Mity starożytnej Grecji to ekscytujące przygody bogów, bohaterów i złych stworzeń. Są ciekawe pod każdym względem.

Ta rozrywka jest gorsza niż hollywoodzkie hity. I możliwość zrozumienia zupełnie innego światopoglądu ludzi cywilizacji przedchrześcijańskiej.

O mitach wiemy nie tylko dzięki starożytnym autorom.

Artyści żyjący przed naszą erą aktywnie tworzyli także freski o tematyce mitologicznej. A część z nich przetrwała do dziś.

Dionizos (Bachus) spotyka Ariadnę na wyspie Naxos. Fresk w Stabiae, Willa Ariadny, 1 p.n.e

Ale na prawie 1,5 tysiąca lat ze sztuki zniknęły mity.

Pojawiły się ponownie w malarstwie dopiero w r. W XV wieku w Rzymie zaczęto odkopywać rzeźby z czasów Cesarstwa Rzymskiego (kopie dzieł starożytnych greckich mistrzów). Zainteresowanie starożytną Grecją zaczęło rosnąć. Stało się modną, ​​a potem obowiązkową lekturą autorów starożytnych.

Już w XVI-XVII wieku mity były jednym z najpopularniejszych tematów w malarstwie.

Obrazy mitologiczne dla współczesnego widza

Będąc w muzeum, raczej nie zatrzymasz się długo przed obrazami o tematyce mitologicznej. Z jednego prostego powodu.

Nie znamy mitów starożytnej Grecji.

Tak, znamy Herkulesa. Słyszałem o Perseuszu i Andromedzie. Wymieńmy kilku starożytnych bogów, takich jak Zeus i Atena.

Ale kto może się teraz pochwalić, że przeczytał choćby Odyseję Homera? Sam ją przeczytałem w wieku 30 lat.

A jeśli nie rozumiesz fabuły obrazu, trudno będzie się nim cieszyć. Ponieważ pojawi się bariera w postaci oszołomienia: „Kim są ci wszyscy ludzie?”

Ale jeśli fabuła jest jasna, wówczas malownicze cechy obrazu natychmiast ujawniają się na naszych jasnych oczach.

Ten artykuł to niewielki zbiór obrazów mitologicznych.

Pomogę Ci najpierw zrozumieć ich znaki i symbole. A potem razem będziemy cieszyć się wszystkimi zaletami tych arcydzieł.

Botticellego. Wiosna (przewodnik obrazkowy). 1482 Galeria Uffizi, Florencja

Botticelli jako pierwszy w historii malarstwa europejskiego (po starożytnych Grekach i Rzymianach) przedstawił bohaterów mitologicznych.

Mitologiczne obrazy Botticellego są czasami niepochlebnie nazywane komiksami obrazkowymi. Bohaterowie stoją w rzędzie. Nie wchodzą ze sobą w interakcję. Pozostaje tylko dodać chmurę do ich mowy.

Ale to Botticelli jako pierwszy przedstawił mity po 1,5 tysiącu lat. Więc może.

Ponadto takie ustawienie w rzędzie nie przeszkadza, aby ta sama „Wiosna” Botticellego była jednym z najpiękniejszych obrazów świata.

„Wiosna” to także jedno z najbardziej tajemniczych płócien. Istnieje wiele jego interpretacji. Wybrałem ten, który osobiście wydaje mi się najbardziej prawdopodobny. I dodałem do tego własne przemyślenia.

2. Tycjan. Bachus i Ariadna

Tycjanowski. Bachus i Andromeda (przewodnik obrazkowy). 1620 Galeria Narodowa w Londynie

Po Botticellim w okresie renesansu wielu artystów przedstawiało mity. Ale najbardziej płodnym był Tycjan.

Jego mity są zupełnie inne. To już konkretne historie, jak np. „Spotkanie Bachusa i Andromedy na wyspie Naxos”.

Są to także gwałtowne ruchy, jak skok boga winiarstwa z rydwanu do stóp piękności. Są to emocje wyrażane w postawach, takie jak zdziwienie i strach przed Andromedą. A także realistyczny krajobraz, będący tłem dla postaci.

3. Rubensa. Perseusz i Andromeda

Petera Paula Rubensa. Perseusz ratuje Andromedę (przewodnik obrazkowy). 1622 Ermitaż w Petersburgu

Po Tycjanie w końcu w modzie stały się obrazy mitologiczne. Artyści kolejnych pokoleń przejęli wszystkie lekcje wielkiego mistrza. Ale kompozycje były bardzo skomplikowane.

Ten sam Rubens dosłownie „pchał” swoich bohaterów swoimi ciałami. A przed nami niesamowite przeplatanie się rąk, głów i nóg.

Dlatego tak trudno nam cieszyć się mitologicznymi malowidłami z XVII wieku. Nie tylko fabuła nie zawsze jest znana, ale wszystkie postacie trzeba zobaczyć.

Zatem złoty wiek obrazów mitologicznych to XVI-XVII wiek.

W XVIII wieku zostały lekko dociśnięte przez dość ziemiste i najsłodsze piękności rokokowe.

Pod koniec XIX wieku zostały one wyparte przez realizm i impresjonizm. Mity w końcu wyszły z mody.

Ale obrazy mitologiczne nadal wiszą w muzeach. Przecież są bardzo ważną warstwą kulturową. I tylko niewielkie luki w naszej wiedzy uniemożliwiają nam pełne czerpanie z nich przyjemności.

GATUNEK MITOLOGICZNY

GATUNEK MITOLOGICZNY(z greckiego mitu - legenda) - gatunek sztuki poświęcony bohaterom i wydarzeniom, o których opowiadają mity starożytnych ludów. Wszystkie narody świata mają mity, legendy, tradycje i są najważniejszym źródłem twórczości artystycznej na wczesnych etapach swojej historii, poczynając od sztuki prymitywnej (choć mity, które stanowiły podstawę znanych nam obrazów, często nie nie dotrze do nas). Jednak w epoce, gdy mitologia była zjawiskiem żywym, kompleksowym, stale rozwijającym się, jednym z fundamentów świadomości ludu, nie mogła wyróżniać się jako odrębny, odrębny gatunek. Podstawy M. powstały w sztuce późnoantycznej i średniowiecznej, kiedy mity grecko-rzymskie przestały być wierzeniami, stały się opowieściami literackimi o treści moralnej i alegorycznej. Właściwie m. ukształtowały się w epoce renesansu, kiedy starożytne legendy stwarzały najbogatsze możliwości ucieleśniania historii i postaci o bardzo złożonym etycznym, często alegorycznym wydźwięku (obrazy Sandro Botticellego, Andrei Mantegny, Giorgione, freski Francesco Cossy, Rafaela). O 17 - błagaj. 19 wiek zakres problemów filozoficznych, moralnych i estetycznych odzwierciedlonych w twórczości M. J. znacznie się poszerza, służąc bądź ucieleśnieniu wysokiego ideału artystycznego (obrazy Nicolasa Poussina, Petera Powella Rubensa), bądź też przybliżając się do życia (obrazy Diego Velazqueza, Rembrandta), czy stworzenie odświętnego widowiska (obrazy Francois Bouchera, Giovanniego Battisty Tiepolo). W 19-stym wieku M. służy jako norma wysokiej, idealnej sztuki (rzeźba Antonio Canovy, Bertela Thorvaldsena, I. P. Martosa, obrazy Jacques’a Louisa Davida, Dominique’a Ingresa, A. A. Iwanowa), która w akademickiej sztuce salonowej jest ser. i 2. piętro. wieku, nabrał charakteru zimnej i pozbawionej życia rutyny, co odegrało znaczącą rolę w buncie młodych rosyjskich artystów w 1863 roku. Wraz z motywami mitologii starożytnej w XIX - XX wieku. w sztuce popularne stały się motywy mitów germańskich, celtyckich, indyjskich i słowiańskich. Na początku. XX wiek symbolika i secesja ożywiły zainteresowanie M.j. (Maurice Denis, M. A. Vrubel), który w rzeźbie Aristide Mayol, Antoine Bourdelle, S. T. Konenkov, w grafice Pabla Picassa otrzymał nowoczesne przemyślenie.

