Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza
Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.
Wysłany dnia http://www.allbest.ru/
UVO MOSKWA INSTYTUT SZTUKI I PRZEMYSŁU
Katedra Projektowania Graficznego
ABSTRAKCYJNY
dyscyplina: „Estetyka”
na temat: „Analiza rzeźby Dawida Michała Anioła”
Zakończony:
Studentka IV roku, gr. GD 4-01-11
Bratolyubova Maria Olegovna
Sprawdzony:
Chikaeva T.A.
Moskwa, 2014
Przedmiotem analizy przeglądowej jest twórczość Włocha Michelangelo Buonarrotiego, która od wieków stanowi integralną część edukacji akademickiej. Każdy, kto interesuje się sztuką, ma osobisty związek z genialną rzeźbą. Były one także bardzo osobiste dla młodego rzeźbiarza. W recenzowanej pracy chcę opowiedzieć o moim związku ze starożytnym pięknem i jego wielkim twórcą, a także poddać analizie tę rzeźbę.
Estetyka rzeźb jest jednym z ważnych i aktualnych tematów naszych czasów. Trafność moich badań przesądziła o celu pracy: rozważeniu estetyki rzeźby tego olbrzyma, jak go nazywali współcześni. Tematem przewodnim pracy jest symbol największego włoskiego dziedzictwa kulturowego.
Dawid to marmurowy posąg autorstwa Michała Anioła, po raz pierwszy przedstawiony społeczeństwu florenckiemu 8 września 1504 roku. Od tego czasu pięciometrowy posąg zaczął być postrzegany jako symbol Republiki Florenckiej i jeden ze szczytów nie tylko sztuki renesansu, ale także ludzkiego geniuszu w ogóle. Obecnie oryginalny pomnik znajduje się w Akademii sztuki piękne we Florencji.
Analizując dzieła rzeźby, należy wziąć pod uwagę parametry własne rzeźby jako formy sztuki. Rzeźba jest formą sztuki, w której prawdziwa trójwymiarowa bryła wchodzi w interakcję z otaczającą ją trójwymiarową przestrzenią. Dlatego przeanalizujemy objętość, przestrzeń i sposób, w jaki oddziałują one na siebie. Przyjrzyjmy się temu bliżej. Michał Anioł Dawid wartość estetyczna
Rzeźba Dawida jest monumentalna, jak już wspomniano, wysoka na 5 metrów. Jest to ważne, ponieważ Rozmiar wpływa na interakcję posągu z przestrzenią. Początkowo rzeźba była przeznaczona do oglądania ze wszystkich stron. Na długo przed powstaniem genialnego dzieła Michała Anioła od dawna marzyło się zainstalowanie ogromnych rzeźb na dachu katedry we Florencji. Wątpliwości, wahania co do materiału i wyboru artysty, a także nieudane próby stworzenia i podniesienia dużych posągów na wysokość trwały przez dziesięciolecia. Potem zlecenie przeszło w ręce Michała Anioła i dopiero gdy skończył swojego Giganta, okazało się, że nie uda się go wynieść na dach. Specjalna komisja, w skład której wchodzili Botticelli, Leonardo da Vinci i Sangallo, znalazła dla niego odpowiednie miejsce na placu przed Palazzo Vecchio, pałacem rządu florenckiego. Do transportu posągu zbudowano specjalny mechanizm, a 8 września 1504 roku przed pałacem ustawiono „Dawida”. Dlatego przypomina nam o jednej funkcji oryginalny plan umieść na dachu „Dawida”: górującego nad katedrą na tle nieba, Górna część posągi wydawałyby się mniejsze niż na innym tle. W przypadku takiego punktu widzenia widza nastąpiłaby również redukcja perspektywy. Biorąc to pod uwagę rzeźbiarz nieznacznie ją powiększył, co w zasadzie jest mało zauważalne. Praca ta obejmuje trójwymiarową przestrzeń pierwotnie kojarzoną z architekturą, tj. miała być formą architektoniczno-rzeźbiarską. Ale nawet badając obsadę postaci w Moskwie, w Muzeum Państwowe sztuki piękne ich. JAK. Puszkina, wygląda imponująco i wcale nie zakłóca przyjemności estetycznej. Wręcz przeciwnie. Wydaje mi się, że gdyby był na dachu, nie robiłby tak dużego wrażenia swoimi rozmiarami. Okazuje się, że przez przypadek okazał się olbrzymem. Ale tylko zewnętrznie, bo... wewnętrzna wielkość była nadal wrodzona Włoski mistrz. Oglądając rzeźbę z bliski zasięg(jak rzeźbiarz, gdy pracował nad nim ręcznie dłutem i młotkiem), rozumiesz, że jaka niewielka część ogólna perspektywa widoczny Przecież połączył wszystkie części, nie tylko w harmonijny sposób, ale także przekazał wielkość i patriotyzm. Michał Anioł wygrał tę walkę z trudnościami, podobnie jak według historycznej legendy sam Dawid.
