Znaczenie obrazów Rene Magritte'a. „Zdrada obrazów” czyli To nie…. Charakterystyczne cechy surrealizmu

28.02.2019

Jeden z wybitni artyści ubiegłego wieku Rene Magritte (1898-1967) pochodził z Belgii. W 1912 roku jego matka utopiła się w rzece, co najwyraźniej wywarło ogromne wrażenie na nastoletnim wówczas przyszłym artyście, jednak wbrew obiegowym opiniom nie należy przeceniać wpływu tego wydarzenia na twórczość autora. Magritte przywiózł z dzieciństwa szereg innych, nie tak tragicznych, ale nie mniej tajemniczych wspomnień, o których sam powiedział, że znalazły odzwierciedlenie w jego twórczości.

Kształcił się na Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, początkowo pozostawał pod silnym wpływem dadaizmu i kubizmu. Rok 1925 był przełomem w jego twórczości: obraz „Róże Pikardii” wyznaczył nowy styl i nową postawę – „realizm poetycki”. Artysta przenosi się do „centrum surrealizmu” – Paryża, gdzie bierze udział we wszystkich surrealistycznych wystawach. A w 1938 roku londyńska galeria sztuki zorganizowała pierwszą dużą wystawę belgijskiego mistrza.

Na początku lat pięćdziesiątych Sztuka Magritte'a zyskuje coraz większą popularność międzynarodowe uznanie, czego dowodem jest jego duże wystawy w Rzymie, Londynie, Nowym Jorku, Paryżu, Brukseli. W 1956 roku Magritte, jako wybitny przedstawiciel kultury belgijskiej, otrzymał prestiżową Nagrodę Guggenheima.

Główną cechą Magritte'a jest atmosfera tajemniczości w jego pracach. Poczucie tajemnicy, jak wiadomo, jest nieodłącznym elementem prawdziwej sztuki. „Zawsze uważałem Magritte'a za artystę wyobraźni, mistrza stojącego gdzieś na poziomie Giorgione” - pisał Herbert Read. Te słowa są kluczem do poetyki Magritte'a.

W obrazie „Fałszywe lustro” (1929), który wyrażał ideowe credo artysty, całą przestrzeń zajmuje obraz wielkiego oka. Tylko zamiast tęczówki widz widzi letnie błękitne niebo, po którym przepływają przezroczyste chmury. Tytuł wyjaśnia ideę obrazu: narządy zmysłów odzwierciedlają jedynie wygląd rzeczy, bez przekazywania ukrytych głębi świata, jego tajemnic. Tylko to, co niekompatybilne, pomaga według Magritte'a uchwycić sens bycia. Obraz może powstać tylko ze zbiegu dwóch mniej lub bardziej odległych rzeczywistości.

Magritte będzie stosował tę metodę przez cały czas kreatywny sposób, co jest szczególnie widoczne w jego „filozoficznych” obrazach. Jednym z nich są Wakacje Hegla (1958).

"Mój ostatni obraz" - pisał - "rozpoczął się od pytania: jak przedstawić na obrazie szklankę wody, aby nie była nam obojętna? Ale jednocześnie i w taki sposób, aby nie była szczególnie dziwaczna, dowolna ani mało znacząca. Jednym słowem, żeby można było powiedzieć: pomysłowa (zostawcie dodatkowy wstyd).
Okulary zacząłem rysować jeden po drugim (trzy szkice), za każdym razem kreską w poprzek (szkic). Po setnej lub sto pięćdziesiątej
rysunek, obrys stał się nieco szerszy (kontur). Na początku parasol stał w szkle (szkic), ale potem okazało się, że jest pod nim (szkic).
Znalazłem więc rozwiązanie pierwotnego pytania: jak pomysłowo przedstawić szklankę wody. Szybko zdałem sobie sprawę, że temat ten może bardzo zainteresować Hegla (jest też geniuszem), ponieważ mój temat łączy w sobie dwa przeciwstawne
aspiracje: nie chce wody (odpycha ją) i chce wody (podnosi ją). Myślę, że by mu się to spodobało lub uznało to za zabawne (na przykład podczas wakacji). Dlatego nazwałem ten obraz „Wakacjami Hegla”.

Wśród surrealistów ostro wyróżnia się Magritte: w przeciwieństwie do nich używa nie fantastycznych, ale zwykłych elementów, ujętych w dziwaczny sposób. Taki jest jego sławny obraz„Własność osobista” (1952).

„Kluczem” jest tutaj również nazwa. „Osobiste” przerosty do monstrualnych rozmiarów. Pomieszczenie zamienia się w rodzaj „mikrokosmosu”, zamkniętego, ściśniętego, mimo że niebo z chmurami płynie po nim zamiast ścian. Wszystkie rzeczy tutaj dziwnie się zmieniły, jakby ożyły, nabrały nieużytecznego wyglądu, choć jak zawsze u Magritte'a przedmioty nie zmieniły swojego wyglądu, faktury, koloru i są doskonale „rozpoznawalne”. Widz jakby mimochodem zachwyca się niebieskawym połyskiem szkła, fakturą drewnianych mebli, umiejętnością przenoszenia lustrzanych odbić. Ale tylko przelotnie, bo przedmioty jakby zyskały samodzielność, jakby przemawiały w imieniu swojego właściciela, całkowicie uzurpując sobie jego „wiodącą” rolę. Oni sami stali się „osobowościami” i wydają się rozmawiać ze sobą.

Jedną z cech malarstwa wczesnego Magritte'a jest jego „literacki” charakter dobry rozsądek słowa. Magritte obraca się w kręgu poetów, filozofów, pisarzy, studiów praca teoretyczna słynnych romantyków XIX wieku. Duży wpływ na niego wywarła twórczość angielskiego poety romantycznego i filozofa z początku XIX wieku. Samuela Taylora Coleridge'a, który w sztuce cenił przede wszystkim symbolikę - takie „całkowite podporządkowanie materii duchowi, aby materia stała się symbolem, przez który duch się objawia”.

Ilustracją tej myśli jest w szczególności słynny obraz Magritte'a „Wyzwolenie” („Ucieczka w pola”), powstały w 1933 roku.

Otwiera się dziwny krajobraz zbite okno. Zielonkawe wieczorne wzgórza, kuliste błękitne drzewa, przejrzyste niebo z masy perłowej, błękitne odległości. Artysta po mistrzowsku posługując się techniką tonalnego malarstwa kreuje nastrój radosnego uniesienia, oczekiwania na coś niezwykłego, cudownego. Ciepły odcień zasłon na pierwszym planie potęguje wrażenie zwiewności tego zaczarowanego krajobrazu... Obrazy Magritte'a wydają się być wykonane spokojną, nieustraszoną ręką. Mistrz koloru, Magritte używa go oszczędnie, oszczędnie. W „Wyzwoleniu” symbolika kolorów służy do wyrażania złożonych skojarzeń. Plamy niebieskiego, różowego, żółtego i czarnego nadają obrazowi niesamowitą pełnię kolorów i żywotność.

Oryginalność twórczości Rene Magritte'a ujawni się pełniej, jeśli przejdziemy do tematu „Surrealizm i freudyzm”. Główny teoretyk surrealizmu, Andre Breton, z zawodu psychiatra, przywiązywał decydującą wagę do psychoanalizy Freuda w ocenie twórczości artysty. Freudowskie poglądy nie tylko przyjęło wielu surrealistów – stało się to ich sposobem myślenia. Na przykład dla Salvadora Dali, jak sam przyznał, świat idei Freuda znaczył dla niego tyle samo, co świat Pisma Świętego. średniowiecznych artystów lub świat starożytna mitologia dla mistrzów renesansu.