Sowy oczywiście towarzyszą (zdjęcia można kliknąć):)

Kirka, jest Wybierać
... W pięknych warkoczach - straszna bogini o ludzkiej mowie.
Pełen podstępnych myśli, Eet był jej bratem.
Z Heliosa narodzili się, świecąc śmiertelnikom,
Matką Perse'a była nimfa urodzona w oceanie...
Homera. Odyseja. Piosenka dziesiąta.

Czarodziejka, córka Heliosa i Oceanidy Perseidy, siostra króla Kolchidy Eeta i żona Minosa Pasiphae, ciotki Medei, mieszka na wyspie Eya, w luksusowym pałacu wśród lasów, dokąd uciekła po otruciu jej pierwszy mąż, król Sarmatów.
Dzikie zwierzęta zamieszkujące wyspę to ludzie, którzy doświadczyli magii Circe.
Circe zamienia towarzyszy Odyseusza w świnie, polewając ich magicznym napojem. Odyseusz wyrusza na ratunek swoim towarzyszom. Otrzymuje od Hermesa magiczne zioło „ćmę”, które należy wrzucić do napoju przygotowanego przez Kirkę i dobywając miecza zniszczyć jej złe zaklęcie. Odyseusz skutecznie pokonuje Cerceusa, a jego towarzysze ponownie przyjmują ludzką postać. Odyseusz spędził na wyspie cały rok z czarodziejką.
A jeśli podsumujemy różne źródła, kontynuacja historii „Circe - Odyseusz” wygląda następująco:
- Odyssus i Cercea mieli syna Telegona (dosłownie „daleko urodzonego”), który później przypadkowo zabił swojego ojca, a następnie poślubił wdowę po nim Penelopę. A sama Kirke poślubiła najstarszego syna Odyseusza i Penelopy, Telemacha, ale została przez niego zabita, gdy zakochał się w jej córce Cassifone.
Ach, jak starożytni Grecy przekręcali wątki! :)))

Dosso Dossi(włoski: Dosso Dossi, właściwie włoski: Giovanni di Niccolò de Luteri, ok. 1490, Mantua - 1542, Ferrara) był włoskim malarzem i rytownikiem.
Studiował w pracowni K. Costy i Giorgione, powstałej pod wpływem mistrzów weneckich. Współpracował z Bellinim, Tycjanem, Romanino. C 1516 - oficjalny malarz dworu w Ferrarze. Prawie całe życie spędził w służbie książąt Este, Alfonsa I, Ercole II, gdzie zajmował się nie tylko malarstwem, ale także misjami dyplomatycznymi. W 1520 roku odwiedził z bratem Rzym i spotkał się z Rafaelem. Następnie pracuje przy ołtarzu dla katedr w Modenie i Ferrarze. W latach trzydziestych XVI wieku dał się poznać jako mistrz krajobrazu. Jeden z przedstawicieli szkoły ferrarskiej. Zilustrowane przez Ariosto, pozostawił swój portret, o którym wspomina w wierszu „Wściekły Roland”.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Inny Kirka


Antonio Marii Vassallo(ur. ok. 1620 w Genui, w Ligurii, zm. w Mediolanie w latach 1664-1673) to włoski malarz barokowy wywodzący się ze szkoły genueńskiej.
O życiu i twórczości Vassallo, który należy do najbardziej utalentowanych i błyskotliwych malarzy szkoły genueńskiej, do naszych czasów dotarło bardzo niewiele informacji.
Pochodził z zamożnej rodziny i otrzymał dobre wykształcenie, zanim rozpoczął naukę malarza u flamandzkiego malarza Vincenta Malo (w Genui 1634 - Wenecja 1649). Vassallo zasłynął powszechnie jako malarz zwierząt, autor tematów pastoralnych i mitologicznych.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Fortuna

Starożytna rzymska fortuna lub odpowiednio starożytna grecka Tyche (Fortuna, greckie Τύχη) jest boginią przypadku i szczęścia. Przedstawiano ją na różne sposoby: czasem z rogiem obfitości jako dawczyni szczęścia; potem z kierownicą jako przywódca losów; potem z piłką na znak zmienności szczęścia. Tyukhe był czasami zaliczany do moiry.

Alegoria "Fortuna", 1658

Muzeum Paula Getty'ego w Los Angeles.
Salwator Róża(1615, Neapol - 1673, Rzym) - 1615, Neapol - 1673, Rzym. Włoski malarz, aktor, muzyk i poeta. Mistrz szkoły neapolitańskiej.
Urodzony w małej miejscowości Arnella niedaleko Neapolu w rodzinie geodety. Od dzieciństwa skierowany był do wychowania w kolegium zgromadzenia jezuitów w Somasce. Studiowanie łaciny, Pisma Świętego, literatury włoskiej i historii starożytnej w Kolegium Jezuickim pomogło Salvatore Rosie w przyszłości, kiedy został malarzem. Malarstwa uczył się u swojego szwagra artysty F. Fracanziano, a także u wuja artysty A. D. Greco, być może odwiedzał warsztat J. Ribery, znał słynnego neapolitańskiego malarza batalistycznego A. Falcone, jeden z pierwszych mistrzów tego gatunku.
Imię Salvatore Rosa owiane jest legendami, gdyż wyróżniał się buntowniczym usposobieniem, odwagą i wielkim malowniczym temperamentem. Był nie tylko malarzem i rytownikiem, ale także poetą, muzykiem, aktorem, a pasja jego natury przejawiała się we wszystkim. Malarski talent artysty został zrealizowany w pejzażach, portretach, scenach batalistycznych, płótnach gatunku historycznego.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Zorza polarna
Aurora (od łacińskiej aury - „wiatr świtu”, u Greków Eos) to bogini świtu, córka Hyperiona i Thei, siostra Heliosa i Seleny oraz żona tytana Astrei.
Bogini Aurora urodziła tytana Astreę Zefira, Boreasa i Notę, a także Hesperusa i inne konstelacje. W mitologii rzymskiej jest boginią świtu, przynoszącą światło dzienne bogom i ludziom.

