล่ม ต. 2 ม.: ศิลปะ, 2538.
เคอร์ซันสกี้ X วาห์ทังกอฟ, p. 106.
Khersonsky H. Vakhtangov, p. 110.
Khersonsky H. Vakhtagnov, หน้า 128.
นั่นหน้า. 129.
บี. ซาฮาวา. Vakhtangov และสตูดิโอของเขา อ้างจาก Khersonsky H. Vakhtangov, p. 174 – 175.
Markov P. เกี่ยวกับโรงละคร ใน 4 เล่ม เล่มที่ 1 จากประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซียและโซเวียต น. 422.
Chekhov M. มรดกทางวรรณกรรม ความทรงจำ ตัวอักษรในสองเล่ม ต. 2, น. 372.
"การสนทนาเกี่ยวกับ Vakhtangov" บันทึกโดย Kh. N. Khersonsky ม.-ล.: WTO, 1940, หน้า. 69.
Vakhtangov E. หมายเหตุ จดหมาย บทความ. ม.-ล.: ศิลปะ 2482 หน้า 306.
เยฟเจนี วัคทังกอฟ. คอลเลกชัน / คอมพ์ เอ็ด แอล.ดี. Vendrovskaya, G. Kaptereva. อ.: WTO, 1984, หน้า. 435.
อี.บี. Vakhtangov ในการประเมินผู้ร่วมสมัยของเขา อ้าง โดย: Smirnov-Nesvitsky Yu.A. เยฟเจนี วัคทังกอฟ. ล.: ศิลปะ 2530 หน้า 238
Markov P. เกี่ยวกับโรงละคร เล่มที่ 1 หน้า 210
อ้างจาก: Smirnov-Nesvitsky Yu.A. เยฟเจนี วัคทังกอฟ. ล.: ศิลปะ 2530 หน้า 233
การค้นพบที่สำคัญ
อาจจะดูแปลก แต่คุณจะทำอะไรได้บ้างก่อนที่จะเข้าโรงเรียนการละครที่ตั้งชื่อตาม B.V. Shchukin ฉันไม่เคยไปโรงละคร Vakhtangov ฉันไม่รู้จักนักแสดงนำด้วยซ้ำ - M.F. Astangov, N.O Gritsenko, N. S. Plotnikova, Ts. L. Mansurova หัวหน้าผู้อำนวยการโรงละคร R. N. Simonov ผู้ทรงคุณวุฒิบนเวทีซึ่งต่อมาจะกลายเป็นครูในการทำงานของฉันเพื่อนร่วมงาน และแน่นอนว่าฉันไม่รู้เกี่ยวกับโรงเรียน Vakhtangov เลย สำหรับฉัน มันเป็นทวีปปิดที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ไม่คุ้นเคยเลย เป็นดาวเคราะห์ประเภทหนึ่งที่ถูกล็อก ฉันเริ่มคุ้นเคยกับเธอหลังจากเข้าวิทยาลัยและได้รับโอกาสในการเข้าร่วมการแสดงละครจากนั้นก็เข้าร่วมด้วยตัวเองในฉากที่มีฝูงชนและได้รับบทบาทอิสระ แน่นอนว่าไม่เพียงแต่โรงละครที่ตั้งชื่อตาม Evg เท่านั้นที่เข้าร่วมการแสดง Vakhtangov ได้ชมการแสดงทั้งหมดของโรงละครในเมืองหลวงและการทัวร์ในมอสโก ด้วยวิธีนี้ฉันพยายามชดเชยความไม่รู้เรื่องโรงละครมีกระบวนการสะสมความประทับใจความรู้เกี่ยวกับศิลปะการแสดงละครความรู้เฉพาะเจาะจงความคิดริเริ่มของโรงละครต่างๆและแน่นอนก่อนอื่นคือ Vakhtangovsky
ช่วงเวลาฝึกงานของฉันใกล้เคียงกับการฟื้นฟูศิลปะการแสดงละครครั้งใหม่ ช่างเป็นความยินดีอย่างยิ่งที่ทุกคนได้มาปรากฏตัวที่ Vl. "Hamlet" ของ Mayakovsky จัดแสดงโดย N.P. Okhlopkov! ช่างเป็นความสดใหม่ รื่นเริง การแสดงละครในความหมายที่ดีที่สุดของการแสดงนี้! ช่างเป็นการฟื้นฟูชีวิตการแสดงละครที่เกิดจากการกำเนิดของสตูดิโอโรงละครแห่งใหม่ "Sovremennik"! นี่เป็นช่วงเวลาที่การเข้าสู่วงการละครของ V. Rozov และ A. Salynsky และความคิดสร้างสรรค์ของ A. Arbuzov ที่เบ่งบานซึ่งส่วนใหญ่กำหนดละครของโรงละครในทศวรรษต่อ ๆ มา
โรงละครที่ตั้งชื่อตาม Evg ก็อยู่ในกระบวนการทั่วไปของการต่ออายุศิลปะการแสดงละครเช่นกัน วาคทังกอฟ. จุดสุดยอดของการผงาดครั้งนี้คือการกลับมาของ "เจ้าหญิงทูรานดอต" ผู้โด่งดังบนเวทีอีกครั้ง แต่สำหรับตอนนี้ กระบวนการสะสมกำลังเพื่อบรรลุความสำเร็จในการทะยานขึ้นนี้ยังคงดำเนินต่อไป
โรงเรียน Vakhtangov - มันคืออะไร?.. นักแสดงของโรงละคร Vakhtangov คืออะไร? นี่คือเผ่าอะไรและมาจากไหน?
แน่นอนว่าต้องค้นหาต้นกำเนิดของปรากฏการณ์นี้จากผู้ก่อตั้ง บรรพบุรุษผู้วางสุนทรียศาสตร์ใหม่ ทิศทางใหม่ในศิลปะการแสดงละคร และผู้ที่สานต่อมันในการแสดงใหม่ๆ และนักแสดงรุ่นใหม่ที่เข้ามาชมละคร ในแต่ละปีในโรงเรียนที่เปิดก่อนที่จะมีการสร้างโรงละครด้วยซ้ำ และแม้ว่าในเวลาต่อมาจะได้รับอิสรภาพทางกฎหมายและได้รับอาคารแยกต่างหากในการกำจัด แต่มันก็ยังคงเป็นสิ่งมีชีวิตเดียวที่เลี้ยงโดยระบบไหลเวียนโลหิตเดียวซึ่งดำเนินการฝึกอบรมตามวิธีการเดียว และจะเป็นอย่างอื่นไปได้อย่างไรในเมื่อครูของโรงเรียนทุกคนเป็นนักแสดงของโรงละคร Vakhtangov หรือผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนการละครเดียวกัน นักเรียนยังคงได้รับการสอนไม่เพียงแต่ในห้องเรียนของโรงเรียนเท่านั้น แต่ยังสอนภายในผนังโรงละครด้วย นักแสดงในอนาคตจะได้เห็นการซ้อมและการแสดงของศิลปินละคร ดูการเกิดของการแสดง ซึมซับบรรยากาศของโรงละคร สูดอากาศที่ปะปนไปด้วยเหงื่อ ฝุ่น กลิ่นอุปกรณ์ประกอบฉาก หลังเวที และหอประชุม
แต่ละหลักสูตรที่ Cecilia Lvovna ทำงานนั้นเต็มไปด้วยความประหลาดใจ ความยินดี และความเคารพต่อครู นักแสดง และผู้หญิงที่สวยน่าทึ่งที่แยกกันไม่ออกในคนๆ เดียว ความประหลาดใจรอเราอยู่ตั้งแต่บทเรียนแรกตั้งแต่การพบกันครั้งแรกกับเธอ ลองนึกภาพนักเรียนชั้นปีที่ 1 คาดหวังอย่างตื่นเต้นที่จะได้เห็นครูที่เข้มงวด ใจเย็น มีความรู้และมีประสบการณ์ ไม่ใช่แค่ครูเท่านั้น แต่ยังเป็นนักแสดงชื่อดังที่รู้จักคุณค่าของเธอ ถูกทำลายด้วยชื่อเสียงและความเอาใจใส่ แต่พวกเขาเห็นบางสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ที่ไม่เข้ากับแนวคิดของ "ครู"... เข้าสู่ผู้ชม ไม่ กระพือปีกเข้าหาผู้ชม ราวกับว่าไร้น้ำหนัก เยาว์วัย เป็นประกายจากภายใน มีเสน่ห์ และเป็นตำนาน Turandot ไม่มีอะไรจากแนวคิดของเราเกี่ยวกับแนวคิด "ครู" ผู้ชมดูเหมือนจะเต็มไปด้วยบรรยากาศของความผ่อนคลาย ความเปิดกว้าง และความเมตตาอย่างน่าทึ่ง เอื้อต่อความไว้วางใจและการปลดปล่อย เธอเล่าให้เราฟังเกี่ยวกับ Vakhtangov วิธีสร้างโรงละครการแสดงครั้งแรกนักแสดง เราฟังเธอเคลิบเคลิ้ม หลงใหลในเสน่ห์ของเธอ และตกหลุมรัก ในฐานะนักเรียนของ Vakhtangov ดูเหมือนว่าเธอจะส่งต่อบทเรียน สุนทรียภาพ และแนวคิดเรื่องการแสดงละครให้กับเราโดยตรง ในระหว่างบทเรียนของเธอ เราไม่ได้สังเกตเวลา ความปรารถนาร่วมกันของทุกคนคือ: พวกเขาจะไม่สิ้นสุดอีกต่อไป บทเรียนดังกล่าวจะติดตัวเราไปตลอดชีวิต เพราะไม่เพียงแต่จะรับรู้ได้ด้วยจิตใจเท่านั้น แต่ยังรับรู้ได้จากจิตใจด้วย
โรงเรียนการละครเป็นสถาบันการศึกษาที่แท้จริงสำหรับเรา ไม่เพียงแต่ในการเรียนรู้สาขาวิชาพิเศษเท่านั้น: การแสดง, สุนทรพจน์บนเวที, ชั้นเรียนพลาสติก ฯลฯ แต่ยังรวมไปถึงการศึกษาทั่วไป, แผนวัฒนธรรมทั่วไป เช่น ประวัติศาสตร์วิจิตรศิลป์, ดนตรี, วรรณกรรมคลาสสิกและพวกเขายังได้รับการสอนโดยอาจารย์ที่ยอดเยี่ยม ผู้เชี่ยวชาญชั้นหนึ่งในสาขาความรู้ของพวกเขาอีกด้วย
ชีวประวัติของโรงเรียนไม่เพียงสร้างขึ้นเพื่อครูเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักเรียนด้วยซึ่งหลังจากนั้นไม่นานก็กลายเป็นครูด้วย นี่คือวิธีการสืบทอดประเพณีการแสดงละคร ราวกับเป็นสายโซ่ จากครูสู่นักเรียน และต่อจากนี้ไป...
เราก็ได้เรียนรู้จากรุ่นพี่ด้วย...ผู้ที่ได้มีโอกาสเรียนที่ หลักสูตรจูเนียร์วิทยาลัยเมื่อ Rolan Bykov สำเร็จการศึกษาจากเขา พวกเขาจำได้ว่าสำหรับพวกเขาแม้ในตอนนั้นเขาเกือบจะเป็นศิลปินของประชาชน พวกเขาจำการเล่นตลกอันโด่งดังของเขา "การเล่นตลกกะหล่ำปลี" ซึ่งพวกเขาคิดว่าเป็นความยินดีที่ได้มีส่วนร่วม และผู้ที่ไม่มีโอกาสเข้าร่วมก็กลายเป็นผู้ชมด้วยความยินดี
ระหว่างนี้ฉันกำลังจะไปโรงเรียนการละคร ชีวิตปกติ- ทั้งในระหว่างการศึกษาและในโรงละครชื่อของ Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov ได้ยินอยู่ตลอดเวลา: ในชั้นเรียนและการซ้อมและในการสนทนากับครูและในข้อพิพาทระหว่างนักเรียน แต่โรงเรียน Vakhtangov แบบไหนที่ยังคงต้องคิดออกตระหนักและรู้สึกได้กับความเป็นอยู่ทั้งหมด แน่นอนว่าการสื่อสารอย่างต่อเนื่องการประชุมในการแสดงและในห้องเรียนกับนักแสดงของโรงเรียน Vakhtangov และแน่นอนว่าครูที่พยายามถ่ายทอดรากฐานของโรงเรียนนี้ให้เราเห็นมากมายในเรื่องนี้ แต่การพัฒนาอย่างจริงจังและจริงจังนั้นเริ่มต้นจากการทำงานอย่างเป็นรูปธรรมในการแสดงเท่านั้น และการแสดงสำหรับฉันที่โรงเรียน ได้แก่ "The Cricket on the Stove" ซึ่งสร้างจากผลงานของ Charles Dickens, "Walking Through the Torment" โดย A. Tolstoy, "Ruy Blaz" และ "Marion Delorme" โดย V. Hugo ก็เช่นกัน และแน่นอนว่าอยู่ในโรงละครแล้ว "Princess Turandot" โดย C. Gozzi
พวกเขาทำงานตัดตอนมาจากละครเรื่อง "The Cricket on the Stove" ร่วมกับ Tatyana Samoilova ภายใต้การแนะนำของอาจารย์ Zoya Konstantinovna Bazhanova ภรรยาของกวีโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่ Pavel Grigorievich Antokolsky ในข้อความที่ตัดตอนมานี้ ฉันได้เตรียมบทบาทของ Tackleton ซึ่งเป็นบทบาทเดียวกับที่ E.B. Vakhtangov เคยเล่น จากงานนี้ฉันเริ่มทำความคุ้นเคยกับโรงเรียนของ Vakhtangov อย่างจริงจังและกับตัวเขาเองด้วยบุคลิกในตำนานชีวิตการทำงานและความเข้าใจในโรงละคร Zoya Konstantinovna เล่าให้เราฟังเกี่ยวกับการแสดงเมื่อนานมาแล้ว เกี่ยวกับวิธีการที่นักแสดงกลุ่มแรกเล่นในนั้น และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในขณะที่ทำงานตามบทบาทของเรา เธอแสดงให้เราเห็นว่า Vakhtangov คืออะไรและไม่มีอะไรเกี่ยวข้องกับเขา เธอบอกและแสดงให้เห็นว่าคุณสามารถเล่นอย่างจริงจังโดยให้เหตุผลทางจิตวิทยากับการกระทำของฮีโร่ได้อย่างไรและอย่างไรเมื่ออยู่ในภาพเล่นทัศนคติของคุณต่อภาพที่สร้างขึ้นในเวลาเดียวกันราวกับว่ามองจากภายนอกอนุมัติหรือประณาม การกระทำของมัน การประหลาดใจกับพฤติกรรมของฮีโร่ของคุณ หรือรู้ล่วงหน้าว่าเขาจะทำอย่างไรในสถานการณ์ที่กำหนด และเฝ้าดูสิ่งที่เกิดขึ้นเท่านั้น
มันเป็นงานของนักเรียนที่น่าสนใจและยาวนานแต่ก็น่าตื่นเต้นที่ให้อะไรกับเรามากมาย Zoya Konstantinovna ไม่ได้เร่งรีบเรา เธออดทนรอจนกว่าเราจะเข้าใจทุกอย่างอย่างถี่ถ้วน เข้าใจทุกอย่าง รู้สึกถึงมันในอุทรของเรา และเมื่องานในส่วนที่ตัดตอนมาใกล้จะเสร็จสิ้นแล้ว วันหนึ่งฉันก็เชิญ Pavel Grigorievich Antokolsky มาซ้อม จากนั้นฉันก็เห็นเขาเป็นครั้งแรก - ชายในตำนานคนนี้ "บิดา" ของกวีตามที่กวีเรียกเขาว่าอยู่ท่ามกลางพวกเขาและกวีจากรุ่นที่แตกต่างกันมากที่สุดระดับบทกวีที่แตกต่างกันแนวสร้างสรรค์ที่แตกต่างกัน
เขาเข้าไปในห้องซ้อมของโรงเรียน ไม่ เขาพุ่งเข้าไป บินเข้ามาเหมือนพายุทอร์นาโดหรือพายุไต้ฝุ่นบินเข้ามา มันคือวิสุเวียส พ่นอารมณ์ พลังงาน การเคลื่อนไหว ความคิด ความคิดออกมาอย่างถล่มทลาย ด้วยรูปร่างที่เล็ก เขาจึงเติมเต็มพื้นที่ทั้งหมดไม่ว่าจะพบตัวเองที่ไหนก็ตาม หลังจากดูข้อความที่ตัดตอนมาก่อนที่เราจะมีเวลาดูจบ เขาก็บินมาหาฉัน จูบฉันแล้วพูดว่า “มหัศจรรย์ มหัศจรรย์ คุณกำลังเล่นแท็กเกิลตันผิด ผิดอย่างน่าอัศจรรย์ ฉันจำได้ว่า Evgeniy Bagrationovich รับบทเป็นเขาในสตูดิโอแห่งที่สองของ Moscow Art Theatre อย่างไร เขาเล่นถูกต้อง แต่คุณเล่นไม่ถูกต้อง วาสยา”
Zoya Konstantinovna เมื่อเห็นความสับสนของฉันจึงพยายามหยุดเขา:“ เอาน่ามหาอำมาตย์เขายังเป็นนักเรียนอยู่” “โอ้ ใช่แล้ว” เขาตระหนัก “ฉันลืมไปสนิทเลย” ยกโทษให้ฉันฉันลืมไปหมดแล้ว ฉันคิดว่าเขาเป็นนักแสดงอยู่แล้ว ขอโทษ".
และมีความเปิดกว้างเปิดกว้างและมีน้ำใจในชายคนนี้จนเป็นไปไม่ได้เลยที่จะไม่ยอมแพ้ต่อเสน่ห์ของเขา หลังจากที่ฉันรู้สึกตัวได้เล็กน้อยหลังจากแสดงข้อความที่ตัดตอนมาและการประเมินงานของฉันที่ผิดปกติ Pavel Grigorievich ยังได้แสดงความคิดเห็นที่ชัดเจนหลายประการเกี่ยวกับการแสดงของเรา และนี่เป็นแนวทางในการทำงานไม่ใช่เป็นงานด้านการศึกษาหรืองานของนักเรียน แต่อยู่ในระดับสูงสุด - และมุมมองของบุคคลที่มีความสามารถไม่ธรรมดานั้นห่างไกลจากคนธรรมดา งานของเราถูกวัดด้วยมาตรฐานของศิลปะชั้นสูงอยู่แล้ว และแน่นอนว่าสิ่งนี้ทำให้เราเตรียมพร้อมสำหรับความจริงจังอย่างเต็มที่ในแนวทางของเรา เพื่อความทุ่มเทสูงสุด
งานในปีที่สามของวิทยาลัยในข้อความที่ตัดตอนมาจากละครเรื่อง Ruy Blaz ภายใต้การแนะนำของอาจารย์และผู้กำกับ A. I. Remizova ยังให้ความเข้าใจกับโรงเรียน Vakhtangov มากมาย ที่นี่ฉันได้รับความไว้วางใจเป็นครั้งแรกด้วยบทบาทตลก - Don Cesar de Bazan
บทนี้เริ่มต้นขึ้น ใคร ๆ ก็พูดอย่างฟุ่มเฟือยและผ่านราวกับหายใจเข้าครั้งเดียว ฮีโร่ของฉันซ่อนตัวจากผู้ไล่ตาม กระโดดข้ามกำแพง ปีนท่อแล้วหายใจไม่ออก โกรธจัด ซุกซน บินขึ้นไปบนเวทีใน เสื้อคลุมด้วยดาบมีแหวนอยู่ในหูของเขาหยุดหายใจและพูดคำแรกของเขาออกมาอย่างรวดเร็วราวกับปืนกล:
เหตุการณ์ต่างๆ ฉันตกใจกับพวกเขา เหมือนสุนัขเปียกน้ำที่เขาสะบัดออก แทบไม่ได้ไปถึงมาดริด แต่จู่ๆ... ...เส้นทางของฉันถูกกำแพงสูงขวางไว้ กระโดดข้ามมันไปชั่วครู่เหมือนนก เห็นบ้านอยู่หลังหนึ่ง...จึงตัดสินใจไปลี้ภัยที่นั่น...
เห็นได้ชัดว่าฉันสามารถถ่ายทอดความรู้สึกของการไล่ล่า การแข่งขันขนาดมหึมาที่ยาวนานหลังจากการไล่ตามสองสัปดาห์ เพราะในที่สุดเมื่อฉันดึงตัวเองเข้าหากัน เสียงหัวเราะก็ดังก้องไปทั่วห้องโถง ปฏิกิริยาของผู้ชมต่อการปรากฏตัวของ Don Cesar de Bazan ราวกับติดปีกช่วยยกฉันขึ้นและพาฉันต่อไป ฉันไม่สามารถตามตัวเองได้อีกต่อไปด้วยคำพูดของฉันฉันไม่สามารถหยุดได้ สำหรับฉัน การแข่งขันยังคงดำเนินต่อไป แม้ว่าอันตรายจะผ่านไปแล้ว แต่ความเฉื่อยของการแข่งขันยังคงอยู่
มันสำคัญแค่ไหนที่นักแสดงจะต้องมีปฏิกิริยาแรกของผู้ชม การสนับสนุนครั้งแรก การอนุมัติครั้งแรกของสิ่งที่คุณทำ จากนั้นมันจะง่ายขึ้นและง่ายขึ้น แต่การอนุมัติครั้งแรกของผู้ชมทำให้นักแสดงตระหนักว่าคุณกำลังทำทุกอย่างถูกต้องและสร้างสรรค์ต่อไป และมันจะยากแค่ไหนเมื่อคุณไม่ได้ยิน ไม่รู้สึกถึงการตอบสนองและการอนุมัติของผู้ฟัง การแสดงต่อไปเป็นเรื่องยากเพียงใด - นักแสดงบางคนเริ่มประจบประแจงผู้ชมพยายามทุกวิถีทางเพื่อกระตุ้นปฏิกิริยานี้จากผู้ชม คนอื่น ๆ - ร่วงโรยเริ่มรู้สึกว่าพวกเขาไม่ประสบความสำเร็จและสิ่งนี้สะท้อนให้เห็นใน การแสดงทั้งหมดต่อไปโดยกดดันอย่างหนัก สำหรับฉันทุกอย่างเกิดขึ้นในแนวทางที่ดีที่สุด บทบาทนี้เข้ากันได้ดีกับทักษะการแสดงของฉัน ทั้งยังเยาว์วัย ความซุกซน และความห้าวหาญของฉัน ฉันชอบทุกสิ่งที่ฮีโร่ของฉันทำโดยไม่ได้ตั้งใจและฉันก็เล่นกับเขาด้วยความยินดีอย่างยิ่งซึ่งเห็นได้ชัดว่ารู้สึกและถ่ายทอดให้กับผู้ชมได้ ที่นั่นยังมีทักษะเล็กน้อย แต่มีนิสัย และมันครอบงำฉันและพาฉันต่อไป เมื่อติดอยู่ในคลื่นนี้ ฉันรีบเร่งไปข้างหน้าอย่างไม่ระมัดระวัง ไม่รู้ว่าจะชะลอความเร็วอย่างไร แต่ฉันต้องชะลอความเร็วลง ฉากนี้จำเป็นต้องมีการหยุดชั่วคราวและการเน้นเสียง แต่ฉันกลับถูกครอบงำด้วยอารมณ์ ความเฉื่อย จริงๆ แล้วนี่คือสิ่งที่ฉากทั้งหมดมีพื้นฐานมาจาก มันเป็นรูปแบบที่สมบูรณ์ พวกเขาตะโกนมาหาฉันจากผู้ชม: "ป-พ-ร-r!.. หยุด!.. " แต่มันก็หยุดไม่ได้แล้ว ในตอนท้ายก็มีเสียงปรบมือดังขึ้น แต่เป็นเสียงปรบมือที่ทำให้ประหลาดใจกับสิ่งที่เขาเห็นมากกว่าทักษะและความเป็นมืออาชีพ เขาหายไปอย่างชัดเจน และหากผมได้หยุดการควบม้าครั้งนี้ ผมคงไม่สามารถรับมือกับเส้นทางในการแข่งนี้ได้ ผมคงไม่มีความเป็นมืออาชีพมากพอ จากนั้นเขาก็พุ่งอย่างห้าวหาญต่อหน้าผู้ชม สร้างความพอใจให้กับเพื่อนนักเรียนของเขาด้วยซ้ำ หลังจากแสดงเสร็จพวกเขาก็มาหาฉันและบอกว่าพวกเขาไม่เข้าใจแม้แต่คำเดียว แต่ก็น่าสนใจ พวกเขาไม่มีเวลาพิจารณาสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีจริงๆ พวกเขาแค่แปลกใจกับสิ่งที่เกิดขึ้นเท่านั้น งานนี้ให้เครดิตฉัน
ครูยังสนใจฉันด้วยเห็นได้ชัดว่าจนถึงตอนนี้เท่านั้นเพื่อพูดเกี่ยวกับเนื้อหาที่มีการประมวลผลที่ดีซึ่งบางสิ่งบางอย่างจะได้ผลในอนาคต หลังจากตอนนี้ข้าพเจ้าเองก็ได้ตระหนักรู้ถึงสิ่งนั้นมากที่สุด ศิลปะชั้นสูง- ไม่เพียงแต่มีอุปนิสัยเท่านั้น แต่ยังสามารถควบคุมได้ จัดการอย่างชาญฉลาด สามารถชะลอเวลาได้ ยับยั้งชั่งใจเพื่อถ่ายทอดคำพูด ความคิด และสภาวะของพระเอกได้แม่นยำยิ่งขึ้น ฉันมีอันแรกมากมาย แต่อันที่สองนั้นไม่เพียงพออย่างชัดเจน ฉันยังต้องได้รับมัน และอีกมาก
พวกเขาเล่นการแสดงนี้ด้วยความชั่วร้ายและความสุข เราได้รับความเพลิดเพลินอย่างแท้จริงจากการแสดงด้นสด ซึ่งเราได้รับอนุญาตให้ใช้ในงานนี้ได้โดยแทบไม่มีข้อจำกัดใดๆ ในการแสดงผลงานครั้งแรกของเราใน โรงละครการศึกษาในระหว่างการแสดง จู่ๆ ฉันก็รู้สึกได้ว่าสัญชาตญาณของฉันแนะนำว่าตอนหนึ่งสามารถเล่นแตกต่างออกไปได้ และดูเหมือนว่าจะดีกว่าที่คิดไว้ระหว่างกระบวนการซ้อม แฟนตาซีนำทางฉันระหว่างการแสดงไปตามเส้นทางที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย ก่อนที่จะตัดสินใจแสดงด้นสด ฉันก็หยุดชั่วครู่ ลังเลด้วยความไม่แน่ใจ จากนั้นจึงตัดสินใจว่า "ไม่ว่าอะไรจะเกิดขึ้น" ฉันเดินไปตามเส้นทางที่แนะนำด้วยเสียงภายในของฉัน ผู้ชมชอบฉากนี้และอาจารย์ก็ยอมรับเช่นกัน หลังการแสดง Remizova เพิ่งพูดว่า: "ฉันทำทุกอย่างยุ่งเหยิง แต่ฉันทำมันพังได้ดี ทำได้ดีมาก"
นี่คือการค้นพบของฉัน ซึ่งเกิดขึ้นในขณะที่ยังเป็นนักเรียนอยู่ ซึ่งไม่เคยสายเกินไปที่จะมองหา โซลูชันดั้งเดิมคุณไม่จำเป็นต้องกลัวการแสดงด้นสด ไม่ต้องกลัวที่จะแหกกฎ ถ้าแน่นอนว่าการกระทำของคุณมีความสมเหตุสมผล มีเหตุผล และมีเหตุผล ยิ่งไปกว่านั้น การแสดงด้นสดยังถือเป็นจิตวิญญาณของโรงเรียน Vakhtangov
ขณะเดียวกัน “รุย บลาซ” ก็สร้างผลงานให้ตัวเองอีกรายการ การค้นพบที่สำคัญ- ความเป็นธรรมชาติบนเวทีไม่เป็นที่ยอมรับ ฉันทำมันหลังจากที่ฉันพยายามกินไก่ระหว่างการแสดง เพื่อให้เป็นธรรมชาติและน่ารับประทานมากขึ้น ฉันไม่ได้กินอาหารทั้งวันก่อนการแสดง เพื่อเตรียมสำหรับฉาก “ไก่” แต่แล้วฉากที่รอคอยมานานก็มาถึงและฉันรู้สึกสยดสยองเมื่อกัดไก่ที่โชคร้ายชิ้นนี้ไปฉันไม่สามารถกลืนมันได้ - น้ำลายเต็มปากของฉันและฉันก็สำลักมันอย่างแท้จริง บทเรียนเกี่ยวกับขอบเขตของการประชุมบนเวทีนี้จะถูกจดจำไปตลอดชีวิตของฉัน
การยืนยันอีกประการหนึ่งของการยอมรับไม่ได้ของธรรมชาตินิยมในงานศิลปะคือเหตุการณ์ต่อมาในการฝึกฝนของฉันระหว่างการถ่ายทำภาพยนตร์เรื่อง "Walking into the Storm" ที่สร้างจาก D. Granin ซึ่งฉันรับบทเป็น Oleg Tulin นักแสดง Alexander Belyavsky และฉันต้องเล่นฉากมึนเมาซึ่งเราทำไม่ได้มานานแล้ว จากนั้นผู้กำกับภาพยนตร์ Sergei Mikaelyan แนะนำให้ดื่มหนึ่งในสี่และดื่มจริงๆ นั่นคือสิ่งที่เราทำ หลังจากพักเบรค เราก็มาถึงกองถ่าย ความร้อนของอุปกรณ์จัดแสงพาเราไป และเราเล่นเกมแบบนี้กับ Sasha Belyavsky จนผู้กำกับมองมาที่เราสั่งว่า: "หยุด!" การถ่ายทำก็หยุดลง วันรุ่งขึ้น หลังจากที่เงียบขรึมแล้ว เราเล่นฉากนี้น่าเชื่อถือและยอมรับได้มากกว่าวันก่อน และมันก็ถูกรวมไว้ในหนังด้วย
กรณีนี้เป็นการยืนยันแนวคิดอื่นที่แสดงไว้ก่อนหน้านี้อีกครั้ง - ยิ่งคนเมาอยู่บนเวทีหรืออยู่หน้ากล้องภาพยนตร์ ยิ่งเขาควรมีสติมากขึ้นเท่านั้น ยิ่งฉากนั้นมหัศจรรย์มากเท่าไร ทุกอย่างก็ควรจะอยู่ในนั้นมากขึ้นเท่านั้น อารมณ์ในส่วนของบทบาทยิ่งเข้มงวดนักแสดงต้องควบคุมตัวเองไม่เช่นนั้นสภาพของนักแสดงนี้อาจนำพาเขาไปสู่พยาธิสภาพที่ยากจะออกไปได้ และท้ายที่สุด ยิ่งน้ำตาแห่งความโศกเศร้าและความสิ้นหวังของฮีโร่ของคุณไหลออกมามากเท่าไร คุณในฐานะนักแสดงก็จะยิ่งหวานชื่นมากขึ้นเท่านั้น ที่คุณสามารถถ่ายทอดสถานะของฮีโร่ของคุณได้เป็นอย่างดี เป็นธรรมชาติ โดยไม่มีแรงกดดัน แต่ถ้าคุณไม่หยุดสะอื้นทันเวลา คุณสามารถทำลายทั้งเวทีและแม้กระทั่งทำลายการแสดงได้ ฉันคิดว่ามันโง่มากที่บางครั้งพวกเขาบอกว่านักแสดงคนหนึ่งมีบทบาทมากจนเขาจำตัวเองไม่ได้ ถ้าเป็นเช่นนี้ ฉันคิดว่ามันไม่ใช่ศิลปะอีกต่อไป แต่เป็นพยาธิวิทยา ยิ่งคุณถ่ายทอดความรู้สึกของฮีโร่ได้มากเท่าไหร่ จิตใจของคุณก็ต้องมีสติมากขึ้นเท่านั้น ควบคุมการกระทำของคุณ ไม่เช่นนั้น สูญเสียความสงบ การควบคุมตนเอง เขาอาจแสดงสิ่งที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากสิ่งที่ต้องการในการแสดง ตามบทบาท .
“ หากเราสัมผัสกับความรู้สึกของฮีโร่ของเราจริงๆ” Nikolai Konstantinovich Cherkasov ยอมรับ“ จากนั้นโดยธรรมชาติแล้วหลังจากการแสดงครั้งแรกครั้งหนึ่งเราจะไม่สามารถผ่านโรงพยาบาลจิตเวชได้ ในขณะที่เล่นบทบาทของ Ivan the Terrible ในตอนแรกของภาพยนตร์ชื่อเดียวกัน ฉันรู้สึกกังวลสิบหรือสิบสองครั้ง (ไม่นับการซ้อม) การเจ็บป่วยที่รุนแรงและการสิ้นพระชนม์ของเพื่อนที่ซื่อสัตย์ของเขา ราชินีอนาสตาเซีย และในขณะที่แสดงบทบาทเดียวกันในโรงละครใน "The Great Sovereign" ฉันฆ่าลูกชายที่รักของฉันจากการแต่งงานกับอนาสตาเซียซาเรวิชอีวานประมาณสามร้อยครั้ง (ไม่นับการซ้อมด้วย) ด้วยความโกรธ ไม่ยากเลยที่จะจินตนาการว่าจะเกิดอะไรขึ้นกับฉันหากฉันได้สัมผัสฉากเหล่านี้ด้วยความรู้สึกที่แท้จริงด้วยอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์อย่างแท้จริง!.. ประเด็นทั้งหมดก็คือเมื่ออยู่ในสภาวะที่สนุกสนานของกระบวนการสร้างสรรค์เราเนื่องจาก ความโน้มเอียงตามธรรมชาติต่อวิชาชีพทางศิลปะ "ด้วยความสามารถและทักษะทางวิชาชีพที่ดีที่สุดของเรา เราได้สัมผัสประสบการณ์ความรู้สึกเหล่านี้อย่างสร้างสรรค์ สร้างภาพลวงตาของประสบการณ์ที่แท้จริงของเราให้กับผู้ชม"
ถ้อยคำเหล่านี้เขียนโดยชายผู้เคยผ่านโรงเรียนศิลปะที่ยิ่งใหญ่และเรียนรู้เคล็ดลับมากมาย
ใช่ นักแสดงต้องได้ยินตัวเองและมองเห็นทุกสิ่งรอบตัว ดูเหมือนว่าเขาจะแยกออกเป็นสองส่วน รับบทนำและในขณะเดียวกันก็ควบคุมตัวเองอยู่ตลอดเวลา: “ฉันกำลังทำทุกอย่างถูกต้องหรือเปล่า? ฉันหลงทางมากเกินไปหรือเปล่า? ฉันกำลังเล่นไปในทิศทางที่ถูกต้องในคีย์ที่กำหนดหรือไม่” กลายเป็นตัวละครเขาไม่ได้หยุดที่จะเป็นตัวของตัวเองเพราะใน สร้างภาพเขาใส่อารมณ์ของเขา อารมณ์ของเขา ความเข้าใจในสิ่งที่เขากำลังเล่นอยู่
ก่อนเหตุการณ์บางอย่าง ฉันอยากจะทราบว่าในชีวประวัติการแสดงมานานกว่าสี่สิบปีฉันมีโอกาสเล่นบทบาทตลกเพียงสามบทบาทเท่านั้น ฉันต้องรอสิบปีสำหรับบทบาทตลกต่อไป และยี่สิบสี่ปีสำหรับบทบาทที่สามและจนถึงตอนนี้ หลายปีผ่านไปจากละครเรื่อง "Cinderella" ไปจนถึง "Vaudevilles Vintage" ซึ่งฉันได้พบกับบทบาทตลกอีกครั้ง
เจ็ดปีแรกของการทำงานในโรงละคร ฉันมีส่วนร่วมเพียงเล็กน้อยในการแสดงละครและมีข้อยกเว้นบางประการในบทบาทมิติเดียว ซึ่งส่วนใหญ่เป็นบทบาทโรแมนติก - เจ้าชาย นายพล อัศวิน ฉันเล่นเป็นอาเธอร์ เกรย์ใน Scarlet Sails, Fortinbras ใน Hamlet, Laura's Guest แล้วก็ Don Juan ใน The Stone Guest และสุดท้ายเป็น Prince Calaf ใน Princess Turandot และฉันก็อยากลองตัวเองในบทบาทอื่นบ้าง ผู้กำกับใช้คุณสมบัติภายนอกของนักแสดงเป็นหลัก โดยไม่ได้คำนึงถึงความปรารถนาของฉันที่จะแยกตัวออกจากแวดวงฮีโร่ "สีน้ำเงิน" โดยเฉพาะ ในเวลานี้ S.V. Dzhimbinova ภายใต้การดูแลของ R.N. Simonov เริ่มแสดงละครสำหรับเด็กเรื่อง "Cinderella" โดย E. Schwartz ซึ่งเธอเสนอบทบาทของ... เจ้าชายอีกครั้ง เมื่อมาถึงจุดนี้ ฉันทนไม่ไหว ฉันไปหา Ruben Nikolaevich และขอร้องให้เขามอบบทบาทอื่นให้ฉัน โดยอธิบายว่าฉันไม่สามารถเล่นเป็นเจ้าชายได้อีกต่อไป และเบื่อกับพวกเขาแล้ว “ อันไหนวาสยา” - เขาถามฉันด้วยความสับสน “ แม้ว่า Marquise of Pas de Troyes จะดูฉุนเฉียวและมีบทบาทแปลกประหลาด แต่ขอให้ฉันทำตัวเหมือนคนพาล” ทันใดนั้นฉันก็พูดกับตัวเองและรู้สึกประหลาดใจกับความกล้าหาญของตัวเอง Ruben Nikolaevich หยุดด้วยความประหลาดใจคิดเกี่ยวกับมันและหลังจากหยุดไปนานก็เริ่มหัวเราะมากจนเขาไม่สามารถหยุดได้เป็นเวลานาน ในที่สุด เมื่อหัวเราะออกมา จู่ๆ เขาก็พูดอย่างจริงจังขึ้นมาอย่างไม่คาดคิดว่า “อะไรนะ?” และก็มีเสียง “อะไรนะ?” เห็นด้วยมากกว่าการปฏิเสธข้อเสนอของฉัน แม้ว่าแน่นอนว่า Ruben Nikolaevich จะเข้าใจดีกว่าตัวฉันเองว่ามันยากที่จะจินตนาการถึงบทบาทที่ไม่เหมาะสมกว่านี้ ความคลาดเคลื่อนที่มากขึ้นระหว่างข้อมูลของฉันและสิ่งที่จำเป็นในบทบาทนี้ หลังจากบทบาทของหนุ่มๆ วีรบุรุษโรแมนติกและทันใดนั้น - ชายชราชราโทรม!..
แน่นอนว่าในตอนแรกไม่มีอะไรได้ผลสำหรับฉัน จำเป็นต้องสร้างภาพลักษณ์ของชายชราที่แท้จริง เป็นจริง และเป็นที่จดจำได้ แต่ไม่ว่า Svetlana Borisovna Dzhimbinova กับฉันจะต่อสู้อย่างไรไม่ว่าเราจะพยายามอย่างไรก็ไม่มีอะไรทำงาน และ Ruben Nikolaevich เมื่อเห็นว่าฉันกำลังดิ้นรนกับบทบาทของฉันโดยไม่เกิดประโยชน์ใด ๆ ก็ไม่ได้พูดอะไร แต่แค่หัวเราะเบา ๆ แล้วพูดว่า มาเลย มาเลย คุณขอมัน ดังนั้นตอนนี้ได้โปรดทำงานหนักด้วย ฉันเข้าใจว่าเขาไม่ได้จริงจังกับฉันกับบทบาทนี้และปฏิบัติต่อสิ่งที่ฉันทำด้วยอารมณ์ขัน แต่จริงๆ แล้ว นอกเหนือจากการเต้นรำที่พวกเขาช่วยฉันทำ (ในบทบาทของเขา Marquis of Pas de Troyes เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านบัลเล่ต์และสอนวิธีเต้นให้ทุกคนอยู่เสมอ) ไม่มีอะไรได้ผล มีการกระโดดอย่างตลกขบขันในการเต้นรำนี้ขั้นตอนบัลเล่ต์ทุกประเภทซึ่ง Ruben Nikolaevich เคยกล่าวไว้ว่า:“ Vasya คุณควรไปที่โรงละครบอลชอยเพื่อเต้นรำ”
ใกล้ถึงเวลาซ้อมบนเวทีแล้ว แต่บทบาทของผมยังไม่พร้อมเลย แล้วมีบางอย่างเกิดขึ้นที่ Ruben Nikolaevich ไม่ค่อยได้ทำในงานของเขาโดยเฉพาะเมื่อเร็ว ๆ นี้ เขาหยุดการซ้อมแล้วหันมาหาฉันแล้วพูดว่า: "วาสยาเข้าไปในห้องโถงนั่งลง" ทุกคนหยุดทันทีด้วยความคาดหวังและคาดหวังถึงบางสิ่งที่ผิดปกติและน่าสนใจ เห็นได้ชัดว่าตอนนี้ Ruben Nikolaevich จะแสดงให้เห็นว่าเขาจะเล่นบทบาทนี้อย่างไร และเมื่อเขาแสดงให้เห็น นี่เป็นช่วงเวลาแห่งปาฏิหาริย์อย่างแท้จริงบนเวที
เขามองมาทางฉันอย่างเจ้าเล่ห์ ยิ้มแล้วเดินไปหลังเวที ทุกคนเริ่มแห่กันไปที่ห้องโถง ทั้งผู้ที่เกี่ยวข้องกับการแสดงและผู้ที่เป็นอิสระจากการแสดง แต่อยู่ในโรงละครในเวลานั้น คนงานจากเวิร์คช็อปอุปกรณ์ประกอบฉาก เจ้าหน้าที่เสริมและช่างเทคนิคก็มา ทุกคนต่างสงสัยว่าจะเกิดอะไรขึ้น และประสาทของฉันเริ่มสั่นคลอน ฉันรู้ว่าหลังจากที่เขารับบทนี้ เขาจะพูดว่า: "ทำซ้ำ!" เขาทำเช่นนี้เสมอ เป็นเรื่องง่ายที่จะพูดว่า: "ทำซ้ำ!" แต่จะทำอย่างไรหลังจากนั้น?.. เกือบจะสิ้นหวังเสมอไป
Simonov เรียกนักเรียนสองคนมาที่บ้านของเขาและไม่กี่นาทีต่อมาฉันก็ได้ยินพูดกับฉันว่า: "วาสยาดูสิ!.. " บางอย่าง เต้นง่ายดนตรีแล้วเขาก็ปรากฏตัว... เขาถูกชักจูงจากทั้งสองฝ่ายหรือถูกอุ้มไว้ในอ้อมแขนของนักเรียนสองคนอุ้มใคร ๆ ก็พูดเป็นบางส่วนหยุดบ่อยๆเพื่อไม่ให้สูญเสียสิ่งใด Marquis of Pas de Troyes สวมเสื้อคลุมมีหนวดเคราสีขาวยาวห้อยลงมาจากคางเขาถือไม้ไว้ในมือแว่นตาแทบจะเกาะอยู่ที่ปลายจมูกของเขาและเหนือแว่นตาก็เจ้าเล่ห์แคบลง ดวงตามองไปที่ทุกคน
ผู้ชมต่างพากันหัวเราะไม่หยุดจนการแสดงจบลง คนที่มากับเขาพาเขาไปที่กลางเวทีและต้องการทิ้งเขาไว้ตามลำพัง แต่พวกเขาก็ถอยห่างจากเขาไม่ได้ - ขาของมาร์ควิสจะงอเข่าจากนั้นทั้งตัวของเขาก็จะเคลื่อนไปที่ไหนสักแห่งด้านข้างแล้ว มือของเขาจะกระตุก บัดนี้เขาจมไปทางขวา ไปทางซ้าย เอียงไปทางหนึ่ง หันไปทางอื่น เกาะติดคนหนุ่มสาว จนต้องคอยสนับสนุนเป็นระยะ ๆ จนในที่สุดเขาก็ตัวแข็งตัวแข็งทื่อในที่สุด ตำแหน่งสมดุลสมบูรณ์ และจากนั้น... พวกมันก็เริ่มเคลื่อนตัวออกห่างจากเขาอย่างเงียบ ๆ เพื่อที่พระเจ้าห้ามไม่ให้การเคลื่อนไหวของอากาศทำให้เขาแกว่งไปมาและล้มลงอีกครั้ง
มีโฮเมอร์หัวเราะอยู่ในห้องโถงตลอดเวลา Ruben Nikolaevich ด้นสดทันทีมากจนไม่อาจละสายตาได้ ฉันกลัวการรอลายเซ็นของเขามากขึ้นเรื่อยๆ: “ทำซ้ำ!” ฉันเข้าใจว่าฉันจะไม่ทำสิ่งนี้ซ้ำอีก และฉันก็นั่งตัวเปียกโชกไปด้วยเหงื่อเย็นๆ รอชะตากรรมของตัวเอง
จากนั้น Ruben Nikolaevich ก็เริ่มแสดงขั้นตอนการเต้นรำต่างๆให้ข้าราชบริพารสอนวิธีเต้นรำให้พวกเขา เขาแสดงให้เห็นและเขาหรี่ตามาทางฉันแล้วพูดว่า: "วาสยา แต่คุณจะกระโดดเหมือนคุณไม่ใช่ฉันจริง ๆ "
จากความสิ้นหวังของสถานการณ์จากความโกรธจากความสิ้นหวังฉันจึงรีบขึ้นไปบนเวทีเนื่องจากพวกเขาอาจรีบไปที่อ้อมแขนเดินไปหลังเวทีโยนเสื้อคลุมแบบเดียวกับที่ Ruben Nikolaevich เพิ่งปรากฏตัวติดกาวบนเคราสวม แว่นหยิบไม้แล้วขึ้นเวทีไปพร้อมๆ กันราวกับกลโกธาราวกับจะตาย ฉันรู้ว่าไม่มีอะไรดีรอฉันอยู่เพราะตอนนั้นไม่มีอะไรนอกจากความสยองขวัญและความดื้อรั้นของชาวยูเครน แต่ฉันรู้แน่วแน่ว่าฉันต้องออกไปข้างนอก ไม่ว่าจะต้องแลกมาด้วยอะไรก็ตาม ด้วยความรู้สึกที่เจ็ด ฉันจึงเข้าใจว่าตอนนี้ ที่นี่ ในเวลานี้ ไม่เพียงแต่คำถามที่ว่าฉันจะเล่นบทชายชราขี้โมโหจากเทพนิยายนี้หรือไม่เท่านั้นที่กำลังถูกตัดสิน แต่ชะตากรรมในการแสดงของฉันในหลาย ๆ ด้านคือ กำลังตัดสินใจอยู่นะ คุณสมบัติของมนุษย์- ฉันจะทน หรือ จะถอย ฉันจะยอมแพ้
ฉันพยายามทำสิ่งที่ Ruben Nikolaevich ทำโดยพูดแบบเดียวกับที่เขาทำ แต่ห้องโถงกลับเงียบกริบ สำหรับฉันดูเหมือนว่าสิ่งนี้จะเกิดขึ้นตลอดไป ฉันกำลังจะพังทลาย ทนไม่ไหว ฉันกำลังรออย่างน้อยใครสักคน อย่างน้อยหนึ่งคนในห้องที่จะหัวเราะ แต่ทั่วทั้งฉากกลับมีแต่ความเงียบงัน และไม่มีเสียงแม้แต่เสียงเดียวที่ทำลายมันได้ เมื่ออ่านข้อความนี้จบไม่มากฉันก็หันไปหา Ruben Nikolaevich ทันทีโดยไม่หยุดเพื่อขอให้ลองอีกครั้ง ซึ่งเขาตอบว่า:“ ถูกต้องวาสยาลองใหม่อีกครั้ง” ฉันแสดงฉากนี้ซ้ำเจ็ดครั้งติดต่อกัน โดยไม่หยุดพัก ไม่มีการพัก ไม่สนใจว่าผู้ชมมีปฏิกิริยาอย่างไรต่อการแสดงของฉันอีกต่อไป เริ่มแสดงบทบาทมาก่อน รายละเอียดที่เล็กที่สุดไปจนถึงจังหวะของแต่ละบุคคล เพราะเขาเข้าใจว่าสิ่งเหล่านี้ประกอบขึ้นเป็นตัวละครและบทบาทโดยรวม และเมื่อฉันได้ยินเสียงหัวเราะในห้องโถงในตอนท้ายของการซ้อมนี่เป็นรางวัลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสำหรับฉันสำหรับความกล้าหาญที่ฉันตัดสินใจรับเมื่อฉันขึ้นไปบนเวทีหลังจาก Simonov เพื่อความอุตสาหะการทำงานและการทดสอบ ที่จริงแล้วฉันเตรียมตัวมาเอง โดยอาสาเล่นบทนี้ กลายเป็นบทบาทที่ยากมาก
จากนั้นบทบาทของ Marquis of Pas de Troyes ก็กลายเป็นหนึ่งในบทบาทที่ฉันชื่นชอบ ในนั้นฉันสามารถด้นสดได้ค้นพบสัมผัสใหม่ ๆ ในภาพบุคคลมากขึ้นเรื่อย ๆ อาบน้ำในบทบาทนี้อย่างแท้จริง สัมผัสกับความสุขอย่างแท้จริงจากการที่ผู้ชมได้รับมัน พวกเขาตอบสนองต่อทุกสิ่งที่ฉันทำในนั้นอย่างไร สัมผัสกับความพึงพอใจจากคำติชมของผู้ชมทันทีที่ เกิดขึ้นในการแสดงตลกในบทบาทตลก
การแสดงถูกจัดแสดงในลักษณะด้นสดแบบเดียวกับที่มีอยู่ในโรงเรียนการแสดงของ Vakhtangov ซึ่งนำความสุขมาสู่นักแสดงทุกคนและฉันหวังว่าผู้ชม สำหรับฉันมันเป็นบทเรียนที่สำคัญอีกบทหนึ่งในการทำความเข้าใจและทดสอบความแข็งแกร่ง
หลังจากได้แสดงบทบาททั้งสองนี้แล้ว ฉันได้ข้อสรุปสำหรับตัวเอง: ช่างเป็นความสุขที่ได้เล่นละครตลก นำความสุขมาสู่ผู้ชม ให้ความเมตตาแก่พวกเขา อารมณ์สนุกสนานและสนุกกับมันด้วยตัวคุณเอง เมื่อแสดงตลก นักแสดงจะได้รับผลตอบรับจากผู้ชมทันที หากเล่นบทบาทบางส่วนได้สำเร็จหรือถ่ายทอดบทได้ถูกต้อง ในลักษณะตลกขบขัน คุณจะได้ยินการตอบรับของผู้ชมทันที คุณจะเห็นผลงานของคุณทันที เป็นความรู้สึกที่สนุกสนานและพิเศษที่ได้ยินปฏิกิริยาของผู้ชม ได้ยินเสียงหัวเราะ ตื่นเต้น และทุกเสียงกรอบแกรบของผู้ชม นั่นเป็นเหตุผลที่ฉันมองด้วยความอิจฉาเป็นพิเศษกับนักแสดงที่แสดงบทบาทตลกอยู่ตลอดเวลา
ใดๆ งานวิชาการบทบาทใด ๆ ที่เรียนรู้ในบทละครหรือข้อความที่ตัดตอนมาจะให้บางสิ่งบางอย่างในกระบวนการฝึกฝนวิชาชีพให้กับทั้งนักแสดงรุ่นเยาว์และผู้ที่มีประสบการณ์อยู่แล้วและยิ่งกว่านั้นสำหรับนักเรียนที่ทุกสิ่งเป็นสิ่งใหม่ทุกอย่างมีประโยชน์ในด้านความรู้ความเข้าใจ ความรู้สึกซึ่งแต่ละขั้นตอนเกี่ยวข้องกับการค้นพบ ในเรื่องนี้การทำงานที่โรงเรียนร่วมกับครูเช่น Cecilia Lvovna Mansurova, Vladimir Ivanovich Moskvin ลูกชายของศิลปินโรงละครศิลปะมอสโกที่มีชื่อเสียง Ivan Mikhailovich Moskvin และครูชาวฝรั่งเศส Ada Vladimirovna Briskindova ในข้อความที่ตัดตอนมาจากบทละคร "Marion Delorme" โดย V. Hugo มีประโยชน์อย่างมากสำหรับฉันในเรื่องนี้ในภาษาฝรั่งเศส
Cecilia Lvovna Mansurova ผู้อำนวยการหลักสูตรของเราคือความภาคภูมิใจของโรงละคร Vakhtangov ซึ่งเป็นนักแสดงที่สดใสไม่เหมือนใครไม่เหมือนใคร แต่สำหรับเราเธอยังเป็นครูที่ขาดไม่ได้เช่นกัน นอกเหนือจากข้อได้เปรียบอื่นๆ มากมาย เธอยังมีคุณสมบัติอันล้ำค่าอีกประการหนึ่ง นั่นคือ การเอาชนะใจนักเรียน บรรเทาความตึงเครียด อาการตึง การรัดตัว และสร้างบรรยากาศเหมือนสตูดิโอในหลักสูตรของเธอ เราไม่จำเป็นต้องเปิดเหมือนกระป๋องเพื่อดึงเนื้อหาออก เราเองก็ต่อสู้เพื่อเธอด้วยความสงสัยการค้นพบความสำเร็จและความล้มเหลวและมักจะพบว่าเธอมีความเข้าใจความมั่นใจหรือในทางกลับกันได้รับพลังงานความมั่นใจในตนเองซึ่งอาจเพียงพอที่จะแก้ปัญหายาก ๆ มากกว่าหนึ่งอย่าง งาน. และมันสำคัญแค่ไหน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในอาชีพแบบเรา ที่จะค้นพบศิลปินในตัวบุคคล ความสามารถหรือพรสวรรค์ของเขา นี่คือสิ่งที่ธรรมชาติมอบให้กับใครบางคน ใน มหาวิทยาลัยสร้างสรรค์การเรียนรู้ไม่ใช่แค่กระบวนการรับรู้ แต่เป็นกระบวนการในการระบุพรสวรรค์และปรับปรุงให้ดีขึ้น ที่นี่มีการจัดทำสินค้าเป็นชิ้นและดำเนินการกับนักเรียนแต่ละคนเป็นรายบุคคล ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่มหาวิทยาลัยเชิงสร้างสรรค์จะมีครูต่อนักศึกษามากกว่าที่อื่นๆ ที่นี่จำเป็นต้องมีแนวทางแบบรายบุคคลสำหรับนักเรียนแต่ละคน เพราะนักแสดงในอนาคตจะต้องไม่เพียงแค่ตอบคำถามของครูเกี่ยวกับบางสิ่งบางอย่าง หากเขารู้ เขาจะตอบ ถ้าเขาไม่รู้ เขาจะไม่ได้รับเครดิต ในการฝึกอบรม อาชีพการแสดงทุกอย่างซับซ้อนมากขึ้น ที่โรงเรียนการละคร เขาไม่เพียงแต่ตอบบทเรียนเท่านั้น แต่ยังเปิดเผยความรู้สึก ตอบสนองทางอารมณ์ต่อสภาพการเล่นที่ครูเสนอ และอาจกล่าวได้ว่าเป็นการเผยให้เห็นปลายประสาทของเขา ที่นี่ด้วย งานทั่วไปสำหรับทุกมหาวิทยาลัย - การฝึกอบรม การสั่งสมความรู้ การศึกษาของบุคคล ศิลปินถูกเปิดเผย เขา และเขาเท่านั้น บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์การแสดงลักษณะเฉพาะของเขาเท่านั้น และสำคัญขนาดไหนที่ต้องเลี้ยงดูคนเดิมที่ไม่ชอบใครเลย นักแสดงที่คล้ายกันมีสไตล์สร้างสรรค์เป็นของตัวเอง มีธีมทางศิลปะเป็นของตัวเอง แต่สิ่งนี้สามารถทำได้โดยการติดต่อส่วนตัวระหว่างครูกับนักเรียน ในบรรยากาศของความไว้วางใจและการปลดปล่อย ในสภาพแวดล้อมเช่นนี้ พรสวรรค์ของนักเรียนจะถูกเปิดเผยได้ง่ายขึ้นหรือไม่มีการเปิดเผย นักเรียนคนนี้หรือนักเรียนคนนั้นจะเปิดเผยตัวเองอย่างไรเปอร์เซ็นต์ของผลตอบแทนที่จะได้รับจากเขาปีศาจหรืออัจฉริยะตัวใดที่อาศัยอยู่ในตัวเขา - คุณไม่สามารถพูดได้ทันทีคุณไม่สามารถคาดเดาได้และเป็นเวลานานก็ไม่สามารถทำได้เช่นกัน นี้. นั่นคือเหตุผลที่ฉันให้ความสำคัญกับคุณภาพของครู - ความสามารถในการสร้างบรรยากาศของจิตวิญญาณในสตูดิโอที่แท้จริงซึ่งเอื้อต่อการระบุและสร้างบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์มากที่สุด
พูดตามตรงว่าครูคนอื่นๆ ในโรงเรียนสนับสนุนบรรยากาศที่สร้างสรรค์นี้ในกลุ่มของตนอย่างเชี่ยวชาญ อธิการบดีของโรงเรียนซึ่งเป็นผู้อำนวยการและอาจารย์ที่ยอดเยี่ยม Boris Evgenievich Zakhava หนึ่งในนักเรียน Vakhtangov ที่เก่าแก่ที่สุดได้ปกป้องเธออย่างระมัดระวัง นักเรียนทุกคนรักเขาและเขารู้จักทุกคนไม่เพียงแต่ด้วยนามสกุลเท่านั้น แต่ยังรู้จักด้วยการมองเห็นด้วยชื่อด้วยบทบาทที่พวกเขาเล่นในข้อความที่ตัดตอนมาและการแสดง ครูบางคนในโรงเรียนมักจะพาเราไปที่บ้านและสอนเราที่นั่น สิ่งนี้เสร็จสิ้น (ซึ่งเราเริ่มเดาได้ในภายหลังเท่านั้น) บางครั้งจงใจเพื่อที่จะเลี้ยงพวกเราบางคน ในช่วงที่ฉันยังเป็นนักเรียนอยู่และแม้แต่ตอนนั้นโดยเฉพาะในครอบครัวที่มีรายได้น้อยก็ไม่มีรายได้เลย
และมันสำคัญแค่ไหนสำหรับฉัน - หลังจากสภาพแวดล้อมในสตูดิโอของ ZIL Palace of Culture ที่จะตกอยู่ในมือดังกล่าวอย่างแม่นยำในสภาพแวดล้อมเดียวกันของการปลดปล่อยโดยสมบูรณ์ การเปิดกว้าง ความปรารถนาดี และความอดทน ฉันเน้นไปที่คุณสมบัติการสอนเหล่านี้เป็นพิเศษ เพราะหากไม่มีคุณสมบัติเหล่านี้ (และน่าเสียดายที่สิ่งนี้เกิดขึ้นค่อนข้างบ่อยในชีวิต) นักเรียนจะถูกจำกัดทันทีและมากจนคุณไม่สามารถบังคับตัวตนที่แท้จริงของพวกเขาออกไปจากพวกเขาได้อีกต่อไป ไม่มีกำลัง สามารถปลุกอารมณ์ของตนได้ แต่ Cecilia Lvovna ทำมันได้อย่างยอดเยี่ยม เธอรู้วิธีเปิดและปลุกอารมณ์ของนักเรียน มากจนบางครั้งพวกเราเองก็ประหลาดใจในตัวเอง ประหลาดใจกับที่มาของสิ่งต่างๆ ในเวลาเดียวกันเธอไม่อนุญาตให้มีการให้คำปรึกษาและหากเธอเห็นว่าหลังจากความสำเร็จครั้งแรกมีคนคิดมากเกินไปเกี่ยวกับตัวเองเธอก็ตัดสินใจเลือกนักเรียนคนนี้เข้ามาแทนที่เขาทันทีและเด็ดขาดที่สุด เธอปฏิบัติต่อตัวเองอย่างเท่าเทียมกับนักเรียนทุกคน แต่ในขณะเดียวกันเธอก็ไม่ได้ก้มลงอยู่ในระดับของเรา แต่ดึงเราเข้าหาเธอ ส่วนสูงของเธอน่าเวียนหัวมาก บางทีสิ่งเดียวที่เธอประสบปัญหาคือรูปแบบภายนอกของการแสดงสำหรับนักแสดงของโรงเรียน Vakhtangov ที่อาจดูแปลก ข้อความและการแสดงที่เธอทำมีโครงสร้างที่ไร้ที่ติเสมอตามตรรกะภายในของการพัฒนาของเหตุการณ์ ความถูกต้องทางจิตวิทยา ความแม่นยำ และการนำเสนอของตัวละคร เมื่อจำเป็นต้องยืนยันบทบาททางจิตวิทยาเพื่อค้นหาสถานะภายในของฮีโร่ - ที่นี่เธอไม่เท่าเทียมกัน แต่เธอไม่สามารถค้นหาการออกแบบทั่วไปของบทบาทได้เสมอไป ฉากฉากที่จำเป็น และรูปแบบโดยรวม ของประสิทธิภาพการทำงาน ด้วยเหตุนี้ฉันจึงจำได้ว่าเคยทำงานในบทที่ตัดตอนมาจากบทละคร Marion Delorme
การซ้อมกำลังจะสิ้นสุดลงแล้ว ดูเหมือนว่าทุกอย่างในนั้นได้เสร็จสิ้นไปแล้ว สร้างขึ้นตามความสัมพันธ์ระหว่างตัวละคร ทุกอย่างได้รับการตรวจสอบทางจิตวิทยา แต่มีบางอย่างขาดหายไป ไม่มีความประทับใจถึงความสมบูรณ์หรือความพร้อมของงาน ไม่ว่าเราจะดิ้นรนเพียงใด เราก็ไม่สามารถนำมันทั้งหมดไปเป็นรูปแบบศิลปะที่สดใสของการแสดงได้ เราไม่สามารถหาฉากสำหรับฉากกลางได้ นั่นคือการพบกันของ Didier และ Marion Cecilia Lvovna รู้สึกกังวล นักแสดงดูเหมือนจะทำทุกอย่างถูกต้อง พร้อมเททุกอย่างที่สะสมมาระหว่างซ้อมภายในออกมา แต่จะทำยังไงให้เข้มแข็ง สดใส มีจินตนาการ?