„Metoda swobodnych skojarzeń” zaproponowana przez Zygmunta Freuda, jego „teoria błędów”, „interpretacja snów” miały na celu przede wszystkim identyfikację chorobliwych zaburzeń psychicznych w celu ich uzdrowienia. Miała na celu również interpretacja dzieł sztuki zaproponowana przez Freuda. Ale przy takim zrozumieniu sztuka zostaje zredukowana do szczególnego, że tak powiem, czynnika „uzdrawiającego”. Na tym polegał błąd podejścia teoretyków surrealizmu do dzieł sztuki. Doskonale zdawał sobie z tego sprawę Magritte, który w jednym ze swoich listów z 1937 roku zauważył: „Sztuka, tak jak ją rozumiem, nie podlega psychoanalizie. Zawsze jest tajemnicą”. Artysta ironicznie traktował próby interpretacji swoich obrazów za pomocą psychoanalizy: „Zdecydowali, że mój„ Czerwony model ”jest przykładem kompleksu kastracyjnego. Po wysłuchaniu kilku tego rodzaju wyjaśnień wykonałem rysunek zgodnie ze wszystkimi„ zasadami ”psychoanalizy. Oczywiście przeanalizowali go równie chłodno. najlepszy motyw dla psychoanalityka.

Dlatego Magritte uparcie odmawiał nazywania siebie „surrealistą”. Chętnie przyjął charakteryzację” magiczny realista Ten kierunek jest typowy dla „okresu belgijskiego” jego twórczości - począwszy od 1930 r., Kiedy Magritte wrócił na zawsze z Paryża do Brukseli.

Korzystny wpływ na twórczość Magritte'a miały tradycje dawnej sztuki niderlandzkiej. W obrazie "Plagiat" (1960) zwraca uwagę kilka detali-symboli.

Po lewej stronie na stole widzimy wizerunek gniazda i trzech jaj - symbolikę Trójcy Świętej. Artysta niczym magik zdaje się materializować na naszych oczach obrazy swojej fantazji, które zamieniają się w piękny, owocujący ogród - symbol żywej wyobraźni twórczej. Magritte tworzy subtelne, duchowe poetycki obraz. Kontemplując obraz, można podziwiać tylko najdelikatniejsze różowe, niebieskawe odcienie masy perłowej - naprawdę bajeczny widok.

w latach 30 Magritte, wraz ze sztuką Boscha, dogłębnie studiuje twórczość swojego rodaka, dramatopisarza i filozofa Maurice'a Maeterlincka, który w 1889 roku w zbiorze „Szklarnie” napisał: „Symbol jest siłą natury, ale ludzki umysł nie może oprzeć się jego prawom… Jeśli nie ma symbolu, nie ma dzieła sztuki”.

Maeterlinck zawdzięcza Magritte'owi umiejętność rozwinięcia porównania w całą sieć obrazów, które fantazja artysty zamienia w rzeczywisty świat. Na obrazie „Szaleństwo wielkości” (1948) płonąca świeca jest przedstawiona na kamiennym parapecie na tle bezkresnego lazurowego morza – jako symbol słabości życie człowieka. W pobliżu kilka kobiecych torsów wyrastających z siebie (symbol zmysłowości). A na niebie z pięknymi zamarzniętymi chmurami (dla Magritte'a - symbolem ponadczasowości) widz widzi niebieskie "bezcielesne" geometryczne kształty, symbolizujące "czyste idee", oraz balon- symbol abstrakcyjnej „czystej myśli”.

Z pomocą drobno wykonane zabarwienie artysta „określa” główną ideę. „Sensuality” to ciepły cielisty kolor. „Czyste formy” rozwiązane są w zimnej, niebieskawej tonacji, korespondującej z symboliką i jednocześnie stwarzającej wrażenie bezkresnej przestrzeni.

„Wędrujemy losowo przez dolinę, nie zdając sobie sprawy, że wszystkie nasze ruchy są odtwarzane i nabierają własnych prawdziwa wartość na szczycie góry — pisał Maeterlinck w Skarbie pokornych — i czasem trzeba, żeby ktoś do nas przyszedł i powiedział: podnieś oczy, spójrz na to, kim jesteś, spójrz na to, co robisz. Nie mieszkamy tutaj, nasze życie jest tam. To spojrzenie, które wymieniliśmy w ciemności, te słowa, które nie miały znaczenia u podnóża góry - zobacz, czym się stały i co znaczą tam, ponad ośnieżonymi wyżynami.

Ta idea Maeterlincka znalazła odzwierciedlenie w obrazie Magritte'a „Opętanie Arnheim” (1962).

Uważa artysta, że tylko rozbijając szkło z namalowanym fałszywym obrazem, można zobaczyć rzeczywistość w całej jej świetności. To tutaj, na szczytach gór, o których mówił Maeterlinck, czai się Prawda.

Obraz „Nieoczekiwana odpowiedź” (1933) ucieleśnia inną myśl Maeterlincka: „W życiu nie ma nieistotnych dni. Idź, wróć, wyjdź ponownie - znajdziesz to, czego potrzebujesz w półmroku. Ale nigdy nie zapominaj, że jesteś blisko drzwi. ”.

Obraz wygląda jak jakiś emblemat ekscytującej tajemnicy - wszystko tutaj jest tak integralne, „naturalne”, jeśli tę definicję można przypisać jednej z najbardziej tajemniczych i mistycznych kompozycji Magritte'a. Otwarte „wyłamane drzwi” to symbol innego wymiaru, najeżonego wieloma tajemnicami.

Niektórzy autorzy piszący o Magritte nazywają go „artystą absurdu”, w którego obrazach nie ma sensu. Gdyby tak było, gdyby celem artysty było pokazanie tylko „absurdów naszej codziennej egzystencji”, byłaby to twórczość na poziomie układanki, a nie poważna sztuka, jaką jest. Magritte napisał: „Zadajemy zdjęcie losowo, zamiast go słuchać. I jesteśmy zaskoczeni, gdy odpowiedź, którą otrzymujemy, nie jest szczera”.

Jego sztukę często nazywano „snami na jawie”. Artysta wyjaśnił: „Moje obrazy to nie senne sny, ale budzące się sny”. Nic dziwnego, że wybitny surrealista Max Ernst, oglądając swoją wystawę w Nowym Jorku na początku lat 50., powiedział: „Magritte nie śpi i nie czuwa. On oświetla. Podbija świat snów”.

„Bez tajemnicy ani świat, ani idea nie są możliwe”, Magritte niestrudzenie powtarzał. I jako motto do jednego ze swoich autoportretów, przyjął linię francuski poeta 19 wiek Lautreamont: „Czasami śnię, ale ani na chwilę nie tracę świadomości swojej tożsamości”.

Stąd nieoczekiwana interpretacja „wewnętrznego i zewnętrznego” w pracach Magritte'a.