Zastanawiam się, z jakiego materiału została wykonana rzeźba, jakie cechy ma ten materiał i dlaczego właśnie ten materiał został wybrany do tej pracy? Posąg Dawida wykonany z marmuru. Zadając pytanie o wybór materiału, aby dodatkowo zapewnić wyniesienie rzeźby na dach, mistrzowie Donatello i Brunelleschi pomyśleli o wykonaniu ich z jasnego drewna, tapicerowanego metalem dla zwiększenia wytrzymałości i pomalowanego jak marmur; Oferowali także inne materiały. Ale Florentczycy nadal polegali na władzy Nowa technologia i w połowie XV w. Na pierwszą figurę przygotowano ogromny blok marmuru. Zamówienie na dużego „Dawida” odebrał Agostino di Duccio. Ale miał niewielkie doświadczenie w pracy z rzeźbami, tylko płaskorzeźbami, ale często pomagał Donatello w takich pracach. Jedyne, co musiał zrobić, to przyciąć blok, a Donatello przejmie stery. Ale Donatello zmarł, a blok pozostał tam przez pół wieku, dopóki nie znaleźli rzeźbiarza, któremu można było powierzyć taką pracę. Tym właśnie stał się Michał Anioł. W 1501 roku, kiedy rozpoczął pracę nad posągiem, był już autorem takich arcydzieł, jak płaskorzeźby „Madonna ze schodów” i „Bitwa centaurów”, „Lamentacja” i „Madonna”. Dlatego dyrekcja katedry wybrała go na tak odpowiedzialne stanowisko i powierzyła mu ten cenny materiał. Myślę, że wybór tego materiału zależał także od koloru.
Moim zdaniem posąg, przeznaczony do oglądania ze wszystkich stron, ma zarówno stałe punkty widzenia, jak i jest w pełni odsłonięty podczas spaceru. Wydaje mi się, że ta rzeźba ma już kilka ukończonych wyraziste sylwetki.
Jak wiem, według legendy młodzieniec przygotowuje się do nadchodzącej bitwy z Goliatem, który przewyższa go siłą. Był to swego rodzaju innowacja, ponieważ Poprzednicy Michała Anioła zawsze przedstawiali go w chwili triumfu po zwycięskiej bitwie z olbrzymem. Artystce udało się pokazać z jednej strony spokój, równowagę, z drugiej zaś skupienie, widać, że ma napięte mięśnie, groźnie ściągnięte brwi, można w nich wyczytać coś przerażającego. To jest niesamowite. Zarzucił procę na lewe ramię, której dolny koniec go chwycił prawa ręka. W tym wolna poza bohater przygotowywany jest do śmiercionośnego ruchu. I rzeczywiście, w całej postaci odczuwa się wewnętrzny spokój, zwłaszcza w bystrym spojrzeniu, ale ciało nie jest napięte. David stoi spokojnie i swobodnie. Szczególnie uderzyło mnie, jak szczegółowo i naturalnie Michał Anioł stworzył potężne, chłopskie dłonie młodego człowieka - nic dziwnego, że przy ich pomocy można było zabić procą gigantycznego Goliata.
Tym samym „Dawid”, umieszczony w centrum Florencji, zaczął być postrzegany jako symbol patriotyczny – wizerunek obrońcy miasta. To jest pierwszy duży obraz heroiczna nagość w rzeźbie po starożytności. I moja ulubiona i jedna z najbardziej imponujących rzeźb!
Opublikowano na Allbest.ru
...Podobne dokumenty
Uwzględnienie zainteresowania biblijnym królem Dawidem wśród ludzi sztuki renesansu. Opis rzeźby Dawida autorstwa Michała Anioła, a także rzeźby Dawida autorstwa Berniniego. Analiza porównawcza dane zabytków sztuki wolumetryczno-przestrzennej.
praca na kursie, dodano 29.07.2015
krótki życiorys Michelangelo Buonarotti – wspaniały rzeźbiarz i artysta. Jego osiągnięcia twórcze: rzeźby Vahki i Piety, marmurowy wizerunek Dawida, freski „Bitwa pod Casciną” i „Bitwa pod Anghiar”. Historia malarstwa Kaplicy Sykstyńskiej.
prezentacja, dodano 21.12.2010
Badanie talentu i kreatywności Michała Anioła Buonarottiego. Jego wkład w skarbnicę sztuki światowej. Stworzenie wysokiej jakości dzieł włoskiego rzeźbiarza „Bachusa” i „Romana Pietà”. Artystyczna kreacja gigantycznego Dawida jako symbolu Florencji.
artykuł, dodano 23.06.2014
Biografia, wygląd i charakter Michała Anioła Buonarrotiego (1475-1564) - wielkiego genialnego architekta renesansu we Włoszech, a także opis dzieł wczesnych i późnych, ukończonych i niedokończonych. Analiza relacji Michała Anioła i Vittorii Colonny.