เมื่อรู้ว่าเธอมีรูปแบบที่อ่อนแอเช่นนี้ Cecilia Lvovna จึงเชิญ Vladimir Ivanovich Moskvin เข้าร่วมการซ้อมครั้งหนึ่ง
เขาค่อย ๆ เข้าไปในห้องซ้อม ปิดประตูตามหลัง ค่อยๆ ทรุดตัวลงกับพื้น และยังคงนั่งอยู่ในท่านี้ - นี่คือตำแหน่งโปรดของเขา เขากล่าวว่า: "เริ่มต้น" และนั่งนิ่งเงียบโดยไม่แสดงอารมณ์ใด ๆ เขานั่งจนจบข้อความ และเมื่อเราพูดจบ เขาก็ค่อยๆ ลุกขึ้นยืนหยิบกล่องที่วางอยู่ข้างๆ มาวางไว้ตรงกลางเวที จากนั้นเขาก็นั่งบนนั้นโดยหันหลังให้ผู้ชม กางขาและแขนออกจากกันโดยวางฝ่ามือบนเข่า จากห้องโถง ร่างของผู้ชายก็ปรากฏให้เห็น แช่แข็งอยู่ในความตึงเครียดที่รุนแรง ถูกจำกัดด้วยพลังบางอย่างที่ไม่รู้จัก
และความหมายของฉากนี้คือ... ดิดิเยร์ถูกตัดสินประหารชีวิต ก่อนการประหารชีวิต แมเรียนก็มาหาเขา แต่เพื่อที่จะไปหาเขาแล้วปล่อยเขาตามที่ตั้งใจไว้ เธอต้องยอมจำนนต่อความอัปยศอดสูและเสียสละเกียรติของเธอ ดิดิเยร์เข้าใจทันทีว่าเธอเข้าหาเขาได้อย่างไร หันหน้าหนีจากเธอ และในสภาพนี้โดยไม่ขยับตัว โดยไม่หันหน้ามาหาเธอ ใช้เวลาเกือบทั้งฉาก แมเรียนรู้สึกผิดต่อหน้าเขาเดินไปรอบ ๆ เขามองหาความเมตตาการผ่อนปรน
วลาดิมีร์อิวาโนวิชพยายามปลุกเร้าความเกลียดชังการไม่เชื่อฟังต่อผู้นอกใจเพื่อจุดประกายความหลงใหลและอารมณ์ในตัวฉันตะโกนในเวลานี้: "ทำลายทำลายเธอ!.. เธอนอกใจคุณ! เท เท เท คิดจะฆ่าเธอตอนนี้เลย เกลียด เกลียด เธอ คนนอกใจ อย่าปล่อยให้เธอเข้ามาใกล้คุณ และเก็บเธอให้ห่างไกลจนจบฉาก!”
และฉันก็ "ทำลาย" เธอด้วยคำพูดราวกับว่าฉันกำลังตบหน้าเธอด้วยการตบหนัก ๆ :
การมาถึงจุดนี้ได้น่ากลัวจริงๆ! ท้ายที่สุดแล้ว นี่เป็นความอัปยศที่ไม่เคยเห็นมาก่อน... โอ้ผู้หญิง! บอกฉันหน่อยว่าคุณมีความผิดอะไร? คนที่รักคุณเหมือนน้องชายที่อ่อนโยนที่สุด?..
Moskvin ไม่ชอบที่จะแยกส่วนฉากเขามักจะใช้จังหวะที่กว้างและทรงพลังขุดอย่างที่พวกเขาพูดจนถึงระดับลึกที่สุด นี่คือบทนำของเราสู่โรงละครที่แท้จริง เพื่อแสดงออกถึงความหลงใหลอันแรงกล้าของมนุษย์และความคิดที่ยอดเยี่ยม
สถานที่ซึ่งก่อตั้งโดยวลาดิมีร์ อิวาโนวิชได้รับการดูแลจนกระทั่งดิดิเยร์ให้อภัยคนรักของเขาในที่สุด จนกระทั่งเขาตระหนักว่าเธอทำเพื่อเขาและเพื่อประโยชน์ของเขา และเธอไม่มีทางเลือกอื่น เพราะเขา เธอจึงทำให้ต้องอับอายอย่างสาหัส เสียสละ เพื่อช่วยเขา เมื่อตระหนักถึงทั้งหมดนี้และเอาชนะตัวเองภายในได้ Didier ก็เริ่ม "ละลาย" อย่างช้าๆ อาการชาทำให้ร้องไห้สะอึกสะอื้น เขาลุกขึ้น จับศีรษะของแมเรียน ใช้ฝ่ามือลูบหน้า คุกเข่าลงข้างหน้า และบทพูดคนเดียวที่ "ละลาย" ของเขาเริ่มต้นขึ้น:
มาหาฉันสิ!..ฉันจะถามเธอว่า ใครจะเฉยเมยในชั่วโมงอันโหดร้ายเช่นนี้ได้ อย่าบอกลาเธอ ไม่มีความสุข อ่อนโยน กล้าหาญ ใครมอบตัวให้กับเขาอย่างเต็มที่ขนาดนี้?.. ฉันใจร้ายกับคุณ ข้าแต่พระเจ้า ข้าพระองค์ลงโทษพระองค์ ส่งฉันไปหาเธอ...โอ้ฉันผิดไปแล้ว... คุณนางฟ้าสวรรค์เปื้อนดิน มารี ภรรยาของผม ผู้เป็นที่รักของฉัน, ในพระนามของพระเจ้าที่ข้าพเจ้าไปนั้น ฉันยกโทษให้คุณ... ที่รัก ฉันกำลังรออยู่: แล้วคุณจะยกโทษให้ฉัน!
ในตอนท้ายของข้อความที่ตัดตอนมา Cecilia Lvovna ผู้ร่าเริงวิ่งไปหา Vladimir Ivanovich กอดและจูบเขาด้วยคำพูด:“ ฉันรู้ฉันรู้สึกว่าขาดหายไปนิดหน่อยที่นี่ - และพวกมันก็จะบินได้” โดยหลักการแล้ว มันเป็นอย่างนั้น แค่ขาดหายไปนิดหน่อย แต่คำว่า “นิดหน่อย” มีความหมายในงานศิลปะมากแค่ไหน? นี่คือสิ่งที่ mise-en-scène ในการแสดง อะไรคือการผสมผสานระหว่างรูปแบบและเนื้อหาในการแสดง
ข้อความนี้เล่นเป็นภาษาฝรั่งเศส แต่ไม่จำเป็นต้องแปล ทุกอย่างชัดเจนจากโครงสร้างของมัน จากความแม่นยำทางจิตวิทยาในพฤติกรรมของตัวละคร ข้อความที่ตัดตอนมาได้รับการยอมรับว่าดีที่สุดในสนาม มีการฉายหลายครั้งบนเวทีของ WTO, Central House of Arts ทางโทรทัศน์ และประสบความสำเร็จในทุกที่
ในการฉายข้อความที่ตัดตอนมานี้ฉันได้พบกับ Ruben Nikolaevich Simonov นักเรียนของ Yevgeny Bagrationovich Vakhtangov เป็นครั้งแรกและผู้อำนวยการโรงละครที่ตั้งชื่อตามเขา หลังจากดูข้อความที่ตัดตอนมา เขาก็กระโดดขึ้นไปบนเวที แสดงความยินดีกับเรา แนะนำจังหวะให้ฉันอีกสองสามจังหวะ และเรียกร้องให้เราเล่นทันทีตามที่เขาพูด งานนี้มีส่วนทำให้ต่อมาฉันได้รับเชิญให้เข้าร่วมคณะละครของโรงละคร Vakhtangov
จนถึงตอนนี้ฉันเพิ่งตั้งชื่อ แต่ยังไม่ได้พูดอะไรเกี่ยวกับครูคนที่สามที่ช่วยทำข้อความที่ตัดตอนมานี้ - Ada Vladimirovna Briskindova บทบาทของเธอที่โรงเรียนไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการสอนภาษาฝรั่งเศสเท่านั้น บุคคลที่มีวัฒนธรรมที่ดี มีรสนิยมสูง เธอมีภารกิจด้านการศึกษาที่ยอดเยี่ยม ปลูกฝังรสนิยมสูงให้กับเรา และแนะนำให้เรารู้จัก คลาสสิกฝรั่งเศสเป็นผู้ริเริ่มการแสดงข้อความที่ตัดตอนมาในภาษาฝรั่งเศส และทำทั้งหมดนี้ด้วยความสนใจ ความรัก และความเสียสละอย่างมาก นักเรียนทุกคนถูกดึงดูดเข้าหาเธอมองหางานร่วมกันและตามกฎแล้วหลังจากสำเร็จการศึกษาวิทยาลัยพวกเขาก็รักษาและรักษาความสัมพันธ์ที่ดีที่สุดมาเป็นเวลานาน - สร้างสรรค์และเป็นมิตร
มันเกิดขึ้นราวกับว่าฉันถูกส่งต่อจากมือหนึ่งไปยังอีกมือหนึ่งโดยเฉพาะโดยคนที่มีความสามารถมากไม่เห็นแก่ตัวและมีน้ำใจ โดยที่ไม่สามารถรับได้ การศึกษาที่ดีที่บ้าน (พ่อของฉันเรียนจบจากโรงเรียนสามปีแม่ของฉันไม่รู้หนังสือเลย) ฉันได้รับทั้งหมดนี้จากการสื่อสารกับคนที่น่าสนใจมากซึ่งมากกว่าการชดเชยช่องว่างในการเลี้ยงดูของฉัน เพื่อเตรียมฉันให้พร้อมสำหรับอาชีพการแสดง พวกเขาสร้างฉันทางจิตวิญญาณ ปลูกฝังรสนิยมและวัฒนธรรมที่ดี
ข้อดีอีกประการหนึ่งในการเลี้ยงดูของฉันคือเพื่อนของฉันเกือบทั้งหมดมีอายุมากกว่าฉัน และในฐานะรุ่นน้องฉันได้เรียนรู้บางสิ่งจากพวกเขาอยู่ตลอดเวลา พวกเขารู้มากกว่าฉัน มีประสบการณ์ชีวิต และเช่นเดียวกับเพื่อนแท้เสมอ พวกเขาเต็มใจแบ่งปันทุกสิ่งที่พวกเขารู้และสามารถทำได้
เพื่อนคนหนึ่งซึ่งเป็นอัจฉริยะของฉันคือ Yuri Vasilyevich Katin-Yartsev ซึ่งเป็นอดีต Zilovite จากนั้นเป็นนักแสดงที่ Drama Theatre บน Malaya Bronnaya และเป็นครูที่โรงเรียน Shchukin
ตลอดการศึกษาของฉันและต่อมาในขณะที่ทำงานในโรงละครเขาติดตามฉันในกระบวนการเชี่ยวชาญวิชาชีพและช่วยฉันเป็นเวลานานหลังจากสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัย จากนั้นในช่วงสมัยเรียนของฉัน เขาแนะนำว่าควรอ่านข้อความไหนดีที่สุดและข้อความใดที่เหมาะกับข้อมูลของฉันที่สุด ช่วยฉันแก้ไข แก้ไข ให้กำลังใจฉันในช่วงเวลาที่ยากลำบาก เมื่อมีบางอย่างไม่ได้ผลมาเป็นเวลานาน และไม่เพียงเกี่ยวข้องกับฉันคนเดียวเท่านั้น ไม่ค่อยเจอคนในละครที่ใครๆก็รัก ยูริ Vasilyevich เป็นข้อยกเว้นที่หายากมาก เขาช่วยให้นักเรียนโรงเรียนการละครหลายคนกลายเป็นนักแสดงที่แท้จริง
ยูริ Vasilyevich เป็นผู้อำนวยการในงานประกาศนียบัตรของฉันเกี่ยวกับบทบาทของ Roshchin ในภาพยนตร์เรื่อง "Walking Through Torment" ของ A. Tolstoy การทำงานในตำแหน่งนี้เป็นประโยชน์สำหรับฉันเป็นพิเศษ ไม่ใช่ในแง่วิชาชีพมากนัก แต่ในแง่ความเป็นพลเมืองด้วย Roshchin เป็นชายชาวรัสเซียที่หลงทางและประสบกับการสูญเสียบ้านเกิดอย่างน่าเศร้า ฉันไม่สามารถตัดสินได้ว่ามันเล่นอย่างไร แต่ฉันยังจำคำพูดคนเดียวของ Roshchin บนรถไฟด้วยความตื่นเต้น: “ ฉันไม่ได้สูญเสียอพาร์ทเมนต์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฉันไม่ได้สูญเสียอาชีพทนายความ... ฉันสูญเสียมันไปในตัวเอง ผู้ชายตัวใหญ่แต่ไม่อยากตัวเล็ก...”
มีช่วงเวลาที่วิเศษในการเล่น - บทสนทนาเกี่ยวกับมาตุภูมิ ทุกครั้งในขณะที่แสดง นานก่อนบทพูดคนเดียวนี้ ฉันถูกครอบงำด้วยความตื่นเต้นเป็นพิเศษ มีคลื่นอันน่าทึ่งมาทับฉัน ฉันหายใจไม่ออก ฉันสัมผัสได้ทางร่างกายว่าเลือดไหลออกจากใบหน้าของฉันอย่างไร ฉันยังคงได้ยินความเงียบของหอประชุมดังก้องอยู่ในหูของฉันในขณะนั้น มันเป็นความเงียบ ไฟฟ้าแรงสูง- เป็นที่น่าพึงใจ น่าพอใจ น่าชื่นใจสำหรับนักแสดง ช่างเป็นที่รักและอ่อนหวานยิ่งกว่าเสียงปรบมืออันอบอุ่นที่สุด
ในขณะที่ทำงานในการแสดงสำเร็จการศึกษาครั้งที่สอง - "The Eccentric" โดย N. Hikmet - เขาได้พบกับครูและผู้กำกับ A. I. Remizova อีกครั้ง หลังจากเล่นบทบาทของ Akhmet แล้วเธอก็เชิญ Ruben Nikolaevich Simonov ให้มองฉันในฐานะผู้สมัครเข้าร่วมคณะละครของโรงละคร Vakhtangov ที่มีชื่อเสียง และหลังจากบทบาทนี้ฉันก็ได้รับการยอมรับ Nazim Hikmet ดูการแสดงของนักเรียนของเราเองสามครั้งและถึงแม้ว่าละครเรื่องเดียวกันนี้จะแสดงในโรงละครมืออาชีพแห่งหนึ่งในมอสโก แต่เขาชอบการแสดงของเรามากกว่าและเขาเองก็แนะนำให้แสดงทางโทรทัศน์ เช่นเดียวกับของที่ระลึกราคาแพง ฉันเก็บลายเซ็นของเขาไว้ในหนังสือ: “To the Best Akhmet” สำหรับนักเรียนปีสี่ การยอมรับผู้แต่งบทละครดังกล่าวถือเป็นความภาคภูมิใจอย่างยิ่ง
การเปลี่ยนผ่านของนักเรียนจากวิทยาลัยไปสู่โรงละครเป็นเรื่องยากมากและมักเกิดขึ้นอย่างเจ็บปวดอย่างมาก เมื่อเขาถูกบังคับให้เรียนรู้การนำความรู้ทางทฤษฎีไปประยุกต์ใช้จริงในระหว่างการเดินทาง เช่นเดียวกับผู้เริ่มว่ายน้ำ: หากคุณสามารถว่ายน้ำออกได้ นั่นหมายความว่าคุณสามารถ ขี่ม้า ถ้าคุณทำไม่ได้ ความหวังทั้งหมดก็อยู่ในหน่วยกู้ภัย เมื่อย้ายไปที่โรงละคร นักแสดงรุ่นเยาว์มักจะสูญเสียช่วงเวลาที่ Anthean ดินแดนที่พวกเขารู้สึกตลอดเวลาในโรงเรียนและพบว่าตัวเองอยู่ที่ทางแยกด้วยความสับสนและกำลังก้าวเข้าสู่ทวีปใหม่สำหรับพวกเขาซึ่งไม่มีใครรับประกันพวกเขา แต่ตรงกันข้าม ทดสอบ คาดหวัง มองอย่างประเมิน พยายามทำความเข้าใจว่าน้องใหม่เป็นยังไง ทำอะไรได้บ้าง และไม่ใช่ทุกคนที่พบว่าตนเองอยู่ในตำแหน่งที่เป็นผู้ทดสอบ จะสามารถต้านทานและไม่หลงทางได้ ดังนั้นฉันคิดว่ามันเป็นเรื่องผิดที่จะประทับตราว่า “ไม่เหมาะสม” กับนักแสดงหนุ่มหลังจากความล้มเหลวครั้งแรก ท้ายที่สุดแล้ว เขาได้รับการสอนบางอย่างมาสี่ปีแล้ว และเขาก็แสดงสัญญาบางอย่าง ดังนั้นจึงไม่มีความสามารถ มิฉะนั้น เขาคงไม่ได้ไปร่วมงานรับปริญญา ไม่ต้องสงสัยเลยว่าในเวลานี้อาจเป็นช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดในชีวิตของนักแสดงทัศนคติที่มีต่อเขาในโรงละครควรระมัดระวังให้มากขึ้น ท้ายที่สุดแล้ว มีนักเรียนที่มีแนวโน้มดีเข้ามาดูละครกี่คน แต่มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่กลายเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม แล้วคนอื่นๆล่ะอยู่ที่ไหน.. อีกหลายคนที่ส่องแสงในโรงเรียนก็ไม่อยู่สูงเท่าเดิมและจางหายไป บ่อยครั้งที่พวกเขาจางหายไปจากการขาดศรัทธานี้ อันดับแรกในตัวพวกเขา และจากนั้นในตัวเองอันเป็นผลมาจากความล้มเหลวครั้งแรกอันเป็นผลมาจากการขาดหลักประกันตามปกติสำหรับตัวเอง คำพูดของครูที่ให้กำลังใจและปลูกฝังความมั่นใจใน นักเรียน. นักแสดงหนุ่มมักล้มเหลวในการผ่านการทดสอบครั้งแรกบนเวทีอาชีพ นักแสดงหนุ่มมักจะพบว่าตัวเองต้องหยุดชะงักเป็นเวลานาน และไม่ได้ลงเล่นนานก็เริ่มเสื่อมถอยสูญเสียสิ่งที่มีโดยเฉพาะเมื่อยังเยาว์วัยที่ยังไม่สูงพอในอาชีพที่เลือกและไม่มีเวลารวบรวมในทางปฏิบัติสิ่งที่ตนมีจนถึงตอนนี้ เรียนแต่ในทางทฤษฎีเท่านั้น เขาพัฒนาความหวาดกลัวบนเวที - นี่คือความคิดสร้างสรรค์และโชคชะตาของมนุษย์ที่มักจะถูกทำลาย สิ่งเหล่านี้เป็นความสูญเสียทางเศรษฐกิจ (เพราะเขาได้รับการฝึกฝนมาหลายปีแล้วมีการใช้เงินทุนจำนวนมากเพื่อฝึกฝนความสามารถของเขา) และ การบาดเจ็บทางจิต- ต้องเสียเงินเท่าไหร่ในการวัด?
ในช่วงเริ่มต้นของการเดินทาง สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าฉันสามารถเล่นบทบาทใดก็ได้ ซับซ้อนแค่ไหน และแสดงได้ทุกบทบาท ความเย่อหยิ่งดังกล่าวเป็นลักษณะเฉพาะของนักเรียนเมื่อเข้าสู่เวทีอาชีพ แต่แม้แต่บทบาทแรกในโรงละครก็มักจะดึงพรมออกจากใต้เท้าทำให้พวกเขาขาดความมั่นใจหรือค่อนข้างมั่นใจในตนเองและนี่เป็นเรื่องปกติ
อาชีพของเราไม่ง่ายและพยางค์เดียวอย่างที่คิดในตอนแรก สิ่งสำคัญคืออย่าสับสนในช่วงเวลาสำคัญในชีวิตของนักแสดงรุ่นเยาว์ และต้องตระหนักว่าความมั่นใจในตนเองไม่ควรมีอยู่ในธุรกิจของเรา ความสงสัยสามารถ ควรจะมาเยือน และจะมาเยี่ยมเยียนเราตลอดชีวิตของเรา จากประสบการณ์ของตัวเองและเพื่อนร่วมงาน ฉันสามารถพูดได้ว่า ยิ่งเราไปไกลเท่าไร พวกเขาจะไล่ตามเราบ่อยขึ้นเท่านั้น และคุณแทบจะไม่ต้องกลัวสิ่งนี้เลย เพราะความสงสัยเป็นสิ่งกระตุ้นในการทำงาน มันเป็นการควบคุมตนเองอย่างต่อเนื่อง: “ฉันกำลังทำสิ่งที่ถูกต้อง ฉันทำทุกอย่างเพื่อให้บทบาทนี้เกิดขึ้นจริงหรือเปล่า” ในแต่ละบทบาทใหม่ คุณจะมั่นใจว่ามันไม่ง่ายเลย แต่จะยากขึ้นเรื่อยๆ ในการเข้าถึงมัน ดูเหมือนว่าทุกอย่างควรจะเป็นอย่างอื่น เมื่อเวลาผ่านไปประสบการณ์ก็เพิ่มขึ้น ความรู้เกี่ยวกับอาชีพนี้สะสม คุณเรียนรู้ความซับซ้อนและโดยธรรมชาติแล้วคุณคาดหวังว่าทั้งหมดนี้จะช่วยคุณในการทำงานของคุณ ความมั่นใจนั้น ควรจะปรากฏแต่เพราะเหตุใดจึงไม่ปรากฏก็จะไม่มา
แน่นอนว่าประสบการณ์และความรู้ที่ได้มาจะไม่ผ่านไปอย่างไร้ร่องรอย ทุกสิ่งที่คุณสะสม รวบรวม เรียนรู้ แน่นอนจะช่วยให้คุณก้าวต่อไปได้ นี่คือทุนอันล้ำค่าของคุณ ซึ่งนักแสดงก็ทำไม่ได้หากไม่มี มิฉะนั้นก็เป็นเช่นนั้น ความตายสำหรับเขา แต่การก้าวไปข้างหน้าจะเป็นไปได้ก็ต่อเมื่อการเคลื่อนไหวนี้ไม่ได้อยู่บนเส้นทางที่ถูกเหยียบย่ำ แต่ไปสู่สิ่งใหม่ การเปิดและปูทางใหม่ และด้วยแต่ละบทบาทใหม่ ทุกอย่างจะเริ่มต้นใหม่อีกครั้ง มิฉะนั้น จะไม่มีการค้นพบ จะไม่มีกระบวนการค้นหา มันจะไม่ใช่ความคิดสร้างสรรค์อีกต่อไป และศิลปะควรจะเป็นการค้นพบเสมอ - ในตัวเอง ในบทบาท และในชีวิต
เมื่อเวลาผ่านไป ความสงสัยก็ทวีความรุนแรงมากขึ้น เพราะทุกปี ทุก ๆ บทบาทใหม่ คุณเริ่มเข้าใกล้มันด้วยความรับผิดชอบที่มากขึ้น และคุณเข้าใจมากขึ้นเรื่อย ๆ ว่าในอาชีพของเรา ประสบการณ์ที่ผ่านมา บุญในอดีตนั้นอยู่ได้ไม่นาน คุณจะไม่รอด แต่ละครั้งที่คุณต้องทำการทดสอบเดิมอีกครั้งเช่นเดียวกับในบทบาทแรกของคุณในการแสดงครั้งแรก และหากงานแรกของคุณได้รับการปฏิบัติด้วยความสุภาพในระดับหนึ่ง มีการให้เบี้ยเลี้ยงสำหรับเยาวชนของคุณ ขาดความเป็นมืออาชีพ ขาดประสบการณ์ จากนั้นเมื่อเวลาผ่านไปจะไม่มีส่วนลดดังกล่าวอีกต่อไป แต่ในทางกลับกัน ความต้องการและความรุนแรงของ การประเมินเพิ่มขึ้นจากบทบาทหนึ่งไปอีกบทบาทหนึ่ง
ฉันจะไม่มีวันลืมว่ามิคาอิล Fedorovich Astangov ที่ทำงานในบทบาทต่อไปของเขามีความกังวลและวิตกกังวลมากอย่างไร จากภายนอกเป็นเรื่องแปลกที่เห็นว่านักแสดงชื่อดังที่ดูเหมือนจะรู้ความลับของอาชีพนี้ไม่สามารถรับมือกับความตื่นเต้นก่อนฉายรอบปฐมทัศน์ได้อย่างไร Cecilia Lvovna Mansurova เมื่อเห็นสิ่งนี้จึงเข้าหาเขาและพยายามทำให้เขาสงบลง:“ มิชาทำไมคุณถึงกังวลมาก? นานแค่ไหนที่คุณสามารถกังวล? และเขาตอบเธอว่า: "อาชีพเวรกรรมครั้งแล้วครั้งเล่า"
และแน่นอนว่าในความคิดสร้างสรรค์อาจเป็นชะตากรรมเดียวกันที่รอทุกคนอยู่เสมอ - เพื่อเริ่มต้นใหม่อีกครั้งตั้งแต่เริ่มต้น - ในความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงพร้อมทัศนคติที่แท้จริงต่อเรื่องนี้ ในทางวิทยาศาสตร์นั้น นักวิทยาศาสตร์รุ่นใหม่แต่ละคนเริ่มต้นจากสิ่งที่เป็นที่รู้จักและค้นพบแล้ว เพื่อที่จะก้าวต่อไปและค้นพบสิ่งใหม่ๆ มันไม่เป็นเช่นนั้นในงานศิลปะ ในนั้นถ้าไม่เริ่มต้นใหม่หมดอย่าค้นพบตัวละครของพระเอกในแต่ละครั้งอย่ามองหาสีใหม่ใช้ความคิดโบราณที่พัฒนาขึ้นในอดีตมันจะไม่ใช่ศิลปะอีกต่อไปแต่เป็นเพียงความธรรมดา งานฝีมือการทำเครื่องหมายเวลา
เพื่อยืนยันสิ่งที่กล่าวไว้ ฉันจะอ้างอิงอีกตัวอย่างหนึ่ง - การทำงานร่วมกันของฉันกับ Alisa Freindlich ในภาพยนตร์เรื่อง "Anna and the Commander" การถ่ายทำภาพยนตร์เรื่องนี้น่าสนใจ การทำงานร่วมกับผู้กำกับ Evgeniy Khrinyuk นั้นง่ายดาย มีความเข้าใจซึ่งกันและกันอย่างสมบูรณ์ และอลิซกับฉันก็เช่นกัน และนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมจู่ๆ คำสารภาพของเธอก็ดังขึ้นอย่างไม่คาดคิด: “นี่เธอทำอะไรอยู่? ทุกปีการเริ่มต้นบทบาทจะยากขึ้นเรื่อยๆ ก่อนหน้านี้วาร์วารา (ลูกสาว) ช่วยฉันด้วย ฉันจำได้แค่เธอเท่านั้น และเธอก็ทำให้ฉันมีอารมณ์ร่วม ทำให้ฉันมีอารมณ์ร่วม และสิ่งนี้ได้ผลอย่างไม่มีที่ติในหลายๆ บทบาท ทั้งดราม่า ตลก ตลก และโศกนาฏกรรม เพียงความทรงจำของเธอก็ทำให้อารมณ์พุ่งพล่าน แต่เมื่อเวลาผ่านไป มันก็ไม่เพียงพอสำหรับฉันอีกต่อไป ก่อนหน้านี้ เมื่อเตรียมตัวสำหรับบทบาทที่น่าทึ่ง ฉันจำความโชคร้ายในบ้านได้ (นักแสดงมักใช้เทคนิคนี้เพื่อสร้างอารมณ์ที่จำเป็นสำหรับตัวเอง) และสิ่งนี้ช่วยได้ระยะหนึ่ง ตอนนี้มันไม่ทำงานอีกต่อไป เราต้องการสิ่งกระตุ้นใหม่และใหม่” จากนั้นฉันก็คิดอย่างจริงจังว่าสถานการณ์ต่างๆ ส่งผลต่อนักแสดงอย่างไร! และในเวลาที่ต่างกันในสถานการณ์ชีวิตที่แตกต่างกันในรูปแบบที่ต่างกัน ตัวอย่างเช่น ในกรณีหนึ่ง ดนตรีช่วยฉันได้มาก ในอีกกรณีหนึ่ง - บทกวีหรือความทรงจำบางประเภทที่มีประสบการณ์ก่อนหน้านี้กลายเป็นสิ่งที่จำเป็นในงานของฉัน - องค์ประกอบมากมายรวมอยู่ในกระบวนการสร้างสรรค์และคุณไม่มีทางรู้ล่วงหน้าว่าอะไร จะช่วยคุณในวันนี้สิ่งที่จะเกิดขึ้นในวันนี้จะทำให้คุณหงุดหงิดขณะทำงานตามบทบาทนี้ สิ่งนี้เกิดขึ้นแตกต่างกันไปในทุกการแสดง นั่นคือเหตุผลที่พวกเขาพูด (และนี่คือความจริง) ว่าไม่มีการแสดงที่เหมือนกันสองรายการใดเลย ในแต่ละครั้งจะแตกต่างกัน แม้ว่าพื้นฐานที่น่าทึ่งสำหรับพวกเขาจะเหมือนกัน แม้ว่าข้อความจะไม่เปลี่ยนแปลงก็ตาม ใช่ครับ ในการสร้างแต่ละบทบาทใหม่นั้นนักแสดงจะต้องเริ่มต้นใหม่เสมอเพราะตัวละครในแต่ละครั้งจะต่างกันจึงต้องถูก “ปั้น” ใหม่ แต่เมื่อสร้างขึ้นมานักแสดงก็อดไม่ได้ที่จะต้องใช้ทุกอย่างที่สะสมมา ชีวิตก่อนหน้าภาระทางจิตวิญญาณที่ฝังอยู่ในใจก่อนที่เขาจะเริ่มสร้างภาพศิลปะ ในเวลาเดียวกัน ฉันสังเกตว่านักแสดงมักจะอาศัยงานของเขาไม่เพียงแต่จากประสบการณ์ของตัวเองเท่านั้น ไม่เพียงแต่ด้วย ชีวประวัติของตัวเองแต่ยังรวมถึงชีวประวัติของรุ่นของเขาและเวลาของเขาด้วย
นี่คือสองตัวอย่าง ในขณะที่ทำงานในบทบาทแรกของฉันในโรงละคร Baklanov ผู้สอนการเมืองรุ่นเยาว์ในละครเรื่อง Eternal Glory ของ B. Rymar ฉันเห็นฮีโร่ของฉันอย่างรวดเร็วอย่างน่าประหลาดใจจนถึงรายละเอียดที่เล็กที่สุด - รูปร่างหน้าตาของเขาการแสดงออกของดวงตาของเขาการเดินของเขา ท่าทางของเขา และเหตุการณ์หนึ่งช่วยได้ - น่ารำคาญและในเวลาเดียวกันก็ทำให้ฉันมีความสุข ฉันรีบไปโรงละคร มาสาย ทำให้กังวล กลัวการแสดงไม่ตรงเวลา ที่ทางออกจากสถานีรถไฟใต้ดินแซงคนอื่น ๆ อย่างรีบเร่งเขาบังเอิญชนเข้ากับเด็กชายอายุประมาณสิบสี่โดยไม่คาดคิด ฉันรีบไปด้านข้าง และเขาก็ไปทางเดียวกัน ฉันไปทางอื่น และเขาก็เกือบจะเคลื่อนไหวซ้ำ ๆ ของฉันพร้อม ๆ กัน แล้วเราก็ชนกัน ฉันยิงเขาล้ม เด็กชายล้มลง และฉันก็ก้าวไปข้างหน้าสองสามก้าวด้วยความเฉื่อย แล้วหยุด ถอยกลับไป ช่วยเขาลุกขึ้น แล้วฉันเห็นหน้าซีดของเขา คอบางยาวเหยียด ดวงตาเบิกกว้างอย่างหวาดกลัว ไม่ค่อยเข้าใจว่าเกิดอะไรขึ้น . เมื่ออุ้มเด็กขึ้นมาแล้ว ฉันค่อย ๆ เดินออกไปและไม่วิ่งอีกต่อไป ฉันเดินไปที่โรงละครอย่างเงียบ ๆ ฉันไม่สนใจเลยที่ฉันจะมาสายทุกอย่างดูเล็กน้อยและไร้ประโยชน์ก่อนที่จะเกิดอะไรขึ้น ท่าทางของเขาประหลาดใจหวาดกลัวไม่เข้าใจว่าทำไมเขาถึงถูกยิงล้มเหมือนความรู้สึกผิดชอบชั่วดีเหมือนหนามยังคงอยู่ในความทรงจำของฉันและยังคงอยู่ต่อหน้าต่อตาฉันเป็นเวลานานราวกับว่าทั้งหมดนี้เพิ่งเกิดขึ้น สิ่งนี้ดำเนินต่อไปจนกระทั่งบทบาทของ Baklanov ใน "Eternal Glory" ปรากฏขึ้น ทันทีที่ผู้เขียนบทละครกล่าวถึงมันในละคร ฉันก็นึกภาพมันขึ้นมาในใจทันที เขาดูคล้ายกับเด็กคนเดิมที่ฉันยิงตกอย่างน่าประหลาดใจ ซึ่งคอยหลอกหลอนฉันทางจิตใจ การเปรียบเทียบเกิดขึ้นด้วยตัวเอง: ที่จริงแล้ว Baklanov ก็เป็นเพียงเด็กผู้ชายไม่ใช่ บรรดาผู้ที่รู้จักชีวิตโดยไม่ได้เตรียมตัวไว้โดยเฉพาะกับสิ่งที่ปรากฏต่อเขาที่อยู่ข้างหน้า บทบาทนี้กลายเป็นการชดใช้มโนธรรมสำหรับฉันต่อหน้าเหยื่อที่ไม่คาดคิดจากความเร่งรีบของฉัน
ต่อมาขณะวิเคราะห์ว่าเหตุบังเอิญนั้นเกิดขึ้นได้อย่างไร ข้าพเจ้านึกในใจว่าเด็กคนเดียวกันนี้เมื่ออยู่ในสภาวการณ์คล้าย ๆ กันจะประพฤติตนอย่างไร จะโตเป็นผู้ใหญ่อย่างไร จะค่อยๆ กลายเป็นอย่างที่เป็นเมื่อสิ้นโลก การแสดง กำลังจะตาย อาจารย์สอนการเมืองของฉัน Baklanov จากนั้นฉันก็รู้ว่าพวกเขาจะมีอะไรที่เหมือนกันมากมาย
นี่คือวิธีที่ความทรงจำบางครั้งเปลี่ยนไป: สิ่งที่คุณเคยประสบในความเป็นจริงปรากฏขึ้นมาในภายหลังขณะทำงานตามบทบาท ดังนั้นคุณจึงไม่รู้ล่วงหน้าว่าความทรงจำทางอารมณ์ของเราจะให้อะไรแก่เราในการทำงานของเรา สมาคมอะไรจะมาช่วยเหลือ พวกเขาจะนำไปสู่ภาพรวมทางศิลปะได้อย่างไร พวกเขาจะส่งผลให้ภาพถูกสร้างขึ้นอย่างไร
และตัวละครของเสือเสือโรลันด์ที่พบในเพลง "The Hussar Girl" ของ F. Koni ในภายหลังเป็นอย่างไร?.. และอีกครั้งเหตุการณ์จากชีวิตมีบทบาทชี้ขาดซึ่งจัดทำโดยความทรงจำ แท้จริงแล้ว: “ความทรงจำพัฒนาม้วนหนังสือยาวของมันอย่างเงียบๆ ต่อหน้าฉัน...” - เช่นเดียวกับในพุชกิน ความทรงจำพัฒนาม้วนหนังสือยาวเพื่อเผยให้เห็นเหตุการณ์บางอย่างในช่วงเวลาที่เหมาะสมอย่างฉับพลัน ซึ่งจะมีบทบาทที่ไม่คาดคิดสำหรับ คุณในการสร้างภาพบนเวที
สิ่งนี้เกิดขึ้นทางตอนเหนือ นอกเมืองเปโตรซาวอดสค์ ที่ซึ่งคนกลุ่มเล็กๆ ที่อยู่ใกล้ชิดกับฉันไปล่าสัตว์ ในหมู่พวกเรามีทหารคนหนึ่งที่ต้องการแนะนำให้เรารู้จักกับเพื่อนเก่าของเขาซึ่งเป็นอดีตนักบินทหาร ตอนที่เราพบกัน เขาไม่ได้บินอีกต่อไปแล้ว แต่เขามีความเป็นทหารที่น่าทึ่ง เขาถูกเหยียบย่ำ ห้าวหาญ ค่อนข้างหยาบคาย และใครๆ ก็สัมผัสได้ถึงนิสัยเหล็กของเขา เขามีบุคลิกที่สดใส เข้มแข็ง และน่าจดจำ เรื่องราวของเขาประกอบด้วยความกล้าหาญ ความชั่วร้าย ความประมาทเลินเล่อ และความกล้าหาญของรัสเซีย ด้วยแรงบันดาลใจและความตื่นเต้นที่เขาพูดถึง การรบทางอากาศเกี่ยวกับวิธีการที่คุณจะพุ่งชนศัตรู! มันถูกฝังอยู่ในความทรงจำของฉัน มันดูมั่นคง
จากนั้นไม่กี่ปีต่อมาเมื่อฉันเริ่มซ้อมบทบาทของเสือเสือที่ห้าวหาญ นักบินของฉันก็ปรากฏตัวต่อหน้าฉันในความเป็นจริงทั้งหมดของเขาและเกือบจะเข้าสู่โรแลนด์โดยสมบูรณ์ - ชายในยุคอื่น แต่มีอุปนิสัยใกล้เคียงกันอย่างน่าประหลาดใจ อารมณ์และความคิดริเริ่ม เรื่องราวของฮีโร่ของฉันเกี่ยวกับการหาประโยชน์ทางทหารมีโครงสร้างในลักษณะเดียวกับที่อดีตนักบินเล่าเกี่ยวกับการรบทางอากาศของเขา เสือของฉันก็ได้รับความกล้าหาญ ความชั่วร้าย และความกล้าหาญแบบเดียวกันจากเขา ท่าทางเดียวกันนี้แทบไม่เปลี่ยนแปลงเลยส่งต่อไปยังโรแลนด์ ซึ่งเป็นท่าทางการพูดและการแสดงแบบเดียวกัน ฉันไม่รู้ว่าจะต้องค้นหาตัวละครพระเอกของฉันมากแค่ไหน และจะหาเจอหรือไม่ เสือของฉันจะกลายเป็นแบบที่เขาแสดงออกมาในละครหรือเปล่า ถ้าฉันไม่ได้เจอคนฉลาดขนาดนี้ , สีสันน่าจดจำของทหารผ่านศึกบนเส้นทางชีวิตของฉัน? ส่วนใหญ่อาจจะไม่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามันจะแตกต่างออกไป มีแนวโน้มแสดงออกน้อยกว่าที่เกิดขึ้นจริง ฉันชอบบทบาทนี้และเล่นด้วยความยินดี เพราะมันขึ้นอยู่กับตัวละครจริงๆ เพราะนี่ไม่ใช่แผนภาพของบุคคลอีกต่อไป ไม่ใช่แบบจำลองของเขา แต่เป็นตัวของตัวเองที่ถูกพรากไปจากชีวิตที่ฉันเห็น รู้สึก และเป็น ระหว่างการแสดง
นี่ไงเจตจำนงแห่งโอกาส นี่ไง พระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัว ความจริงแห่งชีวิต หลอมละลายกลายเป็นความจริงแห่งศิลปะ
"เจ้าหญิงทูรานดอท"
ใช่ ช่วงการฝึกอบรม อนุปริญญา และการแสดงก่อนอนุปริญญาให้ประโยชน์มากมายในการเรียนรู้อาชีพในอนาคตและโรงเรียนที่ก่อตั้งโดย E. B. Vakhtangov แต่โรงเรียนหลักก็ยังนำหน้าอยู่ ฉันโชคดีอีกครั้ง ฉันเชี่ยวชาญมัน เรียนต่อกับอาจารย์ที่มีชื่อเสียง - นักเรียนและผู้ร่วมงานของ Vakhtangov และเรียนรู้ขณะทำงานแสดง และในแง่นี้ บทเรียนที่ยิ่งใหญ่ที่สุด มีประโยชน์ที่สุด และล้ำค่าที่ฉันได้เรียนรู้คือการทำงานเกี่ยวกับการฟื้นฟูละครชื่อดังของเราเรื่อง Princess Turandot โดย C. Gozzi จริงอยู่ที่มีบทบาทในการแสดงอื่นต่อหน้าเขา ในเวลาเดียวกันแต่ละบทบาทของนักแสดงมือใหม่เป็นบทบาทหลักและจำเป็นต้องมีความมุ่งมั่นอย่างเต็มที่ การอุทิศภายใน เนื่องจากไม่มีอะไรอื่นสามารถชดเชยความรู้และประสบการณ์ที่ขาดหายไปในโรงละครได้ แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าการซ้อมและการแสดงของ "เจ้าหญิงทูรันดอท" ทำให้ฉันได้รับประโยชน์สูงสุดในเรื่องนี้ ช่วงเวลาที่แสนหวานที่หายากและแสนหวานที่คุณจำได้ว่าเป็นของขวัญอันยิ่งใหญ่แห่งโชคชะตาและไม่ได้เกิดขึ้นบ่อยนักในชีวิตของนักแสดง
“ Princess Turandot” เป็นแบนเนอร์ของเรา เยาวชนของเรา เพลงของเรา คล้ายกับเพลงที่ฟังและยังคงฟังมาจนถึงทุกวันนี้ใน Moscow Art Theatre “ The Blue Bird” โดย M. Maeterlinck และนักแสดงทุกเจเนอเรชั่น(ในทั้งสองโรง)ก็ใฝ่ฝันอยากจะร้องเพลงนี้ หลังจากนั้นฉันก็ตระหนักได้ว่านับเป็นพรอย่างยิ่งที่ได้เป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มที่เตรียมการแสดงนี้ โชคดีที่ถึงเวลาที่จะกลับมาดำเนินการต่อ Ruben Nikolaevich Simonov เห็นฉันในหมู่คนที่เขาคิดว่าจำเป็นต้อง "ผ่าน" ผ่าน "Turandot"
ใช่ Kalaf ไม่ใช่บทบาทแรกของฉันในโรงละคร แต่เป็นบทบาทที่มีราคาแพงที่สุด จำเป็นที่สุด และไม่สามารถถูกแทนที่ได้สำหรับสิ่งใดในการเรียนรู้โรงเรียน Vakhtangov บทบาทนี้เองที่ทำให้ฉันเป็น Vakhtangovite อย่างแท้จริง การแสดงนี้ถือเป็นการทดสอบความสามารถเชิงสร้างสรรค์ของนักแสดงละครของเราอย่างแท้จริง ในเรื่องนี้นักแสดงรุ่นเยาว์ได้เรียนรู้อย่างจริงจังและลึกซึ้งเป็นครั้งแรกว่าบทเรียนของ Vakhtangov และโรงเรียนของเขาคืออะไร
จริงอยู่ที่โรงละครไม่สามารถตัดสินใจได้เป็นเวลานานในการฟื้นคืนชีพ "เจ้าหญิงทูรานดอต" ความรับผิดชอบของผู้ที่กล้าสัมผัสสิ่งที่เป็นตำนานสำหรับทุกคน สิ่งศักดิ์สิทธิ์นั้นสูงเกินไป และทัศนคติต่อความคิดที่น่าดึงดูดและน่ากลัวนี้แตกต่างออกไปในโรงละคร ไม่ใช่ทุกคนที่เชื่อในความสำเร็จของธุรกิจ พวกเขากลัวว่าจะเปรียบเทียบกับผลงานครั้งแรกนั้นอย่างแน่นอน และการเปรียบเทียบนี้จะไม่เป็นประโยชน์ต่อเรา แต่สิ่งล่อใจนั้นยิ่งใหญ่เกินกว่าที่จะพยายามฟื้นฟูสิ่งที่เล่าขานว่าเป็นตำนานเพื่อฟื้นฟูการสร้างสูงสุดของ Yevgeny Bagrationovich ในความเป็นจริงความชัดเจนไม่ใช่แค่จากหนังสือและความทรงจำของผู้เห็นเหตุการณ์ที่มีความสุขเกี่ยวกับปาฏิหาริย์ในวัยยี่สิบเท่านั้น
พวกเขากลัวว่านักแสดงจะไม่สามารถเล่นได้เช่นเดียวกับ Ts. L. Mansurova, Yu. A. Zavadsky, B. V. Shchukin, R. N. Simonov, B. E. Zakhava ทำในเวลาของพวกเขา ตาชั่งแกว่งไปมาเป็นเวลานานระหว่าง "ควร" และ "ไม่ควร" ในที่สุดพวกเขาก็ตัดสินใจว่ามัน "จำเป็น" ในที่สุด พวกเขาให้เหตุผลดังนี้: "เป็นไปได้อย่างไรที่โรงละคร Vakhtangov - และไม่มีการแสดงที่ดีที่สุด" นอกจากนี้ จุดสำคัญในการแก้ปัญหาเชิงบวกสำหรับปัญหานี้คือความกังวลในการให้ความรู้แก่นักแสดงรุ่นใหม่ในโรงเรียนนี้ ท้ายที่สุดแล้ว “Princess Turandot” เป็นการแสดงที่เลี้ยงดูนักแสดงรุ่นแรกๆ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2464 ถึง พ.ศ. 2483 นักแสดงละครเกือบทั้งหมดเข้าเรียนในโรงเรียนนี้ ทั้งหมดนี้จำเป็นสำหรับพวกเราที่ไม่เคยเห็นการแสดงนี้มาก่อน
การซ้อมเริ่มขึ้นในปี 2505 และรอบปฐมทัศน์ใช้เวลาเกือบหนึ่งปี
เราเริ่มต้นด้วยการศึกษาประสิทธิภาพของ Vakhtangov อย่างรอบคอบโดยสร้างมันขึ้นมาใหม่จากความทรงจำจาก วัสดุวรรณกรรม, ขึ้นอยู่กับภาพร่าง, ภาพวาดของศิลปิน, ภาพถ่าย เราพยายามก้าวไปทีละขั้นตลอดเส้นทางการสร้างสรรค์โดยผู้กำกับ พวกเขาเรียนรู้ที่จะออกเสียงข้อความได้ง่าย เคลื่อนไหวได้ง่าย ผสมผสานระหว่างความจริงจังและการประชดประชันในการแสดงนี้ และค้นพบความเป็นจริงและธรรมเนียมปฏิบัติในนั้น เมื่อเริ่มทำงานละครเราถามตัวเองทันทีว่า“ วันนี้ Vakhtangov จะดูละครเรื่องนี้อย่างไรและเชิญนักแสดงมาเล่นด้วย” แน่นอนว่าจะไม่มีการกล่าวซ้ำถึงสิ่งที่ถูกสร้างขึ้นเมื่อสี่สิบปีก่อนอีกต่อไป ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Evgeniy Bagrationovich เองในระหว่างการซ้อมละครได้ถามนักแสดงว่าพวกเขาเบื่อที่จะเล่นในภาพเดียวกันหรือไม่และพวกเขาสามารถเปลี่ยนแปลงอะไรในนั้นได้หรือไม่ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมเราถึงมองว่าการแสดงนั้นเป็นเพียงการแสดงแห่งความทรงจำ ซึ่งไม่มีอะไรเปลี่ยนแปลงได้ และไม่สามารถสัมผัสได้