Oto komentarz artysty do jego obrazu "Kramy życia" (1934): "Przed oknem, które widzimy z wnętrza pokoju, umieściłem obraz przedstawiający tylko ten fragment pejzażu, który on zamyka. W ten sposób drzewo na obrazie zasłania drzewo stojące na zewnątrz. Dla widza drzewo jest zarówno wewnątrz pokoju na obrazie, jak i na zewnątrz w rzeczywistym krajobrazie. umieścić w przeszłości to, co dzieje się w W ten sposób czas i przestrzeń zostają uwolnione od trywialnego znaczenia, jakie nadaje im zwykła świadomość”.

Herbert Read zanotował: „Magritte wyróżnia się surowością form i wyraźną wyrazistością widzenia. Jego symbolika jest czysta i przejrzysta, jak szyby w oknach, które tak bardzo lubi przedstawiać. Rene Magritte ostrzega przed kruchością świata. Oto przykład jednej z możliwych interpretacji wieloznacznych metafor Magritte'a. Motyw szklanego okna tej artystki można również postrzegać jako granicę między dwoma światami - realnym i nierealnym, poetyckim i przyziemnym, między świadomym a nieświadomym.

Na obrazie „Syn Człowieczy” (1964) współczesny człowiek ukazany jest na tle muru oddzielającego go od bezmiaru oceanu i nieba, symbolizującego nieskończoność. Jabłko wiszące przed twarzą osoby nadaje obrazowi tajemniczości. To jabłko może być postrzegane zarówno jako owoc drzewa wiedzy, jak i jako symbol natury, który człowiek stara się zrozumieć. Jednocześnie ten detal harmonizuje z prozaicznym wyglądem zadbanego mieszczanina.

Obraz "Golconda" (1953) można potraktować jako zmaterializowaną metaforę: ludzie "z ciężarem" stali się nieważcy. W nazwie ukryta jest ironia: w końcu Golconda to na wpół legendarne miasto w Indiach, słynące ze swoich złotych krążków i diamentów, a tych ludzi wydaje się przyciągać złoto. Artysta rozwiesza w bezkresnej przestrzeni kilkudziesięciu schludnie ubranych – w meloniki, krawaty i modne płaszcze – rentierów, zachowując przy tym absolutny spokój.

Na jednym z późne obrazy Magritte, „The Ready Bouquet” (1956), mężczyzna w tym samym meloniku i fraku, stojący tyłem do widza na tarasie, kontempluje wieczorny park. A na jego grzbiecie maszeruje „Wiosna” Botticellego w kwiatach i blasku kolorów. Co to jest? Realizacja aforyzmu „Człowiek przemija, sztuka zostaje”? A może osoba podziwiająca park przypomniała sobie obraz Botticellego? Odpowiedź jest niejasna.

Artysta dąży do zniszczenia utartego wyobrażenia o tym, co dobrze znane, niezmienione, aby przedmiot ujrzał w nowym wymiarze, wprowadzając widza w zakłopotanie. Na swoich płótnach stworzył świat fantazji i snów z prawdziwych rzeczy, zanurzając widza w atmosferze snu i tajemnicy. Artystka genialnie wiedziała, jak „kierować” swoimi uczuciami. Wydawać by się mogło, że wykreowany przez artystę świat jest statyczny i solidny, ale surrealizm zawsze wdziera się w to, co zwyczajne, niszcząc ten znajomy świat (zwykłe jabłko w pokoju, rosnące, wypiera ludzi albo lokomotywa parowa wyskakuje z kominka na pełnych obrotach - „Czas przebity”, 1939).

Najczęściej kopiowanym obrazem jest Stworzenie człowieka (1935). Wizerunek morza na obrazie na sztalugach stojących przed otwartym oknem w cudowny sposób łączy się z „prawdziwym” widokiem morza z okna.

Tematem wielu obrazów Magritte'a była tak zwana „ukryta rzeczywistość”. Część obrazu, na przykład twarz głównego bohatera, jest czymś zakryta (jabłko, bukiet kwiatów, ptak). Magritte wyjaśnia znaczenie tych prac w ten sposób: „Interesującą rzeczą w tych obrazach jest obecność tego, co otwarte i ukryte, które nagle wdzierają się do naszej świadomości, które w naturze nigdy się od siebie nie oddzielają”.

W Lovers Rene Magritte pokazuje, że kiedy jesteśmy naprawdę zakochani, nasze oczy są zamknięte.

Usiłując zrozumieć nieuchwytne znaczenie obrazów Magritte'a, aby je „wyjaśnić”, umysł widza gorączkowo chwyta się obu. Artysta „rzuca” mu nazwę obrazu (zwykle pojawiała się ona po ukończeniu pracy). Magritte nadał tytułowi decydującą rolę w odbiorze obrazu. Według wspomnień krewnych i przyjaciół, wymyślając imiona, często omawiał je z innymi pisarzami. Oto, co powiedział o tym sam artysta: „Tytuł jest wyznacznikiem funkcji obrazu”, „Tytuł powinien zawierać żywe emocje”, „Najlepszy tytuł obrazu jest poetycki. Nie powinien niczego uczyć, ale zaskakiwać i fascynować”.

Wiele tytułów obrazów ma charakter celowo naukowy i widoczna jest w nich ironia: „Lampa filozoficzna” (1937), „Pochwała dialektyki” (1937), „Wiedza przyrodnicza” (1938), „Traktat o wrażeniach” (1944). Inne tytuły tworzą atmosferę poetyckiej tajemnicy: Dialog przerywany wiatrem (1928), Klucz do snów (1930), Bolesne trwanie (1939), Imperium światła (1950), Salon Boga (1958).

Obraz „Imperium światła” został namalowany przez Magritte'a w r Ostatnia dekadażycia, ale od razu stał się być może najpopularniejszym z jego dzieł. Tak popularna, że wielu kolekcjonerów było gotowych zapłacić każde pieniądze, aby mieć jedną z jej replik w swojej kolekcji.

Czym więc jest ten obraz, który zawładnął umysłami ludzi na całym świecie? Na pierwszy rzut oka wydaje się prosty, a nawet bezpretensjonalny. Dom nad brzegiem małego jeziora ukryty jest w cieniu rozłożystych drzew. Okna na drugim piętrze płoną przytulnym światłem, które daje samotna latarnia przyjazne światło podróżnik, który może tu być ciemna noc. Wydawałoby się – zwyczajny, całkiem realistyczny nokturn. Taki obraz może namalować każdy „tradycyjny” artysta.

Ale czy to prawda? Dlaczego więc pojawia się niejasny niepokój, zmuszający widza do coraz bliższego wpatrywania się w obraz? Ten niepokój nie odejdzie, dopóki nagle nie stanie się czysty - niebo, to jest to! Niebieskie niebo po których wesoło biegną białe puszyste obłoki. I to późno w nocy! Tylko nie pytajcie, jak to możliwe, bo w świecie Magritte'a nie ma rzeczy niemożliwych. Jak nikt inny artysta ten uwielbia łączyć to, co nie do pogodzenia, wprowadzać do swoich obrazów detale, które tak mocno ze sobą kontrastują, że widz najpierw doznaje lekkiego szoku, ale potem jego umysł zaczyna pracować ze zdwojoną siłą, próbując znaleźć rozwiązanie proponowanej szarady.

Sam Magritte powiedział o niej: „Połączyłem się z„ Imperium Światła ” różne koncepcje, a mianowicie - nocny krajobraz i niebo w całej okazałości dziennego światła. Krajobraz skłania do myślenia o nocy, niebo - o dniu. Moim zdaniem to jednoczesne zjawisko dnia i nocy ma moc zaskakiwania i oczarowania. I tę moc nazywam poezją.