streszczenie, dodano 14.11.2010
Atmosfera duchowa i moralna Włochy XIV-XVI. Analiza kształtowania się twórczości Buonarrotiego i jej odzwierciedlenie w nowoczesne społeczeństwo. Struktura psychologiczna idei Michała Anioła. Analiza związku geniuszu i władzy. Arcydzieła dłuta i pędzla. Dziedzictwo poetyckie.
praca magisterska, dodana 29.04.2017
Studiując cechy twórczości Michała Anioła Buonarrotiego - Włoski rzeźbiarz, malarz, architekt, poeta. Cechy charakterystyczne twórczość epoki Wysoki renesans. Dawid. Słynny fresk z obrazu Sykstyńskiego Michała Anioła – Stworzenie Adama.
prezentacja, dodano 24.10.2014
Renesans jako rewolucyjny w historii wszystkich kultura ludzka. Motyw renesansowy. Wizerunek Dawida w twórczości Donatella, Michała Anioła i Berniniego. Cechy i różnice poszczególnych wizerunków Dawida oraz wpływ epoki na przedstawianie jego wizerunku.
praca magisterska, dodana 07.04.2009
Biografia znany rzeźbiarz, malarz, architekt, poeta, myśliciel i największy mistrz Renesansowy Michał Anioł Buonarroti. Różnorodność twórczego postrzegania: tragiczna świadomość niedoskonałości istnienia i wiara w harmonię wszechświata.
prezentacja, dodano 29.01.2011
Główne wydarzenia w biografii Michała Anioła Buonarrotiego – włoskiego rzeźbiarza, malarza, architekta i poety. Twórczy wyraz ideałów wysokiego renesansu i tragicznego poczucia kryzysu światopoglądu humanistycznego w okresie późnego renesansu.
streszczenie, dodano 11.12.2011
Wyraziste środki i charakterystyka odmian rzeźby. Wybór materiału i koloru do stworzenia pracy. Historia rozwoju rzeźby od prymitywne społeczeństwo aż do czasów współczesnych. Przegląd twórczości najwybitniejszych rosyjskich rzeźbiarzy.
Wenus z Milo (Afrodyta) – posąg bogini miłości otoczony legendami
Na całym świecie słynna rzeźba Wenus z Milo, wystawiana w Luwrze, to standard kobiece piękno- Niestety nie ma obu rąk. To wspaniałe dzieło sztuki, wyrzeźbione z białego marmuru, zostało znalezione na południowej greckiej wyspie Milos w 1820 roku, stąd nazwa Milos.
Znalazł ją prosty grecki chłop imieniem Yurgos. Yurgos nie miał pojęcia o archeologii. Zajmował się swoimi sprawami: uprawiał należącą do niego działkę i wyżywił swoją liczną rodzinę. Znalazł Wenus przez przypadek. Któregoś dnia, kopiąc swój ogród, natknął się na kamienną płytę, a potem na kilka ciosanych kamieni. Kamienie te były bardzo cenione na wyspie Milos, gdzie mieszkał Yurgos. Miejscowi chłopi, nie zastanawiając się specjalnie nad pochodzeniem, wykorzystywali je do budowy domów. Yurgos kontynuował swoje wykopaliska. Wyobraźcie sobie jego zdziwienie, gdy nagle odkrył swego rodzaju niszę, a w niej wspaniały marmurowy posąg półnagiej kobiety o rzadkiej urodzie. Jak później ustalili naukowcy, w niszy znajdowały się jeszcze dwie figurki Hermesa oraz kilka marmurowych bibelotów.
Yurgos zdał sobie sprawę, że znalazł coś znacznie cenniejszego niż para ciosanych kamiennych płyt. Znalezisko przeniósł do stodoły, a następnie – jak się zwykle mówi – sprzedał je niejakiemu Marcelusowi, sekretarzowi ambasady francuskiej w Stambule.
Tylko jedna rzecz nas niepokoi: ten cudowny posąg, który stał się swego rodzaju synonimem idealnej kobiecej urody, podobnie jak Apollo Belvedere dla mężczyzn, miał swoją wadę: Wenus strącono ręce. Tego – z kikutami zamiast ramion – wciąż można oglądać w Luwrze; Tak jest przedstawiana na niezliczonych reprodukcjach.
Gdzie i kiedy, w jakich okolicznościach Wenus z Milo straciła ręce? Niewiele osób ma o tym wszystkim pojęcie. znana historia To jest (historia o tym zachowała się w niepublikowanych wspomnieniach Dumont-D'Urville i częściowo w Matterer). Durville i Matterer nie kupili Wenus - okazało się, że to przekracza ich możliwości. Wrócili na swój statek. Kilka dni później statek przybył do Stambułu. Zaproszono oficerów statku Ambasada Francuska. Podczas przyjęcia Dumont-Durville opowiedział o odkryciu Yurgosa. Sekretarz ambasady Marcellus dosłownie niemal tego samego dnia wypływa w imieniu ambasadora specjalnym statkiem pod dowództwem porucznika Roberta na wyspę Milos. Trzy dni później dostarczył posąg do Aten. Ale w tym czasie Wenus była już bez ramion. Co się stało? posąg bogini sztuki marmuru
Dumont-Durville tak o tym pisze: „O ile można sądzić, chłop, zmęczony czekaniem na kupców, obniżył cenę i sprzedał miejscowemu księdzu. Chciał go podarować tłumaczowi Paszy Konstantynopola. Pan Marcelus przybył akurat w chwili, gdy posąg miał zostać załadowany na statek w celu wysłania go do Konstantynopola. Widząc, że to wspaniałe znalezisko wymyka mu się z rąk, podjął wszelkie kroki, aby je zdobyć, a ksiądz w końcu nie bez oporu zgodził się z niego zrezygnować.