ในทางปฏิบัติการแสดงละครไม่เคยมีและไม่สามารถแสดงซ้ำได้อย่างแน่นอน แม้แต่เรื่องใดก็ตาม แม้กระทั่งที่ผู้กำกับปรับอย่างระมัดระวังที่สุดในแง่ของจังหวะเวลาและฉากต่างๆ อย่างน้อยก็จะมีความแตกต่างกันเล็กน้อยในแต่ละครั้ง แต่ก็ยังแตกต่างกัน ยิ่งไปกว่านั้น “Princess Turandot” ซึ่งเป็นรูปแบบที่ไม่เพียงแต่อนุญาตเท่านั้น แต่ยังเตรียมการไว้ล่วงหน้าด้วย จัดเตรียมสิ่งใหม่ๆ ทุกครั้ง แม้กระทั่งบรรทัดใหม่และการแสดงซ้ำ ดังนั้น หากการแสดงอื่นๆ ดำเนินการโดยมีข้อความของบทละครที่สังเกตได้อย่างสม่ำเสมอ ข้อความนี้สามารถเปลี่ยนแปลงได้ขึ้นอยู่กับเกมที่หน้ากากกำลังเล่น หรือมากกว่านั้น ขึ้นอยู่กับเวลา สถานการณ์ สถานที่ดำเนินการ บอกพวกเขาถึงคำพูดของข้อความนี้หรือข้อความนั้น ดังนั้น ข้อความสลับฉากจึงถูกเขียนขึ้นเป็นพิเศษสำหรับการผลิตครั้งใหม่ มีการปรับเปลี่ยนการออกแบบการแสดง และแน่นอนว่า รวมถึงการแสดงตามบทบาทของพวกเขาด้วย เมื่อกลับมาแสดงต่อตามแนวคิดทั่วไป "จากการออกแบบเวทีทั่วไปที่พัฒนาโดย Vakhtangov ซึ่งเป็นฉากหลักที่ตอนนี้เป็นแบบคลาสสิกและโดยธรรมชาติแล้วคือการอนุรักษ์พล็อตเรื่องตามรูปแบบบัญญัติ มีการตัดสินใจว่าจะไม่คัดลอกการแสดงครั้งแรก การแสดงด้วยความพิถีพิถัน แต่เพื่อแนะนำพยัญชนะใหม่ภายใต้กรอบการตัดสินใจทั่วไป” ในการสร้างภาพ ตอนนี้พวกเขาไม่ได้ขึ้นอยู่กับ Mansurova แต่ขึ้นอยู่กับ Yulia Borisova ไม่ใช่บน Zavadsky ซึ่งรับบทเป็น Kalaf แต่อยู่ที่ Lanovoy สิ่งที่เป็นธรรมชาติและเป็นธรรมชาติสำหรับ Yuri Aleksandrovich Zavadsky และ Cecilia Lvovna Mansurova อาจเป็นมนุษย์ต่างดาวสำหรับเรา ดังนั้นแม้ว่าการแสดงของเราจะได้รับอะไรมากมายจากรุ่นก่อนและครูของเรา แต่เราก็ต้องนำบทบาทของเราเองมาสู่บทบาทของเรามากขึ้นซึ่งมีเพียงเราเท่านั้น มันก็เหมือนกันทุกประการกับนักแสดงคนอื่นๆ ที่มารับบทของเราในภายหลัง พวกเขาเองก็ใช้บางสิ่งจากสิ่งที่นักแสดงคนอื่นพบก่อนหน้าพวกเขา โดยไม่รบกวนรูปแบบทั่วไปของการแสดง มองหาเส้นทางของตัวเองไปสู่ภาพ สีสันของตัวเองในการสร้างมันขึ้นมา
อย่างที่พวกเขากล่าวว่า Yuri Alexandrovich Zavadsky เป็นเจ้าชายในบทบาทของ Calaf อย่างที่พวกเขาพูดตั้งแต่หัวจรดเท้า เจ้าชายโดยสายเลือด ช่างสง่างาม ค่อนข้างงดงาม ท่าทางของเขาช้าเล็กน้อย สง่างาม ท่าทางของเขาสวยงาม คำพูดของเขาประณีต ค่อนข้างโอ่อ่า นี่คือเจ้าชายที่ใส่ใจอย่างมากต่อรูปลักษณ์ของเขา คนอื่นมองเขาอย่างไร ยืนอย่างไร เคลื่อนไหวอย่างไร และพูดอย่างไร
จากข้อมูล อารมณ์ และอุปนิสัยของฉัน ฉันแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง นอกเหนือจากความแตกต่างในทักษะการแสดงแล้ว สิ่งสำคัญมากคือการแสดงต่อในเวลาอื่น - จังหวะชีวิตอื่นกำหนดจังหวะบนเวทีอื่น มุมมองของเราต่อฮีโร่ มุมมองสุนทรียภาพของเราเปลี่ยนไปในทางใดทางหนึ่ง - สิ่งนี้ก็ไม่สามารถทำได้เช่นกัน ถูกละเลย ทั้ง Ruben Nikolaevich Simonov และ Joseph Moiseevich Tolchanov เตือนฉันไม่ให้คัดลอกอดีต Kalaf โดยเตือนฉันอยู่ตลอดเวลาว่าฉันต้องไปจากตัวฉันเองและจากตัวฉันเองเท่านั้นแม้ว่าฉันจะมีตัวอย่างการแสดงที่ยอดเยี่ยมของ Kalaf ในฐานะ Zavadsky ต่อหน้าต่อตาก็ตาม และเมื่อข้าพเจ้าติดตามพระองค์ไปในทางใดทางหนึ่ง ข้าพเจ้าก็ได้ยินคำเตือนทันทีว่าวันนี้เราต้องรักให้กล้าหาญมากขึ้น มีพลังมากขึ้น เพื่อว่าในยุคของเรานั้นจะไม่รับรู้ถึงความประณีตของมารยาทอีกต่อไป
เมื่อทำงานกับ Kalaf Tolchanov ยืนกรานว่าฉันประพฤติตัวจริงจังบนเวทีและเรียกร้องให้ฉันได้สัมผัสกับช่วงเวลาที่น่าทึ่งโดยเฉพาะอย่างยิ่งของบทบาทนี้ซึ่งตรงข้ามกับหน้ากาก และพยายามที่จะปฏิบัติตามคำแนะนำของผู้กำกับอย่างเป็นเรื่องเป็นราว Kalaf ของฉันตกอยู่ในความสิ้นหวังจนน้ำตาไหลและผู้กำกับเรียกร้องให้แสดงละครของฮีโร่มากขึ้นเรื่อย ๆ และฉันก็ทุบตีตัวเองที่อกสะอื้นกับความรักที่ไม่มีความสุขของฉัน:
โหดร้ายคุณขอโทษ ว่าเขาไม่ตาย ใครรักคุณมาก. แต่ฉันอยากให้คุณพิชิตชีวิตฉันด้วย เขาอยู่แทบเท้าคุณแล้ว คาลาฟคนนั้น คนที่คุณรู้ว่าคุณเกลียด ผู้ทรงดูหมิ่นโลกและท้องฟ้า และเขาตายด้วยความโศกเศร้าต่อหน้าต่อตาคุณ
และฉันก็คิดกับตัวเองว่า:“ แต่นี่ไม่เป็นความจริง คุณจะออกเสียงข้อความนี้อย่างจริงจังได้อย่างไร” ในที่สุดเขาก็ทนไม่ไหวอีกต่อไปและถามว่า: “บางทีเราควรจะใช้ประชดที่นี่?” แต่ในการตอบฉันก็ได้ยินสิ่งเดียวกัน: “ไม่มีการประชด! ทุกอย่างอยู่ในความจริงจังทั้งหมด ยิ่งร้ายแรงยิ่งดี”
ถัดจากการเล่นหน้ากาก คุณยอมจำนนต่ออารมณ์ของพวกเขาโดยไม่ได้ตั้งใจ คุณเริ่มถูกพาตัวออกไปและดื่มด่ำกับอารมณ์ขัน แต่ที่นี่อีกครั้งที่มีสิ่งเตือนใจแบบเดียวกันทั้งหมดตอนนี้ถึง Cecilia Lvovna: "จริงจังมากขึ้น จริงจังมากขึ้น... อารมณ์ขันคือ สิทธิพิเศษของหน้ากาก และเหล่าฮีโร่ก็เป็นผู้นำปาร์ตี้ของพวกเขาอย่างจริงจัง” และฉันยังคงอุทธรณ์ต่อ Turandot ผู้ไร้หัวใจด้วยความหลงใหลและความจริงจังมากยิ่งขึ้น
และแท้จริงแล้ว “ความจริงจังอย่างท่วมท้น” กลายเป็นเรื่องตลก นี่คือสิ่งที่ R. N. Simonov ต้องการจากฉัน และฉันก็มั่นใจในสิ่งนี้ด้วยตาของตัวเองในการแสดงครั้งแรกต่อหน้าผู้ชม ยิ่งน้ำตาไหลอาบหน้าฉันอย่างขมขื่น ยิ่งสะอื้นแรงขึ้น ปฏิกิริยาของผู้ชมก็ยิ่งมีชีวิตชีวามากขึ้นเท่านั้น เสียงหัวเราะก็ระเบิดออกมามากขึ้นตามไปด้วย วิธีการพูดเป็นสิ่งที่ตรงกันข้าม นี่คือเทคนิคที่แน่นอนของ Vakhtangov ในการแสดงนี้
ในฉากที่คาลาฟหยิบการ์ดของเจ้าหญิงขึ้นมา เขามองดูภาพลักษณ์ของเธอด้วยความยินดี ความอ่อนโยน ความรัก และกล่าวข้อความอย่างจริงจังว่า
ไม่สามารถเป็นได้ เพื่อให้ใบหน้าสวรรค์อันมหัศจรรย์นี้ แววตาอ่อนโยนและท่าทางอ่อนโยน พวกมันคงเป็นของสัตว์ประหลาด ไร้หัวใจ ไร้วิญญาณ... ใบหน้าสวรรค์เรียกริมฝีปาก ดวงตาราวกับเทพธิดาแห่งความรักนั่นเอง...
แต่หลังจากที่ฉันพูดทั้งหมดนี้ ฉันกางภาพเจ้าหญิงเข้าไปในห้องโถง และผู้ชมกลับเห็น "ใบหน้าแห่งสวรรค์" "การจ้องมองที่เปล่งประกายและอ่อนโยน" ของเจ้าหญิง แทนที่จะเป็นภาพวาดไร้สาระบางอย่างเหมือนเด็กที่ เพิ่งจะเริ่มวาดภาพพ่อและแม่ เมื่อดูภาพวาดดังกล่าวแล้วฉันก็พูดคำพูดที่อ่อนโยนและกระตือรือร้นเพื่อรับรู้ถึงความรู้สึกของฉันที่มีต่อเจ้าหญิง นี่คือพื้นฐานของการแสดง - ความจริงจังโดยสมบูรณ์ของ Calaf ในการสารภาพต่อภาพเหมือนของ Turandot ที่ไร้สาระ การผสมผสานระหว่างความจริงจังและการประชด ประสบการณ์จริงและแบบแผนนี้ทำให้เกิดอารมณ์ที่จำเป็นต่อการแสดง และเผยให้เห็นเทคนิคที่แน่นอนที่ใช้ในการสร้างการแสดง
เขาใช้เทคนิคแบบเดียวกันทุกประการในฉากกลางคืนกับอเดลมา เมื่อคาลาฟรู้ว่าเจ้าหญิงทรยศเขา ขณะนี้เขามีรองเท้าอยู่ในมือซึ่งเขาไม่มีเวลาใส่ และด้วยความสิ้นหวัง Kalaf ก็ทุบตีตัวเองที่หน้าอกด้วยรองเท้าคู่นี้ด้วยน้ำเสียงที่น่าเศร้าเขาพูดว่า:
ขออภัย โอ้ชีวิต! เป็นไปไม่ได้ที่จะต่อสู้กับโชคชะตาที่ไม่มีวันสิ้นสุด การจ้องมองของคุณผู้โหดร้ายจะดื่มในเลือดของฉัน ชีวิตจงบินหนีไป หนีความตายไม่พ้น...
เทคนิคเดียวกันอีกครั้ง ความจริงจังที่สมบูรณ์ โศกนาฏกรรมในน้ำเสียงของเขา และท่าทางที่ไร้สาระ: คาลาฟชกตัวเองที่หน้าอกด้วยรองเท้าของเขา ยิ่งกว่านั้นยิ่งฉันทำสิ่งนี้อย่างจริงจังก็ยิ่งเปิดเผยเทคนิคได้ชัดเจนยิ่งขึ้น ไม่ใช่ฉัน ไม่ใช่ทัศนคติของฉันต่อเหตุการณ์ที่แสดงบนเวทีซึ่งขจัดความจริงจังและทำให้การแสดงเสียดสี แต่เป็นภาพวาดบนกระดาษแผ่นหนึ่งที่ผู้ชมเห็นหลังจากฉันสารภาพ รองเท้าที่ฉันทุบตี ตัวเองอยู่ในอก บทละครของเรา - Calaf, Turandot, Adelma - ต้องสร้างขึ้นจากความรู้สึกจริงใจและน้ำตาไหลจริงๆ
ครั้งหนึ่งระหว่างการแสดงครั้งหนึ่ง มีเหตุการณ์เกิดขึ้นซึ่งในที่สุดก็ทำให้ฉันมั่นใจว่าเทคนิคนี้แม่นยำแค่ไหน ทำงานได้อย่างไร้ที่ติแม้ในสถานการณ์ที่ไม่คาดฝันซึ่งผู้สร้างการแสดงไม่ได้คาดการณ์ล่วงหน้า
มันเกิดขึ้นว่าในการแสดงครั้งหนึ่งนักแสดงที่วาดภาพเหมือนของเจ้าหญิงไม่มีภาพเหมือนนี้ ฉันเห็นว่าเขาเอามือซุกไว้ใต้เสื้อกั๊กเพื่อเอามันออก และวิธีที่เขาขาวโพลนไปหมด มีการหยุดชั่วคราวเล็กน้อย แต่โชคดีที่ในไม่ช้าเขาก็ถูกพบและทำให้มันดูราวกับว่าเขามีภาพวาด เกมที่มีวัตถุที่ควรจะเป็นเริ่มต้นขึ้น ดูเหมือนเขาจะเอามันออกมาวางลงบนพื้น ฉันไม่มีทางเลือกอื่นนอกจากต้องยอมรับเงื่อนไขการเล่นเกมของเขา ฉันแสร้งทำเป็นเห็นภาพนั้น หยิบมันขึ้นมาแล้วมองดู (ด้วยฝ่ามือของฉันเอง) ก็พูดคำประหลาดใจที่คุ้นเคยอยู่แล้วต่อความงามของ Turandot จากนั้นฉันก็หันฝ่ามือไปทางผู้ชม แสดงให้ผู้ชมเห็น และทำให้ฉันประหลาดใจที่ผู้ชมมีปฏิกิริยาในลักษณะเดียวกับที่ฉันมีภาพวาดบนฝ่ามือ กรณีนี้แสดงให้เห็นในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ว่าผู้ชมจะรับรู้ข้อตกลงใดๆ ได้อย่างถูกต้องหากโรงละครระบุการต้อนรับอย่างชัดเจน หากเงื่อนไขของเกมชัดเจนสำหรับเขา แม้หลังจากเหตุการณ์นี้ เราก็มีความคิดที่จะเล่นการแสดงครั้งต่อไปในลักษณะนี้ “ด้วยฝ่ามือ” ไม่ใช่ด้วยภาพเหมือน แต่พวกเขายังคงตัดสินใจที่จะไม่ละทิ้งภาพนั้นผู้ชมจะรับรู้ได้ชัดเจนและชัดเจนยิ่งขึ้น
ควบคู่ไปกับงานของฉันใน Calaf Yulia Borisova ได้สร้างภาพลักษณ์ของ Princess Turandot ของเธอเอง Cecilia Lvovna นักแสดงคนแรกของบทบาทนี้ ไม่เพียงแต่บอกเราเกี่ยวกับการแสดงนั้นเท่านั้น แต่ยังแสดงบางช่วงเวลาด้วย ด้วยการแสดง ความสว่าง และอารมณ์ในการแสดงของเธอ เธอได้ให้แนวคิดที่ชัดเจนที่สุดว่าจะแสดงตนอย่างไรในการแสดงนี้ แต่ในขณะเดียวกันเธอไม่เพียงแต่ยืนกรานที่จะทำซ้ำสิ่งที่เธอทำและอย่างไรเท่านั้น แต่ยังต้องการแนวทางที่เป็นอิสระในบทบาทนี้และมีความสุขมากกับการค้นพบนักแสดงทุกครั้งซึ่งเป็นวิธีแก้ปัญหาที่ไม่คาดคิดสำหรับฉากนี้หรือฉากนั้น
ข้อเท็จจริงของการเลือก Mansurova ของ Vakhtangov สำหรับบทบาทของ Turandot นั้นเป็นเรื่องที่น่าสงสัยในตัวเอง Evgeniy Bagrationovich อธิบายการเลือกของเขาเองโดยบอกว่าในขณะที่เขารู้และสามารถพูดล่วงหน้าได้ว่านักแสดงหญิงคนอื่นจะเล่นบทบาทนี้อย่างไรเขาพูดถึง Mansurova ว่าเขาไม่รู้ว่าเธอจะเปิดใจในบทบาทนี้อย่างไรและเขาก็สนใจในสิ่งนั้น การแสดงซึ่งสร้างขึ้นจากการแสดงด้นสดเป็นหลัก จำเป็นต้องมีองค์ประกอบที่ทำให้เกิดความประหลาดใจในการแสดงของนักแสดง
ความประหลาดใจของทุกก้าวใหม่ - นี่คือสิ่งที่ Cecilia Lvovna คาดหวังจากเราซึ่งเป็นนักแสดงหน้าใหม่ใน "Princess Turandot"
ตัวอย่างหนึ่งที่แสดงให้เห็นว่าด้วยความพยายามของนักแสดง แบบฝึกหัดพิเศษ และการทำซ้ำซ้ำๆ ไม่เพียงแต่การแสดงบทบาทที่สมบูรณ์แบบเท่านั้น แต่ในขณะเดียวกันก็เปลี่ยนข้อบกพร่องทางกายภาพให้เป็นข้อได้เปรียบ... Cecilia Lvovna รู้ว่าเธอมี มือที่น่าเกลียดโดยธรรมชาติ - นิ้วที่สั้นไม่ยืดหยุ่นและไม่เป็นพลาสติกรู้สึกเขินอายกับสิ่งนี้และกังวลอย่างมากเกี่ยวกับการขาดการแสดงของเธอ ในระหว่างการซ้อม ฉันไม่รู้ว่าจะวางมือไว้ที่ไหน และด้วยเหตุนี้จึงให้ความสนใจกับพวกเขามากขึ้น Vakhtangov เห็นสิ่งนี้และต่อหน้าทุกคนโดยไม่ละเว้นความภาคภูมิใจของเธอจึงทุบตีเธอด้วยมืออย่างไร้ความปราณีซึ่งทำให้เธอร้องไห้ต่อไป และเขาทำสิ่งนี้โดยตั้งใจเพื่อบังคับให้เธอเล่นยิมนาสติกแขน และเขาก็บรรลุเป้าหมาย อนาคต Turandot ออกกำลังกายพิเศษสำหรับแขนของเธอทุกวันเป็นเวลานานจนถึงขั้นเจ็บปวดทางร่างกายจนถึงขั้นทรมานตัวเอง และหลังจากที่เธอรับบทนี้ เธอก็พูดอย่างภาคภูมิใจว่าสำหรับเธอแล้ว คำวิจารณ์ที่น่าพอใจที่สุดจากผู้ชมและเพื่อนร่วมงานบนเวทีคือคำวิจารณ์ที่แสดงความชื่นชมต่อมือของเธอ ความปั้น และความงามของเธอ ในกรณีเหล่านี้ เธอนึกถึง Vakhtangov ด้วยความซาบซึ้งใจ ซึ่งบังคับให้เธอนำสิ่งที่ไม่สมบูรณ์ตามธรรมชาติในตัวเธอไปสู่ความสมบูรณ์แบบ สู่ความมีคุณธรรม
“ Princess Turandot” เป็นความร่วมมือครั้งแรกของเรากับ Yulia Konstantinovna Borisova การได้ซ้อมกับเธอแล้วแสดงเป็นความสุขที่ยิ่งใหญ่ทั้งในฐานะนักแสดงและในฐานะบุคคล ฉันเห็นว่าเธอทำงานอย่างไรกับบทบาทของเธอ เธอกังวลแค่ไหน และมีเหตุผล - การปรากฏตัวในบทบาทของ Turandot หลังจาก Cecilia Lvovna Mansurova ตำนานในบทบาทนี้ไม่ใช่เรื่องง่ายเลย มีความรับผิดชอบและมีความเสี่ยงอย่างไม่น่าเชื่อ .
การสื่อสารกับ Yulia Konstantinovna ให้อะไรกับฉันมากมายไม่มากบางทีในการเรียนรู้เทคนิคของงานฝีมือเทคโนโลยีแห่งความคิดสร้างสรรค์ แต่ในทัศนคติต่อโรงละครต่อพันธมิตรบนเวทีในจริยธรรมของนักแสดงใน การอุทิศภายใน การรับใช้โรงละครอย่างไม่เห็นแก่ตัว ความทุ่มเทต่ออารมณ์ ความคิดสร้างสรรค์ที่คงที่ ความพร้อมที่จะมีส่วนร่วมในงานทุกขณะและดำเนินต่อไปจนถึงเหงื่อที่เจ็ดจนหมดแรง และนี่คือระดับสูงสุดของความเป็นมืออาชีพ เธอดูแลความสัมพันธ์ของเธอกับคู่รักอย่างไร เธอกระตือรือร้นแค่ไหน พร้อมแค่ไหนที่เธออยู่บนเวทีสำหรับการแสดงด้นสด เธอสัมผัสได้ถึงสถานะปัจจุบันของคู่ของเธอได้อย่างแม่นยำเพียงใด!..
เพื่อความชัดเจนผมจะยกตัวอย่างจากการทำงานร่วมกันเพียงสองตัวอย่างเท่านั้น
ในระหว่างการซ้อมครั้งหนึ่ง ฉันกับเธอทะเลาะกันเรื่องการก่อสร้างมิซซองซีน สำหรับฉันดูเหมือนว่าฉากฉากไม่ประสบความสำเร็จ ฉันรู้สึกอึดอัดกับมัน และจำเป็นต้องเปลี่ยนบางอย่างในนั้น จูเลียไม่เห็นด้วยกับฉัน แต่ฉันพร้อมที่จะปกป้องจุดยืนของฉัน ทุกอย่างกำลังไปสู่จุดที่การโต้เถียงของเรากำลังบานปลาย แต่... ฉันเห็นว่าจู่ๆ เธอก็เริ่มระมัดระวัง ทำการ "หยุด" และยอมผ่อนปรนอย่างอ่อนโยน แล้วผู้กำกับก็มา ปัญหาต่างๆ ก็หายไปเอง แต่เรามีข้อโต้แย้งนั้นและเธอยอมผ่อนปรนได้ง่ายและรวดเร็วเพียงใด ทั้งหมดนี้ทำให้ฉันประหลาดใจและงุนงง อย่างที่คิด ดาราหนุ่มไม่เห็นด้วยกับอะไรบางอย่าง! แต่หลายปีต่อมา เมื่อฉันเตือน Yulia Konstantinovna ถึงเหตุการณ์เมื่อนานมาแล้วระหว่างการซ้อม "Turandot" เธอบอกฉันว่า: "Vasya มันสำคัญกว่าสำหรับฉันที่จะรักษาความสัมพันธ์กับคู่ของฉันมากกว่าที่จะยืนกรานในตัวฉัน เป็นเจ้าของ." สำหรับเธอนี่คือสิ่งสำคัญ - เพื่อรักษาความสัมพันธ์ที่ดีกับคู่ครองของเธอไม่ขัดขวางกระบวนการสร้างสรรค์เพื่อป้องกันความคับข้องใจส่วนตัวความเกลียดชังและความขัดแย้งที่รบกวนความคิดสร้างสรรค์ในงานของเธอ และไม่มีสักครั้งในชีวิตของเธอ อย่างน้อยฉันก็จำไม่ได้ ที่เธอยอมให้ตัวเองไม่เคารพหรือไม่มีไหวพริบต่อใครเลยแม้แต่น้อย ตลอดหลายปีที่ผ่านมา ตราบใดที่เราเล่นกับเธอ และมีสถานการณ์ที่ค่อนข้างยากลำบาก ช่วงเวลาเฉียบพลันในการทำงานของเรา เราก็ไม่เคยมี (และต้องขอบคุณเธอ) ภาวะแทรกซ้อนที่อย่างน้อยก็อาจทำให้ ส่งผลต่อประสิทธิภาพการทำงานบางส่วน เป็นไปไม่ได้ที่จะทำอย่างอื่นในธุรกิจของเรา การเล่นกับคู่หูที่คุณไม่ชอบเป็นเรื่องยากมาก
จากประสบการณ์ส่วนตัว ฉันสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าในโรงละคร (และในความคิดสร้างสรรค์และในชีวิตโดยทั่วไป) เราต้องหลีกเลี่ยง ขจัดความขัดแย้ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับนักแสดงที่เขาแสดงด้วย สิ่งนี้จะส่งผลต่องานของคุณในภายหลังอย่างแน่นอน ฉันมาถึงข้อสรุปนี้ในภายหลังและอีกครั้งโดยไม่ได้รับความช่วยเหลือจาก Yulia Borisova ใช่ ละครคือความคิดสร้างสรรค์ร่วมกัน และความสำเร็จหรือความล้มเหลวของคุณขึ้นอยู่กับว่าคู่ของคุณใช้ชีวิตอยู่บนเวทีกับคุณอย่างไรในบทบาทใดบทบาทหนึ่ง นั่นเป็นสาเหตุที่ฉันไม่เข้าใจนักแสดงที่ไม่ปกป้องความสัมพันธ์ของพวกเขากับเพื่อนร่วมแสดงบนเวที การทำสิ่งที่ไม่ดีกับใครก็ตาม (ซึ่งเป็นเรื่องจริงในชีวิต แต่โดยเฉพาะบนเวที) หมายถึงการทำสิ่งที่ไม่ดีกับตัวเองก่อนอื่น ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักแสดงที่ยอดเยี่ยมนอกเหนือจากการพยายามรักษาความสัมพันธ์กับเพื่อนร่วมเวทีในระหว่างการซ้อมแล้ว ความสนใจอย่างมากไม่เพียงแต่ให้ความสนใจกับบทบาทของพวกเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบทบาทของคู่รักด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากคู่หูเป็นนักแสดงหนุ่ม โดยตระหนักว่าหากไม่มีคู่หู คุณจะยังคงไม่สามารถเล่นได้ และถ้าเขาเล่นได้ไม่ดี คุณก็ชนะ ไม่มี ความสำเร็จที่ดี- นี่คือวิธีที่ทุกอย่างเชื่อมโยงกัน
และอีกหนึ่งตัวอย่างเพื่อยืนยันสิ่งที่พูดซึ่งกลายเป็นอีกบทเรียนหนึ่งที่ Yulia Konstantinovna สอนให้ฉันในเรื่อง "Princess Turandot" คนเดียวกันเพียงหลายปีต่อมา
เรามีประเพณีเช่นนี้ในโรงละคร - เพื่อเปิดและปิดฤดูกาลด้วย "Princess Turandot" ไม่ว่าในกรณีใดนี่เป็นกรณีนี้มาหลายปีติดต่อกัน ฤดูกาลกำลังจะสิ้นสุดลง เหลือเวลาอีกวันหนึ่งก่อนที่มันจะปิด และมีสิ่งผิดปกติเกิดขึ้นที่คอของฉัน - เสียงของฉันหายไปมากจนฉันไม่สามารถออกเสียงคำศัพท์ได้ตามปกติ ฉันพยายามรับการรักษา แต่ทุกอย่างไม่ประสบผลสำเร็จ นักแสดงคนที่สอง Kalaf V. Zozulin กำลังเดินทางไปต่างประเทศในเวลานั้น มันเป็นไปไม่ได้ที่จะกำหนดตารางการแสดงใหม่ มันเป็นไปไม่ได้ที่จะแทนที่มัน และไม่มีอะไรให้ทำนอกจากเล่น ไม่ว่าจะยังไงก็ตาม
ฉันไปดูการแสดงราวกับว่าฉันกำลังจะไปเชือดไม่รู้ว่าทุกอย่างจะจบลงอย่างไร แต่ก็ชัดเจนว่าฉันไม่สามารถคาดหวังอะไรที่ดีได้ การแสดงจึงเริ่มต้นขึ้น... ในนั้น ฉันมั่นใจอีกครั้งว่า Borisova คืออะไร ความเป็นมืออาชีพที่แท้จริงบนเวทีคืออะไร (และไม่เป็นมืออาชีพด้วย) ฉันเห็นยูเลียได้ยินว่าคู่ของเธอไม่มีเสียง จึงเปล่งเสียงทันที เปลี่ยนเป็นกระซิบ ฉันเห็นเธอเริ่มแยกฉันออกมา หันฉันเข้าหาผู้ฟัง และเปลี่ยนฉาก ไป ตัวเธอเองยืนหันหลังให้ผู้ฟัง เพียงเพื่อจะหันข้าพเจ้าไปเผชิญหน้าพวกเขาเพื่อให้พวกเขาได้ยินข้าพเจ้า เธอทำทุกอย่างเพื่อช่วยฉัน โดยไม่ใส่ใจตัวเองในกรณีนี้ เพียงเพื่อช่วยและช่วยเหลือคู่ของเธอ
แต่ตรงนั้นในการแสดงครั้งเดียวกันนั้นผมเห็นนักแสดงคนอื่นที่ไม่สังเกตเห็นอะไรหรือไม่อยากสังเกตเห็นความหมดหนทางของตัวเองแต่ก็ยังคงแสดงบนเวทีแสดงเต็มกำลังเสียงของพวกเขาและพวกเขาก็ไม่ใช่นักแสดงที่ไม่ดี แต่กลับไม่รู้สึกถึงความเป็นหุ้นส่วน
ตัวอย่างนี้ทำให้ฉันประหลาดใจและกลายเป็นบทเรียนที่ดีสำหรับอนาคต จากนั้นต่อมาเมื่อมีสิ่งที่คล้ายกันเกิดขึ้นกับนักแสดงคนอื่น ๆ ฉันจำบทเรียนที่ Yulia Konstantinovna สอนให้ฉันได้ก็พยายามอย่างสุดความสามารถเพื่อช่วยพวกเขา ฉันเรียนรู้สิ่งนี้จากเธอ ฉันเป็นหนี้เธอ โดยทั่วไปแล้วการเป็นคู่หูของเธอถือเป็นความสุขอย่างยิ่งสำหรับนักแสดงทุกคน ไม่ว่าจะเกิดอะไรขึ้นที่บ้าน ไม่ว่าจะมีปัญหาอะไรก็ตาม ทันทีที่เธอเข้าไปในโรงละคร เธอก็ออกจากสถานะเดิมที่ธรณีประตู และพร้อมเสมอ และมีรูปร่างสมส่วนอยู่เสมอ นอกเหนือจากความสามารถแล้ว ความสามารถในการวิเคราะห์บทบาทอย่างลึกซึ้ง การแสดงบนเวทีอย่างจริงใจ ถือเป็นความเป็นมืออาชีพอย่างแท้จริง นี่คือการแสดงที่แท้จริงและภูมิปัญญาของมนุษย์
เมื่อย้อนกลับไปสู่วันที่ห่างไกลของการซ้อม "Turandot" ฉันอยากจะบอกว่าพวกเขายากแค่ไหน แต่ยังรวมถึงช่วงเวลาที่สดใสในชีวิตของโรงละครด้วย - รื่นเริงสนุกสนานและเห็นพ้องต้องกันในชีวิต แต่นี่เป็นเพียงงานเพื่อให้กลับมาแสดงต่อได้ จากที่นี่คุณสามารถจินตนาการได้ว่าบรรยากาศแบบไหนที่ครอบงำในระหว่างการผลิต "Turandot" โดย Vakhtangov ตั้งแต่แรกเกิด! Evgeniy Bagrationovich เองเมื่อเริ่มทำงานละครบอกกับนักแสดงว่า:“ เราจะแสดงให้ผู้ชมเห็นถึงความเฉลียวฉลาดของเรา ให้งานศิลปะที่ได้รับแรงบันดาลใจของเราดึงดูดผู้ชมและให้เขาได้สัมผัสประสบการณ์ยามเย็นร่วมกับเรา ปล่อยให้ความสนุกสนานที่ผ่อนคลาย ความเยาว์วัย เสียงหัวเราะ และด้นสดพลุ่งพล่านเข้ามาในโรงละคร”
เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าคำพูดเหล่านี้พูดโดยคนป่วยหนักซึ่งเหลือเวลาอีกไม่นานด้วยโชคชะตา อาจเป็นไปได้ว่าเมื่อคาดหวังสิ่งนี้เขาจึงรีบสร้างเพลงสวดเพื่อชีวิตความสุขและความสุข เขาต้องการใส่ทุกสิ่งที่สดใส ใจดี และยืนยันชีวิตในการแสดงครั้งสุดท้ายของเขา “ ในเทพนิยายของเราเราจะแสดงให้เห็นถึงความผันผวนของการต่อสู้ของผู้คนเพื่อชัยชนะแห่งความดีเหนือความชั่วเพื่ออนาคตของพวกเขา” Evgeniy Bagrationovich กระตุ้นนักแสดงโดยหมกมุ่นอยู่กับความคิดเกี่ยวกับอนาคต
เราพยายามที่จะนำทั้งหมดนี้ - ความรู้สึกสนุกสนานของชีวิต ความเยาว์วัย ความศรัทธาในชัยชนะของความดีเหนือความชั่ว - มาสู่การแสดงของเรา เพื่อสร้างบรรยากาศของการเฉลิมฉลอง ความผ่อนคลาย และความสุขที่สดใส
ในระหว่างการแสดงมีบรรยากาศแห่งความยินดีและความปรารถนาดีโดยทั่วไป ทุกคนรู้สึกอิ่มเอมใจเป็นพิเศษ ความสามัคคีในการทำงาน ความตระหนักรู้อย่างสูงถึงความรับผิดชอบที่ตกอยู่กับเรา ความรับผิดชอบในการสืบสานประเพณีอันดีของโรงละคร นอกจากนี้ยังเป็นความสุขที่ได้สัมผัสชั่วโมงอันสดใสของโรงละคร Vakhtangov ความชื่นชมของเราต่อผู้ก่อตั้งและนักแสดงกลุ่มแรกในการแสดงนี้
การทำงานกับ "Turandot" เป็นช่วงเวลาของโรงละครในสตูดิโอที่แท้จริงซึ่งเป็นวัยเยาว์ เราซ้อมด้วยความทุ่มเทอย่างยิ่ง โดยไม่คำนึงถึงงานยุ่งส่วนตัว โดยไม่ถูกรบกวนจากสิ่งอื่นใด นักแสดงเข้าหาผู้กำกับและขอให้พวกเขาทำงานร่วมกับพวกเขาให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้ามีอะไรไม่ได้ผล ในงานนี้ทุกคนพยายามช่วยเหลือซึ่งกันและกันทุกอย่างจางหายไปในเบื้องหลัง เมื่อนักแสดงไปซ้อมหรือแสดง ทุกสิ่งที่ไม่พึงประสงค์ในชีวิตก็หายไปจากที่ไหนสักแห่งและมีเพียงความบริสุทธิ์ ใจดี และสดใสที่มีอยู่ในตัวผู้คนเท่านั้นที่ยังคงอยู่ นี่คือปาฏิหาริย์ที่ "Turandot" ได้ผลสำหรับเราซึ่งเป็นผู้เข้าร่วมการแสดง เธอเปิดเผยมากมายในตัวนักแสดงทั้งในระดับมนุษย์ล้วนๆ และในรูปแบบใหม่ โดยเปิดเผยพวกเขาอย่างมืออาชีพ
ผู้ทรงคุณวุฒิบนเวทีให้ความสนใจเป็นพิเศษกับพวกเรานักแสดงรุ่นเยาว์ พวกเขาไม่เสียเวลาและความพยายามอธิบายอย่างอดทนบอกและแสดงให้เห็นว่ามันเป็นอย่างไรใน Vakhtangov "Turandot" และวิธีที่สามารถทำได้ในปัจจุบัน ความสามัคคีและความเข้าใจที่น่าทึ่งเกิดขึ้นในโรงละครในสมัยนั้น นี่คือความต่อเนื่องในการดำเนินการ ในกรณีที่เป็นรูปธรรม เป็นตัวอย่างที่ค่อนข้างเป็นรูปธรรมเช่นกัน
โดยธรรมชาติแล้วทั้งหมดนี้ไม่สามารถส่งผลกระทบต่อผลงานและประสิทธิภาพได้ รูปแบบของมันบ่งบอกถึงการนำสิ่งใหม่ๆ เข้ามาสู่การแสดง การแสดงด้นสด และแฟนตาซีอย่างต่อเนื่อง และช่างเป็นความสุขสำหรับนักแสดงจริงๆ เมื่อเขานำบางสิ่งที่เป็นของตัวเองมาใส่ในระหว่างการซ้อมหรือการแสดงระหว่างเดินทาง ซึ่งบางครั้งก็ไม่คาดคิดไม่เพียงแต่สำหรับผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคู่ของเขาด้วย
และอยู่ที่การแสดงนี้และมากกว่าหนึ่งครั้ง ฉันเห็นได้อย่างง่ายดายความชั่วร้ายการประดิษฐ์และความฉลาดของหน้ากาก (Pantalone - Yakovlev, Tartaglia - Gritsenko, Brigella - Ulyanov) แสดงการแสดงทั้งหมดในระหว่างการแสดงโดยมีความสุขในองค์ประกอบของพวกเขาอย่างแท้จริง มีฉากต่างๆ ในละครที่ Kalaf พบว่าตัวเองสวมบทบาทเป็นผู้ชมและเฝ้าดูหน้ากาก การแข่งขันของพวกเขาในด้านสติปัญญา ความมีไหวพริบ และการเล่น และฉันได้เห็นช่วงเวลาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงการแสดงด้นสดระดับเฟิร์สคลาสของศิลปินที่ยอดเยี่ยมและหุ้นส่วนบนเวทีมากกว่าหนึ่งครั้งเช่น Nikolai Gritsenko, Mikhail Ulyanov, Yuri Yakovlev เมื่อรู้ว่ามีบางสิ่งที่ไม่ได้วางแผนไว้และไม่ได้คาดการณ์ไว้ล่วงหน้าสามารถเกิดขึ้นได้ในการแสดง พวกเขาจึงรอช่วงเวลานี้ และปรับตัวให้เข้ากับคลื่นแห่งด้นสดนี้ และทันทีที่พวกเขาสังเกตเห็นสิ่งใหม่ๆ ในการแสดงของใครบางคน - ในการแสดงออกทางสีหน้า ท่าทาง น้ำเสียง บรรทัดใหม่ - ดังนั้นพวกเขาจึงตอบสนองต่อสิ่งนี้ทันทีหยิบองค์ประกอบของด้นสดขึ้นมาแล้วมันก็ยากที่จะหยุดพวกเขา ใช่ ไม่จำเป็นสำหรับสิ่งนี้ ในทางตรงกันข้าม ช่วงเวลาเหล่านี้เป็นช่วงเวลาแห่งจินตนาการและแรงบันดาลใจอย่างแท้จริงสำหรับศิลปิน และในบรรดาศิลปินที่เกี่ยวข้องกับการแสดง ไม่มีใครคาดเดาล่วงหน้าได้ว่าวันนี้พวกเขาจะมอบหน้ากากให้กันและกัน ดังนั้น ทุกครั้งที่พวกเขารอการแสดงด้นสดด้วยความสนใจ
นี่เป็นช่วงเวลาที่น่าอัศจรรย์ เมื่อ Gritsenko, Ulyanov, Yakovlev ฉันจะเพิ่ม A.G. Kuznetsov นักแสดงคนที่สองในบทบาทของ Pantalone แข่งขันกันว่าใครจะเหนือกว่าใครใครจะโพล่งออกมาอย่างมีไหวพริบมากขึ้น: การค้นพบมากมายหลั่งไหลเข้ามาข้อเสนอใหม่ ๆ มากขึ้นเรื่อย ๆ สำหรับพันธมิตร ว่ามันได้กลายเป็นการแสดงระดับไมโครที่น่าทึ่งอย่างน่าทึ่งภายในกรอบของการแสดงทั้งหมด และนี่ไม่ใช่แค่การแข่งขันของนักแสดง แต่เป็นการแข่งขันสวมหน้ากากในละครด้วย ในเกมหน้ากากที่แปลกประหลาดนี้พวกเขาพยายามที่จะมีอิทธิพลต่อการพัฒนาของเหตุการณ์ในนั้นช่วยฮีโร่ในชะตากรรมของพวกเขาด้วยวิธีใดวิธีหนึ่งโดยมาพร้อมกับบางสิ่งบางอย่างของพวกเขาเองในระหว่างการเดินทางถามปริศนาซึ่งกันและกันหันไปหาผู้ชมด้วยคำถาม ข้อสังเกตที่เกี่ยวข้องกับวิธีดังกล่าวและเข้าสู่ขั้นตอนการดำเนินการ
แต่ฉันยังมีโอกาสสังเกตด้วยว่านักแสดงที่ยอดเยี่ยมเหล่านี้เชี่ยวชาญหน้ากากของพวกเขาแตกต่างและบางครั้งก็ยากลำบากมากเพียงใด คู่หูบนเวทีของฉันเล่นแตกต่างกันอย่างไร สไตล์การแสดงของแต่ละคนมองเห็นได้ชัดเจนแค่ไหน นี่เป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับนักแสดงรุ่นเยาว์ที่ได้ดูกระบวนการทำงานตามบทบาท วิธีที่พวกเขาค้นหาความเฉพาะเจาะจงของตัวละครของพวกเขา
เป็นเรื่องที่น่าสนใจมากที่ได้สังเกตว่างานของ Mikhail Aleksandrovich Ulyanov ดำเนินต่อไปอย่างช้าๆยากลำบากและตึงเครียดเพียงใด เขาคลำหาทางไปหา Brigella ของเขาอย่างระมัดระวังเพียงใด ไม่ได้มีตัวละครแบบเดียวกับ Gritsenko หรือ Yakovlev อย่างที่เราพูดกันว่าเป็นฮีโร่ทางสังคมที่สดใสตามบทบาทเขาใช้เวลานานอย่างเจ็บปวดในการค้นหารูปแบบการดำรงอยู่ในหน้ากากของเขา เขาค่อยๆ ระบุจุดสนับสนุนหลักในการแสดงของเขาผ่านการเคลื่อนไหว ท่าทาง และน้ำเสียงของเขาทีละน้อย ค่อยๆ ก้าวอย่างระมัดระวัง เขาขยับเข้าไปใกล้หน้ากากมากขึ้นเรื่อยๆ แต่ด้วยการสัมผัสที่แทบจะมองไม่เห็น เขาจึงวาดโครงร่างหลัก ชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ ประการแรก เขาต้องการเห็นโครงร่างทั่วไปของตัวละครที่เขากำลังจะเล่นเป็นอย่างน้อย จากนั้นจึงเติมเลือดและเนื้อเข้าไป เทอารมณ์ของเขาลงไป เขาค่อยๆ ดึงตัวเองเข้าหาภาพที่ตั้งใจอย่างระมัดระวัง ค่อยๆ พยายามปรับรูปแบบการดำรงอยู่ของเขาในภาพ และเมื่อเขารู้สึกถึงบทบาท เห็น รู้สึกถึงฮีโร่ของเขา มันก็ไม่สามารถทำให้เขาล้มลงได้อีกต่อไป จากจินตภาพที่ได้พบนั้น เพื่อชักจูงให้หลงไปจากทางที่ตนกำลังก้าวไปทีละขั้นก็วัดออกแล้วบัดนี้ข้าพเจ้าก็ผ่านไปได้ ปิดตา- มันเป็นดาวตกที่กวาดล้างทุกสิ่งและทุกคนที่ขวางหน้าไป
Nikolai Olimpievich Gritsenko เข้าหาการสร้างหน้ากาก Tartaglia ของเขาด้วยวิธีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง เขามีพรสวรรค์ที่หายากในการค้นหาโครงร่างทั่วไปของบทบาทอย่างรวดเร็ว เมื่อค้นพบแล้วเขาก็กล้าเหมือนลงสระน้ำกระโดดลงไปในรูปแบบการดำรงอยู่ของฮีโร่ที่ค้นพบแล้วรู้จักการใช้ชีวิตอย่างดีเยี่ยมตามบทบาทที่กำหนดและทำปาฏิหาริย์เพียงเพื่อแปลงร่างเป็นภาพที่สร้างขึ้นในทันทีมาก บางครั้งมันก็ยากที่จะจำเขาได้ และนี่ก็คือการแต่งหน้าเพียงเล็กน้อย Gritsenko มีความกล้าหาญที่น่าทึ่ง - ตามกฎแล้วเขาทำงานที่ระดับความสูงสูงสุดและเดินไปตามขอบสุดของแนวรับเมื่อดูเหมือนว่าก้าวผิดเล็กน้อยแล้วคุณจะล้มลง แต่เขาเดินไปตามขอบนี้อย่างกล้าหาญเพื่อหลีกเลี่ยงการพัง เขามักจะเกือบจะไปไกลเกินไปเสมอ แต่ก็หลีกเลี่ยงมันได้อย่างมีความสุข ดังนั้นเขาจึงทำงานอย่างเต็มที่และทุ่มเทให้ดีที่สุด Nikolai Olympievich มีความสามารถนี้ในการแปลงร่างตัวเองให้กลายเป็นรูปแบบเวทีที่พบเพื่อความสมบูรณ์แบบ หาก Ulyanov ดึงตัวละครเข้าหาตัวเองบ่อยขึ้นเพื่อให้เข้ากับลักษณะที่แสดงออกมาอย่างชัดเจน Gritsenko ก็ยอมให้ความเป็นปัจเจกของเขาอยู่ภายใต้รูปแบบที่แน่นอนโดยผสานเข้ากับรูปแบบที่เขาพบ แต่ถึงแม้จะอยู่ในรูปแบบนี้การออกแบบบทบาทภายนอกเขาก็แทบไม่เคยทำซ้ำตัวเองอีกเลย ดูเหมือนว่าเขากำลังดึงหน้าออกมามากขึ้นเรื่อยๆ จากกระปุกออมสินอันไม่มีที่สิ้นสุด และด้วยความมีน้ำใจที่ไม่อาจเข้าใจได้ เขาจึงละทิ้งสิ่งที่พบแล้วไป
และแน่นอนว่ายูริ Vasilyevich Yakovlev เดินไปตามทางของเขาเองเพื่อสร้างบทบาทของ Pantalone เขาก็ไม่พบรูปลักษณ์และรูปแบบพฤติกรรมของหน้ากากของเขาในทันทีซึ่งเป็นการแสดงด้นสด แต่เขาไม่ได้เร่งรีบในสิ่งต่าง ๆ แต่ช้าๆ โดยไม่มีความตึงเครียดที่มองเห็นและได้รับความแข็งแกร่งอย่างมั่นใจ บรรลุถึงจุดสูงสุดของประสิทธิภาพ ความสมบูรณ์ ความเบา ความกลมกลืน ฉลาด มีไหวพริบ ร่าเริง แดกดันเล็กน้อย และวางตัว - นี่คือวิธีที่เขาเห็น Pantalone ของเขา และทันทีที่เขาค้นพบคุณลักษณะนี้และตั้งมั่นในสิ่งนั้นแล้วหลังจากนั้นเขาก็ได้สร้างปาฏิหาริย์ที่แท้จริงบนเวทีแล้ว การแสดงด้นสดของเขาอาจเรียกได้ว่าศักดิ์สิทธิ์เมื่อพิจารณาจากรสนิยมสูงของสิ่งประดิษฐ์ของนักแสดงในภาพนี้ บางครั้งนักแสดงบางคนแสดงด้นสดมากจนคุณต้องการปิดหูและหลับตาเพื่อไม่ให้ได้ยินหรือมองเห็นสิ่งที่เสนอให้กับผู้ชม สิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อผู้คนขาดรสนิยมและความรู้สึกเป็นสัดส่วน การแสดงด้นสดของ Yuri Vasilyevich ในด้านรสนิยมและสัดส่วนนั้นอยู่ในระดับสูงสุดเสมอมันยอดเยี่ยมเสมอ เขาทำได้อย่างง่ายดาย ไม่กดดัน อย่างชาญฉลาด และเราตั้งตารอการแสดงด้นสดของเขาอยู่เสมอ โดยรู้ว่ามันจะต้องน่าสนใจ เชี่ยวชาญ มีไหวพริบ และจะมีสิ่งใหม่ๆ อยู่เสมอ จริงอยู่เมื่อเวลาผ่านไปโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพวกเขาไปทัวร์ที่ไหนสักแห่งละครเรื่อง "Princess Turandot" ถูกใช้อย่างแข็งขันโดยเฉพาะอย่างยิ่งเล่นเกือบทุกวันนักแสดงเบื่อหน่ายและเป็นเรื่องยากกับจังหวะของงานที่จะค้นหา มีอะไรใหม่ ๆ ทุกครั้งอย่างไม่คาดคิด แล้ววันหนึ่งเป็นการทัวร์ที่เลนินกราด เราได้เล่น "Turandot" มากกว่าสิบครั้งติดต่อกันแล้วและในการแสดงครั้งต่อไป ยูริ Vasilyevich เสนอการแสดงด้นสดในฉากหน้ากาก...