„Aurora lub gwiazda poranna”, 1814

Château de Compiègne – zamek Compiègne, Francja. Sufit w sypialni cesarzowej.
Anne-Louis Girodet de Roucy-Trioson(1767-1824) – francuski malarz historyczny, portrecista, litograf i pisarz.
Otrzymał solidne wykształcenie humanistyczne. Jeden z najlepszych uczniów Dawida, u którego uczył się od 1785 roku. Na początku swojej działalności artystycznej pasjonował się mitologią grecką, a wśród pseudoklasycyzmu, który dominował wówczas w sztuce francuskiej, stał się zwiastunem romantyzmu , co wkrótce zmieniło ten kierunek.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Hekate

Hekate jest córką Asterii i Perse’a, nieolimpijskiej bogini czarów i mocy nadprzyrodzonych.
Hekate miała trzy złączone ciała, sześć par ramion i trzy głowy.
Otrzymała od Zeusa władzę nad losami ziemi i morza, Uran obdarzył ją wielką mocą. Po zwycięstwie olimpijczyków nad tytanami Hekate udało się utrzymać swoje wpływy, choć mieszkańcy Olimpu uważali jej obecność za bezlitosną. Nawet sam Zeus szanował Hekate tak bardzo, że nigdy nie kwestionował jej prawa do spełniania lub niespełniania najskrytszych pragnień śmiertelników.
Hekate patronowała myślistwu, pasterstwu, hodowli koni, działalności publicznej ludności (w sądzie, zgromadzeniu narodowym, wojnie), strzegła dzieci i młodzieży. Ponura bogini nocnej magii, Hekate była przerażająca, gdy przemierzała ciemność miejsc pochówku i pojawiała się na skrzyżowaniach z płonącą pochodnią w dłoniach i wężami we włosach. Zwrócili się do niej o pomoc, stosując specjalne tajemnicze manipulacje. Wywoływała duchy zmarłych, pomagała opuszczonym bliskim. To Hekate wezwała Demeter na pomoc, zmuszając wszystkowidzącego Heliosa do wyznania, że ​​Hades porwał Persefonę.
Pomaga czarodziejkom, które podobnie jak Kirke i Medea uczą się od niej swojej sztuki. Czasami Hekate pomagała ludziom, na przykład to ona pomogła Medei zdobyć miłość Jasona.
Orfeusz był założycielem tajemnic Hekate na Eginie, to ona powiedziała mu, jak zwrócić Eurydykę, gdy Orfeusz wezwał boginię.

„Hekate”, około 1795 r


Galerii Tate.
Williama Blake’a(inż. William Blake, 1757-1827) – angielski poeta i artysta, mistyk i wizjoner.
Blake za życia nie zyskał żadnej sławy poza wąskim kręgiem wielbicieli, lecz został „odkryty” po jego śmierci. Wywarł znaczący wpływ na kulturę XX wieku. Uważa się, że rok 1863 zapoczątkował uznanie Williama Blake’a i wzrost zainteresowania nim.
Obecnie William Blake słusznie uważany jest za jednego z największych mistrzów angielskich sztuk pięknych i literatury, jednego z najzdolniejszych i najbardziej oryginalnych malarzy swoich czasów.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Hera/Junona

Juno – rzymska bogini, odpowiadająca greckiej Herie, żonie Jowisza, która cieszyła się w niebie jeszcze większą władzą niż grecka Hera. Wraz z Minerwą i Jowiszem została uhonorowana na Kapitolu. Na Kapitolu wzniesiono świątynię Juno Monety (przekonujące). Działała tu także mennica państwa rzymskiego, której według legendy objęła patronatem.
Królowa niebios Junona, a także jej mąż Jowisz, który zapewnia ludziom sprzyjającą pogodę, burze, deszcze i żniwa, zsyła sukcesy i zwycięstwa, była także czczona jako patronka kobiet, zwłaszcza zamężnych. Juno była strażniczką związków małżeńskich, asystentką przy porodzie. Czczono ją także jako wielką boginię płodności. Kultem Jowisza rządził kapłan – flamin, zaś kult Junony – żony flamina (flaminica). Zamężne kobiety corocznie obchodziły pierwszy marca na cześć Junony, tzw. matronalia. Z wieńcami w rękach maszerowali do świątyni Junony na wzgórzu Eskwilin i wraz z modlitwami o szczęście w życiu rodzinnym składali bogini kwiaty w ofierze. W tym samym czasie w festiwalu uczestniczyli także niewolnicy.
Miesiąc czerwiec został nazwany na cześć Junony.

„Bogini Juno w domu snu”, 1829


Museo Nacional del Prado
Szkic olejny do fresku na suficie salonu Karola III w Pałacu Królewskim w Madrycie.
Luisa Lopeza Pickera– malarz hiszpański.
Urodzony w Walencji 1802, zmarł w Madrycie 5 czerwca 1865. Syn znanego malarza Vincenta Lopeza i brat malarza Bernardo Lopeza Pickera.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Lato / Latona
Latona w języku rzymskim / Leto w mitologii greckiej – córka tytanów Coy i Phoebe, siostra Asterii, która urodziła bliźniaki Apolla i Artemidę od Zeusa.
Według mitu zazdrosna Hera/Juno przeklęła ziemię, tak że ani jeden skrawek ziemi nie mógł przyjąć Latony, aby uwolniła się od jej ciężaru. Dopiero mała wyspa Delos zgodziła się ją przyjąć i tam urodziła bliźniaki, Artemidę i Apolla. Według jednej wersji mitu żona Zeusa/Jowisza zatrzymała boginię za pozwoleniem od ciężaru Elifii na Olimpie, a Leto/Latona rodziła przez 9 dni, dopóki inne boginie, które jej współczuły, nie przekupiły Elifii naszyjnikiem przeszedł przez Iridę, boginię tęczy.
Zmęczona długą podróżą Latona chciała napić się wody z jeziora w Licji, lecz nie pozwolili jej na to miejscowi chłopi, którzy polowali tam na wierzbę, trzcinę i turzycę. Za karę zamieniła je w żaby.
Temat ten występuje zarówno w malarstwie, jak i rzeźbie ogrodowej, zwłaszcza we Francji w XVII wieku. Latona jest przedstawiana (zwykle z dziećmi) w pobliżu jeziora, gdzie brną chłopi i ogromne żaby.

Latona i chłopi licyjscy, OK. 1605


Rijksmuseum w Amsterdamie.
(1568 - 1625) - słynny malarz flamandzki.
Urodzony w Brukseli. Pochodził z wielkiej dynastii flamandzkich malarzy Bruegla, jego ojcem był Pieter Brueghel Starszy. Pracował w Rzymie, Antwerpii, Pradze, Brukseli. Twórcze dziedzictwo Jana Brueghela Starszego obejmuje wiele wspaniałych krajobrazów z małymi postaciami ludzkimi ożywiającymi obrazy, oparte na tematyce biblijnej i alegorycznej. Jan Brueghel Starszy słynie ze szczegółowych przedstawień kwiatów w formie martwych natur czy wianków kwiatowych. Jan Brueghel namalował także dużą liczbę obrazów o tematyce mitologicznej i alegorii, często ze swoim przyjacielem Peterem Paulem Rubensem.
Zmarł na cholerę, a wraz z nim ofiarą epidemii stała się trójka jego dzieci (Piotr, Elżbieta i Maria).

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Orfeusz
Orfeusz – Trak pochodzący z okolic Kikonów, mieszkał we wsi Pimpleya niedaleko Olimpu. Syn trackiego boga rzeki Eagry (wariant - Apollo) i muzy Kaliope. Orfeusz zasłynął jako piosenkarz i muzyk, obdarzony magiczną mocą sztuki, która podbijała nie tylko ludzi, ale także bogów, a nawet przyrodę. Ulubieniec Apolla, który podarował mu złotą lirę. Brał udział w kampanii Argonautów, uspokajając fale, grając w formację i modlitwy oraz pomagając wioślarzom statku Argo.
Wizerunek Orfeusza jest obecny w znacznej liczbie dzieł sztuki, muzyki, poezji i malarstwa. Szczególnie popularna jest tragiczna historia miłosna piosenkarza Orfeusza i jego żony, nimfy Eurydyki. I jej śmierć, i próba Orfeusza zawrócenia żony z krainy umarłych.