Rene Magritte we własnej osobie

„Autoportret” („Czujne spojrzenie”)

Wspominając swoje dzieciństwo, napisał: „Pamiętam swoje zdumienie, kiedy po raz pierwszy zobaczyłem szachownicę i figury na niej. Przerażające wrażenie! Nuty, na których tajemnicze znaki oznaczały dźwięk i nie były słowami! Oto jeden mały wczesna praca artysty – „The Lost Jockey”, który stał się jego manifestem twórczym.

Pędzący z pełną prędkością jeździec na namydlonym koniu zgubił się w nierealnym gaju ogromnych figur szachowych pomalowanych zapisem nutowym.

Obraz „Carte blanche” lub „Przeszkoda pustki”.

Magritte napisał o niej: „Widoczne rzeczy mogą być niewidzialne. Jeśli na przykład jacyś ludzie jadą przez las, to najpierw ich widzisz, potem ich nie widzisz, ale wiesz, że tam są. Na obrazie „Carte Blanche” jeździec zasłania drzewa, a one zasłaniają ją. Jednak nasza siła myślenia obejmuje zarówno to, co widzialne, jak i to, co niewidzialne, a za pomocą malarstwa uwidaczniam myśli”.

Obraz „Zakazana bifurkacja”

Warto zauważyć, że u Magritte'a tylko obrazy ptaka są wolne od złożoności asocjacyjnej. Ptaki niosą ze sobą pozytywną energię lotu, nic więcej. Nie ma ptaków martwych, upadłych, z połamanymi skrzydłami. Ptaki żyją, a ich skrzydła są pełne jasnoniebieskich i białych chmur Cirrus Magritte'a (Big Family, 1963).

15 sierpnia 1967 roku Rene Magritte zmarł na raka. Odszedł jeden z artystów-magików XX wieku, który za życia tak bardzo przypominał szanowanego aptekarza.
Wiódł ciche i spokojne życie Belga na ulicy, z dala od zgiełku bohemy - człowieka, którego trudno wyróżnić się z tłumu. Sny, paradoksy, lęki, tajemnicze niebezpieczeństwa ogarniały tylko jego obrazy, nie życie. Artysta walczył z nudą tylko w twórczości. Regularność codzienności bardzo mu odpowiadała, większość obrazów malował nawet w jadalni i do końca życia przedkładał tramwaj nad inne środki transportu.
W jakiś sposób na krótko przed śmiercią Magritte, ten wyrafinowany mistrz, powiedział: „Wciąż nie rozumiem powodu, dla którego żyjemy i umieramy”. Być może artysta po prostu zaszyfrował wskazówki dotyczące przyczyn i tajemnic bycia w swoich puzzlach? Wszystko może być. W takim razie powinieneś się im przyjrzeć!

Otwarcie 2 czerwca 2009 w Brukseli nowe muzeum, poświęcony twórczości słynny surrealista Rene Magritte. Muzeum Królewskie sztuki piękne przeznaczono na nią pomieszczenie o powierzchni 2,5 tys metry kwadratowe. Ekspozycja Muzeum Rene Magritte'a obejmuje ponad 200 prac autora - to najwięcej duża kolekcja na świecie.

18.07.2017 Oksana Kopenkina

Rene Magritte'a. Jasnowidzenie (autoportret). 54 x 64,9 cm 1936 Prywatna kolekcja. Artchive.ru

W sztuce Rene Magritte'a nie ma ani kropli pozowania. Nie „interesuje się” widzem przy pomocy swojej tajemnicze obrazy. Zamiast tego zachęca do myślenia.

Malarstwo, które cieszy oko, nie jest sztuką dla Magritte'a. Jest dla niego zupełnie pusty.

Dziś encyklopedie określają Magritte'a jako wybitnego surrealistę. Mistrzowi by się to nie spodobało. Unikał psychoanalizy i nie lubił Freuda.

Po zerwaniu twórczych więzi z Andre Brettonem (teoretykiem surrealizmu) zakazał nazywania siebie surrealistą.

Stał się prekursorem realizmu magicznego. Magritte był na ogół wolnym artystą, nie gotowym do rozstania się ze swoją wolnością w imię uznania. Dlatego pisał tylko to, co było dla niego ważne.

Kontrowersje dotyczące punktu wyjścia

Rene urodził się 21 listopada 1898 roku w mieście Lessine (Belgia). Po krótkim czasie urodziło się jeszcze trzech braci.

Szczęśliwe dzieciństwo zakończył się dla przyszłego artysty w wieku 14 lat. W 1912 roku jego matka utopiła się w rzece. Widząc, jak mieszkańcy wyciągają martwe ciało jego matki, młody Rene próbował zrozumieć przyczynę tego, co się stało. Zawsze wierzył w moc myśli. Musisz tylko bardzo się postarać, a wtedy umysł znajdzie odpowiedzi.

Dziś historycy sztuki spierają się o wpływ, jaki na malarza wywarła tragedia dzieciństwa. Niektórzy uważają, że pod auspicjami tego dramatu pojawiła się seria obrazów przedstawiających syreny. To prawda, że \u200b\u200bMagritte ma syreny, wręcz przeciwnie: z rybą górą i ludzkim dnem.

Rene Magritte'a. zbiorowy wynalazek. 1934 kolekcja sztuki Nadrenia Północna-Westfalia, Düsseldorf. Wikiart.org

Inni, nie zaprzeczając wpływowi tej ponurej strony biografii, wciąż skłonni są widzieć naturę talentu w samej osobowości artysty.

R. Magritte'a. Portret. 1935 MAMA, Nowy Jork

Był prawdziwym wizjonerem. Wymyślił bezprecedensowe gry i rozrywki. Ale romantyczny sposób myślenia René był obcy jego braciom. Nigdy nie udało im się zostać rodziną.

Kto wie, może mamy portret któregoś z jego braci. Co odzwierciedla fajne relacje między krewnymi.

Widzisz oko w bekonie? Myślę, że delikatnie mówiąc, trzeba kogoś nie lubić, żeby namalować taki jego portret.

Miłość na całe życie

Ale jego żona, Georgette Berger, stała się dla niego naprawdę bliską osobą. Poznali się jako nastolatkowie. A przypadkowo spotkawszy się w ogrodzie botanicznym jako dorośli, nigdy więcej się nie rozstali.

Georgette była jego muzą i najlepszy przyjaciel. Magritte poświęcił jej więcej niż jedno ze swoich płócien, a ona poświęciła mu całe swoje życie.

Przyćmiła ich tylko jedna historia życie rodzinne. Po 13 latach małżeństwa Magritte zainteresował się inną kobietą. Georgette zemściła się na nim, romansując z jego przyjacielem. Żyli osobno przez 5 lat.

To właśnie w tym okresie z jakiegoś powodu Magritte namalował ten portret Georgette.

Rene Magritte'a. Żorżeta. 1937 Muzeum Sztuk Pięknych w Brukseli. Wikiart.org

Ten portret jest szczególnie pocztówkowy. Taka otwartość jest charakterystyczna dla prawie wszystkich obrazów Magritte'a.

W 1940 roku para ponownie się zjednoczyła. I nie rozstali się.

Po śmierci męża Georgette wspominała, że do tej pory, patrząc na jego obrazy, rozmawia z nim i często się kłóci.