ที่ข้างเวที (เราเล่นที่วังวัฒนธรรมพรหมคูเปอร์รัตติยา) ด้วยเหตุผลบางอย่าง สายไฟหนาจึงถูกหย่อนลงจากด้านบนสุด เห็นได้ชัดว่ามีคนลืมที่จะลบออก และในระหว่างการแสดงหลังจากเล่นฉากของเขาแล้ว Yakovlev-Pantalone ก็หันหลังให้ทุกคนพร้อมกับพูดว่า: "ปล่อยฉันไว้คนเดียว Tartaglia ฉันเบื่อที่จะเล่นละครมากมายแล้ว มากมาย. ฉันจะไปแล้ว ลาก่อน! หลังจากนั้นเขาก็เข้าใกล้เชือกและเริ่มปีนขึ้นไปแล้วพูดว่า: "ฉันจะไม่เล่น Turandot อีกต่อไป ฉันเบื่อแล้ว..."
ช่างเป็นเรื่องที่คาดไม่ถึง ตลก และแม่นยำสำหรับทุกคน ไม่เพียงแต่ผู้ชมเท่านั้นที่หัวเราะ แต่เราซึ่งเป็นนักแสดงก็หัวเราะมากยิ่งขึ้นอีกด้วย ฉันคิดว่ายูริ Vasilyevich มีผลงานการแสดงที่ดีที่สุดเรื่องหนึ่งของเขาในโรงละคร
เขายังมีความสามารถพิเศษด้านภาษาอีกด้วย เขามีหูที่ยอดเยี่ยมในการฟังเพลงโดยหยิบสำเนียงของภาษา ดังนั้นในต่างประเทศเขาจึงผ่านไปอย่างปังเสมอ ในออสเตรีย เขาพูดภาษาเยอรมันด้วยสำเนียง "ออสเตรีย" บางประเภท ซึ่งทำให้ชาวออสเตรียพอใจ ในโรมาเนีย จู่ๆ ก็ปรากฏชัดว่าการออกเสียงของเขามีภาษาท้องถิ่นด้วย ในโปแลนด์พวกเขากล่าวว่าเขาออกเสียงข้อความเป็นภาษาโปแลนด์ล้วนๆ
ศิลปินคนนี้มีทักษะการแสดงที่น่าทึ่งและดูเหมือนมีความเป็นไปได้ไม่จำกัด
นักแสดงทุกคนที่เล่นบทบาทของหน้ากากในการแสดงครั้งนี้มีอารมณ์ที่แตกต่างกันมากในลักษณะที่แต่ละคนเล่น Ruben Nikolayevich Simonov จัดเรียงพวกเขาอย่างถูกต้องมากในการแสดงตามหลักการของความแตกต่าง: คนหนึ่งมีความประณีตสูงสงบและซับซ้อนส่วนอีกคนมีขนาดเล็กรวดเร็วกล้าแสดงออกโดยมีสปริงที่น่ากลัวอยู่ข้างในซึ่งทำให้เขาเคลื่อนไหว ที่สาม ตัวหนาเหมือนเป็ด โยกตัวจากเท้าหนึ่งไปอีกเท้า เดินบนขอบพิสดาร ไม่กลัว ยอมจำนนต่อองค์ประกอบของเกมจนหลงลืมตัวเอง เป็นนักแสดงประเภทหนึ่งบนเวที
ตลอดสิบแปดปีของการแสดงของ Turandot ไม่มีนักแสดงคนใดที่ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับบทบาทบางอย่างในเวลาต่อมา ดีกว่าครั้งแรกรายชื่อนักแสดง. นี่ไม่ใช่ความคิดเห็นของฉัน ทุกคนยอมรับสิ่งนี้ การแสดงมีการนำสีใหม่บางสีมาใช้ บางทีบางสิ่งอาจดูน่าสนใจยิ่งขึ้น แต่โดยรวมแล้วไม่มีบทบาทใดดีขึ้นเลย ก็น่าจะมีรูปแบบนี้อยู่ จำเป็นต้องผ่านเส้นทางทั้งหมดในการเตรียมการแสดงตั้งแต่เริ่มต้นซึ่งเราทุกคนผ่านมาเพื่อที่จะยืนหยัดได้ทัดเทียมกับคนอื่นๆ ระหว่างการซ้อมนั้นมีกระบวนการบดนักแสดงเข้าหากันตามหลักความเข้ากันได้ คอนทราสต์ การเติมเต็มภายในของบทบาท เนื้อเรื่อง และฉากแต่ละฉาก วิธีการสร้าง ผ้าใบศิลปะจิตรกรใช้จังหวะหนึ่งก่อนแล้วจึงอีกจังหวะหนึ่งเพื่อให้ได้การผสมผสานของสีสีที่เป็นเอกลักษณ์โดยที่ไม่มีจังหวะเดียวที่โดดเด่นหรือรบกวนความกลมกลืนของสีการผสมผสานที่เป็นเอกลักษณ์ของมันดังนั้นในโรงละครจึงมีการรวมวงดนตรีเดี่ยวที่เหนียวแน่น ซึ่งทุกสิ่งอยู่ในความสามัคคีที่กลมกลืนกันและแต่ละจังหวะก็เสริมซึ่งกันและกันทำให้เกิดผืนผ้าใบหลากสีสัน แต่ไม่ใช่หลากสีสัน ใช่ จำเป็นต้องผ่านการซ้อมอันยาวนานและช่วงเตรียมการก่อนการซ้อมเพื่อที่จะบูรณาการเข้ากับการแสดง ซึ่งแทบจะเป็นไปไม่ได้เลยสำหรับผู้ที่ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับการแสดงในภายหลัง ตามกฎแล้วการเปลี่ยนไม่เท่ากัน
ด้วยเหตุนี้ โรงละครจึงตัดสินใจว่าไม่จำเป็นต้องแนะนำนักแสดงหน้าใหม่เข้ามาแสดง และเมื่อนักแสดงรุ่นหนึ่งได้แสดง "Turandot" ของตนแล้ว ก็ให้หยุดการแสดงชั่วคราวจนกว่านักแสดงหน้าใหม่อีกกลุ่มจะเตรียมการไว้ จนกระทั่งผ่านช่วงระยะเวลาอันยาวนานเหมือนเช่นเดิม จำเป็นที่นักแสดงทุกรุ่นจะต้องผ่านโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมแห่ง Vakhtangov และไม่ใช่จากคำบอกเล่าไม่ใช่จากคำพูดของใครบางคน แต่ในทางปฏิบัติในงานเฉพาะเจาะจง นักแสดงแต่ละคนจำเป็นต้องเริ่มต้นการแสดงโดยการเตรียมไพรเมอร์สำหรับภาพในอนาคต ใช้จังหวะทดสอบครั้งแรกกับสัมผัสสุดท้ายที่ให้ความสมบูรณ์กับงานทั้งหมด และสุดท้ายเล่นตั้งแต่ต้นจนจบ
การเล่น Turandot ถือเป็นความสุขที่ยิ่งใหญ่สำหรับนักแสดง นอกเหนือจากโรงเรียนและทักษะการแสดงที่เขาได้รับขณะเล่นละครแล้ว เขายังได้รับความยินดีอย่างไม่น่าเชื่อจากการเข้าร่วมจากตัวเกม จากความรู้สึกล้ำค่าในการสื่อสารกับผู้ชม ตั้งแต่การปรับจูนไปจนถึงความยาวคลื่นของคุณ และปฏิกิริยาตอบสนองทันทีต่อการกระทำของคุณในละครและทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักแสดงทุกคนในโรงละครใฝ่ฝันที่จะได้เล่นบทในนั้น ไม่เพียงแต่นักแสดงรุ่นเยาว์เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงรุ่นพี่ ๆ รวมถึงผู้ที่ได้ฉายแววในช่วงเวลาการแสดงนี้แล้ว พวกเขายังเต็มใจและยินดีเป็นอย่างยิ่ง และมีส่วนร่วมอย่างตื่นเต้นทันทีที่มีโอกาส
ฉันจะไม่มีวันลืมช่วงเวลาที่ในวันครบรอบครึ่งศตวรรษของโรงละครระหว่างการแสดง "Princess Turandot" Cecilia Lvovna Mansurova ปรากฏตัวบนเวทีและเล่นบทบาทชิ้นเล็ก ๆ เธอถามฉันเกี่ยวกับปริศนาซึ่งเป็นปริศนาแรกของนักแสดงคนแรกของ Turandot ช่างวิเศษเหลือเกิน เธอมีความเบาบาง แม้เธอจะอายุมาก ความชั่วร้ายที่เธอฉายออกมา ช่างเจ้าเล่ห์ในสายตาของเธอ! เธอกำลังถามปริศนา และในเวลานั้น ดูเหมือนว่าความคิด ความรู้สึก และสภาพจิตใจของเธอนับพันถูกหันไปหาคาลาฟ ทั้งความรัก ความภาคภูมิใจ การเข้าไม่ถึง และความปรารถนาที่จะช่วยคาลาฟเอาชนะอุปสรรคที่เธอสร้างขึ้นในเส้นทางของเขา และการเสแสร้ง ความจริงใจ และความไร้เหตุผลของอุปนิสัยและความเป็นผู้หญิง เธอทำให้ฉันตะลึงด้วยปริศนาของเธอเพียงอย่างเดียว นั่นไม่ใช่ด้วยปริศนา แต่ด้วยวิธีที่เธอไขปริศนา กับวิธีที่เธอเล่นบทบาทชิ้นเล็ก ๆ นี้ หลังจากส่วนสั้น ๆ นี้ฉันก็คิดว่า: ก่อนหน้านี้เธอเล่นบทนี้ได้อย่างไร!
ในวันครบรอบหกสิบปีของโรงละคร เราได้แสดงละครเป็นครั้งที่ 2,000 นักแสดงอีกรุ่นหนึ่งก็เล่นมัน Borisova และฉันเข้ามามีบทบาทในฐานะนักแสดงที่อายุน้อยมาก เป็นเรื่องน่าเศร้าเล็กน้อยที่ต้องแยกทางกับบทบาทที่ฉันชื่นชอบ แต่เวลาผ่านไป นักแสดงรุ่นเยาว์คนอื่นๆ มาถึงแล้ว และตอนนี้เรากำลังส่งต่อกระบองให้กับนักแสดงรุ่นใหม่ เพื่อไม่ให้ความรุ่งโรจน์ของ "Turandot" หายไปในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เพื่อที่จะยังคงดำเนินต่อไปและสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชมหน้าใหม่
ลักษณะเฉพาะของการรับรู้ของผู้ชมต่อการแสดงนั้นขึ้นอยู่กับความคิดริเริ่มของการแสดงโดยตรง - แสง, แดกดัน, ดนตรี, ด้วยความเป็นพลาสติกพิเศษ, การวัดพิเศษของธรรมเนียมการเล่นเกม, การเล่นเทพนิยาย, เล่นเทศกาล ไม่ว่าเราจะเล่นที่ไหน การแสดงนี้มีเส้นทางที่สั้นที่สุดไปสู่ใจผู้ชม เมื่อแท้จริงแล้วตั้งแต่การแนะนำดนตรีครั้งแรก จากบรรทัดแรก บางครั้งจากการแนะนำตัวละครและผู้เข้าร่วมการแสดง ผู้ชมพบว่าตัวเองอยู่ใน องค์ประกอบในองค์ประกอบของการแสดงรวมอยู่ในเกมของเราและเฝ้าดูสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีด้วยความยินดี เป็นที่ทราบกันดีว่ายิ่งผู้ชมเตรียมการแสดงละครน้อยเท่าใด การติดต่อกับพวกเขาก็ยิ่งยากขึ้นเท่านั้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแสดงที่แหวกแนวเช่น "Princess Turandot" ผู้ชมที่คุ้นเคยกับการติดตามเฉพาะโครงเรื่องและสถานการณ์ที่ไพเราะ แน่นอนว่าจะไม่พอใจกับสิ่งที่นำเสนอต่อเขาในการแสดงครั้งนี้ เขาจะไม่ยอมรับแบบแผนของการออกแบบ แบบแผนของเครื่องแต่งกาย การแต่งหน้า หรือสไตล์การแสดง เขาจะถาม (และเป็นเช่นนั้นจริงๆ) เป็นไปได้ไหมที่พวกเขาไม่ได้ตกแต่งจริงๆ โดยติดเคราจริงแทนผ้าเช็ดตัว
การแสดงมีพื้นฐานมาจากสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง โครงเรื่องในนั้นเป็นเพียงข้ออ้างในการเชิญชวนให้ผู้ชมร่วมฝันจินตนาการร่วมกับละคร สะกดใจ ด้วยการเล่นละคร ด้วยความเหน็บแนม ไหวพริบแห่งไหวพริบ และการแสดงละคร “ใครจะสนใจว่า Turandot จะรัก Calaf หรือไม่? - Yevgeny Bagrationovich กล่าวกับนักแสดงในการซ้อมละครโดยอธิบายว่าเราควรมองหาเมล็ดพืชไม่ได้อยู่ในเนื้อเรื่องของละคร “ทัศนคติสมัยใหม่ต่อเทพนิยาย การประชด รอยยิ้มต่อเนื้อหาที่ “น่าเศร้า” ในเทพนิยาย นั่นคือสิ่งที่นักแสดงต้องเล่น” การแสดงตามแผนของผู้กำกับควรจะผสมผสานสิ่งที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้ - ความยอดเยี่ยมที่ยอดเยี่ยมและชีวิตประจำวัน อดีตเทพนิยายอันห่างไกลและสัญญาณของความทันสมัย ความไม่น่าเชื่อทางจิตวิทยาในพฤติกรรมของตัวละครและน้ำตาที่แท้จริง “ ความเป็นไปไม่ได้ของการสร้างเทพนิยายกลายเป็นวิธีการสร้างการแสดง” นักวิจารณ์ละครชื่อดัง L. A. Markov เขียนเกี่ยวกับการแสดงครั้งแรกของ "Turandot" - นี่คือลักษณะที่เสื้อคลุมท้ายปรากฏขึ้นเมื่อใช้ร่วมกับผ้าขี้ริ้วตกแต่งต่างๆ ไม้เทนนิสแทนคทา ผ้าปิดปากแทนเครา เก้าอี้ธรรมดาแทนบัลลังก์ และกับฉากหลังของโครงสร้างคอนสตรัคติวิสต์ ฝากล่องขนมแทนภาพบุคคล วงออเคสตรา ของหอยเชลล์, การแสดงด้นสดในธีมสมัยใหม่, ประสบการณ์ที่แตกหัก, การเปลี่ยนแปลงความรู้สึก, การเปลี่ยนแปลงและการเปลี่ยนแปลงตำแหน่ง, สถานะ, เทคนิค - นี่คือวิธีการอธิบายเครื่องแต่งกายที่แปลกตาและสนุกสนานที่สวมชุด "เจ้าหญิง Turandot"
นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมการไว้หนวดเคราจริงและทิวทัศน์ที่วาดอย่างพิถีพิถันจึงมีไว้สำหรับการแสดงอื่น แต่ไม่ใช่สำหรับ Turandot โชคดีที่โรงละครแทบไม่เคยต้องป้อนคำอธิบายเกี่ยวกับการแสดงดังกล่าวเลย โดยปกติแล้วความเข้าใจร่วมกันระหว่างโรงละครและผู้ชมในการแสดงเกิดขึ้นแล้วในช่วงแรกของการปรากฏตัวของนักแสดงบนเวที โดยผู้ชมจากผู้ชมที่หลากหลาย รวมถึงผู้ชมชาวต่างชาติ เกือบจะกวาดล้างอุปสรรคทางภาษา อคติ และความแตกต่างทั้งหมดออกไปแทบจะในทันที ในเรื่องนิสัยและความแตกต่างในวัฒนธรรม แต่ขอย้ำอีกครั้งว่ายิ่งวัฒนธรรมการแสดงละครของคนในประเทศที่เราแสดงสูงขึ้นเท่าใด การติดต่อกับผู้ชมก็จะยิ่งเร็วขึ้นและง่ายขึ้นเท่านั้น
“ Princess Turandot” ในต่างประเทศเป็นหน้าพิเศษในชีวิตของโรงละครและการแสดงนี้ซึ่งเป็นหน้าที่ยอดเยี่ยมในประวัติศาสตร์ของโรงละคร Vakhtangov ด้วยการแสดงนี้ เราเดินทางไปยังประเทศอดีตสังคมนิยมเกือบทั้งหมด เช่นเดียวกับกรีซ ออสเตรีย และทุกที่ที่ "Turandot" มีการแสดงที่สั้นที่สุดและบินขึ้นอย่างรวดเร็วที่สุดต่อการรับรู้ของผู้ชม เมื่ออยู่ในนาทีแรกของการแสดงแล้ว การแสดงที่ผู้ชมไม่คุ้นเคยที่สุดและยากที่สุด “ยอมแพ้”
เหตุใดฉันจึงให้ความสนใจเป็นพิเศษว่า Turandot ได้รับการตอบรับจากต่างประเทศอย่างไร ใช่ เพราะเธอเป็นตำนานการแสดงละครในหมู่พวกเรา ซึ่งหลายคนเคยได้ยินและไปชมการแสดง โดยรู้อะไรบางอย่างเกี่ยวกับเรื่องนี้แล้ว และในต่างประเทศมีเพียงผู้ชมละครในวงแคบเท่านั้นที่คุ้นเคยกับ "Turandot" ซึ่งมีประวัติศาสตร์อันยอดเยี่ยมดังนั้นผู้ชมจึงยังไม่พร้อมที่จะรับรู้และไม่พร้อมที่จะสนใจการแสดงนี้ ดังนั้นทุกครั้งที่มาถึงต่างประเทศ ฉันต้องเริ่มต้นใหม่อย่างที่เขาว่ากันว่าตั้งแต่ต้น เพื่อเอาชนะใจผู้ชมด้วยสิ่งที่ฉันมี การแสดงจริงๆ เป็นอย่างไร โดยไม่ต้องจ่ายเงินล่วงหน้าใดๆ
ครั้งแรกที่ “เจ้าหญิงทูรานดอต” เดินทางไปกรีซในปี พ.ศ. 2507 ซึ่งเป็นประเทศที่มีประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษหรือนับพันปี แหล่งกำเนิดของศิลปะการละครซึ่งทำให้โลกทั้งโฮเมอร์ โซโฟคลีส เอสคิลุส ยูริพิดีส อริสโตฟาเนส และ นักทฤษฎีศิลปะการละครคนแรก - อริสโตเติล ทัวร์เหล่านี้มีขึ้นเพื่อเฉลิมฉลองครบรอบสองพันห้าพันปีของโรงละคร เราเตรียมตัวสำหรับพวกเขาอย่างจริงจังและมีความรับผิดชอบเป็นพิเศษและแม้กระทั่งเรียนภาษากรีกด้วยซ้ำ ตามการคำนวณของเรา น่าจะเปิดเผยลักษณะเฉพาะของการแสดงของเราได้เร็วและชัดเจนยิ่งขึ้น ด้วยเหตุนี้ เราจึงแสดงความเคารพต่อบ้านเกิดของโรงละคร ประเทศ และภาษาของผู้คนที่เรานำงานศิลปะของเราไปพร้อมๆ กัน และเทคนิคการเว้นระยะห่างระหว่างนักแสดงจากบทบาทที่ใช้ในละครทำให้สามารถแทรกและกล่าวสุนทรพจน์เป็นภาษากรีกแก่ผู้ชมได้
จริงอยู่ที่เมื่อนักแสดงรู้ว่าข้อความที่ตัดตอนมาจาก "Turandot" บางส่วนจะแสดงเป็นภาษากรีก นักแสดงบางคนก็รู้สึกตกใจอย่างมากกับข้อความนี้ หน้ากากต้องเรียนรู้ข้อความมากมายโดยเฉพาะ ดังนั้น Gritsenko จึงอาจได้รับข่าวนี้อย่างน่าทึ่งที่สุด เมื่อทราบเรื่องนี้แล้ว เขาก็หน้าซีดอย่างแท้จริง หัวเราะอย่างประหม่าและสวดอ้อนวอน: "ข้าแต่พระเจ้า ข้าพระองค์จำภาษารัสเซียได้ยาก แล้วก็เป็นภาษากรีก สยองขวัญ!" และเขาก็เริ่มอัดแน่น
ในสมัยนั้น ในโรงละครมักพบนักแสดงถือสมุดบันทึกอยู่ในมือ อัดแน่นข้อความ กลอกตาไปที่เพดาน และท่องเสียงดังว่า “Apocalypsis akolopaposos...”
Nikolai Olimpievich Gritsenko มีปัญหามากที่สุดในการเรียนรู้ภาษากรีกเขาไม่มีเวลาท่องจำข้อความและเวลาก็หมดลงแล้ววันหนึ่งเขาก็มาที่โรงละครอย่างสนุกสนานและประกาศว่าเขาพบทางออกแล้ว สถานการณ์: เขาเขียนการบรรเลงของการแสดงครั้งแรกบนข้อมือแขนข้างเดียว อันที่สองบนอีกอันหนึ่งบนเน็คไทบนปกเสื้อแจ็คเก็ต และเช่นเดียวกับนักเรียนที่กำลังสอบ เขาก็ดูเอกสารสรุปของเขา
ความสนใจในทัวร์ของเรานั้นมีมหาศาล ก่อนการแสดงครั้งแรก ฉันเห็นว่า Gritsenko ประหม่าแค่ไหนเมื่อดูเอกสารสรุปของเขาและเป็นกังวล การแสดงสองครั้งประสบความสำเร็จ แต่ในการแสดงครั้งที่สามเขาเริ่มสะดุด และเงียบอยู่นานก่อนที่จะพูดวลีเป็นภาษากรีก และเข้ามาใกล้ผู้แสดงที่อยู่ทั้งสองข้างของปีกเวที พวกเขาบอกวลีหนึ่งแก่เขา เขาด้วยความร่าเริง กลับมาที่กลางเวที พูดแล้วลืมอีกครั้งและกลับไปที่ปีก ผู้ชมเข้าใจสิ่งที่เกิดขึ้น มีปฏิกิริยาโต้ตอบอย่างกรุณาและหัวเราะ นอกจากนี้เรายังพยายามให้คำแนะนำแก่เขาและเขาก็ปัดคำแนะนำนั้นออกไปแล้วพูดอย่างเงียบ ๆ ว่า: "ฉันเอง ฉันเอง ... " และวันหนึ่งเมื่อหยุดนานเกินไปเราก็กระซิบกับเขา: "เปลี่ยนเป็นภาษารัสเซีย Nikolai Olympievich เปลี่ยนเป็นภาษารัสเซีย” จากนั้นพวกเขาก็เห็นว่าทันใดนั้นใบหน้าของเขาเปลี่ยนไปและทำอะไรไม่ถูกจึงตอบอย่างเงียบ ๆ ว่า: "พวกคุณเป็นภาษารัสเซียเป็นยังไงบ้าง?" เป็นเรื่องยากมากที่เราจะควบคุมตัวเองไม่ให้หัวเราะได้ ยังมีเสียงหัวเราะในห้องโถง ผู้ชมเองพยายามบอกเขาเป็นภาษากรีก และเขาก็ตอบพวกเขาว่า "ไม่ใช่ ไม่ใช่แบบนั้น ไม่ใช่แบบนั้น" และทั้งหมดนี้ถูกรับรู้อย่างสนุกสนาน ผ่อนคลาย ร่าเริงและมีอารมณ์ขัน
ผู้ชมเข้าใจเงื่อนไขของเกมที่เราเสนอทันทีและยอมรับด้วยความยินดี พวกเขาชอบรูปแบบการสื่อสารที่เปิดกว้างนี้ระหว่างนักแสดงและผู้ชม พูดกับแผงลอย และยอมรับมาตรการแบบแผนนี้ ซึ่งเป็นการประชด และผู้ชมชาวกรีกเมื่อได้ยินคำพูดของแต่ละคนในภาษาของพวกเขาก็ยอมรับสิ่งนี้ด้วยความกระตือรือร้นจนพวกเขาพังทลายและพังกำแพงระหว่างเวทีและห้องโถงที่มีอยู่ก่อนเริ่มการแสดงทันทีพร้อมกับเสียงตอบรับจากผู้ชมอย่างล้นหลาม เมื่อได้ยินประโยคแรกที่คุ้นเคย ผู้ชมก็หายใจไม่ออก ดูเหมือนจะเดินเข้ามาหาเรา ปรบมือปรบมือ และเข้าร่วมในการแสดงที่ร่าเริงและรื่นเริงนี้ทันที
เมื่อเราเห็นว่าเราได้รับการต้อนรับอย่างไร ความกลัวทั้งหมดก็หายไปทันที และพวกเขาก็เป็นครั้งแรกที่พวกเขานำการแสดงไปสู่ผู้ชมที่ไม่คุ้นเคยโดยสิ้นเชิง มีความกังวล: พวกเขาจะยอมรับการแสดงดังกล่าวในรูปแบบที่ผิดปกติหรือไม่? ละครเรื่องนี้ดึงดูดผู้ชม พวกเขารู้สึกเหมือนมีส่วนร่วมในเกมนี้และมีปฏิกิริยาโต้ตอบอย่างมีชีวิตชีวามากกับทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีด้วยวิธีเจ้าอารมณ์ทางใต้ หน้ากากสื่อสารโดยตรงกับผู้ชมและอาบไปด้วยกระแสตอบรับของผู้ชม การตอบสนองจากผู้ชมนี้ทำให้เราลุกขึ้นราวกับอยู่บนคลื่น เติมเต็มหัวใจของเราด้วยความยินดี และภาคภูมิใจในความสามารถของมนุษย์ในการสร้างปาฏิหาริย์ดังกล่าว มันเป็นการเฉลิมฉลองงานศิลปะอย่างแท้จริง ความเป็นไปได้ที่ไร้ขีดจำกัดการรวมผู้คนจากโครงสร้างทางสังคม อายุ ตำแหน่ง ที่แตกต่างกัน มอบอิสรภาพอันน่าทึ่งของมนุษย์ ใช่แล้ว มันเป็นการเฉลิมฉลองทางศิลปะ ชัยชนะ และพลังอันอัศจรรย์ที่มีอิทธิพลต่อผู้คน
ไม่บ่อยนักที่คุณจะเห็นได้ว่าผู้ฟังยืนนิ่งไม่แยกย้ายกันไปและไม่หยุดปรบมือเป็นเวลายี่สิบถึงสามสิบนาที ฉันจะไม่มีวันลืมช่วงเวลาเหล่านั้นเมื่อ Ruben Nikolaevich Simonov ปรากฏตัวบนเวทีหลังการแสดงระหว่างการปรบมือจากผู้ชม มีศักดิ์ศรีมากมายในคำพูดและกิริยาของเขา มีความภาคภูมิใจในงานศิลปะของเราอย่างมากในคนที่มีความสามารถของเรา ก่อนที่เรายืนอยู่ชายคนหนึ่งที่รู้ถึงคุณค่าของปาฏิหาริย์ที่นักแสดงชาวรัสเซียนำมาสู่ผู้ชมชาวกรีก เป็นความภาคภูมิใจของชาติของชายผู้อยู่เบื้องหลังผู้ยิ่งใหญ่และรัฐอันยิ่งใหญ่ เขายอมรับความยินดีของผู้ฟังอย่างสมศักดิ์ศรี เป็นสิ่งที่เป็นธรรมชาติโดยสมบูรณ์ เป็นธรรมชาติและธรรมดา ช่างน่ายินดีและสนุกสนานอย่างยิ่งที่เราทุกคนได้สัมผัสประสบการณ์ทั้งหมดนี้ที่นั่น ห่างไกลจากรัสเซีย จากประเทศของเรา วันนี้เราพลาดความภาคภูมิใจอันสูงส่งนี้ไปได้อย่างไร...
ไม่ใช่การแสดงเดียวที่เราเดินทางไปต่างประเทศเปลี่ยนผู้ชมชาวต่างชาติให้กลายเป็นที่ชื่นชอบของเราแบบเดียวกับที่เกิดขึ้นกับ Turandot หรือทำทางการเมืองมากเท่ากับการแสดงนี้ คนที่พาเขามาไม่ใช่แค่ผู้มีอำนาจเต็มในงานศิลปะของเราเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้มีอำนาจเต็มทางการเมือง ผู้มีอำนาจเต็มในการสร้างความเข้าใจระหว่างผู้คน ความรักของผู้ชมที่มีต่อคนเหล่านี้ถ่ายทอดไปสู่ความรักต่อประเทศชาติ สำหรับผู้ที่มอบช่วงเวลาแห่งความสุขให้กับพวกเขา
อาจไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่หลังจากการแสดงครั้งแรกเราถูกรายล้อมไปด้วยเยาวชนชาวกรีกและไม่ใช่แค่คนหนุ่มสาวเท่านั้นที่เริ่มต้นคำถามมากมายเกี่ยวกับโรงละครเกี่ยวกับชีวิตในประเทศของเราเกี่ยวกับผู้คน มันเป็นการสนทนาเหมือนเพื่อนเก่าที่ดี - นี่คือศิลปะ นี่คือจุดแข็งและความน่าดึงดูด
เป็นไปไม่ได้ที่จะลืมว่าหลังการแสดงเราใช้เวลาเกือบทั้งคืนบน Plaka ใต้ Acropolis อย่างไรและอย่างไรเราก็ไปที่ Iroduatika - โรงละครที่อยู่ด้านล่าง เปิดโล่ง- และที่หิน Pericles พวกเขาอ่านบทกวีของ Pushkin และ Lermontov ในตอนกลางคืน ค่ำคืนนี้จะอยู่กับทุกคนที่อยู่ที่นั่นตลอดชีวิต การที่เขารวมพวกเราทุกคนเข้าด้วยกัน - ผู้คนจากหลากหลายเชื้อชาติที่ไม่เคยรู้จักกันมาก่อน สำหรับพวกเขา เราคือผู้คนจากรัสเซีย ซึ่งพวกเขาต้องการรู้จักให้มากที่สุด จากนั้น... เสียงนกหวีดของตำรวจก็ดังขึ้น และเราเห็นว่าเยาวชนชาวกรีกได้ตั้งเครื่องกั้นมนุษย์และพาเราไปที่โรงแรมเพื่อป้องกันไม่ให้ตำรวจเข้าถึงเรา
และการแสดงในออสเตรเลียก็เริ่มแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง หากชาวกรีกตามอารมณ์ของพวกเขาลุกเป็นไฟทันทีตั้งแต่จุดประกายแรกมันก็ไม่ใช่เรื่องง่ายเลยที่จะจุดประกายผู้ชมที่น่านับถือ แต่คุณควรจะได้เห็นว่า "Turandot" ละลายพวกมันได้อย่างไร หลังจากตกใจไม่กี่นาที เราก็ได้ยินและเห็นว่าในหอประชุมลืมเรื่องความแข็ง ความสำคัญ ความโอ่อ่าของพวกเขาไปได้อย่างไร ผู้ชมกลุ่มเดียวกันนี้ในชุดราคาแพง ประดับเพชร "ประดับด้วยขนสัตว์และลูกปัด" มีกลิ่นหอมของน้ำหอมราคาแพง เธอกำลังทิ้งขนราคาแพงของเธอออกแล้วโบกมือให้พวกมัน กระโดดขึ้นจากที่นั่งของเธอ ระเบิดเป็นเสียงหัวเราะที่ดังกึกก้องและไม่อาจควบคุมได้ซึ่งยากที่จะหยุดอยู่แล้ว
และปฏิกิริยาของผู้ชมในวอร์ซอต่อการแสดงแตกต่างกันแค่ไหน... ในไม่ช้าพวกเขาก็ยอมรับ "Turandot" ของเราในบรรทัดแรกสุดและไม่ใช่แม้แต่หน้ากาก แต่เป็น Calaf บนเวทีแรกของฉัน พวกเขาเข้าใจและยอมรับกุญแจที่น่าขันที่เราใช้อ่านนิทานของ Gozzi ทันที
ในประเทศอื่น ๆ - ในบัลแกเรีย, เชโกสโลวะเกีย, โรมาเนีย, ยูโกสลาเวีย - การแสดงก็ถูกมองว่าแตกต่างออกไปในแบบของตัวเองด้วยระดับและรูปแบบของการแสดงอารมณ์ที่แตกต่างกัน แต่ด้วยความสนใจความกระตือรือร้นและทุกที่ก็ประสบความสำเร็จอย่างมาก และแม้ว่าการแสดงแต่ละครั้งเมื่อม่านปิดลง หน้ากากก็ออกมาสู่ผู้ชมเพื่อประกาศอีกครั้งว่า “การแสดงในเทพนิยายของคาร์โล โกซซี่ เรื่อง “เจ้าหญิงทูรันโดต์” จบลงแล้ว” ห้องนิรภัยในหอประชุมยังคงได้ยินเสียงปรบมืออย่างไม่ได้ยิน เป็นเวลานาน.
ฉันคิดว่าละครเรื่อง Princess Turandot สามารถเรียกได้ว่าเป็นสากลอย่างถูกต้อง เขาได้รับการต้อนรับทุกที่ที่เราเล่น และทุกที่ที่เขากระตุ้นความรู้สึกที่ดีและเป็นสากลในหมู่ผู้ชม
ช่างน่าอัศจรรย์เหลือเกินที่ยังคงเกิดขึ้นในชีวิตที่ผลงานจากมือมนุษย์ซึ่งทำเมื่อหลายปีก่อน ทศวรรษและศตวรรษ ได้กลับมามีชีวิตอีกครั้งสำหรับคนรุ่นใหม่ในเวลาต่อมา บางครั้งเราพูดถึงคนเก่งๆ ที่ทำสิ่งที่ยิ่งใหญ่ในชีวิตสำเร็จ: “งานของเขาจะคงอยู่ต่อไปในคนอื่นๆ...” แต่คำพูดเหล่านี้ก็เป็นจริงต่อหน้าต่อตาเรา และในทางใดทางหนึ่งก็ด้วยการมีส่วนร่วมของเรา ในละครเรื่อง "Princess Turandot" ผู้ชมในหลายเมืองในประเทศของเราเช่นเอเธนส์และเบลเกรด, ปราก, เวียนนา, โซเฟียและวอร์ซอ, เบอร์ลินและบูดาเปสต์ได้สัมผัสด้วยใจของพวกเขาถึงสิ่งที่สร้างขึ้นโดย Vakhtangov ผู้ยิ่งใหญ่เมื่อกว่าครึ่งศตวรรษที่ผ่านมา และไม่มีใครเหมือนในประเทศของเราและต่างประเทศ ไม่มีอะไรในการแสดงนี้ดูล้าสมัย ค่อนข้างตรงกันข้าม: เราค้นพบว่า "นวัตกรรม" หลายอย่างที่ผู้กำกับชาวตะวันตกและแม้แต่ชาวรัสเซียอวดอ้างในปัจจุบันนั้นได้รับการนำไปใช้มานานแล้วในงานภาคปฏิบัติของนักเรียนคนหนึ่งของ Stanislavsky ช่างเป็นแรงบันดาลใจให้กับการแสดงนี้ ความมีชีวิตชีวา มีรากฐานอะไรอยู่ในนั้น แม้กระทั่งหลังจากครึ่งศตวรรษ การแสดงไม่เพียงแต่ไม่ล้าสมัยเท่านั้น แต่ยังเปิดช่องทางใหม่ในการแสดงออกบนเวทีให้กับหลาย ๆ คน และขยายคลังแสงของพวกเขา นี่คือตัวอย่างรูปแบบและเนื้อหา ในความเป็นจริงไม่มีโรงละครแนวหน้าใดกล่าว นอกจากนี้ที่ใช้ในการแสดงครั้งนี้ ไม่มีสักคนมาบดบัง และไม่ดูถูกความสำคัญของมัน
นั่นคือเหตุผลว่าทำไมในขณะที่แสดงในต่างประเทศกับ "Turandot" และเข้าร่วมการอภิปรายและการประชุมเกี่ยวกับการมาถึงของโรงละครซึ่งมีผู้กำกับและนักวิจารณ์ชื่อดังระดับโลกเข้าร่วมเรามักจะได้ยินคำพูดของพวกเขาเกี่ยวกับ Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov เป็นหนึ่งเดียว ของผู้กำกับคนแรกที่มีอิทธิพลมากที่สุดต่อการพัฒนาโรงละครโลก ย้อนกลับไปในปี 1923 Pavel Aleksandrovich Markov เขียนว่า: “ ฤดูหนาวที่ผ่านมาซึ่งในตอนท้ายของ Vakhtangov จัดแสดง Turandot จะยังคงเป็นช่วงเวลาที่สำคัญมากสำหรับโรงละครรัสเซีย - ยังไม่สามารถคำนึงถึงผลที่ตามมาและคำสัญญาของมันจะส่งผลกระทบต่อโรงละครของเรา เป็นเวลาหลายปี” คำจำกัดความที่แม่นยำอย่างน่าประหลาดใจ และยิ่งกว่านั้น ไม่ใช่เป็นเวลาหลายปี แต่ตามเวลาที่แสดง เป็นเวลาหลายทศวรรษ และเราจะไม่ชื่นชมความสามารถและความสามารถของเขาในการคาดการณ์การค้นหาของผู้กำกับรุ่นต่อ ๆ ไปหลายชั่วอายุคนได้อย่างไร เขาเสียชีวิตเมื่ออายุได้สามสิบเก้าปี ในการค้นหาของเขา เขายึดตามคำสอนของ Stanislavsky ซึ่งเป็นคำสอนของเขาเกี่ยวกับความจริงของศิลปะ ในขณะเดียวกันก็มุ่งไปสู่ความสดใสและมีสีสันไปพร้อมๆ กัน รูปแบบศิลปะไปจนถึงความรื่นเริงของโรงละคร มองหาวิธีใหม่ในการแสดงออกบนเวที การค้นหาโรงละครยังคงดำเนินต่อไปในปัจจุบันในการแสดงใหม่ในงานกำกับและการแสดงใหม่ซึ่งเป็นรากฐานของ Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov ซึ่งเป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมของเขา
กลุ่มดาวใหญ่
โรงเรียนโรงละคร- นี่ไม่ใช่แค่โรงเรียนเท่านั้น ไม่เพียงแต่การแสดงและบทบาทที่แสดงตามแนวทางเท่านั้น ประการแรกคือคนที่ยอมรับ สืบสาน พัฒนา และเสริมสร้างประเพณีของตน เมื่อมาถึงโรงละคร ฉันก็พบว่าตัวเองรายล้อมไปด้วยดาราดังมากมาย เห็นว่าการแสดงของใครน่าทึ่งมาก ปรากฏชัดว่า คุณยังทำอะไรไม่เป็น โรงเรียนนั้นเป็นเพียงก้าวแรกเท่านั้น ก้าวไปสู่อาชีพ และเพื่อที่จะก้าวต่อไป คุณจะต้องเฝ้าดู เรียนรู้ และรับเอาเคล็ดลับแห่งความเชี่ยวชาญจากผู้ที่อยู่ในระดับสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์อย่างต่อเนื่อง และเราซึ่งเป็นคนหนุ่มสาวที่มาที่โรงละคร มองพวกเขาเป็นเทพเจ้า นักมายากล พ่อมด และเรียนรู้จากพวกเขา และมีบางคนและบางสิ่งที่ต้องเรียนรู้และรับเลี้ยงในโรงละคร Mikhail Fedorovich Astangov, Ruben Nikolaevich Simonov, Nikolai Sergeevich Plotnikov, Cecilia Lvovna Mansurova, Nikolai Olimpievich Gritsenko, Elizaveta Georgievna Alekseeva, Vladimir Ivanovich Osenev, Elena Dmitrievna Ponsova - ช่างเป็นความสามารถดั้งเดิมที่หลากหลายและมั่งคั่ง! การดูพวกเขาเล่นเป็นประสบการณ์การเรียนรู้ที่ยอดเยี่ยม ไม่ต้องพูดถึงว่าเราแต่ละคนได้มีส่วนร่วมกับการแสดงเดียวกันกับพวกเขามากแค่ไหน
ต้องบอกว่าทัศนคติต่อประเภทของนักแสดงไม่เปลี่ยนแปลง มันเปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลา เมื่อฉันมาที่โรงละครที่ตั้งชื่อตาม Evg. Vakhtangov อุดมคติคือนักแสดงที่มีการเปลี่ยนแปลงสูงสุด ความสามารถในการแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ไม่อาจจดจำได้ และแตกต่างจากตัวฉันเองคือจุดสูงสุดของการแสดงสำหรับฉัน ฉันยังคงชื่นชมสิ่งนี้ แต่ตอนนี้ฉันคิดว่าสิ่งที่มีค่าที่สุดคืออย่างอื่น - บุคลิกภาพของนักแสดงเอง ในกรณีแรก มีคนประทับใจกับทักษะอัจฉริยะของวิธีที่นักแสดงทำ ประการที่สอง - สิ่งสำคัญคือและเบื้องหลังนี้คือความลึกของมนุษย์ เอกลักษณ์ และความร่ำรวยทางจิตวิญญาณของบุคลิกภาพของนักแสดง: แน่นอนอย่างหนึ่ง ไม่ได้ยกเว้นอย่างอื่น นักแสดงที่มีความน่าสนใจในฐานะบุคลิกภาพของมนุษย์ก็ใช้การเปลี่ยนแปลงเช่นกัน เราไม่สามารถทำสิ่งนี้ได้หากไม่มีสิ่งนี้ในธุรกิจของเรา แต่ในขณะเดียวกัน ในทุกภาพที่พวกเขาสร้างขึ้น ก็ยังมีบุคลิกส่วนหนึ่งของพวกเขาอยู่ Cherkasov เก่งในเรื่องการเปลี่ยนแปลง สำหรับฉัน บทบาทที่สำคัญที่สุดของเขาคือ Dronov ซึ่งความลึกและความหมายของบุคลิกภาพของ Dronov ถูกคูณด้วยความลึกและความหมายของบุคลิกภาพของ Cherkasov และผลที่ได้คือเสียงร้องอันแหลมคมจากจิตวิญญาณของบุคคลที่สรุปชีวิตของเขา เสียงร้องจากจิตวิญญาณเกี่ยวกับวิธีการใช้ชีวิตเพื่อให้ความทรงจำเกี่ยวกับคุณถูกเก็บไว้ในใจของผู้คน
ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในบุคลิกภาพของนักแสดงเป็นสัญญาณของยุคสมัย ในปัจจุบัน สำหรับนักแสดงหลายคน บทบาทมีคุณค่าพอๆ กับการทำให้บุคลิกลักษณะและธีมของเขาโดดเด่นเท่านั้น
ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความคิดที่ทำให้คุณตื่นเต้นผ่านบทบาทเป็นสิ่งสำคัญสำหรับฉันในศิลปะการแสดง และสิ่งนี้ไม่ได้เบี่ยงเบนไปจากด้านอารมณ์ของการแสดง ฉันพบอุดมคติในความกลมกลืนของทั้งสองอย่าง L. Pashkova ในละครเรื่อง Children of the Sun ใช้ชีวิตด้วยความรู้สึกที่เข้มข้นที่สุด แต่ความรุนแรงนี้ถูกกำหนดโดยความคิดเหล่านั้นที่ทำให้ทั้งลิซ่าและผู้แสดงบทบาทกังวล - L. Pashkova เพียงแค่กังวล กังวลเรื่องการแสดงก็ห้ามใช้โดยสิ้นเชิง อารมณ์ของความคิดคือสิ่งที่กำหนดนักแสดงในภาพยนตร์และละครในปัจจุบัน
ฉันได้เรียนรู้มากมายในเรื่องนี้จากนักแสดงที่ยอดเยี่ยมมิคาอิล Fedorovich Astangov เป็นครั้งแรกที่ฉันออกไปเล่นกับเขาในละครเรื่อง Before Sunset โดย G. Hauptmann ในตอนแรกในการแสดงนี้ฉันได้รับความไว้วางใจให้มีบทบาทเป็นฉากเล็ก ๆ น้อย ๆ - ที่ปรึกษาซึ่งนักแสดงหนุ่มเกือบทั้งหมดที่เข้าร่วมคณะละคร Evg ผ่านไป วาคทังกอฟ. ทุกครั้งหลังจากเล่นในตอนของฉัน ฉันจะไปที่หลังเวที และจากนั้นฉันก็ดูการเล่นของ Astangov มันเป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับนักแสดงหนุ่ม
มิคาอิล เฟโดโรวิชเป็นนักแสดงที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว มีบุคลิกที่สดใส มีความเป็นส่วนตัว และไม่เหมือนใคร โดยทั่วไปผมคิดว่านักแสดงไม่ควรเป็นเหมือนใครๆ และถ้าทั้งหมดนี้ไม่เป็นเช่นนั้น ถ้าเขาไม่เป็นอิสระในการทำงาน ให้ติดตามใครสักคน เลียนแบบเกม ท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า ท่าทางการพูด การเคลื่อนไหว - นี่จะเป็นศิลปะรองอยู่แล้ว ตัวตนในโรงละครเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับความสำเร็จ
คุณสมบัติหลักการแสดงของ Astangov คือบนเวทีเขายังคงมีบุคลิกที่ใหญ่โตและมีสีสันอยู่เสมอ สำหรับเขา ทุกบทบาทได้รับการจัดโครงสร้างอย่างมีเหตุผลและชัดเจนในทุกรายละเอียด ทุกการเคลื่อนไหวได้รับการตรวจสอบ มีความหมาย และนำไปสู่ความสมบูรณ์แบบ ในฐานะนักแสดงวิเคราะห์ที่คิดเป็นหมวดหมู่กว้างๆ เขาไม่เคยปล่อยให้อารมณ์มาบดบังแนวคิดหลักที่เขาพยายามจะแสดงและถ่ายทอดต่อผู้ชมในบทบาทของเขา แต่เมื่อพิจารณาจากเนื้อหาดราม่า เขาต้องเผชิญกับปัญหาของมนุษย์ทั่วโลก ความคิดอันลึกซึ้ง จิตใจของเขาดูเหมือนจะไม่มีขีดจำกัด ความคิดอันใหญ่โตกระตุ้นอารมณ์อันใหญ่โตในตัวเขา หากเขาปกป้องความคิด ตำแหน่งฮีโร่ เขาจะปกป้องมันด้วยความหลงใหล เจ้าอารมณ์ และด้วยแรงบันดาลใจ
ก่อนที่จะขึ้นเวทีมิคาอิล Fedorovich มักจะใช้เวลานานมากในการเตรียมตัวสำหรับบทบาทนั่งบนเวทีเป็นเวลานานเตรียมตัวสำหรับการเข้าและมักจะปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมที่ได้ใช้ชีวิตส่วนหนึ่งของชีวิตฮีโร่ของเขาไปแล้วภายในแล้ว ล้นหลามพร้อมที่จะโยนสภาพของเขาให้กับผู้ชม สำหรับการเปรียบเทียบ ฉันจะบอกว่า ตัวอย่างเช่น Cecilia Lvovna Mansurova ชอบที่จะกระโดดขึ้นไปบนเวทีและเล่นทั้งฉากด้วยคลื่นอารมณ์นี้
Ruben Nikolaevich Simonov ปรากฏตัวบนเวทีในช่วงสุดท้ายเขาชอบที่จะสายนิดหน่อยเพื่อที่พวกเขาจะรอทางเข้าของเขาอยู่แล้วจากนั้นก็มีเพียงเขาเท่านั้นที่ปรากฏ แต่ละคนมีจุดอ่อนของตัวเอง มีเทคนิคของตัวเอง ซึ่งแสดงให้เห็นถึงลักษณะของนักแสดงเหล่านี้ และความเป็นปัจเจกของพวกเขา
ตลอดชีวิตของฉันฉันจำวลีหนึ่งจาก Astangov ซึ่งเปิดเผยวิธีการทำงานของเขาเกี่ยวกับบทบาทและการแสดงโดยรวมเป็นหลัก เขากล่าวว่า: “เราต้องวางรางรถไฟก่อน จากนั้นไม่ว่าฉันจะอารมณ์ดีหรือไม่ก็ตาม รางรถไฟก็จะพาฉันไปในทิศทางที่ถูกต้อง” ดังนั้น ในการทำงานบทนี้ สิ่งแรกที่เขาทำคือวางรางรถไฟเพื่อนำฮีโร่ของเขาไปในทิศทางที่ถูกต้อง เขาเชื่อว่าบทบาทควรทำอย่างถูกต้องเพื่อไม่ให้ขึ้นอยู่กับอารมณ์ - วันนี้มีนักแสดงอยู่ในอารมณ์ซึ่งหมายความว่าเขาจะเล่นได้ดีไม่มีอารมณ์ - เขาก็จะต้อง รอการแสดงครั้งต่อไป รออารมณ์มาเยี่ยมเขา Astangov ไม่รวมช่วงเวลาแห่งการพึ่งพาเหตุผลภายนอกอารมณ์ของนักแสดงหรือไม่อารมณ์ในงานของเขา ผู้ชมและคู่หูบนเวทีไม่ควรขึ้นอยู่กับอารมณ์ของนักแสดงคนใดคนหนึ่ง ตามปกติแล้ว ผู้ชมทั่วไปจะมาชมการแสดงเพียงครั้งเดียวและแน่นอนว่าต้องการเห็นการแสดงทั้งหมด ในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้- และถ้าบทบาทนี้ทำได้ดี ถ้า "วางราง" นักแสดงก็จะเล่นในระดับที่เป็นศิลปะเสมอ อย่างน้อยก็แม่นยำ ระดับการปฏิบัติงานของเขาในกรณีนี้นั้นถูกกำหนดไว้ล่วงหน้าเป็นส่วนใหญ่แล้วโดยระดับการดำเนินการตามบทบาท ความแม่นยำ และระดับความพร้อม ในแง่นี้การทำงานร่วมกับ Astangov มีประโยชน์และจำเป็นอย่างยิ่งสำหรับฉันอย่างยิ่ง
การเล่นถัดจาก Nikolai Sergeevich Plotnikov เป็นโรงเรียนเดียวกัน ในละครเรื่อง The Great Sovereign โดย V. Solovyov ซึ่งเขารับบทเป็น Shuisky ฉันปรากฏตัวเป็นตัวประกอบจากนั้นก็อยู่จนจบการแสดงและดูเขาเล่น ฉันยังดู Ruben Nikolaevich Simonov เล่นหลายครั้งด้วย
เมื่อเร็วๆ นี้ เป็นเพียงการศึกษาอย่างใกล้ชิดเท่านั้น เราดูปรมาจารย์ละครเวทีผู้ยิ่งใหญ่ และเราต้องเป็นหุ้นส่วนกับพวกเขา และบทเรียนใกล้ชิดเหล่านี้มีประโยชน์มาก เราต้องผ่านมันไป เพื่อว่าภายหลังเมื่อเรามีโอกาสเล่นกับพวกเขาในการแสดงเดียวกัน เราก็จะไม่สับสน ปรับตัว และกลายมาเป็นพวกเขาจริงๆ พันธมิตรบนเวที และสิ่งเหล่านี้เป็นบทเรียนในการทำงาน ในทางปฏิบัติ ในการสื่อสารกับผู้ทรงคุณวุฒิบนเวที อะไรจะทดแทนบทเรียนดังกล่าวได้?..