„O wy, bóstwa, których siedziba pod ziemią jest na zawsze,
Tutaj, gdzie się znajdziemy, wszyscy stworzeni przez śmiertelników! …
Chaos, modlę się z otchłanią i ciszą pustynnego królestwa:
Odnów mój krótki los, Eurydyko! ...
Jeśli łaska losu odmówi mi żony, wróć
Ja też nie chcę: raduj się śmiercią obojga.
(Owidiusz, „Metamorfozy”, przekład S. V. Shervinsky’ego)

„Orfeusz w podziemiach”, 1594


Palazzo Pitti, Galeria Palatina, Florencja, Włochy.
Jan Brueghel Starszy, Aksamit

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

„Orfeusz i Eurydyka w królestwie umarłych”, 1652


Museo Nacional del Prado
Piotr Fryz(1627, Amsterdam - 1706, Delft), pejzażysta holenderskiego Złotego Wieku.

Rainera Marii Rilke
Sonety do Orfeusza
Och, drzewo! Wznieś się do nieba!
Kwitnij, posłuszne ucho! Orfeusz śpiewa.
I wszystko ucichło. Ale w cichej piosence
planowano wakacje i lot.

Cały las stał się przezroczysty. Zatłoczony piosenkarzem
i bestię z jaskiń, i mieszkańców jaskiń.
Nie przyciągały ich już drapieżne zamiary,
i nie w milczeniu zwierzęta się ukrywały, -

Oni słuchali. Niski ryk i warczenie
pokorni w sercach. Gdzie ostatnio
jak nieproszony gość, dźwięk byłby nieśmiały, -

w dowolnej dziurze schronienie przed zamieciami,
gdzie ciemność i chciwość wyraźnie rządziły, -
wznieśliście bezprecedensową świątynię dla pieśni.
Przetłumaczone z języka niemieckiego przez Grainema Rathausa

1640


Kolekcja Rose-Marie i Eijka van Otterloo.
Alberta Jacobsa Cuypa(Aelbert (Aelbrecht) Jacobsz Cuyp, 1620 - 1691, Dordrecht) – holenderski malarz, grafik i rytownik epoki baroku.
Zarówno dziadek, jak i wujek Alberta byli artystami specjalizującymi się w witrażach, jego ojciec, Jacob Gerrits Cuyp, był znanym portrecistą. Prawdopodobnie to od ojca Albert studiował malarstwo i na początku lat czterdziestych XVII wieku. ojciec i syn pracowali razem na zamówienie: Jakub malował portrety, a Albert dostarczał im pejzażowe tło.
Cuyp pokazał się w różnorodnych gatunkach malarstwa, jego pędzle należą do płócien biblijnych, mitologicznych i historycznych, martwych natur, portretów (te ostatnie świadczą o niewątpliwym wpływie Rembrandta na niego), ale to pejzaże przyniosły mu sławę.
Działalność Cuypa prowadzona była głównie w Dordrechcie. Po śmierci ojca w 1651 lub 1652 roku Albert odziedziczył znaczny majątek i stał się jednym z najbardziej szanowanych obywateli. Był aktywnym członkiem Holenderskiego Kościoła Reformowanego i piastował ważne stanowiska miejskie i kościelne. W 1659 został dziekanem.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Inny „Orfeusz czarujący zwierzęta”
Nieszczęśnik żywił się smutkiem, cierpieniem duszy i łzami.
I zarzucając podziemiom bezduszność bogów, wyszedł
Do Rodopów, do Klejnotu, uderzonego północnym wiatrem.
Oto konstelacja Ryb morskich zawarta trzecia
Tytan zakończył już rok, a Orfeusz stale go unikał
Miłość kobiet. Czy to dlatego, że stracił do niej chęć?
Albo zachował lojalność – ale u wielu polowanie płonęło
Połącz się z piosenkarzem, a odrzuceni bardzo cierpieli.
Poczuł się winny, że za nim stały też narody trackie,
Przekazywanie na niedojrzałą młodzież uczucia miłości,
Krótkie życie wiosny, pierwsze kwiaty są odcięte.
Owidiusz Publius Nason, Metamorfozy, księga dziesiąta.

W tym celu, według Owidiusza, został rozerwany na kawałki przez trackie menady.

Giovanniego Francesco Castiglione- malarz włoski (1641 - 1710, Genua).
Artysta był synem i uczniem Giovanniego Benedetto Castiglione i studiował malarstwo w pracowni ojca. Około 1664 roku otrzymał rozkaz od Ottavio Gonzagi Starszego, a od 1681 roku. został nadwornym malarzem Ferdinanda Carla Gonzagi. Po śmierci księcia w 1708 roku Castiglione powrócił do Genui. Tam jest pochowany w kościele Santa Maria di Castello.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Jest jeszcze inny starożytny grecki bohater, który wybrał się na wycieczkę do podziemi.

Eneasz
Eneasz, w mitologii starożytnej (a przede wszystkim rzymskiej) jeden z głównych obrońców Troi i legendarny przodek Rzymian. Według Iliady Homer uniknął śmierci w wojnie trojańskiej dzięki interwencji bogów, ponieważ jego przeznaczeniem było kontynuowanie dynastii królów trojańskich i ożywienie chwały Trojan w innym kraju. Wersja ta stała się podstawą Eneidy Wergiliusza, będącej głównym źródłem przedstawienia mitu o Eneaszu.
Rodzicami Eneasza, według Wergiliusza, byli Anchises, wnuk króla trojańskiego Ila i kuzyn Priama oraz Afrodyta (w tradycji rzymskiej Wenus).
Eneasz poślubił Kreusa (córkę Priama i Hekabeny), jego syn Askaniusz (Jul lub Iul) stanie się, według Wergiliusza, założycielem rzymskiego patrycjuszowskiego rodu Juliusza, do którego należeli Juliusz Cezar i Oktawian August.
Eneasz był świadkiem zniszczenia i śmierci Troi, morderstwa króla Priama. Hektor instruuje go, aby wyniósł i zakonserwował posągi bogów trojańskich i umieścił je w miejscu, w którym Eneasz zostanie założycielem nowego miasta.
Na 20 statkach wypłynęły ocalałe trojany. Podczas podróży morskiej Eneasz i jego towarzysze odwiedzili wiele miejsc i przeróbek, a tylko nieliczni z ocalałych docierają z Eneaszem do Włoch. Dochodzi do spotkania z tajemniczą prorokinią Sybillą. Sybilla towarzyszyła Eneaszowi do Królestwa Umarłych, gdzie po trudnej i niebezpiecznej podróży Eneasz spotyka swojego ojca, od którego słyszy proroctwa dotyczące wielkiej przyszłości Rzymu.

Eneasz dobył miecza, ogarnięty nagłym strachem,
Wyciągnij ostre ostrze, aby stawić czoła atakowi potworów
I nie przypominaj mu, mądra dziewczyno, że to
Rój bezcielesnych cieni zachowuje jedynie pozory życia,
Rzuciłby się na nich, przecinając pustkę mieczem.
Wergiliusz, „Eneida”, Księga VI.