Magritte nie chciał ucieleśniać swojej miłości jako pewnego rodzaju frazesu. Starając się dotrzeć do istoty tego uczucia, tworzy płótno „Kochankowie”. Na nim twarze młodych ludzi są owinięte w prześcieradła.

Rene Magritte'a. Zakochani. 54 x 73,4 cm Muzeum 1928 r Sztuka współczesna(MOMA), Nowy Jork. Renemagritte.org

Ta praca uderza swoją anonimowością. Nie widzimy twarzy bohaterów. Taka bezosobowość była charakterystyczna dla prawie wszystkich dzieł artysty.

Nawet jeśli na twarzach nie było zasłony, rysy twarzy były zasłonięte zwykłym przedmiotem. Na przykład jabłko.

Rene Magritte'a. Syn mężczyzny. 116 x 89 cm 1964. Kolekcja prywatna. Artchive.ru

Uznanie i obywatelski obowiązek

W 1918 roku młody człowiek ukończył Królewską Akademię Sztuk Pięknych. Po przekroczeniu progu „alma mater” zaczął mozolnie szukać środków do życia.

Nie mógł sprzeciwić się swojemu pomysłowi, dopasowując się do gustów publiczności. Dlatego dostał pracę w warsztacie malującym tapety.

Trudno wyobrazić sobie smutniejszą sprzeczność: artysta, który przede wszystkim starał się uchwycić myśl, został zmuszony do narysowania na tapecie kwiatów.

Ale Rene nadal pisał czas wolny. Bohaterami jego obrazów są zwykłe przedmioty. A raczej ukryte za nimi idee.

Jest cykl obrazów negatywowych, na których artysta celowo rysuje np. fajkę i zostawia podpis: „To nie jest fajka”. Zwracając w ten sposób uwagę na to, co kryje się za znajomą skorupą podmiotu.

Rene Magritte'a. Zdrada obrazów (To nie jest fajka). 63,5 x 93,9 cm 1948. Kolekcja prywatna. Wikiart.org.

Każdy obraz Magritte'a to dowcipna, niezależna historia. Elementy płótna nie rozciągają się, nie odkształcają. Są realistyczne i rozpoznawalne.

Ale w zbiorze kompozycyjnym tworzą one zupełnie nową ideę. Mistrz twierdził, że w każdym z jego obrazów „zaszyte” jest specjalne znaczenie. Bez zbędnego bałaganu.

Jakie jest na przykład znaczenie deszczu ludzi? Sam artysta nigdy nie rozszyfrowywał swoich obrazów. Każdy szuka dla siebie ukrytego podtekstu.

Rene Magritte'a. Golconda. 100 x 81 cm 1953. Zbiory prywatne, Houston. Artchive.ru

W 1927 roku otwarto pierwszą wystawę Rene, która nie była krytycznym sukcesem. A para Magritte'ów wyjeżdża do Paryża, stolicy sztuki awangardowej.

Po krótkiej współpracy z bretońskim środowiskiem artysta wybiera własną drogę i szybko odnosi sukcesy.

Współcześni pamiętają, że Rene różnił się od wszystkich artystów. Nigdy nie miał własnego warsztatu. A w domu, w którym mieszkał Magritte, nie było bałaganu charakterystycznego dla malarza. Magritte powiedział, że farba została stworzona do nakładania na płótno, a nie do rozmazywania po podłodze.

Jednak jego obrazy były równie „czyste”, a nawet raczej suche. Ostre linie, idealne formy. Ostateczny realizm, zamieniający się w iluzję.

Rene Magritte'a. Warunki ludzka egzystencja. 1934 Kolekcja prywatna. Artchive.ru

Wraz z nadejściem wojny Magritte zaczął malować obrazy, które nie były charakterystyczne dla jego stylu. Okres „ ” zostanie tym razem nazwany przez historyków sztuki.

Rene uważał, że jego obywatelskim obowiązkiem jest pisanie afirmujących życie obrazów, dających widzowi nadzieję. Gołąb pokoju z ogonem kwiatów jest żywym przykładem „wojskowej” sztuki Magritte'a.

Rene Magritte'a. Pomyślny omen. 1944 Kolekcja prywatna. Wikiart.org

Osiągnięta nieśmiertelność

Po wojnie Magritte ponownie powrócił do swojego zwykłego stylu, dużo myśląc o śmierci i życiu.

Wystarczy przypomnieć jego parodie słynnych obrazów innych artystów, w których wszystkie postacie zastępował trumnami. Tak wygląda obraz „Balkon” w interpretacji Magritte'a.

Rene Magritte'a. Perspektywa II: Balkon Maneta. 80 x 60 cm 1950 Muzeum Sztuk Pięknych, Gandawa. Artchive.ru

Magritte uznaje wielkość śmierci przed myślą. Ci ludzie prawdziwi ludzie, którzy kiedyś pozowali dla Edouarda Maneta, już nie żyją. I wszystkie ich myśli na zawsze odeszły w zapomnienie.

Ale czy Magritte'owi udało się oszukać śmierć? Jego żona Georgette twierdziła, że tak! Żyje w swoich obrazach, w zagadkach, łamigłówkach, które każdy niesie w sobie. I zachęcanie widza do znalezienia odpowiedzi.

Po śmierci artystki na raka trzustki w 1967 roku Georgette do końca swoich dni zachowała nienaruszone wszystko, co należało do jej utalentowanego małżonka - pędzle, paletę, farby. A na sztalugach wciąż stał niedokończony obraz „Imperium światła”.

Rene Magritte'a. Imperium Światła. 146 x 114 cm, lata 50. XX wieku. Kolekcja Peggy Guggenheim w Wenecji.

Dla tych, którzy nie chcą przegapić najciekawszych o artystach i obrazach. Zostaw swój e-mail (w formularzu pod tekstem), a jako pierwszy dowiesz się o nowych artykułach na moim blogu.

W kontakcie z

Alogizm, absurdalność, połączenie nieprzystającej do siebie, paradoksalnej wizualnej zmienności obrazów i postaci – to podstawa surrealizmu. Za twórcę tego nurtu uważa się tego, który w sercu surrealizmu dostrzegł ucieleśnienie teorii podświadomości Zygmunta Freuda. Na tej podstawie wielu przedstawicieli kierunku stworzyło arcydzieła, które nie odzwierciedlały Obiektywną rzeczywistość, ale były tylko ucieleśnieniem pojedynczych obrazów inspirowanych podświadomością. Płótna malowane przez surrealistów nie mogły być produktem ani dobra, ani zła. Wszystkie wywołały różne emocje. różni ludzie. Dlatego możemy śmiało powiedzieć, że ten kierunek modernizmu jest dość kontrowersyjny, co przyczyniło się do jego szybkiego rozpowszechnienia w malarstwie i literaturze.

Surrealizm jako iluzoryzm i literatura XX wieku

Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes i Dorothy Tanning to filary surrealizmu, który pojawił się we Francji w latach dwudziestych XX wieku. Kierunek ten nie ograniczał się terytorialnie do Francji, rozprzestrzeniając się na inne kraje i kontynenty. Surrealizm znacznie ułatwił postrzeganie kubizmu i sztuki abstrakcyjnej.

Jednym z głównych postulatów surrealistów było utożsamianie energii twórców z podświadomością człowieka, która objawia się we śnie, w stanie hipnozy, w delirium podczas choroby, czy przypadkowych wglądach twórczych.