หลังจากรับบทที่ปรึกษาใน Before Sunset หลายผลงาน ในที่สุดฉันก็ได้รับบท Egmont การได้เล่นกับ Astangov ในการแสดงเดียวกัน เป็นครั้งแรกที่ฉันรู้สึกอย่างแท้จริงว่าคู่หูบนเวทีคืออะไร และการเป็นคู่หูของนักแสดงนั้นมีความหมายอย่างไร ฉันรู้สึกว่าดวงตาของมิคาอิล เฟโดโรวิชเจาะทะลุผ่านตัวคุณ เช่นเดียวกับการเอ็กซ์เรย์ เขาส่องทะลุ จ้องมอง และเรียกร้องจากคุณตลอดเวลาในชีวิตจริงบนเวที ความรู้สึกซึ่งกันและกัน การมีส่วนร่วม และความเห็นอกเห็นใจ เขาไม่เคยคิดถึงคู่ของเขาเลย เขารวมคุณไว้ในขอบเขตความสนใจของเขาอย่างสม่ำเสมอ มากเสียจนก่อนที่เขาจะจ้องมอง คุณจะไม่ถูกรบกวนอีกต่อไป พูด และไม่ได้ใช้ชีวิตทั้งฉากตั้งแต่ต้นจนจบ มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะจ่ายสิ่งนี้กับเขา ฉันเห็นว่าทัศนคติของเขาที่มีต่อตัวละครของฉันเปลี่ยนไปอย่างไรระหว่างการแสดง จากนั้นเขาก็มองมาที่ฉันอย่างระมัดระวังรอดูว่าลูกชายของเขาจะประพฤติตนอย่างไรในสถานการณ์ที่ยากลำบากสำหรับเขา - เขาจะไม่ทรยศต่อเขาเขาจะไม่กลายเป็นคนขี้ขลาดหรือ? และฉันเกือบจะสัมผัสได้ถึงการจ้องมองของเขา ความตื่นเต้น ความห่วงใยที่มีต่อลูกชายของเขา ไม่ว่าเขาจะชื่นชมลูกชายของเขาเมื่อรู้ว่าเขาปฏิเสธที่จะลงนามในหนังสือหมิ่นประมาทเพื่อต่อต้านเขา และตะโกนอย่างร่าเริง: "อา สูดอากาศบริสุทธิ์!" เอ็กมอนต์มอบอากาศบริสุทธิ์ให้เขา และที่นี่เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่ตอบคำถามเงียบๆ ของเขา ต่อสภาพจิตใจของเขา ไปจนถึงการระเบิดของความสุข เป็นไปไม่ได้ที่จะรู้สึกเฉยเมยอยู่ข้างๆ เขา ราวกับว่าคุณติดอยู่ในสนามแม่เหล็กที่มีอิทธิพล
พูดตามตรงเลย มันเกิดขึ้นว่าหลังจากแสดงทั้งหมดกับคู่หูคนอื่นแล้ว คุณจะไม่มีวันสบตาเขาเลย ส่วนใหญ่มักจะเป็นการมองคุณหรือมองไปในทิศทางของคุณ แต่ไม่ใช่ที่คุณไม่ใช่ในสายตาของคุณด้วยความปรารถนาที่จะอ่านบางสิ่งในนั้นความเจ็บปวดหรือความสุขด้วยความพร้อมที่จะตอบสนองต่อสภาพของคุณ และในบรรดาปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่สิ่งนี้มักจะให้ความสนใจต่อคู่ครองซึ่งเป็นทัศนคติอันศักดิ์สิทธิ์ต่อเขา พวกเขาเข้าใจเหมือนไม่มีใครว่าหากไม่มีคู่หู คุณจะไม่สามารถแสดงฉากนี้ได้เต็มศักยภาพ
ฉันมีสิ่งเดียวกันกับ Nikolai Sergeevich Plotnikov ทุกประการ ตอนที่เขาอยู่บนเวที ฉันละสายตาจากเขาไม่ได้เลย นี่เป็นกรณีใน “The Stone Guest” ซึ่งเขารับบทเป็นคนรับใช้ของ Leporello และนี่คือกรณีใน “Coronation” ของ L. Zorin เรามีฉากที่ยอดเยี่ยมในการแสดงครั้งนี้เมื่อหลานชายมาหาปู่ของเขา Kamshatov Sr. เพื่อชักชวนให้เขาไปร่วมงานฉลองวันครบรอบที่จัดขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา Kamshatov ปฏิเสธที่จะทำเช่นนี้ซึ่งทำให้เกิดความปั่นป่วนในบ้าน ญาติๆ ของเขาทั้งหมดชักชวนให้เขาไปงานเฉลิมฉลอง ต่างมีผลประโยชน์ของตนเอง มีจุดมุ่งหมายของตนเอง แล้วฮีโร่ของฉันก็เป็นคนสุดท้ายที่มาหาเขา เขาเพิ่งสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยและมีความฝันที่จะประกอบอาชีพ ปกป้องวิทยานิพนธ์ระดับปริญญาเอก และเดินทางไปทำธุรกิจในต่างประเทศ ดังนั้นเขาจึงร่วมชักชวนปู่ที่ดื้อรั้นให้ไปงานวันครบรอบเพราะเขาเข้าใจว่าการกบฏของ Kamshatov Sr. นี้อาจส่งผลต่อ Kamshatov Jr. และอาชีพของเขาได้อย่างไร
ฉันก็เลยออกไปหาเขา Plotnikov-Kamshatov ทักทายฉันด้วยสายตาเหล่อย่างเจ้าเล่ห์พูดว่า มาเลย มาเลย คุณมากับอะไร? และเขาเสนอเกมสำหรับเด็กให้ฉันซึ่งครั้งหนึ่งเขาเคยเล่นกับฉันในวัยเด็ก เขาถามว่า “แล้วเจ้าของบ้านล่ะ?” ฉันตอบว่า: "ที่บ้าน" - “หีบเพลงพร้อมหรือยัง?” - "พร้อม." - "ฉันเล่นได้ไหม?" - "สามารถ". แล้วเขาก็ถามว่า:“ คุณถูกส่งไปแล้วเหรอ?” ซึ่งฉันตอบเขาไปว่า: “ทำไมคุณปู่ถึงทำเช่นนี้?” แม้ว่าฉันจะเห็นว่าปู่ของฉันเข้าใจทุกอย่างแล้ว แล้วเขาก็มองมาที่ฉันราวกับถามว่า: "มาเลยคุณจะชักชวนฉันอย่างไร" และฉันก็รอดูว่าจะใช้ข้อโต้แย้งอะไรบังคับให้เขาไปงานวันครบรอบ และฉันเห็นสีหน้าของเขาเปลี่ยนไปทีละน้อย จนถึงขั้นสติแตก ร้องไห้ เมื่อในที่สุดเขาก็เชื่อมั่นว่าอาชีพนี้เติบโตขึ้นมาข้างๆ เขา ซึ่งไม่มีอะไรศักดิ์สิทธิ์ และไม่ดูหมิ่นอะไรเลย
เราเล่นฉากนี้โดยไม่ละสายตาจากกัน อารมณ์แบบไหนที่ปะทุขึ้นใน Nikolai Sergeevich เขาเต็มไปด้วยเลือดได้อย่างไรกรีดร้องจากนั้นก็ดึงตัวออกจากฉันอย่างรังเกียจและฉันเกือบจะรู้สึกถึงทัศนคติของเขาที่มีต่อฉันทางร่างกาย ฉันไม่เคยหยุดที่จะชื่นชมว่าเป็นโรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับนักแสดงหนุ่ม - โรงเรียนการแสดงที่สูงที่สุด
ฉันเล่นกับ Plotnikov มากมายและแน่นอนว่าฉันรู้สึกขอบคุณอย่างยิ่งต่อโชคชะตาสำหรับสิ่งนี้ ฉันจะบอกว่าเขาเป็นแบบนั้นเสมอโดยปรากฏตัวทันทีเหมือน Astangov หันหน้าเข้าหาคู่ของเขาเสมอ นอกจากนี้เขายังชอบที่จะสร้างตัวละครขนาดใหญ่ที่มีลายเส้นขนาดใหญ่และเข้มข้น เขาไม่ได้แบ่งบทบาทออกเป็นรายละเอียด ไม่ทำให้มันเล็ก ไม่หลงใหลกับการแสดงตัวละคร เขายังคงเป็น Plotnikov อยู่เสมอและในขณะเดียวกันก็เข้าสู่บทบาทมากจนดูเหมือนเป็นไปไม่ได้ที่จะร้อยเข็มระหว่างเขากับภาพที่เขาสร้างขึ้น - นั่นคือการเปลี่ยนแปลงของเขาเป็นตัวละคร เขาเกือบจะไม่ได้ใช้การแต่งหน้า แต่เขาไม่ต้องการมัน ด้วยการแสดงออกภายนอกขั้นต่ำ เขาจึงสร้างตัวละครที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง นี่คือระดับสูงสุดของการแสดง
บางครั้งมันเกิดขึ้นที่นักแสดงในการแสวงหาตัวละครในความพยายามที่จะซ่อนตัวเองไว้เบื้องหลังบทบาทมาด้วยหน้ากากการแต่งหน้าที่ซับซ้อนและบางครั้งก็ถูกพาตัวไปโดยที่เบื้องหลังทั้งหมดนี้คุณจะไม่เห็นบุคคลนั้นอีกต่อไป แต่แทนที่จะมีหุ่นที่เตรียมไว้เดินไปรอบๆ เวทีแทน แต่ตัวละครของ Plotnikov ไม่เคยบดบังตัวเอง ความคิดริเริ่มของมนุษย์ และขนาดของบุคลิกภาพของเขา ภายนอกดูเหมือนเขาจะไม่เปลี่ยนแปลงอะไรเกี่ยวกับตัวเองและในขณะเดียวกันเขาก็แตกต่างอยู่เสมอ: ไม่ว่าจะเป็น Shuisky ใน "The Great Sovereign" หรือ Kamshatov ใน "Coronation", Leporello ใน "The Stone Guest" หรือ Domitian ใน "Lyon ". สำหรับเขาสิ่งที่สำคัญที่สุดคือการสร้างภาพลักษณ์ภายใน เจาะลึกถึงแก่นแท้ของภาพ เข้าใจสิ่งสำคัญในนั้น และวิธีการแสดงออกก็สงวนไว้ แต่แม่นยำ กว้างขวาง และมีความหมายเสมอ การสร้างภาพลักษณ์ของ Shuisky ชายผู้น่ากลัว นักล่า ทรยศ ฉลาดและมีไหวพริบคนนี้ ภายนอกดูเหมือนว่าเขาไม่ได้เปลี่ยนแปลงอะไรเกี่ยวกับตัวเขาเอง แต่ภายในเขาเกิดใหม่ได้อย่างไร! มันเป็นสุนัขจิ้งจอกผู้รอบรู้ เป็นสัตว์ร้ายในร่างมนุษย์ ยิ้มเจ้าเล่ห์ เห็นทุกสิ่ง ถักทอสายใยที่ซับซ้อนแห่งอุบาย! และทั้งหมดนี้มีวิธีการแสดงออกภายนอกน้อยที่สุด นี่คือความหมายของการเปลี่ยนแปลงที่แท้จริงให้เป็นภาพ!
เรามักจะได้ยินหรือแม้แต่ถามตัวเองว่า “การเป็นบุคคลในงานศิลปะหมายความว่าอย่างไร” ดังนั้นฉันคิดว่า Nikolai Sergeevich ให้คำตอบที่ละเอียดถี่ถ้วนแก่ฉันสำหรับคำถามนี้ไม่ใช่ด้วยคำพูด แต่ด้วยการกระทำด้วยทัศนคติในการทำงานต่อผู้คนต่อสิ่งที่ตัวเขาเองได้เห็น - ตลอดชีวิต
นักแสดงยุคใหม่คิดไม่ถึงหากไม่มีสิ่งที่น่าสมเพชของพลเมือง วันนี้ผู้ชมจะไม่แปลกใจกับความเก่งกาจของวิธีการทางเทคนิค หากภาพสร้างขึ้นจากประสบการณ์ที่สั่งสมมาและการพิจารณาทั่วไปเท่านั้น ก็จะไม่พบเสียงสะท้อนที่ดีในหอประชุม
ขนาดภาพทั้งหมดที่สร้างขึ้นโดยนักแสดงจะพิจารณาจากขนาดบุคลิกภาพของเขาเป็นหลัก สิ่งสำคัญคือเขาใช้ชีวิตอย่างไร เขาตอบสนองต่อเหตุการณ์ในชีวิตอย่างไร โดยทั่วไป ฉันคิดว่าศิลปะและความเฉยเมย (เพื่อถอดความคำพูดของพุชกิน) เป็นแนวคิดที่ "เข้ากันไม่ได้" เมื่อฉันเห็นว่านักแสดงมีปฏิกิริยาโต้ตอบอย่างเฉยเมยหรือแม้แต่สงบต่อสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัวเขา ต่อความอยุติธรรมในโลก ต่อความจริงที่ว่า ณ ที่ใดที่หนึ่ง แม้จะอยู่ห่างไกลมาก เลือดของผู้คนกำลังหลั่งไหล ราวกับว่าความชั่วร้ายแม้จะชั่วคราวกำลังได้รับ ด้านบนเข้าใจว่านักแสดงคนนี้เป็นศิลปินไปแล้วเขาจะไม่สร้างอะไรที่จริงจังหรือน่าตื่นเต้นอีกต่อไป สิ่งที่เหลืออยู่ก็คืองานฝีมือในความหมายที่เลวร้ายที่สุด ซึ่งพัฒนาขึ้นมาในอดีตเท่านั้น และศิลปะจะต้องปกป้องจุดยืน แก่นเรื่อง ความคิดนี้หรือสิ่งนั้นด้วยความสามารถและหลงใหล ไม่เช่นนั้นแล้วมันจะส่งผลเสียมากกว่าผลดี เพราะแม้แต่ความคิดที่ใจดีที่สุดซึ่งแสดงออกมาอย่างไร้ความสามารถและไร้เหตุผล ก็มีแนวโน้มที่จะถูกทำให้เสื่อมเสียชื่อเสียงมากกว่าที่จะพบเสียงสะท้อนในหัวใจของ ผู้ชม.
ใช่ นักแสดงจะต้องมีทั้งความเป็นพลเมืองและทักษะสูงผสมผสานกันอย่างแน่นอน และหากในคำปราศรัยของเขาต่อผู้อ่าน Nekrasov ยอมรับว่า "คุณอาจไม่ใช่กวี แต่คุณต้องเป็นพลเมือง" นักแสดงก็ต้องเป็นทั้งกวีและพลเมือง
และมีบุคลิกที่ไม่ธรรมดา และรักชีวิตอย่างที่ Plotnikov ชอบ
Nikolai Sergeevich เสียชีวิตเมื่ออายุแปดสิบสอง แต่เขาเป็นชายที่อายุน้อยที่สุดที่ฉันรู้จัก เขามีความมีชีวิตชีวา การมองโลกในแง่ดี และแม้กระทั่งความชั่วร้ายมากมาย วันหนึ่งเขาและฉันไปเดินเล่นหลังโรงละครริมอาร์บัต การเดินของเขาไม่แน่นอนอยู่แล้ว เข่าสั่น ขาไม่งอ และทันใดนั้นฉันก็เห็น: เขากำลัง "ยืน" ฉันถาม:“ คุณเป็นอะไรไป Nikolai Sergeevich?” และเขา:“ Vasechka ดูสิว่าเธอสวยแค่ไหน!” และเขาหรี่ตาเหมือนแมวจอมซน...
สามวันก่อนที่เขาจะเสียชีวิต เขาบอกฉันที่ทางเดินในโรงละครว่า “วาเชคกา เมื่อฉันตาย ให้นั่งบนเก้าอี้ที่โต๊ะของฉันในห้องแต่งตัว ฉันยกตำแหน่งของฉันให้กับคุณ” ตั้งแต่นั้นมาฉันก็นั่งอยู่บนเก้าอี้ของเขา
ศิลปะการละครคือการฝึกฝนอย่างต่อเนื่อง เช่น การซ้อมในตอนเช้า การแสดงในตอนเย็น และอื่นๆ วันแล้ววันเล่า
ต่างจากภาพยนตร์ที่ผู้กำกับ ช่างกล้อง และบรรณาธิการตัดสินใจอย่างมากสำหรับศิลปิน ในโรงละครในระหว่างการแสดง ภาระทั้งหมดตกอยู่ที่นักแสดง และเขาก็ทำลายการผลิตหรือทำ "ขนม" จากละครธรรมดาๆ
โดยทั่วไปแล้ว ฉันโชคดีที่มีคนที่การสื่อสารไม่เพียงแต่เป็นการฝึกอบรมทางเทคนิคระดับมืออาชีพเท่านั้น นี่คือการสื่อสารทางจิตวิญญาณเสมอ เป็นโอกาสในการเรียนรู้ที่จะเป็นมนุษย์ ฉันประหลาดใจเสมอกับ Ruben Nikolaevich Simonov กับเยาวชนทางจิตวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์ที่น่าทึ่งและอารมณ์โรแมนติกของเขา ฉันใกล้ชิดและเข้าใจถึงความสมบูรณ์และความแข็งแกร่งของตัวละครสมัยใหม่ใน Mikhail Ulyanov ความฉลาดหลักแหลมและมนุษยนิยมของ Yuri Yakovlev ความเอื้ออาทรของพรสวรรค์ของ Nikolai Olimpievich Gritsenko
แน่นอนว่าถิ่นที่อยู่ของ "กลุ่มดาวใหญ่" ของนักแสดงไม่ได้เป็นเพียงโรงละครเท่านั้น และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ไม่ใช่แค่โรงละครที่ตั้งชื่อตาม Evg เท่านั้น วาคทังกอฟ. ในกาแล็กซีอันไม่มีที่สิ้นสุด เราไม่ได้อยู่คนเดียวอย่างแน่นอน มีและเป็นดวงดาวและกลุ่มดาวที่มีขนาดไม่น้อยใน Moscow Art Theatre, Maly Theatre, Bolshoi Drama Theatre ซึ่งตั้งชื่อตาม G. A. Tovstonogov ใน Alexandrinka ที่มีชื่อเสียง - รายชื่อสามารถดำเนินต่อไปได้ ฉันแค่ตั้งชื่อคนที่ใกล้ชิดกับฉันมากขึ้นซึ่งการกระทำที่โชคชะตาพาฉันมาพบกันซึ่งฉันมีโอกาสสังเกตมากขึ้นสื่อสารเป็นเพื่อนและผู้ที่ฉันมีโอกาสเรียนรู้
ตัวอย่างเช่น ฉันได้พบกับ Alexei Kuznetsov นักแสดงที่โรงละคร Vakhtangov และเป็นเพื่อนเก่าของฉันเมื่อปี 1953 ในกองถ่ายภาพยนตร์เรื่อง "Certificate of Maturity" ตอนนั้นฉันอยู่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 10 และเล่นเป็นนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 10 ส่วน Alyosha Kuznetsov อยู่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 และเล่นเป็นน้องชายของฉันซึ่งเป็นนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 ในวันที่ถ่ายทำ เขาถูกรับตรงจากโรงเรียนและขับรถไปที่กองถ่าย พ่อของเขาเป็นผู้กำกับกลุ่มภาพยนตร์ที่ Mosfilm ซึ่งอาจเป็นสาเหตุว่าทำไมเขาถึงพบว่าตัวเองอยู่หน้ากล้องถ่ายภาพยนตร์ตั้งแต่อายุยังน้อย จากนั้นเมื่อถึงเวลาเขาก็เข้าโรงเรียนโรงละคร Shchukin เช่นเดียวกับฉัน หลังจากสำเร็จการศึกษาหลังจากรับบทผู้ถือน้ำในละครเรื่อง "The Good Man from Szechwan" โดย Brecht อย่างชาญฉลาด Alexey ก็สามารถทำได้ร่วมกับหลักสูตรภายใต้การแนะนำของ Yuri Petrovich Lyubimov ไปสร้าง โรงละครใหม่"บนตากันกา" แต่ Ruben Nikolaevich Simonov ชักชวนให้เขาอยู่ในโรงละครโดยสัญญาว่าจะมีอนาคตที่ดี และแน่นอนหลังจากเข้าร่วมคณะละครของโรงละคร Vakhtangov เขาก็ยุ่งอยู่กับการแสดงและมีบทบาทมากมาย แต่สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าโรงละครสามารถใช้ความสามารถของเขาในฐานะฮีโร่ผู้แต่งโคลงสั้น ๆ และความสามารถด้านการแสดงตลกที่หายากของเขาได้บ่อยขึ้น และเมื่อโรงละครนำโดย Evgeniy Rubenovich Alexei ก็ไม่เป็นที่ต้องการอีกต่อไป จากนั้นฉันก็นึกถึงคำเตือนของ Lyubimov เกี่ยวกับสิ่งที่รอเขาอยู่ ละครวิชาการ- แต่เวลาผ่านไปแล้วและคุณไม่สามารถนำสิ่งที่คุณสูญเสียไปกลับคืนมาได้ ตอนนี้ Alexey สอนกับฉันที่โรงเรียน Shchukin ในภาควิชาศิลป์ดังนั้นเราจึงเชื่อมโยงกันอยู่แล้ว (ซึ่งอาจไม่เคยเกิดขึ้น) ด้วยมิตรภาพห้าสิบปี และฉันรู้สึกขอบคุณต่อโชคชะตาที่เธอมอบเพื่อนให้ฉัน - มีความสามารถเชื่อถือได้และภักดี ไม่ใช่ทุกคนที่โชคดีในชีวิต
ฉันจะยังคงมีโอกาสพูดคุยเกี่ยวกับ Ruben Nikolaevich Simonov ในหนังสือเล่มนี้ ตอนนี้ฉันจะสังเกตเพียงว่ารากฐานที่เขาวางไว้ในตัวฉันตั้งแต่วันแรกของการทำงานในโรงละครยังคงช่วยได้จนถึงทุกวันนี้ จริงอยู่ที่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาเขาได้แสดงละครมาบ้างแล้วและมีส่วนร่วมน้อยลงกว่าเดิม แต่การประชุมร่วมกันไม่กี่ครั้งเหล่านั้นก็มีคุณค่าอันล้ำค่า
ความตกใจที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของฉันจากการแสดงของ Ruben Nikolaevich เกี่ยวข้องกับการแสดงบทบาทของ Cyrano de Bergerac ในบทละครของ Rostand ที่มีชื่อเดียวกัน ถ้อยคำของพระองค์: “คุณได้ยินความเคลื่อนไหวของโลกหรือไม่ และคุณรู้ไหมว่าคำว่า “นิรันดร์” หมายถึงอะไร?” - ฉันยังคงเก็บความทรงจำของฉันไว้จนถึงความแตกต่างที่เล็กที่สุด ฉันมองเห็นเขาอย่างชัดเจนและฉันคิดว่าความตกใจจากการเล่นของเขานี้จะคงอยู่กับฉันไปตลอดชีวิต มันแสดงได้อย่างทรงพลังมาก บนคลื่นแห่งการระเบิดทางอารมณ์ ความหลงใหลในพลเมือง
ไม่ สิ่งที่แทรกซึมเข้าไปในจิตวิญญาณอย่างลึกซึ้ง เข้าสู่จิตสำนึกและจิตใต้สำนึกในเวลาเดียวกัน สิ่งที่ทำให้หัวใจเต้นรัว ไม่มีอะไรถูกบดบังอีกต่อไป ความตกใจดังกล่าวพบชั้นวางของในตัวบุคคลและถูกเก็บไว้ในนั้นโดยขัดขืนไม่ได้อันศักดิ์สิทธิ์ สำหรับฉัน มันเหมือนกับส้อมเสียงที่คุณอยากปรับแต่งอยู่เสมอ เหมือนความสูงที่คุณมุ่งมั่นมาทั้งชีวิตในความคิดสร้างสรรค์ของคุณ มันเหมือนกับอุดมคติที่คุณต้องการบรรลุ กระตุ้นการเติบโตและไม่ยอมให้คุณพักผ่อนกับสิ่งที่คุณประสบความสำเร็จ เราแต่ละคนต้องการความสูงในด้านความคิดสร้างสรรค์ ในการทำงาน และในชีวิต
นี่เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับนักแสดงรุ่นเยาว์ เพราะหากคนหนุ่มสาวไม่ยอมรับประเพณีของโรงละคร พวกเขาจะไม่รู้สึกโดยตรงในงานของพวกเขาว่าระดับการแสดงที่แท้จริงคืออะไร “ไม้ลอย” คืออะไร แล้วพวกเขาควรศึกษาอะไร พวกเขาควรมุ่งมั่นเพื่อผลงานแบบไหนที่พวกเขาควรทำเป็นแบบอย่างให้กับตัวคุณเอง? Ruben Nikolaevich Simonov เข้าใจสิ่งนี้เป็นอย่างดีและได้รับคำแนะนำจากความเข้าใจนี้ในทางปฏิบัติอย่างสม่ำเสมอ ในการกระจายบทบาทในการแสดงใหม่และแนะนำนักแสดงใหม่ไปสู่การแสดงเก่าเขาพยายามเสมอที่จะวางเด็กไว้ข้างๆนักแสดงที่มีประสบการณ์โดยมีปรมาจารย์เขาไม่เคยแยกคนหนุ่มสาวออกจาก "คนแก่" เขามักจะ "ผสม" พวกเขาอยู่เสมอ . และมันก็ฉลาด เมื่อ Plotnikov เล่นทางขวา Mansurova ทางซ้าย Gritsenko อยู่ข้างหน้า และ Astangov อยู่ข้างหลัง มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะเล่นได้แย่ ไม่ว่าคุณจะต้องการหรือไม่ก็ตาม คุณจะตกอยู่ในรัศมีของพวกเขา ปรับให้เข้ากับคลื่นไฟฟ้าแรงสูงของพวกเขา
Evgeniy Rubenovich ก็เกิดความเชื่อมั่นแบบเดียวกันแม้ว่าจะไม่ใช่ในทันทีจากประสบการณ์อันขมขื่นของเขาเองหลังจากที่เขาแสดงการแสดงหลายครั้งกับคนหนุ่มสาวเท่านั้น หลังจากนั้นไม่นานฉันก็เห็นว่าโรงละครเริ่มสูญเสียระดับการแสดงและสูญเสียโรงเรียนไปได้อย่างไร หากไม่มีการเติมเต็มอย่างต่อเนื่องโดยไม่มีการสื่อสารกับผู้เล่นเก่าของ Vakhtangov สไตล์การเล่นก็เริ่มลดลง รสชาติและความรู้สึกของสัดส่วนเริ่มหายไป ความอดทนเริ่มเกิดขึ้นโดยที่ Ruben Nikolaevich ไม่เคยยอมให้อยู่บนเวทีของโรงละคร Vakhtangov
ฉันคิดว่า M.A. Ulyanov ทำซ้ำข้อผิดพลาดเดียวกันระหว่างการเป็นผู้นำทางศิลปะของโรงละคร การพึ่งพาเฉพาะเยาวชนโดยไม่เกี่ยวข้องกับ "ผู้เฒ่า" ถือเป็นภัยคุกคามต่อเยาวชนและ "โรงละคร" - "การเชื่อมต่อของเวลา" กำลังพังทลาย: ทั้งหมดนี้สำคัญกว่าสำหรับทิศทางการแสดงละครเช่นของ Vakhtangov - จำเป็นต้องมีการถ่ายทอดประเพณี
หลังจาก Ruben Nikolaevich Evgeniy Rubenovich Simonov ยังคงทำงานของพ่อในโรงละครต่อไป เราทำงานร่วมกับเขาในโรงละครมานานกว่าหนึ่งในสี่ของศตวรรษ เริ่มตั้งแต่ปี 1957 ของเราทั้งหมด ชีวิตที่สร้างสรรค์ผ่านไปแล้วก็พูดต่อหน้าต่อตากัน ในช่วงเวลานี้ความรู้สึกที่สำคัญมากในการทำงานร่วมกันได้ถูกสร้างขึ้น: ความไว้วางใจซึ่งกันและกัน, ความเข้าใจซึ่งกันและกัน, มุมมองร่วมกันเกี่ยวกับศิลปะการละคร, เกี่ยวกับชีวิตซึ่งแน่นอนว่าเอื้อต่อความคิดสร้างสรรค์ บทบาทแรกของฉันในโรงละคร - Baklanov ใน "Eternal Glory" - ถูกสร้างขึ้นร่วมกับเขา เขายังคงนำทางฉันผ่านเขาวงกตที่ซับซ้อนของโรงละคร ปกป้องฉันจากความล้มเหลว มอบความไว้วางใจให้ฉันแสดงบทบาทที่ยากลำบากและหลากหลาย ฉันเตรียมผลงานการแสดงที่สำคัญเกือบทั้งหมดในโรงละครโดยการมีส่วนร่วมหรือคำแนะนำทั่วไป
นอกจากละครแล้ว ดนตรีและบทกวียังพาเรามาพบกัน Evgeniy Rubenovich เองก็ชอบอ่านบทกวีและมักจะพูดซ้ำ:“ วาสยาตามฉันมาคุณอ่านบทกวีได้ดีกว่าใครในโรงละคร” แน่นอนว่านี่เป็นเรื่องตลก แต่สำหรับฉัน สิ่งสำคัญคือโรงละครบทกวีที่เขายอมรับว่าเป็นโรงละครของฉันด้วย
การแสดงของเขาเกือบทั้งหมดเป็นละครเพลง และดนตรีในนั้นไม่ได้เป็นเพียงเสียงประกอบหรือการตกแต่งเท่านั้น การกระทำที่น่าทึ่งและเธอเองก็มีความสำคัญ ส่วนสำคัญแทรกซึมเข้าไปเรื่อยๆ ให้อารมณ์โดยรวมของการแสดงและโครงเรื่องส่วนบุคคล ความหมาย และเส้นอารมณ์ในนั้น
เป็นสิ่งสำคัญมากในความสัมพันธ์ระหว่างผู้กำกับและนักแสดงเพื่อให้สามารถพูดได้อย่างเท่าเทียมกัน และบางครั้งก็โต้เถียงกันเพื่อค้นหาทางออกที่ดีที่สุดสำหรับการแสดง ฉาก หรือบทบาท โดยไม่ต้องอดทนต่อข้อพิพาทที่สร้างสรรค์ในความสัมพันธ์ที่มีอยู่ สิ่งนี้เป็นไปได้ด้วย Evgeniy Rubenovich ดังนั้นนักแสดงจึงไม่กลัวที่จะขัดแย้งกับเขาโดยรู้ว่าข้อเสนอที่สมเหตุสมผลใด ๆ ของพวกเขาจะได้รับการรับฟังหากไม่ขัดแย้งกับแนวคิดของผู้กำกับทั่วไปในบทละครก็สามารถยอมรับได้ - บางส่วนหรือทั้งหมด - หรือวิธีแก้ปัญหาที่น่าสนใจกว่าประการที่สาม ตัวอย่างเช่นสิ่งนี้เกิดขึ้นกับเราขณะทำงานในละครเรื่อง "Antony and Cleopatra" ผู้กำกับกำหนดให้ฉันและมิคาอิล อุลยานอฟต้องสร้างความเป็นปฏิปักษ์ระดับโลกอย่างต่อเนื่องและเข้ากันไม่ได้ระหว่างคู่ต่อสู้สองคนที่คู่ควรต่อกัน เป็นศัตรูกันทั้งชีวิตและความตาย คำถามต้องเป็น: เขาหรือฉัน ไม่มีทางเลือกอื่น และในที่สุดซีซาร์ก็ต้องเอาชนะแอนโทนีในการต่อสู้ครั้งนี้ เป็นเรื่องง่ายที่จะบอกว่าชนะ แต่จะทำยังไงเมื่อบทบาทของแอนโทนี่ไม่ใช่ใครอื่นนอกจากอุลยานอฟ! นอกจากนี้ ฉากกับเขาในตอนแรกมีโครงสร้างในลักษณะที่แอนโทนีพบว่าตัวเองอยู่ในตำแหน่งที่ได้เปรียบมากกว่าต่อหน้าซีซาร์เสมอ จะชนะการต่อสู้ได้อย่างไรหากคุณพบว่าตัวเองอยู่เบื้องหลังหากคุณอยู่ในตำแหน่งที่ไม่เท่าเทียมกับเขา? นี่ทำให้ภารกิจของซีซาร์ในการเอาชนะคู่ต่อสู้เป็นไปได้น้อยลง และเมื่อฉันบอก Evgeny Rubenovich เกี่ยวกับเรื่องนี้แล้วก็ถามแล้วก็เรียกร้องให้เปลี่ยนฉากในฉาก "Triumvirate" ในตอนแรกเขาก็ลุกเป็นไฟ และในวันรุ่งขึ้นเมื่อมาถึงการซ้อมเขาก็มาหาฉันจับมือฉันแล้วพูดว่า: "คุณพูดถูกวาสยาทุกอย่างถูกต้อง" จากนั้นเขาก็นั่งตรงข้ามกัน เปลี่ยนคู่ต่อสู้ของเราให้เป็นการต่อสู้ที่เข้ากันไม่ได้ และ... ฉากนั้นก็ปรากฏ ผลที่ตามมาคือความขัดแย้งระหว่างวีรบุรุษแห่งโศกนาฏกรรมที่เข้มแข็งเท่าเทียมกันของเช็คสเปียร์ซึ่งในที่สุดซีซาร์ก็ชนะ
ภาพเดียวกันนี้เกิดขึ้นซ้ำที่นี่ใน "ด้านหน้า" และอีกครั้งที่ Ulyanov เป็นฝ่ายตรงข้ามของฉัน ฉันในบทบาทของ Ognev ต้องได้เปรียบในการโต้เถียงกับ Gorlov และด้วยเหตุผลบางอย่าง Ulyanov จึงกลายเป็น "เจ้าแห่งสถานการณ์" ที่อยู่ตรงกลางเวทีเสมอ และเมื่อฉากมีการเปลี่ยนแปลง อีกครั้งหลังจากที่ฉันร้องขออย่างต่อเนื่องให้ทำการจัดเรียงใหม่ในฉากของ Ognev และ Gorlov ทุกอย่างก็เข้าที่
ฉันคิดว่านี่เป็นคุณสมบัติอันมีค่าของการเป็นผู้กำกับ - เพื่อรับฟังความคิดเห็นของนักแสดงและไม่ตกอยู่ในความทะเยอทะยาน - นี่เป็นข้อพิสูจน์ถึงความแข็งแกร่งและความมั่นใจในตนเองของผู้กำกับ ไม่ใช่จุดอ่อนของเขา และเพื่อไม่ให้เพื่อนร่วมงานของคุณขุ่นเคืองบนเวทีแม้ว่าพวกเขาจะทำผิดไม่ต้องเก็บงำความขุ่นเคืองเพราะมีคนไม่เห็นด้วยกับคุณในบางสิ่งบางอย่างในข้อพิพาท - สิ่งนี้มีส่วนช่วยในการสร้างสถานการณ์ที่ไว้วางใจและสร้างสรรค์อย่างแท้จริง . ทุกสิ่งที่ทำในการทำงานร่วมกันและที่จะทำในอนาคตไม่ควรถูกบดบังด้วยความขัดแย้ง ข้อพิพาท หรือสถานการณ์ความขัดแย้งใดๆ เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ในความพยายามที่จะสร้างสรรค์ใดๆ และหากได้รับการปฏิบัติอย่างถูกต้อง ก็จะเป็นประโยชน์สำหรับทั้งนักแสดงและผู้กำกับ
โดยเฉพาะอย่างยิ่งฉันให้ความสำคัญกับความกล้าหาญของผู้กำกับความสามารถในการทดลองโดยไม่ต้องกลัวซึ่งแน่นอนว่าไม่ใช่เรื่องประมาท แต่เป็นสิ่งที่สมเหตุสมผล ความพยายามสร้างสรรค์ใดๆ ก็ตามที่มีชีวิตนั้นเกี่ยวข้องกับความเสี่ยงในระดับหนึ่ง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของผู้กำกับ ท้ายที่สุดแล้วหากเขาไม่เสี่ยง ไม่มองหาสิ่งใด กลัวการทำผิดอยู่ตลอดเวลา เขาก็จะไม่สามารถสร้างสรรค์สิ่งที่น่าสนใจ สดใหม่ แปลกใหม่ และจะไม่มีทางประสบความสำเร็จในฐานะผู้กำกับได้
ใช่ ฉันคิดว่าต้องใช้ความกล้าหาญอย่างมากในการตัดสินใจทดลอง ตัดสินใจ และหากจำเป็น ยืนกรานในเรื่องที่ไม่รับประกันความสำเร็จ ซึ่งในหลาย ๆ ด้านมีความเสี่ยงและไม่มั่นคง สิ่งนี้เกิดขึ้นเช่นระหว่างการกระจายบทบาทในละครเรื่อง The Thirteenth Chief โดย A. Abdullin ซึ่งฉันได้รับการเสนอ บทบาทหลัก- หลายคนประหลาดใจกับการตัดสินใจของ Evgeny Rubenovich และเพื่อนร่วมงานรุ่นเยาว์ของเขา - ผู้กำกับ V. Shalevich และ O. Forostenko พวกเขาถูกหยุดเตือนแนะนำให้คิดโดยพิจารณาจากบทบาทของ Sagadeev ประธานฟาร์มรวมไม่ใช่ของฉัน นอกจากนี้คณะละครยังมีประธาน "สำเร็จรูป" ซึ่งทุกคนยอมรับและยอมรับในภาพยนตร์เรื่อง "The Chief" - Mikhail Ulyanov สำหรับฉันในตอนแรกดูเหมือนว่าบทบาทไม่เหมาะกับคุณลักษณะของฉัน แต่ทั้งคำเตือนของเพื่อนร่วมงานและความสงสัยของฉันก็ไม่สามารถหยุดยั้งพวกเขาได้ และผลลัพธ์ก็เป็นสิ่งที่คาดไม่ถึงสำหรับทุกคนรวมทั้งฉันด้วย
Evgeniy Rubenovich ไว้วางใจนักแสดงบางครั้งเห็นพวกเขามากกว่าที่พวกเขาเห็นในตัวเองและมักจะชนะค้นพบคุณสมบัติใหม่ของความสามารถของพวกเขาในนักแสดงไม่อนุญาตให้พวกเขาซบเซาเพื่อหยุดการเคลื่อนไหวที่สูงขึ้น
สิ่งเดียวกันนี้เกิดขึ้นกับบทบาทของโรแลนด์ใน "The Hussar Girl" โดย F. Koni หลายคนดูเหมือนไม่ใช่บทบาทของฉัน หนังตลกนั้นไม่ใช่บทกวีของฉัน และเขาเชื่อในตัวฉัน ยืนกรานให้ฉันได้รับการแต่งตั้งให้รับบทบาทนี้ และเป็นคนที่มีความสุขที่สุดเมื่อเห็นได้ชัดว่าบทบาทนี้ได้ผล นักแสดงจะไม่รู้สึกขอบคุณผู้กำกับสำหรับเรื่องนี้ได้อย่างไร เขาจะไม่เชื่อสัญชาตญาณ ความเข้าใจ และความสามารถในการทำงานร่วมกับนักแสดงได้อย่างไร เป็นเรื่องธรรมดาที่เมื่อมีความเสี่ยง ความล้มเหลวก็จะเกิดขึ้น พวกเขามาเยี่ยมชมโรงละครของเราด้วย แต่สิ่งสำคัญคือต้องปฏิบัติต่อพวกเขาอย่างไร ในกรณีเหล่านี้ Evgeniy Rubenovich ไม่ได้พยายามที่จะโยนความผิดให้กับนักแสดงหรือใครก็ตาม เขาไม่กลัวที่จะยอมรับความผิดพลาดของเขา เขารับโทษตัวเอง และนี่ก็พูดถึงความแข็งแกร่งของผู้กำกับด้วย คุณสามารถไว้วางใจเขา และพึ่งพาเขาได้ และสิ่งนี้มีความหมายแค่ไหนในทุกธุรกิจ! นอกจากนี้ยังมีข้อเสนอแนะที่นี่ หากผู้กำกับเชื่อในตัวนักแสดง เขาจะกระตุ้นงานของเขา การค้นหาของเขา เปิดโอกาสให้เขาพัฒนาบทบาทด้วยตัวเอง และไม่เพียงแต่อาศัยคำใบ้เท่านั้น แต่ยังได้รับความช่วยเหลือจากผู้กำกับอีกด้วย
อาจมีผู้กำกับหลายคนเท่าที่มีอยู่ มีวิธีการทำงานละครหรือภาพยนตร์หลายวิธีพอๆ กัน Evgeniy Rubenovich (ต่างจากพ่อของเขา Ruben Nikolaevich ซึ่งมีความสนใจในการทำงานร่วมกับนักแสดงมากกว่าชอบที่จะทำและให้ความสนใจน้อยลงกับแง่มุมในการแสดงละครล้วนๆ) เป็นของผู้กำกับที่ให้ความสำคัญกับการสร้างฉากมากกว่า สร้างฉากทั่วไป ภาพลักษณ์ของการแสดง และการควบคุมพื้นที่บนเวที เป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาที่นักแสดงจะไม่หลุดออกจากกลุ่มการแสดงทั่วไปเพื่อจุดประสงค์นี้เขาได้รับเพียงแนวทางทั่วไปในงานของเขา ส่วนที่เหลือเมื่อจบบทบาทได้รับมอบหมายให้ผู้ช่วยของเขาและปล่อยให้นักแสดงเอง ฉันไม่ชอบการตกแต่งเครื่องประดับเลย นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมฉันถึงไม่ชอบนักแสดงที่แค่ “มองเข้าไปในปากผู้กำกับ” โดยไม่นำอะไรของตัวเองมาแสดง
และสุดท้าย บางทีสิ่งที่ฉันให้คุณค่ามากที่สุดในตัวผู้กำกับละครก็คือความสามารถในการเห็นคุณค่าของอดีตของเขา ซึ่งเป็นสิ่งที่เราสืบทอดมาจากนักแสดงและผู้กำกับรุ่นก่อนๆ ไม่มีความลับที่มันมักจะเกิดขึ้นในโรงละคร - ผู้กำกับคนใหม่เข้ามาและเริ่มที่จะทำลายทุกสิ่งปรับโฉมใหม่ในแบบของเขาเองไม่ว่านักแสดงจะยอมสละชีวิตทั้งชีวิตบนเวทีเริ่มคำนวณชีวิตของ โรงละครตั้งแต่วันที่เขามาถึงได้รับการชี้นำโดยปรัชญาของฮีโร่เกอเธ่: "โลกนี้ไม่มีอยู่ต่อหน้าฉันและถูกสร้างขึ้นโดยฉัน"
Evgeniy Rubenovich ปฏิบัติต่อผู้คุม Vakhtangov เก่าซึ่งอาจพูดด้วยความเคารพโดยตระหนักว่าหากไม่มีประเพณีหากไม่มีอดีตก็จะไม่มีปัจจุบันที่เขาก็จะไม่มีอะไรจะเกิดมา มันเหมือนกับในครอบครัวที่คุณอดไม่ได้ที่จะให้เกียรติพ่อแม่และผู้อาวุโสของคุณ คุณไม่สามารถเป็นโธมัสที่จำเครือญาติของคุณได้ เพราะเมื่อนั้นลูก ๆ ของพวกเขาจะเติบโตขึ้นอย่างไร้วิญญาณ พวกเขาจะไม่ทำให้คุณแก่ชรา โดยคำนึงถึงพวกเขาจะไม่แสดงความเคารพต่อผู้สูงอายุ และพวกเขาจะเติบโตขึ้นเป็นสัตว์ประหลาดทางจิตวิญญาณ ในทำนองเดียวกัน ในโรงละคร มาตรฐานทางจริยธรรมเหล่านี้จะต้องได้รับการอนุรักษ์และปกป้องอย่างศักดิ์สิทธิ์จากความหยาบคาย การดูหมิ่น และความไม่เคารพในพิธีการ
มีกรณีเช่นนี้ในโรงละครของเรา นักเขียนบทละครชื่อดังอ่านบทละครใหม่ของเขาที่คณะ พวกเราทุกคน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านความคิดสร้างสรรค์ ไม่ได้รับการยกเว้นจากความล้มเหลว สิ่งเหล่านี้เกิดขึ้นได้แม้กระทั่งในหมู่ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ และเป็นที่ยอมรับ สำหรับนักเขียนบทละคร นี่เป็นความล้มเหลวอย่างสร้างสรรค์ที่เป็นที่ยอมรับ เห็นได้ชัดว่าตัวเขาเองรู้สึกว่าไม่ใช่ทุกอย่างที่ได้ผลสำหรับเขาดังนั้นเมื่อการอภิปรายเรื่องละครเริ่มขึ้นเมื่อนักแสดงทีละคนเริ่ม "ทุบ" ละครเขานั่งเงียบ ๆ ไม่ได้พยายาม พูดอะไรเพื่อปกป้องเขา ไม่ได้พยายามอธิบายอะไร แต่ฉันจำใบหน้าของ Evgeniy Rubenovich ในระหว่างการสนทนานี้ - หน้าซีด, ตื่นเต้น, กังวล, ความอึดอัดใจและความอับอายของเขาต่อหน้านักเขียนบทละครของนักแสดง ไม่ใช่เพราะคุณธรรม ไม่ใช่เพราะพวกเขาพูดบทละครได้ไม่ดี แต่เป็นเพราะรูปแบบการสนทนา เนื่องจากความรุนแรงที่พวกเขายอมให้มีในการอภิปราย การไม่เคารพน้ำเสียงต่อผู้เขียน พวกเขาตีแบ็คแฮนด์อย่างไร้ความปราณีเพราะนักแสดงรู้วิธีทำโดยลืมไปว่าก่อนหน้านั้นคือคนเขียนที่เคยทำละครของเรามาเยอะแล้วและยังทำได้มากกว่านี้อีกมาก ใช่ ละครไม่ประสบความสำเร็จ เราไม่ชอบมัน แต่รูปแบบการสนทนาควรมีไหวพริบ ให้ความเคารพต่อคู่สนทนา แม้ว่าบางอย่างเกี่ยวกับเขาหรืองานของเขาจะไม่เหมาะกับคุณหรือทำให้คุณหงุดหงิดก็ตาม นี่ไม่ได้หมายความว่าคุณสามารถปล่อยให้ตัวเองหยาบคาย กักขฬะ และไร้ยางอายในกรณีเช่นนี้ได้
หลังจากที่ผู้เขียนออกจากโรงละคร Evgeniy Rubenovich ก็พูดถึงเรื่องนี้กับนักแสดงด้วยอารมณ์ที่หาได้ยากสำหรับเขา ช่างเป็นบทเรียนที่เขาสอนพวกเราทุกคน! สิ่งสำคัญคือต้องมีวัฒนธรรมและความเหมาะสมของมนุษย์ไม่ว่าเราจะพูดถึงชีวิตมนุษย์ในด้านใด - เขาบังคับให้หลายคนที่อยู่ในการสนทนานั้นคิดอย่างจริงจังและลึกซึ้งเกี่ยวกับเรื่องนี้ในวันนั้นและวาดบทเรียน จากเหตุการณ์นี้ไปตลอดชีวิต
เราทุกคนต้องจำสิ่งนี้ไว้เสมอ!