Ale Durville nie jest do końca dokładny: ksiądz nawet nie pomyślał o oddaniu posągu. Wręcz przeciwnie, kategorycznie odmówił jego sprzedaży. Następnie Marcelus zażądał od Roberta dwudziestu marynarzy, decydując się, jak pisze Matterer, na uwolnienie bogini za wszelką cenę. Wywiązała się prawdziwa walka. W tej potyczce Francuzi uzyskali przewagę. Podczas walki Wenus została rzucona na drogę i zdeptana w błoto, a jej ręce zostały odbite.
To jest przykra prawda. Dlatego Matterer, obawiając się skandalu dyplomatycznego – w 1842 roku wszyscy „bohaterowie” tej historii, a przede wszystkim ambasador de Riviere jeszcze żyli – próbował to ukryć i dopiero później opisał wszystko tak, jak się wydarzyło. Dlatego Dumont-Durville w swoich wspomnieniach jest tak dyplomatycznie ostrożny. Dlatego w końcu Wenus z Milo nie ma ramion.
Postać bogini miłości jest pozbawiona ramion i pokryta frytkami, ale kiedy ją zobaczysz, nigdy nie zapomnisz jej piękna i dumnego wizerunku. Lekko pochylona mała głowa na smukłej szyi, jedno ramię lekko uniesione, drugie lekko obniżone, elastyczna, krągła sylwetka. Delikatność i miękkość skóry podkreśla peleryna zsuwająca się na biodra. I nie sposób oderwać wzroku od przesiąkniętej kobiecością i liryzmem rzeźby, nie wątpiąc ani przez chwilę, że przed oczami stoi doskonałość – bogini miłości.
Rosyjscy pisarze, którzy znaleźli się w różne lata w paryskim Luwrze.
Afanasy Fet – Wenus z Milo
I czysty i odważny,
Świeci nago aż do lędźwi,
Boskie ciało rozkwita
Niesłabnące piękno.
Pod tym fantazyjnym baldachimem
Lekko uniesione włosy
Ile dumnej błogości
Wylało się na niebiańskie oblicze!
Więc wszyscy oddychają patosową pasją,
Wszystko mokre od piany morskiej
I niosąc zwycięską moc,
Patrzysz w wieczność przed tobą.
1856. Obecnie posąg Wenus z Milo znajduje się na pierwszym piętrze Luwru w małym okrągłym pomieszczeniu, uzupełniając zespół sal Departamentu starożytna sztuka i żaden eksponat w żadnym z nich nie jest zepchnięty na środek. Dlatego też z daleka widoczna jest Wenus – niska rzeźba, pojawiająca się niczym biały duch na zamglonym tle szarych ścian.
Zwiedzający wchodząc do Luwru zadają zwykle dwa pytania: jak dostać się do Wenus z Milo (ta rzymska nazwa nazywana jest także grecka bogini) i gdzie znajduje się Gioconda?