„Eneasz i Sybilla w królestwie umarłych”, 1630


Miejskie Muzeum Sztuki.
Jana Brueghela Młodszego(holenderski. Jan Bruegel de Jonge, 13 września 1601 - 1 września 1678) - przedstawiciel południowo-holenderskiej (flamandzkiej) dynastii artystów Bruegel, wnuk Pietera Bruegla Starszego, Chłopa i syn Jana Bruegla Starszego , Aksamit.
Yang był najstarszym dzieckiem w rodzinie. Dwa lata po jego urodzeniu zmarła jego matka, a ojciec poślubił Katharinę van Marienburg, z którą miał 8 dzieci. Jako pierworodny Yang kontynuował swoją dynastię ze strony ojca i został artystą. W wieku dziesięciu lat odbył praktykę u swojego ojca. Przez całą swoją karierę tworzył płótna utrzymane w podobnym stylu. Wraz z bratem Ambrozjuszem malował pejzaże, martwe natury, kompozycje alegoryczne i inne dzieła pełne drobnych szczegółów. Kopiował dzieła ojca i sprzedawał je pod swoim podpisem.
Jan podczas podróży po Włoszech otrzymał wiadomość o śmierci ojca na cholerę. Przerwał podróż i natychmiast wrócił, aby kierować warsztatem w Antwerpii. Wkrótce zyskał rozgłos i został dziekanem cechu św. Łukasza (1630). Najlepszymi dziełami Jana Młodszego są duże pejzaże.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Prometeusz

Prometeusz – w mitologii greckiej syn tytana Japetusa, kuzyn Zeusa. Matką Prometeusza jest bogini sprawiedliwości Temida (według innych opcji: oceanid Clymene lub oceanid Asiya). Bracia Prometeusza: Menetius (wrzucony do kamienia nazębnego przez Zeusa po tytanomachii), Atlas (za karę podtrzymuje firmament), Epimetheus (mąż Pandory).
Któż nie zna mitu o Prometeuszu? Dlatego lepiej śpiewam wiersze. Wybrała między Ajschylosem, Goethem i Byronem i zdecydowała się Czerwiec Moritz.:)

Prometeusz
Orzeł na dachu świata, jak kot,
Targane wiatrem wiejącym z Kaukazu.
Tytan stracony patrzy w oba oczy
na Zeusa Bestię. Tak wygląda okładka
bezsenność. I soki opowiadania
srebrna łyżka wiruje księżycem.

Piersi Zeusa opadły z namiętności,
okrutna otrzewna jest napięta, -
gdzie ludzie lubią się gromadzić
wypluwa grzmoty jak maszyna.
Tytan trzyma się wątroby. Wierzchołek
Kaukaz idzie z nim w amplitudzie.

Orzeł, potomek Echidny i Tyfona
i brat Chimery z głową kozła,
uruchamia się jak pudełko gramofonu,
i zjada żywą wątrobę.
Tytan myśli o tym: „Opanuję
oddychanie duże, aby uniknąć uszkodzeń.

Owoce cytrynowe w piwnicy doliny
zgromadził światło wokół śpiącej owczarni.
Pasterzu, produkt wody i gliny,
pasterka nalewa do kubka wrzący rosół.
Orzeł zjada tytana jak prawdziwego i
pryska w potężną pachwinę śliną orła.

Tytan nie widzi ani orła, ani niewoli,
widzi siebie schodzącego w dół zbocza
Centaur śmiertelnie ranny w kolano.
Och, diable! W szlachetnym Chironie
strzała wcięta jak topór w kłodę,
poczerniał z bólu jak wrona,

i piana w bujnym, mętnym zarysie
pogarsza bycie wzdłużnym.
Prosi o śmierć, ale od urodzenia jest nieśmiertelny -
cholerny los, nieśmiertelność w niewoli!
Taka udręka w nim, taki ból! ..
Tytan bije w sklepienia nieba, -

Zeus wychodzi: - Czego chcesz, złodzieju? -
Tytan dyktuje: - Zniszcz porządek
i przepisz moją śmierć na przyjaciela,
aby jego odejście było jasne i słodkie:
Niech centaur będzie najdelikatniejszym z łóżek,
a dla mnie - jego wirówka nieśmiertelności, -

Czy rozumiesz? – Zeus mimowolnie skinął mu głową
i wycofał się, aby uspokoić tytana.
Centaur nie bolał już tak bardzo
Herkules zakopał go w cieniu platana.
Orzeł niestrudzenie dręczył tytana,
wgryzanie się w wątrobę. Ale tylko o tym
znany wszystkim i powiedział dość.
1973

„Saga o Prometeuszu”(część tryptyku), 1950


Oskar Kokoszka(niem. Oskar Kokoschka, 1 marca 1886, Pöchlarn, Austro-Węgry - 22 lutego 1980, Villeneuve, Szwajcaria) – austriacki artysta i pisarz czeskiego pochodzenia, największa postać austriackiego ekspresjonizmu w literaturze i sztukach pięknych.
Ze strony ojca należał do rodziny znanych praskich jubilerów. Studiował w Wiedeńskiej Szkole Sztuki i Rzemiosła, wśród jego nauczycieli był Gustav Klimt.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Charona
Na zawsze płynie łódź Charona,
Ale tylko cienie, które bierze ...

„Skarga Ceres”, V.A. Żukowski

Charona, Grecki - syn boga wiecznej ciemności Erebusa i bogini nocy Nikta, nosiciel zmarłych w zaświaty.
Mając tak ponure pochodzenie i zawód, nie należy się dziwić, że Charon był niegrzecznym i zrzędliwym starcem. Zajmował się transportem przez rzekę Styks lub Acheron i tylko do zaświatów, ale nie w przeciwnym kierunku. Charon przewoził tylko dusze zmarłych, pochowanych zgodnie ze wszystkimi zasadami; dusze niepochowanych były skazane na wieczną wędrówkę wzdłuż brzegów rzek zaświatów lub, według mniej rygorystycznych poglądów, co najmniej sto lat. Aby przetransportować Herkulesa, który jako jeden z nielicznych przy życiu trafił do podziemi, Charon na rozkaz Hadesa przez cały rok pracował w łańcuchach. Za dostarczenie dusz zmarłych do Hadesu Charon zażądał nagrody. Dlatego Grecy wkładali monetę (jeden obol) pod język zmarłego. Dlaczego Charon potrzebował pieniędzy w zaświatach – tego nikt nie wiedział. W każdym razie wszyscy zauważają brudny i poszarpany wygląd tego dziwnego boga (a Charon naprawdę był bogiem), jego postrzępioną, nieobciętą brodę. Zwyczaj zaopatrywania zmarłego w pieniądze na podróż utrwalił się w świecie grecko-rzymskim jeszcze długo po zwycięstwie chrześcijaństwa i przeniknął do zwyczajów pochówku innych ludów.

Łódź Charona, 1919


Muzeum Sztuk Pięknych w Walencji
José Benlure i Gil(José Benlliure y Gil; 1855, Walencja - 1937, Walencja) – artysta hiszpański.
Urodzony w rodzinie artystycznej, był synem artysty Juana Antonio Benlure i bratem rzeźbiarza Mariano Benlure oraz artystów Blasa i Juana Antonio. Wkrótce pokazał swój talent malarski, a po pracy w Walencji i Madrycie przeniósł się do Rzymu, gdzie mieszkał przez prawie dwadzieścia lat, odnosząc międzynarodowy sukces i stając się liderem hiszpańskiej kolonii artystycznej w Rzymie. We Francji otrzymał tytuł Officier de l'Academie, był członkiem Académie San Carlos w Walencji i San Fernando w Madrycie, a w 1926 roku był członkiem Hispanic Society of America w Nowym Jorku.
Malował głównie sceny z życia ludowego Hiszpanii i Rzymu, czasem także sceny historyczne i codzienne, wyróżniające się dużym realizmem, świetlistością barw i subtelnością wykonania.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Faeton