น่าเสียดายที่การทำงานในโรงละครในปีสุดท้ายไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับ Evgeniy Rubenovich เขาไม่รู้สึกว่าโรงละครกำลังสูญเสียตำแหน่งที่ชนะมาก่อนหน้านี้และกำลังจะตกต่ำลง เขายอมรับสำหรับการผลิตบทละครที่อ่อนแออย่างเห็นได้ชัดซึ่งถึงวาระที่จะล้มเหลวล่วงหน้า และไม่อนุญาตให้ผู้กำกับคนอื่นที่สามารถยกระดับการแสดงขึ้นแสดงได้ ด้วยการอาศัยแต่นักแสดงรุ่นเยาว์เท่านั้น เขาจึงลิดรอนโอกาสที่จะเรียนรู้จากผู้เฒ่าและได้รับประสบการณ์จริงๆ ดังนั้นโรงละครซึ่งค่อนข้างคึกคักไปด้วยผลงานที่น่าสนใจเมื่อเร็ว ๆ นี้จึงประสบปัญหาการลดลงอย่างเห็นได้ชัด การหมักเริ่มขึ้นในโรงละคร คณะแบ่งออกเป็นผู้สนับสนุนและฝ่ายตรงข้ามของหลักสูตรที่ผู้กำกับดำเนินการ หรือค่อนข้างขาดหลักสูตร คำถามเกี่ยวกับการเปลี่ยนทิศทางทางศิลปะเกิดขึ้นตามธรรมชาติ Evgeniy Rubenovich มีช่วงเวลาที่ยากลำบากในการออกจากโรงละครซึ่งเขาทำงานมาหลายปีและสร้างการแสดงมากกว่าหนึ่งรายการที่ประดับโปสเตอร์รวมถึง "Irkutsk Story", "Filumena Marturano", "Antony and Cleopatra", "Front" ที่มีชื่อเสียง คงจะถูกต้องกว่าถ้าจะบอกว่าเขาไม่รอดจากการจากไปและไม่พบว่าตัวเองอยู่ในโรงละครอื่นก็ถึงแก่กรรมในไม่ช้า นี่คือชะตากรรมของผู้กำกับที่มีพรสวรรค์คนนี้ แต่อย่างใดก็หายไปเมื่อสิ้นปีของเขา หลายปีต่อมาและเมื่อคิดถึงเขา สำหรับฉันดูเหมือนว่าทุกอย่างจะแตกต่างออกไปหากทั้งสองฝ่ายตกลงที่จะประนีประนอมบางอย่าง - ทั้งเราและเขา ฉันคิดว่าน่าจะพบได้ แต่ทั้งสองฝ่ายต่อต้าน - และนี่คือผลลัพธ์ ตอนนี้ฉันอยากจะบอกว่าฉันเสียใจที่เราไม่สามารถบรรลุข้อตกลงได้ แต่คุณไม่สามารถคืนสิ่งที่เกิดขึ้นได้
เป็นการยากที่จะนับโรงเรียนการแสดงและสตูดิโอที่ Vakhtangov ทำงานอยู่ นอกจากสตูดิโอ First และ Mansurov แล้ว Vakhtangov ยังสอนที่สตูดิโอที่สองของ Moscow Art Theatre โดยบรรยายเกี่ยวกับระบบ Stanislavsky ใน Culture League ในเมือง Proletkult ในสตูดิโอของ B.V. Tchaikovsky และ A.O. กันสท์. เขาทำการซ้อมเพลง “The Green Parrot” ในสตูดิโอชลีพิน ทำงานที่หลักสูตรคนงาน Prechistensky เขาเข้าร่วมในองค์กรของ Proletarian Studio of Workers ของ Zamoskvoretsky District ซึ่งจัด People's Theatre ใกล้สะพาน Bolshaya Kamenny ซึ่ง Mansurov Studio เล่น
การทำงานในสตูดิโอต่างๆ ทำให้ Vakhtangov มีสื่อเกี่ยวกับมนุษย์และการแสดงจำนวนมหาศาล เขารักนักแสดงอย่างตะกละและหลงใหล และฉันพยายามทำความรู้จักกับคนที่ฉันกำลังสื่อสารด้วยเสมอเพื่อทดสอบความสามารถในการสร้างสรรค์ของเขาเพื่อค้นหานักแสดงในตัวทุกคน ความกระตือรือร้นทางจิตวิญญาณทั้งหมดของ Vakhtangov คือการ "สร้างนักแสดง" หลักการที่เขาเลือกนักแสดงสำหรับบทบาทนี้เป็นที่รู้จักกันดี - ไม่ใช่คนที่เก่งกว่า แต่เป็นคนที่คาดเดาไม่ได้มากกว่า
แม้จะมีทีมมากมายที่ Vakhtangov ทำงาน แต่งานหลักในชีวิตของเขาก็ยังควรถือเป็นสตูดิโอที่สาม สตูดิโอแห่งนี้ทุ่มเทความเข้มแข็งทางจิตวิญญาณโดยเฉพาะอย่างยิ่ง และที่นี่เป็นที่มาของแนวคิดการแสดงละครของ Vakhtangov มากมาย
1. หลักการของสตูดิโอ Vakhtangov เช่นเดียวกับ Sulerzhitsky เริ่มต้นการศึกษาในฐานะนักแสดงโดยไม่ได้ทำงานเกี่ยวกับเทคนิคภายนอก และไม่ได้ใช้เทคนิคภายในด้วยซ้ำ แต่ด้วยแนวคิดเรื่อง "ความเป็นสตูดิโอ" Vakhtangov เชื่อว่าการแสวงหาความพึงพอใจทางศิลปะมากเกินไปเป็นอันตรายต่อศิลปินรุ่นเยาว์ สตูดิโอเป็นสถาบันที่ยังไม่ควรเป็นโรงละคร นักศึกษาจะต้องรักษาความบริสุทธิ์ต่อหน้าเทพเจ้าแห่งศิลปะ ไม่เหยียดหยามมิตรภาพ และปฏิบัติตามมาตรฐานทางจริยธรรมอย่างเคร่งครัด Vakhtangov เปลี่ยนระเบียบวินัยอันยิ่งใหญ่ของ Moscow Art Theatre ให้กลายเป็นเวทมนตร์แห่งการแสดงละคร “ชีวิตในสตูดิโอ” Vakhtangov กล่าว “คือสิ่งสำคัญประการแรก ไม่มีระเบียบวินัย ไม่มีสตูดิโอ"
ในสตูดิโอที่สาม ลำดับชั้นของผู้เข้าร่วมจะถูกสร้างขึ้นตามระดับของระดับสตูดิโอของพวกเขา ระดับความสามารถไม่ได้ถูกนำมาพิจารณาแยกกัน สมาชิกในสตูดิโอแบ่งออกเป็น: 1) สมาชิกเต็มของสตูดิโอ; 2) สมาชิกสตูดิโอ; 3) สมาชิกที่เข้าแข่งขัน สตูดิโอถูกควบคุมโดยการประชุมของสมาชิกเต็มจำนวน ซึ่งขึ้นอยู่กับผลของปี จะมีการเลื่อนตำแหน่งผู้แข่งขันให้กับสมาชิก หรือไล่พวกเขาออกจากสตูดิโอโดยสมบูรณ์ ต่อมาโครงสร้างของสตูดิโอก็เปลี่ยนไป สภาถูกสร้างขึ้นโดยไม่ได้รับเลือก แต่ "ได้รับการยอมรับ"
อย่างไรก็ตาม ชีวิตของสตูดิโอของ Vakhtangov ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความสุขในการสื่อสารของมนุษย์เลย นักเรียนไม่ได้มีส่วนร่วมในการชำระล้างตนเอง แต่อยู่ในโรงละคร ชั้นเรียนสอนโดยนักแสดงเก่งๆ จาก Moscow Art Theatre, First Studio (Birman, Giatsintova, Pyzhova) และสมาชิกที่เก่าแก่ที่สุดของ Studio หลังจากจบหลักสูตรเบื้องต้นแล้ว นักเรียนในสตูดิโอก็ได้รับความช่วยเหลือด้านการสอนและทำงานร่วมกับนักเรียนที่เพิ่งเข้ารับการศึกษาใหม่
ในสตูดิโอที่สาม ระยะเวลาสะสมยาวนานมาก การประชุมครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อปลายปี พ.ศ. 2456 และเริ่มผลิตการแสดงเต็มรูปแบบในปี พ.ศ. 2461 เท่านั้น (การผลิต "The Panin Estate" และ "Performance Evenings" ควรถือเป็นงานในสตูดิโอเท่านั้น) หลังจากการจัดระเบียบสตูดิโอใหม่ในปี 1919 Vakhtangov ได้ประกาศว่าเวลาของสตูดิโอ Mansur ซึ่งใช้เวลาห้าปีในการสร้างกลุ่มนักแสดงได้สิ้นสุดลงแล้ว สตูดิโอกำลังเริ่มต้นเส้นทางใหม่ - เส้นทางของคณะละคร ชีวิตใหม่ จริยธรรมใหม่ ความสัมพันธ์ใหม่เป็นสิ่งจำเป็น
หลักการของสตูดิโอเสริมด้วยสูตรที่แยกกันไม่ออก: "โรงเรียน - สตูดิโอ - โรงละคร" สามในหนึ่งเดียว สตูดิโอยังคงรักษาจิตวิญญาณแห่งศิลปะเอาไว้ โรงเรียนให้ความรู้แก่นักแสดงมืออาชีพบางประเภทโดยมีสุนทรียภาพที่เหมือนกัน โรงละครเป็นสถานที่แห่งความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงของนักแสดง ไม่สามารถสร้างโรงละครได้ โรงละครสามารถสร้างขึ้นได้ด้วยตัวเองเท่านั้น โดยยังคงรักษาทั้งโรงเรียนและสตูดิโอไว้ในตัวมันเอง
ดังนั้นสูตร "นักเรียน - โรงเรียน - ละคร" จึงมีความคงที่และเป็นสากลสำหรับกลุ่มละครที่มีความคิดสร้างสรรค์อย่างแท้จริง
2. "โรงเรียน".แม้ว่า Vakhtangov กล่าวว่าข้อผิดพลาดหลักของโรงเรียนคือพวกเขารับหน้าที่สอนในขณะที่พวกเขาควรให้ความรู้ - ในกิจกรรมการสอนของเขาเองเขาก็ให้การศึกษาและสอนไปพร้อม ๆ กัน เขากำหนดงานของครูดังนี้: เพื่อค้นหาความเป็นตัวตนของนักเรียน พัฒนาความสามารถตามธรรมชาติของเขา และ "กระหายความคิดสร้างสรรค์" เพื่อให้นักแสดงไม่มีความรู้สึก: "ฉันไม่อยากเล่น" เพื่อให้เทคนิคและวิธีการในการเข้าใกล้บทบาทในโรงละคร - สอนวิธีควบคุมความสนใจและแยกส่วนการเล่นออกเป็นชิ้น ๆ พัฒนาเทคนิคภายนอก เทคนิคภายใน พัฒนาจินตนาการ อารมณ์ รสนิยม - ลักษณะที่สองของนักแสดง
Vakhtangov ทำซ้ำภารกิจระดับสูงของสตูดิโออย่างต่อเนื่องโดยประกาศว่าเขามีศาสนาแห่งการแสดงละคร - นี่คือเทพเจ้าที่ Konstantin Sergeevich สอนให้สวดภาวนา เช่นเดียวกับ Stanislavsky Vakhtangov กำลังพูดถึงความตึงเครียดและอิสรภาพของกล้ามเนื้อเป็นอันดับแรก ซึ่งเป็นไปไม่ได้หากไม่มีสมาธิจดจ่อ โดยไม่ให้ความสนใจกับวัตถุใดวัตถุหนึ่งโดยเฉพาะ คุณสามารถสร้างได้ก็ต่อเมื่อคุณเชื่อในความสำคัญของความคิดสร้างสรรค์ของคุณเท่านั้น ศรัทธาเรียกร้องความชอบธรรม นั่นคือ ความเข้าใจในเหตุผลของการกระทำ ตำแหน่ง และสถานะแต่ละครั้ง Vakhtangov ระบุองค์ประกอบหลายประการที่นักแสดงต้องสามารถจัดวางได้: 1) ท่าทาง 2) สถานที่ 3) การกระทำ 4) สถานะ 5) ชุดของตำแหน่งที่ไม่ต่อเนื่องกัน งานของครูด้วยความช่วยเหลือของแบบฝึกหัดคือการพัฒนาความสามารถในการแสดงให้กับนักแสดงในการแสดงชีวิตบนเวทีทั้งหมดของเขา
ศรัทธาของนักแสดงมีพื้นฐานมาจากความไร้เดียงสาบนเวทีพิเศษ นักแสดงอดไม่ได้ที่จะรู้ว่าเขาอยู่บนเวที แต่ด้วยความศรัทธา เขาจึงสามารถตอบสนองตามความเป็นจริงด้วยความรู้สึกต่อนิยาย เขาไม่จำเป็นต้องโน้มน้าวตัวเองว่ากล่องไม้ขีดนั้นเป็นนก ด้วยความไร้เดียงสาและศรัทธาก็เพียงพอแล้วที่จะปฏิบัติต่อกล่องไม้ขีดเหมือนนกที่มีชีวิตอย่างจริงใจและจริงจัง
หลังจากเชี่ยวชาญเรื่องเสรีภาพของกล้ามเนื้อ สมาธิ และการแสดงเหตุผลบนเวทีด้วยความศรัทธา นักแสดงจึงสร้างแวดวงแห่งความสนใจ การมีอยู่ของนักแสดงบนเวทีทั้งหมดนั้นขึ้นอยู่กับงานบนเวทีเฉพาะ ภารกิจนี้มีอยู่ตลอดเวลาของการแสดง และภารกิจนี้เองที่กำหนดทั้งศรัทธาและวงในของนักแสดง ตามคำกล่าวของ Vakhtangov งานบนเวทีประกอบด้วยสามองค์ประกอบ: 1) เป้าหมายที่มีประสิทธิภาพ (ซึ่งฉันขึ้นไปบนเวที) 2) ความปรารถนา (เพื่อที่ฉันจะได้บรรลุเป้าหมายนี้) และ 3) ภาพลักษณ์ของการประหารชีวิต หรือที่เราจะเรียกมันว่า - อุปกรณ์ Vakhtangov เชื่อมั่นว่างานบนเวทีทำได้เพียงการกระทำเท่านั้น แต่ไม่ใช่ความรู้สึก
Vakhtangov ซึ่งยังคงอยู่ในขอบเขตของโรงละครแห่งประสบการณ์ (ไม่ใช่การแสดง) ทำให้นักแสดงเลิกแสดงความรู้สึกบนเวที นักแสดงต้องสัมผัสความรู้สึกที่แท้จริงของตัวเองบนเวที แต่ไม่ควร "เล่น" ความรู้สึกเหล่านั้น ความรู้สึกบนเวทีเกิดจากงานบนเวที ในการแสดงแต่ละครั้งนักแสดง "ได้รับประสบการณ์" แต่เขากลับประสบกับความรู้สึกทางอารมณ์ซ้ำแล้วซ้ำเล่า
ทุกสิ่งทุกอย่างสร้างขึ้นจากปรากฏการณ์ความรู้สึกทางอารมณ์ งานภาคปฏิบัตินักแสดงมากกว่าบทบาท เมื่อเกิดเหตุการณ์ (การกระทำ) ขั้นนี้หรือขั้นนั้นซ้ำ ความรู้สึกที่พบในจิตวิญญาณของนักแสดงก่อนหน้านี้ก็จะเกิดขึ้นอีกครั้ง นี่คือวิธีการสร้างรูปแบบบทบาทที่มั่นคงและคงที่ในการปฏิบัติงาน
สิ่งที่สำคัญที่สุดในการศึกษาของนักแสดงคือความรู้สึกของจังหวะภายใน ศิลปะแห่งการเรียนรู้เพิ่มและลดพลังงาน พลังงานต่ำ - ความเศร้าโศก ความเบื่อหน่าย ความโศกเศร้า เพิ่มขึ้น - ความสุขเสียงหัวเราะ การกระทำทางกายภาพเดียวกันในสถานะพลังงานที่แตกต่างกันมีการออกแบบเวทีที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงและต้องใช้อุปกรณ์ที่แตกต่างกัน
ด้วยการอยู่ในแวดวงของความสนใจ ทำความเข้าใจงานบนเวทีของเขา ค้นหาความรู้สึกทางอารมณ์และอุปกรณ์ต่างๆ ที่เหมาะสม และกำหนดจังหวะพลังงาน นักแสดงเกือบจะเชี่ยวชาญเทคนิคภายในของเขาอย่างสมบูรณ์ อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้อยู่คนเดียวบนเวที และเอฟเฟกต์ของฉากใดฉากหนึ่งนั้นขึ้นอยู่กับทักษะการสื่อสารของเขากับคู่ของเขา การสื่อสารประกอบด้วยการถ่ายทอดความรู้สึกของเราต่อกันและกัน: ชีวิตของคู่ของฉันกระทำต่อคู่ของฉันและในทางกลับกัน - ชีวิตของคู่ของฉันกระทำต่อฉัน เมื่อสื่อสารวัตถุนั้นคือวิญญาณที่มีชีวิต หากคู่รักไม่ได้ "ดำเนินชีวิต" ด้วยความรู้สึกที่แท้จริง (อารมณ์) การ "แสดง" ที่ไร้รสชาติก็จะเริ่มต้นขึ้น
Vakhtangov เสนอภาพร่างต่อไปนี้ให้ศิลปินเพื่อทดสอบความจริงของการสื่อสารทางละคร: “ นี่คือกล่อง บอกฉันทีว่ามันเป็นทองคำและไม่สำคัญสำหรับฉันในสิ่งที่คุณเชื่อ แต่ให้คู่ของคุณเชื่อว่าเป็นทองคำ ”
เห็นได้ชัดว่าเมื่อทำงานกับเทคโนโลยีภายใน Vakhtangov ดำเนินการตามการพัฒนาของ K.S. สตานิสลาฟสกี้ ผู้สร้างระบบ แต่เขาไม่ได้พิจารณาว่าจำเป็นต้องมี "กำแพงที่สี่" ของโรงละครศิลปะมอสโกเลย การบังคับให้แปลกแยกจากผู้ชมนั้นไม่มีจุดหมาย หน้าที่ของนักแสดงคือการโน้มน้าวผู้ชม และด้วยเหตุนี้เขาจึงไม่เพียงแต่ต้องพัฒนาเทคโนโลยีภายในเท่านั้น แต่ยังต้องใช้เทคโนโลยีภายนอกที่มีประสิทธิภาพอีกด้วย
ในสมุดบันทึกปี 1921 Vakhtangov ได้จัดทำแผนการบรรยายที่มีลำดับความสำคัญในสตูดิโอแห่งแรก: "จังหวะบนเวที", "บนพลาสติกในการแสดงละคร (ประติมากรรม)", "โดยเฉพาะท่าทางและมือโดยเฉพาะ", "ศิลปะบนเวที (จังหวะ , ความเป็นพลาสติก, ความชัดเจน, การสื่อสารการแสดงละคร)", "เกี่ยวกับรูปแบบการแสดงละครและ เนื้อหาละคร, "นักแสดงคือผู้เชี่ยวชาญที่สร้างเนื้อสัมผัส", "โรงละครก็คือละคร" ละครก็คือการแสดง" "ศิลปะการแสดงคือทักษะในการแสดง" ระดับของ "โรคติดต่อ" ของเขาซึ่งเป็นตัวชี้วัดอิทธิพลต่อผู้ชมนั้นขึ้นอยู่กับเทคนิคภายนอกของนักแสดง นี่ไม่ได้หมายความว่าภายนอกเลย เทคนิคอาจมีความหมายที่เป็นอิสระนอกเหนือจากประสบการณ์บนเวทีของศิลปิน นักแสดงจะต้องค้นหารูปแบบการแสดงละครภายนอกที่การวาดภาพภายในที่ได้รับการพัฒนาอย่างประณีตเข้าถึงผู้ชมได้มากที่สุด
3. "โรงละคร": นักแสดงและภาพลักษณ์ในวิธีการแสดงละครของ Vakhtangov คุณค่าเฉพาะคือส่วนของผู้กำกับ ศิลปะในการแสดงละคร และวิธีการทำงานร่วมกันระหว่างผู้กำกับและนักแสดงในภาพบนเวที
Vakhtangov เรียกผลงานของนักแสดงเกี่ยวกับบทบาทนี้ว่าเป็นส่วนสร้างสรรค์ของระบบ และเชื่อว่าระบบในตัวเองไม่ได้กำหนดทั้งรูปแบบการผลิต หรือประเภทของการแสดง หรือแม้แต่วิธีการแสดงด้วยตนเอง การทำงานตามบทบาทหมายถึงการค้นหาและพัฒนาความสัมพันธ์ที่จำเป็นสำหรับบทบาทนี้ในตัวนักแสดง ในการที่จะเข้าใจตัวละคร คุณต้องจำลองความรู้สึกของมันขึ้นมาใหม่ จากนั้นจึงแสดงความรู้สึกเหล่านี้บนเวที นักแสดงที่อยู่บนเวทีตามความเป็นจริงคือผู้ที่ในขณะเดียวกันก็ใช้ชีวิตในสถานการณ์ที่เสนอของบทบาทและควบคุมพฤติกรรมบนเวทีของเขา
งานเริ่มแรกของละครคือการวิเคราะห์บทละคร ในแผนระบบปี 1919 Vakhtangov แบ่งกระบวนการนี้ออกเป็นสี่ขั้นตอน: ก) การอ่านครั้งแรก การวิเคราะห์วรรณกรรม การวิเคราะห์ทางประวัติศาสตร์ การวิเคราะห์ทางศิลปะ การวิเคราะห์การแสดงละคร; b) แบ่งออกเป็นชิ้น ๆ c) การดำเนินการจากต้นทางถึงปลายทาง; d) เปิดเผยข้อความ (ข้อความย่อย)
การดำเนินการตั้งแต่ต้นจนจบ มีสิ่งที่แสดงด้วยคำง่ายๆ เหล่านี้ นั่นคือการกระทำที่ดำเนินไปตลอดการเล่น ในการค้นหาแอ็กชันที่ตัดขวาง การเล่นแบ่งออกเป็น “ส่วน” ตามหลักการ 2 ประการ คือ โดยการกระทำหรือตามอารมณ์ Vakhtangov เรียกผลงานชิ้นนี้ว่าเป็นเวทีในการนำเป้าหมายของการดำเนินการจากต้นทางถึงปลายทางเข้าใกล้ตอนจบมากขึ้น มีทั้งชิ้นหลักและชิ้นรอง เพื่อที่จะเล่นบทบาทจากต้นจนจบได้อย่างถูกต้อง นักแสดงมองหา "เมล็ดพืช" ซึ่งเป็นแก่นแท้ของบุคลิกภาพ ซึ่งเป็นสิ่งที่ก่อตัวขึ้นตลอดหลายปีที่ผ่านมาและประสบการณ์ชีวิต
สำหรับ Vakhtangov เมื่อทำงานตามบทบาท มันเป็นเรื่องของการเปลี่ยนแปลงภายในของนักแสดงเสมอ เกี่ยวกับ "การเติบโต" ภาพลักษณ์ (เมล็ดพันธุ์แห่งบทบาท) ในจิตวิญญาณของเขา ในวิธีการทำงานตามบทบาทของ Vakhtangov ภายนอกและภายในอยู่ร่วมกันอย่างเท่าเทียมกันเสมอ การกระทำทางกายภาพทุกครั้งในโรงละครจะต้องมีเหตุผลภายใน และลักษณะใดๆ จะต้องไม่ "เหนียวเหนอะหนะ" - ไม่ใช่การบังคับ แต่เป็นสภาวะธรรมชาติ ซึ่งเป็นการแสดงออกภายนอกของแก่นแท้ภายในบางอย่าง
Vakhtangov ไม่ชอบการวิเคราะห์บทละครยาวๆ บนโต๊ะ แต่มองหาการกระทำทันที พยายามค้นหาประเภทของจินตภาพของบทละครและแก่นแท้ทางจิตวิทยาของตัวละครแต่ละตัว เขาเชิญชวนศิลปินอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยให้จินตนาการถึงบทบาทนี้: “วันนี้ฉันฝันไว้ และพรุ่งนี้มันจะต้องเล่นตามความประสงค์ของฉัน” เขายืนยัน (5)
ผู้กำกับ Vakhtangov สอนนักแสดงเมื่อทำงานในบทบาทให้ให้ความสนใจหลักไม่ใช่คำพูด แต่กับการกระทำและความรู้สึกที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังการกระทำนั่นคือข้อความย่อยกับกระแสใต้น้ำ บางครั้งคำพูดอาจขัดแย้งกับความรู้สึกได้ การซ้อมของ Vakhtangov เป็นการด้นสดไม่รู้จบโดยนักแสดงและผู้กำกับ ในแผนของระบบ เขาเรียกการซ้อมว่า "อุบัติเหตุที่ซับซ้อน" ซึ่ง "บทละครเติบโตขึ้น"
ผู้กำกับ Vakhtangov มีอิทธิพลต่อนักแสดงในหลายๆ ด้าน มีการจัดแสดงวิธีการสร้างสรรค์หลักของเขา บางครั้งการแสดงก็เปลี่ยนการซ้อมเป็นการแสดงเดี่ยว ซึ่งผู้นำและผู้กำกับผู้ยิ่งใหญ่ได้สาธิตการแสดงอันยอดเยี่ยมของเขา เมื่อแสดงนักแสดง Vakhtangov ใช้วิธีการชี้นำเช่น ใช้วิธีการเสนอแนะ ไม่ใช่แค่พยายามบังคับนักแสดงให้ทำอะไร แต่ต้อง “ปลุกเร้า” จินตนาการเพื่อค้นหาความรู้สึกที่ถูกต้อง เขาทำให้นักแสดงติดเชื้อทั้งจากอารมณ์และความศรัทธาที่ไร้เดียงสาในตัวละคร
เมื่อแก่นของบทบาทครบถ้วนแล้ว นักแสดงก็ไม่จำเป็นต้องกังวลเกี่ยวกับการระบุคุณลักษณะบางอย่างของโหงวเฮ้งภายในและภายนอกของภาพ ธรรมชาติทางศิลปะของนักแสดงนำทางเขา สิ่งที่เหลืออยู่คือการเฉลิมฉลอง อิสระในการสร้างสรรค์ ความสุขที่ได้สัมผัสบนเวที นี่คือแรงบันดาลใจในการแสดงที่แท้จริง เมื่อทุกส่วนของงานนักแสดง ทั้งองค์ประกอบของเทคนิคภายในและเทคนิคภายนอก ได้รับการขัดเกลาอย่างไร้ที่ติ นักแสดงด้นสดอย่างอิสระ และการแสดงอย่างกะทันหันของแต่ละคนได้รับการจัดเตรียมภายในและไหลออกมาจากบทบาท
ความฝันของนักแสดงด้นสดที่มีบทบาทตั้งแต่เริ่มต้นเป็นหนึ่งในแนวคิดที่ชื่นชอบของ Vakhtangov ผู้กำกับฝันว่าวันหนึ่งผู้เขียนจะหยุดเขียนบทละคร เพราะในโรงละครงานศิลปะจะต้องสร้างขึ้นโดยนักแสดง นักแสดงไม่ควรรู้ว่าจะเกิดอะไรขึ้นกับเขาเมื่อเขาขึ้นเวที เขาควรจะขึ้นเวที เช่นเดียวกับที่เราไปสนทนากันในชีวิต
หลังจากตรวจสอบวิวัฒนาการของสุนทรียศาสตร์ของ Vakhtangov และทำความคุ้นเคยกับวิธีการสอนและการกำกับของเขาในช่วงสั้นๆ เราได้เข้าใกล้แนวคิดของ "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ซึ่งตระหนักได้อย่างเต็มที่ที่สุดในการแสดงสองรายการล่าสุดของเขา: "Gadibuk" และ "Princess Turandot"
"ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์" ของการแสดงครั้งสุดท้ายของ Vakhtangov
ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Vakhtangov เริ่มเรียกวิธีการแสดงละครของเขาว่า "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" โดยประกาศว่าหลักการ: "ไม่ควรมีโรงละครในโรงละคร" ควรถูกปฏิเสธ จะต้องมีโรงละครในโรงละคร สำหรับการเล่นแต่ละครั้งจำเป็นต้องมองหารูปแบบเวทีพิเศษและไม่เหมือนใคร และโดยทั่วไปแล้วไม่จำเป็นต้องสร้างความสับสนให้กับชีวิตและโรงละคร โรงละครไม่ใช่สำเนาของชีวิต แต่เป็นความจริงที่พิเศษ ในแง่หนึ่ง ความเหนือจริง การควบแน่นของความเป็นจริง ในเวลาเดียวกันผู้กำกับไม่ได้ละทิ้งหลักการของความสมจริงทางจิตวิทยาหรือเทคนิคทางจิตวิญญาณภายในของนักแสดงเลย เขายังคงเรียกร้องความรู้สึกที่แท้จริงจากนักแสดง และประกาศว่าศิลปะบนเวทีที่แท้จริงเกิดขึ้นเมื่อนักแสดงยอมรับว่าสิ่งที่เขาสร้างขึ้นด้วยจินตนาการบนเวทีเป็นความจริง
โรงละครไม่สามารถกลายเป็นความจริงได้อย่างสมบูรณ์ - เนื่องจากมีการประชุมบนเวที นักแสดงที่เป็นตัวแทนของผู้อื่น ตัวละครสมมติ และสถานการณ์ในละคร “ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์” คือความสมจริงเพราะความรู้สึกในนั้นเป็นของแท้ จิตวิทยาของมนุษย์นั้นมีอยู่จริง เวทีแบบเดิมๆ หมายความว่าตัวพวกเขาเองนั้นยอดเยี่ยมมาก นักแสดงไม่ควรแสดงตัวละครอย่างเป็นธรรมชาติ เขาจะต้องเล่นมันโดยใช้คลังแสงแห่งการแสดงออกบนเวทีทั้งหมด
ผู้ชมในโรงละครแห่ง "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ไม่ลืมว่าเขาอยู่ในโรงละคร แต่สิ่งนี้ไม่ได้รบกวนความจริงใจในความรู้สึกของเขา น้ำตาที่แท้จริงและเสียงหัวเราะของเขาเลย ภารกิจของ "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" - ในการผลิตใด ๆ - คือการค้นหา "รูปแบบการแสดงละครที่สอดคล้องกับเนื้อหาและนำเสนอด้วยวิธีการที่เหมาะสม"
จุดสูงสุดของ "ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์" ของ Vakhtangov คือการแสดงครั้งสุดท้ายของเขา "Gadibuk" และ "Princess Turandot" อย่างไรก็ตาม คุณลักษณะของสุนทรียศาสตร์นี้ค่อนข้างชัดเจนในการแสดงที่อธิบายไว้ก่อนหน้านี้: ใน "The Wedding" และ "The Miracle of St. Anthony" ฉบับที่สองใน "Eric XIY" นักแสดงในผลงานเหล่านี้ได้แปลงร่างเป็นภาพและพยายาม "ละลาย" ในภาพนั้น ดูเหมือนจะเปล่งประกายผ่านภาพด้วยตัวพวกเขาเอง และเมื่อเล่นเป็นคนอื่นก็แสดงตัวตนออกมาในนั้น
การแสดง "Gadibuk" ที่สตูดิโอ Habima กลายเป็นรอบปฐมทัศน์สุดท้ายของ Vakhtangov และรอบปฐมทัศน์ครั้งสุดท้ายที่เขาเข้าร่วมด้วยตนเอง รายละเอียดของการแสดงถูกกำหนดโดย Vakhtangov จากเวอร์ชันของชื่อบทละครของ Annensky - "ระหว่างสองโลก" ผู้กำกับได้สร้างการแสดงขึ้นมาอีกครั้งโดยใช้หลักการแห่งความแตกต่างที่ชื่นชอบ ซึ่งเป็นการเทียบเคียงความขัดแย้งของโลกที่ไม่เป็นมิตรสอง (หรือมากกว่า) สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษสำหรับผู้กำกับคือแนวคิดในการทำให้บทละครสามารถเข้าใจได้อย่างแน่นอนสำหรับผู้ชมที่ไม่คุ้นเคยกับภาษาฮีบรู ท้ายที่สุดแล้ว “ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์” ดังที่เขากล่าวไว้ นั้นเป็นประติมากรรมที่ทุกคนสามารถเข้าใจได้ ผู้กำกับมองเห็นโลกที่ขัดแย้งกันหลายแห่งในละครเรื่องนี้ ซึ่งแต่ละโลกก็มองหาวงกลมของภาพที่มีลักษณะเฉพาะ โลกแห่งตัวละครที่ร่ำรวย เจริญรุ่งเรืองในสังคม และมีฐานะดีในชีวิตนั้นเปรียบได้กับรูปแบบของโรงละครหุ่นเชิดที่มีการเคลื่อนไหวคงที่ที่น่าเบื่อหน่ายราวกับแยกวิญญาณและร่างกายออกจากกัน จิตวิญญาณที่เท่าเทียมกันคือโลกแห่งสังคมชั้นต่ำ โลกของคนจน ที่ร้องเพลงถึงความมั่งคั่งของเจ้าของหรือสาปแช่งเขาเพราะความโลภของเขา ที่นี่ใช้สีและรูปแบบของ "พิสดารที่น่าเศร้า" ที่แสดงออกอย่างแสดงออกอย่างมาก โลกแห่งความรักที่ตรงข้ามกัน จิตวิญญาณของมนุษย์อย่างแท้จริง ฮานันและลีอาห์ แสดงออกผ่านบทเพลงของ "บทเพลง" ซึ่งกำหนดลักษณะนิสัยของตัวละคร ลีลาการเล่นของลีอาห์และฮานันเรียกได้ว่าเป็น “เนื้อเพลงที่ไพเราะ” นักแสดงได้รับความนุ่มนวลเป็นพิเศษ
รูปแบบศิลปะของการผลิตได้รับการออกแบบโดย Nathan Altman ในเส้นสำรอง สีดำและสีเหลือง ปริมาณการแทนที่ และมุมมองของภาพร่างของเขา โลกแห่งการเล่นนั้นบิดเบี้ยวอย่างน่าเศร้า อนุญาตให้แต่งหน้าได้ตามลำดับ ซึ่งไม่มีอะไรที่ "สมจริงเหมือนละคร" แต่ทุกอย่างมีพื้นฐานมาจากการผสมสีสดใสสี่สีเข้าด้วยกัน จากข้อมูลของ Altman Vakhtangov เปลี่ยนฉากแรกของการเล่นโดยสิ้นเชิงหลังจากทำความคุ้นเคยกับภาพร่างของเขา อย่างไรก็ตามเมื่อพูดถึงการเปลี่ยนแปลงรูปแบบการผลิตจากลัทธิธรรมชาติไปสู่การแสดงออกเราควรคำนึงถึงประการแรกความสนใจที่เพิ่มขึ้นของผู้กำกับในเรื่องพิสดารละครซึ่งแสดงออกมาในผลงานก่อนหน้านี้ของเขาหลายชิ้นและประการที่สองลักษณะเฉพาะของผู้กำกับ วิธีการทำงานกับภาพลักษณ์ของนักแสดง
ในช่วงเริ่มแรกของการซ้อม เขาไม่ต้องการการแสดงลักษณะภายนอกจากนักแสดง แต่แสวงหา "การเติบโต" ตามธรรมชาติของภาพลักษณ์ในตัวนักแสดง ซึ่งองค์ประกอบที่เป็นธรรมชาติและชาติพันธุ์วิทยาจะมีประโยชน์มาก นักแสดงได้รับอนุญาตให้ลองใช้เทคนิคการแสดงออกภายนอกเฉพาะจากบทบาทที่พบแล้วเท่านั้น ผู้กำกับต้องการให้นักแสดงแต่ละคนเชี่ยวชาญภาพลักษณ์ของบทบาทแต่ละบทบาท จากนั้นผู้กำกับจึงจัดให้พวกเขาได้รับคะแนนที่เข้มงวดและมีเทคนิคที่สมบูรณ์แบบสำหรับการแสดง การ "แช่แข็ง" ของตัวละครแต่ละตัวและทั้งกลุ่มใน "Gadibuk" นั้นแสดงออกได้อย่างผิดปกติ การแสดงกลายเป็นงานประติมากรรมมากกว่า "The Miracle of St. Anthony" เพียง "ขอให้กลายเป็นรูปปั้นนูน" . มีบทบาทพิเศษในการแสดงสถิตยศาสตร์แบบไดนามิกซึ่ง Vakhtangov เรียกว่า " ดวงตาของร่างกาย" ท่าทางของฝ่ามือที่เปิดอยู่ตามแบบฉบับของชาวยิว การเต้นรำพื้นบ้านกลายเป็นเพลงประกอบของคะแนนการเคลื่อนไหวบนเวทีทั้งหมด
ผลงานชิ้นเอกบนเวทีอันน่าจดจำชิ้นหนึ่งของ Vakhtangov คือฉากแต่งงาน ซึ่งผู้กำกับได้สร้างความขัดแย้งทางอารมณ์ระหว่างโลกแห่งความตายและโลกแห่งความตายด้วยพลังพิเศษที่ไม่ธรรมดา
องก์ที่สามซึ่งเป็นตอนของการขับไล่ Gadibuk ได้รับการปฏิบัติโดย Vakhtangov ว่าเป็นโศกนาฏกรรมที่สิ้นหวัง และความตายไม่ได้นำมาซึ่งการตรัสรู้ ตอนจบที่น่าเศร้าและสิ้นหวังเช่นนี้ไม่ได้รับการยอมรับจากนักวิจารณ์หลายคน เพื่อให้สอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย ผู้ตรวจสอบต้องการการมองโลกในแง่ดีมากขึ้น
กิริยาท่าทางที่สนุกสนานของการแสดงของนักแสดงจากสตูดิโอ Habimy ก็ได้รับการประเมินแตกต่างออกไปเช่นกัน Maxim Gorky เขียนอย่างกระตือรือร้นว่า "ศิลปินของ Habima มีข้อได้เปรียบเหนือ Art Theatre ในช่วงเวลาที่ดีที่สุด - พวกเขามีศิลปะไม่น้อยไปกว่านี้ แต่มีความหลงใหลและความปีติยินดีมากกว่า" แต่มีความคิดเห็นอื่น ๆ ดังต่อไปนี้: “ จำนวนฮิสทีเรีย, ความตึงเครียด, การเจ็บป่วย, ลัทธิหมอผีที่เขา [Vakhtangov] ผลักดันในการผลิตของเขาคงจะเพียงพอสำหรับห้าปีที่ดีในโรงละครปกติบางแห่งที่ออกแบบมาสำหรับประชาชนทั่วไป”
ตอนจบของการค้นหาการแสดงละครใหม่คือบทละคร "Princess Turandot" ใน Third, Vakhtangov, Studio of the Moscow Art Theatre อย่างไรก็ตามตอนจบนั้นไม่ได้ตั้งใจ ไม่มีใครรู้ว่าวิวัฒนาการต่อไปของ Vakhtangov จะเป็นอย่างไร หากชีวิตของเขาไม่ถูกตัดขาดก่อนกำหนดด้วยโรคที่รักษาไม่หาย
ผู้กำกับใน "Princess Turandot" เป็นครั้งแรกได้เปิดเผยเทคนิคการแสดงละครของเขาในระดับที่ตรงไปตรงมา การผสมผสานของสไตล์และแนวเพลง, การพาดพิงถึงนับไม่ถ้วน, เรื่องล้อเลียน, การเปลี่ยนแปลงอารมณ์แบบนาทีต่อนาที - ทั้งหมดนี้ดูเหมือนเป็นการประกาศถึงรสนิยมที่ไม่ดีสำหรับหลาย ๆ คน และมีเพียงความสำเร็จที่ไม่ธรรมดาของบทละครและชีวิตบนเวทีที่ยาวนานเป็นประวัติการณ์เท่านั้นที่ทำให้นักวิจัยเชื่อถึงสิทธิ์ของผู้กำกับต่อ "ส่วนผสมที่ระเบิดได้"
การเลือกบทละครและองค์ประกอบที่เป็นทางการหลายอย่างของ "Princess Turandot" ดูเหมือนจะยืมมาจาก Vakhtangov จากประสบการณ์ในหลายปีที่ผ่านมา ถึงกระนั้นการผลิต "Princess Turandot" ก็ไม่ใช่การทำซ้ำการแสดงที่มีสไตล์ของโรงละครธรรมดา ยิ่งไปกว่านั้น การแสดงนี้เปิดแนวใหม่และกลายเป็นจุดเริ่มต้นของความจริงทางการแสดงละครครั้งใหม่ Vakhtangov ใน "Princess Turandot" ไม่ได้ละทิ้งความจริงของชีวิตหรือความเป็นทวินิยมอันเป็นที่รักของสิ่งก่อสร้างของเขา (สองโลก - สองหลักการแสดง) หรือการเล่นที่มีความแตกต่าง ดังนั้นความคิดเห็นของนักวิจัยหลายคนจึงเป็นเรื่องจริงที่ว่า "Princess Turandot" เป็นแก่นสารของวิธีการของ Vakhtangov (เมื่อแก่นสารนี้ไม่ได้รับการเข้าใจว่าเป็นเพียง "การเล่นในโรงละคร") ที่ไร้ผลเท่านั้น
วิธีการกำหนดวิธีหนึ่งในการรวมองค์ประกอบที่หลากหลายให้เป็นหนึ่งเดียวคือหลักการของการประชด... ถุงน่องของผู้หญิงบนศีรษะของจักรพรรดิอัลทูม การรวมกันที่ไม่คาดคิดของเสื้อคลุม ดาบ และ... เสื้อโค้ตท้ายรถ เทนนิส แร็กเก็ตในมือของ Altoum ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของอำนาจกษัตริย์ผ้าเช็ดตัวขนปุยแทนที่จะเป็นปราชญ์เครา - สิ่งเหล่านี้และองค์ประกอบที่น่าขันอื่น ๆ อีกมากมายไม่ได้จบลงในตัวเอง งานประชดของ Vakhtangov มุ่งเป้าไปที่การสร้างความจริงใหม่จากการผสมผสานที่ขัดแย้งกันระหว่างแบบแผนของโรงละครและความจริงของความรู้สึกของมนุษย์ - ความจริงของโรงละคร และในแง่นี้ผลงานชิ้นสุดท้ายของผู้กำกับกลายเป็นนวัตกรรมที่แท้จริงเพราะไม่เคยมีงานแบบนี้ในโรงละครรัสเซียมาก่อน
ใน "Princess Turandot" ผู้กำกับพยายามประนีประนอมความรู้สึกที่แท้จริงของมนุษย์ของนักแสดงและสถานการณ์ที่ประดิษฐ์ขึ้นของการแสดงบนเวทีอีกครั้ง การผสมผสานระหว่างบรรยากาศบนเวทีในเทพนิยายเข้ากับข้อกำหนดสำหรับชีวิตที่ไม่มีเงื่อนไขและเป็นธรรมชาติของนักแสดงในภาพ มันถูกรวมเข้ากับข้อกำหนดสำหรับชีวิตที่ไม่มีเงื่อนไขและเป็นธรรมชาติของนักแสดงในภาพ
“ Princess Turandot” กลายเป็นละครเกี่ยวกับผลงานของนักแสดง และแก่นของบทละครสามารถกำหนดได้เช่นเดียวกับที่ Nadezhda Bromley ทำ: “นักแสดง การแสดง และการเปิดรับงานฝีมือ”
นักแสดงกลายเป็นตัวละครหลักของละครเรื่องนี้ (ไม่ใช่แค่นักแสดงตามบทบาท) ในอารัมภบทแล้วผู้เข้าร่วมทุกคนแนะนำตัวเองต่อสาธารณชนด้วยชื่อแล้วดำเนินการในนามของตนเองต่อหน้าผู้ชมไม่ว่าจะคุ้นเคยกับบทบาทนี้อย่างจริงจังหรือล้อเลียนตัวละครของพวกเขาเล็กน้อย Vakhtangov ทำให้สตูดิโอเป็นงานที่ยากที่สุด: ขั้นแรกให้ทำลายภาพลวงตาบนเวทีให้หมดก่อนแล้วจึงคืนค่า จากนั้น - ทำลายอีกครั้งและประกอบใหม่ นักแสดงได้รับการสนับสนุนให้เล่นกับภาพอยู่ตลอดเวลา ใน "Princess Turandot" "ใบหน้า" ของนักแสดงและ "หน้ากาก" ของภาพไม่ได้ทับซ้อนกันอย่างสมบูรณ์และมีอยู่ (อย่างน้อยก็ในความคิดของผู้กำกับ) พร้อมกัน
Vakhtangov พยายามที่จะผสมผสานหลายระดับ: ความรู้สึกที่แท้จริงและการแสดงละครแบบดั้งเดิมที่สดใส การตีข่าวของนักแสดงที่มีชีวิตและภาพลักษณ์ที่เขาเล่น ความขัดแย้งในการก่อสร้างในกรณีนี้ไม่ได้ถูกกำหนดโดยความแตกต่างในสภาพแวดล้อมทางสังคม (เช่นใน "ปาฏิหาริย์ของนักบุญแอนโธนี" หรือใน "Eric XIV") ไม่ใช่โดยการต่อต้านทางปรัชญาของหลักการทางจิตวิญญาณที่เป็นปฏิปักษ์ (ดังใน "Gadibuk" ”) แต่โดยธรรมชาติของศิลปะการแสดงที่ผสมผสานจินตนาการของนักแสดงที่มีชีวิตและภาพลักษณ์บนเวทีที่เป็นนามธรรมเข้าด้วยกันเป็นสองทางเสมอ
ความคุ้นเคยกับแผนการมากมายของผู้กำกับทำให้เราสามารถตัดสินได้ว่าเขาวางแผนที่จะพัฒนาหลักการของ "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ของเขาในอนาคตอย่างไร เขาวางแผนที่จะผสานความจริงของชีวิตและความจริงของโรงละครอย่างไร
ในโครงการผลิต "The Fruits of Enlightenment" ซึ่ง Vakhtangov กำลังจะเสนอให้กับ Stanislavsky ในปี 1921 ผู้กำกับกังวลกับการสร้างเงื่อนไขสำหรับนักแสดงที่จะผสมผสานการประชุมบนเวทีเข้ากับความจริงของตัวละครในบทละครของ Tolstoy ที่นี่อีกครั้งเช่นเดียวกับใน "Princess Turandot" นักแสดงถูกขอให้ไม่ได้มีบทบาทจากละครเลย แต่เป็นตัวเขาเองนั่งอยู่ในการซ้อมในห้องโถง ถัดไป - ตัวฉันเองกำลังเล่นในห้องโถง Yasnaya Polyana ต่อหน้า Leo Tolstoy เอง และเมื่อนั้นเท่านั้น - เพื่อพรรณนาตัวละครบางตัว
ความฝันที่จะจัดละครตลกของ Ostrovsky เรื่อง "ความจริงนั้นดี แต่ความสุขดีกว่า" สองเดือนก่อนที่เขาจะเสียชีวิตผู้กำกับเสนอให้นำเสน่ห์ของโรงละครเก่าแก่ที่ไร้เดียงสามาสู่การเล่น
โปรเจ็กต์ของ Vakhtangov ในการจัดฉาก Hamlet นั้นเป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้ว ซึ่งเขาตั้งใจจะใช้เป็น "ข้ออ้างในการออกกำลังกาย" ที่สตูดิโอด้วย ในการสนทนากับ Zahava ผู้กำกับยอมรับว่าเขาไม่สามารถหาแบบฟอร์มสำหรับ Hamlet ได้นอกจากแบบที่เขาค้นพบและทดสอบใน Princess Turandot
ดังนั้นประเด็นจึงไม่ได้อยู่ในเนื้อหาของบทละคร แต่อยู่ในแนวทางหลักของ Vakhtangov ต่อเนื้อหาละครใดๆ ที่เป็นเหตุผลในการสร้างสิ่งมีชีวิตในละครประเภทที่เขาเรียกว่า "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์"
บทสรุป. Evgeny Bagrationovich Vakhtangov ซึ่งเติบโตขึ้นมาในฐานะผู้เชี่ยวชาญในลำไส้ของ Moscow Art Theatre ประสบความสำเร็จในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในด้านวิวัฒนาการทางจิตวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์ซึ่งเป็นเรื่องยากที่จะเข้ากับหลายทศวรรษ เขาสัมผัสได้ถึงคุณลักษณะของโรงละครแห่งใหม่อย่างชัดเจนและน่าเชื่อมากจน Art Theatre ยอมรับทันทีว่าเป็น Vakhtangov ที่ "เปลี่ยนแปลงงานศิลปะของเขา"
อย่างไรก็ตาม แม้ว่ารูปแบบการสร้างสรรค์ของผู้กำกับจะเปลี่ยนไปอย่างเห็นได้ชัด (ตั้งแต่ปี 1913 ถึง 1922) แต่ค่าคงที่คงที่ก็ยังคงอยู่ในนั้น ความเข้าใจของ Vakhtangov เกี่ยวกับจุดประสงค์ของโรงละครยังคงไม่เปลี่ยนแปลงเลย ละครเป็นเส้นทางสู่จิตวิญญาณ โรงละครคือการบริการ ไม่มีโรงละครใดที่ปราศจากความรู้สึกเฉลิมฉลอง การแสดงแต่ละครั้งมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และการแสดงแต่ละครั้งถือเป็นวันหยุด
Vakhtangov เข้าใจความทันสมัยของศิลปะการแสดงละครไม่ได้อยู่ในหัวข้อพิเศษของโครงเรื่อง แต่ในความจริงที่ว่ารูปแบบของการแสดงนั้นสอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย
โดยทั่วไปดังที่ P. Markov กล่าวไว้ แก่นของงานละครทั้งหมดของ Vakhtangov คือ "การปลดปล่อยพลังจิตใต้สำนึกของนักแสดงก่อนที่จะก้าวไปสู่รูปแบบการแสดงละครใหม่" ใน “ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์” ของเขา ความรู้สึกของมนุษย์นั้นมีอยู่จริง และวิธีการแสดงออกก็เป็นเรื่องปกติ รูปแบบนั้นถูกจินตนาการโดยโรงละครจากเนื้อหาจริงของละคร ซึ่งสะท้อนถึงชีวิตจริง
องค์ประกอบที่จำเป็นของการแสดงละครตาม Vakhtangov: บทละครเป็นข้ออ้างสำหรับการแสดงบนเวที นักแสดงเป็นปรมาจารย์ที่มีเทคนิคทั้งภายในและภายนอก ผู้กำกับเป็นช่างแกะสลักการแสดงละคร เวทีคือสถานที่แห่งการกระทำ ศิลปิน นักดนตรี ฯลฯ เป็นพนักงานของผู้กำกับ องค์ประกอบทั้งหมดเหล่านี้ประกอบขึ้นเป็นสิ่งมีชีวิตเดียวในการแสดง มีชีวิตชีวาในทุกส่วน
นักแสดงในโรงละครแห่งใหม่จะต้องเสริมความสามารถทั้งหมดของเขา ตั้งแต่ความเข้มแข็งของน้ำเสียงและการใช้ถ้อยคำไปจนถึงความสามารถในการถ่ายทอดประสบการณ์ทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนที่สุดแก่ผู้ชม นักแสดงเพียงแต่ต้องเชี่ยวชาญอิทธิพลทุกรูปแบบ ซึ่งเขามีอยู่ไม่มากนัก ทั้งใบหน้า ร่างกาย การแสดงออกทางสีหน้า น้ำเสียง การเคลื่อนไหว อารมณ์ อารมณ์
Vakhtangov มองเห็นโรงละครแห่งอนาคตที่สามารถถ่ายทอดความสมบูรณ์ของชีวิตแห่งจิตวิญญาณมนุษย์ได้ในรูปแบบของอัฒจันทร์ซึ่งทุกการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณของนักแสดงการแสดงออกของดวงตาของเขาทุกท่าทางที่แทบจะเข้าใจยากจะมองเห็นได้ดีที่สุด สิ่งสำคัญในโรงละครที่สมบูรณ์แบบแห่งนี้คือนักแสดงที่ได้ผสมผสานเทคนิคภายในที่สมบูรณ์แบบเข้ากับเทคนิคภายนอกที่พัฒนาขึ้นแล้ว จะกลายเป็นนักแสดงด้นสดระดับปรมาจารย์อย่างแท้จริง ใช้ชีวิตอยู่บนเวทีอย่างเป็นธรรมชาติและมีอิทธิพลต่อผู้ชมอย่างสูงสุด สร้างเนื้อสัมผัสของโรงละคร ของ “ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์” และไม่ใช่แค่การเล่นบทนี้หรือบทบาทที่แตกต่างออกไปจากละครที่ได้รับมอบหมายให้เขาเท่านั้น
วรรณกรรม:
"การสนทนาเกี่ยวกับ Vakhtangov" บันทึกโดย Kh. N. Khersonsky ม.-ล.: WTO, 1940.