Charakterystyczne cechy surrealizmu

Surrealizm to złożony kierunek w malarstwie, który wielu artystów rozumiało i rozumie na swój sposób. Nic więc dziwnego, że surrealizm rozwijał się w dwóch koncepcyjnie różnych kierunkach. Miro, Max Ernst, Jean Arp i André Masson można śmiało przypisać do pierwszej gałęzi, w której twórczości główne miejsce zajmowały obrazy płynnie przechodzące w abstrakcję. Druga gałąź bierze za podstawę ucieleśnienie nierzeczywistego obrazu generowanego przez podświadomość osoby, z iluzoryczną dokładnością. W tym kierunku pracował Salvador Dali, który jest idealnym przedstawicielem malarstwo akademickie. To jego prace charakteryzują się dokładnym oddaniem światłocienia i starannym pismem – gęste obiekty mają namacalną przezroczystość, natomiast bryły rozpościerają się, masywne i figury trójwymiarowe nabierają lekkości i nieważkości, a niekompatybilne mogą się zjednoczyć.

Biografia Rene Magritte'a

Na równi z twórczością Salvadora Dali stoi twórczość Rene Magritte'a, słynnego belgijskiego artysty urodzonego w Lesinie w 1898 roku. W rodzinie, z wyjątkiem Rene. było jeszcze dwoje dzieci, aw 1912 roku wydarzyło się nieszczęście, które wpłynęło na życie i twórczość przyszłego artysty - zmarła jego matka. Znalazło to odzwierciedlenie w obrazie Rene Magritte'a „In Memory of Mack Sennett”, który został namalowany w 1936 roku. Sam artysta twierdził, że okoliczności nie wpłynęły na jego życie i twórczość.

W 1916 roku Rene Magritte wstąpił do brukselskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie poznał swoją przyszłą muzę i żonę, Georgette Berger. Po ukończeniu Akademii Rene pracował nad tworzeniem materiałów promocyjnych i traktował to raczej lekceważąco. Futuryzm, kubizm i dadaizm wywarły ogromny wpływ na artystę, ale w 1923 roku Rene Magritte po raz pierwszy zobaczył dzieło Giorgio de Chirico „Song of Love”. To był ten moment Punkt wyjścia dla rozwoju surrealisty René Magritte'a. W tym samym czasie rozpoczęło się formowanie nurtu w Brukseli, którego przedstawicielem został Rene Magritte wraz z Marcelem Lekamte, André Suri, Paulem Nougetem i Camille Gemans.

Twórczość Rene Magritte'a.

Prace tego artysty zawsze budziły kontrowersje i budziły duże zainteresowanie.

Na pierwszy rzut oka obraz Rene Magritte'a jest wypełniony w dziwny sposób, które są nie tylko tajemnicze, ale i niejednoznaczne. Rene Magritte nie poruszał kwestii formy w surrealizmie, włożył swoją wizję w znaczenie i znaczenie obrazu.

Wielu artystów daje Specjalna uwaga nazwy. Zwłaszcza René Magritte'a. Obrazy z tytułami „To nie jest fajka” czy „Syn człowieczy” budzą w widzu myśliciela i filozofa. Jego zdaniem nie tylko obraz powinien zachęcać widza do pokazania emocji, ale także tytuł powinien zaskakiwać i skłaniać do refleksji.
Jeśli chodzi o opisy, podało wielu surrealistów krótka adnotacja do swoich płócien. Rene Magritte nie jest wyjątkiem. Obrazy z opisami zawsze były obecne w działaniach reklamowych artysty.

Sam artysta nazywał siebie „magicznym realistą”. Jego celem było stworzenie paradoksu, a opinia publiczna powinna wyciągnąć własne wnioski. Rene Magritte w swoich pracach zawsze wyraźnie wyznaczał granicę między subiektywnym obrazem a rzeczywistą rzeczywistością.

Malarstwo „Kochankowie”

Rene Magritte namalował cykl obrazów „Kochankowie” w latach 1927-1928 w Paryżu.

Pierwsze zdjęcie przedstawia mężczyznę i kobietę, którzy złączyli się w pocałunku. Ich głowy są owinięte białym suknem. Drugie płótno przedstawia tego samego mężczyznę i kobietę w białym ubraniu, którzy patrzą z obrazu na publiczność.

Biała tkanina w pracach artystki wywołuje i wywoływała gorące dyskusje. Istnieją dwie wersje. Według pierwszej białej tkaniny w twórczości Rene Magritte'a pojawiła się w związku ze śmiercią jego matki w r wczesne dzieciństwo. Matka skoczyła z mostu do rzeki. Kiedy jej ciało zostało wyjęte z wody, znaleziono białą szmatkę owiniętą wokół jej głowy. Jeśli chodzi o drugą wersję, wielu wiedziało, że artysta był fanem Fantômasa, bohatera popularnego filmu. Może więc być tak, że biała tkanina jest hołdem złożonym pasji do kina.

O co chodzi w tym obrazku? Wiele osób uważa, że obraz „Kochankowie” uosabia ślepą miłość: zakochując się, ludzie przestają zauważać kogoś lub coś innego niż ich bratnia dusza. Ale ludzie pozostają dla siebie tajemnicami. Z drugiej strony, patrząc na pocałunek kochanków, można powiedzieć, że stracili głowy z miłości i namiętności. Obraz Rene Magritte'a jest pełen wzajemnych uczuć i doświadczeń.

"Syn mężczyzny"

Obraz Rene Magritte'a „Syn Człowieczy” karta telefoniczna„Realizm magiczny” i autoportret Rene Magritte'a. To właśnie ta praca jest uważana za jedną z najbardziej kontrowersyjnych prac mistrza.

Artysta ukrył twarz za jabłkiem, jakby mówił, że wszystko nie jest takie, jak się wydaje, i że ludzie nieustannie chcą dostać się do duszy człowieka i zrozumieć prawdziwą istotę rzeczy. Obraz Rene Magritte'a zarówno skrywa, jak i odsłania istotę samego mistrza.

Grał Rene Magritte ważna rola w rozwoju surrealizmu, a jego twórczość nadal wzbudza świadomość coraz większej liczby nowych pokoleń.

Bella Adzejewa

Belgijski artysta Rene Magritte, mimo niewątpliwej przynależności do surrealizmu, zawsze wyróżniał się w tym ruchu. Po pierwsze, sceptycznie odnosił się do być może głównej pasji całej grupy Andre Bretona – psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych wątków Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte używał głównie zwykłych codziennych obrazów - drzew, okien, drzwi, owoców, postaci ludzi - ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów. Bez tworzenia fantastycznych obiektów i stworzeń z głębi podświadomości, belgijski artysta zrobił to, co Lautreamont nazwał sztuką – zaaranżował „spotkanie parasolki i maszyna do pisania na stole operacyjnym”, w niebanalny sposób łącząc banalne rzeczy. Krytycy i znawcy sztuki wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckie tytuły, prawie nigdy nie kojarzone z obrazem, co po raz kolejny potwierdza, że prostota Magritte'a jest zwodnicza.

Sam Rene Magritte nazwał swoją sztukę nawet nie surrealizmem, ale magiczny realizm, był bardzo nieufny wobec wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że z obrazami trzeba się tylko zastanawiać.