PYTANIA, KTÓRE NALEŻY ZADAĆ PODCZAS ANALIZY DZIEŁA RZEŹBY Analizując dzieła rzeźbiarskie, należy wziąć pod uwagę własne parametry rzeźby jako formy sztuki. Rzeźba jest formą sztuki, w której prawdziwa trójwymiarowa bryła wchodzi w interakcję z otaczającą ją trójwymiarową przestrzenią. Dlatego należy przeanalizować objętość, przestrzeń i sposób, w jaki oddziałują one na siebie. 1. Jaki jest rozmiar tej rzeźby? Rzeźba może być monumentalna, sztalugowa lub miniaturowa. Rozmiar wpływa na sposób interakcji z przestrzenią. 2. W jakiej przestrzeni znajdowało się analizowane przez Ciebie dzieło (w świątyni, na placu, w domu itp.)? Z jakiego punktu widzenia był przeznaczony (z daleka, z dołu, z bliska)? Czy jest częścią zespołu architektonicznego lub rzeźbiarskiego, czy też jest dziełem niezależnym? 3. W jakim stopniu przedmiotowa praca obejmuje przestrzeń trójwymiarową (rzeźba kołowa i rzeźba związana z architekturą; forma architektoniczno-rzeźbiarska, wysoki płaskorzeźba; relief; płaskorzeźba; płaskorzeźba malarska; kontrrelief) 5. Jakim materiałem jest zostało zrobione? Jakie są cechy tego materiału? Nawet jeśli analizujemy odlewy, warto pamiętać, z jakiego materiału został wykonany oryginał. Przejdź się do sal oryginałów, zobacz jak wygląda rzeźba wykonana w interesującym Cię materiale. Jakie cechy rzeźby podyktowane są materiałem, z którego została wykonana (dlaczego do tej pracy wybrano właśnie ten materiał)? 6. Czy rzeźba jest zaprojektowana z myślą o stałych punktach widzenia, czy też w pełni ujawnia się podczas spaceru? Ile ukończonych wyrazistych sylwetek ma ta rzeźba? Czym są te sylwetki (zamknięte, zwarte, geometrycznie regularne czy malownicze, otwarte)? Jak sylwetki są ze sobą powiązane? 7. Jakie są proporcje (stosunki części i całości) w tej rzeźbie lub grupa rzeźbiarska? Jakie są proporcje postać ludzka? 8. Na czym polega konstrukcja rzeźby (rozwój i komplikacja relacji pomiędzy dużymi bryłami kompozycyjnymi, rytm wewnętrznych podziałów i charakter zagospodarowania powierzchni)? Jeśli mówimy o o reliefie - jak zmienia się całość, gdy zmienia się kąt widzenia? Jak zmienia się głębokość płaskorzeźby i jak budowane są plany przestrzenne, ile ich jest? 9. Jaka jest faktura powierzchni rzeźbiarskiej? Jednorodne lub różne w różne części? Gładkie lub „szkicowe”, widoczne są ślady dotyku narzędzi, naturalne, konwencjonalne. Jak ta tekstura ma się do właściwości materiału? Jak faktura wpływa na postrzeganie sylwetki i objętości formę rzeźbiarską ? 10. Jaka jest rola koloru w rzeźbie? Jak objętość i kolor oddziałują na siebie, jak na siebie wpływają? 11. Do jakiego gatunku należy ta rzeźba? Do czego to miało służyć? 12. Jaka jest interpretacja motywu (naturalistyczna, umowna, podyktowana kanonem, podyktowana miejscem zajmowanym przez rzeźbę w jej otoczeniu architektonicznym lub inna). 13. Czy odczuwasz w swojej twórczości wpływ innych dziedzin sztuki: architektury, malarstwa? PYTANIA, KTÓRE NALEŻY ZADAĆ PODCZAS ANALIZY OBRAZU Aby oderwać się od postrzegania fabuły i życia codziennego, pamiętajmy, że obraz nie jest oknem na świat, ale płaszczyzną, na której za pomocą środków obrazkowych można stworzyć iluzję przestrzeni. Dlatego w pierwszej kolejności przeanalizuj podstawowe parametry dzieła: 1) Jaka jest wielkość obrazu (monumentalny, sztaluga, miniatura? 2) Jaki jest format obrazu: prostokąt wydłużony w poziomie lub w pionie (ewentualnie z zaokrąglonym końcem) , kwadrat, okrąg (tondo), owal? 3) W jakiej technice (tempera, olej, akwarela itp.) i na jakim podłożu (drewno, płótno itp.) został wykonany obraz? 4) Z jakiej odległości jest to najlepiej widoczne? I. Analiza obrazu. 4. Czy film ma fabułę? Co jest pokazane? W jakim środowisku znajdują się przedstawione postacie i przedmioty? 5. Na podstawie analizy obrazu można wyciągnąć wnioski na temat gatunku. Do jakiego gatunku: portret, pejzaż, martwa natura, akt, codzienny, mitologiczny, religijny, historyczny, zwierzęcy, należy obraz? 6. Jaki problem Twoim zdaniem rozwiązuje artysta – wizualny? ekspresyjny? Jaki jest stopień konwencjonalności czy naturalizmu obrazu? Czy konwencja zmierza w stronę idealizacji czy zniekształcenia ekspresji? Z reguły kompozycja obrazu jest powiązana z gatunkiem. 7) Z jakich składników składa się kompozycja? Jaki jest związek tematu obrazu z tłem/przestrzenią na płótnie malarskim? 8) Jak blisko płaszczyzny obrazu znajdują się obiekty na obrazie? 9) Jaki kąt widzenia wybrał artysta – z góry, z dołu, na poziomie przedstawionych obiektów? 