Faeton, syn Heliosa (boga słońca), pokłócił się kiedyś ze swoim przyjacielem, ponieważ wątpił w swoje pochodzenie. Potem poszedł do ojca i poprosił go o znak, dowód pokrewieństwa. Ojciec był podekscytowany i obiecał spełnić każde jego pragnienie, po czym faeton poprosił o pozwolenie na jeden dzień prowadzenia słonecznego rydwanu. Ojciec był temu przeciwny, ale nie mógł odwieść syna. Ojciec dał synowi polecenie, aby konie krępował i nie prowadził ich po tak krętej drodze, i nie schodził zbyt nisko (aby nie podpalić ziemi: lasów, pól, gór) i nie wznosił się za wysoko (aby nie podpalić nieba).
Faeton nie mógł powstrzymać koni, ale było już za późno, bez względu na to, jak próbował złagodzić bieg rydwanu, nic z tego nie wyszło. Konie wyskoczyły z koleiny i zeszły zbyt nisko i podpaliły ziemię, a potem gwałtownie wstały i podpaliły niebo. Bóg Posejdon próbował ugasić ten ogień, ale intensywny upał mu to uniemożliwił. Następnie bogini Ziemia poprosiła Zeusa Gromowładnego, aby przybył na ratunek.
Zeus rozbił rydwan jedną błyskawicą i swoim płomieniem zgasił ogień słoneczny. Konie uciekły, a płonący Faeton wydawał się ludziom spadającą gwiazdą. Ogarnięte płomieniami ciało Faetona zostało zabrane do jego wód przez tajemniczą rzekę Eridanus, której nie widziały żadne oczy śmiertelnika, i zgasiło płomień. Najady, żałując Faetona, tak odważnego i tak młodego, by umrzeć, pochowały go i wyryły na nagrobku wersety:

Tutaj pochowany jest Faeton, woźnica rydwanu ojca;
Ścieżka jej nie powstrzymała, ale odważając się na wielkie rzeczy, upadł.

Jego siostry Gelides, córki Heliosa, przybyły do ​​jego grobu, aby go opłakiwać. Tam, nad brzegiem Eridanus, zamieniono je w topole.

Łzy już płyną, sącząc się na młode gałęzie
Bursztyn zamarza pod słońcem...

Krople te znajdują się na brzegu dziewczyny i są noszone jako ozdoba.
Bogowie opłakują Faetona


Teodora van Thuldena(holenderski. Theodoor van Thulden, 1606 lub 1607 - 12 lipca 1669) - - flamandzki malarz i rytownik.
Theodor van Thulden urodził się w 's-Hertogenbosch w Brabancji Północnej. Od 1621 wyjechał do Antwerpii i studiował w pracowni Bleyenberga. Pracował w swoim rodzinnym mieście Herzogenbusch, Antwerpii, Paryżu i Hadze.
W 1626 został mistrzem cechu św. Łukasza, od 1631 do 1633 pracował w Paryżu, w 1634 powrócił do Antwerpii, gdzie często współpracował z Rubensem i pracował na zlecenie zamożnych obywateli. W 1640 powrócił do Brabancji Północnej, gdzie na zlecenie rady miejskiej wygrał konkurs na prawo do tworzenia malowniczych alegorii politycznych.
Theodor van Tyulden bardzo umiejętnie skomponował i wykonał obrazy dekoracyjne o treści alegorycznej i historycznej; Malował także sceny z życia codziennego (szczególnie święta wiejskie i wesela) oraz portrety. Był jednym z najmodniejszych malarzy epoki Ludwika XV. Posiadanie płócien artysty w kolekcji było prestiżem.
Był żonaty z córką artysty Hendrika van Balena.

GATUNEK MITOLOGICZNY (od greckiego μυθολογία – zbiór mitów) – gatunek sztuki pięknej, taki a taki-ty-tak-ro-idź w czerpaniu korzyści z mitów.

Gatunek mitologiczny for-mi-ru-et-xia w sztuce el-li-ni-stic i rzymskiej, w toku gatunków you-de-le-niya sis-te-we od sin-kre-tiz-ma ar-ha-ich-noy tradycyjnej kultury, jedyne-st-ven-nym co-der-zh-ni-em-coś było mitem.

Zatem pojawienie się gatunku mitologicznego powiązanego ze świadomością de-mi-fo-lo-gi-for-qi-her; mit zostaje odtworzony jako artystyczne ty-usiedliśmy, jego bohaterowie under-ver-ga-yut-sya all-możliwy trans-for-ma-qiyam i pe-re-os-cape-le- ni-yam: oko-zy-va-yut-sya w wyciu około stu nov-ke, służy jako przykład -ve-de-niya, czasami under-ver-ga-yut-sya os-meya- niyu lub you-stu-pa-yut w ka-che-st-ve al-le-go-riy, lane -so-ni-fi-ka-tsy.

Jeśli w sztuce średniowiecznej christian-an-sky su-zhe-ti-ka jest prawie całkowicie pełen you-tes-nya-et „język-che-sky”, to w epoce-hu Rise-ro-g-de- niya an-tich-ny mi-fy re-os-cape-li-va-yut-sya i bliżej-zh-yut-sya z hri-sti-an-ski-mi, pełen nowych al-le-go- ric co-der-zha-ni-em (A. del Pol-lai-o-lo, S. Bot-ti-chel-li, A Man-te-nya, Pier-ro di Co-zi-mo, F del Cos-sa, Ra-fa-el, Cor-red-jo, B. Per-ruts-tsi, J. Ro-ma-but, George-jo-ne, Ti-chi-an, P. We- ro-ne-ze, Ya. Tin-to-ret-to, A. Bron-zi-no, J. Wa-za-ri, L. Kra-nach Starszy, J. Gou-jon, N. del' Abbate, szkoła hu-doge-ni-ki Font-tenb-lo itp.).

„Me-ta-mor-fo-zy” Ovi-diyi wraz z go-me-r-eposem staje się głównym źródłem mi-fo-logicznych wątków w sztuce bar-rock-co i class- si-cis-ma z XVII w. (rzeźba-tu-ra J.L. Ber-ni-ni, pisząca na żywo Ka-ra -wad-jo, bracia Kar-rach-chi, J. B. Tie-po-lo, P. P. Ru- ben-sa, Rem-brand-ta, D. We-la-ske-sa, N. Pus-se-na, K. Lor-re-na itp.), ro-co-co (F. Bu- ona, J.O. Fra-go-na-ra) i class-si-cis-ma z drugiej połowy XVIII – początków XIX wieku, kiedy gatunek mitologiczny zbliża się do życia historyczno-religijnego-in-pi-sue, on-half-nya-is-idea-al-ny-mi-klasyczne obrazy (rzeźba-tu-ra A. Ka-no-vy, I.G. Sha-do-va i B. Thor-wald-se-na, malarstwo J. L. Da-vi-da, J. O. D. En-gras, A. R. Meng-sa, V. Ka-much-chi-ni, itp.) lub tragiczne pe-re-os-mys-le-nie in life-in-pi- si ro-man-tiz-ma (F. Goya, E. De Lac Roi).

U-ra-tiv głęboki podtekst i plastyczny styl ost-ro-tu w sztuce późnego-nea-ca-de-mic i salonowej drugiej połowy XIX wieku, mitologiczny gatunek ty -ro-dil- sya w top-but-st-no-il-lu-st-ra-tiv-ny pro-from-ve-de-niya (V.A. Bug-ro, L. Al-ma-Ta-de-ma, F. Lay-ton i in.), otrzymał satyryczną interpretację w serii li-to-grafiki O. Do mier.