Od tego momentu Magritte okresowo powracał do wizerunku tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiając go albo na piaszczystym brzegu morza, albo na miejskim moście, albo w zielonym lesie, albo naprzeciw krajobraz górski. Mogło być dwóch lub trzech nieznajomych, stali tyłem do widza lub półbokiem, a czasem – jak na przykład w obrazie High Society (1962) (można przetłumaczyć jako „ Wyższe sfery" - ok. red.) - Artysta wyznaczył jedynie kontur mężczyzny w meloniku, wypełniając go chmurami i listowiem. Najsłynniejsze obrazy przedstawiające nieznajomego - "Golkonda" (1953) i oczywiście "Syn Człowieczy" (1964) - najbardziej powielane dzieło Magritte'a, parodia i aluzje, dla których obraz znajduje się już w oderwaniu od jego twórcy. autoportret, w którym postać mężczyzny symbolizowała nowoczesny mężczyzna który utracił swoją indywidualność, ale pozostał synem Adama, który nie jest w stanie oprzeć się pokusom – stąd jabłko zakrywające jego twarz.

"Zakochani"

Rene Magritte dość często komentował swoje obrazy, ale pozostawił jeden z najbardziej tajemniczych - "Kochanków" (1928) - bez wyjaśnienia, pozostawiając pole do interpretacji krytykom sztuki i fanom. Ci pierwsi ponownie dostrzegli w obrazie nawiązanie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy jej ciało wydobyto z rzeki, głowę kobiety zakrywał rąbek jej koszuli nocnej – red.). Najprostszy i najbardziej oczywisty istniejące wersje- "miłość jest ślepa" - nie budzi zaufania specjalistów, którzy często interpretują ten obraz jako próbę oddania izolacji między ludźmi, którzy nawet w chwilach namiętności nie potrafią przezwyciężyć wyobcowania. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i poznania do końca bliskich osób, inni rozumieją "Kochanków" jako zrealizowaną metaforę "stracenia głowy z miłości".

W tym samym roku Rene Magritte namalował drugi obraz zatytułowany „Kochankowie” - na nim twarze mężczyzny i kobiety są również zamknięte, ale zmieniły się ich pozy i tło, a ogólny nastrój zmienił się z napiętego na spokojny.

Tak czy inaczej, „Kochankowie” pozostają jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte'a, którego tajemniczą atmosferę zapożyczają dzisiejsi artyści - na przykład nawiązuje do niego okładka debiutanckiego albumu. brytyjska grupa Pogrzeb przyjaciela ubranego swobodnie i pogrążonego w rozmowie (2003).

„Zdrada obrazów”, czyli To nie jest…

Nazwy obrazów Rene Magritte'a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowanie. „Szklany klucz”, „Osiągnięcie niemożliwego”, „Przeznaczenie człowieka”, „Przeszkoda w pustce”, „ piękny świat", "Imperium światła" są poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie, i można się tylko domyślać, jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie w każdym indywidualnym przypadku. "Nazwy są tak dobrane, że nie pozwalają mi umieścić moich obrazów w znanym mi obszarze, gdzie automatyzm myśli z pewnością zadziała, aby zapobiec niepokojowi" - wyjaśnił Magritte.

W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najbardziej znanych znane prace Magritte, dzięki napisowi na nim: z niekonsekwencji artysta doszedł do zaprzeczenia, pod obrazem fajki, pisząc „To nie jest fajka”. "Ta słynna fajka. Jak ludzie mi to wypominali! A jednak można ją napełnić tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym napisał pod zdjęciem "To fajka", skłamałbym!" – powiedział artysta.

Niebo Magritte'a

Niebo z płynącymi po nim chmurami jest obrazem tak codziennym i używanym, że nie sposób uczynić z niego „wizytówki” konkretnego artysty. Nieba Magritte'a nie można jednak pomylić z czyimś innym - częściej ze względu na to, że na jego obrazach odbija się w fantazyjnych lustrach i ogromnych oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linią horyzontu z pejzażu niepostrzeżenie przechodzi na sztalugę (seria "Ludzkie przeznaczenie"). pogodne niebo służy jako tło dla nieznajomego w meloniku („Dekalkomania”, 1966), zastępuje szare ściany pokoju („Wartości osobiste”, 1952) i odbija się w trójwymiarowych lustrach („Elementarna kosmogonia”, 1949).

Wydaje się, że słynne „Imperium światła” (1954) wcale nie przypomina dzieła Magritte'a - w wieczornym krajobrazie na pierwszy rzut oka nie było miejsca na niezwykłe przedmioty i tajemnicze kombinacje. A jednak istnieje takie połączenie, które tworzy obraz „Magritte” - czyste niebo w ciągu dnia nad jeziorem i dom pogrążony w ciemności.

(o. Rene Francois Ghislain Magritte; ur. – 21 listopada 1898 r. w Lessin, zm. – 15 sierpnia 1967 r. w Brukseli) – belgijski artysta surrealistyczny. Znany jako autor dowcipnych, a zarazem poetycko tajemniczych obrazów.

René Magritte był traktowany z podejrzliwością. Zwłaszcza lekarze. Zwłaszcza psychoanalitycy. Ci, którzy nie zauważyli żadnych zaburzeń psychicznych u tego artysty, po tym gwałtownie zmienili zdanie na przeciwne. Jak poznałeś jego twórczość?

Ale w odpowiedzi na ich ingerencje sam artysta, nie bez sarkazmu, argumentował, że najlepszym pacjentem dla psychoanalityka jest inny psychoanalityk. A najpopularniejszy w tamtych czasach Zygmunt Freud wcale nie był traktowany poważnie. Ale nadal rysował jabłka i twarze, lustra z fantastycznymi odbiciami, trumny dla siedzących trupów i inne dziwactwa i niezrozumiałości.

Rene spędził dzieciństwo i młodość w małym przemysłowym mieście Charleroi. Życie było ciężkie.

Rene Magritte „Syn Człowieczy”, 1964.

W 1912 roku jego matka utopiła się w rzece Sambre, co najwyraźniej miało miejsce duży wpływ na ówczesnego nastolatka, przyszłego artystę. Kiedy znaleziono zwłoki, jego głowę starannie owinięto lekką gazą.

Prawdopodobnie dlatego szczególne miejsce w twórczości Magritte'a zajmują twarze, a raczej ich brak. Najczęściej twarz na portrecie jest albo zakryta obcym przedmiotem, albo owinięta tkaniną, albo zamiast twarzy przedstawiony jest po prostu tył głowy lub inna część ciała.

Magritte przywiózł z dzieciństwa szereg innych, nie tak tragicznych, ale nie mniej tajemniczych wspomnień, o których sam powiedział, że znalazły odzwierciedlenie w jego twórczości.

Od 1916 roku Magritte studiował w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, którą opuścił w 1918 roku. W tym samym czasie poznał Georgette Berger, z którą ożenił się w 1922 roku i mieszkał z nią aż do śmierci w 1967 roku.

Zagrożony zabójca - 1927

Obrazy Magritte'a charakteryzują się oderwanym, jakby niewzruszonym stylem. Przedstawiają zwykłe przedmioty, które Magritte, w przeciwieństwie do innych głównych surrealistów (Dali, Ernst), prawie nigdy nie tracą „obiektywizmu”: nie rozprzestrzeniają się, nie zamieniają się we własne cienie. Jednak bardzo dziwna kombinacja tych obiektów jest uderzająca i daje do myślenia. Spokój stylu tylko potęguje to zdziwienie i pogrąża widza w swoistym poetyckim odrętwieniu, wywołanym samą tajemnicą rzeczy.