10) Jak określana jest pozycja widza – czy wchodzi on w interakcję z tym, co ukazane na obrazie, czy też przypisano mu rolę zdystansowanego kontemplatora? 11) Czy kompozycję można nazwać zrównoważoną, statyczną czy dynamiczną? Jeśli istnieje ruch, to w jaki sposób jest on kierowany? 12) Jak skonstruowana jest przestrzeń obrazu (płaska, nieokreślona, warstwa przestrzenna zostaje odgrodzona, powstaje głęboka przestrzeń)? Jak osiąga się iluzję głębi przestrzennej (różnice w wielkości przedstawionych postaci, ukazanie bryły obiektów czy architektury, zastosowanie gradacji kolorystycznych)? Kompozycję opracowuje się za pomocą rysunku. 13) Jak wyraźny jest początek liniowy na zdjęciu? 14) Czy kontury wyznaczające poszczególne obiekty są podkreślone czy ukryte? Jakimi środkami osiąga się taki efekt? 15) W jakim stopniu wyrażana jest objętość obiektów? Jakie techniki tworzą iluzję objętości? 16) Jaką rolę w obrazie odgrywa światło? Jaki to jest (równy, neutralny; kontrastowy, rzeźbiący; mistyczny). Czy źródło/kierunek światła jest czytelne? 17) Czy sylwetki przedstawionych postaci/przedmiotów są czytelne? Jak wyraziste i wartościowe są same w sobie? 18) Jak szczegółowy (lub odwrotnie uogólniony) jest obraz? 19) Czy oddawana jest różnorodność faktur przedstawionych powierzchni (skóra, tkanina, metal itp.)? Kolor. 20) Jaką rolę w obrazie pełni kolor (czy jest podporządkowany rysunkowi i objętości, czy wręcz przeciwnie, podporządkowuje rysunek sobie i buduje samą kompozycję). 21) Czy kolor to tylko zabarwienie objętości, czy coś więcej? Czy jest optycznie wierny, czy wyrazisty? 22) Czy w obrazie dominują barwy lokalne czy kolorystyka tonalna? 23) Czy widoczne są granice plam barwnych? Czy pokrywają się z granicami objętości i obiektów? 24) Czy artysta operuje dużymi masami koloru czy małymi plamami-pociągnięciami? 25) Jak pisze się kolory ciepłe i zimne, czy artysta stosuje zestawienia kolorów dopełniających? Dlaczego on to robi? W jaki sposób przekazywane są najbardziej oświetlone i zacienione obszary? 26) Czy występują odblaski lub refleksy? Jak zapisywane są cienie (głębokie czy przezroczyste, czy są kolorowe)? 27) Czy można zidentyfikować rytmiczne powtórzenia w użyciu dowolnego koloru lub kombinacji odcieni, czy można prześledzić rozwój dowolnego koloru? Czy istnieje dominująca kombinacja koloru/koloru? 28) Jaka jest faktura powierzchni malowania – gładka czy impasto? Czy można rozróżnić poszczególne pociągnięcia? Jeśli tak, to jakie - małe czy długie, nakładane płynną, gęstą lub prawie suchą farbą? PYTANIA, KTÓRE NALEŻY ZADAĆ PODCZAS ANALIZY DZIEŁA MALARSTWA WAZONOWEGO Analizując dzieła malarstwa wazowego trzeba pamiętać, że są to dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Kształt dekorowanego przedmiotu, jego cechy funkcjonalne wpływają na charakter obrazu. 1. Jak nazywa się typ statku, który analizujesz? Do czego miały służyć te statki? 2. Jakiej wielkości są naczynia? 3. Jak umiejscowiona jest dekoracja naczyń? Gdzie znajdują się obszary dekoracji figuratywnej i zdobniczej? Jak rozmieszczenie obrazów jest powiązane z kształtem naczynia? 4. Jakiego rodzaju ozdoby się stosuje? W jakich częściach statku się znajdują? 5. Gdzie znajdują się obrazy figuratywne? Czy zajmują więcej miejsca niż ozdobne, czy też są po prostu jednym z rejestrów ozdobnych? 6. Jak zbudowany jest rejestr z obrazów figuratywnych? Czy można powiedzieć, że zastosowano tu techniki swobodnej kompozycji, czy też zastosowano zasadę zestawienia (postacie w identycznych pozach, minimalny ruch, wzajemne powtarzanie się)? Czy tło kompozycji figuratywnej jest podkreślone w porównaniu z ogólną tonacją bryły naczynia? 7. Jak przedstawiono postacie? Czy są ruchome, zamrożone, stylizowane? 8. W jaki sposób przekazywane są szczegóły liczb? Czy wyglądają bardziej naturalnie czy ozdobnie? Jakie techniki są stosowane do przekazywania liczb? 9. Jeśli to możliwe, zajrzyj do wnętrza statku. Czy są tam obrazy i ozdoby? Opisz je zgodnie z powyższym schematem. 10. Jakie są główne i dodatkowe kolory wykorzystywane do budowy ozdób i figurek? Jaki jest odcień samej gliny? Jak wpływa to na charakter obrazu – czy czyni go bardziej ozdobnym, czy odwrotnie – bardziej naturalnym? Na koniec porównania spróbuj wyciągnąć wniosek, jaką różnicę zauważyłeś pomiędzy konstrukcją obrazu we wcześniejszych i późniejszych wazach. Jak na tej podstawie można sobie wyobrazić pewne wzorce rozwoju starożytnego greckiego malarstwa wazowego?Przykładowe pytania do analizy dzieła sztuki
Poziom emocjonalny:
Jakie wrażenie robi praca?
Jakich wrażeń może doświadczyć widz?