Vakhtangov E. หมายเหตุ จดหมาย บทความ. ม.-ล.: ศิลปะ, 2482.
วัคทันกอฟ อีฟ. วัสดุและบทความ M. , 1959.
Gorchakov N.M. บทเรียนกำกับโดย Vakhtangov, M. , 1957
เยฟเจนี วัคทังกอฟ. คอลเลกชัน / คอมพ์ L.D. Vendrovskaya, G.L. Kaptereva] - M. , 1984
Zakhava B.E., Vakhtangov และสตูดิโอของเขา ล., 1927.
3ographer N. , Vakhtangov, M.-L. , 1939
Markov P. เกี่ยวกับโรงละคร ใน 4 เล่ม ม., 1974.
Simonov R. กับ Vakhtangov, M. , 1959
Khersonsky X. , Vakhtangov, M. , 1963
Chekhov M. มรดกทางวรรณกรรม ความทรงจำ จดหมาย ใน 2 เล่ม ม., 2538.
Sulerzhitsky ไม่ใช่ทั้งนักแสดงและผู้กำกับมืออาชีพ แต่เขาพามาที่โรงละครซึ่งหายากกว่าและมักจะขาดพรสวรรค์สำหรับศิลปิน Stanislavsky เรียก L. Sulerzhitsky เป็นเพื่อนและถือว่าเขาเป็นอัจฉริยะ “ Suler - กัปตัน, ชาวประมง, คนจรจัด, อเมริกัน” ตามที่ Stanislavsky เขียนเกี่ยวกับเขาใน“ Memoirs of a Friend” ของเขา“ มีรสชาติที่ไม่ธรรมดาและไม่สิ้นสุดสำหรับชีวิต ซูเลอร์นำสัมภาระขนาดใหญ่ที่บรรจุวัตถุทางจิตวิญญาณที่สดใหม่และมีชีวิตส่งตรงจากโลกมาที่โรงละครด้วย เขารวบรวมมันไปทั่วรัสเซีย ซึ่งเขาเดินไปตามความยาวและความกว้างโดยมีเป้สะพายพาดไหล่ เขานำบทกวีที่แท้จริงของทุ่งหญ้าแพรรี ชนบท ป่าไม้ และธรรมชาติมาแสดงบนเวที เขานำทัศนคติที่บริสุทธิ์บริสุทธิ์มาสู่งานศิลปะด้วยความไม่รู้โดยสิ้นเชิงถึงความเก่าล้าสมัยและยึดถือเทคนิคการแสดงงานฝีมือด้วยการประทับตราและลายฉลุด้วยความงามแทนความงามด้วยความตึงเครียดแทนอารมณ์ความรู้สึกความรู้สึกแทนบทกวี ด้วยการอ่านอย่างเสแสร้ง แทนที่จะเป็นสิ่งที่น่าสมเพชอย่างแท้จริง รู้สึกประเสริฐ" Sulerzhitsky สนใจโรงละครจากหลายสิ่งหลายอย่าง แต่สิ่งสำคัญที่ Leopold Antonovich อุทิศงานทั้งหมดของเขาในโรงละครคือความปรารถนาที่จะใช้งานศิลปะเป็น วิธีการที่มีประสิทธิภาพในการสร้างผลกระทบทางศีลธรรมจริยธรรมและในเวลาเดียวกันกับสุนทรียศาสตร์ต่อผู้ชม สำหรับ Sulerzhitsky ประการแรกโรงละครคือเวทีมวลชนเพื่อการศึกษาการศึกษาสาธารณะซึ่งเป็นเครื่องมืออันทรงพลังของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณ โดยธรรมชาติแล้วเพื่อให้โรงละครสามารถบรรลุบทบาทดังกล่าวได้ สิ่งแรกที่ต้องทำคือเตรียมทีมศิลปินและให้ความรู้แก่นักแสดงด้วยตัวเอง
Stanislavsky ทางโทรศัพท์: “ในชีวิตของ Moscow Art Theatre มีชัยชนะเช่นนี้นับไม่ถ้วน” ที่ปลายอีกด้านของเส้นคือ Nadezhda Mikhailovna Vakhtangova “บอกเขา…” สตานิสลาฟสกี้พูดอย่างเป็นกังวล “บอกให้เขาห่อตัวด้วยผ้าห่มเหมือนเสื้อคลุม และนอนหลับอย่างผู้ชนะ” Konstantin Sergeevich ที่กลับมากล่าวสุนทรพจน์ต่อสาธารณชนซึ่งลงท้ายด้วยคำพูดที่จ่าหน้าถึงสมาชิกสตูดิโอ:“ คุณพบบางสิ่งที่โรงภาพยนตร์หลายแห่งมองหาอย่างไร้ประโยชน์มานานแล้ว!”
ที่รักของฉัน!
ถ้าคุณรู้ว่าคุณรวยแค่ไหน
ถ้ารู้ว่าชีวิตมีความสุขแค่ไหน...
อี.บี. วาห์ทังกอฟ, 2458
โรงเรียน Vakhtangov ที่มีชื่อเสียง - สถาบันการละครตั้งชื่อตาม บี. ชูคิน่า. วันที่ก่อตั้งโรงเรียนถือเป็นวันที่ 23 ตุลาคม พ.ศ. 2457 ซึ่งเป็นวันที่ Evgeniy Bagrationovich Vakhtangov บรรยายให้นักเรียนในสตูดิโอของเขาเกี่ยวกับระบบของ K.S. สตานิสลาฟสกี้ สำหรับชั้นเรียน นักเรียนในสตูดิโอซึ่งนำโดยอาจารย์ของพวกเขาได้เช่าอพาร์ทเมนต์ใน Mansurovsky Lane (ระหว่าง Ostozhenka และ Prechistenka) Vakhtangov ไม่เคยเบื่อที่จะพูดซ้ำ: “โรงละครคือวันหยุด คุณควรมาที่สตูดิโอด้วยความรู้สึกรื่นเริง จำเป็นที่ระฆังเงินจะต้องดังก้องอยู่ในจิตวิญญาณของศิลปิน! หรือระฆังอันใหญ่โต! คุณไม่สามารถสร้างงานศิลปะด้วยความเป็นอยู่แบบธรรมดา ทุกวัน และทุกวันได้!” - ในรูปแบบเทศกาลเช่นนี้ Evgeniy Bagrationovich ถูกทำให้เป็นอมตะใกล้อาคารสถาบัน การเปิดอนุสาวรีย์แด่อาจารย์เกิดขึ้นหนึ่งสัปดาห์ก่อนการเฉลิมฉลองครบรอบหนึ่งร้อยปีของโรงเรียน
สาระสำคัญของสตูดิโอดังที่ Vakhtangov มักพูดซ้ำ ๆ ก็คือการรักษาห่วงโซ่ซึ่งอันที่จริงแล้วคือสิ่งที่นักศึกษาปัจจุบันและผู้สำเร็จการศึกษาของสถาบันยึดมั่น “โซ่” นี้ปิดตัวลงอีกครั้งในโรงละคร อี.บี. Vakhtangov ในงานฉลองครบรอบหนึ่งร้อยปีของโรงเรียน
ในตอนเย็นเทศกาลนี้ผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนหลายปีจากหลายปีมารวมตัวกันที่โรงละคร: Alexander Shirvindt, Mikhail Derzhavin, Vladimir Etush, Yulia Borisova, Natalya Selezneva, Lidiya Velezheva, Alexander Oleshko, Nonna Grishaeva และผู้สำเร็จการศึกษาที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ อีกมากมาย เพื่อแสดงรายการทุกคนที่มา ไม่จำเป็นต้องมีเพียงหน้าเดียว
ผู้สื่อข่าวของ MuseCube ใช้โอกาสนี้และตัดสินใจที่จะค้นหากฎหลักที่ผู้สำเร็จการศึกษาที่มีชื่อเสียงได้เรียนรู้จากกำแพงของโรงเรียน Shchukin นอนนา กริชาเอวาเธอบอกว่าเธอเป็นหนี้ครูที่อธิบาย ชี้ให้เห็น และแสดงให้เธอเห็นว่าเธอเป็นศิลปินตัวละครในกำแพงของสถาบัน ลิดิยา เวเลเซวาเชื่อว่าโรงเรียนสอนให้คุณรักอาชีพของคุณอย่างสุดหัวใจ ครูสอนให้คุณสร้างบทบาทในลักษณะที่ผู้ชมเชื่ออย่างเต็มที่ว่าฮีโร่ของคุณคือคุณ และนอกภาพเขาจะประหลาดใจกับความแม่นยำของฮีโร่ ถูกสร้างขึ้นมา - ไม่สามารถจดจำบุคลิกของศิลปินได้อย่างสมบูรณ์ อเล็กซานเดอร์ โอเลชโกฉันสรุปด้วยตัวเองว่าอิสรภาพของฝ่ายหนึ่งสิ้นสุดลง โดยที่อิสรภาพของอีกฝ่ายเริ่มต้นขึ้น และชีวิตคือวันหยุด ละครคือความสุข การสอนคือความสุข และศึกษา วิคเตอร์ โดบรอนราโววานำเขาไปสู่กฎนี้: “จะบวชเป็นปุโรหิตหรือออกไป!” อธิการบดีของโรงเรียน Shchukin เชื่อว่านักเรียนและผู้สำเร็จการศึกษาในระหว่างการศึกษาควรเข้าใจว่าพวกเขาจำเป็นต้องมีชีวิตอยู่ - ไม่ต้องเย่อหยิ่งและเรียนรู้ที่จะกำหนดเป้าหมายที่ยิ่งใหญ่และจริงจังสำหรับตนเอง
มีวันหยุดในโรงละคร: ได้ยินบทสนทนาที่สนุกสนานจากทุกที่ เสียงหัวเราะหลั่งไหล รอยยิ้มเปล่งประกาย ก่อนเริ่มเย็น วลาดิมีร์ วลาดิมีโรวิช อิวานอฟผู้อำนวยการคอนเสิร์ตเฉลิมฉลองเรียกแขกเข้ามาในห้องโถงพร้อมกริ่งซึ่งสร้างบรรยากาศพิเศษอบอุ่นเหมือนอยู่บ้านและพาพวกเขาย้อนกลับไปในอดีต
คอนเสิร์ตเฉลิมฉลองจัดขึ้นในรูปแบบการทัวร์ชมนิทรรศการความสำเร็จของเศรษฐกิจแห่งชาติ ไกด์ซึ่งเป็นหัวหน้านักธรรมชาติวิทยาของรัสเซียได้พาแขกจากศาลาหนึ่งไปอีกศาลาหนึ่ง พาเวล ลิวบิมต์เซฟ- เปิดนิทรรศการด้วยอนุสาวรีย์ “คนงานและสตรีชาวนา” แสดงโดย แอนนา ดูบรอฟสกายาและหัว กรมอำนวยการ มิคาอิล โบริซอฟ.
อธิการบดีของโรงเรียน Shchukin - Prince Messing หรือที่รู้จักในชื่อ Wolf Knyazing หรือที่รู้จักในชื่อ เยฟเกนีย์ เนียเซฟกลับชาติมาเกิดในฐานะปรมาจารย์ด้านศาสตร์จิตศาสตร์ที่เป็นไปได้และเป็นไปไม่ได้ทั้งหมดโดยพูดถึงความสามารถอันมหัศจรรย์ของเขาเริ่มตอนเย็น:
ฉันต้องบอกคุณโดยไม่ต้องเครียด:
ฉันสามารถย้ายวัตถุได้
แรงระเบิดทำให้ฉันล้มลงเมื่อวันก่อน
ฉันดูตารางงานอย่างเหนื่อยล้า:
วาจาได้เคลื่อนไปสู่สถานที่เชี่ยวชาญแล้ว
และทักษะก็เข้ามาแทนที่การเต้นรำ
ของขวัญพิเศษอีกอย่างหนึ่งที่ฉันมีคือ:
ที่ฉันเข้าไปทุกที่โดยไม่ต้องผ่าน:
ประตูใดก็ได้
และสิ่งที่ดีเป็นพิเศษก็คือ
ฉันกลับไปโดยไม่ผ่าน
ฉันยังสามารถกุมมือหนังสือได้
และบอกเนื้อหาโดยไม่ต้องอ่าน
แต่นี่เป็นเพียงเรื่องเล็ก...
ฉันรู้แน่นอนว่านักเรียนสามารถผ่านวิชาต่างๆ ได้โดยไม่ต้องเปิดหนังสือด้วย...
ทั้งหมดนี้ฟังดูประกอบกับดนตรีลึกลับและน่าสนใจจากปากของเจ้าชายที่ไม่เรียบร้อย
เย็นวันนั้น ชาวเมือง Vakhtangov รำลึกถึงปรมาจารย์ผู้จากไปผู้ยิ่งใหญ่ ชื่นชมยินดีในความดีความชอบและความสำเร็จของเพื่อนร่วมงาน และรำลึกถึงบัณฑิตที่จากไปในปีนี้ ขบวนพาเหรดเด็กพร้อมชื่อทารกแรกเกิดต้อนรับครอบครัวที่มีลูกในปีนี้ ผู้สำเร็จการศึกษาในวันครบรอบปี เริ่มต้นในปี พ.ศ. 2497 ได้รับการต้อนรับด้วยเสียงปรบมือดัง
โรงเรียน Vakhtangov ยังเป็นตัวแทนของสมาคมสตูดิโอจากประเทศต่างๆ: VDNKh ไม่สามารถดำรงอยู่ได้หากไม่มีน้ำพุ "มิตรภาพของประชาชน" และโรงเรียน Vakhtangov ไม่สามารถทำได้หากไม่มี "น้ำพุ" ซึ่งเป็นตัวแทนของผู้คนที่มีและยังคงมีสตูดิโอที่โรงละคร สถาบัน: ชาวแคนาดา มอลโดวา ชาวยูเครน และอื่นๆ อีกมากมาย
ภายใต้คำขวัญ "ไม่มีอารมณ์ขันและอารมณ์" "การพิมพ์ผิดพลาด" เกิดขึ้น - เกนนาดี คาซานอฟ- จากนั้น เมื่อเข้าเรียนในปี 1963 Alexander Shirvindt แนะนำให้เขาไปที่ GUTSEI - "มีสถาบันเช่นนี้ - การชดเชยสำหรับผู้ที่ไม่มีพรสวรรค์" เมื่อนึกถึงสิ่งนี้ Khazanov เริ่มคำพูดของเขาด้วยคำพูด:“ ดังที่ปราชญ์ Coelho พูดไม่มีอะไรในโลกนี้ผิดอย่างสิ้นเชิง แม้แต่นาฬิกาที่พังก็ยังบอกเวลาที่แน่นอนวันละสองครั้ง” เมื่อพูดถึง Shirvindt Khazanov ก็ไม่โกรธเคือง:“ ขอพระเจ้าอวยพรเขาเขานั่งอยู่แถวที่สอง ขอบคุณมากที่ไม่รับ ไม่อย่างนั้น... ตอนนี้ผมคงทำงานอยู่โรงละครและรอทุนอยู่...”
หลังจากการแสดงของ Gennady Khazanov ไม่นานเขาก็ขึ้นไปบนเวที อเล็กซานเดอร์ เชอร์วินท์- เช่นเดียวกับ "Schukinets" Alexander Anatolyevich มีการประชดตัวเองที่ยอดเยี่ยม: "วันครบรอบนี้เป็นงานที่น่ายินดีและน่าเศร้า ฉันเพิ่งอายุ 80 ปี จากนั้นเราก็ฉลองครบรอบ 90 ปีของ Satire Theatre และตอนนี้โรงเรียนก็มีอายุ 100 ปีแล้ว ฉันหยิบมันขึ้นมา!”
มีการเปลี่ยนแปลงบางอย่าง: นอนนา กริชาเอวาปรากฏตัวในรูปของ Larisa Guzeeva จากรายการ Let's Get Married วาเลเรีย ลานสกายาปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชม Ilya Averbukh และ อเล็กซานเดอร์ โอเลชโกซึ่งปรากฏตัวบนเวทีในรูปของ Elena Malysheva ตั้งข้อสังเกตว่านักแสดงไม่ใช่อาชีพ แต่เป็นการวินิจฉัยโดยอ้างถึงตัวอย่างจาก "บทเรียนของนักแสดงเกี่ยวกับตัวเขาเอง" โดย K.S. สตานิสลาฟสกี้
ไฮไลท์ของค่ำคืนนี้คือทางออก ยูเลีย คอนสแตนตินอฟนา โบริโซว่าและ วาซิลี เซเมโนวิช ลาโนวอยในภาพเจ้าชายคาลาฟและเจ้าหญิงทูรานดอท (จากบทละครชื่อเดียวกัน “เจ้าหญิงทูรานดอท” ซึ่งเป็นจุดเด่นของโรงละครมายาวนาน) เฉพาะที่นี่พวกเขาเล่น "Turandot" ในทางกลับกัน: Lanovoi ถามเจ้าหญิงด้วยปริศนา ตามที่ศิลปินกล่าวไว้หากเจ้าหญิงไม่เดาหัวจะถูกตัดออกไปให้กับผู้ที่คิดเรื่องทั้งหมดนี้นั่นคือผู้นำเสนอ “ คุณไม่ต้องการตัดหัวแบบนี้” Yulia Borisova กล่าวพร้อมรอยยิ้ม
ตอนเย็นจบลงด้วย "คำปราศรัยของประธานาธิบดี" - ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของสถาบันปรากฏบนหน้าจอ วลาดิมีร์ อับราโมวิช เอตุชดังที่คาดไว้ด้วยการประโคม: “อีกไม่กี่นาทีเราจะก้าวจากปัจจุบันไปสู่อนาคต ศตวรรษที่ผ่านมาเป็นเรื่องยาก แต่ก็น่าสนใจ เราประสบความสำเร็จมากมาย ใช่ เกือบทุกสิ่งที่เราประสบความสำเร็จมาจนถึงตอนนี้ เราทำสำเร็จในศตวรรษนี้ และเราจะประสบความสำเร็จมากยิ่งขึ้นในศตวรรษหน้า ดังนั้นเราจึงพบเขาด้วยความหวัง ขอบคุณกันที่เข้าใจและช่วยเหลือกันสำหรับความรักและความห่วงใย ฉันขอให้พวกเราทุกคนมีสุขภาพและความสุข! สุขสันต์วันศตวรรษใหม่ ชาวชูคิไนต์!” วลาดิมีร์ อับราโมวิชเองก็เดินขึ้นไปบนเวทีเพื่อปรบมือเสียงดังโดยไม่พูดอะไรสักคำ บนเวทีเป็นการสิ้นสุดการเฉลิมฉลองวันครบรอบ - คณะนักร้องประสานเสียงอันศักดิ์สิทธิ์ของนักเรียนทุกคนนำโดย Vladimir Etush ทหารผ่านศึกจากโรงเรียน Vakhtangov
ชาว Shchukin ถือว่าสถาบันเป็นบ้านของพวกเขา บ้านที่ทุกคนเริ่มต้นการเดินทาง บ้านที่พวกเขาจากไปในฐานะคนใหม่โดยสิ้นเชิง บ้านที่ผู้คนสามารถเข้ามาขอคำแนะนำได้ตลอดเวลา ครอบครัวใหญ่และเป็นมิตรครอบครัวหนึ่งปิดเครือเมื่อ Vakhtangov พินัยกรรมทั้งหมดร่วมกันก้าวเข้าสู่ศตวรรษใหม่ในประวัติศาสตร์ของสถาบันการละคร บอริส ชชูกิน.
Alexandra Dubrovskaya โดยเฉพาะสำหรับ MUSECUBE
ดูรายงานภาพถ่ายของ Kristina Babaeva
กระทรวงศึกษาธิการแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย
มหาวิทยาลัยการสอนแห่งรัฐรัสเซีย ตั้งชื่อตาม AI. เฮอร์เซน
งานหลักสูตร
วิธีการสอน E.B. Vakhtangov และการประยุกต์ใช้สมัยใหม่
ดำเนินการโดยนักศึกษาชั้นปีที่ 4
คณะฟิสิกส์
คิเชนโก มาเรีย
เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2554
การแนะนำ
1.ชีวประวัติและหลักการทำงานของ E.B. วาคทังกอฟ 2.การก่อตัวของหลักสุนทรียภาพในโรงละคร Vakhtangov .วิธีการสอนและการกำกับของ Vakhtangov .การประยุกต์ใช้วิธีการโดย E.B. Vakhtangov ในมหาวิทยาลัยการสอนสมัยใหม่ .การประยุกต์ใช้วิธีการโดย E.B. Vakhtangov ที่โรงละครคริสเตียน บรรณานุกรม การแนะนำ หัวข้อวิจัย: การประยุกต์ใช้ วิธีการสอนอี.บี. Vakhtangov ในยุคปัจจุบัน วัตถุประสงค์ของการศึกษา: เพื่อพิจารณาการประยุกต์ใช้วิธีการสอนสมัยใหม่ของ E.B. วาคทังกอฟ. วัตถุประสงค์การวิจัย: เพื่อพิจารณาการประยุกต์ใช้วิธีการของ E.B. สมัยใหม่ Vakhtangov ตามตัวอย่างที่นำเสนอ ความเกี่ยวข้องของการวิจัย ในด้านการศึกษา ความเกี่ยวข้องของการก่อตัวของบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ของครูในอนาคตนั้นถูกกำหนดโดยการเปลี่ยนแปลงในกระบวนทัศน์ดั้งเดิมของการศึกษาของนักศึกษามหาวิทยาลัยการสอนไปสู่รูปแบบที่มุ่งเน้นบุคลิกภาพ ใน สภาพที่ทันสมัยจำเป็นตามหลักการ รูปลักษณ์ใหม่เกี่ยวกับปัญหาการสร้างบุคลิกภาพของครูในอนาคตซึ่งวิธีแก้ปัญหานี้ทำได้โดยการประยุกต์ใช้กฎของวิธีการแสดงละครของ E.B. Vakhtangov สร้างเงื่อนไขสำหรับการสร้างแบบจำลองและพัฒนาความสามารถในการสื่อสารของครูในอนาคตและกระตุ้นพฤติกรรมด้นสด ในศาสนาคริสต์ ที่นี่จำเป็นต้องมีแนวทางที่แตกต่างออกไปในโรงละครอารามเนื่องจากภายในกรอบของโลกทัศน์ของคนงานโรงละครคริสเตียนวิธีการของ Stanislavsky ซึ่งได้รับความนิยมทั้งในรัสเซียและตะวันตกกลายเป็นสิ่งที่ยอมรับไม่ได้และถูกมองว่าเป็นผู้ควบคุมการแสดงหน้าซื่อใจคดเพราะทิศทางของ Stanislavsky บังคับให้นักแสดงทำความคุ้นเคยกับ "สถานการณ์ที่เสนอ" ในตอนแรก นักแสดงจะต้องรู้สึกภายในว่าเขาสามารถเล่นบทบาทบางอย่างบนเวทีผ่านประสบการณ์ภายนอกได้อย่างไร กระบวนการ "หน้าซื่อใจคด" ในนักแสดงนี้เปิดตัวโดยผู้กำกับซึ่งมีบทบาทสำคัญในระบบของ Stanislavsky ตัวอย่างคลาสสิกอย่างหนึ่งคือเมื่อผู้กำกับขอให้นักแสดงหลอกลวง ทั้งที่ในชีวิตเขาไม่เคยหลอกลวงใครเลย หน้าที่ของผู้กำกับคือทำให้นักแสดงตกอยู่ในสถานการณ์ที่เขาสามารถตกลงที่จะหลอกลวงและรวบรวมการหลอกลวงนี้บนเวทีได้อย่างง่ายดาย ตามที่คริสเตียนนิกายโปรเตสแตนต์และออร์โธดอกซ์กล่าวไว้ ผู้อำนวยการที่เป็นคริสเตียนไม่ควรทำเช่นนี้ 1. ชีวประวัติและหลักการทำงานของ E.B. วาคทังกอฟ Evgeny Bagrationovich Vakhtangov - (1 (13 กุมภาพันธ์), 2426, Vladikavkaz - 29 พฤษภาคม 2465, มอสโก) - นักแสดงโซเวียต, ผู้กำกับละคร, ผู้ก่อตั้งและผู้กำกับ (ตั้งแต่ปี 1913) ของสตูดิโอ Student Drama (ต่อมา "Mansurov") ซึ่งใน พ.ศ. 2464 กลายเป็นสตูดิโอแห่งที่ 3 ของโรงละครศิลปะมอสโกและตั้งแต่ปี พ.ศ. 2469 โรงละครก็ตั้งชื่อตาม Evgenia Vakhtangova. ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์เป็นคำที่ใช้กับปรากฏการณ์ต่างๆ ในศิลปะและวรรณคดี การสร้างคำนี้มักเกิดจาก Dostoevsky; อย่างไรก็ตามนักวิจัยของนักเขียน V.N. Zakharov แสดงให้เห็นว่านี่เป็นความเข้าใจผิด อาจเป็นคนแรกที่ใช้สำนวน "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" คือฟรีดริช นีทเชอ (ค.ศ. 1869 เกี่ยวข้องกับเช็คสเปียร์) ในช่วงทศวรรษที่ 1920 สำนวนนี้ใช้ในการบรรยายโดย Evgeniy Vakhtangov; ต่อมาได้เป็นที่ยอมรับในการศึกษาการละครของรัสเซียในฐานะคำจำกัดความของวิธีการสร้างสรรค์ของ Vakhtangov ในวิธีการแสดงละครของ Vakhtangov คุณค่าเฉพาะคือส่วนของผู้กำกับ ศิลปะในการแสดงละคร และวิธีการทำงานร่วมกันระหว่างผู้กำกับและนักแสดงในภาพบนเวที Vakhtangov เรียกผลงานของนักแสดงเกี่ยวกับบทบาทนี้ว่าเป็นส่วนสร้างสรรค์ของระบบ และเชื่อว่าระบบในตัวเองไม่ได้กำหนดทั้งรูปแบบการผลิต หรือประเภทของการแสดง หรือแม้แต่วิธีการแสดงด้วยตนเอง การทำงานตามบทบาทหมายถึงการค้นหาและพัฒนาความสัมพันธ์ที่จำเป็นสำหรับบทบาทนี้ในตัวนักแสดง ในการที่จะเข้าใจตัวละคร คุณต้องจำลองความรู้สึกของมันขึ้นมาใหม่ จากนั้นจึงแสดงความรู้สึกเหล่านี้บนเวที นักแสดงที่อยู่บนเวทีตามความเป็นจริงคือผู้ที่ในขณะเดียวกันก็ใช้ชีวิตในสถานการณ์ที่เสนอของบทบาทและควบคุมพฤติกรรมบนเวทีของเขา งานเริ่มแรกของละครคือการวิเคราะห์บทละคร ในแผนระบบปี 1919 Vakhtangov แบ่งกระบวนการนี้ออกเป็นสี่ขั้นตอน: ก) การอ่านครั้งแรก การวิเคราะห์วรรณกรรม การวิเคราะห์ทางประวัติศาสตร์ การวิเคราะห์ทางศิลปะ การวิเคราะห์การแสดงละคร b) แบ่งออกเป็นชิ้น ๆ c) การดำเนินการจากต้นทางถึงปลายทาง; d) การเปิดข้อความ การกระทำที่ทะลุผ่านคือสิ่งที่แสดงด้วยคำง่ายๆ เหล่านี้ นั่นคือการกระทำที่ดำเนินไปตลอดการเล่น ในการค้นหาแอ็กชันที่ตัดขวาง การเล่นแบ่งออกเป็น “ส่วน” ตามหลักการ 2 ประการ คือ โดยการกระทำหรือตามอารมณ์ Vakhtangov เรียกผลงานชิ้นนี้ว่าเป็นเวทีในการนำเป้าหมายของการดำเนินการจากต้นทางถึงปลายทางเข้าใกล้ตอนจบมากขึ้น มีทั้งชิ้นหลักและชิ้นรอง เพื่อที่จะเล่นบทบาทจากต้นจนจบได้อย่างถูกต้อง นักแสดงมองหา "เมล็ดพืช" ซึ่งเป็นแก่นแท้ของบุคลิกภาพ ซึ่งเป็นสิ่งที่ก่อตัวขึ้นตลอดหลายปีที่ผ่านมาและประสบการณ์ชีวิต เมื่อทำงานในบทบาท Vakhtangov มักจะพูดถึงการเปลี่ยนแปลงภายในของนักแสดงเกี่ยวกับ "การเติบโต" ภาพลักษณ์ (เมล็ดพันธุ์ของบทบาท) ในจิตวิญญาณของเขา ในวิธีการทำงานตามบทบาทของ Vakhtangov ภายนอกและภายในอยู่ร่วมกันอย่างเท่าเทียมกันเสมอ การกระทำทางกายภาพทุกครั้งในโรงละครจะต้องมีเหตุผลภายใน และลักษณะใดๆ จะต้องไม่ "เหนียวเหนอะหนะ" - ไม่ใช่การบังคับ แต่เป็นสภาวะธรรมชาติ ซึ่งเป็นการแสดงออกภายนอกของแก่นแท้ภายในบางอย่าง Vakhtangov ไม่ชอบการวิเคราะห์บทละครยาวๆ บนโต๊ะ แต่มองหาการกระทำทันที พยายามค้นหาประเภทของจินตภาพของบทละครและแก่นแท้ทางจิตวิทยาของตัวละครแต่ละตัว เขาเชิญชวนศิลปินอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยให้จินตนาการถึงบทบาทนี้: “วันนี้ฉันฝันไว้ และพรุ่งนี้มันจะเล่นตามใจฉัน” เขายืนยัน ผู้กำกับสอนนักแสดงเมื่อทำงานในบทบาทให้ให้ความสนใจหลักไม่ใช่คำพูด แต่กับการกระทำและความรู้สึกที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังการกระทำเช่น เพื่อซับเท็กซ์ถึงกระแสใต้น้ำ บางครั้งคำพูดอาจขัดแย้งกับความรู้สึกได้ การซ้อมของ Vakhtangov เป็นการด้นสดไม่รู้จบโดยนักแสดงและผู้กำกับ ในแผนของระบบ เขาเรียกการฝึกซ้อมว่า "ความซับซ้อนของเหตุฉุกเฉิน" ซึ่ง "บทละครเติบโตขึ้น" ผู้กำกับมีอิทธิพลต่อนักแสดงในหลายๆ ด้าน มีการจัดแสดงวิธีการสร้างสรรค์หลักของเขา บางครั้งการแสดงก็เปลี่ยนการซ้อมเป็นการแสดงเดี่ยว ซึ่งผู้นำและผู้กำกับผู้ยิ่งใหญ่ได้สาธิตการแสดงอันยอดเยี่ยมของเขา เมื่อแสดงให้นักแสดงเห็น Vakhtangov ใช้วิธีการชี้นำซึ่งเป็นวิธีการเสนอแนะ ไม่เพียงพยายามบังคับให้นักแสดงทำอะไรบางอย่าง แต่ยัง "ปลุกเร้า" จินตนาการของเขาเพื่อค้นหาความรู้สึกที่ถูกต้อง เขาทำให้นักแสดงติดเชื้อทั้งจากอารมณ์และความศรัทธาที่ไร้เดียงสาในตัวละคร เมื่อแก่นของบทบาทครบถ้วนแล้ว นักแสดงก็ไม่จำเป็นต้องกังวลเกี่ยวกับการระบุคุณลักษณะบางอย่างของโหงวเฮ้งภายในและภายนอกของภาพ ธรรมชาติทางศิลปะของนักแสดงนำทางเขา สิ่งที่เหลืออยู่คือการเฉลิมฉลอง อิสระในการสร้างสรรค์ ความสุขที่ได้สัมผัสบนเวที นี่คือแรงบันดาลใจในการแสดงที่แท้จริง เมื่อทุกส่วนของงานนักแสดง ทั้งองค์ประกอบของเทคนิคภายในและเทคนิคภายนอก ได้รับการขัดเกลาอย่างไร้ที่ติ นักแสดงด้นสดอย่างอิสระ และการแสดงอย่างกะทันหันของแต่ละคนได้รับการจัดเตรียมภายในและไหลออกมาจากบทบาท ความฝันของนักแสดงด้นสดที่มีบทบาทตั้งแต่เริ่มต้นเป็นหนึ่งในแนวคิดที่ชื่นชอบของ Vakhtangov ผู้กำกับฝันว่าวันหนึ่งผู้เขียนจะหยุดเขียนบทละคร เพราะในโรงละครงานศิลปะจะต้องสร้างขึ้นโดยนักแสดง นักแสดงไม่ควรรู้ว่าจะเกิดอะไรขึ้นกับเขาเมื่อเขาขึ้นเวที เขาควรจะขึ้นเวที เช่นเดียวกับที่เราไปสนทนากันในชีวิต เมื่อตรวจสอบวิวัฒนาการของสุนทรียศาสตร์ของ Vakhtangov เขาเข้าใกล้แนวคิดของ "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ซึ่งตระหนักได้อย่างเต็มที่ที่สุดในการแสดงสองรายการล่าสุดของเขา: "Gadibuk" และ "Princess Turandot" ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Vakhtangov เริ่มเรียกวิธีการแสดงละครของเขาว่า "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" โดยประกาศว่าหลักการ: "ไม่ควรมีโรงละครในโรงละคร" ควรถูกปฏิเสธ จะต้องมีโรงละครในโรงละคร สำหรับการเล่นแต่ละครั้งจำเป็นต้องมองหารูปแบบเวทีพิเศษและไม่เหมือนใคร และโดยทั่วไปแล้วไม่จำเป็นต้องสร้างความสับสนให้กับชีวิตและโรงละคร โรงละครไม่ใช่สำเนาของชีวิต แต่เป็นความจริงที่พิเศษ ในแง่หนึ่ง ความเหนือจริง การควบแน่นของความเป็นจริง ในเวลาเดียวกันผู้กำกับไม่ได้ละทิ้งหลักการของความสมจริงทางจิตวิทยาหรือเทคนิคทางจิตวิญญาณภายในของนักแสดงเลย เขายังคงเรียกร้องความรู้สึกที่แท้จริงจากนักแสดง และประกาศว่าศิลปะบนเวทีที่แท้จริงเกิดขึ้นเมื่อนักแสดงยอมรับว่าสิ่งที่เขาสร้างขึ้นด้วยจินตนาการบนเวทีเป็นความจริง โรงละครไม่สามารถกลายเป็นความจริงได้อย่างสมบูรณ์ - เนื่องจากมีการประชุมบนเวที นักแสดงที่เป็นตัวแทนของผู้อื่น ตัวละครสมมติ และสถานการณ์ในละคร “ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์” คือความสมจริงเพราะความรู้สึกในนั้นเป็นของแท้ จิตวิทยาของมนุษย์นั้นมีอยู่จริง เวทีแบบเดิมๆ หมายความว่าตัวพวกเขาเองนั้นยอดเยี่ยมมาก นักแสดงไม่ควรแสดงตัวละครอย่างเป็นธรรมชาติ เขาจะต้องเล่นมันโดยใช้คลังแสงแห่งการแสดงออกบนเวทีทั้งหมด ผู้ชมในโรงละครแห่ง "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ไม่ลืมว่าเขาอยู่ในโรงละคร แต่สิ่งนี้ไม่ได้รบกวนความจริงใจในความรู้สึกของเขา น้ำตาที่แท้จริงและเสียงหัวเราะของเขาเลย หน้าที่ของ “ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์” ในการผลิตใดๆ ก็ตาม คือการค้นหา “รูปแบบการแสดงละครที่สอดคล้องกับเนื้อหาและนำเสนอด้วยวิธีการที่เหมาะสม” Vakhtangov มองโรงละครว่าเป็นโรงละคร เขาแน่ใจว่าละครและชีวิตจริงเป็นสองสิ่งที่แตกต่างกัน เขาเสนอให้แยกสองแนวคิดนี้ออกจากกัน นักแสดงของเขาเล่นโดยดื่มด่ำกับสิ่งแวดล้อมอย่างสมบูรณ์ แต่ละบทบาทสอดคล้องกับความเป็นปัจเจกบุคคลของนักแสดง คุณสมบัติของเขาที่สามารถช่วยในการทำความเข้าใจและ "ฟื้นฟู" บทบาทได้ Vakhtangov ไม่ได้ปฏิเสธความรู้สึกชีวิตของนักแสดงที่เกิดในนักแสดง พวกเขาอนุญาตให้ทุกคนที่อยู่ในโรงละครมีความเห็นอกเห็นใจ วิธีการของเขาเช่นเดียวกับวิธีการของ Stanislavsky และ Meyerhold นั้นถูกต้อง การก่อตัวของหลักสุนทรียภาพในโรงละคร Vakhtangov สไตล์การกำกับของ Vakhtangov ได้รับการพัฒนาอย่างมากตลอด 10 ปีของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา จากความเป็นธรรมชาติทางจิตวิทยาขั้นสุดขีดของผลงานชิ้นแรกของเขาเขามาถึงสัญลักษณ์โรแมนติกของ Rosmersholm จากนั้น - เพื่อเอาชนะ "โรงละครจิตวิทยาที่ใกล้ชิด" ไปจนถึงการแสดงออกของ "Eric XIV" ไปจนถึง "หุ่นพิสดาร" ของ "The Miracle of St. Anthony" ฉบับที่สองและการแสดงละครแบบเปิดของ "Princess Turandot" ” เรียกโดยนักวิจารณ์คนหนึ่งว่า "อิมเพรสชันนิสม์เชิงวิพากษ์" สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดในวิวัฒนาการของ Vakhtangov ตามข้อมูลของ P. Markov คือธรรมชาติตามธรรมชาติของการเปลี่ยนแปลงทางสุนทรียะดังกล่าวและความจริงที่ว่า "ความสำเร็จทั้งหมดของโรงละคร "ซ้าย" ที่สะสมในเวลานี้และมักถูกผู้ชมปฏิเสธมักจะเต็มใจ และได้รับการยอมรับอย่างกระตือรือร้นจากผู้ชมจาก Vakhtangov” Vakhtangov มักจะทรยศต่อความคิดและงานอดิเรกบางอย่างของเขา แต่เขามักจะมุ่งไปสู่การสังเคราะห์ละครที่สูงขึ้นโดยเจตนาเสมอ แม้จะอยู่ในสภาพเปลือยเปล่าสุดขีดของ “เจ้าหญิงทูรานดอท” เขาก็ยังคงซื่อสัตย์ต่อความจริงที่เขาได้รับจากมือของเค.เอส. สตานิสลาฟสกี้ บุคคลสำคัญในโรงละครรัสเซียสามคนมีอิทธิพลต่อเขาอย่างเด็ดขาด: Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko และ Sulerzhitsky และพวกเขาทั้งหมดเข้าใจว่าโรงละครเป็นสถานที่สำหรับการศึกษาสาธารณะ เป็นวิธีการเรียนรู้และยืนยันความจริงอันสมบูรณ์ของชีวิต Vakhtangov ยอมรับมากกว่าหนึ่งครั้งว่าเขาสืบทอดจิตสำนึกว่านักแสดงจะต้องบริสุทธิ์มากขึ้น เป็นคนที่ดีขึ้นหากเขาต้องการสร้างสรรค์อย่างอิสระและมีแรงบันดาลใจจาก L.A. ซูเลอร์ชิตสกี้. แน่นอนว่าอิทธิพลทางวิชาชีพที่เด็ดขาดต่อ Vakhtangov คือ Konstantin Sergeevich Stanislavsky งานตลอดชีวิตของ Vakhtangov คือการสอนระบบและก่อตั้งกลุ่มเยาวชนที่มีความสามารถจำนวนหนึ่งบนพื้นฐานความคิดสร้างสรรค์ เขารับรู้ว่าระบบเป็นความจริง เป็นศรัทธา ซึ่งเขาถูกเรียกให้รับใช้ หลังจากซึมซับรากฐานของระบบของเขาเทคนิคการแสดงภายในจาก Stanislavsky Vakhtangov เรียนรู้จาก Nemirovich-Danchenko เพื่อสัมผัสถึงการแสดงละครที่เฉียบแหลมของตัวละครความชัดเจนและความสมบูรณ์ของฉากที่เพิ่มสูงขึ้นได้เรียนรู้แนวทางฟรีสำหรับเนื้อหาละครและ ตระหนักว่าในการแสดงละครแต่ละครั้งจำเป็นต้องมองหาแนวทางที่เหมาะสมกับแก่นแท้ของงานนั้นๆ (และไม่ได้ระบุโดยทฤษฎีการแสดงทั่วไปจากภายนอก) กฎพื้นฐานของทั้งโรงละครศิลปะมอสโกและโรงละคร Vakhtangov นั้นเป็นกฎแห่งการให้เหตุผลภายใน การสร้างชีวิตอินทรีย์บนเวที การตื่นตัวของนักแสดงในความจริงที่มีชีวิตของความรู้สึกของมนุษย์ ในช่วงแรกของการทำงานที่ Moscow Art Theatre Vakhtangov ทำหน้าที่เป็นนักแสดงและอาจารย์ บนเวทีของโรงละครศิลปะมอสโกเขาเล่นบทบาทเป็นฉาก ๆ เป็นหลัก - มือกีตาร์ใน "The Living Corpse" ขอทานใน "ซาร์ฟีโอดอร์ไอโออันโนวิช" เจ้าหน้าที่ใน "Woe from Wit" นักชิมใน "Stavrogin" ข้าราชบริพาร ใน "Hamlet" น้ำตาลใน "Blue Bird" เขาสร้างภาพบนเวทีที่สำคัญกว่านี้ในสตูดิโอแห่งแรก - Tackleton ใน "The Cricket on the Stove", Fraser ใน "The Flood", Dantier ใน "The Death of Hope" นักวิจารณ์ตั้งข้อสังเกตอย่างเป็นเอกฉันท์ถึงการประหยัดเงินทุนที่รุนแรงการแสดงออกที่พอประมาณและความพูดน้อยของผลงานการแสดงเหล่านี้ซึ่งนักแสดงกำลังมองหาวิธีการแสดงละครโดยพยายามสร้างไม่ใช่ตัวละครในชีวิตประจำวัน แต่เป็นประเภทละครทั่วไปบางประเภท ในเวลาเดียวกัน Vakhtangov ก็ลองใช้มือกำกับ ผลงานการกำกับเรื่องแรกของเขาที่สตูดิโอแรกของโรงละครศิลปะมอสโกคือ "เทศกาลแห่งสันติภาพ" ของ Hauptmann (รอบปฐมทัศน์ 15 พฤศจิกายน พ.ศ. 2456) การแสดงทั้งสองเกิดขึ้นในช่วงเวลาแห่งความหลงใหลสูงสุดของ Vakhtangov ในสิ่งที่เรียกว่าความจริงของชีวิตบนเวที ความเข้มงวดของธรรมชาตินิยมทางจิตวิทยาในการแสดงเหล่านี้ถูกจำกัดให้ถึงขีดจำกัด ในสมุดบันทึกที่ผู้กำกับเก็บไว้ในเวลานั้นมีการพูดคุยกันมากมายเกี่ยวกับภารกิจของการไล่ออกจากโรงละครครั้งสุดท้าย - โรงละครจากการแสดงของนักแสดงเกี่ยวกับการลืมเลือนการแต่งหน้าบนเวทีและเครื่องแต่งกาย ด้วยความกลัวงานฝีมือที่ซ้ำซากจำเจ Vakhtangov เกือบจะปฏิเสธทักษะภายนอกใด ๆ เลยและเชื่อว่าเทคนิคภายนอก (ซึ่งเขาเรียกว่า "อุปกรณ์") ควรเกิดขึ้นในนักแสดงด้วยตัวเองอันเป็นผลมาจากความถูกต้องของเขา ชีวิตภายในบนเวทีจากความจริงแห่งความรู้สึกของเขา ในฐานะนักเรียนที่กระตือรือร้นของ Stanislavsky Vakhtangov เรียกร้องให้มีความเป็นธรรมชาติและความเป็นธรรมชาติสูงสุดของความรู้สึกของนักแสดงในระหว่างการแสดงบนเวที อย่างไรก็ตามหลังจากแสดงการแสดง "ธรรมชาตินิยมทางจิตวิญญาณ" ที่สอดคล้องกันมากที่สุดซึ่งนำหลักการ "มองผ่านรอยแตก" ไปสู่ข้อสรุปเชิงตรรกะในไม่ช้า Vakhtangov ก็เริ่มพูดคุยเกี่ยวกับความจำเป็นในการค้นหารูปแบบการแสดงละครใหม่มากขึ้นทุกวัน ละครต้องตาย บทละครเป็นเพียงข้ออ้างสำหรับความคิดที่ว่าจำเป็นต้องขจัดความเป็นไปได้ของการสอดแนมจากผู้ชมทุกครั้งเพื่อยุติช่องว่างระหว่างเทคนิคภายในและภายนอกของนักแสดงเพื่อค้นพบ "สิ่งใหม่" รูปแบบการแสดงความจริงของชีวิตในความจริงแห่งละคร” มุมมองดังกล่าวของ Vakhtangov ซึ่งเขาค่อยๆ ทดสอบในการแสดงละครที่หลากหลาย ค่อนข้างขัดแย้งกับความเชื่อและแรงบันดาลใจของอาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ของเขา อย่างไรก็ตามการวิพากษ์วิจารณ์ของเขาเกี่ยวกับโรงละครศิลปะมอสโกไม่ได้หมายถึงการปฏิเสธรากฐานที่สร้างสรรค์ของโรงละครศิลปะโดยสิ้นเชิงเลย Vakhtangov ไม่ได้เปลี่ยนช่วงของวัสดุสำคัญที่ Stanislavsky ใช้เช่นกัน จุดยืนและทัศนคติต่อเนื้อหานี้เปลี่ยนไป Vakhtangov เช่นเดียวกับ Stanislavsky มี "ไม่มีอะไรที่ลึกซึ้ง ไม่มีอะไรที่ไม่สามารถพิสูจน์ได้ และไม่สามารถอธิบายได้" มิคาอิล เชคอฟ ซึ่งรู้จักผู้กำกับทั้งสองคนเป็นอย่างดีและชื่นชมพวกเขาอย่างสูงกล่าว Vakhtangov นำความจริงในชีวิตประจำวันมาสู่ระดับของความลึกลับ โดยเชื่อว่าสิ่งที่เรียกว่าความจริงในชีวิตบนเวทีควรถูกนำเสนอในละคร โดยมีผลกระทบในระดับสูงสุด สิ่งนี้เป็นไปไม่ได้จนกว่านักแสดงจะเข้าใจธรรมชาติของการแสดงละครและเชี่ยวชาญเทคนิคภายนอก จังหวะ และความเป็นพลาสติกได้อย่างสมบูรณ์แบบ Vakhtangov เริ่มต้นเส้นทางของเขาเองสู่การแสดงละครไม่ได้มาจากแฟชั่นสำหรับการแสดงละครไม่ใช่จากอิทธิพลของ Meyerhold, Tairov หรือ Komissarzhevsky แต่มาจากความเข้าใจของเขาเองเกี่ยวกับแก่นแท้ของความจริงของโรงละคร วัคทังกอฟนำเส้นทางของเขาไปสู่การแสดงละครอย่างแท้จริงผ่านการแสดงอย่างมีสไตล์ของ “Eric XIV” ไปจนถึงรูปแบบการเล่นสุดขั้วใน “Turandot” P. Markov เหมาะเจาะที่จะเรียกกระบวนการพัฒนาสุนทรียศาสตร์ของ Vakhtangov ว่าเป็นกระบวนการ "ลับคมเทคนิค" ผลงานครั้งที่สองของ Vakhtangov ที่สตูดิโอแรกของโรงละครศิลปะมอสโก "The Flood" (รอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 14 ธันวาคม พ.ศ. 2458) แตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจาก "Feast of Peace" ไม่มีอาการตีโพยตีพายไม่มีความรู้สึกเปลือยเปล่าอย่างยิ่ง ดังที่นักวิจารณ์ตั้งข้อสังเกตว่า “มีอะไรใหม่ใน The Flood ก็คือผู้ชมจะรู้สึกเหมือนได้แสดงละครอยู่เสมอ” การแสดงครั้งที่สามของ Vakhtangov ที่สตูดิโอ "Rosmersholm" (รอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 26 เมษายน พ.ศ. 2461) ก็โดดเด่นด้วยลักษณะของการประนีประนอมระหว่างความจริงของชีวิตและความจริงทั่วไปของโรงละคร เป้าหมายของผู้กำกับในการผลิตครั้งนี้ไม่ใช่การไล่นักแสดงออกจากโรงละครก่อนหน้านี้ แต่ในทางกลับกันได้ประกาศการค้นหาการแสดงออกถึงบุคลิกภาพของนักแสดงบนเวทีอย่างถึงที่สุด ผู้กำกับไม่ได้ต่อสู้เพื่อภาพลวงตาของชีวิต แต่พยายามถ่ายทอดความคิดของตัวละครของ Ibsen บนเวทีเพื่อรวบรวมความคิดที่ "บริสุทธิ์" บนเวที ใน Rosmersholm เป็นครั้งแรกด้วยความช่วยเหลือของวิธีการเชิงสัญลักษณ์ช่องว่างระหว่างนักแสดงและตัวละครที่เขาเล่นซึ่งเป็นเรื่องปกติของงานของ Vakhtangov ได้รับการอธิบายไว้อย่างชัดเจน ผู้กำกับไม่ได้เรียกร้องจากนักแสดงอีกต่อไปถึงความสามารถในการเป็น "สมาชิกของตระกูลชอลซ์" (เช่นเดียวกับใน "งานฉลองสันติภาพ") มันก็เพียงพอแล้วสำหรับนักแสดงที่จะเชื่อถูกล่อลวงด้วยความคิดให้อยู่ในสภาพของการดำรงอยู่ของฮีโร่ของเขาเพื่อเข้าใจตรรกะของขั้นตอนที่ผู้เขียนอธิบายไว้ และในขณะเดียวกันก็ยังคงเป็นตัวคุณเอง เริ่มต้นด้วย "Eric XIV" (รอบปฐมทัศน์เมื่อวันที่ 29 มกราคม พ.