W wieku 14 lat Rene poznaje dziewczynę o imieniu Georgette. Kilka lat później zostaje jego żoną, kochanką, muzą, koleżanką i przyjaciółką – jedyną modelką artysty. W jego życiu nie było innych kobiet. Piękna twarz Georgette jest nieuchwytna na obrazach Magritte'a. Jest zamglony i zaszyfrowany, jak nieuchwytne piękno.

Znaczenie nocy 1927

Celem Magritte'a, jak sam przyznaje, jest skłonienie widza do myślenia. Z tego powodu obrazy artysty często przypominają zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, bo stawiają pytania o samą istotę bytu: Magritte zawsze mówi o ułudzie widzialnego, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie zauważamy. Jest cykl prac artysty, w którym pisze on pod zwykłymi przedmiotami: to nie on. Szczególnie popularny jest obraz „Zdrada obrazów”, który przedstawia fajkę z podpisem „To nie jest fajka”. W ten sposób Magritte ponownie przypomina widzowi, że obraz przedmiotu nie jest samym przedmiotem.

On, podobnie jak Dali i inni surrealiści, przenosił sny i myśli na płótno. ale nienawidził, gdy krytycy nazywali go surrealistą. „Jestem realistą magicznym” — powiedział do siebie Magritte.

W wieku 18 lat Rene wyjechał na studia do brukselskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie szybko zorientował się, że jego zadaniem jest przeniesienie detali na płótno prawdziwe życie— śmiertelna udręka. Tutaj „zachoruje” na kubizm i futuryzm w duchu Fernanda Légera, lecz zostaje wyleczony przez zapoznanie się z twórczością Maxa Ernsta i Giorgio de Chirico.

Zatrzymany czas 1938

Ogólnie rzecz biorąc, nazwy obrazów odgrywają szczególną rolę w Magritte. Prawie zawsze są poetyckie i na pierwszy rzut oka nie mają nic wspólnego z samym obrazem. I właśnie w tym sam artysta widział ich znaczenie: wierzył, że ukryty poetycki związek między nazwą a obrazem przyczynia się do magicznej niespodzianki, którą Magritte widział jako cel sztuki.

W 1921 roku Magritte został powołany do wojska, a rok później, po powrocie do kraju życie obywatelskie, dostał pracę jako rysownik w fabryce tapet, gdzie godzinami pisał róże na papierze najmniejsze szczegóły(róże stały się później jednym z motywów przewodnich jego obrazów - symbolem fatalnej i niebezpiecznej urody - „Grób wojownika”, 1961). Następnie wraz z bratem otwiera agencję reklamową, co pozwoliło im szybko zapomnieć o palących problemach.

W 1930 roku nastąpiło zerwanie z Bretonem. Magritte wraca do Brukseli i wraz z Paulem Delvaux zostaje jednym z przywódców tutejszego ruchu surrealistycznego. W tym owocny okres Magritte stworzył wiele obrazów o tajemniczych i poetyckich tematach, w tym jego najczęściej kopiowany obraz Stan człowieka (1935). Wizerunek morza na obrazie na sztalugach stojących przed otwartym oknem w cudowny sposób łączy się z „prawdziwym” widokiem morza z okna.

Kiedy Niemcy zajęli Belgię w 1940 roku, Magritte spędził najpierw trzy miesiące na wygnaniu w Carcassonne (Francja), a następnie wrócił do Brukseli, gdzie przeżył wojnę. Zaraz po wojnie Magritte zdecydował się malować zamaszystymi pociągnięciami pędzla, w stylu Renoira i Matisse'a, tłumacząc to potrzebą znalezienia radości w przeciwieństwie do ogólnego pesymizmu tamtych lat. Ten okres w twórczości Magritte'a jest najczęściej nazywany okresem „jasnego słońca” („plein soleil”). Ale motywy impresjonizmu i fowizmu w twórczości mistrza tajemniczych obrazów nie przekonały opinii publicznej i krytyki, a do 1948 roku artysta powrócił do własnego stylu.

„Przyjmuję dowolny przedmiot lub temat jako pytanie”, napisał, „a następnie zacząłem szukać innego przedmiotu, który mógłby służyć jako odpowiedź. Aby zostać kandydatem do odpowiedzi, poszukiwany przedmiot musi być połączony z obiektem pytania za pomocą zestawu tajemnych powiązań. Jeśli odpowiedź nasuwa się sama z całą jasnością, oznacza to, że ustanawiane jest połączenie między tymi dwoma przedmiotami”. I znowu: „Dla mnie myśl początkowo składa się tylko z rzeczy widzialnych, a sama może stać się widzialna dzięki malarstwu”. Rene Magritte'a

W latach 50. artysta tworzy jedne ze swoich najbardziej znane prace. Wśród nich jest obraz „Golconda” (1953). Artysta przedstawił dziesiątki schludnie ubranych rentierów (w melonikach, krawatach i modnych płaszczach) unoszących się w bezkresnej przestrzeni, zachowując przy tym absolutny spokój. Golconda to starożytne miasto w Indiach, które stało się synonimem niezliczone skarby i bogactwa, bo to właśnie tutaj znaleziono wiele słynnych diamentów i innych drogocennych kamieni. Osoby na zdjęciu wydają się być zwabione skarbami Golcondy.

W latach 1950-1960 obrazy Rene Magritte'a wstrząsnęły amerykańskim rynkiem sztuki, gdzie przez cały sezon odbywały się tylko jego wystawy. Pieniądze napływały ze wszystkich stron, ale ten człowiek o twarzy dobrego aptekarza, jak twierdzili jego najbliżsi, pozostał wierny sobie: żadnej bohemy, skromne mieszkanie, cichy warsztat i jazda ulubionym środkiem transportu – tramwajem.

Magritte zmarł 15 sierpnia 1967 roku w wieku 69 lat na raka, pozostawiając niedokończoną nową wersję swojego prawdopodobnie najsłynniejszego obrazu, Empire of Light. Na zawsze pozostała w ich pokoju na sztaludze. Georgette powiedziała, zwracając się do męża: „W jednym się myliłeś - w kończynach własne życie, w zwycięstwie śmierci nad wszystkim. Żyłeś nie tylko dla mnie, ale dla wszystkich, którzy oglądają Twoje obrazy: w końcu wszyscy na nich jesteście. Patrzę na nich, rozmawiam z tobą i kłócę się, jak zawsze. Nadal robiłeś to, o czym marzyłeś. Przebiłeś się przez lustro, ale zostałeś. Zwyciężyłeś śmierć”.

Starał się zniszczyć utartą ideę dobrze znanego, niezmiennego, aby przedmiot ujrzał w nowym wymiarze, wprowadzając widza w zamęt. Na swoich płótnach stworzył świat fantazji i snów z prawdziwych rzeczy, zanurzając widza w atmosferze snu i tajemnicy. Artystka genialnie wiedziała, jak „kierować” swoimi uczuciami. Wydawać by się mogło, że wykreowany przez artystę świat jest statyczny i solidny, jednak surrealizm zawsze wdziera się w to, co zwyczajne, niszcząc ten znajomy świat (zwykłe jabłko w pokoju, rosnące w pokoju, wypiera ludzi lub lokomotywa parowa wyskakuje z kominka na pełnych obrotach - „Czas przebity”, 1938).