Jaki jest charakter pracy?
W jaki sposób skala, format, poziomy, pionowy lub ukośny układ części, zastosowanie określonych form architektonicznych, użycie określonych kolorów w obrazie i rozmieszczenie światła w zabytku architektury wpływają na emocjonalne wrażenie dzieła?
Poziom przedmiotu:
Co (lub kto) jest przedstawione na obrazku?
Co widzi widz stojąc przed fasadą? We wnętrzach?
Kogo widzisz na rzeźbie?
Podkreśl najważniejszą rzecz z tego, co widziałeś.
Spróbuj wyjaśnić, dlaczego właśnie to wydaje Ci się ważne?
W jaki sposób artysta (architekt, kompozytor) podkreśla to, co najważniejsze?
Jak rozmieszczone są przedmioty w pracy (kompozycja tematyczna)?
Jak rysowane są główne linie dzieła (kompozycja liniowa)?
Jak w strukturę architektoniczną Czy porównywane są bryły i przestrzenie (kompozycja architektoniczna)?
Poziom fabuły:
Spróbuj powtórzyć fabułę obrazu.
Spróbuj sobie wyobrazić, jakie zdarzenia mogą zdarzać się częściej w tej strukturze architektonicznej.
Co ktoś może zrobić (lub powiedzieć) tę rzeźbę co jeśli ożyje?
Poziom symboliczny:
Czy w pracy znajdują się przedmioty, które coś symbolizują?
Czy kompozycja dzieła i jego główne elementy mają charakter symboliczny: poziomy, pionowy, ukośny, okrąg, owal, kolor, sześcian, kopuła, łuk, sklepienie, ściana, wieża, iglica, gest, poza, ubiór, rytm, barwa, itp.?
Jaki jest tytuł dzieła? Jak to się ma do fabuły i symboliki?
Źródło: Internet
Plan analizy obrazu
2.Styl, kierunek.
3.Rodzaj malarstwa: sztaluga, monumentalny (fresk, tempera, mozaika).
4.Wybór materiału (np malarstwo sztalugowe): farby olejne, akwarela, gwasz, pastel. Charakterystyka użytkowania tego materiału dla artysty.
5.Gatunek malarstwa (portret, pejzaż, martwa natura, malarstwo historyczne, panorama, diorama, ikonografia, przystań, gatunek mitologiczny, gatunek codzienny). Charakterystyka gatunkowa twórczości artysty.
6. Malownicza działka. Treść symboliczna (jeśli występuje).
7. Charakterystyka obrazowa pracy:
Płaskość;
Kolor;
Przestrzeń artystyczna (przestrzeń przekształcona przez artystę);
9. Osobiste wrażenie odniesione podczas oglądania pracy.
Plan analizy praca rzeźbiarska
2.Styl, kierunek.
3.Rodzaj rzeźby: rzeźba okrągła, monumentalna rzeźba, mały plastik, relief i jego odmiana (płaskorzeźba, wysoki relief), portret rzeźbiarski, herma itp.
4.Wybór modelu (właściwie istniejąca osoba, zwierzę, fantazja artystyczna, obraz alegoryczny).
5.Modelowanie plastyczne (mowa ciała), czarno-białe.
6.Interakcja z otoczeniem: kolor rzeźby
(kolorowanka) i kolor tła środowisko, efekty świetlne (podświetlenie); rzeźba jako element architektury osobno stojący posąg itp.
7. Dobór materiału i jego kondycjonowanie (marmur, granit, drewno, brąz, glina itp.).
9. Osobisty odbiór pomnika.
Plan analityczny dzieła architektonicznego
2. Styl, kierunek. Architektura dużych i małych form.
3. Umieść zespół architektoniczny(włączenie, izolacja,
korelacja z krajobrazem, rola detalu organicznego itp.). Tektonika: systemy ścienne, murowe, zastawkowe
konstrukcja, konstrukcja ramowa, konstrukcja sklepiona, nowoczesna
projektowanie przestrzenne (składane, przykręcane itp.).
4. Zastosowany materiał i jego udział w tworzeniu szczególnego wyglądu architektonicznego. Charakter jego twórczości tkwi w projektowaniu (filary – nośność, sklepienia – sprężyna, gzymsy – podpora, łuki – wzniesienie, kopuły – korona itp.).
5. Oryginalność język architektoniczny w konkretnym dziele,
wyrażone poprzez:
Symetria, asymetria, asymetria;
Rytm części, detale;
Objętość (płaska, zwężona pionowo, sześcienna itp.);
Proporcje (harmonia detali i części);
Kontrast (przeciwstawienie form);
Sylwetka (kontury zewnętrzne);
Skala (relacja z osobą);
Kolor i faktura powierzchni.
7. Cechy narodowe budowli.
8. Obecność syntezy sztuk (powiązanie architektury z rzeźbą i malarstwem).
9. Osobiste wrażenia.
Przykładowe pytania do analizy dzieła sztuki
Poziom emocjonalny:
Jakie wrażenie robi praca?