ศ. 2464) สไตล์การกำกับของ Vakhtangov มีความชัดเจนมากขึ้นเรื่อย ๆ แนวโน้มของเขาที่จะ "ทำให้เทคนิคของเขาคมชัดขึ้น" เพื่อผสมผสานจิตวิทยาที่เข้ากันไม่ได้ - จิตวิทยาเชิงลึกเข้ากับการแสดงออกของหุ่นเชิดซึ่งแปลกประหลาดกับการแต่งบทเพลง ประจักษ์อย่างถึงที่สุด การก่อสร้างของ Vakhtangov มีพื้นฐานอยู่บนความขัดแย้งมากขึ้นเรื่อย ๆ จากการต่อต้านของหลักการสองประการที่แตกต่างกัน สองโลก - โลกแห่งความดีและโลกแห่งความชั่วร้าย ใน “Eric XIV” ความหลงใหลก่อนหน้านี้ทั้งหมดของ Vakhtangov ต่อความจริงของความรู้สึกถูกรวมเข้ากับการค้นหาใหม่สำหรับการแสดงละครทั่วไปที่สามารถแสดง "ศิลปะแห่งประสบการณ์" ได้อย่างครบถ้วนสูงสุด ประการแรก นี่คือหลักการของความขัดแย้งบนเวที โดยนำความเป็นจริงสองประการ สอง "ความจริง" มาสู่เวที: ในชีวิตประจำวัน ความจริงในชีวิต และความจริงทั่วไปที่เป็นนามธรรมและเป็นสัญลักษณ์ นักแสดงบนเวทีไม่เพียงเริ่ม "ประสบการณ์" เท่านั้น แต่ยังแสดงละครตามอัตภาพด้วย ใน Eric XIV ความสัมพันธ์ระหว่างนักแสดงกับตัวละครที่เขาเล่นเปลี่ยนไปอย่างมากเมื่อเปรียบเทียบกับ The Feast of Peace รายละเอียดภายนอก องค์ประกอบของการแต่งหน้า การเดิน (การสับเปลี่ยนของ Birman Queen) บางครั้งก็เป็นตัวกำหนดแก่นแท้ของบทบาทนี้ นับเป็นครั้งแรกใน Vakhtangov ที่หลักการของความสง่างามและความแน่วแน่ของตัวละครปรากฏในความแน่นอนดังกล่าว Vakhtangov นำเสนอแนวคิดเรื่องประเด็นต่างๆ ซึ่งมีความสำคัญมากสำหรับระบบ "ความสมจริงที่น่าอัศจรรย์" ที่เกิดขึ้นใหม่ หลักการของความขัดแย้งการต่อต้านของโลกสองใบที่แตกต่างกัน Vakhtangov สอง "ความจริง" ถูกนำมาใช้ในการผลิต "The Miracle of St. Anthony" (ฉบับที่สอง) และ "งานแต่งงาน" (ฉบับที่สอง) ในสตูดิโอที่สาม การคำนวณการควบคุมตนเองการควบคุมตนเองบนเวทีที่เข้มงวดและเรียกร้องมากที่สุด - นี่คือคุณสมบัติใหม่ที่ Vakhtangov เชิญชวนให้นักแสดงฝึกฝนตนเองในขณะที่ทำงานใน The Miracle of St. Anthony ฉบับที่สอง หลักการของประติมากรรมละครไม่ได้รบกวนธรรมชาติของการปรากฏตัวของนักแสดงในบทบาท ตามที่ A.I. นักเรียนของ Vakhtangov กล่าว Remizova ความจริงที่ว่านักแสดง "แช่แข็ง" ใน "ปาฏิหาริย์ของเซนต์แอนโทนี่" โดยฉับพลันทำให้พวกเขารู้สึกว่าเป็นความจริง นี่เป็นเรื่องจริง แต่เป็นเรื่องจริงสำหรับการแสดงครั้งนี้ การค้นหาตัวละครภายนอกที่เกือบจะแปลกประหลาดยังคงดำเนินต่อไปในละครเรื่อง "The Wedding" ของ Third Studio (กันยายน พ.ศ. 2464) ฉบับที่สองซึ่งแสดงในเย็นวันเดียวกับ "The Miracle of St. Anthony" Vakhtangov ดำเนินการที่นี่ไม่ใช่จากการค้นหาเชิงนามธรรมสำหรับการแสดงละครที่สวยงาม แต่จากความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับ Chekhov ในเรื่องราวของเชคอฟ: ตลก ตลก แล้วก็เศร้าในทันใด ความเป็นคู่ที่น่าเศร้าแบบนี้อยู่ใกล้กับ Vakhtangov ใน "The Wedding" ตัวละครทุกตัวเหมือนตุ๊กตาเต้นรำหุ่นเชิด ในการผลิตทั้งหมดเหล่านี้ มีการสรุปวิธีการสร้างความจริงทางการแสดงละครที่พิเศษของโรงละคร ความสัมพันธ์รูปแบบใหม่ระหว่างนักแสดงและภาพลักษณ์ที่เขาสร้างขึ้นได้ถูกกำหนดไว้แล้ว วิธีการสร้างสรรค์การสอนของวัคทังกี 3. วิธีการสอนและการกำกับของ E.B. วาคทังกอฟ เป็นการยากที่จะนับโรงเรียนการแสดงและสตูดิโอที่ Vakhtangov ทำงานอยู่ นอกจากสตูดิโอ First และ Mansurov แล้ว Vakhtangov ยังสอนที่สตูดิโอที่สองของ Moscow Art Theatre โดยบรรยายเกี่ยวกับระบบ Stanislavsky ใน Culture League ในเมือง Proletkult ในสตูดิโอของ B.V. Tchaikovsky และ A.O. กันสท์. เขาทำการซ้อมเพลง “The Green Parrot” ในสตูดิโอชลีพิน ทำงานที่หลักสูตรคนงาน Prechistensky เขาเข้าร่วมในองค์กรของ Proletarian Studio of Workers ของ Zamoskvoretsky District ซึ่งจัด People's Theatre ใกล้สะพาน Bolshaya Kamenny ซึ่ง Mansurov Studio เล่น การทำงานในสตูดิโอต่างๆ ทำให้ Vakhtangov มีสื่อเกี่ยวกับมนุษย์และการแสดงจำนวนมหาศาล เขารักนักแสดงอย่างตะกละและหลงใหล และฉันพยายามทำความรู้จักกับคนที่ฉันกำลังสื่อสารด้วยเสมอเพื่อ "เข้าถึง" จิตวิญญาณของเขาเพื่อทดสอบความสามารถในการสร้างสรรค์ของเขาเพื่อค้นหานักแสดงในตัวทุกคน ความกระตือรือร้นทางจิตวิญญาณทั้งหมดของ Vakhtangov คือการ "สร้างนักแสดง" หลักการที่เขาเลือกนักแสดงสำหรับบทบาทนี้เป็นที่รู้จักกันดี - ไม่ใช่คนที่เก่งกว่า แต่เป็นคนที่คาดเดาไม่ได้มากกว่า แม้จะมีทีมมากมายที่ Vakhtangov ทำงาน แต่งานหลักในชีวิตของเขาก็ยังควรถือเป็นสตูดิโอที่สาม สตูดิโอแห่งนี้ทุ่มเทความเข้มแข็งทางจิตวิญญาณโดยเฉพาะอย่างยิ่ง และที่นี่เป็นที่มาของแนวคิดการแสดงละครของ Vakhtangov มากมาย หลักการของสตูดิโอ Vakhtangov เช่นเดียวกับ Sulerzhitsky เริ่มการศึกษาของเขาในฐานะนักแสดงที่ไม่ได้ทำงานเกี่ยวกับเทคนิคภายนอกและไม่ใช่แม้แต่เทคนิคภายใน แต่ด้วยแนวคิดของ "สตูดิโอ" Vakhtangov เชื่อว่าการแสวงหาความพึงพอใจทางศิลปะมากเกินไปเป็นอันตรายต่อศิลปินรุ่นเยาว์ สตูดิโอเป็นสถาบันที่ยังไม่ควรเป็นโรงละคร นักศึกษาจะต้องรักษาความบริสุทธิ์ต่อหน้าเทพเจ้าแห่งศิลปะ ไม่เหยียดหยามมิตรภาพ และปฏิบัติตามมาตรฐานทางจริยธรรมอย่างเคร่งครัด Vakhtangov เปลี่ยนระเบียบวินัยอันยิ่งใหญ่ของ Moscow Art Theatre ให้กลายเป็นเวทมนตร์แห่งการแสดงละคร Vakhtangov กล่าวว่า Studioism ประการแรกคือวินัย ไม่มีระเบียบวินัย - ไม่มีสตูดิโอ ในสตูดิโอที่สาม ลำดับชั้นของสมาชิกถูกสร้างขึ้นตามระดับของความสตูดิโอของพวกเขา ระดับความสามารถไม่ได้ถูกนำมาพิจารณาแยกกัน สตูดิโอแบ่งออกเป็น: ) สมาชิกเต็มตัวของสตูดิโอ; ) สมาชิกสตูดิโอ; ) สมาชิกที่เข้าแข่งขัน สตูดิโอถูกควบคุมโดยการประชุมของสมาชิกเต็มจำนวน ซึ่งขึ้นอยู่กับผลของปี จะมีการเลื่อนตำแหน่งผู้แข่งขันให้กับสมาชิก หรือไล่พวกเขาออกจากสตูดิโอโดยสมบูรณ์ ต่อมาโครงสร้างของสตูดิโอก็เปลี่ยนไป สภาถูกสร้างขึ้นโดยไม่ได้รับเลือก แต่ "ได้รับการยอมรับ" อย่างไรก็ตาม ชีวิตของสตูดิโอของ Vakhtangov ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความสุขในการสื่อสารของมนุษย์เลย นักเรียนไม่ได้มีส่วนร่วมในการชำระล้างตนเอง แต่อยู่ในโรงละคร ชั้นเรียนสอนโดยนักแสดงเก่งๆ จาก Moscow Art Theatre, First Studio (Birman, Giatsintova, Pyzhova) และสมาชิกที่เก่าแก่ที่สุดของ Studio หลังจากจบหลักสูตรเบื้องต้นแล้ว นักเรียนในสตูดิโอก็ได้รับความช่วยเหลือด้านการสอนและทำงานร่วมกับนักเรียนที่เพิ่งเข้ารับการศึกษาใหม่ ในสตูดิโอที่สาม ระยะเวลาสะสมยาวนานมาก การประชุมครั้งแรกเกิดขึ้นเมื่อปลายปี พ.ศ. 2456 และเริ่มผลิตการแสดงเต็มรูปแบบในปี พ.ศ. 2461 เท่านั้น (การผลิต "The Panin Estate" และ "Performance Evenings" ควรถือเป็นงานในสตูดิโอเท่านั้น) หลังจากการจัดระเบียบสตูดิโอใหม่ในปี 1919 Vakhtangov ได้ประกาศว่าเวลาของสตูดิโอ Mansur ซึ่งใช้เวลาห้าปีในการสร้างกลุ่มนักแสดงได้สิ้นสุดลงแล้ว สตูดิโอกำลังเริ่มต้นเส้นทางใหม่ - เส้นทางของคณะละคร ชีวิตใหม่ จริยธรรมใหม่ ความสัมพันธ์ใหม่เป็นสิ่งจำเป็น หลักการของสตูดิโอเสริมด้วยสูตรที่แยกไม่ออก: "สตูดิโอ - โรงเรียน - โรงละคร" สามในหนึ่งเดียว สตูดิโอยังคงรักษาจิตวิญญาณแห่งศิลปะเอาไว้ โรงเรียนให้ความรู้แก่นักแสดงมืออาชีพบางประเภทโดยมีสุนทรียภาพที่เหมือนกัน โรงละครเป็นสถานที่แห่งความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริงของนักแสดง ไม่สามารถสร้างโรงละครได้ โรงละครสามารถสร้างขึ้นได้ด้วยตัวเองเท่านั้น โดยยังคงรักษาทั้งโรงเรียนและสตูดิโอไว้ในตัวมันเอง ดังนั้นสูตร "สตูดิโอ - โรงเรียน - โรงละคร" จึงมีความคงที่และเป็นสากลสำหรับกลุ่มละครที่มีความคิดสร้างสรรค์อย่างแท้จริง - "โรงเรียน". แม้ว่า Vakhtangov กล่าวว่าข้อผิดพลาดหลักของโรงเรียนคือพวกเขารับหน้าที่สอนในขณะที่พวกเขาควรให้ความรู้ - ในกิจกรรมการสอนของเขาเองเขาก็ให้การศึกษาและสอนไปพร้อม ๆ กัน เขากำหนดงานของครูดังนี้: เพื่อค้นหาความเป็นตัวตนของนักเรียน พัฒนาความสามารถตามธรรมชาติของเขา และ "กระหายความคิดสร้างสรรค์" เพื่อให้นักแสดงไม่มีความรู้สึก: "ฉันไม่อยากเล่น" เพื่อให้เทคนิคและวิธีการในการเข้าใกล้บทบาทในโรงละคร - สอนวิธีควบคุมความสนใจและแยกส่วนการเล่นออกเป็นชิ้น ๆ พัฒนาเทคนิคภายนอก เทคนิคภายใน พัฒนาจินตนาการ อารมณ์ รสนิยม - ลักษณะที่สองของนักแสดง Vakhtangov ทำซ้ำภารกิจระดับสูงของสตูดิโออย่างต่อเนื่องโดยประกาศว่าเขามีศาสนาแห่งการแสดงละคร - นี่คือเทพเจ้าที่ Konstantin Sergeevich สอนให้สวดภาวนา เช่นเดียวกับ Stanislavsky Vakhtangov กำลังพูดถึงความตึงเครียดและอิสรภาพของกล้ามเนื้อเป็นอันดับแรก ซึ่งเป็นไปไม่ได้หากไม่มีสมาธิจดจ่อ โดยไม่ให้ความสนใจกับวัตถุใดวัตถุหนึ่งโดยเฉพาะ คุณสามารถสร้างได้ก็ต่อเมื่อคุณเชื่อในความสำคัญของความคิดสร้างสรรค์ของคุณเท่านั้น ศรัทธาเรียกร้องความชอบธรรม นั่นคือ ความเข้าใจในเหตุผลของการกระทำ ตำแหน่ง และสถานะแต่ละครั้ง Vakhtangov ระบุองค์ประกอบหลายประการที่นักแสดงควรสามารถพิสูจน์ได้: ) การกระทำ, ) สถานะ, ) ชุดของบทบัญญัติที่ไม่สอดคล้องกัน งานของครูด้วยความช่วยเหลือของแบบฝึกหัดคือการพัฒนาความสามารถในการแสดงให้กับนักแสดงในการแสดงชีวิตบนเวทีทั้งหมดของเขา ศรัทธาของนักแสดงมีพื้นฐานมาจากความไร้เดียงสาบนเวทีพิเศษ นักแสดงอดไม่ได้ที่จะรู้ว่าเขาอยู่บนเวที แต่ด้วยความศรัทธา เขาจึงสามารถตอบสนองตามความเป็นจริงด้วยความรู้สึกต่อนิยาย เขาไม่จำเป็นต้องโน้มน้าวตัวเองว่ากล่องไม้ขีดนั้นเป็นนก ด้วยความไร้เดียงสาและศรัทธาก็เพียงพอแล้วที่จะปฏิบัติต่อกล่องไม้ขีดเหมือนนกที่มีชีวิตอย่างจริงใจและจริงจัง หลังจากเชี่ยวชาญเรื่องเสรีภาพของกล้ามเนื้อ สมาธิ และการแสดงเหตุผลบนเวทีด้วยความศรัทธา นักแสดงจึงสร้างแวดวงแห่งความสนใจ การมีอยู่ของนักแสดงบนเวทีทั้งหมดนั้นขึ้นอยู่กับงานบนเวทีเฉพาะ ภารกิจนี้มีอยู่ตลอดเวลาของการแสดง และภารกิจนี้เองที่กำหนดทั้งศรัทธาและวงในของนักแสดง ตามที่ Vakhtangov กล่าวไว้ งานบนเวทีประกอบด้วยสามองค์ประกอบ: ) จากจุดมุ่งหมายอันมีประสิทธิผล (ซึ่งข้าพเจ้าได้ขึ้นเวที) ) ความปรารถนา (เพื่อจุดประสงค์ที่ฉันกำลังบรรลุเป้าหมายนี้) และ ) วิธีการดำเนินการ หรือที่เราจะเรียกมันว่าอุปกรณ์ Vakhtangov เชื่อมั่นว่างานบนเวทีทำได้เพียงการกระทำเท่านั้น แต่ไม่ใช่ความรู้สึก Vakhtangov ซึ่งยังคงอยู่ในขอบเขตของโรงละครแห่งประสบการณ์ (ไม่ใช่การแสดง) ทำให้นักแสดงเลิกแสดงความรู้สึกบนเวที นักแสดงต้องสัมผัสความรู้สึกที่แท้จริงของตัวเองบนเวที แต่ไม่ควร "เล่น" ความรู้สึกเหล่านั้น ความรู้สึกบนเวทีเกิดจากงานบนเวที ในการแสดงแต่ละครั้งนักแสดงจะได้รับ "ประสบการณ์" แต่เขาสัมผัสได้ถึงความรู้สึกทางอารมณ์ซ้ำแล้วซ้ำเล่า ผลงานเชิงปฏิบัติทั้งหมดของนักแสดงตามบทบาทนั้นขึ้นอยู่กับปรากฏการณ์ของความรู้สึกทางอารมณ์ เมื่อเกิดเหตุการณ์ (การกระทำ) ขั้นนี้หรือขั้นนั้นซ้ำ ความรู้สึกที่พบในจิตวิญญาณของนักแสดงก่อนหน้านี้ก็จะเกิดขึ้นอีกครั้ง นี่คือวิธีการสร้างรูปแบบบทบาทที่มั่นคงและคงที่ในการปฏิบัติงาน สิ่งที่สำคัญที่สุดในการศึกษาของนักแสดงคือความรู้สึกของจังหวะภายใน ศิลปะแห่งการเรียนรู้เพิ่มและลดพลังงาน พลังงานต่ำ - ความเศร้าโศก ความเบื่อหน่าย ความโศกเศร้า เพิ่มขึ้น - ความสุขเสียงหัวเราะ การกระทำทางกายภาพเดียวกันในสถานะพลังงานที่แตกต่างกันมีการออกแบบเวทีที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงและต้องใช้อุปกรณ์ที่แตกต่างกัน ด้วยการอยู่ในแวดวงของความสนใจ ทำความเข้าใจงานบนเวทีของเขา ค้นหาความรู้สึกทางอารมณ์และอุปกรณ์ต่างๆ ที่เหมาะสม และกำหนดจังหวะพลังงาน นักแสดงเกือบจะเชี่ยวชาญเทคนิคภายในของเขาอย่างสมบูรณ์ อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้อยู่คนเดียวบนเวที และเอฟเฟกต์ของฉากใดฉากหนึ่งนั้นขึ้นอยู่กับทักษะการสื่อสารของเขากับคู่ของเขา การสื่อสารประกอบด้วยการถ่ายทอดความรู้สึกของเราต่อกันและกัน: ชีวิตของคู่ของฉันกระทำต่อคู่ของฉันและในทางกลับกัน - ชีวิตของคู่ของฉันกระทำต่อฉัน เมื่อสื่อสารวัตถุนั้นคือวิญญาณที่มีชีวิต หากคู่รักไม่ได้ "ดำเนินชีวิต" ด้วยความรู้สึกที่แท้จริง (อารมณ์) การ "แสดง" ที่ไร้รสชาติก็จะเริ่มต้นขึ้น เขาเสนอภาพร่างต่อไปนี้แก่ศิลปินเพื่อทดสอบความจริงของการสื่อสารทางการแสดงละคร: “นี่คือกล่อง บอกฉันทีว่ามันเป็นทองคำ และไม่สำคัญสำหรับฉันในสิ่งที่คุณเชื่อ แต่ให้คู่ของคุณเชื่อว่าเป็นทองคำ ” เห็นได้ชัดว่าเมื่อทำงานกับเทคโนโลยีภายใน Vakhtangov ดำเนินการตามการพัฒนาของ K.S. สตานิสลาฟสกี้ ผู้สร้างระบบ แต่เขาไม่ได้พิจารณาว่าจำเป็นต้องมี "กำแพงที่สี่" ของโรงละครศิลปะมอสโกเลย การบังคับให้แปลกแยกจากผู้ชมนั้นไม่มีจุดหมาย หน้าที่ของนักแสดงคือการโน้มน้าวผู้ชม และด้วยเหตุนี้เขาจึงไม่เพียงแต่ต้องพัฒนาเทคโนโลยีภายในเท่านั้น แต่ยังต้องใช้เทคโนโลยีภายนอกที่มีประสิทธิภาพอีกด้วย ในสมุดบันทึกปี 1921 Vakhtangov ได้จัดทำแผนการบรรยายที่มีลำดับความสำคัญในสตูดิโอแห่งแรก: "จังหวะบนเวที", "บนพลาสติกในการแสดงละคร (ประติมากรรม)", "โดยเฉพาะท่าทางและมือโดยเฉพาะ", "ศิลปะบนเวที (จังหวะ , ความเป็นพลาสติก, ความชัดเจน, การสื่อสารการแสดงละคร)”, “ในรูปแบบละครและเนื้อหาละคร”, “นักแสดงคือผู้เชี่ยวชาญที่สร้างเนื้อสัมผัส”, “โรงละครคือละคร การแสดงละคร” “ศิลปะการแสดงคือทักษะการแสดง” ระดับของ “ความติดต่อกัน” ซึ่งเป็นการวัดอิทธิพลต่อผู้ชม ขึ้นอยู่กับเทคนิคภายนอกของนักแสดง นี่ไม่ได้หมายความว่าเทคนิคภายนอกสามารถมีความหมายบางอย่างที่เป็นอิสระนอกเหนือจากประสบการณ์บนเวทีของศิลปินได้เลย นักแสดงจะต้องค้นหารูปแบบการแสดงละครภายนอกดังกล่าวเพื่อให้ภาพวาดภายในที่พัฒนาอย่างประณีตเข้าถึงผู้ชมได้มากที่สุด การประยุกต์ใช้วิธีการโดย E.B. Vakhtangov ในมหาวิทยาลัยการสอนสมัยใหม่ คุณสมบัติดั้งเดิม ระบบรัสเซียการศึกษาคือการปฐมนิเทศวิชาชีพ ในขณะเดียวกันการเปลี่ยนแปลงของสถานการณ์ทางเศรษฐกิจและสังคมในประเทศทำให้เกิดเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการเปลี่ยนแปลงเฉพาะในระบบอุดมศึกษา การศึกษาของครู- และมีเหตุผลสำหรับเรื่องนี้ โดยเฉพาะการเสื่อมถอยของชื่อเสียงของวิชาชีพครูในยุคปัจจุบัน สภาพสังคมทำให้การสร้างทิศทางวิชาชีพและคุณค่าของนักศึกษามหาวิทยาลัยด้านการสอนมีความซับซ้อนยิ่งขึ้น ซึ่งต้องมีการทบทวนและค้นหาแนวทางและวิธีการฝึกอบรมวิชาชีพใหม่ๆ สำหรับผู้สำเร็จการศึกษา การศึกษาผลการวิจัยทางวิทยาศาสตร์โดยการสอนนักวิทยาศาสตร์แสดงให้เห็นว่ากระบวนการศึกษาในมหาวิทยาลัยการสอนมีศักยภาพที่ดีในการแก้ไขปัญหาการฝึกอบรมครูที่มีประสิทธิภาพโดยใช้เทคโนโลยีการแสดงละคร แม้จะมีการศึกษาจำนวนมากในสาขากิจกรรมการสอนแบบมืออาชีพ แต่ความขัดแย้งระหว่าง: การขยายโอกาสในการเชี่ยวชาญเชิงอัตนัยและการประยุกต์ใช้วิธีการแสดงละครอย่างสร้างสรรค์โดยครู E.B. Vakhtangov และการขาดระบบการฝึกอบรมวิชาชีพสำหรับครูโดยใช้เทคโนโลยีการละคร ลักษณะสำคัญของบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์คือการมีความสามารถในกิจกรรมสร้างสรรค์ซึ่งสัมพันธ์กับครูนี่คือความสามารถในการสอดคล้องกับลักษณะความคิดสร้างสรรค์ของกิจกรรมการสอน งานวิจัยเกี่ยวกับงานครู ทศวรรษที่ผ่านมาศตวรรษที่ XX และปีแรก ๆ จุดเริ่มต้นของ XXIศตวรรษโน้มน้าวเราว่าปัจจัยชี้ขาดในการเปลี่ยนแปลงของการศึกษาเพื่อ กลยุทธ์ใหม่คือการก่อตัวของบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ (V.I. Zagvyazinsky, V.A. Kan-Kalik, N.D. Nikandrov, A.I. Savostyanov, V.A. Slastenin ฯลฯ ) ตัวแทนของประเทศของเรามีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการสร้างแนวคิดทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ (นักปรัชญา M.M. Bakhtin, N.A. Berdyaev, L.N. Gumilyov; อาจารย์ V.M. Bukatov, O.S. Bulatova, P.M. Ershov , T.V. Kudryavtsev, M.M. Potashnik, A.I. Savostyanov, นักจิตวิทยา B.G. Ananyev , D.B. Bogoyavlenskaya, L.S. Vygotsky, A.N. Leontiev, A.M. Matyushkin, S.L. Rubinshtein, D.I. Feldshtein) งานของ I.F. มุ่งเน้นไปที่ปัญหาการปฐมนิเทศของนักเรียน - ครูในอนาคตที่มีต่อการตระหนักรู้ในตนเองอย่างสร้างสรรค์ในวิชาชีพ อิซาเอวา, เวอร์จิเนีย Karakovsky, A.V. มูดริกา, แอล.เอส. โปดีโมวา, N.E. Shchurkova และคนอื่น ๆ ในเรื่องนี้เรากำลังศึกษาอยู่ ทักษะความคิดสร้างสรรค์และความคิดสร้างสรรค์ในกระบวนการเรียนรู้ แนวทางการสร้างบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ในมหาวิทยาลัย Evgeny Bagrationovich Vakhtangov ซึ่งเติบโตขึ้นมาในฐานะผู้เชี่ยวชาญในลำไส้ของ Moscow Art Theatre ประสบความสำเร็จในช่วงหลายปีที่ผ่านมาในด้านวิวัฒนาการทางจิตวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์ซึ่งเป็นเรื่องยากที่จะเข้ากับหลายทศวรรษ เขาสัมผัสได้ถึงคุณลักษณะของโรงละครแห่งใหม่อย่างชัดเจนและน่าเชื่อมากจน Art Theatre ยอมรับทันทีว่าเป็น Vakhtangov ที่ "เปลี่ยนแปลงงานศิลปะของเขา" อย่างไรก็ตาม แม้ว่ารูปแบบการสร้างสรรค์ของผู้กำกับจะเปลี่ยนไปอย่างเห็นได้ชัด (ตั้งแต่ปี 1913 ถึง 1922) แต่ค่าคงที่คงที่ก็ยังคงอยู่ในนั้น ความเข้าใจของ Vakhtangov เกี่ยวกับจุดประสงค์ของโรงละครยังคงไม่เปลี่ยนแปลงเลย ละครเป็นเส้นทางสู่จิตวิญญาณ โรงละครคือการบริการ ไม่มีโรงละครใดที่ปราศจากความรู้สึกเฉลิมฉลอง การแสดงแต่ละครั้งมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว และการแสดงแต่ละครั้งถือเป็นวันหยุด Vakhtangov เข้าใจความทันสมัยของศิลปะการแสดงละครไม่ได้อยู่ในหัวข้อพิเศษของโครงเรื่อง แต่ในความจริงที่ว่ารูปแบบของการแสดงนั้นสอดคล้องกับจิตวิญญาณแห่งยุคสมัย โดยทั่วไปดังที่ P. Markov กล่าวไว้ แก่นของงานละครทั้งหมดของ Vakhtangov คือ "การปลดปล่อยพลังจิตใต้สำนึกของนักแสดงก่อนที่จะก้าวไปสู่รูปแบบการแสดงละครใหม่" ใน “ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์” ของเขา ความรู้สึกของมนุษย์นั้นมีอยู่จริง และวิธีการแสดงออกก็เป็นเรื่องปกติ รูปแบบนั้นถูกจินตนาการโดยโรงละครจากเนื้อหาจริงของละคร ซึ่งสะท้อนถึงชีวิตจริง องค์ประกอบที่จำเป็นของการแสดงละครตาม Vakhtangov: บทละคร - เป็นข้ออ้างสำหรับการแสดงบนเวที นักแสดงเป็นปรมาจารย์ที่มีเทคนิคทั้งภายในและภายนอก ผู้กำกับเป็นช่างแกะสลักการแสดงละคร เวทีคือสถานที่แห่งการกระทำ ศิลปิน นักดนตรี ฯลฯ เป็นพนักงานของผู้กำกับ องค์ประกอบทั้งหมดเหล่านี้ประกอบขึ้นเป็นสิ่งมีชีวิตเดียวในการแสดง มีชีวิตชีวาในทุกส่วน นักแสดงในโรงละครแห่งใหม่จะต้องเสริมความสามารถทั้งหมดของเขา ตั้งแต่ความเข้มแข็งของน้ำเสียงและการใช้ถ้อยคำไปจนถึงความสามารถในการถ่ายทอดประสบการณ์ทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนที่สุดแก่ผู้ชม นักแสดงเพียงแต่ต้องเชี่ยวชาญอิทธิพลทุกรูปแบบ ซึ่งเขามีอยู่ไม่มากนัก ทั้งใบหน้า ร่างกาย การแสดงออกทางสีหน้า น้ำเสียง การเคลื่อนไหว อารมณ์ อารมณ์ Vakhtangov มองเห็นโรงละครแห่งอนาคตที่สามารถถ่ายทอดความสมบูรณ์ของชีวิตแห่งจิตวิญญาณมนุษย์ได้ในรูปแบบของอัฒจันทร์ซึ่งทุกการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณของนักแสดงการแสดงออกของดวงตาของเขาทุกท่าทางที่แทบจะเข้าใจยากจะมองเห็นได้ดีที่สุด สิ่งสำคัญในโรงละครที่สมบูรณ์แบบแห่งนี้คือนักแสดงที่ได้ผสมผสานเทคนิคภายในที่สมบูรณ์แบบเข้ากับเทคนิคภายนอกที่พัฒนาขึ้นแล้ว จะกลายเป็นนักแสดงด้นสดระดับปรมาจารย์อย่างแท้จริง ใช้ชีวิตอยู่บนเวทีอย่างเป็นธรรมชาติและมีอิทธิพลต่อผู้ชมอย่างสูงสุด สร้างเนื้อสัมผัสของโรงละคร ของ “ความสมจริงอันน่าอัศจรรย์” และไม่ใช่แค่การเล่นบทนี้หรือบทบาทที่แตกต่างออกไปจากละครที่ได้รับมอบหมายให้เขาเท่านั้น มาตรฐานการฝึกอบรมครูในมหาวิทยาลัยการสอนที่มีอยู่ขัดแย้งกับเงื่อนไขที่เปลี่ยนแปลงไปในกิจกรรมของครู ซึ่งกำหนดให้บทบาทของเขาไม่ได้มาตรฐาน รูปแบบของครูมืออาชีพไม่เพียงแต่เป็นผลมาจากการปรับตัวต่อการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกเท่านั้น ระบบการสอนสามารถทำหน้าที่ของรัฐก่อนเริ่มต้น - ความพร้อมของผู้สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยการสอนในการแก้ปัญหาการสอนที่สร้างสรรค์ คุณภาพของรัฐก่อนเริ่มต้นสามารถลดช่องว่างระหว่างรูปแบบการฝึกอบรมที่กำหนดโดยมหาวิทยาลัยและรูปแบบของบทบาทการสอนที่โรงเรียนสมัยใหม่ต้องการ เนื่องจากวัฒนธรรมของบทบาทการสอนไม่เพียง แต่อยู่ในการดูดซึมเท่านั้น แต่ยังอยู่ในความเข้าใจเทคนิคการเล่นด้วยจึงจำเป็นต้องเน้นย้ำถึงความจำเป็นของความพร้อมของครูในอนาคตสำหรับกิจกรรมการสอนแบบมืออาชีพ: การปฐมนิเทศการสอน, พื้นฐานทางทฤษฎี, หน้าที่และ ความพร้อมสร้างสรรค์ทั่วไป การเปลี่ยนแปลงแรงจูงใจในการเข้ามหาวิทยาลัยการสอนไปสู่เป้าหมายได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการแก้ปัญหางานหลายอย่างโดยอาจารย์มหาวิทยาลัย: องค์กรและการสอน การสอนและระเบียบวิธี (การพัฒนาศูนย์การศึกษาเชิงบูรณาการโดยใช้วิธีการแสดงละครของ E.B. Vakhtangov เทคโนโลยีของสไตล์เกมสังคมและการแสดงด้นสด) แนวคิดของนักศึกษาที่ตระหนักรู้ในตนเองในมหาวิทยาลัยการสอนนั้นสามารถพิจารณาได้จากมุมมองของบริบททางจิตวิทยาของเงื่อนไขในการพัฒนาและการพัฒนาตนเองของบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ของเขา การจัดระเบียบพื้นที่วิชาชีพในรูปแบบของแบบจำลองการศึกษาจำเป็นต้องมีการกำหนดองค์ประกอบสามประการ: พื้นที่กิจกรรมภายนอก, โครงสร้างของกิจกรรมการสอน, พื้นที่วิชาชีพภายในของหัวข้อกิจกรรมการสอน ความขัดแย้งระหว่างความต้องการตามวัตถุประสงค์ของการเปลี่ยนแปลงกระบวนการศึกษาให้เป็น โรงเรียนสมัยใหม่บนพื้นฐานความเข้าใจแก่นแท้ของมันในฐานะกระบวนการพัฒนาบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์และแนวทางที่มีอยู่ในการฝึกอบรมครูที่แก้ไขปัญหาที่พวกเขาเผชิญอย่างสร้างสรรค์สามารถแก้ไขได้โดยการหันไปใช้การสอนของความคิดสร้างสรรค์ การวิเคราะห์วรรณกรรมจิตวิทยาและการสอนเปิดเผยว่าแม้นักวิจัยจะให้ความสนใจต่อปัญหาความคิดสร้างสรรค์ (B.G. Ananyev, L.S. Vygotsky, M.O. Knebel, A.N. Leontyev, A.N. Luk, Ya.A. Ponomarev, G.A. Prazdnikov, S.L. Rubinshtein, A.I. Savostyanov, B.M. Teplov ฯลฯ) ไม่มีแนวคิดที่เป็นเอกภาพเกี่ยวกับการสร้างบุคลิกภาพในกิจกรรมด้านการศึกษาและความคิดสร้างสรรค์ กระบวนการก่อตัวซึ่งมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับลักษณะทางสังคมของแต่ละบุคคลนั้นมีความคิดริเริ่มเชิงคุณภาพในหมู่เด็กนักเรียนยุคใหม่ซึ่งแสดงออกในการเปลี่ยนแปลงในสภาวะความต้องการ (การกำหนดเป้าหมาย แรงจูงใจของพฤติกรรม การวางแนวความสนใจ) ซึ่งควรสะท้อนให้เห็นใน การเตรียมความพร้อมของครูในการจัดกิจกรรมพัฒนานักเรียนในสภาพแวดล้อมทางการศึกษา การศึกษาประสบการณ์ในการประเมินคุณภาพของความพร้อมของครูในอนาคตในการแก้ปัญหาเชิงสร้างสรรค์ในประเทศของเราและต่างประเทศนำไปสู่ข้อสรุปว่าตัวชี้วัดหลักของกิจกรรมการสอนเชิงสร้างสรรค์นั้นรวมถึงประสิทธิผลของศักยภาพทางปัญญาและความคิดสร้างสรรค์ของผู้เข้าร่วมแนวโน้ม ไปจนถึงการสอนแบบด้นสด ความสามารถในการก้าวข้ามแนวทางแบบเดิมๆ และทำงานในลักษณะที่เป็นนวัตกรรมใหม่ ในระหว่างการศึกษากลุ่มของสมมติฐานถูกหยิบยกขึ้นมา: กลุ่มแรกเกี่ยวข้องกับกิจกรรมและบุคลิกภาพของครู - เงื่อนไขหลักในการพัฒนาความสามารถของครูในด้านความคิดสร้างสรรค์คือการสร้างบรรยากาศที่เอื้อต่อการพัฒนาความสามารถสำหรับ รูปแบบความสนุกสนานในการจัดการปฏิสัมพันธ์ระหว่างครูกับนักเรียนในบทเรียน ประการที่สองคือเนื้อหาของกระบวนการศึกษาในมหาวิทยาลัยการสอนซึ่งเป็นหลักสูตรทางจิตวิทยาการสอนและระเบียบวิธีที่ซับซ้อนตามกฎหมายของการสอนการแสดงละครโดยเฉพาะอย่างยิ่งเกี่ยวกับการใช้วิธีการแสดงละครของ Vakhtangov ซึ่งช่วยให้สามารถสร้างครูในอนาคตได้ ความพร้อมที่จะเล่นบทบาทที่หลากหลายจากละครการสอน (ศิลปิน การแสดงด้นสด ผู้ควบคุมวง นักจิตวิทยา ฯลฯ) รูปแบบระบบการฝึกอบรมครูตามวิธีโรงละคร E.B. มหาวิทยาลัย Vakhtangov บูรณาการสาขาวิชาพิเศษซึ่งเป็นปัจจัยในการสร้างระบบซึ่งเป็นหลักสูตรพิเศษ "วินัยการสอนทั่วไป" และรูปแบบของการเตรียมนักเรียนนอกหลักสูตรสำหรับกิจกรรมการสอน การประยุกต์ใช้วิธีการโดย E.B. Vakhtangov ที่โรงละครคริสเตียน โรงเรียนของ Evgeniy Vakhtangov (พ.ศ. 2426-2465) ครูและผู้อำนวยการ หนึ่งในนักเรียนและผู้ช่วยของ Konstantin Stanislavsky ได้รับการประกาศโดยชาวโปรเตสแตนต์และคริสเตียนออร์โธดอกซ์ให้เป็นวิธีการปฏิบัติของคริสเตียนที่แท้จริง แน่นอนว่าในคำสอนของ Vakhtangov ชาวคริสต์ค้นพบและพัฒนาคุณลักษณะเหล่านั้นในแบบของตนเองซึ่งทำให้พวกเขาใกล้ชิดกับคริสตจักรมากขึ้น แม้ว่า Vakhtangov จะทำงานตามระบบของ Stanislavsky แต่เขาได้สร้างโรงเรียนของตัวเองขึ้นมาซึ่งต่อต้านระบบของครูของเขาในหลาย ๆ ด้าน ในทางปฏิบัติ Evgeny Vakhtangov นำแนวคิดเรื่อง "เหตุผลของโรงละคร" ทางจริยธรรมมาใช้เป็นผลงานสร้างสรรค์แห่งชีวิต ภายในกรอบของสตูดิโอโรงละครที่แยกจากกัน Vakhtangov พยายามสร้างทีมที่มีความรับผิดชอบต่อองค์กรโดยทั่วไปและมีระเบียบวินัยที่ไร้ที่ติ นักแสดงในสตูดิโอ Vakhtangov ได้รับการเลี้ยงดูตามกฎทั่วไปของศิลปะแห่งประสบการณ์และธรรมชาติของการแสดงตามตัวละคร คุณลักษณะที่โดดเด่นของวิธี Vakhtangov คือการปฏิเสธการกระทำโดยสมบูรณ์ ภาษาบนเวทีใหม่นั้นขึ้นอยู่กับความจริงที่ว่านักแสดงอธิบายการกระทำภายนอกของเขานั่นคือการแสดงของเขาตามเนื้อหาภายในของข้อความของงานเฉพาะ ความเข้าใจในวิธี Vakhtangov โดยผู้กำกับโปรเตสแตนต์ Sergei Koleshnya แสดงให้เห็นถึงความปรารถนาของปัญญาชนคริสเตียนที่จะพิสูจน์ความจริงใจของนักแสดงบนเวทีบทบาทอิสระของเขาในฐานะบุคคลบนเวทีเนื่องจากทั้งผู้กำกับและนักแสดงถูกเรียกให้เป็นนักเทศน์ . ดังที่ผู้กำกับตั้งข้อสังเกตว่า “ตามพระคัมภีร์ พระเจ้าได้ทรงใช้ลาเพื่อการพยากรณ์ ยิ่งกว่านั้นอีกเพื่อพระองค์จะสามารถใช้พรสวรรค์ของนักแสดงได้” Sergei Koleshnya ซึ่งสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียน Vakhtangov เข้าใจความถูกต้องของวิธีการของโรงเรียนนี้ดังนี้: “ ด้วยข้ออ้างทั้งหมดสิ่งมีชีวิตควรเกิดขึ้นบนเวที ผ่านหน้ากากของนักแสดงจำเป็นต้องถ่ายทอดความหมายของสิ่งที่เกิดขึ้นในจิตวิญญาณของนักแสดงคำพูดที่เขาพูด” สำหรับละครคริสเตียน ตามคำบอกเล่าของหัวหน้าคณะละครที่มีเสน่ห์ สิ่งสำคัญคือต้องเสียน้ำตาในทุกสถานการณ์ในเกม วิธีการทางศิลปะที่ใช้กับโรงละครคริสเตียนนั้นถูกกำหนดโดยผู้กำกับออร์โธดอกซ์ มิคาอิล ชเชเพนโก ในฐานะผู้นำคณะเพนเทคอสตัล Shchepenko มุ่งเน้นไปที่ "ความคิดสร้างสรรค์ในรูปแบบที่ไม่ทำลายเนื้อหา" ตามที่มิคาอิล Shchepenko สาระสำคัญ ทิศทางของวัคทังอฟประกอบด้วย “การระบุเนื้อหา หากเป็นไปได้ ในรูปแบบเดียวที่เป็นไปได้สำหรับเนื้อหานี้” คุณลักษณะที่โดดเด่นของความเข้าใจดั้งเดิมของวิธี Vakhtangov คือการเปลี่ยนแปลงของสตูดิโอให้เป็นแนวคิดของอารามโรงละคร ตามที่มิคาอิล Shchepenko วินัยและความสามัคคีทางจิตวิญญาณของคณะการแสดงซึ่งเป็นจิตวิญญาณของสงฆ์สามารถสร้างได้เฉพาะอารามโรงละคร "ที่แท้จริง" เท่านั้น แนวคิดของโรงละครในฐานะ "อารามออร์โธดอกซ์" ทำให้โครงการออร์โธดอกซ์แตกต่างอย่างมากจากความคิดริเริ่มของโปรเตสแตนต์ซึ่งโรงละครเป็นชุมชนนักแสดงอิสระที่รวมตัวกันโดยเป้าหมายมิชชันนารีร่วมกัน บรรณานุกรม: 1. อับดุลลินา โอ.เอ. การฝึกอบรมการสอนทั่วไปของครูในระบบการศึกษาระดับอุดมศึกษา: สำหรับครู ผู้เชี่ยวชาญ. มหาวิทยาลัย - ฉบับที่ 2 ปรับปรุงใหม่ และเพิ่มเติม - อ.: การศึกษา, 2532 .- 141 น. อับราโมวา จี.เอส. จิตวิทยาพัฒนาการ: หนังสือเรียน. คู่มือสำหรับนักศึกษามหาวิทยาลัย อ.: โครงการวิชาการ พ.ศ. 2543 - 576 หน้า เอเวรียาโนวา จี.ดี. โรงละครการสอนในการฝึกอบรมวิชาชีพครู // ปัญหาของการเรียนรู้การสอนละครในการฝึกอบรมวิชาชีพครูในอนาคต: วัสดุของ All-Union เชิงวิทยาศาสตร์ การประชุม โพลตาวา, 2534. - หน้า 282-284. - #"จัดชิดขอบ">. อาซารอฟ ยู.พี. เกี่ยวกับทักษะของครู M.: ความรู้, 2517. - 64 น. อามินอฟ เอ็น.เอ. การวินิจฉัยความสามารถในการสอน / เอ็ด เอ็ด นาย. กินส์เบิร์ก; นักวิชาการ เท้า. และสังคม วิทยาศาสตร์ อ.: สำนักพิมพ์อินทาแพรก. จิตวิทยา; Voronezh: NPO "MODEK", 1997, - 80 หน้า Andreev V.I. วิภาษวิธีของการศึกษาและการศึกษาด้วยตนเองของบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ พื้นฐานของการสอนความคิดสร้างสรรค์ คาซาน: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยคาซาน, 2531 - 238 หน้า Andreev V.I. การสอนการพัฒนาตนเองอย่างสร้างสรรค์ คาซาน: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยคาซาน, 1994 - 566 ส. Andreev V.I. การเรียนการสอน: หลักสูตรฝึกอบรมการพัฒนาตนเองอย่างสร้างสรรค์ ฉบับที่ 2 - คาซาน: ศูนย์นวัตกรรมเทคโนโลยี, 2000.- 698 หน้า Andreeva G.M. , Bogomolova N.N. , Petrovskaya J.A. ทันสมัย จิตวิทยาสังคมตะวันตก: ทฤษฎี. ทิศทาง M,: สำนักพิมพ์มหาวิทยาลัยแห่งรัฐมอสโก, 2521, - 270 หน้า อนิเควา เอ็น.พี. บรรยากาศทางจิตวิทยาในทีม M.: การศึกษา, 2532 - 224 หน้า อันตซีเฟโรวา แอล.ไอ. บุคลิกภาพจากตำแหน่งของแนวทางวิภาษวิธี // จิตวิทยาบุคลิกภาพในสังคมสังคมนิยม: บุคลิกภาพและเส้นทางชีวิตของมัน อ.: Nauka, 1990. - 302 น. อาฟานาซีเยฟ วี.วี. การสร้างแบบจำลองเป็นวิธีการวิจัย ระบบสังคม// การวิจัยระบบ: ปัญหาเกี่ยวกับระเบียบวิธี: หนังสือรุ่น, 2525 - ม., 2525, - หน้า 26-46 อาฟานาซีวา โอ.วี. ความคิดสร้างสรรค์ส่วนบุคคลในฐานะปรากฏการณ์ทางสังคมและจิตวิญญาณ: Diss. หมอ สังคม วิทยาศาสตร์ ม., 2542. - 324 น. บังโก โอ.ดี. การสร้างคุณสมบัติที่สำคัญทางวิชาชีพของครูในอนาคตโดยใช้เทคโนโลยีการแสดงละคร: บทคัดย่อของผู้เขียน ดิส ปริญญาเอก เท้า. วิทยาศาสตร์ // โอเรนบ. สถานะ มหาวิทยาลัยครุศาสตร์ โอเรนบูร์ก, 2000. - 21 น. Bern E. เกมที่ผู้คนเล่น: จิตวิทยาความสัมพันธ์ของมนุษย์; คนเล่นเกม: จิตวิทยาแห่งโชคชะตาของมนุษย์ / แปล. จากอังกฤษ อ.: แกรนด์: ยุติธรรม - กด, 2542 -473 หน้า เบียร์ยูคอฟ เอส.เอ็น. การแสดงด้นสดทางดนตรีและแนวเพลง: Diss. ปริญญาเอก ประวัติศาสตร์ศิลปะ - ม., 2523 192 น. โบโกยาฟเลนสกายา ดี.บี. กิจกรรมทางปัญญาเป็นปัญหาของความคิดสร้างสรรค์ / ตัวแทน เอ็ด บี.เอ็ม. เคโดรฟ. Rostov n.-D.: สำนักพิมพ์ Rost., มหาวิทยาลัย, 2526. - 173 น. โบโกยาฟเลนสกายา ดี.บี. เส้นทางสู่ความคิดสร้างสรรค์ อ.: ความรู้, 2524. - 96 วิ โบโกยาฟเลนสกายา ดี.บี. คนที่มีความคิดสร้างสรรค์: การวินิจฉัยและการสนับสนุน/บริการด้านจิตวิทยาของมหาวิทยาลัย: หลักการ ประสบการณ์การทำงาน - ม., 2536.- หน้า 93-117. สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่: ใน 33 เล่ม T.306 Bookplate-Yaya / Ch. เอ็ด เช้า. โปรโครอฟ -ฉบับที่ 3 อ.: สฟ. สารานุกรม, 1978. - 632 น. โบรอซดิน่า จี.วี. จิตวิทยาการสื่อสารทางธุรกิจ: หนังสือเรียน. เบี้ยเลี้ยงเศรษฐศาสตร์ และเทคโนโลยี ผู้เชี่ยวชาญ. มหาวิทยาลัย M.: Infra, 1999. -224 p. บราเช่ ที.จี. จากประสบการณ์การพัฒนาวัฒนธรรมทั่วไปของครู // การสอน. -1993.-No.2.-ส. 70-74. บราเช่ ที.จี. การพัฒนาศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ของครู // การสอนของสหภาพโซเวียต 2532.- ฉบับที่ 8.- ป.90. บูคาตอฟ วี.เอ็ม. การสอนละครและเกมสังคมในโรงเรียนสมัยใหม่ // ปัญหาของการเรียนรู้การสอนละครในการเตรียมการสอนแบบมืออาชีพสำหรับครูในอนาคต: วัสดุของ All-Union เชิงวิทยาศาสตร์ การประชุม โพลตาวา, 1991. - S.ZZ 1-332. บูคาตอฟ วี.เอ็ม. เทคโนโลยีการละครในกระบวนการเรียนรู้ที่มีมนุษยธรรมสำหรับเด็กนักเรียน: Diss ดร.เป็ด. วิทยาศาสตร์ อ. 2544 - 376 น. Markov P. เกี่ยวกับโรงละคร ใน 4 เล่ม เล่มที่ 1 จากประวัติศาสตร์โรงละครรัสเซียและโซเวียต อ.: ศิลปะ, 2517, หน้า. 422. วี.อี. อี.บี. Vakhtangov ในการประเมินผู้ร่วมสมัยของเขา - "โรงละครมอสโก", 2465, หมายเลข 43, 7-11 มิถุนายน 6.