W XIX wieku b-go-da-rya in-te-re-su ro-man-ti-kov do korzeni narodowych oraz kultury średniowiecznej i ludowej-tu-re, do sztuki przybył ten sam niemiecki, celtycki, Mity indyjskie i słowiańskie. Jednocześnie w stworzeniu-che-st-ve pre-ra-fa-eli-tov i ma-te-ditch not-oi-dea-lis-ma voz-ro-zh-yes-et-sya w - te-res do an-tich-noy te-ma-ti-ke (zhi-vo-piss H. von Ma-re, A. Bök-li-na, sculpt-tu-ra A. Khil-deb-ran - Tak).

Mitologiczny gatunek shi-ro-ko jest reprezentowany w sztuce XX wieku, on-chi-naya z symbolem-in-liz-ma i mod-der-on rub-be-zha XIX-XX w. wieki (G. Moro, M. De-ni, F. Val-lot-ton, F. von Stuck, G. Klimt, A. Mu-ha), ar-hai-zi-ruyu-schey not-oklas -si-ki (A May-ol, E.A. Bur-del itp.) oraz avan-gar-di-st-sky zhi-vo-pi-si i gra-fi-ki (M. Beck-man, P. Klee, P. Pi-cas-so). In-di-vi-du-al-noe mi-fo-creative-che-st-vo from-li-cha-et pro-from-ve-de-nya mas-te-dov sur-real-lis-ma . Sztuka That-ta-li-tar-noe Włoch, Niemiec, gatunek mitologiczny kul-ti-vi-ro-va-lo. An-ti-to-ta-li-tar-naya inter-ter-pre-ta-tion mi-fa ha-rak-terna for pre-hundred-vi-te-lei in-stmo-der-niz-ma ( K. M. Marya-ni, J. Shaw i inni).

W Rosji gatunek mitologiczny zaczął być ras-pro-country od XVIII wieku, szczególnie w sztuce klasy si-cis-ma z przełomu XVIII i XIX wieku (rzeźba-tu-ra S.S. Pi-me- no-va, V.I. De-mut-Ma-li-nov-sko-go, I.P. Mar-to-sa, piszący na żywo A.P. Lo -sen-ko, P.I. So-ko-lo-va, K.P. Brul- lo-va, A.A. Iva-no-va).

W drugiej połowie XIX i na początku XX wieku inter-res do narodowego folk-lo-ru in-ro-zh-yes-jest jego własną, odmienną inter-ter-pre-tacją gatunek mitologiczny w stylu le moderne: bajeczne obrazy life-in-pee-si V.M. Vas-ne-tso-wa i M.A. Vru-be-la, gra-fi-ki I.Ya. Bi-li-bi-na i E.D. Po-le-no-howl, sculpt-tu-ry S.T. Ko-nyon-ko-wa i K. Er-zi. Słowiańskie i wschodnie mi-fo-logia prezentowane w twórczości N.S. Gon-cha-ro-howl i N.K. Re-ri-ha. Mi-fa El-la-dy pre-lo-mi-lis w pro-from-ve-de-ni-yah Vl.A. Se-ro-va i L.S. Sto dolarów.

W sztuce współczesnej gatunek mitologiczny reprezentują odrębne dzieła o tematyce antycznej P.P. Kon-cha-lov-sko-go, V.N. Yakov-le-va, E.I. Nie-z-zachodu-nie-go itp., A także szereg pro-z-ve-de-niy hu-doge-ni-kov ZSRR, w świętym narodowym ge-ro-pits eposy.

Na przełomie XX-XXI wieku, owszem, w sztuce rosyjskiej rośnie gatunek mitologiczny A.G. . Ak-ri-tas, D.D. Ka-min-ker, M.M. She-mya-kin, Z.K. Ce-re-te-czy i wiele innych. inni

gatunek historyczny
gatunek mitologiczny

Wiktor Wasniecow „Chrystus Wszechmogący”, 1885–1896.

Gatunek historyczny, jeden z głównych gatunków sztuk pięknych, poświęcony odtwarzaniu przeszłych i obecnych wydarzeń o znaczeniu historycznym. Gatunek historyczny często przeplata się z innymi gatunkami - gatunkiem codziennym (tzw. Gatunek historyczno-codzienny), portretem (kompozycje portretowo-historyczne), pejzażem („krajobraz historyczny”), gatunkiem bitewnym. Ewolucja gatunku historycznego w dużej mierze wynika z rozwoju poglądów historycznych, a ostatecznie ukształtowała się ona wraz z ukształtowaniem się naukowego spojrzenia na historię (w pełni dopiero w XVIII-XIX w.).

Wiktor Wasniecow. „Słowo Boże”, 1885-1896

Jego początki sięgają kompozycji symbolicznych starożytnego Egiptu i Mezopotamii, obrazów mitologicznych
Starożytna Grecja, po dokumentalno-narracyjne płaskorzeźby starożytnych rzymskich łuków triumfalnych i kolumn. Właściwie gatunek historyczny zaczął kształtować się we włoskiej sztuce renesansu -
w dziełach bitewno-historycznych P. Uccello, kartonach i obrazach A. Mantegny na tematy historii starożytnej, interpretowanych w idealnie uogólnionym, ponadczasowym planie przez kompozycje Leonarda da Vinci, Tycjana, J. Tintoretto.

Tycjan. „Porwanie Europy”, 1559-1592

Jacopo Tintoretto „Ariadna, Bachus i Wenus”.
1576, Pałac Dożów w Wenecji

Jacopo Tintoretto „Kąpiel Zuzanny”
Drugie piętro. 16 wiek

Tycjan „Bachus i Ariadna”. 1523-1524

W XVII i XVIII wieku w sztuce klasycyzmu na pierwszy plan wysunął się gatunek historyczny, obejmujący właściwą tematykę religijną, mitologiczną i historyczną; w ramach tego stylu ukształtował się zarówno typ uroczystej kompozycji historyczno-alegorycznej (Ch. Lebrun), jak i pełne etycznego patosu i wewnętrznej szlachetności obrazy przedstawiające wyczyny bohaterów antyku (N. Poussin).

Nicolas Poussin „Pejzaż z Orfeuszem i Eurydyką”, 1648

Punktem zwrotnym w rozwoju gatunku był wiek XVII. w pracach D. Velasqueza, który wprowadził głęboki obiektywizm i człowieczeństwo do przedstawienia historycznego konfliktu między Hiszpanami a Holendrami, P.P. Rubens, który swobodnie łączył rzeczywistość historyczną z fantastyką i alegorią, Rembrandt, który pośrednio ucieleśniał wspomnienia wydarzeń rewolucji holenderskiej w kompozycjach przepełnionych heroizmem i wewnętrznym dramatem.

P. Rubens „Unia ziemi i wody”
1618, Ermitaż w Petersburgu

P. Rubensa „Diana na polowaniu”, 1615

P. Rubensa „Artysta z żoną Izabelą Brant”, 1609

Rubensa „Wenus i Adonis”, 1615
Metropolita Nowego Jorku

W drugiej połowie XVIII wieku, w okresie Oświecenia, gatunkowi historycznemu nadano znaczenie edukacyjne i polityczne: obrazy J.L. Dawid, przedstawiający bohaterów republikańskiego Rzymu, stał się ucieleśnieniem wyczynu w imię obywatelskiego obowiązku, brzmiał jak wezwanie do walki rewolucyjnej; w latach rewolucji francuskiej 1789-1794 przedstawił jej wydarzenia w heroicznie optymistycznym duchu, zrównując w ten sposób rzeczywistość z przeszłością historyczną. Na tej samej zasadzie leży malarstwo historyczne mistrzów francuskiego romantyzmu (T. Géricault, E. Delacroix), a także Hiszpana F. Goyi, którzy nasycają gatunek historyczny namiętnym, emocjonalnym postrzeganiem dramatyzmu historii i współczesne konflikty społeczne.