Jakich wrażeń może doświadczyć widz?
Jaki jest charakter pracy?
W jaki sposób skala, format, poziomy, pionowy lub ukośny układ części, zastosowanie określonych form architektonicznych, użycie określonych kolorów w obrazie i rozmieszczenie światła w zabytku architektury wpływają na emocjonalne wrażenie dzieła?
Poziom przedmiotu:
Co (lub kto) jest przedstawione na obrazku?
Co widzi widz stojąc przed fasadą? We wnętrzach?
Kogo widzisz na rzeźbie?
Podkreśl najważniejszą rzecz z tego, co widziałeś.
Spróbuj wyjaśnić, dlaczego właśnie to wydaje Ci się ważne?
W jaki sposób artysta (architekt, kompozytor) podkreśla to, co najważniejsze?
Jak rozmieszczone są przedmioty w pracy (kompozycja tematyczna)?
Jak rysowane są główne linie dzieła (kompozycja liniowa)?
Jak porównuje się bryły i przestrzenie w strukturze architektonicznej (kompozycji architektonicznej)?
Poziom fabuły:
Spróbuj powtórzyć fabułę obrazu.
Spróbuj sobie wyobrazić, jakie zdarzenia mogą zdarzać się częściej w tej strukturze architektonicznej.
Co ta rzeźba może zrobić (lub powiedzieć), jeśli ożyje?
Poziom symboliczny:
Czy w pracy znajdują się przedmioty, które coś symbolizują?
Czy kompozycja dzieła i jego główne elementy mają charakter symboliczny: poziomy, pionowy, ukośny, okrąg, owal, kolor, sześcian, kopuła, łuk, sklepienie, ściana, wieża, iglica, gest, poza, ubiór, rytm, barwa, itp.?
Jaki jest tytuł dzieła? Jak to się ma do fabuły i symboliki?
Źródło: Internet
Plan analizy obrazu
2.Styl, kierunek.
3.Rodzaj malarstwa: sztaluga, monumentalny (fresk, tempera, mozaika).
4.Wybór materiału (do malowania sztalugowego): farby olejne, akwarela, gwasz, pastel. Charakterystyka wykorzystania tego materiału przez artystę.
5. Gatunek malarstwa (portret, pejzaż, martwa natura, malarstwo historyczne, panorama, diorama, malarstwo ikonowe, marina, gatunek mitologiczny, gatunek codzienny). Charakterystyka gatunkowa twórczości artysty.
6. Malownicza działka. Treść symboliczna (jeśli występuje).
7. Charakterystyka obrazowa pracy:
Płaskość;
Kolor;
Przestrzeń artystyczna (przestrzeń przekształcona przez artystę);
9. Osobiste wrażenie odniesione podczas oglądania pracy.
Plan analizy pracy rzeźbiarskiej
2.Styl, kierunek.
3.Rodzaj rzeźby: rzeźba okrągła, rzeźba monumentalna, rzeźba mała, płaskorzeźba i jej odmiana (płaskorzeźba, płaskorzeźba), portret rzeźbiarski, herma itp.
4.Wybór modelu (rzeczywista osoba, zwierzę, fantazja artysty, obraz alegoryczny).
5.Modelowanie plastyczne (mowa ciała), czarno-białe.
6.Interakcja z otoczeniem: kolor rzeźby
(kolorystyka) i kolor tła otoczenia, efekty świetlne (podświetlenie); rzeźba jako element architektury, pomnik wolnostojący itp.
7. Dobór materiału i jego kondycjonowanie (marmur, granit, drewno, brąz, glina itp.).
8. Charakterystyka narodowa.
9. Osobisty odbiór pomnika.
Plan analityczny dzieła architektonicznego
2. Styl, kierunek. Architektura dużych i małych form.
3. Miejsce w zespole architektonicznym (włączenie, izolacja,
korelacja z krajobrazem, rola detalu organicznego itp.). Tektonika: systemy ścienne, murowe, zastawkowe
konstrukcja, konstrukcja ramowa, konstrukcja sklepiona, nowoczesna
projektowanie przestrzenne (składane, przykręcane itp.).
4. Zastosowany materiał i jego udział w tworzeniu szczególnego wyglądu architektonicznego. Charakter jego twórczości tkwi w projektowaniu (filary – nośność, sklepienia – sprężyna, gzymsy – podpora, łuki – wzniesienie, kopuły – korona itp.).
5. Oryginalność języka architektonicznego w konkretnym dziele,
wyrażone poprzez:
Symetria, asymetria, asymetria;
Rytm części, detale;
Objętość (płaska, zwężona pionowo, sześcienna itp.);
Proporcje (harmonia detali i części);
Kontrast (przeciwstawienie form);
Sylwetka (kontury zewnętrzne);
Skala (relacja z osobą);
Kolor i faktura powierzchni.
7. Cechy narodowe budowli.
8. Obecność syntezy sztuk (powiązanie architektury z rzeźbą i malarstwem).
9. Osobiste wrażenia.