Eugene Delacroix „Kobiety Algierii w swoich komnatach”.
1834, Luwr, Paryż

W XIX wieku wzrost samoświadomości narodowej i poszukiwanie historycznych korzeni swoich narodów doprowadziły do ​​​​nastrojów romantycznych w malarstwie historycznym w Belgii (L. Galle), Czechach (J. Manes), na Węgrzech (V. Madaras) i Polska (P. Michalovsky). Chęć odrodzenia duchowości średniowiecza i wczesnego renesansu zdeterminowała retrospektywny charakter twórczości prerafaelitów (D. G. Rossetti, J. E. Milles, H. Hunt, W. Morris, E. Burne-Jones, J. F. Watts, W. Crane i in.) w Wielkiej Brytanii oraz Nazarejczyków (Overbeck, P. Cornelius, F. Pforr, J. Schnorr von Karolsfeld i in.) w Niemczech.

George Frederick Watts „Ariadna na wyspie Naxos”, 1875

Edward Burne-Jones „Zwierciadło Wenus”, 1870-1876

Edward Burne-Jones „Gwiazda Betlejemska”, 1887-1890

Gatunek mitologiczny (od gr. Mytos - legenda) - gatunek sztuki plastycznej poświęcony wydarzeniom i bohaterom, o których opowiadają mity starożytnych ludów. Wszystkie narody świata posiadają mity, legendy, tradycje i to one stanowią najważniejsze źródło twórczości artystycznej. Gatunek mitologiczny wywodzi się ze sztuki późnoantycznej i średniowiecznej, kiedy mity grecko-rzymskie przestają być wierzeniami, a stają się opowieściami literackimi o treści moralnej i alegorycznej. Sam gatunek mitologiczny ukształtował się w okresie renesansu, kiedy starożytne legendy dostarczyły najbogatszego tematu dla obrazów S. Botticellego, A. Mantegny, Giorgione i fresków Rafaela.

Sandro Botticelli „Oszczerstwo”, 1495

Sandro Botticelli „Wenus i Mars”, 1482-1483

W XVII wieku - początek XIX wieku znacznie rozszerza się idea obrazów z gatunku mitologicznego. Służą ucieleśnieniu wysokiego ideału artystycznego (N. Poussin, P. Rubens), przybliżają je do życia (D. Velasquez, Rembrandt, P. Batoni), tworzą odświętny spektakl (F. Boucher, J. B. Tiepolo). W XIX wieku gatunek mitologiczny stał się normą sztuki wysokiej, idealnej (rzeźba I. Martosa, obrazy
J L. David, J.-D. Ingra, A. Iwanowa).

Pompeo Batoni „Zaślubiny Kupidyna i Psyche”, 1756

Pompeo Batoni „Chiron zwraca Achillesa jego matce Tetydzie”
1770, Ermitaż w Petersburgu

Pompeo Batoni „Wstrzemięźliwość Scypiona Afrykańskiego”
1772, Ermitaż w Petersburgu

Wraz z motywami mitologii starożytnej w XIX-XX wieku. w sztuce popularne stały się motywy mitów germańskich, celtyckich, indyjskich i słowiańskich.

Gustave Moreau „Noc”, 1880

Na początku XX wieku symbolika i secesja ożywiły zainteresowanie gatunkiem mitologicznym (G. Moreau, M. Denis,
W. Wasniecow, M. Wrubel). Nowoczesne przemyślenie otrzymał w rzeźbie A. Mayola, A. Bourdelle'a,
S. Konenkov, grafika P. Picasso.

Lawrence Alma-Tadema „Odnalezienie Mojżesza”
1904, zbiory prywatne

Wiktor Wasniecow „Bóg Sabaot”, 1885-1896

Prerafaelici (od łac. prae – przed i Raphael), grupa angielskich artystów i pisarzy, którzy zjednoczyli się w 1848 roku w Bractwie Prerafaelitów, założonym przez poetę i malarza D.G. Rossetti, malarze JE Milles i H. Hunt. Prerafaelici dążyli do wskrzeszenia naiwnej religijności sztuki średniowiecznej i wczesnorenesansowej („prerafaelowskiej”), przeciwstawiając ją zimnemu akademizmowi, którego korzenie dopatrywali się w kulturze artystycznej wysokiego renesansu. Od końca lat pięćdziesiątych XIX w. artyści W. Morris, E. Burne-Jones, W. Crane, J. F. Watts i inni skupieni wokół Rossettiego. działalność prerafaelitów (przede wszystkim Morrisa i Burne-Jonesa) na rzecz odrodzenia sztuki i rzemiosła angielskiego miała szeroki charakter. Idee i praktyka prerafaelitów w dużym stopniu wpłynęły na kształtowanie się symboliki w sztukach wizualnych i literaturze (J. W. Waterhouse, W. Pater, O. Wilde) oraz stylu secesyjnego w sztukach wizualnych (O. Beardsley i in.) Wielka Brytania.

E. Burns-Jones „Dzika róża. Śpiąca księżniczka”, 1870-1890

Ew Burns-Jones. „Afrodyta i Galatea”, 1868-1878

George Frederick Watts.” Orlando w pogoni za Fatą Morganą”
1848, zbiory prywatne

Nazareńczycy (niem. Nazarener) – półironiczny przydomek grupy niemieckich i austriackich mistrzów wczesnego romantyzmu, zjednoczonych w 1809 roku w „Unii św. Łukasza”; pochodzi od „Alla Nazarena”, tradycyjnej nazwy fryzury z długimi włosami, znanej z autoportretów A. Dürera i ponownie wprowadzonej do mody przez F. Overbecka, jednego z założycieli bractwa nazareńskiego. Od 1810 r. Nazareńczycy ( Overbeck, P. Cornelius, F. Pforr, Yu.Schnorr von Karolsfeld i inni) pracowali w Rzymie, zajmując pusty klasztor San Isidoro i żyjąc na wzór średniowiecznych bractw religijnych i arteli artystycznych. Wybierając za wzór do naśladowania sztukę Dürera, Perugino, wczesnego Rafaela, Nazareńczycy starali się ożywić duchowość sztuki, która ich zdaniem została zagubiona w kulturze czasów nowożytnych, ale ich dzieła, w tym zbiorowe (murale w domu Bartholdich w Rzymie, 1816-1817; obecnie w Galerii Narodowej w Berlinie). niepozbawiona odrobiny zimnej stylizacji. W latach dwudziestych i trzydziestych XIX wieku większość Nazarejczyków powróciła do ojczyzny. Ich działalność praktyczna, a zwłaszcza wypowiedzi teoretyczne, wywarły zdecydowany wpływ na nurty neoromantyczne drugiej połowy XIX wieku, w tym na prerafaelitów w Wielkiej Brytanii i mistrzów neoidealizmu w Niemczech.

Ferdynand Hodler „Rekolekcje z Marignan”, 1898

Od lat pięćdziesiątych XIX wieku rozpowszechniły się także salonowe kompozycje historyczne, łączące wspaniałą reprezentatywność z pretensjonalnością oraz małe obrazy historyczne i codzienne, które wiernie odtwarzają „kolor epoki” (V. Bouguereau, F. Leighton, L. Alma-Tadema w Wielkiej Brytanii, G. Moreau, P. Delaroche i E. Meissonier we Francji, M. von Schwind w Austrii itd.).

Lawrence Alma-Tadema „Safona i Alki”, 1881

Gustave Moreau „Edyp i Sfinks”

Gustave Moreau „Chimera”, 1862